Pinta conmigo: retratos dramáticos en acuarela y lápiz de color

1. Introducción: Hola chicos y bienvenidos a mi estudio. Mi nombre es Kendyll Hillegas. Soy freelance, artista, e ilustrador. Mi trabajo comercial se utiliza en muchas aplicaciones, ambas en editorial. Entonces para periódicos, y revistas, patrón de superficie en telas, y ropa, y paralelos y en productos al por menor y empaques. Siempre que no estoy pintando para una empresa, una de mis cosas favoritas que hacer es pintar retratos. He tenido una obsesión reciente, que es pintar retratos con iluminación realmente dramática. Algo que he aprendido con esto es que de muchas maneras este tipo de sujetos, estos retratos con iluminación dramática son más fáciles de abordar que sujetos con iluminación sutil. Debido a esto y debido a que todos ustedes han solicitado una clase sobre retratos muchas, muchas veces, he decidido seguir adelante y crear una clase basada en este proceso que he estado haciendo para crear retratos con una iluminación realmente dramática moony. Como puedes ver por el título de la clase, esto forma parte de mi serie Paint with Me. El sello distintivo de mi serie Paint with Me es que todos vienen conmigo mientras creo una pieza de principio a fin. Es casi como si estuvieras pasando el rato conmigo en mi estudio por el día, mirándome mientras pinto, como explico paso a paso lo que estoy haciendo. Para este retrato dramático con iluminación moony, voy a estar usando una de mis combinaciones favoritas de medios mixtos, acuarela y lápiz de colores. Juntos trabajaremos a través de cada fase de la pintura, cada capa de la pintura, construyendo estructura básica, y forma, y valores con acuarela. Construyendo detalles del medio con acuarela, y luego construyendo mayores y mayores detalles, más refinados con capas subsecuentes de lápiz de color. Algunos de los puntos y habilidades específicos que tocaremos incluyen elegir y trabajar desde una referencia con iluminación dramática realmente fuerte. Qué hace para una buena referencia para este tipo de retrato y por qué elegí la referencia que terminé eligiendo. Acuarela, mezcla, y mezcla, y técnicas de estratificación que son especialmente útiles para trabajar con medios mixtos. Cómo colocar unos lápices de colores encima de la acuarela y crear gradientes realmente suaves y hermosos de claro a oscuro y verlo traducir valores en diferentes tipos de sombras. Vamos a repasar todo eso y mucho más ya que vas a ver todo el proceso empezar a terminar de un cuadro. En cuanto a suministros, si quieres hacer el enfoque de medios mixtos que hago, necesitarás algún tipo de acuarela, y pinceles de acuarela, y algunos lápices de colores. No tienen que ser las marcas exactas ni los colores que utilizo, pero tendré los listados en la descripción de la clase en caso de que quieras echar un vistazo antes de empezar. Para sacar el máximo provecho de esta clase, realmente te recomendaría que tengas algo de experiencia, alguna comodidad, una buena base con dibujo observacional, y si realmente te sientes relativamente cómodo dibujando desde un foto de referencia para crear un boceto desde el que trabajar. Al igual que con otras clases en mi serie Paint with Me no vamos a estar gastando tiempo alguno en el dibujo. Todo el tiempo va a estar enfocado en la pintura misma. De verdad necesitarás tener una base decente de habilidades de dibujo para poder saltar y participar en esta clase. Un poco de experiencia con la acuarela también sería útil, pero no lo consideraría estrictamente necesario. No es necesario tener experiencia de retrato específica. Si te sientes cómodo con el dibujo y sientes que tienes una buena base con el secado, pero realmente no has abordado aún la pintura de retratos, este podría ser un gran lugar para empezar. Porque los sujetos con esos valores de luz y oscuridad visibles realmente altamente definidos hacen que sea más fácil ver parte de la estructura y forma de la cara y entender cómo los planos encajan y trabajan juntos. No puedo esperar para empezar a pintar. Estoy muy emocionado de sumergirme en este tema y llevarte conmigo. Adelante y empecemos. 2. Para comenzar: materiales e imágenes de referencia: apenas empezar aquí, tengo mi papel de arte fino, que es un papel muy, realmente pesado, de 300 libras Ultrasmooth Watercolor Paper de Fabriano. Puedes usar un tipo diferente de papel, puedes usar un papel de acuarela liso que sea más ligero, aunque realmente no te recomiendo ir nada que sea más ligero 140 libras ya que eso hará difícil envolver lápiz de color encima, y si usas un papel que sea más ligero de 300 libras es posible que también tengas que pegarlo para evitar deformarse. Tengo mi dibujo básico sobre él, y como mencioné en la intro, no vamos a repasar nada relacionado con el dibujo en este curso. Todo esto va a ser sobre el proceso de pintura. Pero básicamente mi dibujo sólo cubre las proporciones esenciales, la anatomía esencial, y me da una sensación de dónde van a estar las áreas claras y dónde van a estar las áreas oscuras. Simplemente voy a abrir una versión digital de mi boceto para que puedas verlo más claramente aquí y ver las áreas que se definen dentro de él. Una pregunta que he recibido mucho a lo largo de los años es “¿qué tipo de lápiz se debe usar para un boceto que va a ir bajo color agua o lápiz de color?” De verdad depende de ti. Hay muchas opciones diferentes. Tiendo a preferir algo como esto donde va a haber muchos valores oscuros que eventualmente cubrirán bastante bien el boceto. Tiendo a preferir solo unos lápices de grafito regular súper duros, así que algo así como un 6H. Pero también podrías usar un lápiz de acuarela que te permitiría disolver las líneas para que en última instancia ni siquiera veas las líneas de tu boceto. Eso tiene sus ventajas y desventajas sin embargo, ya que puede terminar realmente queriendo ver algunas de las líneas de sus bocetos a medida que continúa trabajando. También tengo mi paleta. Estoy usando esta paleta de porcelana rosa, tiene un montón de pequeños pozos diferentes y es genial para usar con acuarela. Entonces tengo una variedad de cepillos diferentes. Estos son más o menos cepillos redondos a excepción ese cepillo ovalado que hay en el lado izquierdo, y luego un cepillo de plumas también en el lado izquierdo. No estoy realmente seguro de cuál de estos usaré si los utilizo todos, pero los he sacado por si acaso. Entonces tengo mi acuarela. Voy a estar usando Hydras Watercolor. Se trata de una acuarela líquida. Se trata de un pigmento muy concentrado suspendido en un líquido, puedes usar acuarela de tubo o acuarela de pan si quieres. Simplemente me gusta mucho usar la acuarela líquida, se ha convertido en uno de mis médiums favoritos a lo largo los años así que eso es lo que voy a usar en esta pieza. Tengo una paleta realmente sencilla. Esencialmente sólo tengo un amarillo cálido y un amarillo frío, y un rojo cálido y un rojo frío, y luego un azul ultramarino fresco, y eso es todo lo que voy a estar usando. Entonces también tengo un trozo de papel de prueba aquí. Este es el mismo papel en el que voy a estar trabajando. Apenas el final de una de las piezas más grandes de cuando rompí el papel en trozos más pequeños. Es realmente importante tener una pequeña tira de prueba que esté compuesta por el mismo papel que estás usando porque los colores pueden verse diferentes de papel a papel. También tengo aquí mi imagen de referencia, que voy a aparecer en la pantalla periódicamente. Esta imagen es sólo algo que agarré de un sitio de imágenes de dominio público de uso gratuito llamado Pixabay. Hay muchos de estos sitios por ahí. Si solo buscas en Google “imágenes de dominio público”. En esa nota, todas las imágenes que estoy a punto de mostrarles fueron sacadas de Pixabay u otro sitio de imágenes de dominio público. Ahora la razón por la que elegí esta imagen fue porque ante todo quería tener algo con una luz y oscuridad realmente dramáticos. Luces dramáticas y oscuras hacen que sea más fácil ver la anatomía de tu subjec. Esto es algo que es especialmente útil para artistas iniciantes o artistas que apenas están empezando con retratos. Por ejemplo, aquí se puede ver en esta imagen hay una luz y una oscuridad realmente dramáticas. Esta es una imagen diferente a la que tengo, ciertamente no es tan malhumorada. Esto se dispara fuera y luz natural, pero hay luz y oscuridad realmente dramáticas. Compara eso con esta imagen donde no hay mucha luz dramática y oscura. La mayoría de las cosas son un valor de luz y no hay mucha sombra visible en la cara. Ahora, vamos a hacer zoom en sus narices para referencia aquí. Si ves en la realmente dramática, su nariz tiene planos realmente claramente definidos en comparación con la menos dramática donde los planos de la nariz no son tan visibles. Este es solo un pequeño ejemplo, pero espero que esto te muestre por qué puede ser realmente útil, sobre todo cuando primero estás empezando a tener una iluminación que es bastante dramática, donde hay planos claramente definidos y luces claras y oscurecidos. Ahora lo siguiente que me gustó de esta imagen fue que estaba mal humor. Yo quería algo que iba a tener una sensación realmente dramática. Algo donde los oscuros, vamos a conectar los oscuros del sujeto. Nos vamos a conectar con la oscuridad del fondo. Algunas otras imágenes que tendrían este look son tipo de imágenes que se rodaron en un estudio. Pero no necesariamente tienes que usar una imagen de estudio. Otro gran escenario podría ser uno que esté cerca de una ventana. Otro escenario donde habría una diferencia dramática entre la luz y la oscuridad. Otra cosa que me gustó mucho de esta imagen fue que la propia fuente de luz era visible, era un tema en la imagen, y que tenía una luz difusa y cálida realmente agradable. Estas son algunas otras imágenes que creo encajan en ese proyecto de ley y se puede ver cada una de ellas dar una sensación muy diferente y se puede crear una imagen que sea acogedora y esperanzadora, o una imagen que sea espeluznante y oscura. Ahora, tendré todas estas imágenes así como la imagen de referencia que utilicé en la sección de materiales de clase. 3. Capa base: Ahora es el momento de sumergirse en alguna pintura real. Por lo que acabo de empezar poniendo algo de pintura en mi paleta. Este es un amarillo frío, un amarillo limón. Creo que en realidad en esta marca, se llama hansa yellow, pero esencialmente es un amarillo limón fresco. Lo estoy regando una tonelada. Yo quiero llegar a donde sea super, súper ligero, realmente translúcido así que solo sigo agregando más y más agua hasta que sea la translucidez adecuada para mí. Una vez que lo tenga bien, voy a empezar a agregarlo a mi papel, poniéndolo en mi papel. Estoy usando el cepillo de tamaño más grande que tengo. Este es un pincel de plumilla. Esencialmente voy a sentar esto a través de toda la superficie del sustrato. Por lo que esto va realmente a todas partes en este cuadro a excepción de la pequeña caja de papel plegada que la niña está sosteniendo. Voy a dejar esa zona blanca, pero casi en todas partes va a tener una capa de este amarillo hansa realmente claro. Ahora quiero hacer un poco de mojado sobre mojado. Voy a añadir un poco de rojo cálido. Se trata de un rojo tipo cadmio. Voy a añadir un poco de rojo cálido sobre la parte superior de este amarillo limónico. Estoy cambiando un poco a un pincel plano. Este no era uno de los que inicialmente pensé que iba a usar, pero he decidido usarlo ahora mismo de todos modos. Simplemente estoy trabajando a mi paso por toda la superficie del sustrato. Una vez más, la única área que no estoy tocando en absoluto es la cajita de papel blanco. Solo estoy trabajando a mi manera una y otra vez por todas partes donde puse ese amarillo con un lavado súper, súper ligero del rojo cadmio. El motivo por el que lo estoy haciendo de esta manera a diferencia de solo mezclar el amarillo limón y el rojo cadmio, es que me va a dar un efecto muy bonito y desigual. Por lo que algunas áreas serán un poco más amarillas, algunas áreas serán un poco más rosas, y algunas de eso se va a mostrar a través de las capas superiores adicionales de la ilustración, de la pintura y va a dar un realmente hermoso efecto. Hay algunas zonas donde quiero que haya más de una calidez concentrada, así que voy a volver con el pincel de la plumilla y agregando mayor intensidad, una mayor cantidad del rojo cadmio a esas zonas más cálidas. Yo solo estoy, por primera vez aquí, realmente empezando a bajar la velocidad y mirar cuidadosamente mi imagen de referencia y a mi tema, en el boceto que tengo debajo y asegurarme de que consiga esas zonas cálidas en el lugar correcto. La mayoría de ellos el calor se va a centrar alrededor de la cara del sujeto y por supuesto, las manos sosteniendo la cajita de papel. El motivo que es, es que la cara está recibiendo mucha de la luz fundida, la luz que está saliendo de la fuente de luz en fases, como las manos en realidad tienen muchos vasos sanguíneos en ellas por lo que tienden a lucir realmente rojo cuando se proyecta luz directamente sobre ellos o a través de ellos. Es por eso que las manos tendrán este tipo de efecto realmente luminoso que está iluminado desde dentro porque en realidad están siendo encendidas desde la fuente de luz así que eso es lo que está haciendo que se vean realmente calientes en rojo, así que estoy agregando extra del rojo cadmio a esas áreas. Ahora me estoy preparando para pasar a crear el fondo y agregar el primer lavado de oscuridad al fondo, pero antes de hacerlo, realidad acabo de cambiar de opinión y decidí que quiero usar mi pincel para realmente rápidamente bosquejan algunas pequeñas luces flotantes en el fondo. No voy a seguir la referencia particularmente para esto. Yo solo quiero hacer lo que creo se va a quedar más bonito en la composición así que solo estoy usando mi instinto de tripa y poniendo estas pequeñas luces flotantes donde creo que se verán mejor. 4. Separar las luces y las sombras: Ahora estoy pasando a la primera capa del fondo oscuro. He mezclado aquí mi propio negro, que es esencialmente partes iguales amarillo cadmio, por lo que dos gotas de amarillo cadmio, rosa quinacuidona, dos gotas de quinacuidona rosa, y luego dos gotas de azul ultramarino. Estoy empezando en algunas de las áreas más pequeñas, las áreas más estrechas que requieren más atención y que necesitan que siga una línea en particular. Simplemente estoy bloqueando cosas por todas partes donde hay un fondo negro. Estoy tirando mi pintura negra y estoy tratando de mantenerme realmente ordenada y mantener esa pintura negra fuera de las otras áreas donde no va a terminar eventualmente. Donde quiera que haya un borde afilado como el borde de la cara o el borde de la caja de papel blanco, me estoy acercando al tema y tratando de crear ese bonito borde crujiente con mi pincel. Pero en algunas de las otras zonas donde no va a haber filo afilado, no voy a subir hasta el borde, si eso tiene sentido. Me estoy dejando un poco de zona buffer para poder mezclarla ya sea con un color más claro de acuarela o algún lápiz de color cuando agrego eso en las capas posteriores. Así como lo he estado haciendo con la figura y la caja de papel, estoy rastreando estas pequeñas luces flotantes en el fondo con la pintura negra. Estoy usando un cepillo de plumilla, una vez más. Un pincel de plumilla grande es realmente genial para este tipo de cosas porque sí te permite bajar a áreas afiladas súper detalladas, y todavía sostiene una tonelada de pintura y una tonelada de agua. Te permite cubrir mucho terreno antes de tener que volver a llenar tu cepillo. No solía usar mucho quills, pero en los últimos años se han convertido en uno de mis probablemente mejores suministros de arte, probablemente mi forma de pincel favorita en general. De verdad los recomiendo si aún no has tenido la oportunidad de probarlos. las quills que estoy usando en esta pintura son artificiales. Yo sí tengo algunas gallinas de cerdas naturales, pero con los años me he movido hacia tratar de hacer todos los pinceles de plumilla sintéticos, todos los pinceles sintéticos en general. Se pueden conseguir realmente geniales, pinceles de plumilla que son sintéticos que en mi opinión funcionaron igual de bien que la cerda natural. No estoy prestando demasiada atención aquí a la calidad de mis pinceladas. Principalmente solo estoy tratando de bajar las cosas en el lugar correcto y asegurarme de tener una sensación de dónde va a estar ese fondo oscuro más adelante cuando haga otras capas de acuarela y eventualmente lápiz de color podré enfocarse más en la textura superficial de la pintura. Pero por ahora, sólo estoy tratando de darme un mapa de ruta de los oscuros y las luces. Creo que eso es todo por ahora. Voy a hacer una pausa en el fondo oscuro y pasar a la siguiente fase. 5. Agregar detalles iniciales en acuarela: Ahora que tengo las luces puestas todas, tengo esa capa uniforme de amarillo limón, y rojo cadmio. Eso es lo que está formando el fondo, y luego tengo esta segunda capa de negro en la parte superior. Ahora estoy listo para empezar a sumar algunas áreas de mayor, con mayor detalle. Empiezo mezclando un delicado color negro, marrón, y voy a usar eso para pintar este pequeño mechón de pelo que está colgando sobre su cara, y luego usaré ese mismo color realmente regado, para empezar bloqueando en donde tengo algunas de las áreas de sombra en la cara, para que pueda tener claro dónde está la anatomía, dónde van a estar las áreas claras, y dónde van a estar las áreas oscuras. En general, mi acercamiento con la acuarela es ser realmente, realmente delicado y trabajar hasta los oscuros más oscuros, pero porque este tema tiene unos oscuros tan intensos, y hay algunas áreas que puedo ver claramente solo van a ser negras eventualmente. Soy un poco más valiente y voy adelante y echando cosas que son más oscuras desde el principio. Esencialmente, solo estoy mirando la imagen de referencia, y estoy escogiendo las áreas que a mí me parecen luces y oscuras realmente obvias, y estoy tratando de simplificar esas formas, su ceja o su nariz, el lado de su nariz, tratando de mirar esas formas y entenderlas en su forma más simple. Siempre pensando en la cara como este objeto tridimensional que está siendo iluminado por la luz desde abajo, y tratando de usar mi pincel para colocar esas áreas hacia abajo para que tenga un mapa de ruta más adelante para cuando sea momento de realmente crear más matiz y prestar atención al color y a los detalles más finos de la anatomía. Por ahora, solo busco los grandes, muy claros y luces y oscuros. En esta fase, a pesar de que ustedes probablemente no lo puedan ver en el metraje, sigo siendo capaz de ver las líneas realmente claras de mi boceto, así que sigo siguiendo esas y usando esas como guías para ayudarme a poner estas áreas oscuras y zonas de luz donde necesitan estar. Ya que estoy trabajando en las manos aquí, probablemente puedas ver que estoy dejando los mismos bordes de las yemas de los dedos, intactos por el color del agua, ya que esas zonas me miran en la referencia como si fueran más ligeras, como si tuvieran alguna luz brillando a través de ellos, quiero estar seguro de dejar esos en blanco, dejar los vacíos para que pueda añadir ya sea otras capas de acuarela o lápiz de color más adelante. En realidad sólo estoy agregando este super marrón oscuro a las áreas que ya realmente se ven oscuras en la imagen de referencia, y en realidad estoy incluso yendo un poco más atrás de los bordes. Probablemente podría llenar un poco más de las manos con este color realmente oscuro, pero quiero dejar mucho espacio para que pueda poner el lápiz de color más claro y luego también para mezclarlo con unos tonos medios de lápiz de color, y aquí en la parte inferior del tema, quiero agregar en algunos del color marrón para tratar de crear un gradiente, un poco de un desvanecimiento de la camisa, camisa del sujeto, que en realidad es bastante ligera, No es tan liviana como la caja de papel obviamente, pero es bastante ligera en comparación con el fondo, pero sólo tener un borde realmente duro o parada dura no va a parecer muy realista. Necesito apagarlo, abanicarlo, y crear más de un gradiente más suave pasando de la luz real de la camisa, a la oscuridad del fondo. Ahora que tengo las sombras iniciales, el detalle inicial y las sombras puestas, puedo ver que quiero empujar el color mucho más en una dirección cálida, sobre todo alrededor de los bordes de la cara donde la luz es un poco más difusa, y algunas de las zonas de sombra las cuales se oscurecerán, pero les tendremos un subtono más cálido. Estoy trabajando a través de las manos, y los bordes de la cara, agregando en otro lavado y otro pálido lavado del rojo cadmio. Esto es un poco más intenso que el lavado que puse sobre el fondo, pero sigue siendo realmente ligero, en su mayoría es agua, y la razón por la que estoy haciendo esto después de haber establecido ese fondo negro inicial, si estás familiarizado con técnica adecuada de acuarela, por lo general la técnica de acuarela está funcionando completamente claro a oscuro, empezando por tus colores más claros como lo hice yo, pero luego añadirías posteriormente lavados más oscuros y oscuros, capas más oscuras y más oscuras con cada edición, con cada capa que añadas de la acuarela. Pero en este caso, debido a que el tema-estamos trabajando desde la foto de referencia desde la que estoy trabajando es tan dramático y tiene luces y oscuros tan dramáticos, sentí que era importante tener al menos algún sentido de lo oscuro que es el fondo se iba a conseguir, como punto de referencia, como punto de comparación, porque realmente sólo se puede ver el valor como se relaciona con otros valores, algo es sólo luz porque se compara con algo que es más oscuro y viceversa, sólo está oscuro si se compara con algo ligero. Tener eso abajo desde el principio me está permitiendo realmente ser más preciso en algunas de estas áreas de tono medio en la cara, lo que hubiera sido si estuviera ejercitando solo de capa ligera a más ligera, bueno, de la más ligera a, ligeramente más oscuro. Si estuviera haciendo eso, me llevaría bastante más tiempo, por lo que esto me está permitiendo tener ese punto de referencia y establecer los valores correctos desde el principio. Está bien, y ahora estoy mezclando morado más caliente y luego un poco de morado más fresco, ambos tienen bastante gris en ellos, van a estar bastante silenciados, y esto es lo que voy a usar para sombrear la cajita de papel. A mí me parece que este lado izquierdo y el triángulo superior, la solapa superior son un poco más caliente, así que estoy haciendo el más cálido morado silenciado allá arriba, y luego voy a usar el enfriador morado silenciado en la zona donde hay es una real o hay alguna superposición en el papel, esas áreas me parecen un poco más frías, así que las estoy pintando en consecuencia. En este punto, sigo ajustando el valor que veo en la pieza, oscuros y las luces, por lo que cuantos más tonos medios agrego, con mayor precisión puedo ver donde necesito realmente empujar las cosas un poco más oscuras, y ahí es donde tener este fondo realmente oscuro ya establecido viene de extra mano, y es súper útil para permitirme ver esos valores ya que los comparo entre sí, también estoy rebotando de ida y vuelta entre unos pocos diferentes pinceles aquí, lo que me está ayudando a mantener las cosas suaves. Tiendo a poner las cosas, o en este punto tendo a poner las cosas con un pincel más pequeño con el cepillo redondo más pequeño, y luego volver con el pincel que está un poco húmedo, que no tiene mucha pintura en él en absoluto para apaciguar cosas, y en muchas áreas estoy trabajando mojado en húmedo, lo que significa que estoy poniendo una capa de agua o ligeramente regado pigmento y luego poniendo más pigmento en la parte superior, y esto también me está ayudando para lograr ese bonito tipo de suavidad difusa. Aquí también es donde viene de extra mano que he establecido algunas de las áreas de sombra, un mapa de carretera para algunas de las áreas de sombra con un marrón más de tono medio. Ahora, y quiero entrar y poner ese verdadero marrón realmente oscuro o algo que esté bastante cerca del negro del fondo. Me siento mucho más listo para hacer eso y más confiado en mi colocación, y puedo simplemente sentar eso justo para conseguir esos valores sean precisos en comparación con los otros valores que los rodean, y eso es parte de por qué creo que este tema es en realidad realmente bueno para principiantes o pintores de retratos principiantes, porque hay una luz y oscuridad tan dramáticas, y puedes saber muy claramente con qué te estás comparando, tenemos la pequeña linterna de papel, eso es la fuente pura de luz, eso es lo más brillante de toda la composición, y luego tenemos el fondo negro súper oscuro que es lo más oscuro de la composición, por lo que tenemos ambos extremos del espectro de valores realmente claros y somos capaces de comparar todos los demás valores que están en el sujeto con esos valores- con los oscuros y las luces. Cuando estoy mirando el dorso de la mano o el costado de la cara, y estoy tratando de determinar qué tan oscuro es, tengo un valor oscuro muy claro en el fondo con el que compararlo. En cualquier momento me pregunto : “¿Qué tan oscuro necesito ir con esto?” Simplemente lo comparo con lo oscuro del fondo y me pregunto, ¿es más oscuro que eso? O bueno, no podría ser más oscuro que eso porque eso es negro, pero ¿es tan oscuro como el fondo o es más claro que el fondo? Entonces lo inverso es cierto, con las áreas de luz que me pregunté, ¿esto es tan ligero como la linterna de papel o es más oscuro que la linterna de papel? Y tener esas dos manos para comparar va a hacer mucho más fácil construir valores realistas y creíbles. Está bien, y ahora solo estoy agregando algunas otras sombras suaves, tratando de apilar algunos de los bordes donde hay un poco de gradientes en algunos lugares donde quiero que la sombra se sienta más suave. Esto va a hacer mi trabajo más fácil más adelante cuando llegue momento de poner lápiz de color, y en este punto, he decidido que quiero calentar las cosas en la cara y las manos aún más de lo que ya tengo, Voy a volver con otro lavado realmente ligero del rojo cadmio, y lo tengo regado bastante, y estoy entrando con un gran cepillo suave para que pueda conseguir una aplicación difusa realmente agradable de ese color. Yo quiero que se sienta como un resplandor, no quiero que necesariamente esté describiendo ningún plano específico, no quiero que haya bordes duros, solo quiero esa agradable esencia de resplandor cálido. También lo estoy agregando a algunos de los pequeños puntos, algunas de las pequeñas luces flotantes del fondo, para que no todas sean del mismo color. Yo quiero tener algunas que sean más cálidas, algunas que sean más frías, más amarillas, y me está volviendo bastante claro que la oscuridad que me acosté inicialmente en el costado de la nariz en realidad no es lo suficientemente oscura, así que Estoy bajando eso a un valor más profundo, más oscuro, y estoy usando un poco de color púrpura, un morado silenciado para hacer eso, y también estoy agregando un morado silenciado al costado del cuello y al costado de la cara, algunas de las áreas de sombra, y eso va a quedar realmente bonito como complemento a algunos de estos tonalidades más cálidas que tengo pasando en el resto del retrato. Ahora por fin me he hartado de mezclar mi propio negro, así que he añadido un poco de negro del tubo. Creo que se acaba de llamar negro carbono en esta línea, y estoy trabajando a mi paso por toda la pieza con ese negro, solo tratando de profundizar el fondo y llegar a un final relativamente parejo donde es un nivel parejo de oscuridad todos el camino a través. 6. Agregar detalles a la cara mediante lápiz de color: terminé con la acuarela por ahora, y voy a pasar a lápiz de colores a medida lleguemos a la parte de la pintura que tiene cada vez más detalle. Para empezar, estoy sacando mi gran caja de lápices de colores aquí y estoy haciendo lo que siempre hago, que es construir una paleta con lápices de colores. En lugar de simplemente cavar a través de todo mi contenedor gigante de ellos, estoy mirando la imagen de referencia y escogiendo los lápices que creo que voy a usar, y voy a ser más probable que use en todo el cuadro. Puede que no use todos estos colores y normalmente, diría que termino usando algún lugar entre mitad a las tres cuartas partes de los lápices de colores que pongo en mi paleta. Es bueno tener sólo los que sé que podría estar pensando, que podría alcanzar, que podría alcanzar sólo tenerlos a todos en una pila dedicada en lugar de tener que cavar por el gran contenedor. Eso es lo que estoy haciendo aquí. Está bien, tengo mi paleta, y se puede ver que es un montón de amarillos y naranjas y marrones cálidos apagados, esas cosas. Entonces unos marrones realmente oscuros, grises oscuros y negros, claro. Yo estoy empezando con la nariz. El motivo por el que estoy haciendo eso es que me he basado en la imagen de referencia, siento que tengo un muy buen sentido de dónde está la sombra en la nariz, y qué oscuro debe ser, comparado con los otros oscuros en la pieza y las otras luces en la pieza. No hay razón en particular para que tengas que empezar por la nariz. A mucha gente que conozco le gusta empezar con los ojos. Para mí, siento que los ojos son tan importantes que a veces me siento intimidado por empezar con ellos. Por lo general, me encuentro empezando por la nariz o la boca. Aquí, he optado por empezar con la nariz sólo porque hay mucha información buena al respecto en la imagen de referencia y es realmente fácil para mí ver. Estoy tratando de bajar algo de eso. Coloca esa sombra inicial en el costado de la nariz, y también baja algunos de los colores. Parte de esa luz cálida refractada que viene por debajo, bájate eso por debajo de la nariz también. igual que lo hacía cuando trabajaba en acuarela, estoy tratando de ir despacio. A pesar de que sí siento que puedo ver bastante bien cómo se compara el valor de la sombra del costado de la nariz con los valores realmente oscuros a su alrededor, todavía quiero ser cauteloso y no solo entrar a la derecha con una capa súper pesada de oscuridad marrón. Algo de eso es solo porque es como me gusta trabajar y es lo que me parece natural. Además, sólo me da un poco de buffer y me hace más fácil volver a marcar o arreglar algo si siento que he cometido un error. Antes de ponerme realmente oscuro con el costado de la nariz, voy a seguir adelante y añadir algunos detalles más, algunas áreas más oscuras, algunas más sombreado y forma alrededor del resto de la cara. Aquí estoy usando un bermellón pálido, que es solo un color realmente bonito. Es una naranja cálida, un poco apagada. Estoy agregando algo de eso a la sombra cerca de los labios. También lo he usado debajo de su ojo derecho, el ojo que vemos a la izquierda también. Después entrando con melocotón, unos tonos diferentes de melocotón y beige, usando esos para acumular algunas de las sombras más delicadas que hay alrededor de su boca y los lados de su nariz. Estos no tienen mucho negro en ellos. Son sombras más cálidas. Estoy tratando de mantenerlos realmente suaves y asegurarme de que no me vaya demasiado oscuro o demasiado negro en esas sombras. Estoy encontrando que realmente no estoy alcanzando para muchos amarillos. En su mayoría estoy usando melocotones y naranjas y unos pocos más apagados rosados realmente oscuros en las áreas de sombra. Simplemente continuando trabajando mi camino a través de la cara, agregando más detalle, más complejidad, ajustando los valores, empujando las cosas más oscuras si necesitan ser más oscuras, y luego por supuesto, ajustando los colores también. Estoy tomando la mayoría de mis señales de color en general desde la referencia, pero ciertamente estoy tomando decisiones sobre formas en las que quiero cambiar ligeramente las cosas o mover las cosas en una dirección diferente a la que veo en la referencia. Por ejemplo, en la referencia, siento que hay mucho naranja y las áreas que tienen color en ellas tienen principalmente naranja como un subtono de armónico general. Yo quiero moverme en un poco de una dirección más matiz. Quiero que haya una jugada entre colores más cálidos y colores más fríos en las zonas más claras. En general, todos los colores que van a estar en las zonas más claras serán más cálidos. Yo quiero que haya una variedad de colores cálidos. Colores cálidos que son colores realmente cálidos y cálidos que son un poco más fríos. Estoy tratando de construir en algunos de ese matiz y dibujar la mayoría de las señales de color a partir de la referencia pero claro, tomar mis propias decisiones a medida que voy. Si tienes curiosidad por aprender más sobre el color, cómo tomo decisiones de color y cómo ver los colores con precisión en tu imagen de referencia, sí tengo toda una clase sobre eso y un enlace a eso en la descripción de la clase en las notas de clase. Aquí arriba en su frente, estoy empezando a mezclar en realidad algo del negro realmente oscuro. la sombra oscura del fondo, estoy empezando a tirar eso hacia abajo sobre su frente y mezclarlo con algunos de los bordes más oscuros de la sombra oscura de su frente. Yo estoy haciendo lo mismo en el costado de la cara ahora. Esta zona también se va a conectar a una sombra realmente oscura a una sombra negra. Necesito crear un gradiente realmente suave que parezca natural y que me permita conectar algunas de estas áreas más claras al negro oscuro del fondo. Ahora que he acercado algunos de los valores a donde necesitan estar en la cara, y algunos de los detalles donde necesitan estar en la cara, puedo ver que necesito que el cuello sea bastante más oscuro. Ya que si miras en la referencia, toda el área del cuello, incluso la zona más clara del cuello es más oscura que las áreas claras de la cara. Sólo estoy usando un marrón cálido. Creo que se trata de un marrón siena en todo el cuello para bajar eso a un valor más profundo que está más cerca de lo que vemos en la imagen de referencia. 7. Seguir desarrollando la figura: Está bien. A medida que paso a hacer más sombreado y más desarrollo en el cuerpo de la figura y otras áreas además de la cara, realmente quería tratar de conseguir el cuello justo primero, así que vengo aquí con algo de naranja cadmio para calentarlo, y esto es en realidad un color realmente bonito. No es uno que normalmente viene con uno de los conjuntos prismacolor estándar, pero es un gran color para tener a la mano si te gusta pintar figuras, si quieres dibujar gente, porque es realmente cálido, pero también es decentemente oscuro para que no tengas que preocuparte por tirar de cualquier blanco que vaya a hacer que tu área de sombra luzca tiza. Yo sólo voy por toda la zona del cuello aquí porque está a la sombra, pero sigue siendo realmente tiene un subtono cálido. Entonces empiezo a mezclar algunas de las áreas más oscuras del cuello y el pecho, como esta pequeña sombra a lo largo de la clavícula empezando a mezclar esas con una combinación de solo un marrón oscuro, creo que es un umber oscuro y luego un realmente cálido o marrón, un tipo cálido de marrón CN. Todo el tiempo que estoy trabajando aquí solo estoy trabajando en pequeños trazos circulares muy diminutos. Yo estaba haciendo lo mismo en la cara, realidad la cara que estaba haciendo como pequeño trazo circular microscópico. Un lápiz súper afilado y pequeños trazos circulares realmente aquí en el cuello. Me estoy dejando hacerme un poco más grande con trazos, pero no mucho, estoy mayormente manteniendo bastante ligera en cuanto a la cantidad de presión que estoy poniendo en mi lápiz. Entonces tratando de permanecer en estos pequeños y suaves trazos circulares que eventualmente desaparecerán. Especialmente a medida que añado cada vez más capas y sigo mezclando. Siempre que estés trabajando con lápiz de color o cuando esté trabajando con lápiz de color, es mucho de ida y vuelta, acuesta un color y luego vuelve con otro color para mezclar algunos de los bordes. Entonces me daré cuenta de que necesito oscurecerme con el color inicial, así que volveré y quiero ese color que primero usé. Estoy pasando mucho tiempo haciendo eso. En todo este tiempo solo estoy mirando continuamente la referencia para asegurarme de tener una buena comprensión de dónde están esos oscuros y luces. medida que vayamos más adelante, tomaré más libertades con el color, o puede que tome más libertades con el color, pero generalmente tenderé a pegarme bastante cerca de la referencia en cuanto a un mapa para donde mis luces y Darks deberían ser. Empezando en la playera aquí, esta zona es un poco difícil porque es una camisa blanca, pero realmente le tiene mucho color ya que está iluminada de esa misma fuente de la que se enciende la cara, es una realmente una cálida ligero y termina luciendo casi rosa melocotón. Voy a usar colores de sombra, lo que pensaríamos de este color de sombra, unos marrones más apagados y pastar pero en realidad voy a usar muchos de los mismos colores que se usan en la cara estoy usando como un rosa salmón y durazno beige y color melocotón más oscuro de prismacolor llamado Rosa Beige. Usando esos para crear algunas de las sombras y crear parte de la dimensión en la camisa. Entonces son áreas realmente oscuras, estoy usando el mismo marrón, que son iguales solo prismacolor, marrón oscuro para crear el centro de sus sombras y luego mezclar los bordes, ya sea con una aplicación realmente suave de oscuro marrón realmente claro, apenas poniendo ninguna duda en absoluto o con un lápiz de color marrón más claro. Si estás mirando la imagen de referencia, esta es una gran pista para mí en cuanto a la temperatura de la camisa. Podemos ver que la cajita de papel que está sosteniendo es en realidad bastante cool y se ve casi azulada en comparación con la camisa. Es así como sé que la camisa necesita ser mucho más hacia ese extremo anaranjado meñky del espectro y necesita ser diferente tanto en valor como en temperatura. Después dobla un poco de linterna de papel. 8. Agregar detalles a las manos: Ahora, estoy pasando a las manos. Estoy usando un color que usé bastante en la cara, el bermellón pálido, tratando de bloquear en donde veo algo de ese color realmente cálido, casi rojizo que pasa por las zonas claras de la mano. Esos son prácticamente todos en el interior, como en el interior de los dedos y las palmas, las zonas que están en contacto directo con la linterna de papel. Entonces en zonas que no están tan saturadas, estoy usando ya sea néctar o rosado salmón. El rosado salmón es muy similar al melocotón de Prismacolor, que es más de uno de sus colores estándar que viene en un kit estándar. Pero el rosado salmón tiene un poco más de saturación, no es del todo tan silenciado, así que es genial para algo como esto donde quiero que llegue una buena cantidad de saturación. Al igual que lo hice con la acuarela, estoy entrando aquí con un marrón oscuro en las zonas de sombra. Estoy tratando de no llevar eso directamente al borde y a cualquier otro lugar que les tenga un borde suave. Voy bajando por el centro del dedo y dejando intactos las áreas alrededor del borde para que pueda mezclar y tal vez incluso añadir algún lápiz de color más claro si es necesario. Por aquí, los bordes de los dedos en realidad son una sombra crujiente, por lo que en esas zonas voy directamente al borde. Pero si es una sombra suave o sombra difusa, me estoy manteniendo despejado de los bordes y luego mezclándolos con ese más claro, ya sea el bermellón pálido o un cálido marrón de Sienna o un color melocotón. Es sólo después de haber bajado alguna del marrón oscuro que en realidad entraré con el negro. Eso es sólo en algunas áreas, como los bordes de la mano donde la sombra se está conectando a esa negrura entintada del fondo, o en el caso de su mano izquierda, la mano que vemos en el lado derecho, parte de la parte inferior de la mano es bastante oscura, así que estoy usando negro ahí. Voy a añadir un poquito de desarrollo a la linterna de papel. En realidad no quiero trabajar demasiado en ello porque quiero que tenga esa calidad luminosa realmente fresca y la acuarela es genial para eso. Pero sólo voy a añadir un poco de nitidez a esos dos triángulos donde se dobla el papel. El área que era un poco más fría, de color morado, y estoy entrando con un gris frío y luego un poco de lavanda gris meñique. Entonces algunas de las otras áreas de sombra, como la parte superior del triángulo derecho donde se dobla un poco estoy usando ese mismo color. Entonces el otro lado, el lado que vemos que está en el lado izquierdo que está sosteniendo con su mano derecha, le estoy agregando un poco de crema, que es como un amarillo bastante saturado pero realmente claro, y algo de ese melocotón rosa que he estado usando a lo largo de toda la pieza. Entonces por supuesto, un poco de blanco para afilar algunos de esos bordes y para mezclar. 9. Profundizar el fondo: Por último, pasando al fondo. Quiero agregar un poco más de color, y un poco más de textura a algunas de estas luces que están flotando en el fondo. Estoy trabajando con crema, y deco melocotón, y deco rosa para tratar de solo agregar un poco más de color e incrementar algo del interés aquí ya que estos siguen siendo bastante ligeros, y ahora sobre todo, en comparación con el resto de los pieza, se ha desarrollado más. Se ven realmente, realmente pálidos y casi blancos. Simplemente sigo usando esos pequeños trazos circulares que he estado usando a lo largo de toda la pieza. También continuando mi método de ida y vuelta donde pondré un color abajo, y trabajaré otro color en la parte superior, luego volver con el original para mezclar los bordes. Una vez que haya conseguido que todas esas pequeñas luces flotantes se llenen de la forma que las quiero, voy a trabajar a mi paso por todo el fondo. Gulp, sí, todo el fondo con un lápiz de color negro. No estaba seguro si iba a hacer esto inicialmente. Al principio no me había decidido al respecto. Pero sólo mirando el resto de la pieza en la textura, el resto de la pieza en comparación con el fondo, siento que para que tenga esa sensación tinta-aterciopelada que quería tener, voy a tener que añadir lápiz de color. O potencialmente añadir gouache, gouache negro, pero entonces la textura de la superficie será bastante diferente, y yo sí trabajo muchas veces en gouache y lápiz de colores juntos. Pero un área realmente, realmente grande, realmente grande y plana lay-down de gouache, sería bastante notablemente diferente textura del lápiz coloreado en contraposición a lo que hago típicamente, que es sólo un poquito de gouache aquí y allá. Creo que, si quisiera tener ese tacto aterciopelado de tinta, lápiz de color va a ser mi mejor. Pero estoy usando dos lápices de colores negros diferentes aquí. Estoy usando el lápiz de color negro prismacolor, que es genial. Está un poco en el lado más suave y limpio. Entonces estoy usando el lápiz de luminancia de color negro de Caran d'Ache. No tienes que tener dos lápices diferentes de color negro. Por cualquier medio, podrías hacer todo el asunto con el prismacolor. Pero la ceniza guranda es un poco más fácil de afilar. Si usas prismacolors, y los amas tanto como yo, probablemente estés familiarizado con su talón de Aquiles, que es que, tienden a romperse muy fácilmente. lápices de luminancia son un poco más duros. Siguen siendo un lápiz suave, pero no son tan suaves y rompibles como prismacolors aunque. Es solo que es mucho más fácil conseguir un punto bonito y afilado sobre ellos. Estoy usando esos porque sé que voy a necesitar afilar varias veces para llegar a algunos bordes realmente crujientes. Usar la luminancia en contraposición al prismacolor, sólo me va a facilitar hacer eso. Solo estoy trabajando a mi manera alrededor de todo el tema. Donde hay un borde realmente crujiente, estoy tendiendo a usar la luminancia para darme ese borde duro y limpio. Entonces donde es un borde más suave, más de un desvanecimiento, voy a veces de ida y vuelta con el negro, y tal vez el marrón oscuro que se usaba en el borde de la sombra para crear gradientes realmente lisos y limpios. También estoy trabajando a mi manera alrededor de todas las luces flotantes. Prácticamente en cualquier lugar, donde hay negro en el fondo, estoy tratando de conseguir que se cubra con lápiz de colores. En este punto, probablemente se pueda decir que no estoy siendo casi tan cuidadoso con mis marcas. En realidad estoy siendo bastante rudo y descuidado con mis marcas. Eso se debe a que sólo estoy tratando de que esto se ponga lo más rápido posible. Es mucha superficie para cubrir, y cuando se trabaja con lápiz de color, eso puede tardar bastante tiempo. Esto es sólo un 8 por 10, así que puedes imaginar cómo sería hacer esto en una pieza realmente grande. Pero, como estoy decidiendo cubrir todo este fondo con lápiz de colores, que no sabía si lo haría al principio ya que han decidido hacer eso, también estoy decidiendo que voy a terminar mezclando y usando algunos espíritus minerales y sal gema para mezclar algo de la textura que estoy creando en el fondo aquí. El motivo por el que quiero hacer eso es porque la textura, si bien no es súper visible, es bastante diferente a la textura suave realmente refinada que tengo en el resto de la pieza. Podría trabajar a mi paso por toda la pieza usando esa misma textura muy refinada pero, eso llevaría mucho tiempo. Esta pieza ya está tardando bastante más de lo que esperaba. Yo he tomado la decisión en este punto de fundir, y eso me da la libertad de estar un poco más desordenado con mis marcas porque sé que solo puedo mezclar todo al final de todos modos. En este punto, ya terminé con el renderizado de lápiz de color. Nuevamente, prácticamente hecho con la pintura en su conjunto. Lo único que me queda por hacer es mezclar. 10. Mezclar: Yo estoy en el hogar estirado aquí. Ya estoy todo hecho con la acuarela, todo hecho con el lápiz de color, todo está seco. Antes de terminar, en realidad sólo voy a hacer un poco de mezcla con espíritus minerales, con algunos espíritus minerales inodoros. Mi espíritu mineral inodoro de elección es el gamsol, que es el más seguro del manojo. Pero si vas a usar algún LMS, cualquier disolvente, siempre debes trabajar en un estudio bien ventilado. Entonces tengo mi ventana abierta o no tiene que ser un estudio, sino un espacio bien ventilado. Tengo mi ventana abierta y estoy usando una colección de diferentes pinceles pequeños para mezclar. Mi forma favorita para mezclar pinceles es un Filbert que es un pincel plano, pero tiene una pequeña curva hasta el final, una pequeña forma de media luna al final, que simplemente lo hace realmente agradable para mezclar alrededor en trazos circulares. Pero entonces también puedes usarlo para obtener un borde afilado bastante limpio si es necesario. Entonces empiezo con el pincel de tamaño mediano Filbert y estoy haciendo un poco de mezcla dentro de esta sombra áreas que van a desvanecerse en las zonas más oscuras. En un principio pensé que podría simplemente mezclar sólo el fondo negro, pero creo que en realidad quiero mezclar el fondo en el tema para que tenga más de unos campos cohesivos. Empiezo con el LMS en esos tonos medios, algunas de esas áreas de sombra del tema, y luego trabajando mi salida. Quieres tener cuidado cuando estás mezclando lápiz de color con espíritu mineral inodoro para limpiar tu pincel con frecuencia. Cuando estás trabajando de oscuro a claro, si estás mezclando en un área oscura y moviéndola a un área más clara, vas a llevar mucho del pigmento oscuro contigo, y lo inverso también es cierto si estás mezclando en un área más clara y tirando de ella hacia una zona más oscura. Eso podría no parecer problemático. Pero a veces si terminas tirando demasiado pigmento claro en tus zonas más oscuras, se verá realmente blanco y tiza, y eso en realidad puede ser difícil de cubrir. Hago todo lo posible para simplemente mezclar un poco en un área y luego limpiar mi cepillo y trabajar en esas áreas medias, las áreas que están justo entre la luz y la oscuridad. Trabaja en esas áreas con un pincel que sea bonito y limpio, que no tenga ni una tonelada de pigmento en él. También mezclando algunas de las áreas de sombra en el cuello y cara para que la textura no sea tan ruidosa ahí. Está bien. Ahora, me estoy empezando a mezclar algunas de las áreas negras. Este es el fondo, pero también hay un poco de negro encendido como las espaldas de las manos y algunas partes de la cara que son realmente oscuras. Estoy tratando de mezclar esas áreas y conseguir que sean agradables y suaves y aterciopeladas. 11. Cambio de planes...: Sorpresa. Bienvenido de nuevo a una lección final. Este es el sello distintivo de mi serie de pintura conmigo. De verdad sólo los llevo conmigo a medida que creo una pieza. Lo que significa que no necesariamente sé exactamente cómo va a salir cuando empiece así que estás aquí para el viaje y aprendiendo justo conmigo lo que tiene que venir a continuación. Después de terminar con toda la mezcla, dejé que la pieza se sentara y luego la miré al día siguiente con luz natural. Sentí que había algunas cosas que quería retocar. Número uno, sólo había un área pequeña alrededor del ojo que me parecía un poco alejada. Simplemente parecía que tal vez no había traído algo de la sombra lo suficientemente lejos debajo de su mejilla. Yo primero quería arreglar eso. Después vi algunas otras pequeñas áreas en la cara que sentí que me vendría bien algún matiz así que voy a volver aquí con algunos colores más diferentes en las sombras y con el lápiz de color crema Prismacolor y agregando algunos más reflejos a la cara. Tengo que tener mucho cuidado con agregar los aspectos más destacados. Sería muy fácil ir por la borda aquí y hacer que la cara sea demasiado brillante. A pesar de que estas son las luces más ligeras que hay en la cara, siguen siendo más oscuras que la linterna de papel, así que tengo que tenerlo en cuenta. Eso me está haciendo hacer un poco de ida y vuelta. Cada vez que pongo un punto culminante, tengo que ajustarlo un poco con más de un medio tono. Sí, solo básicamente agregando algo más de matiz, algo más de desarrollo a la cara, consiguiéndola un poco más refinada y trayendo de vuelta algo del detalle que se perdió cuando hice un poco de mezcla. La otra cosa que realmente me sobresalía cuando lo miraba a luz natural como algo que quería cambiar, era que estas pequeñas linternas, estas pequeñas luces flotantes en el fondo, eran simplemente realmente mirando áspera en comparación con el resto de la pieza. Incluso antes de agregar esta capa adicional de refinamiento a la cara había mucho detalle y mucho manejo refinado en la cara. Entonces estos pequeños orbes flotantes en el fondo simplemente se veían tan ásperos y se veían realmente desconectados de la textura del fondo así que quería cambiar eso. También quería cambiar el hecho de que todos se sintieron realmente todavía demasiado ligeros en valor. A pesar de que ya había agregado otra capa de valor con lápiz de color inicialmente, siento que necesitan ponerse un poco más oscuras para poder dar una sensación de profundidad porque en este momento sienten que todos están realmente ruidosos, realmente brillantes en primer plano, llamando mucha atención a sí mismos. Agregar algún otro color y algo más de valor los va a hacer mucho más interesantes. Entonces ablandar los bordes y hacerlos sentir conectados al fondo también va a hacer que llamen menos atención hacia sí mismos ya que se van a sentir más cohesionados dentro del resto del entorno. En la nota del fondo, pesar de que ya cubrí todo el asunto con lápiz de colores, todavía siento que no se ve suficiente. Incluso con la mezcla, hay bastante variabilidad en la textura. Como mencioné, quiero que se sienta realmente aterciopelado y entintado así que vuelvo a repasar toda la parte superior con el negro. Estoy usando un lápiz de color negro diferente esta vez. Se trata de un lápiz LYRA y estos son en realidad lápices a base de aceite en contraposición a lápices a base de cera. A mí me gustan pero no me gustan tanto como Prismacolor. El motivo por el que lo estoy usando en este momento es porque estoy bastante fuera de mi lápiz de color Prismacolor. Se ha vuelto difícil de sostener y mi lápiz actual de color ceniza también está bajando. He usado mucho lápiz de color negro en esta pieza. Algo que he aprendido y que recomendaría para cuando hagas el proyecto de clase es si eres capaz de hacer un viaje rápido a la tienda de suministros de arte, Prismacolor tiene lápices de colores sin madera y también lo hacen muchas marcas en realidad. Para algo como esto donde solo estás cubriendo una enorme cantidad de área de superficie y en realidad no necesitas mucha precisión, solo podrías usar un lápiz de color sin madera para colocar mucho del pigmento y luego usar un color regular lápiz para las áreas que están alrededor de tu tema donde sí necesitas ser más detallado y refinado. Eso es lo que haré la próxima vez que cree esta pieza. Sí, una vez más, solo estoy trabajando a mi paso por toda la superficie del sujeto, bueno, toda la superficie del fondo. Esta vez en realidad estoy tratando de usar trazos pequeños muy bonitos porque no quiero volverlo a mezclar. Estoy tratando de mantener mis trazos mucho más bonitos, mucho más ordenados para que no se vean realmente desordenados en comparación con el resto del tema que se renderiza con más cuidado. En este punto también te darás cuenta de que estoy usando un trocito de papel para mantener la mano puesta. Probablemente debería haber estado haciendo esto antes, pero este es uno de esos buenos hábitos que realmente tengo que recordarme a mí mismo que hacer. Cuando estás trabajando con lápices de colores desde su base de aceite y cera, tu mano puede recoger algo de ese pigmento y puede moverlo y mancharlo. Se vuelve cada vez más probable que eso suceda cuanto más pigmento haya puesto en el papel. Ya que esta es mi segunda ronda de lápiz todo de color negro, hay mucho pigmento en el papel lo que significa que es muy probable que recoja y manche. Estoy tratando de ser realmente bueno en usar papel para descansar las manos. Está bien. Creo que por fin es así. Creo que realmente terminé. Ahora de verdad te voy a mostrar un escaneo de la pieza terminada y hablaremos del proyecto de clase y terminaremos en la siguiente sección. 12. Proyecto de clase y conclusión: Enhorabuena. Ya lo has logrado a través del curso. Terminamos el cuadro. Espero que hayan disfrutado viendo este proceso, viendo todos los entresijos, los altibajos, y cómo lidié con los baches en la carretera. Ahora, es hora de que empiece en su propio viaje, en su propio proyecto de clase y cree un retrato malhumorado y dramático. El primer paso es elegir una de las imágenes de referencia proporcionadas. Esos están en la sección de recursos de clase. Si por alguna razón tienes problemas para acceder a esa sección o encontrar esa sección, siempre puedes volver a la lección 2 y capturar pantalla cualquiera de las imágenes que deseabas usar como referencia. O otra opción, por supuesto, es tomar tu propia imagen de referencia o encontrar una en algún lugar en línea, eso es aceptable de usar. paso 2 es crear un boceto básico, dándote una hoja de ruta de esa anatomía general, las grandes sombras, las grandes áreas de luz, las grandes áreas oscuras. Si quieres referirte a cuánto detalle pongo en mi boceto, de nuevo, te recomendaría volver a la lección 1 y echarle un vistazo a eso. Probablemente necesitarás menos detalle en un boceto para este tipo de temas. En tanto que esta iluminación de la que lo harías si fueras a hacer un boceto para un sujeto con iluminación realmente sutil. Dije que algunos de los detalles se van a oscurecer en las sombras. Por ejemplo, sólo en el tema que hice, realmente no necesitaba incluir mucha información en absoluto sobre su oído aparte de dónde estaba su oído. Echa un vistazo a eso y crea tu propio boceto. A continuación, seguir junto con lo que hicimos en la clase, los pasos básicos para crear ese color lavan las capas iniciales con acuarela. Entonces vas a bloquear en esas zonas oscuras con un color más blanco realmente oscuro o una tinta. Si quieres usar una tinta en su lugar, recordando dejar un buffer donde vas a crear los gradientes más adelante con capas más claras de acuarela y lápiz de color. Entonces quieres seguir adelante y añadir tu detalle básico con acuarela. Algo de esto depende realmente de ti, lo detallado que quieres conseguir. No incluí una tonelada de detalle porque quería llevarme bien a lápiz de colores. Pero si estás más cómodo trabajando en acuarela y quieres desarrollar más detalle con la acuarela sola, Absolutamente puedes hacer eso. Por último agrega más detalle de matiz tanto a la estructura como a la forma y al color con lápiz de color. Por supuesto, como ustedes vieron en la clase, sí tenía un plan general, una dirección general en mente a medida que empezaba. Pero cambié de opinión varias veces en el camino. Yo quiero darte permiso para darte permiso para hacer lo mismo. Tenemos la hoja de ruta general que acabo de mencionar. Es posible que tengas un mapa de ruta en mente cuando empiezas a trabajar en tu pieza, pero intenta darte la oportunidad de cambiar de opinión o de ser realmente creativo y receptivo a la hora de abordar los problemas, abordar el hipo artístico cuando llegan arriba en el camino, ya que inevitablemente bien. Por supuesto que junto con eso, si quieres incorporar un medio diferente o probar un enfoque diferente, no tienes que pegarte a la acuarela. Quizás quieras traer algún rubor, quizá quieras traer algo de tinta, puede ser pastel suave o algunos pasteles de cera, algo de pintura acrílica. Todas las cosas diferentes que podrías hacer. Si quieres ideas sobre medios mixtos y otros tipos de medios mixtos que podrías traer, puedes tomar mi clase de medios mixtos. Pero sólo tienes que saber que hay todo un mundo por ahí y debes tener la libertad de usar cualquiera de estos medios que quieras, que sientas que te van a ayudar a abordar el problema artístico que tienes frente a ti. También quiero mencionar que la pieza que me viste crear, viste alrededor de una hora de metraje, pero esta pieza tardó en realidad alrededor de cinco horas en total. Que cinco horas no incluye el tiempo de secado. Lo que no ves en el metraje es todo el tiempo que paso sentado y pensando, tratando de seleccionar el color, tratando de mezclar el color correcto, tratando de decidir cómo quiero acercarme a un área en particular. Hay un montón y un montón de pausas que se habían cortado. Algunas de las otras cosas que corté, son sólo los periodos de tiempo más largos donde todo lo que estoy haciendo es llenar en el fondo lo mismo, el mismo movimiento sucediendo una y otra vez. Eso lo mencioné, solo para que si estás encontrando que te lleva más de una hora, no te sientas mal por eso y eso es totalmente normal. Me tomó más de una hora. También diré que probablemente podría haber hecho esto más rápido si hubiera hecho algunas elecciones diferentes sobre los materiales. Por ejemplo, si hubiera usado un lápiz de color sin madera, o puede si tuviera se puede usar un medio negro más opaco desde el principio en lugar de la acuarela. Cualquiera de esos podría haberme ahorrado tiempo ya que pasé mucho tiempo en ese fondo negro. A medida que te sumerjas en tu proyecto, asegúrate de documentar lo más posible. Toma fotos, anota algunas notas sobre cosas que estás notando, qué haces cuando te encuentras con un problema en particular, cómo te acercas a eso. Por favor, asegúrate de compartirlo en los proyectos de clase. Me encanta ver lo que ustedes hacen y compartir su proyecto es una manera realmente genial de ayudar a sus compañeros a aprender. Si te sientes cómodo haciendo eso, realmente te animo a hacerlo. Siempre me gusta mencionar en mis clases que, si buscas específicamente una retroalimentación constructiva, por favor indique que cuando publiques tus proyectos de clase, para que sepa darte la retroalimentación más útil, la retroalimentación que estás buscando. Si estás mirando proyectos de tus compañeros de clase y decides dejar un comentario, gracias. Eso es genial. Me encanta ver eso y siempre por favor recuerden ser realmente amables y solidarios unos con otros. Como siempre, siéntete libre de dejar cualquier pregunta general en la sección de discusión de clase, y haré todo lo posible para llegar a esas. Muchas gracias de nuevo por tomar esta clase. Realmente no puedo esperar a ver qué haces.