Transcripciones
1. Introducción: Hola. Mi nombre es Arleesha Yetzer y soy ilustradora de acuarela y creador de contenido de YouTube. Mi trabajo en acuarelas se centra en gran medida en retratos, y una de mis técnicas favoritas para emplear es el uso de una amplia variedad de tonos al pintar la piel. Esto ha llegado a ser conocido como “Rainbow Skin” por mi amorosa comunidad. En esta clase, quiero llevarte a través de todo el proceso. Empezaremos hablando de los materiales que necesitarás, así
como algunos de mis favoritos. Después de eso desglosaremos cada color individual. Te voy a hablar sobre configurar tu propia paleta limitada, así
como cómo mezclar cada color individual desde rojos, amarillos, azules, morados y verdes. Vamos a cubrirlo todo,
y después de eso, vamos a entrar en un par de ejemplos de proyectos. Te voy a mostrar mi proceso para colocar en cada color individual. Te mostraré cómo estos colores se mezclan y se
mezclan a través de técnicas mojadas sobre mojadas y mojadas sobre secas. Estoy tan emocionado de desmitificar este proceso para ti. El uso de una amplia gama de colores en tonos de piel no tiene por qué ser un miedo, intimidante, o inalcanzable. Personalmente encuentro que es un ejercicio terapéutico impresionante de creación de confianza. Entonces si estás listo para sumergirte con el uso de un montón de
tonos de piel coloridos y acuarelas. Empecemos.
2. Materiales: Para empezar, vamos a hablar de los materiales que
necesitarás para prepararte para bosquejar y pintar. Mis suministros favoritos incluyen los siguientes: El cuaderno de bocetos de medios mixtos
Canton XL para bosquejar
y preparar, y para nuestra pieza final, cualquier papel de acuarela que sea 100% algodón va a funcionar realmente genial para tu retrato. Estaré dejando enlaces a todos los materiales en la sección sobre de esta clase. Para lápices, mis preferencias son o bien un lápiz mecánico para bosquejar y sacar ideas, o un lápiz de color para la pintura final. Mis dos lápices de colores favoritos o ambos por PRISMACOLOR, y eso incluye la carrera de colon PRISMACOLOR en bermellón, así
como el PRISMACOLOR VERITHIN en rojo carmesí. Tengo un par de gomas de borrar aquí, un corredor de polímero blanco así como una goma de borrar amasada. Cuando estés listo para elegir colores de pintura, eres más que bienvenido para sacar tu paleta de acuarelas favorita. Algo tal vez un poco como éste. Pero va a ser crucial en esta clase que estemos trabajando con una paleta limitada. Hablo de cuatro colores max. Para mí, voy a estar pasando y recogiendo cuatro colores específicos de tubos que voy a exprimir sobre una paleta de porcelana. Las únicas reglas reales a la hora de elegir colores para tu paladar es que comiences con las primarias. Amarillo, cian, magenta o rojo, amarillo, azul. Vas a querer tener uno de cada uno en una temperatura de tu elección, y también un color adicional que crees que podría complementar bien el esquema. Esto puede ser marrón o gris de Payne, o para mí voy a estar usando este verde cascada, ya que es un color que realmente no puedo mezclar de los otros colores que he elegido. Una vez que tenga mis colores escogidos, conseguiré un par de frascos para agua, alguna toalla de papel, y estamos casi listos para irnos. Ahora que tienes todos tus suministros juntos, sigamos adelante y hablemos un poco sobre por qué la paleta limitada es tan importante y cómo puedes utilizarla para mezclar una amplia variedad de colores.
3. Cómo conocer tu paleta: Empecemos conociendo tu paleta de acuarelas. Ejercicios como estos son cruciales para desarrollar una comprensión de la gama de colores disponibles para ti, así
como cómo mezclarlos en tonos y tonos armoniosos. Como se dijo antes, eres bienvenido a usar pinturas en medias pinturas. No tienen que estar frescos fuera del tubo como el mío. Ese es solo mi método preferido para esta marca en particular. Para el último color de esta gama, decidí no exprimir pintura fresca. En cambio, acabo de quitar la parte de pintura seca de su hogar habitual en mi paleta para pinturas Daniel Smith. Empecemos con una rueda de color simple. Voy a poner mi níquel azo amarillo, quinacridona luz roja, y azul manganeso así. Entre cada una de estas muestras iniciales, voy a estar mezclando y colocando colores
secundarios referidos a naranja, morado, y verde. Estos son los colores que obtenemos mezclando dos de nuestros colores primarios juntos. También colocaré en mi cascada verde, donde caería con relación a esta rueda. No voy a estar entrando en colores terciarios, que serían los colores entre naranja y amarillo, rojo y naranja, criado y morado, cosas así. Nos vamos a apegar a colores primarios y secundarios para esta rueda inicial. Nuestra gama general de colores es mucho más amplia que solo estos seis, sin embargo. También voy a pasar un poco de tiempo explorando más mezclas con estos colores, añadiendo un poco más azul, amarillo o rojo para crear más variedad. Si miramos ambos conjuntos de muestras uno al lado del otro, se
puede ver que los colores en nuestra rueda son mucho más saturados y densos que los de nuestras exploraciones de mezcla. Esto es crucial cuando se trabaja en nuestro retrato real. Si nuestros colores aparecieran en el retrato como lo hacen en la rueda, todo estaría demasiado saturado y demasiado duro. Nuestros colores simplemente chocarían. La mayoría de mis mezclas a la derecha tienen pedacitos de las tres primarias en ellas. Esto permite unos colores más sutiles, más apagados que se mezclarán de una manera mucho más armoniosa. Nuestro azul aún se ve azul, y nuestros rojos siguen siendo rojos, pero tienen pedacitos el uno del otro en ellos. Esto unifica nuestra paleta y reúne todo. Si tienes curiosidad, te recomendaría mucho explorar otros conjuntos primarios también. Intenta usar un azul profundo fresco en lugar de uno cálido verdoso, o tal vez un amarillo limón fresco para reemplazar la opción dorada original. Cada variación en tu selección inicial de color afectará las mezclas que puedas hacer. Los colores más fríos se adaptan mejor a los morados ricos profundos. Los colores más cálidos pueden dar una sensación orgánica terrosa. Ahora es el momento de explorar. Encuentra la combinación de colores que fluye con la atmósfera y la emoción que te gustaría transmitir en tu retrato de acuarela.
4. Rojo: Durante los próximos videos, vamos a estar centrándonos en colores específicos. Te voy a mostrar mis métodos preferidos para colocar y mezclar estos colores y vamos a empezar con el rojo. Enseguida te vas a dar cuenta de que no estoy usando mi color rojo por sí mismo. Utilizo el rojo para las zonas de la cara que son más propensas a: rubor, quemaduras solares, o flujo sanguíneo alto, y suelo añadir un poco de amarillo a la mezcla antes de empezar a pintar. Esto me da un tono más suave, durazno. Normalmente pongo rojos alrededor de los ojos, las mejillas, las orejas, la boca y el cuello. Aquí te mostramos un ejemplo de las zonas de color relativas de la cara en relación con el retrato. Encontré estas pautas para ser muy útiles cuando se colocan en color. Por supuesto, simplemente vamos a colocar bloques
rectangulares de color a través de nuestras caritas, pero estaremos siguiendo estas reglas generales. Las áreas ruborosas tienden a ser más evidentes alrededor de los ojos, las mejillas y las orejas. Al pintar en estos tonos particulares, a menudo los mezclo con agua limpia para crear bordes suaves y desvanecidos. Ya con estos primeros pedacitos de color, empiezo a pensar en el valor, la luz y la oscuridad. El color puede ser más denso, donde hay más sombra y más suave en áreas más claras. He encontrado que los rojos son una gran base en la pintura de retratos. Este suele ser mi lugar favorito para empezar. Mirar varias imágenes de referencia aumentará enormemente tu comprensión de la variación de color dentro de la cara. Busca áreas más densas de rojo. Puede que no sean iguales para todos y cada uno de los retratos. Después de pasar por cada ejemplo de color, volveré y remataré estos pequeños cabezales de práctica.
5. Amarillo: Ahora vamos a pasar a los amarillos. Puede haber mucha varianza en esta categoría, posiblemente la mayoría de todas las categorías ya que este es el rango que suele determinar el tono de piel base para tu sujeto. Si bien me referiré a esta categoría como amarillos, también incluirá esos tonos de carne y mezclas marrones. Al mezclar este color, amarillo por supuesto va a conformar la mayor parte de la mezcla. También voy a incluir un poco de rojo para acercarme un poco al naranja. Si este color es demasiado naranja, puedo agregar un poco de azul para desaturar la mezcla. Si echamos un vistazo rápido a una rueda de color, se
puede ver que el naranja y el azul están opuestos entre sí, agregando un color a su complemento, o el color opuesto a ella en la rueda de color desnaturalizará ese color. En tanto que la zona más grande de nuestra categoría amarilla estará centralizada alrededor de la frente, como hablamos en nuestro ejemplo de zonas de color. También voy a estar pintando esto en varios lugares a lo largo de toda la fase para reforzar la idea de que este sea nuestro color base de piel. Cuando tengas dudas, confía en tu referencia, incluso
puedes echar un vistazo en el espejo y observar donde tu piel es la más amarilla. Estas van a ser variaciones sutiles, solo sabes lo que estás buscando y no tengas miedo de experimentar. Si vas por algo un poco más opalescente o nacarado en efecto, puedes dejar mucho más espacio en blanco en tus ejemplos, permitiendo que el color solo toque los bordes de las áreas más oscuras y dejando más espacios en blanco.
6. Azul y púrpura: Blues y morados son algunos de mis colores más favoritos para agregar a los tonos de piel. Al mezclar mi morado, prefiero algo en el lado más cálido con un poco más rojo que azul. Sintoniza bien tus mezclas de color a tus preferencias. Como ya he dicho antes, realmente no se puede exagerar cuando se trata experimentar y probar cosas nuevas con estos ejercicios. En un escenario básico de luz ambiental, estaré usando este color presagia en las áreas naturalmente empotradas de la cara. Esto incluye debajo del hueso de la frente, debajo de la nariz, en las áreas alrededor de los bordes exteriores de la cara donde la frente, las mejillas y la barbilla se curvan lejos de los planos orientados hacia adelante que pueden estar captando más luz. Púrpuras capa bellamente con otros tonos de piel especialmente, con un morado cálido como este. Veremos más de ese ejemplo cuando regrese a este rostro para colorear en todos los demás tonos después de terminar nuestros ejemplos específicos. El emplazamiento de los colores de sombra es donde tendrás más variación en tus piezas ya que cambiará en función de la dirección de tu fuente de luz. Puedes consultar mi clase sobre técnicas de iluminación
dramática en acuarela para más ejemplos. Mis tonos azules servirán para un propósito similar. Al mezclar este color, agrego un poco de amarillo a mi azul. Esto empuja el color alrededor un poco a un verde calentándolo. No queremos acercarnos demasiado al verde, pero sí me gusta calentar mi azul sólo un poquito. Utilizo el blues para comunicar translucidez y profundidad. Esto suele ir al lado de áreas de sombra, pero sí sirve un propósito único separado de los morados. Mirando hacia atrás ese ejemplo de zonas de color, blues suele enfocarse alrededor del tercio inferior de la cara. Esto generalmente se debe a que esa zona inferior de la barbilla es donde vemos esa sombra de las cinco en punto o donde la cara se curva lejos de la luz para que las cosas se vuelvan un poco más frías a medida que nos movemos hacia abajo hacia el cuello. Estos son algunos otros ejemplos de mi uso del azul en tonos de piel. Encuentro que este es el color más difícil de colocar a propósito
específico y razonamiento detrás de mi uso de este color. Esperemos que estos ejemplos te den una idea de lo que voy a buscar, específicamente en el uso del blues en tonos de piel.
7. Verde: Es hora de colocar nuestros greens. Los verdes son un color fascinante para mí, sobre todo en el reino de los tonos de piel. Al mezclarlas, empiezo con una base amarilla y agrego azul para lograr un verde cálido. A menudo desaturo esta mezcla con su complemento solo un toque de rojo. A mí me gusta mantener esta mezcla relativamente caliente, pero como dije antes, cuando estábamos hablando de la pintura de nuestra rueda de color inicial, es importante que nuestros colores se tengan un poco el
uno del otro en ellos para mantener las cosas armoniosas. Voy a añadir un poco de rojo para desaturar el color así
como para ayudar a que se mezcle más con esos tonos cuando los agreguemos más adelante. No siempre uso todos los colores que hemos cubierto hasta ahora en todas y cada una de las pinturas. Cuando decido elegir el verde, suele estar en lugar de mi morado y actúa como un tono de sombra. ¿ Cuándo usarías verde en lugar de morado? Eso depende de lo que desees lograr a través de tu pintura. El verde es terroso y mucho más sutil cuando se estratiza con otros colores ya que los cumplidos son de color rojo, estos dos colores se jugarán entre sí,
haciendo que el otro parezca pop más cuando se coloca uno al lado del otro. Con cualquiera de estos ejemplos, la forma más efectiva de ver cómo cada tono contribuye al efecto general, es experimentando con los colores por completo. Ahora que hemos cubierto un poco de cada uno, volvamos atrás y rematemos cada cara.
8. Composición final: Es hora de ponerlo todo junto. Este método de colocar en un color través de la cara y luego pasar a un color diferente, no
es algo que he hecho simplemente con el propósito de esta clase. Este es en realidad mi método preferido cuando se trata de pintar retratos de acuarela. Con este primero, un tono amarillo está un poco más cerca del marrón. Observe cómo el color se profundiza y se
satura más donde se superponen el tono amarillo y el rojo. Constantemente tomo decisiones sobre cuándo suavizar los bordes debido a curvas suaves de la cara y cuándo dejar bordes crujientes, duros, denotando luz, sombra o forma. La experimentación es clave. Después de los amarillos decido colocar en algunos blues, ver cómo inmediatamente hemos redondeado y añadido profundidad a la cara. El azul le da una sensación de transparencia y dimensión a la piel. Voy a terminar este con un poco de morado, esto profundizará nuestras áreas de sombra más oscuras. Trabajar en capas transparentes es absolutamente esencial para permitir que estos colores se esmalten y se mezclen entre sí. Queremos que el color debajo se muestre a través, esto mantendrá el aspecto general mucho más armonioso. Añadamos un poco de rojo a la segunda cara. Para fluir con la angularidad general de estas características, puedo elegir agregar más formas triangulares y bordes duros al colocar mis colores. He decidido variar la iluminación apenas ligeramente con la adición de mi azul. Este color no juega un papel especialmente fuerte en este ejemplo en particular. Por último, un morado desaturado va a reforzar la iluminación cruda. Ten en cuenta que no todos los colores quieren trabajar juntos. Al ser complementos unos a otros, la mezcla o superposición de morado y amarillo, resulta en un color ligeramente fangoso y bastante opaco. Ten eso en cuenta y recuerda a qué te vas. Si yo, por ejemplo, quisiera que esto se viera más gris en general, definitivamente
diría que esta es una buena manera de llegar. En esta tercera fase, nuestro tono amarillo está mucho más cerca del rojo que cualquiera de las otras que hemos pintado hasta ahora. Verás que una vez que se agrega el rojo, este ejemplo aparece mucho más fresco en general sin un tono amarillo fuerte para tirar de la gama de colores a un terreno más medio. Justo como prueba, estoy dejando la mayor parte de mis bordes afilados sin mezclarlos. Tengo curiosidad por cómo se verá esto al compararlo con todas las otras caras. Este último ejemplo con la base verde, terminó siendo mi favorito de los cuatro. Empecé agregando rojo a mis áreas de rubor. El tono amarillo en este ejemplo era muy cercano en color
al rojo y también se aplicó mientras el rojo seguía mojado, provocando que los colores se mezclaran entre sí y se volvieran más difíciles de distinguir. El agregado de algún azul ayudó a restablecer la profundidad y la forma, pero mis rojos seguían perdidos. Añadí una nueva capa roja. En cuadros completos, casi siempre vuelvo a los colores con los que
ya he estado trabajando para reforzar la saturación y la profundidad. Definitivamente no debes sentir como si solo recibas un tiro a cada uno de estos colores. Acuarelas en su naturaleza transparente les encanta estar en capas. Una capa final de azul añadió una agradable frescura y juntó todo y con eso, nuestros cuatro ejemplos están completos. Todos son coloridos y estilizados, pero con una cantidad relable de reemplazo de color dando como resultado caras que no
lucen del todo antinaturales. Pinta algunas caritas propias. Siéntete libre de experimentar con tez más oscura o pálida ajustando tu tono base amarillo o mediante el uso de una sombra púrpura más fresca. Como se dijo antes, también puedes dejar más del
blanco de la página para que el atractivo de la piel sea más pálido. No puedo esperar a verte lo que se te ocurre.
9. Proyecto de clase: ejemplo #1: Ahora, es tiempo de proyecto de clase. [ MÚSICA] Tengo dos ejemplos específicos de pintura para compartir hoy con ustedes. Vamos a empezar con un ejemplo muy suelto en mi cuaderno de bocetos, luego pasar a algo un poquito más refinado en nuestro papel de acuarela de algodón. Con esta primera, quería realmente mostrarte también mi proceso de bocetos,
pues encuentro que sin un buen boceto, vas a luchar por conseguir algo con lo que estés contento en la fase final de pintura. Estoy trabajando aquí con mi lápiz rojo Prismacolor Verithin, y cuando me acerco a mi boceto inicial, realmente lo pienso más como tallar que dibujar. Normalmente empiezo con el contorno exterior de la cabeza para conseguir que la forma general de la cara sea correcta antes de empezar a poner las características en. A veces agrego algunos componentes de mentira externa para que pueda estrechar la composición antes de que me quede demasiado atascado en los detalles y luego doy cuenta de que algo fundamental necesita cambiar. Como puedes ver en este punto, he puesto algunas formas básicas para los ojos, la nariz y la boca,
y sigo moviéndome, saltando de ida y vuelta, refinando diferentes partes del boceto a medida que todo empieza a juntarse. Esto a veces resulta en ajustes, como quizá acabas de notar con el ojo, que pensé que estaba un poco demasiado lejos, así que lo moví en un poco. Después entraré y bajaré la nariz mientras terminé pensando que estaba demasiado alto en la cara. Yo estaba trabajando desde un par de fotos de referencia diferentes para este retrato en particular, y si te gustaría trabajar desde una referencia, por favor siéntete libre de hacerlo, sobre todo cuando se trata de practicar y aprender el diseños para los diferentes colores cuando entramos en nuestra fase de pintura. A medida que crezcas y
te desarrolles, podrás hacer más desde la imaginación y
poder confiar menos en la referencia si esa es tu elección. Todo depende de tus objetivos finales cuando se trata de tu arte. Pueden notar que estoy oscureciendo mis líneas sólo para borrarlas de nuevo en algunas instancias. A veces termino presionando un poco demasiado a la hora de refinar mis detalles, pero en última instancia no quiero que mis líneas estén especialmente oscuras cuando voy a pintar sobre ellas. Colores como este rojo tienden a mezclarse muy bien en tonos de piel, así que no estoy demasiado preocupado por ello, y a veces me gusta cómo se ve cuando esas líneas de boceto se muestran a través, pero no quiero que las líneas superen a la pintar cuando llega el momento de meterse realmente en nuestro color de agua. Al terminar nuestro boceto, diré que una de mis mayores recomendaciones es comenzar en un sentido más amplio. Por lo que yacía en formas grandes, formas grandes, asiéntate en tu composición antes de entrar en los detalles. De esa manera no tendrás que retroceder más adelante si algo no se coloca del todo bien. A medida que nos movemos a nuestro color, voy a empezar con el fondo, y voy a estar usando ese verde Cascade que elegimos. Diré que hice un pequeño ajuste a mi paleta inicial antes de comenzar este color. Cambié mi Nickel Azo Amarillo, por lo que el tono amarillo, y lo sustituyo en su lugar por un Óxido Amarillo transparente, que es el mismo pigmento que se utiliza para el ocre amarillo, que es un amarillo mucho más desaturado. Decidí que quería algo un poco más suave para mi proyecto final. Siéntete libre de ajustar tus colores como quieras. A medida que empecemos con la pintura, voy a seguir adelante y empezar con mi lugar favorito en cuanto a los tonos de piel, que ya he mencionado, son los rojos. Normalmente pongo rojo en zonas muy grandes, eligiendo dónde mezclar esos bordes y dónde dejarlos un poco más duros. Puede parecer que estoy agregando mucho rojo en este punto, pero a medida que vamos a capas nuestros colores, vas a notar que ese rojo se mezcla y especie de desaparece en los otros tonos. Al trabajar con nuestro azul, traté de mantenerlo un poco más cálido que nuestro fondo para que no se mezcle demasiado con ese fondo color verde Cascade. Como se puede ver en este ejemplo, estoy manteniendo las cosas relativamente sueltas y simplemente divirtiéndome poniendo en colores y valores. Eso es algo que realmente disfruto de hacer piezas como esta en mi cuaderno de bocetos es que no estoy súper preocupado por crear algo súper refinado o súper terminado. Simplemente puedo soltarme y divertirme, y realmente creo que es una buena idea equilibrar piezas como esta junto a las piezas terminadas más refinadas que puedes hacer en papel de acuarela real. Porque esto no es papel de algodón. Yo sí encontré en algunas instancias que mis colores estaban levantando y mezclando más de lo que harían en un papel de acuarela real. Este es sólo un papel de medios mixtos. Pero aterrizó en una experiencia realmente agradable, suelta, tipo de experiencia despreocupada que fue muy agradable. Mi plan era volver a entrar y agregar más a los tonos de piel, pero necesitaba tener un mejor juez de los valores generales antes de entrar y oscurecer las cosas en la cara. Así que decidí entrar y trabajar un poco en mi cabello. Saltar alrededor de tu pieza es una idea realmente genial para establecer valor y crear una pieza que sea más cohesiva en general. Una vez que tenía ese tono base para el cabello, entonces
podía volver a la piel y viceversa. Después de haber hecho eso, volví a la piel, luego hice más ajustes a los elementos acostados externos. Todo es cuestión de trabajar poco a poco en la pieza. Eres más que bienvenido para empezar con un ojo y seguir pintando hasta que ese ojo esté terminado. Me resulta mucho más fácil juzgar el aspecto general de la pieza y cómo va cuando esparzo las cosas y salto por ahí. También decidí entrar después de haber puesto en mi cabello valor y añadir un poco de morado a la cara. Siento que este color funciona muy bien como un color de sombra de luz. Esta pieza, me mantuve muy ligera en general y le di un poco más de una mirada brillante, etérea. El color de sombra que estoy colocando ahora en el cabello también tiene bastante morado en él. Esto ayuda a que se mezcle más con el morado en la piel. Se puede notar que he estado usando el mismo pincel durante casi la totalidad de la pieza. Realmente disfruto este pequeño pincel de plumilla. Es una talla uno, hecha de cabello natural. Se trata de un punto fino realmente bonito el cual me permite trabajar en áreas más pequeñas, pero también sostiene mucha agua y se puede presionar plana para cubrir áreas más grandes, así que me parece una opción muy versátil para cosas como esta. Mantuve mis elementos mintiendo exteriores como estas flores muy sueltos porque quería que la cara fuera el foco, así que esa era la zona donde más tiempo pasaba refinando el contraste y los detalles. Pasé poco menos de una hora en la totalidad de esta pieza y sentí como si fuera un buen ejercicio de calentamiento para que mis manos y mi mente pensaran en los colores, y los tonos de piel, y la composición. Ahora que hemos completado este primero, pasemos a un segundo ejemplo.
10. Proyecto de clase: ejemplo #2: Ahora que todos estamos calentados, es hora de pasar a nuestro segundo ejemplo. Para esta pieza, he usado mi mismo lápiz Prismacolor, [inaudible], pero esta vez en nuestro papel de acuarela 100 por ciento de algodón. Similar a nuestra última pieza, voy a estar empezando con mis rojos,
y como mencioné cuando repasamos los detalles para este color en particular, ya
estoy empezando a pensar en el valor. Capa sobre más color en las áreas que quiero ser un poco más oscuro y ablando y mezcla los bordes hacia fuera a las áreas que quiero mantenerme más claro, permitiendo que el blanco de la página muestre a través de más. Diré que había deseado haber seguido mis propios consejos en la fase de bocetos. Siento que la boca para este retrato en particular podría haberse colocado un poco más de precisión. Encuentro que el control del agua es esencial a la hora de poner colores, ya que me ayuda a saber cuándo ablandar mis bordes y
me permite aplicarlo efectos más sueltos y más fluidos a mis colores. Decidí que quería probar algo un poco diferente con éste. Entonces entré con una especie de efecto algodón de azúcar para el fondo, colocando en trozos de nuestro puro rojo, amarillo y azul en el fondo. Yo sí terminé cubriendo la mayor parte de este color arriba con nuestro verde cascada cuando agregué en el fondo, pero me encantó absolutamente el efecto que esto le dio a la pintura. Después de mis rojos, entré con el blues. Encuentro que es útil pensar en el azul es un
poco diferente que solo ser un color de sombra. Las usé para aplicar profundidad a la cara también. Tonelada abajo el calor del rojo, y de ahí más en la forma tridimensional de la cabeza, el cuello y los hombros. El estratificación es una de las herramientas más esenciales a la hora de utilizar esta técnica en particular. Pongo mi color amarillo encima de mi rojo en las zonas que quiero ser muy rico y cálido. Al colocar el amarillo encima de mis áreas azules, el color se desatura más y se inclina un poco más hacia un gris verdoso. Al igual que con nuestro último retrato, una vez que tuve algún color básico para la piel, me muevo y se me mueve a mi cabello. A mí me gusta agregar marcas gestonales sueltas que fluyen al tenderlas en forma del cabello. Encuentro que esto ayuda a reforzar el flujo general de la pieza una vez terminada. Ten en cuenta que cada color que estoy mezclando es todo de esta misma paleta, y aparte del fondo, no
usé mucho el verde cascada. Los colores que estás viendo se mezclaron de nuestro rojo, amarillo y azul. Introducir una tonelada de colores diferentes es realmente lo que
evita que las paletas de colores sean armoniosas en muchas instancias. Al mantener limitado mi paladar, estaba permitiendo que esos colores trabajaran juntos mucho más cohesionados. Si bien todos leen muy por separado, nuestros azules se ven azules, nuestros rojos se ven rojos, y nuestros tonos amarillos de carne leen como
deberían, no son tan diferentes unos de otros en saturación. A menudo disfruto agregando un toque de rojo dentro de los ojos de mis personajes. Casi hace que parezca que la figura ha estado llorando recientemente, lo que suena un poco triste, pero me encanta la intención emocional que agrega a la paz con un toque tan diminuto de color sutil. Al trabajar en un retrato, generalmente
encontré que las áreas que se ponen más oscuras son las pupilas, las fosas nasales, y las esquinas de la boca. Al enfocarse en una de estas áreas para ser la más oscura, para mí específicamente son los alumnos. Dibuja la mirada hacia esa zona cuando miras el retrato y permite que sea el foco de la pieza, haciéndote sentir como si realmente estuvieras haciendo contacto visual con el sujeto. Cada vez más pinceladas orgánicas sueltas en el curso de muchas capas transparentes agrega mucha forma tridimensional a la pieza. Normalmente me gusta contrastar la tridimensionalidad del rostro con un fondo más plano, difuso, más abstracto reforzando nuevamente el enfoque de la pieza. Una vez que había puesto mi cascada verde sobre el fondo, la mayoría de esos colores iniciales estaban tapados,
pero sí se mostraban a través en pedacitos diminutos. Tengo muchas ganas de experimentar más con este método en particular en el futuro. Con eso, ambos de nuestros ejemplos están completos. Muchas gracias por unirte a mí para esta clase. El apartado de proyectos de clase es un gran lugar para compartir tu arte no sólo conmigo, sino también con tus otros alumnos para que todos podamos trabajar para inspirarnos unos a otros. Espero que disfruten explorando las técnicas que hemos cubierto en esta clase, y no puedo esperar a ver qué crees. Pintura feliz.
Arleesha Yetzer, Watercolor Illustrator & YouTube Artist
