Premiere Pro Lumetri 2020: domina la corrección del color y la gradación del color como un profesional

1. Introducción: Hola, mi nombre es Jordy, pero para ti va a ser maestros artistas. En esta clase, te voy a enseñar todo lo que tienes que saber sobre la base de la corrección de color y la clasificación de color dentro de Adobe Premiere Pro. Si eres como yo, entonces probablemente no te gusten bien las clases largas y aburridas que has llegado al lugar correcto porque esta clase no va a ser aburrida. Como puedes ver, estamos en mi galería de pinturas, que es divertida y entretenida, como también debería ser la clase, y además, no te voy a molestar con largas lecciones de teoría. Probablemente estés aquí porque quieres empezar a corregir el color y clasificar el color tus tomas. Eso es lo que haremos incesantemente. Conforme a la lección uno, ya vamos a empezar a crear resultados y en toda clase te voy a dar pequeñas piezas de teoría, mientras estamos creando algo. Esta será una clase práctica, una nueva forma de darles información a ustedes chicos a través de internet. Algo que he aprendido de la experiencia, de hacer cientos de tutoriales en YouTube. Tenemos ahora más de 1.8 millones de suscriptores estando entre los principales canales cuando se trata de tutoriales de cine y edición de video. Aquí va lo mismo y habilidades aquí también. Valoro mucho los comentarios. Es por eso que siempre leo a través de las discusiones y a través revisiones que obtenemos y por cada retroalimentación que obtengo, trato de ajustar mis clases para asegurarme de que obtienes algo inolvidable. Empieza a corregir el color como un profesional uniéndote a esta clase ahora mismo. Por cierto, si te quedas con alguna otra pregunta antes, durante o después de la clase entonces avísame en la discusión de abajo, porque siempre estaré aquí para ti. Ahora los alumnos se ponen tus chaquetas de pintor y empecemos esta clase. 2. Haz que tus videos sean populares: Hola ahí. Deben ser los nuevos alumnos. Bienvenidos a mi clase. llamo Jordy, voy a ser tu maestro, pero para ti será Maestro Artista. Esta no va a ser una clase ordinaria, no. Te voy a enseñar todo sobre la corrección del color, y la calificación del color dentro de Adobe Premier Pro, que está en las artes. Tomemos tu lápiz. Nos vamos a sumergir directamente en ella. Puedes llevarte el ratón, podría ser más fácil. En este video, te voy a mostrar cómo hacer pop tus videos. No me gustan las lecciones largas de teoría, no. El arte se trata de la experiencia. Vamos a sumergirnos directamente en ella, y hacer algo. Lo que tengo aquí mismo es un clip de una chica hermosa. Eso es correcto. A mí me gusta mucho el romanticismo. Lo que vamos a hacer es hacer este tiro, este pop un poco más. Para eso vamos a tener que llamar a las herramientas de corrección de color. Ahora a partir de la versión de Creative Cloud de Premier Pro, todas las herramientas de clasificación de color y corrección de color se pueden encontrar de nuevo dentro del Panel de Grado de Color Lumetri. Para colorear ese hacia arriba, podemos simplemente dirigirnos al menú en la ventana de selección superior y a partir de ahí eligió Lumetri Color. Se abrirá una barra lateral. Estoy usando disco grande aquí mismo con diferentes pestañas. Tenemos corrección básica, creativa, curvas, ruedas de color, y match HSL secundario, viñetas. Pero eso es todo para más adelante en esta clase. Eres principiante en este momento. Empecemos con la pestaña de corrección básica. Ya que acabas de llegar aquí y probablemente no sepas nada del arte, vamos a saltarnos los primeros ajustes también, así que no te importa la entrada LUT todavía, los deslizadores de temperatura y tinte todavía, centrémonos aquí en el tono. El tono es donde empieza tu pintura. Se sostienen los diferentes niveles en tus tomas. Por ejemplo, tenemos exposición que simplemente aumentará la exposición, tu disparo sea más brillante o hará que tus disparos sean menos brillantes. Es así de sencillo. Por cierto, siempre que cambies un ajuste aquí, siempre puedes hacer doble clic en tu deslizador para restablecer ese valor predeterminado de estudiante. A continuación, tenemos contraste. Al aumentar el contraste se sumarán más contrastes. Básicamente, solo separará las áreas más oscuras de tus disparos con las áreas más brillantes de tu disparo. Hará que tus sombras sean más profundas, y tus áreas más brillantes sean más brillantes. De eso se trata todo el contraste. Ahora una cosa que mis alumnos suelen olvidar es que el contraste también agrega saturación a tus tomas. La saturación es básicamente lo vívidos que son tus colores. Déjenme mostrarles eso con el deslizador de saturación aquí en la parte inferior. Al aumentar eso, tus colores serán más vívidos. Incluso puedes disminuir eso para ir todo el camino al blanco y negro como en los viejos tiempos cuando la pintura aún no se inventó. Déjame volver a restablecer eso. Eso también significa que si vamos a disminuir el contraste, también perderemos colores. Se puede ver que perfectamente aquí en su bufanda, esa naranja no está menos saturada, por lo que aumentar esa espalda saturará mucho más esa bufanda. Déjame restablecer ese back ends. Echemos un vistazo a los cuatro controles que tenemos aquí abajo. Ahora, aquí está la parte divertida; los reflejos, las sombras, los blancos y los negros en realidad también son una especie de controles de contraste. Con estas cuatro cosas puedo hacer exactamente lo mismo que lo que hace el contraste, sólo si voy a crear mi contraste usando estos cuatro deslizadores. En realidad tengo mucho más control sobre cómo voy a crear mi contraste. Para mostrar eso mejor, tengo una foto aquí mismo en mi línea de tiempo también. El lado muy izquierdo, podemos encontrar a los negros más oscuros absolutos. Ahí hay un control para eso, que son los negros; los negros absolutos. Entonces tenemos las sombras o más o los negros un poco más brillantes, esas zonas grises muy profundas. Esto de aquí son las sombras. Entonces tenemos los tonos medios, que yacían bellamente en el medio. Entonces tenemos los aspectos más destacados, que son las áreas luminosas, pero no tan brillantes como las zonas más brillantes, que son los blancos absolutos. Por lo general los blancos absolutos van a ser aquellas partes que están sobreexpuestas y los negros absolutos son aquellas partes que están un poco quizá subexpuestas. Al volver a nuestra toma de la hermosa chica de aquí mismo, podemos crear contraste con estos deslizadores también. Lo que voy a hacer es quizá primero derribar un poco a los negros, a los negros absolutos. Se puede ver que está funcionando aquí en la esquina, las zonas más oscuras absolutas. Ahora no voy a empujar esto demasiado lejos porque esto separará demasiado a los negros de las sombras. Se puede ver lo que está pasando aquí. Pero esperen chicos, si se paran en el valor de estos deslizadores y lo arrastran desde ahí, incluso pueden ir más allá de menos 100. Mira eso. Ahora lo que ocurre en este momento es algo que llamamos banding. En realidad empezarás a ver la línea entre las áreas negras absolutas y el resto o las sombras. Esto significa que nuestros negros ahora son demasiado profundos. Tenemos que asegurarnos de que estas cosas estén desequilibradas. Déjame volver a restablecer a los negros y sólo disminuyamos eso un poquito. Sólo un poquito, no demasiado. Lo que en su mayoría quieres hacer es trabajar en las sombras. Las sombras es un área donde aún se ve mucho detalle en, como el árbol aquí en el lado izquierdo. Permítanme que disminuya eso y veamos lo hermoso que se vuelve ahora el tiro. Estamos haciendo que esas áreas de sombra sean un poco más oscuras para agregar ese contraste ahí dentro. Lo mismo vale para los más destacados y los blancos. Si quieres que la chica explote, voy a empujar los reflejos porque su tiro es brillante, pero no el blanco absoluto. Los blancos absolutos suelen estar en el cielo. Vamos a aumentar un poco los aspectos más destacados. Como pueden ver, la estamos haciendo más brillante. Pero de cualquier manera, también los reflejos se pueden encontrar de nuevo en los tonos de piel. El más destacado es un gran deslizador para hacer pop tu tema. Ahora, al cambiar cualquiera de estos deslizadores aquí mismo, aplicará automáticamente a tu clip un efecto llamado Lumetri Color, cual se puede encontrar de nuevo en tus controles de efectos. Lo que quiero hacer aquí es simplemente eliminar el efecto Lumetri, que también restablecerá todo aquí. Un tiro como este que es muy plano, como se puede ver aquí, realmente no tenemos un profundo contraste pasando. Podemos ver perfectamente el cielo. No hay nada sobreexpuesto, nada subexpuesto. Es un tiro muy plano. Por supuesto, un ejemplo como este, es mucho mejor simplemente aumentar el contraste ya que es más fácil de hacer. Tenemos tanto espacio para jugar. Pero y si terminas con un tiro que ya tiene mucho contraste por su fuente. Bueno, aquí hay un ejemplo de eso. Este disparo en estos momentos tiene demasiado contraste. Esto está buscando más video-ish y queremos crear algo que sea más cinematográfico, lo que significa reflejos suaves, sombras suaves, pero aun así queremos retener ese contraste. Déjame mostrarte cómo se hace eso. Definitivamente los negros están bien. Yo quiero quedárselos. Yo quiero mantener el contraste en los negros. Pero me gustaría introducir un poco más de detalle, definitivamente aquí, en esos arbustos de aquí, así que lo que puedo hacer es simplemente aumentar las sombras. Estoy sacando la exposición de las sombras. Pero no estoy tocando a los negros, lo que significa que mantenemos esa profundidad en los negros. Lo mismo vale para ella. Su piel, su blusa, está empezando a recortar. Está empezando a quedar sobreexpuesta. Pero no quiero tocar el cielo de atrás. Voy a mantener eso brillante, así que vamos a disminuir los aspectos más destacados. Como pueden ver, estamos trayendo de vuelta esos detalles. Estamos haciendo que el disparo sea más suave, más cinematográfico, al tiempo que retiene el contraste. Es así como hacer que tus tiros salten de la manera correcta. Probablemente estés pensando, ¿qué es demasiado contraste? ¿ Cuándo tengo demasiado menos contraste? Bueno, eso es para la siguiente lección donde vamos a echar un vistazo a la herramienta Waveform. Una herramienta de medición para medir tu disparo y ver cuánto contraste podemos agregar ahí. Eso es correcto. Siempre hay que medir. A lo mejor este verde es demasiado, vamos a añadir un poco de azul ahí dentro. Tienes que medir eso antes de poder empezar en una pintura de pollo por ahí. 3. La herramienta Waveform: Esta de aquí es una de mis mejores pinturas. Está pintado en Francia. [ inaudible] Sé que mi francés es muy bueno. Es de pasar todos estos años en Francia haciendo obras maestras como estas. Ahora podrías pensar, Jordi, quiero decir maestro artista, ¿cómo puedes hacer un contraste tan grande en tus pinturas? Bueno, he hecho este contraste, aquí mismo, usando las herramientas de forma de onda dentro de Adobe Premiere Pro. Echemos un vistazo chicos. Al igual que a través de la ventana de Lumetri Color, también podemos encontrar la forma de onda de vuelta desde la ventana de menú, y luego aquí mismo, Lumetri Scopes. Los alcances son nuestras herramientas de medición. Podemos medir nuestro video y hacer algo con eso. Es igual que medir la temperatura, como se puede adivinar lo frío que está, pero también se puede medir la temperatura y obtener un número exacto de eso. Ahora por defecto, verás algo dentro de tus alcances Lumetri, pero aún no nos interesa todo. Entonces, lo que puedes hacer es simplemente hacer clic derecho en cualquier parte esta ventana y solo selecciona las herramientas de medición que necesitas. Para empezar, no necesito el vectorscopio. Sólo voy a anular la selección de eso. Esta de aquí es la forma de onda. Por lo tanto, asegúrese de que si hace clic con el botón derecho, esa forma de onda esté seleccionada. Ahora, esta de aquí es la forma de onda RGB. También se puede ver eso con los colores. Puedes habilitar eso si quieres, pero por ahora, solo cambiemos el tipo de forma de onda aquí por solo Luma, que es el nivel de exposición. Algo que hemos visto previamente con los reflejos, las sombras, y todo, ese es el Luma. Entonces obtienes la misma gráfica, pero ahora sólo en blanco y negro, lo cual podría ser más fácil. Entonces lo que estamos viendo aquí mismo en Lumetri Scope es una representación de la toma que tenemos aquí del lado derecho. Si toco ese tiro, también se ven las formas de onda moverse, en el fondo de las formas de onda, podemos encontrar cero. Este justo aquí son el negro absoluto. Entonces en la parte superior, podemos encontrar 100, que son el blanco absoluto en nuestros tiros, aunque afortunadamente, no estamos tocando el blanco absoluto y el negro absoluto, lo cual es genial porque eso significa que este disparo no está sobreexpuesto ni subexpuesto. Al empezar aquí del lado izquierdo de nuestro disparo, nos dieron más tintes oscuros. Tenemos el piso aquí en la parte inferior. También hay algunas viñetas aquí mismo. Tenemos el agua, luego tenemos este árbol, y conseguir un poco de cielo aquí entrando por esos árboles. Cuando estamos echando un vistazo aquí a las formas de onda, también podemos encontrar aquí al 10 por ciento las zonas más oscuras, que está perfectamente aquí mismo en el agua, la sombra de allá. Por lo que continúa, y aquí arriba, alrededor del 80 por ciento, estos son probablemente los aspectos más destacados del cielo. Ahora yendo más allá al lado derecho de nuestro tiro, y dentro de la forma de onda, podemos encontrar, por ejemplo aquí, el horizonte. El horizonte pone más dentro de las sombras, y lo mismo va para el resto de sus tomas aquí en el fondo. Pero en la parte superior, podemos encontrar el cielo que es mucho más brillante. Nuevamente, podemos encontrar eso de vuelta dentro de una forma de onda. Aquí, este gran trozo aquí en la parte superior es el cielo. Entonces aquí en medio, y definitivamente aquí en la parte inferior justo aquí, estas son las sombras o el horizonte, todos estos arbustos aquí justo al lado de este estanque. Entonces en el medio, tenemos a esta chica. Ella está con su espalda a la cámara, lo que significa que tenemos un lado de sombra muy grande de ella. También podemos ver que está regresando aquí mismo. Todavía teníamos mucho brillo aquí mismo en medio del estanque. Pero en el medio aparte, ella está cubriendo ese estanque. Entonces sé que ella está parada justo aquí. Ahora la primera vez que estás viendo esto, podría ser un poco abrumador. Entonces déjame mostrarte esto mejor con una foto. Ya hemos visto esto antes, estos son los diferentes niveles de los que estaba hablando. En todo el camino por el lado izquierdo, los negros, bueno, podemos encontrar que también de vuelta en la forma de onda, en cero. Como dije, los negros absolutos. Entonces el gris que viene junto a eso, sentarse alrededor del 30 por ciento. Entonces tenemos esta barra aquí en el medio alrededor del 50 por ciento de brillo. Entonces los aspectos más destacados, que están en torno al 75 por ciento, también generalmente, los tonos de piel deben estar dentro de esa exposición. Por último, el blanco absoluto, que es del 100 por ciento. El motivo por el que estamos viendo todo en este hermoso calado de escalera, es porque cada parte vertical tiene exactamente la misma exposición. Es todo el camino negro sobre toda la imagen. Pero ahora, cuando echamos un vistazo a la siguiente imagen que tengo aquí mismo, podemos ver que tenemos un gradiente sobre el negro. Entonces sí, es negro absoluto en la parte inferior, pero no en la parte superior. De nuevo, podemos ver que eso está regresando dentro de la forma de onda. Se está estirando. Tiene múltiples niveles. Ahora, veamos cómo podemos poner en práctica esta forma de onda. Entonces volviendo a nuestras tomas aquí mismo, sólo voy a aumentar el contraste de eso. Entonces permítanme simplemente aumentar eso. Como se puede ver aquí mismo, los reflejos y las sombras aquí en la parte inferior se están separando entre sí. Eso es lo que hace el contraste. Voy a disminuir a los negros. Como se puede ver aquí en la parte inferior, toda esa información está siendo derribada. Pasará lo mismo si va a mover a los blancos. Como puedes ver, todo en una parte dura está siendo empujado hacia arriba. Ahí vamos. Ahora al mirar el tiro, podrías pensar que eso es algún gran contraste, mientras que en realidad, no lo es. Por lo que puedo decir por la forma de onda. Al mirar la forma de onda aquí arriba, se puede ver que tenemos esta línea plana la cual no teníamos antes. Esto significa que estamos recortando el disparo. Estamos sobreexponiendo, ciertas partes de los disparos, lo que significa que estamos perdiendo detalle. En este cielo, primero tuvimos un montón de nubes, pero esas nubes ahora se han ido. El detalle de esas nubes está sobreexpuesto, y lo mismo va para el negro aquí en la parte inferior, como sus botas derechos aquí. Esas partes están subexpuestas. Es completamente negro. Ya no hay detalle en él. Eso es algo por lo que tenemos que tener cuidado. Entonces permítanme simplemente restablecer Lumetri, que también podemos hacer por cierto aquí en la parte superior derecha, haciendo clic en este botón de efecto de reinicio. Ahí vamos. Entonces, empecemos de nuevo. Está bien. Voy a disminuir a los negros, pero estoy mirando mi forma de onda. Yo sólo puedo ir tanto porque aquí mismo, ya estoy tocando el cero. Ahora, empecemos también a tirar de los blancos hasta que empecemos a llegar a 100. Ahí vamos. Lo que hemos hecho en este momento es utilizar todo el rango dinámico de los disparos. Estamos utilizando todo el espacio aquí mismo que tenemos en forma de onda. Este es el contraste máximo que podemos sumar a nuestro disparo. Si aún crees que tu tiro se ve bastante plano, entonces podemos empezar a alejar las sombras de los reflejos. Entonces hagámoslo, disminuya las sombras. Al hacer eso, se puede ver que este arco de aquí mismo se está moviendo hacia abajo. Estas aquí mismo son mis sombras. Este de aquí es mi horizonte en la parte de atrás. Por lo que puedo elegir ese nivel que quiero establecer eso. Actualmente estamos alrededor del 20 al 40 por ciento con ese horizonte, que creo que es bastante bueno. El siguiente paso son los aspectos más destacados, que está un poco en el cielo, pero también aquí en el estanque, vamos a conseguir un poco de tonos de piel aquí en ella, y por supuesto, su cabello. Entonces vamos a levantar estos aspectos destacados. Pero por supuesto, vigile la forma de onda a medida que lo hace. Al levantar los aspectos más destacados, se puede ver aquí alrededor del 70 al 80 por ciento, eso se está tirando hacia arriba, y acercándolo al blanco real. Ten cuidado de no exagerar en eso. No queremos juntar los aspectos más destacados dentro de los blancos. Todavía queremos mantener separados los niveles. Tenemos los blancos, los reflejos, esos tonos medios, las sombras y los negros. Pero sí, esto está empezando a verse genial. Echemos un vistazo al antes y después, que puedo hacer con el botón FX aquí arriba, junto a Lumetri Color. Esto es antes, y esto es después. He agregado más contraste en mi toma sin más o subexponer nada, porque puedo mirar esa copia de seguridad en mi monitor de forma de onda. Por lo que esta es una práctica para utilizar la herramienta de forma de onda. Descubre cuánto del rango dinámico de tu disparo puedes retomar. Un segundo uso de esa herramienta de forma de onda es también para asegurarse de que su corrección de color, sobre todas sus tomas, sea la misma. Déjame mostrar lo que quiero decir con eso'. Voy a restablecer Lumetri de nuevo. Por alguna razón, voy a elegir que mis blancos tengan que ser un poco más aburridos. No quiero que vengan más del 80 por ciento. Lo mismo va para mis sombras o mis negros. Vamos a subirlos más del 10 por ciento. Entonces esta es mi elección creativa. Yo quiero ir por un estilo plano. No quiero que mis reflejos superen el 80 por ciento, y no quiero que mis negros vayan por debajo de ese 10 por ciento. Usando la herramienta de forma de onda, sé exactamente dónde están. Puedo usar eso también para mi siguiente disparo para asegurarme siempre de que esos niveles sean los mismos. Eso es todo para la segunda lección. Podrías estar pensando, Jordi, me refiero a maestro artista, porque no puedes decir Jordi, maestro artista, ¿por qué siempre estás trabajando con niveles de exposición y esos colores, no es como un curso de corrección de color? Exactamente. Por eso en la siguiente lección, vamos a trabajar con las curvas RGB, que significa rojo, verde y azul. 4. Curvas RGB: Han estado haciendo un gran trabajo hasta ahora estudiantes y por eso estoy haciendo un retrato, una vista. Al final de esta clase, si has hecho un buen trabajo y si pasas esta clase, pondré tus retratos en mi taller. ¿ Qué opinas de eso? Tengámoslo en mente, estudiantes, eso será un verdadero honor. Como pueden ver, actualmente estoy mezclando colores, así es. Los colores son la base de las artes y la corrección de color dentro de Adobe Premier Pro. Hasta el momento sólo hemos estado mirando los controles de nivel desde el grifo de corrección básica. Pero ahora vayamos a las curvas, en una más específica las curvas RGB. Ahora dentro de las curvas podemos encontrar cuatro selecciones, tenemos el blanco, que es sólo todos los colores juntos, después tenemos el rojo, verde, y el canal azul. Empecemos con el blanco, que es sólo la exposición. Básicamente, este es el mismo control que teníamos antes. A lo largo de esta clase, notarás que hay muchos controles y opciones que hacen lo mismo que otros controles y opciones. La mayoría de las veces es una preferencia personal. ¿ Con qué te gustaría trabajar más? Por ejemplo, con esta curva justo aquí, podemos crear un contraste. En la parte superior izquierda están los blancos o los brillantes y en la parte inferior derecha, podemos encontrar la oscuridad o la sombra. Eso significa que si movemos esta curva aquí a las sombras, en realidad disminuirás la exposición de nuestros disparos y lo mismo va si la movemos hacia arriba, vamos a aumentar la exposición. Ahora porque estamos tomando la curva desde el medio, estamos cambiando este valor aquí, la exposición, que hemos visto previamente. Volvamos a las curvas y voy a restablecer esto con sólo hacer doble clic en esto, y ahora lo que voy a hacer es tomar los negros absolutos que yacían aquí en el fondo de mi curva y los voy a hacer aún más oscuros empujando al lado derecho. Mira eso. Vamos a hacer lo mismo con mis blancos aquí todo el camino en la parte superior y sólo llevar eso todo el camino hacia el lado izquierdo y hacer eso más brillante. Lo que estoy haciendo en este momento es exactamente lo mismo que hemos visto antes en la corrección básica. He movido a mis negros hacia abajo y he movido mis blancos hacia arriba. Es exactamente lo mismo pero ¿por qué deberíamos usar estas curvas? Bueno, estas curvas en realidad te dan más libertad, más espacio para jugar con ella. Permítanme sólo mostrarles un ejemplo. Las sombras yacían en algún lugar justo aquí un poco arriba del negro. Voy a tirar eso hacia abajo y luego me voy a pasar a mis aspectos más destacados, que sólo ponen un poco abajo de los blancos y para subir eso. Estamos creando en este momento una curva en S y la curva en S es algo súper importante para recordar porque muchos cinematografos, editores y coloristas hablan de esa curva en S. El S-curva es esencialmente una hermosa forma de agregar contraste. Anteriormente hemos hecho lo mismo. También hemos estado trabajando en las sombras y los reflejos en lugar de en los negros y en los blancos. Crear una curva en S como esta preservará tus reflejos. Como pueden ver, no estamos recortando nada en nuestra forma de onda, lo mismo va aquí en la parte inferior. Ahora lo genial de las curvas RGB es que podemos crear miles de diferencia de S-curvas. Déjame mostrarte lo que quiero decir con eso. Esta vez voy a restablecer esto. Voy a tirar hacia abajo de algún lugar casi en el medio. Estas ya no son realmente mis sombras. Lo son, pero son más las sombras más brillantes. Ahora voy a tomar los reflejos más oscuros, que está en algún lugar justo aquí. Estoy creando una curva S muy apretada y quizá quiera dirigir esto un poco para que la intersección justo aquí venga justo por el medio. Ahí lo tienes. Este es un tipo diferente de S-curva. En realidad estoy empujando las áreas más brillantes y las áreas más oscuras más separadas creando tal curva. Experimenta con esto. Trata de dibujar diferentes curvas para crear contrastes de diferencia. Ahora echemos un vistazo a esos colores ahí dentro. Voy a restablecer mi curva de Luma y echar un vistazo a los colores. Tenemos, rojo, verde, y azul. Como se puede ver, todos ellos ahora están en el mismo nivel. Están encima el uno del otro. Para ver mejor lo que está pasando, también voy a hacer clic derecho en mis ámbitos y partir de ahí elegir un tipo de forma de onda diferente. Voy a elegir el tipo RGB. Básicamente estamos viendo rojo, verde y azul encima uno del otro en esta forma de onda. Donde se encuentran, en realidad vemos el color blanco porque esos tres canales uno encima del otro es blanco. Esa probablemente va a ser su camisa. Por supuesto, hay mucho verde ahí dentro. Ahí verde hay más prominencia, que también podemos ver de nuevo en nuestra forma de onda. Como puedes ver aquí, el verde sobresale, tonos de piel y su bufanda harán más prominencia al canal rojo. Algo que puedo hacer es derribar el blanco de sólo el canal rojo. Déjame sólo hacer eso. Como puedes ver ahora, su bufanda está perdiendo roja, pero lo más importante, su piel también está perdiendo el rojo. Eso realmente algo que quieres hacer. Déjame simplemente restablecer eso de nuevo. También podemos hacer que el color rojo en general sea más prominente así, podemos ir al canal verde y llevar el canal verde al canal rojo. Como puedes ver ahora, sólo falta el azul. Si llevamos el azul también al mismo nivel que el resto, obtenemos de nuevo una imagen natural, y esto es exactamente lo mismo que estamos haciendo en este momento como únicamente mover la curva de Luma hacia arriba. Ahora, ¿dónde podría ser útil esto? Bueno, déjenme mostrarles un truco muy sencillo para hacer pop un poco más a su modelo. Voy a dirigirme al canal rojo porque a partir de aquí, voy a disminuir las sombras a pedacitos. Voy a quitarle el rojo a las sombras. Entonces para los aspectos más destacados, que es el modelo, voy a traer de vuelta esos rojos y tal vez incluso empujar un poco más de lo normal. Mira eso. Si comprobamos el antes y el después, también podemos activar y desactivar las curvas solamente, podemos ver lo que acabamos de hacer. Con un truco súper simple, hemos hecho que el verde sea más azul quitándole el rojo de eso y está haciendo más viva al modelo añadiendo un poco más de rojo. Rojo que también podríamos encontrar de nuevo dentro de los tonos de piel. Un truco súper sencillo para hacer que tus tiros pop mucho más. Ahora, déjame restablecer esto porque hay otra cosa muy cool que podemos hacer, que yo llamo los efectos de filtro de Instagram. Voy a volver a crear una curva S para el rojo, pero esta vez se puede exagerar un poco más, así que una curva S un poco más grande como antes, así. Entonces para el verde, voy a hacer exactamente lo mismo, también una curva S, pero no tiene que ser la misma forma que la roja. En realidad es agradable si en realidad no son exactamente iguales. Eso es todo. Vamos a dejar el canal azul donde está. Porque como puedes ver aquí, hemos bajado el rojo y el verde en las sombras, azul será más prominente, lo que también podemos ver sucediendo en las sombras o en las zonas más oscuras. En cuanto a los aspectos más destacados, que es el modelo y por supuesto [inaudible] cerrar, tenemos un rojo y verde más prominente, que combinado es en realidad más de un tinte amarillo. También podemos ver que volver aquí en nuestra forma de onda RGB, azul no es tan prominente como el resto. Por eso, ella tiene un tinte más cálido. Como humanos nos atraen los colores cálidos como el amarillo y el naranja y el rojo, y esto es morado y rojo. Pero, ¿por qué es eso? ¿ Y los colores fríos como el azul? ¿ Cuál es la diferencia entre estas cosas? Bueno, eso es para la siguiente lección en la que vamos a aprender sobre el color, temperatura y el tinte, y su psicología detrás de él. 5. Balance de blancos y tinte: Estás de vuelta. Sí, escucha. Tengo este problema. Ya sabes el retrato en el que estaba trabajando, usé el color equivocado. Ahora mismo estás verde, y estoy tratando de cambiar el color, pero aún no sé cómo. Sé que hasta un maestro artistas pueden cometer errores. Por eso siempre se puede aprender cosas nuevas. Esperemos que pueda intentar resolver esto, cómo podemos cambiar el color verde a otra cosa usando el lumetri. Hasta entonces, sigamos con la clase. Echemos un vistazo a esta rueda de color aquí mismo, que vamos a ver más a menudo a lo largo de esta clase. un lado podemos encontrar colores naranja, amarillo, rojizo, naranja y en el lado opuesto de eso, podemos encontrar el color azul, los azulejos, la ciencia. Este rango aquí mismo se llama la temperatura del color. También podemos encontrar la temperatura de color de nuevo en nuestra cámara donde tenemos que establecer la temperatura de color en un valor kelvin. Ahora bien, no voy a sumergirme demasiado en la configuración de esas cámaras porque consiguieron un curso diferente sobre videografía. Pero lo que sí quiero que sepas es que la luz tiene un color específico. Al salir durante una noche cuando el sol está muy bajo, obtenemos colores muy anaranjados de unas puestas de sol. Pero cuando es un día nublado o durante las noches, hablamos de los colores azules. Al mirar una chimenea que también tiene colores muy anaranjados, y al hablar de estas luces naranjas, hablamos de los colores cálidos. En los lados opuestos, hablamos de los colores de los resfriados y de ahí viene el nombre de la temperatura. Ahí ya obtenemos algo de filosofía detrás de los diferentes colores. El color temperatura es un rango de color natural, pero también tenemos un rango de color artificial, que en su mayoría se conoce como los tintes. Por un lado, podemos encontrar los colores verdes y por el otro lado están a magentas. El verde es algo artificial como las luces fluorescentes, como un laboratorio. Estos son colores que normalmente no vemos volver a menos que haya una muy buena razón para ello. Dentro de lumetri y hemos visto que antes bajo la pestaña de corrección básica, también podemos encontrar ese control de deslizador de temperatura y tinte. Cuando un disparo es por ejemplo demasiado cálido como este, todavía podemos vivir con eso o cuando hace demasiado frío, todavía podemos aceptarlo. Pero déjame simplemente restablecer este valor. Cuando un disparo empieza a lucir verde, empieza a parecer feo. Eso se debe a que este es un color artificial. No es natural, y lo mismo va para el magenta, eso definitivamente es algo que nos gustaría evitar. Ahora, cuando disparaste algo con un color incorrecto o la temperatura, podemos arreglar eso aquí con estos controles, podemos hacer un disparo más caliente, por ejemplo. Cuando el disparo inicialmente estaba demasiado frío o cuando es demasiado verde, podemos agregar un poco de magenta ahí. Toda cámara tiene eso, estamos filmando esta clase aquí mismo en la cámara de cine digital roja y ese sensor por alguna razón está recogiendo demasiado verde. Con cada disparo que hacemos, tenemos que añadir un poco de magenta a eso. Para facilitar las cosas también tenemos un selector de balance de blancos. El balance de blancos significa que vamos a escoger un punto que debería ser blanco absoluto. Ningún otro tinte de color debería estar en ese avión. Déjame solo decir ese selector de color, y voy a seleccionar el suéter blanco de esta chica, click y ya está. Como puedes ver, lumetri ha arreglado automáticamente mis tomas. Ahora tenemos un poco más azul en el tiro y también un poco magenta, que yo esperaba. Ahora, personalmente no soy un gran fan de un tiro tan limpio. También puedes ver que en mis cuadros, siempre agrego un toque personal ahí dentro. Por eso también soy maestras artistas. mí me gusta un poco de calor a mi tiro, así que sólo voy a aumentar mi temperatura un poquito más así, pero es un buen inicio. Si no estás seguro de qué hacer, puedes empezar con el selector de balance de blancos y ya te va a arreglar el tinte y después de eso, puedes dirigir un poco más con el control de balance de blancos. Podrías subir la temperatura así. Pero eso creará un nuevo tema. Como puedes ver, ese color naranja cálido ahora se sienta en cada tono de los disparos, se sienta en las sombras, en los tonos medios, los reflejos, está en todas partes. Está haciendo que tu tiro se vea plano y barato. De lo que quieres asegurarte es siempre que tu negro parecía ser negro y tu blanco parecía ser blanco. Que es una de las principales diferencias entre un colorista profesional y alguien que acaba de empezar con clases de arte. Voy a restablecer este valor aquí mismo, y voy a ir a las ruedas de color y match tap. Esta herramienta de aquí mismo es la más utilizada para crear cierto look, como el look de acción o el look romántico. Romanticismo, se puede ver que atrás un montón de mis pinturas o tal vez quieras ir por el look de ciencia ficción. Puedes hacer eso todo con esta herramienta aquí mismo, las ruedas de color y match. Pero que mis queridos alumnos es para la siguiente lección. 6. El círculo cromático: Ya sabes, llevo más de 500 años dando clases de arte. He tenido gente en mi clase como Pablo Picasso. Leonardo Da Vinci también fue uno de mis alumnos, y Van Gogh, te extraño hombre. Mira lo que pasó de esas personas. Ellos son maestros de Lumetri. Gracias a mis lecciones. Ahora estás en mi clase, solo piensa en eso. Estamos trabajando de nuevo en el tiro de las dos chicas guapas y nuestra idea es hacer este tiro más cálido. En la lección anterior, hemos visto que podemos hacer eso desde la pestaña Corrección Básica y luego simplemente aumentando la temperatura así. Pero como puedes ver, ahora todo tiene ese tinte naranja. Entonces voy a restablecer esto e ir a Color Wheels & Match. Desde aquí, también podemos empujar cierto color en los tiros pero también tenemos la opción donde nos gustaría empujar eso, como las Sombras, los Midtones o los Destacados. El tono medio es una gran manera de empezar si quieres obtener un tinte de color general sobre tus tomas. Entonces hagamos que esto sea más cálido usando la rueda de color. Entonces vamos a empujar en el tinte naranja. Algo así haría. Ahora ya nuestro tiro va a conseguir un look diferente a incluso cuando usaríamos el Slider de temperatura, y podemos comparar eso con el segundo disparo que tuve en mi línea de tiempo aquí mismo, de la cual hemos cambiado a temperatura de color. lo hemos bombeado. Ahora mira el suéter que lleva puesta la niña, que debe ser blanco. Con la temperatura de color aumentada, esa camisa ahora también es naranja, pero con la temperatura de color aumentada usando las Ruedas de Color, su camisa sigue siendo un poco blanca, lo cual es porque sólo hemos agregado naranja del tonos medios. Ahora en mi opinión, los Midtones sí actúan demasiado en la imagen general. Entonces lo que siempre puedes hacer es agregar el color opuesto, que es azul, a las sombras. No demasiado, unos pedacitos. Vigila las sombras u objetos negros como el suéter que lleva la segunda niña. No estamos apuntando a que ese negro puro negro. Queremos que parezca que es negro. Lo mismo vale para los aspectos más destacados. Si crees que su suéter debe ser aún más blanco, bueno entonces agrega también el color opuesto ahí dentro, que es azul cian, así. Ahora cuando comparamos estas dos camisas una al lado de la otra, se puede ver muy bien la gran diferencia entre ellas. Aquí, esas dos camisas son ambas muy anaranjadas. Si bien en los primeros tiros, estos dos parecen ser más naturales, mientras que el aspecto general de la imagen sigue siendo cálido. Por lo que la moral de la historia, solo usa el Deslizador de Temperatura si quieres hacer unos ajustes menores. Para ajustes extremos como lo estamos haciendo aquí mismo, intenta usar las Ruedas de Color para eso ya que puedes dirigir mucho más hacia las Sombras, los Midtones y para Resaltar por separado. Está bien, voy a restablecer todos los efectos de Lumetri aquí arriba y empieza desde una página en blanco. Quiero mostrarte la técnica de clasificación de color más popular la cual se llama el look azulado y naranja. Se ha utilizado en muchas películas de acción como The Transformers y muchas otras películas de Hollywood porque simplemente funciona. De tu lección anterior, hemos aprendido que los colores cálidos y anaranjados son algo por lo que nos sentimos atraídos, y los colores fríos y azules, no tanto. Pensamos en lo oscuro con colores azules, las noches, negro, las sombras, y al mirar las Ruedas de Color, también tenemos estas sombras aquí mismo. Entonces lo que vamos a hacer ahora mismo es empujar un poco de azul o azulado hacia las sombras. Hagamos eso. No te importa la imagen general todavía. Sólo concéntrate aquí en la playera de la chica del lado izquierdo. Simplemente empuja un poco de azulado ahí dentro, así. Ahora para los Midtones, vamos a hacer lo contrario. Vamos a empujar ese cálido tinte naranja ahí dentro. Como ya he mencionado antes, suelen ser los tonos de piel. Al estar haciendo eso, se puede ver que estamos tirando de la imagen hacia atrás recta,. Ya no es tan azul, se está volviendo más natural otra vez. Pero también noté que ahora mi azul se ha ido. Entonces voy a empujar un poco más de azul o azulado en las sombras. Con la clasificación de color, siempre tendrás que ir atrás y adelante para ajustar una cosa y luego ajustar la otra cosa y mirar tu imagen y ver qué hace. Algo así haría. Por último, voy a añadir algo más de contraste en mis camisas, lo que puedo hacer con estos Sliders. Pero antes de hacer eso, abramos nuevamente a los alcances lumétricos. Hoy puedo ver cuánto contraste puedo agregar en mis camisas. Voy a bajar las sombras de este Slider de aquí. Esto hace que mis sombras sean mucho más profundas. Ahora básicamente, este de aquí es el mismo control que podemos encontrar de nuevo dentro de la pestaña Corrección Básica. No obstante, el de las Ruedas de Color, este Slider de aquí, es más las sombras y los negros combinados. Entonces a pesar de que es el mismo control y sí, hace lo mismo, a veces es más rápido tirar de ese deslizador porque funciona un poco diferente y lo mismo va para tus reflejos en el Ruedas de color. Tirar de éste hacia arriba va a aumentar un poco más los blancos y los reflejos juntos. Ahí vamos. Con lo que acabamos ahora mismo es en realidad una imagen de contraste muy rica. Eso se debe a que hemos agregado azul a las sombras y naranja a los Midtones, que son ambos colores opuestos, pero también dos colores en contraste. Hagamos una comparación rápida. Voy a ir a mis Controles de efectos y localizar Lumetri Color, que son los efectos de clasificación de color que acabamos de crear aquí mismo desde el panel de Lumetri. Voy a copiar esto haciendo clic derecho y decir “Copiar”. También puedes usar una tecla corta sugiere CTRL o COMMAND C para copiar ese efecto. Entonces voy a pasar a mi segundo clip aquí en la línea de tiempo, y a partir de ese, voy a eliminar los efectos de color Lumetri, y pegaré el efecto Lumetri que acabo de crear previamente. Entonces ahora terminamos con dos de los mismos tiros exactos. No obstante, desde su segundo, voy a restablecer las Ruedas de Color, para las Sombras y para los Midtones. Entonces esto significa que tienen exactamente el mismo contraste porque no lo he restablecido a la exposición para las Sombras y los reflejos, y aunque se trata de un hermoso tiro natural, ahora al mirar hacia atrás al tiro anterior, éste simplemente parece tener más contraste porque hemos añadido lo contrario o los colores de contraste ahí dentro. Ahora, aquí hay un poco de propina de bonificación que tengo para ustedes alumnos. Si vas a la barra de herramientas de tu programa monitores aquí mismo con todos los botones, podemos encontrar un botón que diga “Vista de comparación”. Al hacer clic en eso en realidad te da una herramienta para comparar dos clips uno al lado del otro. Existen diferentes formas de comparar esto. Por ejemplo, solo tenerlos uno al lado del otro, podemos tener una pantalla dividida vertical o una pantalla dividida horizontal. Vamos a ponerlos uno al lado del otro por un momento. Aquí de la izquierda tenemos unos sombreros de juego para controlar qué imagen queremos ver del lado izquierdo, y con solo tus sombreros de juego normales y la línea de tiempo, podemos fregar más a qué imagen o qué tomas queremos ver en los lados derecho . Aquí puedes ver una hermosa diferencia entre las dos tomas corregidas de color. Entonces a pesar de que tienen exactamente el mismo contraste, éste se siente más rico en contraste porque hay mucha más diferencia de color pasando en esa toma. El azul y las sombras y los tonos cálidos anaranjados en los tonos de piel o los Midtones. También podemos ponerlo en pantalla dividida para solo ver aquí qué estamos haciendo, y ahí vamos. Acabas de crear una obra maestra, algo que te gustaría poner contra tu pared en tu propia galería de arte y probablemente estés pensando ahora : “Jordy, ¿cómo es que todas tus pinturas son tan hermosas?” Bueno, eso es porque un día atrás en un verano de 1879, una vez hice una obra maestra tan grande, y fui tan inteligente como para guardar eso como preestablecido para que pueda usar mi obra maestra como plantilla para todo por venir. Eso es algo que te voy a enseñar en la siguiente lección. 7. LUT y looks: Una vez que limpies tus lápices, tus colores se han ido. Por suerte, con tecnología en estos días, como Adobe Premiere Pro y Lumetri, podemos guardar nuestros colores para su uso posterior. Hay un par de maneras en las que podemos hacer eso. Ya hemos visto anteriormente que cada vez que ajustamos algo desde la ventana de color Lumetri se aplicará un efecto de color Lumetri al clip. Ahora esto es un efecto. Esto significa que podemos hacer clic derecho sobre él y decir “Guardar preset”. Podemos darle un nombre a eso. Por ejemplo, Mi Awesome Graduation. Presiona “Ok”. Entonces podemos encontrar este preset de nuevo dentro de nuestra biblioteca de Efectos. Preajustes. Justo aquí está. Déjame borrar mis efectos Lumetri del clip número uno. Ahora cuando voy a arrastrar mi preset sobre este clip, ese mismo efecto Lumetri se aplicará ahora a ese clip. Esa es una forma de salvar tu look específico, pero hay otra manera. Simplemente lo llamamos guardarlo como un LUT. Desde el panel Lumetri en la parte superior, se puede hacer clic en estas tres líneas, que es solo el menú del panel Lumetri y a partir de ahí, podemos exportar esto como un.cube. También podemos elegir exportarlo como un.look, pero una.look es muy específico de Lumetri, lo que significa que no es universal, y no va a funcionar en todas partes, así que solo vamos a elegir siempre para exportar a un archivo.cube. Hagamos eso. Navega hasta la carpeta en la que te gustaría guardar este archivo de cubo. En realidad tengo aquí en mis archivos de proyecto una carpeta llamada LUT. Yo sólo voy a guardar eso ahí dentro. Como pueden ver, ya tengo dos archivos de cubo, a los que entraremos en un momento. Vamos a darle un nombre a esto. Porque este es un look azulado y naranja como hemos visto en la lección anterior, también lo llamemos así, Teal y Orange. Entonces solo presiona “Guardar”. Acabamos de crear nuestra propia LUT. Si has estado explorando Internet, verás por todas partes donde la gente está regalando sus packs LUT o puedes comprar packs LUT. Bueno, esto es básicamente lo que es un LUT. Esas personas han comisariado un estilo específico y ahora los están compartiendo con el mundo online. Porque lo hemos guardado, voy a eliminar mi efecto Lumetri Color de este clip. Hay dos lugares donde podemos insertar un LUT en Lumetri. El primero es de la pestaña Corrección Básica. Tenemos Input LUT aquí mismo. El segundo es de la pestaña Creativa donde tenemos una entrada Look. En un momento, vamos a ver la diferencia entre estos dos. Por ahora, solo quiero mostrar mi LUT en acción. Vayamos aquí, desde la pestaña Creativa, abre en el menú desplegable y di “Navegar”. A partir de ahí, podemos navegar a través de nuestro LUT personalizado, que está aquí en la carpeta LUT, Azul y naranja.Cubo. Selecciónelo y pulsa “Abrir”. Ahí vamos. Ese mismo look que hemos creado antes ahora se está agregando desde este pequeño menú desplegable justo aquí. El LUT no cambiará ninguna configuración porque si vamos a Color Wheels & Match, verás que estos siguen en valor predeterminado. Todo está basado en este único pequeño archivo aquí mismo, que se llama nuestra LUT Teal y Orange. Existen dos tipos diferentes de LUT. Por un lado, podemos encontrar el LUT creativo como hemos estado creando en este momento, el look Teal y Orange, que es un look específico y tono de color específico. Del otro lado, podemos encontrar los LUT más técnicos. Estos suelen ser específicos de la cámara. En mi línea de tiempo aquí mismo, tengo el Clip número cuatro, que de nuevo es una chica hermosa. Pero se puede ver que esta toma se ve muy diferente a la que solíamos trabajar. Es super plano. A esto de aquí se le llama imagen de registro, que es esencialmente sólo una imagen muy plana. Se obtiene casi sin colores y casi sin contraste. Pero eso tiene un alcista muy grande porque significa que también tenemos mucho detalle. Justo aquí en las sombras abajo, porque es tan plano, tenemos detalle ahí dentro. Lo mismo vale para el cielo detrás de la niña, que es muy brillante. Pero como es tan plano, todavía tenemos detalle en él. Toda marca de cámara tiene su propio poco sabor de registro. Las cámaras de Sony tienen su famoso S-Log. Tenemos S-Log2, S-Log3. Las cámaras Panasonic tienen algo llamado V-Log. Las cámaras Canon cuentan con C-Log. Con lo que estoy trabajando aquí es una cámara de cine RED. Ese RED tiene un Rojo-Log. Podríamos empezar a drenar de cero en esta imagen muy plana, pero también podríamos optar por empezar a trabajar con un LUT técnico, un LUT que se hizo específicamente para estas tomas. Esos LUT técnicos siempre se pueden encontrar en la página oficial. Por ejemplo, en Google, he buscado el Sony S-Log para rec 709 LUT. Vine en la página oficial y aquí en la parte inferior, se puede ver que en realidad tenemos el S-Log2 y S-Log3 Rec. 709 LUT, que podemos descargar aquí gratis. No quiero adentrarme demasiado en este material técnico. El único que hay que recordar es que Rec. 709 es un espacio de color muy utilizado. Volvamos a Premiere Pro. Esta vez, vamos a ir a la pestaña Corrección Básica y elegir por LUT de entrada. Haga clic en el menú desplegable y elija “[Personalizado]” o “Examinar”. Realmente no importa. A partir de aquí, voy a localizar mi carpeta LUT. Lo que tengo justo aquí es un Rec. 709 LUT. Esta de aquí es muy específica a esta toma a mi cámara, que es la cámara de cine digital RED. Selecciona eso y pulsa “Abrir”. Ahí vamos. Lo que va a hacer este LUT es simplemente tirar del contraste y los colores a ese Rec. 709 espacio de color, lo que hace que el disparo aparezca como un disparo normal. No hay una mirada específica en marcha solo va a asegurarnos que obtenemos un disparo lo más natural posible. Ahora que entendemos la diferencia entre un Rec. 709 LUT y un look creativo, cuál es la diferencia entre el LUT de entrada en este momento y la pestaña Look creativo. Esencialmente, hacen exactamente lo mismo. Pero, ¿por qué hay dos ajustes? Déjame mostrarte. Cada tabulador de aquí se sienta en un orden específico y hay una muy buena razón para eso. Cuando agrego mi LUT a la pestaña Corrección Básica, mi LUT se ha aplicado primero. Después de eso, podemos cambiar los ajustes de tono. O también podemos cambiar primero los ajustes de Tono y luego aplicar el LUT en la pestaña Creativa. Para demostrarlo mejor lo que está pasando aquí mismo, voy a volver a mi primer clip aquí en la línea de tiempo. Déjame simplemente restablecer aquí arriba el efecto Lumetri para que podamos empezar desde cero. Voy a ir a mi pestaña de Corrección Básica. Desde la ventana de entrada LUT, voy a ir a Browse. Esta vez voy a llevar este archivo Cube aquí mismo, que es un LUT de contraste duro. Por cierto, chicos, si aún no han leído la descripción de la clase, que siempre deben hacer antes de comenzar la clase, realidad pueden descargar todos estos LUT y todos los clips de video y archivo del proyecto y todo desde el Proyecto tab o algo aquí en Skillshare. Desde ahí puedes encontrar un botón de descarga. Déjame solo seleccionar el contraste Duro.Cubo y golpear “Abrir”. Tenemos un enorme contraste ahora mismo, pero eso es sólo para un propósito de ejemplo. Como puedes ver, la blusa de la niña y también en la cara está completamente volada. Está sobreexpuesto. Pero en realidad, el clip original no está sobreexpuesto. Eso significa que la información sigue ahí. Esto significa que en realidad podríamos tirar hacia abajo los aspectos más destacados. Probemos y hagamos eso. No hace mucho. Tratemos de tirar hacia abajo también los blancos. Intentemos bajar la exposición. Parece que en realidad ya no podemos arreglar esto. Mira lo que le está pasando a su piel aquí mismo. Porque hemos aplicado ese LUT de Contraste Duro, primero, realmente no podemos recuperar nada más de la fuente porque el Contraste Duro ha cambiado de fuente. Entonces hagamos lo contrario ahora mismo. Voy a restablecer Lumetri de nuevo. Esta vez, voy a ir a mi ficha Creativa. Entra en mi Look, di “[Personalizado]” y seleccionó “Contraste duro”. Va a hacer exactamente lo mismo, pero echa un vistazo a esto. Voy a ir a mi pestaña de Corrección Básica y esta vez disminuir la exposición. También puedo disminuir los aspectos más destacados. Mira eso. Estoy recuperando por completo los destellos volados. Eso se debe a que a pesar de que los LUT en la pestaña Creativo están recortando la exposición, no está bajo fuente. Todavía puedo trabajar ante la LUT en la fuente y recuperar la imagen. Eso es lo que es la gran diferencia entre estos dos campos de entrada, solo el orden de donde vas a aplicar tu LUT. Posteriormente en esta clase, también vamos a arreglar ciertos problemas de clasificación de color. Ahí dentro, también verás que el orden va a ser muy importante. Entonces vamos a ver esto con más frecuencia a lo largo de esta clase. ¿ Significa eso que nunca debemos usar el LUT de entrada de la pestaña Corrección Básica? Esencialmente, sí, al menos en mi opinión. Apenas uso el LUT de entrada por esta razón exacta. No obstante, cuando te gustaría aplicar dos LUTs a un clip, lo cual sucederá en una clasificación de color más avanzada, entonces o bien tienes que aplicar a efectos de color Lumetri, que entraremos más adelante, o puedes usar el Introduce LUT y al mismo tiempo también usa la pestaña Look from the Creative. Voy a restablecer aquí mi color Lumetri de nuevo e ir a mi pestaña Corrección Básica. En mi LUT de entrada aquí mismo, puedes ver que he instalado algunos LUTs personalizados. Hagamos que estos LUT solo hagan algo muy menor. Por ejemplo, éste de aquí. Como puedes ver, acaba de hacer el disparo un poco más plano. Se va a hacer un ajuste muy menor. Por eso, sé que mi disparo nunca estará bajo ni sobreexpuesta. Simplemente va a hacer un ajuste menor, como agregar un poco más de roll-off o tal vez cambiar el tono del Rec. un poquito, y eso es todo. Una última cosa que quiero mostrarles a todos es bajo la pestaña Creativo, siempre que vayan a elegir un look específico, y por cierto, pueden encontrarlos por todo internet. Si fueras a buscar LUTs descarga gratuita o algo así, encontrarás LUT específicos. Se puede ver todo así que también he descargado algunos aquí. Solo escojamos algo como CineSpace, que todos tenemos por defecto en la instalación de Premiere, va a agregar un look específico a nuestras tomas. En la parte inferior derecha aquí, podemos encontrar un deslizador de intensidad, lo que significa que podemos hacer que la intensidad de ese LUT sea más dura o más suave, algo que tampoco obtenemos bajo la pestaña Corrección Básica. También podemos intercambiar a través de los diferentes LUT que hemos instalado haciendo click aquí en la ventana de vista previa y ver qué obtenemos. Por ejemplo, me gusta mucho este, entonces solo puedo dar click en él y se aplicará. Puedo aumentar la intensidad de ese LUT o disminuir eso otra vez. Se puede ver que obtenemos mucha más flexibilidad. En la parte inferior aquí, incluso obtenemos algunas opciones más como agregar Fadeed Film, que va a hacer que las sombras sean un poco lechosas, esa típica película se vea. También obtenemos Sharpen. Si quieres agregar más nitidez, a tu tiro, puedes hacerlo desde aquí. Entonces tenemos un control de Vibrancia y Saturación también. Pero que mis queridos alumnos es para la siguiente lección. Gracias por ver. 8. Saturación versus vibración: Hay una cosa que siempre me molesta mientras estoy pintando. Esa es la saturación de los colores. Siempre me están volviendo locos. Por eso en esta lección, quiero echar un vistazo a la vibración y la saturación y cómo podemos manipular eso. Dentro de lumetri tenemos algunos deslizadores de saturación, como aquí en la pestaña de corrección básica. También tienes uno aquí en la pestaña creativa, pero también un deslizador de vibración. También hemos visto previamente en esta lección, siempre que vamos a agregar algo más de contraste en nuestras tomas, también, los colores estarán más saturados, pero ¿qué tan saturados están en esos colores y qué podemos hacer con la saturación? ¿ Hasta dónde está demasiada saturación? ¿ Qué es demasiado menos situación? Bueno, para eso, nuevamente vamos a trabajar con una herramienta de medición, esta vez, el vectorscopio. Haga clic derecho en su ventana “Alcamientos Lumetri” y elija “Vectorscopio”. Existen dos tipos de alcances vectores, el HLS y el YUV. Siempre vamos a trabajar con el YUV es que como el más ampliamente utilizado y también tiene algunas opciones extra, así que selecciona esa. Por ahora también voy a desactivar la forma de onda aquí mismo, ya que no necesitamos eso. Esto de aquí sólo representa la rueda de color, como hemos visto anteriormente. Para resaltar en el medio representa los colores. Cuanto más día pico a un cierto valor de color como este de aquí a los rojos, más saturado es ese color. Los rojos se pueden encontrar de nuevo en tonos de piel a través sus labios pero definitivamente también aquí en sus faldas. No, ¿por qué aumentamos el deslizador de saturación, también verás que los reflejos serán más empujados hacia afuera. Los colores estarán demasiado saturados si van a ir por encima de estas líneas aquí mismo. En otras palabras, tu saturación es adecuada para la emisión, para la televisión. Para la mayoría de nosotros, probablemente ese no va a ser el caso ya que no estamos trabajando para la televisión. No obstante, siempre es bueno seguir esta regla porque después de todo, los colores demasiado saturados realmente no se ven bien a menos que tengas una muy buena razón para eso. Vamos a restablecer el valor de saturación de nuevo. Vemos que los colores ahora están más empujando hacia rojos, anaranjados, amarillos. Pero si vamos a desplazar las curvas, por ejemplo, con un deslizador de temperatura, también verás que esos reflejos serán empujados hacia el otro lado. Lo mismo va con un tinte. Empujarlo a magenta empujará todo resaltado más aquí a los sitios magenta y así con el verde. Hasta ahora hemos estado mirando toda la imagen. Pero digamos ahora que queremos tener que mirar su blusa, ¿qué tan blanca es en realidad su blusa? Bueno, para hacer eso, voy a dirigirme a los “ Controles de Efectos ” y por mi propiedad de “Opacidad” aquí mismo, toma la herramienta de bolígrafo, haz clic en eso, y voy a dibujar una máscara alrededor de su blusa, así. Entonces vuelve a mis “Scopes Lumetri”, y ahora mismo veo que tu blusa es un poco demasiado amarilla. Por supuesto, demasiado, eso depende. Anteriormente, en esta clase también han hablado de que realmente no me gustan las imágenes que se ven demasiado limpias. Si tomara el selector de balance de blancos y escoja aquí su blusa para ser blanca pura. Se puede ver aquí en un vectorscopio en el punto culminante está siendo empujado hacia el interior. Esto significa que lumetri tratará de hacer automáticamente su blusa blanca pura, lo que en teoría es correcta. En mi opinión, está un poco demasiado limpio. Volviendo a sus “Controles de Efectos” y simplemente deshabilitando la opacidad por un momento. También puedes desactivar tu máscara y así podrás ver las tomas completas. O por supuesto, después, puedes eliminar tu máscara. Crear este tipo de máscaras es algo que hago muy a menudo esa manera entiendo mejor qué saturación, qué color, qué nivel tiene un área determinada en mis tomas. De nuevo, algo que vamos a ver más a lo largo de esta clase. Volvamos a los “Scopes Lumetri” porque si bajamos aquí en nuestra pestaña “Creativo”, también encontrarás un vibrante slider. A primera vista, lo vibrante parece hacer lo mismo que la saturación. Su aumenta la saturación del color, por lo que estamos disminuye eso. Bueno, así es como la vibración y la saturación son diferentes. Lo que hará la saturación es empujar siempre más todos los colores o los satura menos, con vibrancia, se va a tratar de nivelar los diferentes colores. Si el tono azul no es un saturado ya que el tono rojo en este ejemplo va a tratar de empujar primero el tono azul y luego también empezar a empujar el tono rojo para difundir uniformemente la saturación y traer la saturación de los diferentes colores más cerca juntos. Déjenme mostrarles eso. Al aumentar la saturación aquí mismo, se puede ver que la forma de ese resalta sigue siendo la misma. Está empujando hacia fuera los colores, pero ahora déjame simplemente restablecer la saturación y déjame simplemente aumentar la vibrancia. Como puedes ver aquí ahora, la forma está cambiando. Estamos haciendo más destaque hacia los sitios azules, rojos y amarillos y todo también está siendo más saturado, pero no tanto como el azul. Muy a menudo cuando piensas que algunos colores ya están lo suficientemente saturados, puedes entonces aumentar la vibración. Por ejemplo, creo que su falda ya está lo suficientemente saturada, pero sí, me gustaría agregar colores para destacar un poco más entonces simplemente puedo aumentar la vibración así. ocasiones podrías usar ambos tirando hacia abajo la saturación general de todos los colores al mismo tiempo y luego aumentando la vibración para volver a juntarlos así. Están mirando el antes y el después. Podemos ver que la sombra está mucho más viva. Es más vívido, pero yo estaba teniendo ese rojo canalizado ser sobresaturado, o tirando más de los otros colores. Que mis queridos alumnos es la diferencia entre saturación y vibrancia. Estarías trabajando ahora con el vectorscopio más adelante en esta clase, vamos a crear máscaras más en nuestras tomas para que podamos resaltar áreas específicas y en las tomas y manipular esos colores a algo que específicamente queremos a. Esa fue sólo una sentencia muy complicada. Pero las cosas saldrán claras. No, las cosas se aclararán. Oh chico, las cosas se aclararán. Además, a lo largo de esta clase, gracias por ver. 9. Corrección del color versus gradación del color: Como artista, es súper importante mantenerse siempre hidratado. Empecemos. En esta lección, les voy a mostrar la diferencia entre la corrección del color y la clasificación del color. Lo que tengo aquí mismo es bajo hermoso tiro de una hermosa chica. Pero el tiro en sí no es tan hermoso. Se necesita corregir primero, eso es lo que significa la corrección de color. Hagámoslo rápidamente porque ya sabemos hacer eso. Bueno, mirando la forma de onda en los alcances de laboratorio, sabemos que esta toma está un poco demasiado sobreexpuesta. Voy a disminuir la exposición así. Ahora, debido a que los reflejos y a los blancos están aplastados juntos, lo cual también puedo ver aquí mismo, los voy a separar un poco más, creando un poco más de contraste entre ellos. Por eso voy a alberca aquí en los blancos así, solo súbelos así. A continuación, también voy a disminuir las sombras, añadir un poco más de contraste general y ver que todavía tienen algo de espacio aquí abajo con mis sombras. También voy a tirar hacia abajo a los negros. No siempre tienes que tomar toda la gama yendo de 0-100, porque si lo haces entonces estás perdiendo detalle. Voy a apegarme a justo debajo del 10 por ciento y justo aquí justo por encima del 90 por ciento, y luego viene a la temperatura de color. Podemos decir de inmediato del bate que este tiro está demasiado frío. Hay demasiado azul en este tiro. Al igual que hemos visto anteriormente no vamos a tocar el deslizador de temperatura porque si lo hacemos, verás que solo estamos empujando naranja en los tiros generales. El deslizador de temperatura es bueno para ajustes menores, pero no para ajustes extremos como este. Déjame reiniciarlo otra vez y vamos a subirnos a las ruedas de color por aquí. Porque aquí podemos agregar sólo naranja al medio tono. Hagamos eso. Empujemos un poco de naranja en los tonos medios e intentemos mirar el tiro mientras estamos haciendo esto para que sea más cálido así. Al estar haciendo esto, también descubro que mi sombra parece ser un poco para calentar también. Voy a empujar en el color opuesto, azul, que es un poquito así y eso es todo lo que tenemos ahora color corregido esta toma. Al mirar el antes y el después aquí, se ve mucho mejor por supuesto. Con la corrección de color no vas a agregar una emoción o tono de color específico a tus tomas. Ahora solo lo vas a corregir para que parezca natural, cierta base desde la que puedes empezar. En ocasiones solo quieres tener eso, una corrección de color, donde todo se ve natural, generalmente artículos de noticias y cosas así solo tienen una corrección de color. Pero cuando vas a hacer película, agregarías una emoción específica, cierta sensación también en tus colores y luego hablamos de una clasificación de color. Ahora, hay dos formas en que puedes agregar una calificación de color a tus tomas. El primero es por apenas seguir trabajando en geométrico. Ya hemos hecho nuestra corrección de color y ahora elijo volver a mi pestaña de dirección básica, porque para mi clasificación de color, quizá quiera tener un tiro más dels. Voy a disminuir la exposición aún más así y me gusta tener un contraste más grande como este. Para mis ruedas de color, voy a elegir añadir un poco de verde a las sombras porque tal vez estoy creando esta película de terror. Aquí está ahora mi calificación de color. Este es mi sabor personal que he añadido a los tiros. Pero lo que hice ahora es romper mi corrección de color porque he trabajado más en mi corrección. Siempre es algo malo. Es una forma de trabajar pero sepa que está rompiendo su corrección. Esto es lo que voy a hacer. Voy a presionar Control Z un par de veces para deshacer mi acción y volver a mis solo tomas corregidas de color. Dentro del panel de controles de efectos se puede ver que se ha agregado un efecto de color métrico amarillo a ese clip. En una parte superior justo aquí, tenemos un menú desplegable. Si haces click en él, tenemos algunas opciones. Podemos decir agregar un efecto de color recién métrico, renombrarlo o eliminar, claro en otras palabras. Para empezar, voy a renombrar la ocurrencia de los efectos de color métrico y lo voy a nombrar, corrección de color, hit Ok. También puedes ver aquí en tus controles de efectos que este nombre se ha agregado a estos efectos y ahora lo voy a ver desde ese mismo menú desplegable en efectos de color métrico azul. Como puedes ver aquí en tus controles de afectos, se ha agregado un nuevo color métrico. También esto voy a renombrar primero antes de protagonizar. Asegúrate siempre de tener un espacio de trabajo organizado. Esto de aquí va a ser a la clasificación de color. Al igual que hemos visto previamente con los lotes de entrada y para mirar aquí mismo, el orden de los efectos es muy importante. Aquí va lo mismo. Primero vamos a aplicar la corrección de color, y luego vamos a aplicar la clasificación de color. En todo momento puedes cambiar entre estos dos desde el menú desplegable aquí en la parte superior y luego seleccionar corrección de color o clasificación de color. Dentro de este efecto de nivelación de color, podemos volver a empezar desde cero, como puedes ver, todos los controles aquí se han restablecido. Ahora vamos a crear cierto look. Volvamos de nuevo por ese verde en las sombras, tal vez hagan esas sombras un poco más profundas como así. Voy a añadir un poco el sitio opuesto magenta y a los tonos de piel, sólo para mantenerlos naturales. La luz del día es entrar en el grifo de curvas, tal vez compensar el canal rojo y las sombras así. Pero los voy a sumar de nuevo en los aspectos más destacados. Estoy creando este look cool para que puedas hacer lo que quieras aquí. A lo mejor disminuir la saturación pero después traer a la vibrante, sólo un poquito más, ahí vamos. Esto es algo que me gusta. Este es mi toque personal y al tocar la tela mis colores cobran vida aún más. Ahora lo genial de este flujo de trabajo, tener tu corrección de color y saludo académico por separado es que podemos volver a los controles de efectos y desactivar la clasificación de color por un momento, para volver a la corrección de color aquí para el menú desplegable así, y ajustar eso un poco más si es necesario. Siempre podemos volver atrás y hacer cambios. Algo que no podemos hacer si vamos a hacer a la corrección del color y la clasificación del color y arriba o dentro, fuera de la charla. Otro gran uso es cuando vas a trabajar con múltiples clips como probablemente lo estás haciendo. Aquí mismo tengo el clip número uno también, voy a arrastrar eso a mi línea de tiempo así. Ahora este clip ya se ve natural. No tengo que hacer otra corrección de color sobre él. Simplemente puedo ir al clip número ocho, mi anterior. Toma el efecto de nivelación de color, pulsa Control C o Comando C para que los usuarios de Mac copien esos efectos. Después ve al clip número uno aquí y pega eso en los controles de efectos. Ahí vamos. Ahora también obtenemos esa misma calificación a mi segunda toma y que mis queridos alumnos es una diferencia entre la corrección de color y la calificación de color y también, hemos visto un poco de flujo de trabajo ahora. En la siguiente lección vamos a echar un vistazo a psicología del color y las emociones detrás de cada color diferente. Va a ser realmente interesante. Mantente hidratado. 10. La filosofía detrás de la gradación del color: A veces, me gusta simplemente caminar por mi galería, y pensar en lo genial de un artista que soy. Toda pintura tiene cierta emoción, cierta mirada y sentimiento. Mira estos pollos, por ejemplo. Es hermoso. Esas son mis gradaciones de color. Pero, ¿cómo eliges qué tipo de calificación de color que añades a tus videos? ¿ A qué emoción tienes que ir? Bueno, eso es algo llamado filosofía del color, o psicología del color, como otros lo llaman. De todos modos, ¿qué tipo de colores mezclamos? ¿ Cómo hacemos una calificación? Echemos un vistazo cómo podemos hacer eso, ¿sí? Tengo dos clips diferentes en mi línea de tiempo. Una de ellas son estas hermosas chicas caminando por un campo, muy soñadoras, y luego esta toma aquí mismo, que viene más de una película de acción. Se trata de un cazador y ahora tiene encontrar a su enemigo, que va a pelear. Volvamos a ese primer clip. Una vez que agrego una calificación de color a estos tiros, eso es solo partidos con el tiro, eso también cuenta una historia. Porque de eso se trata la gradación de color. Cierto tono, un movimiento de certeza que se suma a tu historia. Ahora, lo que me gusta hacer es simplemente empezar describir ya sea este rodaje o la película en la que estoy trabajando. Por lo que aquí sólo tenemos a dos hermosas chicas caminando por un campo. Tienes una puesta de sol y es muy soñador. Llevan ropa brillante. Es muy cálido, es acogedor. A mí me gusta ponerme en el pasto aquí mismo y ver pasar a estas chicas. Un día de verano muy bonito. Entonces lo que voy a hacer es dirigirme directamente a mis ruedas de color y emparejar. Desde los tonos medios, solo voy a bombear en mucha naranja. El motivo por el que estoy haciendo esto es porque el naranja es de color cálido. Algo que nos sentimos atraídos como lo hemos visto anteriormente en esta clase. También va a realzar mucho más esa puesta de sol en los fondos. En cuanto a las sombras, voy a sumar un poco de lo contrario en la rueda, diminuto pedacito de azul. No demasiado, sólo un poquito. Y la razón de eso es porque quiero neutralizar un poco más esas sombras. Quiero agregar un poco de diferencia entre las sombras y los tonos medios. No quiero que todo sea naranja. Un buen colorista siempre se asegurará de que haya dinámica en los tiros. Ahora no quiero que las sombras aparezcan azules. Absolutamente no. Pueden ser muy cálidas, también, porque ese es un tono al que quiero ir, pero no tanto como los tonos medios, que son las chicas y los campos. Viendo aquí mi alcance Lumetri, tampoco quiero ir por debajo de ese 10 por ciento. Veo que tengo un poco de espacio, así que quizá quiera entrar en la pestaña de corrección básica, y tal vez solo aumentar un poco ese contraste, así. Pero no quiero ir por debajo del 10 por ciento, porque quiero mantener eso un poco lavado. Es un poco más de ensueño. En cuanto a la saturación, voy a tirar eso hacia abajo porque no quiero que estos colores griten tanto. Yo quiero que esto sea suave, gentil, cálido, algo por lo que nos sentimos atraídos. Yo quiero poner en ese campo ahora mismo si miro estos colores. Entonces lo que he hecho en este momento es una clasificación de color muy básica que en realidad encaja con esta escena. Esto es algo con lo que podríamos trabajar. Encaja. Al mirar el antes y el después, se puede ver la enorme diferencia que tenemos. Ahora echemos un vistazo al segundo disparo en nuestra línea de tiempo, donde este tipo de aquí va a luchar contra su enemigo. Justo como ejemplo, voy a seleccionar aquí mi clip anterior, y de los controles de efectos, copiar ese efecto Lumetri y pegar eso en esta toma aquí mismo. Entonces ahora tenemos la misma calificación, pero en mi opinión, esto no encaja en absoluto. Estamos creando una mirada romántica, cálida, soñadora sobre algo que debería ser duro, la acción. Debería ser un poco más sucio. Entonces solo restablece ese efecto Lumetri y describe tu escena. ¿ De qué se trata esto? Definitivamente hace frío. Se van a pelear. Va a haber sangre y va a ser muy duro, algo por lo que no nos sentimos atraídos. Entonces, empecemos ahora mismo la gradación de color. Primero subamos los alcances de Lumetri, y me voy a sumergir en las ruedas de color y emparejar. Para los tonos medios, esta vez, voy a tirar un poco de azul ahí dentro. Voy a hacer que la escena general se vea muy fría. Entonces para sus sombras, también podríamos tirar de azul ahí dentro. Pero como mencioné anteriormente, un buen colorista siempre se asegurará de agregar más dinámica en las tomas al tener diferentes tonos de color. Entonces si yo también haría este azul, entonces todo empezará a volverse azul y se obtiene sólo un tono de color. Entonces voy a hacer algo diferente. No quiero que las sombras estén cálidas. Absolutamente no. Entonces no voy a tirar del color opuesto, pero voy a trabajar con algunos de los colores artificiales, magenta o verde. Esta vez, el verde encajaría mucho mejor. El verde se sienta más dentro de ese look de ciencia ficción. Es muy feo. El verde es feo. Es artificial. Así que tira un poco de verde en las sombras. El siguiente paso viene al contraste. Yo quiero que esto sea duro. Un duro contraste porque esta va a ser una escena dura, también. Por lo que esta vez, quizá quiera ir mucho más allá ese 10 por ciento aquí y tal vez inclinarme un poco más hacia establecer cero por ciento. Entonces voy a ir a mi pestaña de corrección básica y solo aumentar el contraste para empezar así. Los negros absolutos pueden ser mucho más profundos, así que vamos a tirar eso hacia abajo, también. Lo mismo vale para los blancos aquí. Todavía tengo algo de espacio, así que voy a aumentar eso, también, hasta el 100 por ciento. Por último, voy a volver a mis ruedas de color y partido y también tirar hacia abajo las sombras desde aquí. Este deslizador de aquí mismo va a ocupar un rango más grande. Por lo que va a tirar un poco más hacia abajo la exposición de todo el tiro, hacer que este más oscuro. Por lo que esto está empezando a parecerse más a una película de acción en este momento. Entonces, por fin, quiero que la saturación grite un poco más, que la haga un poco más viva. Entonces ve a tu pestaña creativa, y en lugar de agregar saturación porque ya vemos que tenemos mucho de eso en los tonos rojos, el tono amarillo, etc. Por eso voy a aumentar la vibración, y añade un poco más de saturación a esos tonos azules y verdes. Entonces ahí vamos. Esto es algo que en realidad podría funcionar. Esto podría ser una clasificación de color para una película de acción. Echemos un vistazo al antes y al después. Mira. Qué gran diferencia. Ahora con la corrección de color, podemos decir más si algo se ha corregido bien o no tan bueno. Con la clasificación de color, va a ser más difícil. La gradación es un proceso muy artístico. Es algo muy personal. Entonces por eso es muy difícil deciros, chicos, así es como se debe hacer tu calificación. Porque cada disparo, cada proyecto, cada película es diferente y opinión de todos también es diferente sobre las artes de la clasificación del color. Pero con esta sencilla técnica simplemente describiendo tu tiro, qué está pasando, tipo de sensación que te consigues con los disparos o con tu película, y luego llevarte eso a tu calificación aquí mismo es algo que podría ayudar creando tu propia filosofía de color. La gradación del color es todo sobre la experiencia. Al principio, quiero que experimentes. Sólo haz algo. Trata de jugar con estos colores. Ve qué puedes hacer con Lumetri. Y después de que adquieras más experiencia, lo que podría llevar años de práctica, descubrirás qué tonos de color funcionan mejor que otros. Uno de los mayores errores que a menudo veo volver es que la clasificación de color simplemente no encaja con la escena, donde la gente va a agregar una calificación de color de acción o terror a un tiro como este. Eso es por supuesto, incorrecto. Entonces piensa en la sensación que continúa, o la emoción en tus tomas y luego aplica una clasificación de color a eso, que encaje con eso. Hemos aprendido sobre los colores fríos. Hemos aprendido sobre los colores cálidos. Hemos aprendido sobre el contraste profundo, el contraste suave, y lo que eso hace. También sobre la saturación, ¿cuánto tiene que ser la saturación? Más saturación significa que tu disparo va a gritar más, menos saturación significa que tu disparo va a estar un poco más tranquilo. Así que trata de describir tu proyecto, así, así, así como así y practica mucho y serás un buen artista igual que yo, un día, muchos años de práctica. Porque soy un maestro. Tengo 500 años de experiencia. 11. Animar colores y tonos: Por lo pronto, tu pintura de retratos va muy bien. Sólo hay un problema, parece ser un poco verde. Pero no hay problema, puedo arreglarlo, pero ahora no. Sigo tratando de averiguar cómo. Hasta entonces, echemos un vistazo a un tema diferente con el que nos estamos topando aquí. Vamos a tener que animar nuestra corrección de color. Aquí mismo, tengo ese clip en mi línea de tiempo cual tenemos color graduado en la lección anterior, y aunque la gradación de color se ve muy bien por la luz del sol, nos metemos una bengala en la cámara, y eso es levantando las sombras. Pero cuando esta persona de aquí está detrás del árbol, no obtenemos esa bengala, y por supuesto, esta persona ahora también está subexpuesta. Por lo que obtenemos dos niveles de exposición diferentes dentro de una toma, eso significa que también tenemos que animar nuestra corrección de color. También podemos ver que aquí atrás en nuestra forma de onda, que tenemos mucha información aquí pegándose en el fondo. Esto de aquí está todo subexpuesto, que es claramente esta calle de aquí y también el actor. En nuestro vectorscopio, también pudimos ver una diferencia. Cuando la sombra está subexpuesta, aquí tenemos mucha información inclinada hacia el lado azul cian. Pero en la segunda parte de los disparos, se puede ver que más de lo más destacado ahora se inclina hacia los lados rojo, amarillo y verde. Para que estas primeras partes coincidan mejor con la segunda parte de los disparos, vamos a tener que animar tanto los niveles de exposición, como los colores. Pasemos a los derechos de los controles de efectos aquí. Ahora bien, si ya estás familiarizado con Adobe Premiere Pro, entonces cualquier reunión te resultará muy fácil porque esencialmente, es lo mismo que con cualquier otro efecto. Voy a ir a mi Control de Efectos para localizar ese efecto de color lumetri. A partir de aquí, voy a abrir el Color Wheels & Match, pero también la Corrección Básica. Porque en esos dos ajustes, hemos hecho algunos cambios, y justo aquí podemos encontrar todos los mismos controles que también obtenemos con un panel elemental. También puedes optar por hacer tu gradación de color desde aquí si así lo deseas. Como puedes ver, cada propiedad de aquí tiene el cronómetro, lo que significa que podemos animar ese valor. Está bien. Ampliemos la Vista de Línea de Tiempo para ese clip, que puedes hacer haciendo click aquí en este pequeño triángulo en la parte superior, ahí tienes. Vamos a hacer un poco más de espacio así, y lo que siempre quiero tener son mis Scopes Lumetri mientras voy a animar. Entonces vamos a Lumetri Scopes aquí mismo. Sólo voy a arrastrar esta ventana por un momento aquí a mi panel de proyecto así. Ahora deberíamos tener una buena vista de todas las herramientas que necesitamos. Localicemos aquí, en la línea de tiempo de los clips, donde se está llevando a cabo la segunda parte del disparo, que es justo aquí. En este punto, voy a crear marcos clave para la posición actual y pensar en los controles que vamos a tener que cambiar. Los negros son muy profundos, así que voy a crear un cronómetro para el contraste, así como para los negros aquí mismo. Voy a desplazarme hacia abajo y también crear un marco clave para mis ruedas de color. Ahí vamos, aquí arriba. Entonces retrocedamos en el tiempo, justo como el sol está detrás de un árbol. Ahora solo podemos cambiar nuestra calificación de color, pero asegúrate de que solo cambies aquellos valores de los que liberamos en ese marco clave para. Ahora bien, si no estás seguro de ciertos valores, siempre puedes volver aquí y crear múltiples puntos de partida de fotogramas clave como este. No tienes que usarlos por supuesto. Volvamos ahora a donde está la luz del sol detrás del árbol, así. Lo que voy a hacer aquí es para empezar, aumentar a los negros, y estamos recuperando algún detalle en las sombras, lo cual es genial. También estoy echando un vistazo aquí a mi forma de onda. Si bien hago eso, me voy a desplazar hacia abajo porque sé que también he bombeado mis sombras desde aquí. Vamos a subir eso un poquito y dejarlo suelto de ese cero por ciento. Podría querer bajar de nuevo a mis negros, podemos golpear el cero por ciento. Simplemente queremos asegurarnos de que no se pegue en él, algo así haría. Tenemos que entender que los actores se sientan dentro de la sombra, por lo que ese actor debe estar oscuro. No podemos hacerlo muy brillante. Si algo se sienta en la sombra, debería estar oscuro. Esto ya está empezando a verse mejor en términos de exposición. Lo siguiente que quiero cambiar, es deshacerme de un poco de azul dentro de la sombra. Entonces desde el control de sombras aquí, desde el Color Wheels & Match, solo voy a empujar un poco más hacia el lado rojo, y lo mismo va aquí para el tono medio. Que es ponerse un poco de azul fuera de ese tiro, así. Ahora, echemos un vistazo. Vamos a reproducir el clip y ver cómo funciona la animación. ¿ No es eso impresionante? Ni siquiera notamos que está pasando la animación. Pero lo hay, hay una enorme diferencia. Aquí está la primera parte de ese clip. Permítanme que aumente por un momento el monitor del programa para que podamos verlo mejor, y luego animamos nuestra gradación de color a la segunda parte a medida que entra la llamarada. Es así de fácil. Este truco también se usa muy a menudo cuando caminas con la cámara de una escena al aire libre a una escena interior, donde realmente vas de luz del día a una cálida iluminación de tungsteno a la vista, y tu cámara no tiene ese blanco automático control de equilibrio establecido en. Si tu cámara estaba ajustada a un balance de blancos o al aire libre, entonces tus tomas se verán demasiado anaranjadas cuando entres. Por lo que vas a tener que ponerte un poco de azul mientras tu camara hombre camina hacia el interior. Todas las demás propiedades dentro del efecto elemental tienen tal cronómetro, lo que significa que podemos animarlo. Ya hemos estado viendo muchos controles desde el panel elemental, como la pestaña de corrección básica, el Color Wheels & Match, incluso la pestaña creativa. Pero todavía hay muchas funciones dentro del panel elemental que aún no hemos tocado. Entonces en la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a las curvas U y saturación. 12. Las curvas de tonos/saturación: ¡ Mira, lo hice! Finalmente descubrí cómo puedo cambiar el color verde. Echa un vistazo. Ves, esto es más parecido, esto se parece mucho más a ti. ¿ No eres verde? No, eres azul. Está bien. Todavía hay trabajo por hacer, pero nos estamos acercando. Eso es algo bueno. Déjame mostrarles chicos ahora dentro de Adobe Premiere Pro y por supuesto, dentro de lumetri, cómo podemos alterar y cambiar colores al igual que mi retrato, que son clip seleccionado en la línea de tiempo. Voy a dirigirme al personal de curvas. Ya hemos estado aquí antes cuando echamos un vistazo a las curvas RGB pero ahora solo voy a colapsar esto y ampliar las Curvas de Saturación de Tonos. Con estas curvas, cada vez podemos seleccionar un matiz específico o un cierto valor de luma, que entraremos más adelante. Por ahora, centrémonos en el matiz. Vamos a seleccionar un matiz o un color, y luego para este matiz vamos a cambiar su saturación. A modo de ejemplo, tomemos este recolector de color aquí en el lado derecho y seleccionemos la falda de la niña. Ahí tienes, el rojo ha sido seleccionado. Obtenemos tres puntos. El medio es la selección, lo que significa que ahora podemos cambiar su saturación. Podemos tirarlo hacia arriba y aumentar la saturación de esa playera. Se puede ver que se pone mucho más vívido. También aquí en el ámbito vectorial, se puede ver que el canal rojo está hablando más pero también se puede disminuir eso, incluso haciéndolo todo el camino en blanco y negro, sacando por completo el color y esto en realidad es muy interesante de saber. Déjenme deshacer mi acción porque también podemos tomar aquí los puntos pronunciados y tirar esa saturación todo el camino hacia abajo lo que nos deja sólo con el canal rojo. Para aquellos de ustedes han visto la película Sin City, esto es lo que han hecho. Se trata de una película completamente en blanco y negro sólo para el color rojo, que aún era prominente. En todo momento, también puedes hacer doble clic para restablecer eso, por supuesto, y también puedes tratar selecciones manuales si lo deseas. Por ejemplo, voy a crear un punto justo aquí y un punto justo ahí y todo en medio de ese matiz, puedo tirar hacia arriba o puedo tirar hacia abajo, hacerlo menos saturado. También puedo crear múltiples puntos ahí dentro y crear una curva igual que yo una vez. Déjame que me vaya a restablecer eso de nuevo. Echemos un vistazo al siguiente, que es tono versus tono. Vamos a seleccionar primero un matiz específico o un color. Volvamos a tomar esa falda y ahora podemos cambiar el color de esa falda. Toma el punto medio y muévalo hacia arriba. Por ejemplo, dale ahora a esa chica una falda púrpura. Ahora el rojo es algo que se acerca muy a los tonos de piel y los labios, por ejemplo así que ten cuidado al hacer ajustes exagerados ahí dentro. Déjame acercarme aquí mismo, 150 por ciento en la cara de la chica aquí. Se puede ver lo que le está haciendo a sus labios. Si voy a cambiar el matiz de eso. También se está poniendo verde y magenta a medida que cambié de tonalidad. Por eso también puedes dirigir un poco más tu punto medio hacia la izquierda o hacia la derecha. Como puedes ver, moverlo hacia el lado izquierdo ya no seleccionará tus labios. Pero el rojo seguirá siendo seleccionado aquí de su falda, que ahora es muy morada. Muy bien, reiniciemos eso de nuevo y echemos un vistazo al siguiente ajuste, que ahora es tono versus luma, lo que significa que vamos a seleccionar un matiz y luego cambiar su luma de él. De nuevo, toma el recolector de color o también puedes hacer una selección manual si quieres. Volvamos a recoger su falda y ahora a partir de aquí podemos aumentar el brillo de su falda o tal vez disminuir el brillo. Esta es en realidad una técnica para hacer ciertos colores un poco más profundos. Por ejemplo, esto en realidad es mucho mejor ahora con su falda siendo un rojo un poco más profundo mírala antes y después. Creo que el después se ve un poco mejor. Otra herramienta muy interesante y finalmente son las dos últimas. Aquí mismo no vamos a seleccionar un color, pero vamos a seleccionar, primer lugar, un luma. En el lado derecho de esta curva, podemos encontrar las áreas más brillantes y en el lado izquierdo están las áreas más oscuras. O disminuimos la saturación desde el punto medio así, realidad estamos seleccionando todo desde nuestra forma de onda por encima del 50 por ciento. Sólo estamos diciendo que disminuya esa saturación. Por supuesto que esto no se ve tan bien y en realidad podemos ver más adelante en esta clase un muy buen uso de la curva luma versus saturación. Está bien lo reiniciaré de nuevo y echemos un vistazo a la última que es la saturación versus la saturación. En el lado izquierdo, podemos encontrar las áreas menos saturadas y en el lado derecho, las zonas más saturadas. A modo de ejemplo, voy a tirar hacia abajo hacia áreas menos saturadas y mirar eso en nuestro alcance vectorial. Se puede ver bellamente el círculo justo aquí, que hemos quitado. Estas son las áreas menos saturadas. Haciendo lo contrario, vamos a quitar las zonas más saturadas. Ahora también obtenemos este hermoso círculo aquí en el ámbito vectorial porque sabemos que cuanto más punta este resaltado hacia afuera, más saturadas están esas áreas. Ahora esta es una gran manera de acercar todos tus niveles de saturación como podemos ver en el ámbito vectorial. De esta manera no tenemos ningún color realmente alcanzando su máximo y esto en realidad es una gran cosa que hacer cuando quieres conseguir esa sensación de monótono en tus tomas. A lo mejor estás haciendo esta película psicológica donde se manda a la gente a un campamento y toda esa gente tiene que vestir trajes grises y todos son iguales. Nadie puede tener emociones o no puede haber ningún color y mientras aún quieres disparar a color, este tipo de trae todos los niveles de saturación. Todos somos iguales en grupo. Ahora piensa de nuevo en la lección de filosofía del color. Basta con explicar tu película, el proyecto en el que estás trabajando y ver cómo puedes usar estas herramientas técnicas para contar tu emoción, tu sentimiento y esas son las curvas de tonalidad y saturación y cómo podemos usarlas dentro de la métrica. En la siguiente lección vamos a volver a lo más técnico y vamos a corregir un mal disparo y anotar que, ya lo hemos hecho, pero vamos a ir al siguiente nivel. Te voy a mostrar más herramientas dentro de la métrica y cómo realmente podemos hacer que un mal tiro se vea perfecto. 13. Corregir el color de un mal material grabado: Durante esta clase, ya has visto cómo arreglar un mal disparo. En esta lección, vamos a darle un paso más allá y mientras vamos a corregir un tiro de mal aspecto, vamos a poner atención a los tonos de piel. Lo que tengo aquí mismo es otra vez, un tiro que no se ve bien justo en la parte de atrás sabemos que ahí hay demasiado verde. Lo que podemos hacer es ir a nuestra pestaña de corrección básica y agregar algo más de magenta a esta toma para neutralizarla. Esto ya es mejor ya que podemos ver los reflejos tienden a ponerse magenta también y nos dan estas manchas raras en el rostro de esta chica. Tenemos que añadir demasiado magenta a nuestro tiro. Hay una mejor manera de hacerlo. Entrando en las ruedas de color y partido. Si bien estábamos agregando magenta al tiro, podemos hacer una conjetura de cuánto magenta debemos agregar y también qué tipo de magenta queremos agregar ahí. O también podemos solista los tonos de piel y para lidiar con la corrección específicamente sobre eso, permítanme que simplemente restablezca esto aquí mismo. Voy a ir a mis controles de efectos y desde la opacidad, voy a tomar mi herramienta de pluma. Ya hemos visto como antes también. Desde aquí sólo voy a dibujar una forma sobre su frente así. Estamos seleccionando un trozo de tono de piel. Déjame ir a mis alcances elementales. Como podemos ver en el ámbito vectorial, los colores de los tonos de piel se inclinan demasiado hacia el amarillo e incluso un poco hacia los lados verdes. Los tonos de piel siempre deben estar en esta línea justo aquí. De nuevo, a menos que tengamos una muy buena razón por la que no deberíamos. Vamos a la rueda de colores para los tonos medios y empecemos a empujar el magenta hacia ahí. Como se puede ver, esa línea en este momento se está moviendo. Esto es demasiado magenta. Esto de aquí es perfecto. Estamos en esa línea ahora mismo. Vuelve a tus controles de efectos y desactiva la opacidad por un momento. Mira eso. Tenemos un tono de piel perfecto. Como hemos visto anteriormente en esta clase, siempre debes retroceder un poco en tus sombras. Agrega un poco de verde de nuevo ahí. Eso es porque no queremos que el tiro general tenga los mismos tintes. Ahí vamos, mirando el antes y después ahora este tiro se ve genial. Es color se corrige perfectamente. A pesar de que si no tienes un buen monitor calibrado usando los alcances elementales siempre puedes asegurarte de que tus tonos de piel estén puntuales. Muy bien, echemos un vistazo al segundo disparo que tengo en mi línea de tiempo aquí también. Por defecto, solo voy a desactivar por un momento los efectos de color elementales. Este tiro es natural, es bueno. Estaba bien expuesto. El balance de blancos es bueno, todo está correcto. Pero he creado esta clasificación de color azulado y naranja sobre él, que podemos ver aquí regresando y las ruedas de color y emparejan su todavía azul en las sombras y mucho naranja en los tonos medios. Si bien estás haciendo una clasificación de color de este tipo, estás cambiando o cambiando los colores. También aquí, asegúrate de ir a tus controles de efectos desde la opacidad toma la herramienta de lápiz y selecciona una pieza de tono de piel. Después de eso, vuelve a tu alcance elemental y comprueba dónde están esos tonos de piel. Actualmente están camino a la derecha. Desde los tonos medios, voy a tirar de esto un poco hacia atrás hacia el lado verde, hacia el lado amarillo y asegurarme de que mi tono de piel esté puesto en esa línea aquí mismo. Ahora podemos desactivar la opacidad hacia atrás y el tono de piel debe ser perfecto. En este momento tenemos una clasificación de color que ambos cambian los colores pero también aseguramos de que aún conservamos esos tonos naturales de piel. Chicos súper importantes y que mis queridos alumnos es cómo podemos arreglar los malos tiros, pero también los problemas de calificación de color. En la siguiente lección, vamos a construir un poco más allá en esos problemas de clasificación de color y ver cómo podemos trabajar con una corrección secundaria de color. 14. Correcciones secundarias: Hola, estás de vuelta. Bienvenidos a la clase. Se me cayó el cepillo. De todos modos, sigamos aquí. De lo que me he metido en mi línea de tiempo es una toma de nuevo, la hermosa chica, porque me gusta mucho el romanticismo y he creado esta mirada azulada y naranja al borde. Se puede ver que aquí en mi color revela y coincide. Pero algo que también les he estado diciendo chicos es que deben asegurarse que sus negros siempre sean negros y sus blancos siempre sean blancos. Por eso quiero volver a mis curvas y para mis curvas de matiz y saturación, me voy a desplazar todo el camino hacia abajo. Porque aquí mismo, en realidad tengo una herramienta desde la que puedo seleccionar las sombras y para dibujar todos los colores a partir de ahí haciendo que los negros vuelvan a ser negros y no azules. Pueden ser azules en las sombras, pero no en los negros. Ahora, lo que voy a hacer esto aquí es seleccionar el último 5 por ciento o algo así. Te darás cuenta de que nada realmente está pasando y eso es por el orden de efectos como lo hemos visto anteriormente también. Primero le estamos quitando la saturación a los negros y luego vamos a añadir azul ahí. Eso es realmente bueno. Primero necesitamos agregar azul a las sombras y a los negros, luego quitarle los colores. Voy a volver a mis curvas aquí y simplemente restablecer lo que acabo de hacer, porque lo que tengo que hacer es ahora realmente crear un segundo efecto de color lumetri, desde el menú desplegable aquí arriba. Voy a cambiar el nombre de este segundo efecto a Blue Fix, pulsa “Ok”. En mi control de efectos, por lo que ahora puedes ver que tenemos dos efectos de lumetri. El primero, es mi gradación naranja azulada, y el segundo, que se está aplicando encima de eso es el arreglo azul. A partir de aquí ahora, puedo ir a mis curvas, luma versus saturación, seleccionar aquí los oscuros y tirar eso hacia abajo así. Asegúrate de tener siempre alguna gradación entre eso y ahora mismo, esto está funcionando. Sólo para demostrarlo mejor, voy a acercarme a su chaqueta aquí y sólo ver el antes y el después. Seguimos quedando ese azul en las sombras que lucen azulado y naranja, pero los negros absolutos definitivamente, se puede ver que aquí bien en sus botas aquí, que son negros absolutos. Estamos quitando ese feo resplandor azulado ahí dentro, que no debería estar en los negros. Ten esto en cuenta siempre que vayas a empujar un cierto color o matiz hacia las sombras. Ahora, también hay una segunda forma de solucionar este tema, y es a través de una corrección secundaria HSL. Para eso, no necesitamos dos efectos de lumetri. Simplemente voy a eliminar el segundo y volver a mi primer efecto de color lumetri. Yo sólo voy a colapsar aquí las curvas de matiz y saturación, porque quiero ver la pestaña secundaria HSL justo aquí. Aquí hay dos pasos. En primer lugar, vamos a tener que seleccionar algo y hay tres cosas que podemos seleccionar; el matiz, que es el color, la saturación, cuánto algo está saturado o no, y finalmente, la ligereza o brillo del área que desea seleccionar. Por ejemplo, podemos trabajar solo en la ligereza y simplemente arrastras la selección un poco abierta así. El superior aumentará el área de selección o la disminuirá y el inferior se asegurará de que estamos emplumando nuestra selección para tener un poco más de gradación en nuestra selección. A continuación, voy a mover esto hacia el lado izquierdo para asegurarme de que estamos seleccionando a los negros, los oscuros así. A lo mejor disminuir esa selección un poquito más, pero asegúrate de que estamos emplumando esto lo suficiente así. Ahora estamos diciendo desde aquí, seleccionar a todos los oscuros, a los negros reales. Pero, ¿qué negros? Eso es algo que aún no hemos definido. También necesitamos establecer los otros dos valores. Bueno en este caso, podemos decir toda la saturación y todos los colores y mirar eso, ahora mismo estamos viendo realmente una selección. Siempre que estás cambiando algo aquí dentro, no estamos viendo nuestra máscara. También puedes habilitar tus máscaras desde aquí y de esa manera solo puedes ver cómo se ve tu selección y desde aquí, en realidad noté que mi selección de ligereza puede ser un poco menos así. Pero tal vez sí quiero aumentar mi pluma un poquito más. ve bien. Una vez que tengas tu selección en su lugar, podemos ir a la pestaña de refinar. Aquí mismo, podemos denosionar nuestra selección. Se puede ver que aquí tenemos muchos píxeles individuales al aumentar ese slider denoise. puede ver que se fusiona más, y lo mismo va para el desenfoque. También puedes aumentar eso para deshacerte realmente de esos píxeles. Una vez que estés contento con tu selección, podemos anular la selección de la máscara de nuevo, claro. Hemos hecho nuestra selección, ahora podemos mirar la corrección y estos son controles con los que todos estamos familiarizados. La temperatura, el tinte, el contraste, la nitidez, la saturación, etc. También podemos optar por trabajar sobre tres ruedas de color para las sombras, los tonos medios y los reflejos. De nuevo, algo con lo que sabemos trabajar. Pero por ahora, eso no va a ser necesario. Sólo nos interesa el deslizador de saturación. Podemos apenas disminuir la saturación a partir de aquí, haciendo esas sombras o esas negras, negras de nuevo, pero aún así permanecer ese tono azul en las sombras. En todo momento puedes por supuesto, cambiar tu selección incluso después de haber realizado tu corrección. A lo mejor seleccionar un poco menos de las sombras así y mirándolo antes y después de ahora, puede ver que se ve mucho mejor. Ya no se lavan los negros. Otra técnica que podrías haber hecho es en realidad empujar el color opuesto hacia los negros. Simplemente te voy a mostrar eso, voy a restablecer el valor de saturación y para mi rueda de color, solo empuja en lo contrario, que es naranja En los negros, así como esto. De esa manera también parecen parecer más negras, pero esto es por supuesto, mucho más difícil de hacer, pero también neutralizará esas sombras, antes y después. Mira eso. El motivo por el que esta técnica sí funciona en el mismo efecto lumetri es porque el secundario HSL viene después de las ruedas de color y match. Si llegara antes, tampoco funcionaría. Es por eso que me gusta arreglar este tipo de problemas de gradación de color más con HSL secundario. En mi línea de tiempo, tengo un segundo clip porque quiero mostrarte algo más. Voy a volver a mi secundaria HSL y lo que quiero hacer es seleccionar los tonos de piel de esta chica para que pueda hacerla pop un poco más. Yo también quiero agregar nitidez a este video, pero no quiero agregarle nitidez al fondo rubio, sólo a su cara porque estamos mirando su cara. Eso debe ser afilado, eso debería estar saliendo y debe estar caliente. Desde mi secundaria HSL, vamos a hacer de nuevo nuestra selección primero. Lo que también puedes hacer es volver a tomar el recolector de color, para seleccionar los tonos de piel y empezar desde ahí. Como puedes ver, creará automáticamente una selección. El tono, ese es el color de los tonos de piel, el nivel de saturación. Así está saturada la piel y aquí es donde está el nivel de ligereza para sus tonos de piel. Voy a habilitar mi máscara aquí mismo para ver cómo se ve realmente mi selección. Puedo ver que puedo aumentar un poco más esos valores. Lo que voy a hacer es simplemente barajar mi tonalidad poco a la izquierda y a la derecha y ver si puedo hacer una mejor selección. A lo mejor el matiz ya es bueno. Probemos ahora con la saturación. Eso es, bastante bien también. A lo mejor puedo aumentar eso sólo un poquito más. Ahí vamos. Entonces, finalmente, echemos un vistazo a la ligereza. Aquí, veo que la selección podría haberse hecho mejor. Simplemente voy a aumentar eso más y tratar de sacar lo más posible de los tonos de piel. Ahora, porque también tiene aquí rubias que también serán seleccionadas parcialmente. Nunca podremos realmente evitar eso. Solo intentas conseguir tanto tono de piel como sea posible. A lo mejor intentemos cambiar un poco el tono. Mira eso. De esa manera estamos seleccionando menos de su cabello y más de sus tonos de piel, luciendo genial. Al igual que siempre asegúrate de denoizar eso un poquito y difuminar tu selección. Una vez que hayas terminado, anula la selección de la máscara. Ahora mismo podemos seguir adelante y hacerle el corzo a ella, lo cual es bastante gracioso pero verbalmente algo con lo que no quieres trabajar. Permítanme simplemente restablecer eso. Una cosa que estaba diciendo fue que me gustaría agregarle más nitidez. Permítanme simplemente aumentar eso. Además le voy a añadir un poco más de contraste a su cara, lo que la hará pop un poco mejor. Lo veré antes y después. Mira eso, tal vez hacer que su cara sea un poco más cálida simplemente arrastrando ese deslizador de temperatura y lo también podemos hacer es entrar en las ruedas de color de tres vías, y a partir de ahí disminuir aún más las sombras para agregarle algunos negros más profundos a la cara. Definitivamente, sus ojos saltarán mucho más por eso. Podemos afinar eso aún más si así te gusta. Quizás aumente un poco más el brillo de los reflejos y echemos un vistazo al antes y al después. Como se puede ver antes, sus tonos de piel parecen bastante sucios pero debido a este cambio, ahora está mucho más saturada, mucho más viva. Vamos a retocar esto y a ver cómo se ve eso. Precioso. El moral de esta historia, las chicas dejan de usar maquillaje, usan lumetri, es mucho mejor para tu piel. Confía en mí. Yo soy un profesional. 15. Enmascaramiento y seguimiento: ¿ Ya te he dicho lo orgullosa que estoy? Míralo, estamos casi a través de toda la clase. Has aprendido toda la base sobre la corrección del color, y la clasificación del color, y todas las herramientas técnicas de Lumetri. Ah, excepto una cosa. Realmente no he hablado de viñetas en la parte inferior. ¿Sabes qué? Ese es algún material de autoestudio por ahí. Experimenta con viñeta y ve qué hace eso. En realidad no es tan complicado. lo explicaré rápidamente. Mira eso. Crea una viñeta. Lo que quiero hacer con este tiro es realzar el cielo, y podríamos hacer eso con la Secundaria HSL creando una selección del cielo. Pero me temo que eso va a ser realmente difícil de hacer porque tenemos un montón de blanco [inaudible] aquí, tenemos un poquito de azul saturado, y eso es todo. En este estanque también están regresando muchos de estos colores, lo mismo para estos árboles. Esto lo vamos a hacer con una técnica diferente. Vamos a hacer esto con una máscara. Pasemos a los controles de efectos, y desde aquí se puede ver que ya tengo un efecto de color Lumetri aplicado que es porque he hecho algunas correcciones básicas al respecto. Voy a crear un segundo efecto Lumetri, así, y voy a renombrar eso a Sky Enhancements. Presiona “Ok”. Dentro de los controles de efectos ya podemos ver los dos efectos Lumetri. Del que está en la parte inferior, el realce del cielo color Lumetri, voy a dar clic aquí en la herramienta de bolígrafo. También puedes tomar uno de los presets de rectángulo o círculo si quieres, por lo que normalmente me gusta trabajar con la herramienta de lápiz. Con eso, sólo voy a hacer mi vista un poco más pequeña, 25 por ciento. Yo sólo voy a dibujar una forma muy rugosa, una máscara sobre el cielo así como así. Básicamente, lo que estamos haciendo con esto es crear una máscara dentro de ese efecto Lumetri. Cualquier cambio que vamos a hacer ahora con ese Lumetri al realce del cielo, sólo se aplicará dentro de ese campo, como pueden ver. Por supuesto, no queremos asegurarnos de que la máscara va a ser visible, y es por eso que también entraríamos en pluma un montón. De esta manera los colores se desbordarán hacia el resto. Ahora reiniciemos eso aquí atrás porque un cielo verde no es algo que nos guste. Un cielo debe ser azul así que por eso quizá quiera agregar un poco más de contraste a ese cielo, hacerlo más vivo, o incluso aumentar la saturación. Mira qué hermoso se está convirtiendo ahora en ese cielo. Al ver el antes y el después, el cielo está mucho más vivo sin embargo, el resto del disparo sigue pareciendo natural, como lo fue. Usando esta técnica de enmascaramiento, podemos señalar ciertas áreas y solo hacer una corrección de color en esa zona. Pero y ahora si tenemos algo en movimiento, como esta chica de aquí, por ejemplo. Yo quiero dibujar una máscara alrededor de su rostro y sólo hacer una corrección de color en su rostro. He estado intentando usar la Secundaria HSL, pero es tan difícil seleccionar sólo sus tonos de piel. El HSL está seleccionando así otras partes del disparo. Voy a tener que crear una máscara alrededor de su cara. Por el momento, aún no tengo efecto Lumetri aplicado en ese clip, así que solo voy a hacer cualquier cosa dentro de Lumetri. Siempre puedes restablecerlo después, lo que le aplicará automáticamente el efecto de color Lumetri. Ahora mismo, voy a elegir tomar ese preset de máscara de elipse, y voy a arrastrar eso a la cara de la chica. Podría querer encogerlo un poco para que le quede alrededor de la cara. Se ve bien. Por supuesto, por defecto, la máscara no la seguirá. Simplemente se está pegando en el mismo punto. Lo que vamos a hacer es rastrear esa máscara en sus movimientos. Hay una herramienta automática la cual se puede encontrar debajo de la máscara, propiedades aquí enmascaran caminos. Simplemente podemos empezar a jugar la máscara hacia adelante. Pero antes de hacerlo, asegúrate de hacer clic primero en los métodos de seguimiento, y asegúrate de que tu, esa es la vista previa está habilitada. Cuando eso esté habilitado, y vas a golpear play, verás en tiempo real, qué bueno o qué tan bueno está siguiendo la máscara. Si notas que la máscara se está volviendo salvaje, entonces golpea stop, y ajusta tu máscara, y luego vuelve a golpear play. Siempre quieres asegurarte de que tu máscara siga siguiendo a tus sujetos. Pero por lo general, las cosas como las caras van bastante bien, y ya está hecho. Como puedes ver, el camino de la máscara se ha animado automáticamente usando fotogramas clave, y la máscara está siguiendo bellamente a la hermosa chica. Es ahora mismo, al igual que antes, podemos empezar a hacer cambios ahora en su rostro. A lo mejor queremos que salga un poco más, mayor exposición, agregando un poco más de contraste en su rostro lo que también aumentará automáticamente la saturación, como hemos visto en el inicio de esta clase. Va a hacer que sus ojos sean un poco más profundos, lo cual se ve genial. Por supuesto, al hacer clic de distancia para que no veamos el camino de la máscara, podemos ver claramente que hay una máscara pasando. Es por eso que de nuevo, vamos a plumas esto de las propiedades de la máscara de manojo, algo así haría. momento, no podemos ver que hay una máscara en su cara pero al retocar esto, sí vemos que está saliendo genial, y sus tonos de piel son mucho más vívidos. Echemos un vistazo al antes y al después. Antes, después. Ahora cuando vas a aumentar la pluma de tu máscara, se va a encogerte hacia adentro. Si crees que tu máscara debería haber sido más grande, siempre puedes aumentar la expansión de la máscara. Ahí vamos. Ahora está ocupando un poco más de esa zona alrededor de esa máscara. Si quieres, puedes seguir creando máscaras como estas. Déjame añadir otro efecto Lumetri aquí dentro, y voy a renombrar esto a The Sky. Voy a colapsar el efecto Lumetri anterior, y a partir de aquí, crear una máscara para un efecto de color Lumetri cielo y para simplemente ir y crear este triángulo aquí, pero primero, alejar un poco mi clip. Ahí vamos. Para este rincón de aquí, sólo voy a hacer eso un poco más oscuro. De esa manera, el espectador está siendo más atraído por el sujeto más brillante en el medio. Además, muévete a añadir un poco de azul ahí dentro. Esto se ve perfecto. Por supuesto, como siempre, aumenta esa pluma, un poco más dramática de esta manera. Permítanme que vuelva a ajustar eso, y reproduzca el clip. Mira lo impresionante que está resultando este tiro. Con máscaras, podemos seleccionar un área específica y cambiar los colores y los niveles de exposición dentro. También podemos dejar que se mueva junto con el talento o cualquier otro objeto en movimiento, y hacer que ese sujeto salga. Muchísimas gracias por ver. En realidad ya hemos pasado por todo. Esta es la base, la base de la clasificación del color, y la corrección del color dentro de Adobe Premiere Pro. Pero probablemente hay una pregunta más con la que te queda, y es, Jordy, ¿cómo lidiamos un proyecto entero? ¿ Cómo coloreamos eso? Hasta ahora, solo has estado trabajando en clips individuales. Bueno, no se preocupe. Eso me cubrió también en mi lección final donde voy a hablar del flujo de trabajo de corrección de color y clasificación de color en todo un proyecto. 16. Flujo de trabajo de corrección/gradación del color: Echa un vistazo a este cuadro, es un gran ejemplo. No empecé con los árboles ni esta casita aquí mismo, no, realidad empecé en este cuadro con el cielo azul. Sé que probablemente no lo viste venir, pero es mi flujo de trabajo. Es un flujo de trabajo que hizo que esta pintura cobrara vida. Eso es algo que deseo enseñarles hoy en esta lección, El flujo de trabajo. Tengo un montón de clips aquí en mi línea de tiempo, todos disparos diferentes, incluso un tiro de candado ahí dentro, también un tiro muy verdoso. Cada disparo va a necesitar un tratamiento diferente. Si bien, quiero crear una gradación también y llevar todo a un mismo look y sentimiento. Ahora un flujo de trabajo es algo muy personal, no hay un solo flujo de trabajo para gobernarlos a todos. Lo que voy a hacer, es sólo mostrarte un ejemplo de cómo trabajo. También hay un flujo de trabajo que creo que es muy eficiente y rápido, sin embargo, con el tiempo, probablemente desarrolles su propio flujo de trabajo. Toma esto como solo un ejemplo, una de las decenas de flujos de trabajo que podrías usar. El primero que voy a hacer es una corrección de color como lo hemos visto anteriormente también en esta clase. Empezando con el primer disparo y déjame abrir también el alcance del lumetri. Siempre quieres tener esto abierto mientras estás corrigiendo el color o puntuando. Yo sólo voy a hacer algo muy rápido aquí en algún contraste como este, y tratemos de no repasar el 90 por ciento aquí. Yo sí quiero aumentar mis puntos destacados un poco, pero no voy a repasar ese 90 por ciento. Esa es una regla con la que voy a trabajar a partir de ahora. buen aspecto, vamos a pasar a la siguiente. Ahora este clip de aquí mismo ha sido utilizado tres veces en nuestras ediciones. Es el mismo disparo que se puede ver aquí. Clip 5. También escucha Clip 5, Clip 5, pero acabamos de sacar diferentes partes del Clip 5. Ahora hay dos planteamientos. Uno sería donde vamos a corregir este disparo. Hagamos rápidamente algo que esté en algún contraste, bajaré a controles de efectos y copiaré mis efectos de color lumetri y lo pegaré aquí en los otros dos, así y así. Pero siempre que quiera hacer un ajuste ahora tengo que volver a cualquiera de estos clips, hacer mi ajuste y una corrección de color. Después copia ese mismo efecto de color lumetri. De nuevo, ve al siguiente aquí, elimina esos viejos efectos de color lumetri basados en uno nuevo ahí dentro, ve al último, borra eso y pega uno nuevo ahí también. Eso es una tonelada de trabajo y hay un flujo de trabajo que podría hacer esto mucho más fácil. Sólo voy a eliminar cada efecto lumetri de esos tres clips. Siempre que vamos a hacer una corrección de color, se aplicará el efecto lumetri en el clip Hablamos de ello a nivel de clip, pero también podemos aplicarlo a nivel de fuente. Es decir, vamos a trabajar en el maestro y podemos cambiar entre el clip y el maestro con un toque aquí en la parte superior, haciendo clic aquí en Maestro, ahora estamos en la fuente del clip. Asegúrate de que primero haces clic en Maestro, y luego vamos a hacer nuestra corrección de color, y como puedes ver, ahora se ha aplicado el efecto de color lumetri al clip maestro. En la línea de tiempo, y podemos encontrar esta pequeña línea roja justo aquí debajo del botón Fix, que indica que tenemos efectos aplicados en el maestro. Debido a eso y a los otros clips, también ese mismo efecto lumetri es ahora difícil como se puede ver. este momento no importa en qué clip estés trabajando porque estamos trabajando en el maestro. Hagamos más corrección del color. Voy a ir a mis alcances de lumetri mientras tanto también, disminuyó la exposición ya que no queremos venir ese 90 por ciento, voy a aumentar las sombras, pequeños pedacitos. Porque el tema está un poco subexpuesto. Una restricción es cada vez que vas a cambiar un cierto valor, no verás que la vida sucede en tu monitor de programa. Tienes que soltar el ratón y luego se actualizará eso para que no tenga grado de color tan fácil como en nivel recortado, claro. Yo estoy contento con esto. Sigamos ahora al siguiente clip aquí. Este es un tiros de cerradura y vamos a tener que aplicarle esa LUT 709 directa. Ya que se trata de un LUT técnico, podríamos añadirlo a la entrada desde el grifo de corrección básico. Pero como ya has visto anteriormente, siempre es mejor agregar. Es un toque verdaderamente creativo. Hagámoslo desde aquí, navegue, seleccione LUT, y aquí mismo tenemos directo 709 LUT, volviendo a mis alcances lumetri, solo voy a comprobar si todo se sienta aquí por debajo del 90 por ciento. Volvamos al grifo de corrección básica, disminuimos la exposición unos pedacitos, y tal vez bajemos a los negros también. Ahí vamos. El siguiente es viejo color listo corregido del maestro. Vamos a pasar al siguiente, el tiro verde, y sabemos lo que tenemos que hacer aquí mismo. Al entrar en las ruedas de color y partido, voy a añadir un poco de magenta de nuevo en ese tiro, lo contrario al verde y porque queremos asegurarnos de que mis tonos de piel sean correctos desde los controles de efectos, voy a tomar la herramienta Pluma bajo la opacidad y para dibujar una máscara sobre su frente, y ahora podemos ver aquí en alcances lumetri, debemos apuntar la corrección Midtones. Un poco más magenta ahí dentro. Esto se ve genial. Ya sé que para las sombras, puedo agregar un poco de bolsa verde ahí adentro, tal vez regrese un poco con los tonos medios para que los más destacados se queden aquí en esta línea, y creo que esto va a se ven bien. Ahora, vamos a enfocarnos en los niveles entrar en grifo de corrección básica. O también podríamos trabajar tal vez con los controles de nivel de las ruedas de color. Bajemos las sombras unos pedacitos y también los reflejos para que no repasemos ese 90 por ciento. Esto se ve bien. El siguiente se califica también en el maestro, y luego finalmente éste de aquí, también desde el grifo de corrección básica empezar empujando un poco hacia abajo la exposición, añadir un poco más de contraste ahí. A lo mejor esa fue demasiada exposición que derribé. Esto se ve bien. Un poco más de contraste de las sombras y un poco más de contraste de los negros que estamos llegando a ese cero por ciento, que podemos hacer, pero no vamos a cruzar el 90 por ciento. Ahora mismo, todas estas tomas deben ser corregidas ahora y deberían tener de alguna manera la misma mirada. Este sí parece tener un poco de demasiada saturación en mi opinión. También podemos ver que volviendo aquí al ámbito vectorial, está hablando mucho más hacia afuera como con los tiros totales. Lo mismo va con éste. Empecemos con el primero. Apenas disminuyó un poco la saturación. Esto se ve bien. Este de aquí entonces también. Un poquito atrás. Ahora bien, estos disparos deberían coincidir mucho mejor. Por supuesto, voy rápido sobre esto porque ya lo hemos visto a lo largo de esta clase. Podrías ir más en detalle con cada clip cambiando colores específicos con las curvas o con el secundario HLS, etc. Pero de eso no se trata esta clase. Se trata de flujo de trabajo. Ya hemos hecho la corrección de color. Ahora, veamos cómo podemos aplicar a la gradación de color sobre eso. El grado de color no se pudo hacer de dos maneras. O podemos añadir un nuevo efecto de lumetri a cada clip. También podríamos ir al panel del proyecto justo aquí, click en el botón de nuevo elemento abajo, y desde ahí elegir Capa de ajuste, click en él, aparecerá un cuadro emergente, solo tienes que pulsar OK, y eso añadirá un nuevo clip en su panel de proyecto. Arrastre esta Capa de Ajuste encima de sus ediciones y recorte ese clip para que esto mientras sus ediciones, haya Capa de Ajuste es una capa de nada. No hará nada, no mostrará nada, pero no podemos aplicarle efectos. Con esa Capa de Ajuste seleccionada, realidad ahora puedo entrar en el lumetri, y digamos que quiero todo más oscuro, lo que puedo hacer entonces simplemente es disminuir la exposición. No sólo mi primer clip se cambiará en exposición, sino también todo el resto como podemos ver. Esto es perfecto. Déjame simplemente restablecer tu exposición. Vamos a entrar en Creative tap, y desde el Look aquí mismo, voy a dar click en Browse y voy a seleccionar mi LUT azulado y naranja que hemos creado previamente en esta clase, seleccionarlo y golpear Abrir. momento, este look azulado y naranja se está aplicando a todo en una línea de tiempo, y sí notan que estamos recibiendo es un contraste muy duro. Lo que voy a hacer aquí es entrar en mi grifo de corrección básica y tal vez aumentar un poco los negros o a sombras para traer de vuelta esos detalles la forma que me gusta colorear correcto o calificar, siempre es para asegurarme de que pueda ir fácilmente volver a mi calificación o corrección y ajustar lo que necesito. Si tengo que empezar a copiar y pegar y eliminar efectos de lumetri, eso significa que no estoy trabajando en un flujo de trabajo eficiente, un flujo de trabajo eficiente para mí es donde puedo volver atrás y cambiar las cosas fácilmente. Trabajar con esta Capa de Ajuste, significa que también puedo calificar rápido. He aplicado una gradación de color sobre toda mi edición súper rápida. Esto sí significa que tenemos la misma configuración en marcha para cada clip. Eso significa que este clip podría verse bien mientras que otro clip podría no verse como mercancía. Mi siguiente paso que voy a hacer es volver a cada clip individual y sólo comprobar qué puedo hacer en ese propio clip para que coincida mejor con el resto en función de esa calificación que tenemos en este momento. El primero se ve bien, vayamos a la siguiente y aquí mismo encuentro que esta toma está un poco demasiado fría. Hay demasiado azul en este tiro, y eso es porque acabamos de conseguir más sombras porque estas chicas de aquí están en este lado de la sombra. Tenemos las luces detrás de ellos. En primer lugar, vamos al Maestro. Los controles de efectos dominan porque tenemos nuestra calificación pasando aquí mismo. Por cierto, chicos, un poco de propina extra ahí. Si quieres que quede más claro qué clips son maestros graduados? Haga clic derecho sobre ellos, vaya a etiquetar, y simplemente elija cualquier otro color aquí, por ejemplo, magenta. Ahora mismo, esos clips de aquí están resaltados con ese color, y así puedo ver más fácilmente cuáles son los maestros graduados. Volvamos a Master, y luego voy a ir a mi partido de ruedas de color y sólo empujar un poco más naranja en los tiros, algo así haría quedar bien. El siguiente, hay un poco demasiado contraste pasando. Lo que voy a hacer aquí es ir a mi grifo de corrección básica y simplemente aumentar esas sombras o en realidad quiero seguir siendo el contraste, tal vez aumentar a los negros unos pedacitos. Yo quiero mantener ahí el contraste, así que sólo voy a levantar las sombras, pero mantener a mis negros abajo. De esa manera, también estoy agregando más brillo al disparo, específicamente esos duros oscuros de contraste, con mejor aspecto. El siguiente aquí mismo, voy a ir aquí a mi Color Wheels & Match porque sí encuentro que hay un poco demasiado azul pasando aquí en las sombras. A lo mejor añadir un poco más de lo contrario así. Pero en general, el disparo se ve bastante bien. El último es bastante similar al primero y en realidad coincide bastante bien, y ahí vamos. Ya tenemos color corregido y color graduado todo nuestro proyecto. Este flujo de trabajo contiene el primer color corregir todas tus tomas, algunas tomas podrían ser más fáciles de corregir de color en el Maestro, iban a aplicar una Capa de Ajuste encima de todo, hacer nuestra reclasificación en la Capa de Ajuste y luego volver a cada clip individual y ajustar donde sea necesario, porque cada clip va a actuar de manera diferente en esa calificación. Vamos a guardar el proyecto y exportarlo para que podamos enviarlo a los clientes o a YouTube o cualquier trabajo que estés haciendo. El último o propina de bonificación que quiero dar, es que lo que sea que vayas a hacer presentaciones donde tengas una cámara sentada ahí durante toda una hora, y después vas a cortar ese tiro en múltiples clips, etc. También ahí definitivamente quieres hacer una corrección de color en el Maestro. Si vas a corregir el color cada clip va a ser un gran desastre y vas a perder una tonelada de tiempo. Asegúrate de hacer uso de esa gradación de color maestra siempre un clip regrese varias veces en tu línea de tiempo, y eso es todo. Enhorabuena. Ahora has pasado por toda la base de la corrección de color y los insights de gradación de color Premier Pro. Esta fue la última y última lección de esta clase. De verdad espero que lo hayas disfrutado, pero mantente atentos. Ahí viene un video más después de esto, que es el video de conclusión. Pero ahí dentro, también tengo algunas asignaciones para que solo te ayudes en tu camino un poco más lejos. Asegúrate de ver eso también. 17. Conclusión y proyecto: [ MÚSICA] Bienvenidos a la última lección o conclusión de esta clase y como prometí, si hicieras un buen trabajo, colgaría tu retrato a la pared. Bueno, el clavo ya está en la pared y también tú eres retrato finalmente está hecho. Echémosle un vistazo. Este eres tú. Me imaginé que probablemente estás sosteniendo este enorme lápiz porque es una clase de arte después de todo. Probablemente estés haciendo notas con un lápiz enorme, así que probablemente este seas tú. Sé que podrías pensar que esto no es una pintura real. Bueno lo es, me refiero al hiperrealismo, incluso pintado como la cinta aquí en las esquinas también. Todo esto es real. Has hecho un estudiante de trabajo tan increíble. Es realmente algo para sentarse a través de toda una clase y espero que también hayas estado practicando durante esta clase, también. En realidad has visto toda la base de la gradación del color y la corrección del color dentro de Adobe Premiere Pro usando Lumetri en este momento. Ese es un enorme paso adelante. Déjame ponerte a la pared ahora mismo. Esto se va a quedar tan genial aquí en mi estudio. Mira eso. Ah, eso en realidad encaja muy bonito junto con las otras pinturas. Realmente agradable, muy agradable. Aparte de que hagas un gran trabajo, tengo una última asignación para ti. Encontrarás debajo de la pestaña tu proyecto o algo aquí en Skillshare, un botón de descarga. A partir de ahí, puedes descargar todos los activos que he estado usando a lo largo de esta clase, todos los clips, todos los LUT, las fotos, los archivos del proyecto, y todo, para que puedas practicar, sino también para hacer tu propio proyecto. Lo que quiero que hagas es usar todos los clips a través de nuestros 12 clips en total, hacer una edición de video con eso. No importa de qué se trate. Puedes agregar transiciones entre ellos, puedes agregarles música, no importa. lo que me interesa es ver cómo se verán los colores y niveles eventualmente. Trata de igualar los tonos de piel, los tonos de color, los niveles de cada 12 disparos. Entonces, por último, puedes agregarle tu propio grado de color. Renderizarlo y publicarlo aquí en Skillshare, para que pueda echarle un vistazo y darles retroalimentación chicos. Por supuesto, como dije en la introducción también, si tienes alguna otra pregunta entonces avísame en la discusión de abajo, estaré encantado de ayudarte más. Muchas gracias por ver y realmente espero que hayas aprendido algo nuevo que te pueda ayudar más en tu aventura creativa. Terminemos la clase ahora es algo que siempre digo al final de mis videos tutoriales en YouTube, “Mantente creativo”.