Psicología de cine: objetivos para atraer a la audiencia

1. Introducción a Skillshare: Todos, me llamo Scott Baker y llevo en la industria del cine desde 2009. He trabajado en grandes series de televisión y películas. Y por un lado, también he dirigido mis propios cortometrajes, videos musicales, documentales. Y lo único que he notado en mi carrera es que todos están enfocados en lo técnico, ya sabes, cámaras, luces, software de edición. Pero lo que rara vez se discute es por qué tomamos las decisiones que hacemos. El psicología detrás del cine al ver películas, si estás sintiendo ciertas emociones, eso no es por accidente. Los cineastas han elegido técnicas específicas y confeccionado sus tomas de ciertas maneras para que te sientas así. Las mejores películas son las que nos hacen sentir algo. Y los mejores cineastas son los que saben hacer eso. Por eso en este curso, vamos a aprender cómo el color, el embarque, el diseño de escenografía , las tomas de cámara, el sonido y la música afectan todas las emociones del público. Conocer cómo funcionan estos elementos te dará la base para crear películas más significativas. Para entender estos conceptos se estudiará y analizará clips de película. Se fomentarán las discusiones, y si eres nuevo en el cine o ya tienes experiencia en el lado técnico, este curso es para ti, es para todos los niveles de habilidad. Si eres nuevo, entonces entender estos conceptos sólo facilitará la comprensión de los aspectos técnicos del cine. Y si ya tienes experiencia en este curso, tomaremos las habilidades que ya tienes y te enseñaremos a usarlas para hacer que tus películas sean mucho mejores y que mucho más atractivas. 2. ¿Por qué la posición de la cámara?: Lo principal a recordar de la posición de la cámara es que cuanto más cerca estén las audiencias al tema o a la acción, más conectados e involucrados nos sentimos. Y es cierto lo contrario. Cuanto más lejos estemos del tema o de la acción, más desconectados nos sentimos. Cuando estamos más lejos, naturalmente nos sentimos separados de la acción. Es como si estuviéramos afuera mirando hacia adentro y sintamos como si no pudiéramos ser afectados por lo que está pasando en la escena. Imagina ser miembro del jurado viendo un juicio. El vértice no te mete en la cárcel ni te libera, pero sigues ahí para presenciarlo. Vamos a acercarnos más. Ahora, todo se vuelve un poco más íntimo. Podemos ver las emociones de la gente y podemos sentir como si estuviéramos justo ahí al lado de ellos. Ahora estamos involucrados en lo que está pasando y experimentar lo que está pasando junto con ellos en este caso es otra cosa. Ya lo sabré, este lugar alrededor de Irán. No importa lo cerca o lo lejos que pongamos a nuestra audiencia a la acción, depende de la colocación de nuestra cámara y de las lentes que empleemos. Un lugar de cámara lejano con una distancia focal baja, también conocido como una lente ancha, distanciará al público. Pero podemos mover fácilmente la cámara encerrada usando la misma lente para acercar a nuestro público a la acción. Si estamos usando una distancia focal alta, también conocida como lente estrecha, entonces la cámara se puede colocar a distancia, pero el público todavía se siente cerca de la acción. 3. Ánde cámara : ¿Alto, Lowo costosos o costosos?: Aparte de filmar con la cámara perfectamente nivelada, hay otras tres opciones que podemos elegir. Ahí hay un ángulo alto, ángulo bajo, y lo que se llama tobillo holandés. Toma de ángulo alto es cuando la cámara se coloca en alto y mirando hacia abajo a un sujeto, esto hace que el sujeto parezca más pequeño y da la sensación de que son inferiores o débiles. Un tiro de ángulo bajo y hace los ángulos opuestos hacia arriba en el sujeto. Y al inclinar la cámara hacia arriba, las hace parecer más grandes y le da a la sensación su superior, fuerte o intimidante. Usar tiro de ángulo bajo es también una gran técnica en edificios. Permite mostrar que el edificio puede ser grandioso u ominoso. lo personal, no encuentro que un disparo de ángulo alto tenga el efecto contrario en los edificios. En cambio, funciona muy bien como tiro maestro para dar al público y comprensión de la escena y es ambientación. El tercer ángulo se llama ángulo holandés, y se hace inclinando ligeramente la cámara hacia un lado. Esta es otra forma efectiva de darle al público una sensación de desorientación. Se transmite el mensaje de que las cosas están desequilibradas y que algo no está del todo bien. Y el tiro en realidad no tiene nada que ver con los holandeses. En cambio, fue una técnica que hemos utilizado mucho en el cine alemán. Y se llamaba el ángulo Deutsche. Doidge siendo la palabra alemana para el alemán. Y luego con el tiempo, los hablantes de inglés lo transformaron en el ángulo holandés. 4. Movimiento de la cámara: Junto con la posición y el ángulo de la cámara, el movimiento de la cámara también es importante. Y si tus cámaras se van a mover para el disparo, tienes que decidir si es de mano o se estabilizará con muñecas y campamentos estables? Ir de mano con un poco de batido de cámara puede crear un campo más natural y orgánico. Eso se debe a que está más cerca de la forma en que vemos las cosas mientras estamos en movimiento. En tanto, mucha sacudida de cámara puede tener un campo caótico y ansioso ante él. Si estamos usando dollies y campamentos estables y otros tipos de estabilizadores, puede sentirse menos orgánico, pero es mucho más suave y se siente más pulido. Y debido a que los estabilizadores proporcionan muchas más posibilidades, podemos lograr tomas más intrincadas y a gran escala, lo que puede dar a una película o a una vista una sensación más épica. Ya sea su mano o usando un estabilizador. Moverse entre tiros anchos y primeros planos es una forma muy efectiva de enfatizar la emoción. Y los cambios. Salir de un tiro apretado a un tiro ancho puede revelar cosas al público de las que el personaje ya estaba consciente. Y ayuda a enfatizar un cambio. Ese cambio puede ser un personaje que pierde el control a medida que se convierten en un mundo pequeño y grande. O puede representar una sensación de ser libre. Moverse al revés. Empujar de una toma más ancha a una toma más apretada puede resaltar las emociones de un personaje o incluso revelar la emoción. Al principio, el público puede sentirse removido y a una distancia segura. Pero a medida que la cámara se acerca, las emociones de ese personaje se vuelven más notorias e intensas a medida que el personaje se siente cada vez más de la pantalla. Conforme esto sucede, el público no tiene ningún otro lugar donde mirar. Por lo tanto, se ven obligados a reconocer y empatizar con las emociones del personaje. Por último, tenemos un zoom dolly, y esta es una poderosa técnica para resaltar momentos intensos. Funciona bien cuando un personaje está teniendo una realización importante. También puede trabajar para mostrar un mundo acercándose alrededor de un personaje, creando un sentimiento de claustrofobia. Entonces esas son algunas técnicas que puedes usar para afectar las emociones del público. Pero la parte realmente importante de esta lección es la decisión sobre si ir mano o usar estabilizadores o qué combinación de los dos se quiere usar. Y eso se debe a que es una elección estilística que puede afectar la sensación de toda tu película. 5. Puntas de punto de vista: hay algunos tipos: Punto de vista en primera persona. También se le conoce como Cámara Subjetiva, o simplemente una toma POV. Y lo que esto significa es que ahora somos realmente el personaje y estamos viendo el mundo a través de sus ojos. En cuanto a distancia de cámara. Esto es lo más cerca posible que podamos llegar. Sumerge al espectador en la película y al personaje de una manera muy íntima. Al llevar al público dentro de la cabeza del personaje. Ayuda al público a sentir lo que los campos del personaje y a entender mejor el mundo de la forma en que lo ven. Esencialmente, hay cuatro tipos de POV es que podemos usar POV inusual. Esto se usa a menudo en ciencia ficción para ayudar al público entender algo que no forma parte de nuestra vida cotidiana. Es algo que nunca habíamos visto antes. Ejemplo común, estar en el espacio. POV distorsionado, a menudo utilizado para estados alterados de la mente, ya sean drogas o algún tipo de trauma. Persiguiendo POV. Este tipo de POD crea suspenso para el público porque como el cineasta, no estamos permitiendo que vean quién o qué está siguiendo. Es muy común en las películas de terror y puede hacer que el público se sienta muy incómodo porque ahora se ven obligados a identificarse con algo o alguien que no quieran, como un asesino o un monstruo. Vuela en la pared. Pov, filmando desde la perspectiva de cosas o personas que son impotentes para hacer cualquier cosa. En estas circunstancias. La cámara es como un testigo silencioso de cosas que los personajes no harían si supieran que estaban siendo vigilados. Al igual que los espías. Este POV deja entrar al público en secretas. Otros personajes desconocen. Las tomas de Pov son más efectivas cuando se sienten naturales y apenas se notan cuando están cortadas con miradas de personajes durante momentos clave, o en medio de escenas de diálogo. Esos son ejemplos perfectos. Una palabra de precaución, usar solo tomas POV para toda una película puede volverse irritante. Y en algunos casos, incluso nauseabundo Para el público al causar mareo por movimiento. 6. ¿Qué es el cuarto de ambos?: Si no has oído hablar de un cuarto muro, entonces aquí te damos una explicación rápida antes de discutir el efecto de romper el cuarto muro. Si estamos viendo una obra de teatro, tenemos 123 muros. Y el cuarto muro es invisible que separa a los personajes y al público. Y este es el muro que el público observa a través. Pero los personajes lo desconocen y no pueden ver a través de él. Si estás en el teatro o viendo la televisión que la pantalla, es esa cuarta pared. Romper la cuarta pared ocurre cuando los personajes de la película se dan cuenta del público. Esto se puede hacer haciendo que el personaje hable con el público o algo tan sutil como hacer contacto visual mirando directamente a la lente. Esta técnica encaja al público a la atención porque de repente ahora están involucrados en la película y están siendo interactuados por los personajes. La gente te diría que te pone una madre nerviosa. Amor cuarto muro crea una barrera segura para que el público vea la película de forma anónima. Entonces cuando esa barrera se rompe, atrapa desprevenido al público. Y puede ser alarmante ya que ahora han sido reconocidos. Y se sienten como si los estuvieran vigilando ellos mismos. Al lado de un enorme cuenco al vapor de presentimiento. Cuando un personaje se dirige al público. Es como una conversación secreta en la que el resto de la película no está incluido. Y lo que esto hace es que lleve al público más profundo dentro de la mente de ese personaje. Les permite saber lo que están pensando, cómo se sienten. Y lo que esto hace es crear un vínculo mucho más fuerte entre el público y ese personaje específico. Nunca se puede entrar en un incendio ser si me van a atrapar. No va a ser por un arma así. Y no siempre tiene que ser a través del diálogo. Como mencioné, cuando un personaje mira directamente a la cámara, esa es otra forma de romper la cuarta pared. Hagamos un pequeño experimento. Quiero que te levantes y camines por la habitación. Y mientras lo haces, mantén un ojo en la pantalla para ver dónde estoy buscando. Entonces, ten en cuenta que no importa por dónde entraras en tu habitación, parecía como si mis ojos te siguieran y yo miraba por todas partes que fueras. Esta técnica de mirar directamente a la cámara se utiliza a menudo cuando hay un narrador en esta historia. Por lo que romper la cuarta pared puede tener muchos efectos, entre ellos hacer que el público tome conciencia de que está viendo una película puede hacer que el público se sienta incómodo, los obliga a prestar más atención, crea empatía con un carácter. Y hace que el público se sienta como parte de la película. Entonces esa es la cuarta pared y cómo romperla. Es una brillante técnica de narración de cuentos y una que definitivamente te animo a probar con una de tus películas. Nos vemos en la siguiente lección. 7. Enfoque : no se necesita estar en foco no es malos: Naturalmente, nuestros ojos se fijarán en cualquier persona u objeto en el disparo que esté en foco. Cuando un objeto o una persona está en foco, inconscientemente pensamos, Preste atención a esto. Es importante. Y seguimos eso hasta que cambie el enfoque, diciéndonos que prestemos atención a otra cosa. Pero, ¿qué pasa cuando nada está enfocado? Cuando todo está borroso, nuestros ojos no saben dónde mirar y realmente no sabemos qué está pasando, que puede crear una sensación de desorientación sin nada que nos guíe. Nuestros cerebros están buscando activamente pistas para averiguar qué está pasando o qué es importante. Esta es una técnica que se puede utilizar para los sueños. Flashbacks presentaban lesiones, cansados o ebrios. Esencialmente, cualquier estado mental alterado. Cuando todo está enfocado, es fácil ver y reconocer lo que está pasando. Podemos entender, lo que nos da una sensación de claridad y permite al público relajarse y simplemente ver lo que está sucediendo al introducir una nueva ubicación. Tener todo enfocado es una gran manera de dar al público la mayor cantidad de información posible. De esa manera pueden entender rápidamente el nuevo entorno y lo que está pasando. Es por ello que en los deportes, casi todo siempre está enfocado porque queremos ver lo que está pasando en todo momento. Entonces así es como el enfoque puede tener un efecto en nuestro público. El otro ajuste que podemos cambiar y nuestra cámara es la velocidad de obturación, que hablaremos en la siguiente lección. 8. Velocidad de obturado: más que un ajuste de la exposición: La mayoría de la gente piensa en la velocidad de obturación justo como un componente de la exposición y cómo controlar el desenfoque de movimiento. Pero lo que no se dan cuenta es que también es otra forma muy interesante de afectar cómo se siente nuestro público. Recuerda, ajustar la velocidad de obturación para duplicar nuestra velocidad de fotogramas producirá imágenes que sean más similares a la forma en que percibimos el movimiento irregular. No debe confundirse con la regla a 180 grados, que trata de la colocación y continuidad de la cámara. Si bajamos la velocidad del obturador, se traduce en más desenfoque de movimiento. Y al igual que filmar con enfoque suave, usar más desenfoque de movimiento también puede crear una sensación de desorientación, como en secuencias de ensueño, flashbacks o escenarios de otro mundo. Si elevamos la velocidad del obturador, hay menos desenfoque de movimiento, que hace que todo se vea muy nítido y suave. Pero si empujamos la velocidad del obturador realmente alta, puede hacer que nuestro metraje parezca más staccato. Esto se usa a menudo durante escenas de acción donde todo está sucediendo muy rápido. Aalta la acción e incluso da nuestro metraje o sensación más caótica. Y este es un brillante ejemplo de ambas técnicas. Y transitando entre los dos. La velocidad de obturación también es una forma de acelerar o ralentizar la sensación de nuestro metraje sin tener que rampar la velocidad y editar o disparar en cámara lenta. Y a cámara lenta es de lo que vamos a hablar en la siguiente lección. 9. Cámara lenta: La cámara lenta es una técnica con la que estoy seguro que todos aquí han experimentado simplemente por cómo la viruela. Pero aparte de la sensación estética a ella, también es una gran manera de decirle a tu público: Hey, presta mucha atención a esto. Como cineastas, usar Slow Motion es una técnica fantástica para exagerar algo importante y para asegurarnos de que nuestro público recoja detalles específicos que queremos que vean. Otro uso efectivo es darle al espectador un momento para ponerse al día y construir anticipación justo antes de volver a sumergirse en la acción acelerada. la misma forma que un DJ ralentizará una canción y luego construirá lentamente la anticipación de la multitud antes de traer vuelta toda la canción y todos se vuelven locos. Bueno, Slow Motion es una forma para que los cineastas hagan eso de manera visual. Por último, también puede ser una herramienta muy útil para transmitir los pensamientos internos de una persona. Bendito. Ramas sean revueltos, pizca de sal. Y por supuesto, simplemente se ve muy bien cinematográficamente, ejemplos son conciertos o deportes. Pero al usarlo con fines de narración, úsalo selectivamente y por las razones correctas. Porque cuanto más lo uses, menos impacto tiene cada vez. 10. Luz dura y suave: hora de decidir cómo encender una escena, hay dos espectros de luz que estamos trabajando con ellos. Tenemos nuestra luz dura y somos luz suave. Y esencialmente lo que es esto es la manipulación de las sombras. En primer lugar, echemos un vistazo a la iluminación dura. La iluminación dura crea sombras duras con líneas distintas, y generalmente con gran contraste. Crea una sensación de oposición, dificultad, y tensión. A menudo se usa para villanos y es un básico en el género film noir. Crea una sensación de poder. Puede intensificar una escena. Y también puede poner foco en un personaje u objeto específico. En el otro extremo del espectro, tenemos iluminación suave. Se utiliza mejor para comunicar una sensación de felicidad y calma. A menudo se usa para escenas románticas y finales felices. Para este video musical, queríamos ir a los extremos extremos de la luz dura y suave para demostrar el conflicto interno y el deseo del mensaje de las canciones. Para crear la Luz Dura, apagamos un garaje y usamos un solo foco de arriba para que el artista entrara y saliera. Observe cómo esto crea líneas sólidas entre la luz y la sombra. Y en ciertos ángulos, partes de él desaparecen por completo en la oscuridad. Esto ayuda a exagerar la ansiedad y la presión que siente. Aquí. La sombra de su barbilla lo hace para que ni siquiera podamos ver como cuello. Para yuxtaponar sus escenas. Filmamos a la hembra afuera usando la luz del sol. Y si hubiera alguna sombra dura proyectada, honor, suavizamos esas mediante el uso de reflectores. Observe cómo cualquier sombra en ella es muy ligera y no están ocultando sus rasgos. Esto complementa su actitud relajada y feliz mientras pasea por la playa de una manera onírica. Para que coincida con la luz extrema dura que se usaban en él. Decidimos soplar algunas de las suaves escenas LET sobre ella. Y para fusionar los dos extremos, utilizamos fugas de luz como una forma de transición entre los dos. 11. Brillo: La segunda opción que tenemos es lo brillante u oscuro que hacer nuestras escenas. Ahora esto puede verse afectado por una serie de cosas como la hora del día que estás disparando, ya sea por la noche, por mitad del día o por la hora mágica. Y también puede verse afectada por si estás disparando en interiores o al aire libre. Pero para esta lección, sólo vamos a concentrarnos en cómo el nivel de brillo puede afectar el estado de ánimo y la sensación de nuestras películas. Cuando todo está bien iluminado, nos permite ver todo, lo que a su vez da claridad y comprensión a lo que está sucediendo. De ahí el dicho, claro como el día. Y cuando no tenemos comprensión de lo que está pasando, naturalmente nos da una sensación de calma. Esto a su vez, también puede proporcionar al público una sensación de seguridad. Embarque más brillante. También se siente más positivo y edificante, razón por la cual la mayoría de las comedias para la mayoría de una película o bien iluminada. Cuando elegimos dejar que nuestras películas se oscurezcan, naturalmente tiene el efecto contrario. iluminación más oscura puede indicar drama o peligro. Y debido a que no podemos ver en la oscuridad, también representa lo desconocido. De ahí el dicho, dejado en la oscuridad. Para los humanos, lo desconocido puede ser perturbador porque ya no sentimos que tenemos control de la situación. Los mejores ejemplos son las películas de terror. Cuando estés viendo una película de terror, observa cómo serán los momentos de miedo por la noche o en lugares oscuros provocando que nos pongamos tensos. Más alerta. A lo mejor para algunos de nosotros, incluso aumenta nuestro ritmo cardíaco. Pero luego observa que cuando la parte de miedo ha terminado, hay una transición rápida al día o en algún lugar iluminado brillantemente. De repente, sentimos una sensación de alivio. Y como público, nos dan un breve descanso de la tensión antes de que el director sumerja de nuevo y nos lleve de nuevo a quién esa montaña rusa. En la escena inaugural de este cortometraje, rodamos por la noche para crear esa sensación de peligro. Pero aún pudimos jugar claro y oscuro el uno contra el otro haciendo todos los disparos femeninos más brillantes para mostrar su inocencia, entrar en la bondad. En tanto que el mal personaje, mantuvimos los tiros de tee más oscuros. Y lo más importante, mantuvimos su rostro en las sombras para hacerlos parecer más peligrosos. Y por contraste en la luz y la oscuridad de los personajes, eso ayuda a crear más tensión a medida que se acercan y se acercan hasta que eventualmente se cruzan caminos. Luz versus oscuridad es algo con lo que hemos estado familiarizados a nivel subconsciente desde que éramos niños. Todos estamos muy familiarizados con el bien versus el mal. Y probablemente hayamos escuchado el dicho, la diferencia es noche y día. Cuando se trata de cine, jugar con estos dos opuestos puede ser muy divertido y extremadamente poderoso. 12. Negro y blanco: Por lo que el blanco y negro es muy similar a la luz y la oscuridad. Pero sí tiene una diferencia muy importante. Y es que al usar blanco y negro, dependiendo de cómo lo utilicemos, puede jugar en ambos lados de nuestras emociones. El negro a menudo se asocia con el mal y la muerte. Piensa en funerales y brujas, por ejemplo. Y es por eso que las imágenes negras y oscuras siempre son tan prevalentes en las películas de terror. Piensa en las asociaciones que le hemos dado a lo largo del tiempo. Ahí está el Martes Negro, la plaga de la Muerte Negra, los gatos negros. Pero también representa poder, sexualidad, y misterio. Considera el cinturón negro en karate, las fiestas de corbata negra de lujo, o el misterioso mercado negro. No es de extrañar. blanco tiene muchos de los significados opuestos del negro, como pieza inocente y nuevos inicios. Está asociado con ángeles, palomas, y bodas. Pero también se puede percibir como vacío, frío, estéril. Piensa en hospitales, invierno. Y para escritores por ahí que siempre desalentador una página en blanco en blanco. Cuando se utiliza sólo en blanco y negro. Tiene la cualidad única de sentirse viejo. Y eso es por nuestra asociación con la fotografía antes de que se inventara la película en color. Entonces ahora que hemos mirado en blanco y negro y cómo eso puede jugar en nuestras emociones. En las próximas lecciones, vamos a hacer lo mismo con los otros colores. Te veré ahí. 13. Hue y Saturación: El color es tan frecuente en nuestra vida cotidiana y en todo lo que hacemos. Es muy fácil pasar por alto o subestimar el impacto que tiene en EU. Estudios han demostrado que el color de una habitación puede afectar la forma en que nos sentimos. El color de nuestro cercano afecta la forma en que otras personas se sienten hacia nosotros. Incluso puede cambiar la forma en que interpretamos el sabor de los alimentos. Si alguna vez has escuchado el dicho, sintiéndote azul o verde de envidia. Eso se debe a que todos los colores tienen un efecto emocionalmente honesto. Y no es diferente al ver una película. Hay dos componentes que entran en color. En primer lugar está el tono, que es el color real. Y segundo es la saturación, que es lo vibrante o pálido que es el color. Cuanto menos saturados sean los colores, más desvanecidos se ven. Y esto da la impresión de cansancio, estar desgastado o ser viejo. Y a menudo se usa para flashbacks o formas de recordarnos el tiempo antes de usar la fotografía en color. Si los colores están altamente saturados, nos lleva a lugares de imaginación y vivacidad. El color se puede dividir primero en dos áreas en la rueda de color. Cálido y frío. Colores cálidos siendo rojo, naranja, y amarillo. Los colores fríos son azul, morado, y verde. Se sabe que los colores cálidos son estimulantes y solo una pequeña cantidad puede crear una energía. Pero si vemos demasiado de colores cálidos, realidad pueden tender a sentirse un poco irritantes y abrumadores. Del otro lado de la rueda. Se sabe que los colores fríos alivian el estrés, razón por la cual son más populares para crear un ambiente tranquilo y relajante dentro del hogar. Piensa en el océano o en el bosque. En este cortometraje, optamos por utilizar colores mayormente fríos y luego desaturarlos con el fin de darle a la película una atmósfera ardiente y sombría. Para este corto documental, fue lo contrario. Íbamos por un tono más optimista. Y así tratamos de filmar en lugares con colores más cálidos. Y por momentos impulsamos la saturación con el fin de darle más pop a ese metraje y sentirnos más felices y positivos. Pero los colores se designan como un significado o una emoción. Entonces en las siguientes lecciones, veamos cada color con más detalle. 14. Rojo: Empecemos con el rojo. Y eso es porque es el más intensivo de todos los colores. Por lo que no es de extrañar que también traiga las emociones más fuertes en EU. El rojo representa el Amor, el Poder, y la sexualidad. Pero también puede representar bash, plenitud, enojo y peligro. Es uno de los colores 3-prime del RGB. Por lo tanto, tenga sentido que es uno de los más versátiles. En esta escena, Read ayuda a intensificar la ira que están sintiendo los personajes. En este video musical, le dimos un tema de cabaret y mantuvimos la paleta de colores a rojo y negro para enfatizar la sexualidad de la barman y su poder sobre los chicos de la banda. No sólo la vestimos de rojo y negro, sino que contrastamos eso al hacer que los chicos se visten blanco para mostrar aún más su inocencia en comparación con ella. 15. Azul en azul: azul es el tercero de los colores 3-prime, y podría decirse que es el segundo color más fuerte al lado en leer. Esto también puede explicar por qué siempre vemos azul y el rojo siendo utilizado por los partidos políticos en diferentes países. El azul es visto como confiable, calvo, y ofrece una sensación de calma y estabilidad. No es de extrañar que sea el color más popular que usan los hombres en nuestra primera cita. A pesar de que estoy seguro de las elecciones siguen subconscientes. Somos un cielo azul invocado paz y felicidad. azul oscuro puede sentirse triste y representar depresión. Y como está en el lado frío de la rueda de color, cuando se usa de ciertas maneras, también puede sentir frío y aislante. El tema detrás de este video musical fue que el artista estuviera enchufado a la tecnología y ajeno al mundo que lo rodea para ayudar a lograr eso. Siempre que le mostrábamos solo, dimos el metraje de tinte azul para que se sintiera frío y como si estuviera aislado del resto del mundo. Y cuando mostramos a otras personas, ese metraje tiene un tono más cálido, más ámbar con el fin de separarlo aún más de ese mundo. El valor esperado. 16. Verde y verde: verde es el segundo color del RGB, y cae en el lado fresco de la rueda de color. Representa cosas como crecimiento, bloqueo, fertilidad, y más recientemente, tecnología. Por otro lado, también puede indicar avaricia, envidia, y enfermedad. Cuando el verde se ve en la naturaleza, se siente saludable, pero en los hospitales, transmite una sensación de enfermedad. Este cortometraje que edité tenía una trama muy incómoda en materia. El director quería una sensación de enfermedad. Entonces a la hora de colorear la película, le dimos a ciertas escenas un verde pálido desaturado para lograrlo. En esta escena inaugural, verde ejemplifica la naturaleza y la salud. Después, al final de la película, se puede ver que representa nuevos inicios y crecimiento. El cine Fight Club y la matriz. Otros grandes ejemplos de cómo se puede utilizar el color verde en el cine. 17. Amarillo: A menudo se ve como palabras cálidas, alegres y enérgicas que podrías usar muy fácilmente para describir el sol. El intelecto es otra característica que se asocia con el amarillo, así como las ideas. Y en algunos escenarios muy raros, puede representar cobardía y con un poco de manipulación como la desaturación, y tal vez durante ella hasta un poco. Es similar al verde en el sentido de que también puede sentirse enfermizo. El zodiaco cinematográfico también utiliza el amarillo como uno de los colores principales, pero no de la manera brillante y alegre. El cuento trata de un asesino en serie y tiene lugar a finales de los sesenta y principios de los setenta. Al usar tonos descoloridos y sucios de amarillo, ayuda a dar a la película y aspecto más viejo y una sensación ligeramente enferma para que coincida con el periodo de tiempo y el tema. Un contraste interesante es que el protagonista, interpretado por Jake John Hall, está acompañado en su mayoría por el color azul. En esta escena de oficina , rodeado de amarillo y marrón y destaca por lucir azul brillante. E incluso en esta escena de bar, está bebiendo un cóctel azul brillante. Estos no son en modo alguno accidentes. Son sutiles formas en que los directores y diseñadores de producción afectan la forma en que se siente el público y cómo conectan las cosas al ver películas. En este corto documental, la abundancia de amarillo juega a sus fortalezas y ayuda a crear un campo feliz y edificante para la película. El amarillo también se usó para llamar la atención de la gente. Y por eso se usa en muchas señales viales que advierten de precaución. Entonces si alguna vez quieres realmente llamar la atención de alguien o hacer que algo destaque, considera hacerlo amarillo, sobre todo dentro de un entorno más oscuro. 18. Púrpura: A pesar de que el morado es un color popular, no es uno que veamos mucho en nuestra vida cotidiana a cuando sí lo vemos, realmente destaca. Y es escasez se remonta siglos atrás, hace mucho tiempo. Era un proceso tan caro y difícil producir el color que sólo los más ricos podían pagarlo. Por eso hoy, seguimos asociando el color morado con la riqueza, el poder, y el lujo. Tampoco se ve en la naturaleza tanto como los otros colores, y por lo tanto, se ve como exótico y sensual. El morado es una combinación de rojo y azul. Por lo que no es sorprendente que comparta algunas de las mismas características, como la audacia y el poder. Willy Wonka es una película llena de colores brillantes. Pero curiosamente, a lo largo de la mayoría de la película, el único signo de púrpura es su chaqueta, que definitivamente lo hace destacar en este exótico mundo de dulces que ha creado. El único otro momento el púrpura se ve en abundancia, es esto visto aquí donde la chica rica es el foco? A lo mejor es una coincidencia. Pero dudo que una escena tan significativa se diseñara de esta manera por accidente. 19. Naranja: Al igual que el amarillo, el naranja se utiliza para captar la atención de la gente. Y también se ve como el más enérgico de los colores. Se encuentra muy estimulante, razón por la cual se asoció con cosas como creatividad y entusiasmo, así como alegría e incluso equidad. Pero como se mencionó anteriormente, demasiado de un color cálido como el naranja, puede volverse de estimulante, demasiado distraído y en algunas circunstancias, incluso irritante. En la película, una Naranja Clockwork. No es de extrañar que veamos naranja con bastante frecuencia, a pesar de que parece alegre por las películas preocupantes tema, el uso de naranja a menudo se siente más cauteloso, irritante. Por otro lado, en este video musical, utilizamos el naranja para complementar el campo energético de la canción y el video. 20. Locación: Elegir la ubicación correcta es un primer paso importante para asegurarse de que su película o las escenas dentro de la película tengan el rakefile. Y si eliges el ArrayLocation, todo después, es un poco más fácil. no hablar de más barato, sobre todo cuando se trata de decoración de conjuntos. Entonces, ¿qué sientes cuando ves casas abandonadas y callejones traseros? personal, me da la impresión de peligro. En tanto, sentarse en casa en el sofá se siente muy seguro. Las aulas son aburridas, mientras que los patios infantiles son divertidos. Los penales son ordenados y los contenidos son caóticos. Recámaras u oficinas personales o formales. Playas y bosques son pacíficos y lentos. En tanto, las ciudades se sienten ocupadas y apresuradas. Si se supone que nuestra historia tiene un sentido de libertad y aventura, entonces realmente no tiene mucho sentido estar filmando en interiores o en salas diminutas. Queremos filmar al aire libre para poder ver todo el mundo. Ahora, si estamos filmando una película de escape de prisioneros, entonces filmar en interiores y en espacios diminutos es lo que queremos hacer porque queremos esa sensación de estar atrapados y claustrofobia. Para este cortometraje, queríamos que tuviera una sensación sucia e incómoda y un poco peligrosa. Por lo que para que las ubicaciones encajaran en eso, elegimos estacionamientos vacíos, callejones traseros con graffiti y otros rincones descuidados de la ciudad. Incluso el auto era una especie de ubicación. Por lo que elegimos todo auto golpeado con manchas y denso y arañazos. Y para este video musical, queríamos que tuviera una energía ocupada para ello. Entonces para conseguir eso, rodamos en calles concurridas e intersecciones de la ciudad durante la noche cuando sabíamos que habría mucho tráfico y gente alrededor. Si no consigues la ubicación correcta, entonces tal vez tengas que alterar el proyecto a su alrededor para que encaje. O tal vez encuentres una ubicación que te encanta absolutamente y construyes un concepto alrededor de esa ubicación. Para este video musical, hicimos una lluvia de ideas muchas. Y al final decidimos que la banda debería estar tocando a la multitud. Y que todos los integrantes de la banda deberían estar tratando de impresionar a una chica. Cuando encontramos un local que nos dejaría filmar, resultó ser un bar estilo cabaret y se veía increíble. Por lo que en lugar de tratar de cambiarlo y hacer que se vea más rock and roll, adaptamos nuestra idea para que se ajuste a la barra y aprovecharla ya. Look brillante. Esencialmente fue diseño de producción libre. Para adaptarse a la ubicación. Cambiamos los atuendos de todos y en lugar de que la chica fuera fan, hicimos la camarera. Y también cambiamos el color y el diseño de iluminación de blanco y negro a mayormente rojo, pero con acentos en blanco y negro. Al final, la ubicación dio un video de aspecto mucho más único y un ambiente que se ajusta mucho mejor a la canción en nuestra idea original. Muy a menudo, lo que pasará es que obtendrás una buena ubicación, pero no es del todo perfecta. Y ahí es cuando entra la decoración de set. Y eso es lo que vamos a ver en la siguiente lección. 21. Decoración de la set: Estos sets dentro de nuestras películas deben decorarse con tanto cuidado y detalle como cualquier otro aspecto creativo del cine. Hacer un gran set no sólo hace que tu película sea más creíble, sino que si se hace bien, también puede actuar como un tipo de personaje silencioso. Ahora, a pesar de que pantalla verde y CGI se está volviendo cada vez más popular y cada vez más avanzado. Algunos de los mejores cineastas aún prefieren la construcción de sus sets y los tienen en la vida real. Porque ofrece un sentido de autenticidad con el que CGI todavía no puede igualar. Cómo se establecen para decorar. Puede decirle rápidamente al público el periodo de tiempo. Si la historia se está dando en una ciudad o fuera del país en tierras de cultivo. También habla mucho del personaje o de los ricos o pobres. Ellos un estudiante o un profesional. ¿ Están organizados o son descuidados? O colección de discos demostrará que hay amante de la música, electrónica de lujo y autos, riqueza Michelle y memorabilia deportiva. Bueno, obviamente son fanáticos de los deportes. Ahora imaginemos que estamos filmando una entrevista en un estudio con un bonito escritorio grande de roble y cientos de libros. Será este espacio podría funcionar muy fácilmente para un profesor o un escritor. Pero dependiendo de quién sea ese personaje o quién sea esa persona, cambiará la forma en que vestimos ese conjunto. Si es por un profesor, podemos imaginar que la sala estaría bien organizada. El escritorio sería en su mayoría claro excepto por una pila de papel, tal vez una lámpara y tal vez un libro o dos. Pero el escritor lo hará, probablemente tendrían unas páginas sueltas y notas esmeradas por todas partes. Múltiples tazas de café o sandwich medio comido y una docena de libros tendidos abiertos. Si los conjuntos están abarrotados, puede dar una sensación claustrofóbica o tal vez una coziness, mientras que un espacio vacío puede sentirse ordenado. Pero también aislado. Identifiqué a mi amigo. Entonces realmente te gusta decir un buen ejercicio es mirar alrededor de tu dormitorio o de tu casa. Ve lo que dice sobre quién eres como persona. Tus colecciones, tus decoraciones, tus cuadros, tus muebles. Ese mismo ejercicio se puede hacer cuando estás decorando un conjunto. Porque todo en ese set dice algo sobre el personaje, el lugar, y el tiempo. Y los tres pueden entrar en crear el ritmo sentir un ambiente para tus películas. 22. Introducción al sonido: En lo que va de este curso, nos hemos enfocado todo en los visuales, lo cual tiene sentido porque es lo más fácil con lo que podemos identificarnos. Cuando vemos una película y le contamos a alguien sobre ella, les contamos lo que vimos en lo que pasó en la película, que es todo visual. Pero muchas veces pasamos por alto el audio. Y el audio es el verdadero tiritero que está controlando nuestras emociones. Trata de ver una película que no tenga música. Y luego ver qué tan rápido te aburres o te desenganchas de la película. Es por eso que como cineastas, no podemos pasar por alto esto y necesitamos obtenerlo tanta atención como nosotros. El visual. 23. Generar el ambiente: Al principio de una película, música puede establecer el estado de ánimo en cuestión de segundos, y es mucho más fácil hacerlo con música y visuales. Entonces, ¿qué tipo de información se nos da con estos dos clips? Bueno, en la primera, todo lo que realmente sabemos es que estamos bajo el agua. Y en el segundo hay algún tipo de frijoles que se están procesando. De verdad. No tenemos idea de qué tipo de película estamos a punto de ver. Ya conocemos el modo de la película. En el primer ejemplo, es desalentador, un ominoso, y en el segundo ejemplo, es alegre y emocionante. La música siempre se ha utilizado para expresar el bien contra el mal, o feliz y triste, o marca el ritmo ya sea rápido o lento. Esos son solo algunos ejemplos de los diferentes tipos de emociones y atmósferas que la música puede ayudar a crear para tu película. Entonces, cualquiera que sea el tono que quieras que tenga tu película, necesitas encontrar la música que se ajuste a eso, que ayude a involucrar al público. 24. El efecto de Kuleshov: Para demostrar aún más cómo la música puede afectar e incluso cambiar completamente una escena. En primer lugar necesitamos referirnos al nivel de artefacto encancillado. Coolish law era nuestro cineasta ruso. Y 19-21, montó un experimento donde filmó a un hombre con una expresión neutral. Después editó ese mismo disparo al lado de niña en un ataúd, un tazón de sopa, y una mujer en un sofá. Cuando estas ediciones se mostraron a un público, el público aplaudió sus habilidades de actuación, pensando, hizo un gran trabajo de mostrar diferentes emociones, Tristeza, hambre y lujuria. Lo que el público no sabía era que era el mismo disparo en cada edición. El experimento demostró que un solo disparo en realidad nos dice muy poco. Pero cuando se juntan dos tiros, esa es la clave para crear emoción. O estas lágrimas de alegría o tristeza. Bueno, depende. Si están en una boda, es alegría. Si están en un funeral y es tristeza. Pero simplemente mirando a una persona llorando, no sabemos cuál es. No es hasta que veamos su entorno o un segundo disparo que entendemos el significado de sus lágrimas. Podemos aplicar el arcoso artefacto a la música también agregando música diferente a la misma toma o a la misma escena. Otra poderosa técnica que puedes utilizar es yuxtaponar la música con la escena. Por ejemplo, tener música alegre durante una pelea, lo mismo. Y lo que esto hace es crear un sentimiento incómodo para el público porque lo estás haciendo sentir a emociones opuestas. El punto que estoy subrayando es que nunca se puede subestimar lo importantes que son sus elecciones musicales. La elección musical adecuada puede llevar tu película al siguiente nivel. Y la elección equivocada puede llevar a tu público en la dirección completamente equivocada. 25. ¿Está la música en el interior o fuera?: Este es un concepto interesante del que todos hemos visto las películas, pero no necesariamente tomó nota. Esto, me llevó años estar consciente de ello y entender el significado de la misma. Esencialmente, si la música está dentro de la película, eso significa que los personajes pueden escucharla y a su vez, pueden interactuar con ella. Cuando la música está fuera de la película, como una partitura. Eso significa que sólo el público capaz de escucharlo. Esencialmente la partitura es para el público y música dentro de la película es para el público y el personaje. Y si se hace correctamente, una gran técnica es la transición de una a otra. Entonces, al agregar música a tu película, no solo elijas cualquier canción aleatoria y arrojes ahí con el video y pienses que eso es lo suficientemente bueno. Necesitas considerar, ¿cómo quieres que esa música sea incluida en la película? Y lo que es más importante, quieres pensar en cómo va afectar esa música a los personajes y a tu público. 26. Construye la anticipación y crea cuas: La combinación de sonido y música es clave para construir anticipación y dar pistas a tu público. Y justo desde esa escena de apertura, la música y los efectos sonoros ya nos dicen que esta película va a ser una excitante descarga de adrenalina. Otro ejemplo brillante es la película Tiburones. Cada vez que escuchamos esa anotación, se pone al público al filo sintiendo tensión y miedo en previsión del próximo ataque de tiburones. Y en el siguiente ejemplo, o la música tiene el efecto contrario. Parada repentina a la música también se puede utilizar para acentuar el suspenso que los campos del público. Pero en este ejemplo particular, con el canto alegre junto con el desvanecimiento de la oscuridad a la luz. Esto significa un fin al peligro. El uso de efectos de sonido también puede decir al público lo que está sucediendo fuera de la pantalla. Piensa en un piso crujido. Y el público escucha que saben que alguien está o en la habitación de al lado o caminando en el piso de arriba. Y a medida que esos arroyos se hacen cada vez más ruidosos, el público sabe que esta persona está cada vez más cerca. Al tomar decisiones visuales, ya que los cineastas se concentraban en lo que hay en la pantalla. Pero a la hora de tomar decisiones creativas para la música y el sonido, necesitamos expandir nuestro pensamiento a lo que está fuera de la pantalla. Como cineasta ponte en ese mundo. ¿ Qué tipo de cosas harías tú aquí, qué tipo de cosas sentirías? 27. ¿Música o música sin música?: Siempre vale la pena considerar si una escena realmente necesita música o no. Como hemos visto, la música puede ayudar al público entender el tono y el ambiente de la película. Pero luego hay escenas en las que no necesitamos la música porque puede ser distrayente. Entonces sólo conversación parece que es cuando queremos que el público esté prestando atención al diálogo. Para que puedan entender los siguientes pasos en la trama y recoger información importante para el instituto. Scratch. Entonces lo que voy a necesitar de ustedes es mirar estas fotos por mí. Vinimos y necesitan saber si alguno de estos hombres se ajusta a la descripción del lado del menú del parque. Y luego están esas escenas donde la música puede funcionar, pero también tener solo efectos de sonido puede funcionar para crear la emoción que queremos para el público. Los mejores ejemplos de esto son unas escenas de acción. Entonces si encuentras que una escena funciona bien con música o con defectos apenas abajo, o tal vez una combinación de ambos. Entonces es una elección creativa que tú como cineasta tienes que decidir. ¿ Qué quieres que sienta el público y cómo quieres que experimente eso? 28. El poder del silencio: Nunca subestimes el poder del silencio. Con demasiada frecuencia, los nuevos cineastas siempre sienten la necesidad de tener diálogo o música o algún tipo de audio. Pero cuando se utiliza correctamente, silencio es una de las herramientas más poderosas que tenemos a nuestra disposición. Dependiendo del contexto, puede transmitir desorientación o enfoque extremo y un personaje y resaltar momentos importantes. El silencio entre personajes puede crear tensión y emoción acentuada. ¿ A dónde me llevas? Y cortarlo con escenas fuertes o música también puede ayudar a enfatizar el silencio y la importancia. Ya ves que el ensilaje es una gran manera de captar la atención del público. Porque lo que has hecho como cineasta es quitarte uno de los dos sentidos principales que utiliza el público con ver una película. Por lo tanto, ahora los has obligado a enfocar y prestar atención a todos los detalles visuales con el fin de intentar unir lo que está pasando. Gracias por ver. Veré a todos en la siguiente lección. 29. Conclusión: Enhorabuena a todos. Has llegado al final del curso. Y como se puede ver, hay mucho más que entra en cine aparte de simplemente montar algún equipo, llamar a la acción y hacer un poco de edición. Espero que tomes los conceptos que aprendiste en este curso y los utilices para involucrar mejor a tu público. Recuerda, tómate el tiempo para planificar adecuadamente tus películas y usa estos conceptos para llevar tus películas al siguiente nivel. Una vez más, muchas gracias por tomar el curso y feliz cineasta.