Película y flujo de trabajo híbrido: fotografía analógica en la era digital

1. Introducción: Hola a todos y bienvenidos. Mi nombre es Martin. Soy director de cine, guionista y fotógrafo de Berlín, Alemania. He estado obsesionado con las imágenes durante los últimos 20 años, desde que mi papá me dio esta, mi primera cámara réflex analógica. Mi pasión por la fotografía me ha llevado al cine. Me inspiró a trasladar países e ir a la escuela de cine y a la búsqueda de mis sueños. De muchas maneras. Realmente me ha abierto los ojos al mundo que me rodea. Y me ha convertido en una mejor persona, y me ha hecho la persona que soy hoy. En este curso. Trabajé por primera vez en la historia, comparto toda mi experiencia y know-how. Aprenderás de mis errores para que no tengas que repetirlos. Trataré de inspirarte para llevar tu fotografía cinematográfica al siguiente nivel. Mis enfoques para ofrecerte una visión general condensada pero completa para que realmente te pongas en marcha. Un montón de información por ahí. Y puede parecer bastante abrumador y desalentador incluso empezar en fotografía analógica, te ofreceré esta información empaquetada en cinco lecciones concisas, destacando diferentes pasos fuera de tomar, desarrollar, y presentar películas, imágenes. Por favor únete a mí en este viaje. Hay mucha información para pasar. Sin más preámbulos. Empecemos. 2. Por qué debes tomar fotos: Bienvenido a la lección uno. Aquí es donde te introducen algunos pensamientos y conceptos preliminares para que puedas navegar por el resto de las clases. ¿ Qué es la fotografía cinematográfica? Empecemos por el principio. En pocas palabras, es el proceso de captura de imágenes en película fotográfica recubierta con químicos sensibles a la luz dispersos por dentro y emulsión, que se asienta encima de la película. Estas filas, tiras y láminas de película a partir de entonces se desarrollaron en químicos líquidos específicos que producen fotografías negativas o positivas. Eso es todo. Y no ha cambiado fundamentalmente por, bueno, casi 100 años. En el pasado. Por supuesto, obviamente no hubo computadoras ni procesos digitales involucrados en esto en absoluto. Fue un flujo de trabajo puramente analógico. No obstante, con el advenimiento de la fotografía digital en los años 90 y las computadoras algo antes, todo esto cambió. Cuando rodan película hoy. Tienes una pierna en el pasado y otra en el presente siempre acelerado de la tecnología de imagen. Agregas una vez, participar en un patrimonio que te permita comprender realmente de dónde viene el medio y cuáles son sus fundamentos. Pero también estás algo obligado hoy en 2022 a traducir este patrimonio en contextos modernos y contemporáneos. Esto es lo que este curso está tratando de ayudarte a lograr. Esto realmente nos lleva al presente, el flujo de trabajo híbrido, si lo has llamado que no lo son. Lo más probable es que si rodes película hoy, estés participando en este proceso. Algunas personas simplemente no son del todo conscientes de ello, o están acostumbradas a ello, o ni siquiera realmente lo cuestionaron. Pero en cierta medida u otra, probablemente todos estamos utilizando ya un flujo de trabajo híbrido. En mi opinión, es mejor hacerse consciente de ello y hacerse cargo de ello. En pocas palabras, el flujo de trabajo híbrido solo significa la combinación de técnicas digitales y analógicas con el fin de obtener nuestras imágenes finales. Eso es todo. Realmente no es ciencia de cohetes hasta que empieces a entrar en los detalles de la misma. Por lo que veremos en este curso en las cuatro etapas distintas del flujo de trabajo híbrido. Son paso uno, exposición, paso al desarrollo o procesamiento. Paso tres, escaneo y paso para presentación. Puedes preguntarte, ¿por qué molestarte si solo puedo usar una cámara digital y ver mi resultado al instante? Puedo reaccionar a los errores que cometo. Sí, profundidades tipo de verdad. Pero muchos creativos todavía están absolutamente comprometidos con rodar película. ¿ Por qué es eso? En mi opinión, el reto de todo simplemente te convierte en un mejor fotógrafo. Te obliga a tomar decisiones informadas a lo largo del camino, con solo 36 tomas en un rollo de película estándar de 35 milímetros e incluso menos de formato medio. Querrá tomar cada exposición e imagen de manera cuidadosa y deliberada. Esto puede tener un efecto realmente beneficioso en tu resultado final. A diferencia del rodaje digital donde se pueden capturar cientos de imágenes y tener que ordenar a través de ellas más adelante. Pero también hay otras razones además prácticas por las que es posible que desee rodar fotografía cinematográfica. Y principal de ellos es la calidad estética del medio. El aspecto de la película, todos hemos oído hablar de ella. Ofrece algo que simplemente no puedes reproducir con una cámara digital. Ofreciendo excelente resaltado roll-off y latitud, textura natural y agradable y estructura de grano, así como excelentes, ricos, favorecedores tonos de piel que realmente ofrecen un antídoto de bienvenida a la agudeza extrema de lo digital. Imagina fotografiar una imagen del sol usando una cámara digital y una analógica. Estarías bastante asombrado. El film analógico es capaz de manejar este brillo extremo mucho mejor. Puede mostrar muchos tonos de blanco. Antes de entrar en un blanco puro. Un sensor digital se enganchará en un blanco tan puro mucho antes. Esto es algo apreciado por los creadores de imágenes de todo el mundo, particularmente también en el cine y en el cine. La cercanía de la fotografía analógica al cine es otra ventaja para nosotros los fotógrafos porque nos ofrece una entrada a un universo estético apreciado por los cineastas de Hollywood al estado. Incluso hoy en día, el mejor GPS del mundo, los mejores creadores de imágenes del mundo optan por rodar sus películas sobre el celuloide. ¿ Por qué no es sólo pura nostalgia? Sabes, estoy convencido de que no lo es. Es precisamente este look cinematográfico que acabamos de discutir, incluso hasta la década de 2000, empresas como Fuji y códec, estamos investigando y desarrollando sus acciones cinematográficas y mejorándolas constantemente con el fin de mantenerse al día con la fotografía digital. Eso significa que hoy tienes acceso a las mejores acciones de cine disponibles en la historia. Es súper emocionante en mi opinión. Y recuerda, el códec continúa produciendo cinematografía así como existencias de películas de imagen fija hasta el día de hoy. Yo diría que la fotografía analógica así como la cinematografía, están vivos y bien en 2022 y por una buena razón. Ahora, una última palabra sobre una idea algo romántica sobre fotografía cinematográfica que quizá hayas encontrado. A menudo se oye que las imágenes de película deben ser un poco borrosas, fuera de foco, imperfectas, llenas de suciedad, polvo y arañazos. Obtienes la foto. Bueno, sí, si ese es tu gusto, adelante y disfruta de ello. Creo que más poder para ti. Pero también realmente no hay vergüenza perseguir una especie de excelencia técnica con tu fotografía analógica. A menudo, los fotógrafos enfocados en tal excelencia técnica están un poco mal visto por supuestamente desmitificar el proceso creativo o ser demasiado analíticos. Sólo tienes que salir ahí y disparar. Bueno, claro. Pero en mi opinión, cuanto más sepas, más se puede apreciar la belleza y de alguna manera, más crece el misterio en realidad, el punto donde se puede decir, eso es todo. Sé que todo nunca va a llegar al final del día, la creatividad también implica artesanía, y espero mejorar la tuya en estas próximas lecciones. Con estos pensamientos preliminares fuera del camino, veamos las cuatro etapas del flujo de trabajo híbrido. Comenzando con la captura de tus imágenes. Vamos. 3. Exposición: Hola y bienvenidos a la etapa uno de la exposición de flujo de trabajo híbrido. Así suele ser como inicia una cámara analógica, una vieja cámara que te dan tus padres o abuelos, o la encontraste en el ático o en una visita al mercadillo. Esto así como un rollo de película, es todo lo que necesitarás para comenzar en la fotografía cinematográfica. Una vez que hayas cargado tu película en tu cámara, estás listo para tomar tus primeras fotos. En términos de fotografía cinematográfica, esto se llama hacer una exposición. ¿ Por qué esta terminología? Bueno, de hecho estás exponiendo a la luz los químicos dentro de la película. Esta exposición conduce a una llamada imagen latente. Imagen latente. Es como un huevo que tiene que ser criado antes de que pueda eclosionar. En nuestro caso, las imágenes latentes capturadas en el rollo de película tienen que desarrollarse antes de que puedas obtener tus negativos. Y al igual que un huevo, imágenes latentes en el cine son realmente frágiles. Porque el cine no solo es sensible a la luz sino también a otras influencias físicas. Entre ellos se encuentran el calor, la radiación y la humedad. Esto explica por qué la película a menudo se almacena en refrigeradores o incluso congeladores para asegurar la menor degradación por el calor y la luz como sea posible. Ahora, hablemos apropiadamente sobre la captura de fotografías. Más específicamente al discutir un concepto crucial es posible que haya oído hablar de él antes. Es el temido triángulo de exposición. El triángulo de exposición es un modelo simple de cómo tres valores principales determinan la cantidad de luz que llega a la película o al sensor digital. La combinación de estos valores arrojará una exposición esperanzadamente correcta. El triángulo se aplica a toda la fotografía y filmación a la misma consta de tres puntos interrelacionados. Primero, la apertura o f-stop de tu lente. Segundo, el ISO, o sensibilidad de tu película o sensor. Y tres, la velocidad de obturación. Como dije, este concepto es válido para todas las formas de fotografía y cinematografía. Así que una vez que lo hayas agarrado, es una herramienta extremadamente poderosa porque en principio podrás usar cualquier cámara por ahí. Solo ten en cuenta que es a la vez engañosamente simple y, sin embargo, profundamente complejo. Me tomó muchos, muchos años en comprenderlo plenamente y también sus efectos e implicaciones en mis imágenes. No obstante, le voy a dar una oportunidad. Trataré de describirlo en los términos más simples que pueda pensar. Aquí va, la abertura describe el tamaño, el tamaño físico de la abertura de la lente, y cuánta luz es capaz de pasar a través de ella. Una gran apertura permite pasar mucho vuelo. Una abertura más pequeña deja pasar menos luz. Iso describe la sensibilidad a la luz de tus películas. La emoción y la velocidad de obturación finalmente describen la duración de la exposición. Eso es todo. Aquí hay algunas buenas noticias en fotografía analógica. La elección de la película se realiza de antemano una vez que cargues tu cámara. Por lo tanto, en realidad sólo es necesario considerar los otros dos valores. Una vez que estás ahí fuera disparando. Hemos hablado de obtener una exposición correcta usando estas variables. Pero, ¿cómo lo sabrías? ¿ Cómo sabrías una exposición correcta y qué valores marcar? Bueno, eso es un arte y una ciencia. Y es el punto en el que algo como esto resulta útil. Este es un medidor de luz. Ahora, hay diferentes tipos de batidores nocturnos. Hay medidores de luz reflectantes o medidores de luz incidente como éste. Ambos te ayudan a determinar la exposición correcta de tu imagen. Medidores de luz incidentes como éste, mide la luz que cae sobre este semicírculo aquí llamado esfera lumen. Mide toda la luz golpeando los puntos en la superficie. Tiene una forma tan semi esférica para parecerse a la forma típica de la cabeza humana, razón por la cual estos son realmente populares en la fotografía de retratos. Puedes medir la luz en cualquier punto físico o ubicación, pero siempre debes apuntar el hemisferio hacia tu cámara ya que es de donde estarás sacando la imagen. Pero como dije, la belleza de tales dispositivos que se pueden medir. Diferentes manchas, diferentes partes de una habitación, por ejemplo, y obtienen la exposición correcta para el brillo en esa ubicación física. Nuevamente, recuerda apuntar la esfera loria hacia tu cámara. Ahora, muchas cámaras analógicas, como ésta, contienen sus propios medidores de luz. Estos son sistemas de medidores de luz reflectantes. Miden la luz que rebota fuera de los objetos que estás fotografiando. En lugar de, como es el caso de un medidor de luz incidente, midiendo la luz que cae sobre él en el lugar. Las aplicaciones de medidor de luz para smartphones también usan el método reflectante. Ahora, ambos tipos de medidores de luz tienen sus ventajas y desventajas, pero también tienen algo en común. Y eso es que miden por el gris medio. Ahora, puede que haya oído hablar de esto, pero ¿cuál es el **** gris medio? Bueno, esto significa que los medidores de luz, tanto incidentes como reflectantes, siempre miden una exposición que es correcta para tono gris que refleja 18% del espectro visible de luz. ¿ Por qué 18%? Bueno, esto se debe a la ciencia. 18% de la reflexión en este caso significa exactamente a medio camino entre las partes más oscuras y las más brillantes de una imagen es sólo para ver con nuestra percepción visual humana. De ahí el término gris medio. Significa el punto medio entre el negro puro y el blanco puro. La idea detrás de esto es que si puedes determinar correctamente la exposición para un tono tan grande, las otras áreas de tu fotografía de brillo y oscuridad también caerán en el lugar correcto. Ahora es gris medio. ¿ Qué pasa con la fotografía en color? Bueno, en color, hay tonos de colores que puedes igualar a grado medio. Por ejemplo, el color azul profundo. El cielo está muy cerca y luminancia y en calidad reflectante a gris medio. Este es también un tono de color a medio camino entre el negro puro y el blanco puro. Por lo que incluso en la fotografía a color, se aplica el gris medio. Y estos medidores deslizantes, por supuesto, capaces de medir la luz tanto para la fotografía en blanco como en negro y en color. Suena complicado. Bueno, es algo así. Pero vamos a darle un ejemplo. Esta imagen que estás viendo ahora mismo, es una imagen digital. Pero en aras de la explicación, es útil. Déjame mostrarte lo que mi medidor de luz indica cuando lo sostengo aquí cerca de mi rostro. Por lo que ya he marcado previamente en mi ISO, que es 800, que es el Canon R5, ISO y LAG-3. A continuación, he repartido en mis 25 cuadros por segundo y mi velocidad de obturación, que corresponde de un 50 de segundo. Ahora, el medidor de luz indica una apertura de f cuatro o f 3.5, dependiendo donde señalé. Entonces sabré que en este punto, nuestro gris medio estaría expuesto correctamente en estos ajustes de F4, ISO 850th de segundo. No obstante, en este caso, en realidad quiero exponer correctamente para mi tipo de piel. Y así mi color de piel, que es bastante brillante, es más brillante que el gris medio. Por lo que tomaré esta exposición de F4 y lo haré aquí de nuevo, tenemos las cuatro confirmación frente a mi rostro. Y en lugar de usar un cuatro, usaré exactamente una parada más de luz para correcta exposición de mi tono de piel porque es más brillante que el gris medio. He expuesto esta imagen en ISO 850th de segundo, Veinticinco cuadros por segundo a F 2.8. Y esto me da la exposición que estás viendo en este momento. Un poco de conjeturas en mi sitio, agregando una parada de luz. Pero espero que esto les ilustre el concepto de medición gris medio. No obstante, si no puedes chapotear el efectivo extra por un medidor de luz así, hay un pequeño truco que puedo compartir contigo. Podrías usar unos medidores de luz reflectantes como el de esta cámara o incluso una aplicación para smartphone, y simplemente apuntar directamente a tu piel. Así, ¿qué pasaría? Ahora todo el marco está lleno de tu piel. La cámara solo llega a medir la luz reflejada desde tu piel. En este caso. Con este método, puedes engañar y engañar al sistema y molestar obtener una medición precisa del tono de piel. De nuevo, la cámara también medirá para el gris medio. Si tuviera que señalar esto exactamente a mi cara, tendría una medida de gris medio para esta parte de la imagen. Entonces simplemente tendría que añadir una parada de luz porque quiero que sea más brillante que el gris medio para mi piel. Por último, veamos una recomendación general que a veces se lee en Internet. Esta es la idea de que siempre debes sobreexponer tus imágenes cinematográficas como práctica estándar por tanto como por dos paradas. Bueno, te puedo decir que esto realmente no coincide con mi experiencia. Si bien algunas películas pueden beneficiarse de la sobreexposición, no recomendaría esto sin antes esperar experimentar un poco y hacer sus propias pruebas. Estaré haciendo un curso detallado en el futuro sobre familias cinematográficas específicas y cómo responden a la sobreexposición y la subexposición. Entonces mantente atento para eso. Por supuesto, la actuación cinematográfica también siempre depende en gran medida del desarrollo. Esto nos lleva a nuestra siguiente lección, cría, eclosión, nuestras imágenes latentes. Vayamos. 4. Desarrollo: Bienvenido al paso dos del flujo de trabajo híbrido, desarrollando tus imágenes cinematográficas. En primer lugar, un pequeño descargo de responsabilidad. Actualmente no estoy desarrollando mi propia película en casa. Y mi intención aquí no es darte las recetas exactas, desarrollando tiempos y así sucesivamente. Mi objetivo es más bien darles una visión general de lo que más importa en el desarrollo. Pero obviamente hay mucha información por ahí si quieres quedarte atascado con el autodesarrollo en casa. No obstante, la forma más convencional sigue dándote exponer películas a un laboratorio para llevar a cabo este paso por ti. La técnica de desarrollo utilizada depende de tu película específica. Existen diferentes procesos que requieren diferentes pasos y también diferentes químicos. procesos más comunes Losprocesos más comunesson los que tengo aquí conmigo en la mesa de luz. Son primero el procesamiento negativo de color C41. Probablemente hayas visto tal tira de películas antes. Son una especie de naranja. Sí. has visto antes porque la mayoría de las fotos de nuestra infancia fueron tomadas en este tipo de películas. Es un verdadero clásico. A continuación, tenemos blanco y negro. Como se puede ver, las tiras de película son una especie de púrpura, de color grisáceo. Estas son verdaderas películas monocromáticas. Aquí, hay una gran variedad de diferentes productos químicos en desarrollo que puedes usar. Pueden diluirse o concentrarse para alterar el contraste final y también el grano de tus imágenes. Es bastante increíble porque la misma película exacta puede tener una apariencia totalmente diferente dependiendo de qué desarrollador en blanco y negro se utilizó, su riqueza vale la pena explorar el ancho. Y si te desarrollas con un laboratorio, te recomendaría que les preguntes qué desarrollador usan. A continuación, tenemos películas E6, o también conocidas como película DR. Positive. Como se puede ver aquí. La tira de película ya contiene toda la información de color. Por eso es positivo. No necesita ser invertido ni proceso de color en absoluto. Es una gran opción para los fotógrafos de OCD, pero también es notoriamente difícil de exponer. Es aún más complicado y más costoso escanear bien, y tiene mucho menos rango dinámico que luego color negativo y película en blanco y negro. También hay un proceso llamado procesamiento cruzado o X Pro. Esto es cuando los productos químicos utilizados para película negativa de color C41 se utilizan para desarrollar queridos positivos, o viceversa. Químicos para E6 utilizados para desarrollar imágenes C41. Esto da un aspecto muy único y experimental con colores muy sesgados. Si ese es tu gusto, tienes que averiguarlo por ti mismo. Por último, también hay un proceso llamado ECN al desarrollo, que se ha vuelto bastante popular recientemente. Es sinónimo de procesamiento negativo de color Eastman. Y viene del mundo de la cinematografía. Es realmente similar al C41, pero contiene algunos pasos adicionales, por lo que también no todos los laboratorios pueden simplemente desarrollar ECN dos si desarrollan C41. Por lo que tendrías que revisar estos pasos adicionales involucrados. Por ejemplo, un pre baño que elimina la capa negra de chorro de ram en la película. La capa de chorro de ram en ECN dos películas es una capa en la parte posterior de las películas emoción que reduce las relaciones de reflejos y también la acumulación de existencias estáticas de cine cinematográfico. Estas dos películas ECN ofrecen un contraste ligeramente más plano porque están pensadas para la gradación de color. Y también grano final entonces C41. Y también vienen Color Equilibrado para luces artificiales de tungsteno, lo cual es realmente útil. Para ser honesto, definitivamente debes darle una oportunidad a esto. Ahora, el proceso de desarrollo real consiste en diversas etapas diferentes. Tiene que llevarse a cabo en total oscuridad. Se puede hacer ya sea a mano o por máquinas grandes que realizan los pasos de forma automática. El agua, así como las temperaturas químicas tienen que mantenerse estables y constantes durante todo el proceso para lograr los mejores resultados. Los químicos también deben ser frescos para lograr realmente excelentes imágenes con ellos. Desafortunadamente, estos químicos van mal con bastante rapidez. Entonces el proceso puede parecer sencillo, pero en realidad implica bastante dominio para sacar de ella una imagen realmente, realmente bien desarrollada. Ahora, como se puede ver en mi mesa de luz, no sólo son diferentes tipos de película que requieren diferentes técnicas de desarrollo, sino también diferentes formatos de película. Hemos hablado inicialmente de película de 35 milímetros, que está arriba en la esquina derecha, que en realidad es de 36 por 24 milímetros, con una relación de aspecto de tres por dos. Pero también hay formatos más grandes, entre ellos el principal, el formato medio. Todos estos otros tipos de negativos y positivos. Puedes ver aquí nuestro formato medio. Las películas de formato medio se conocen como 120. Los formatos medios comunes están aquí justo frente a ti. Hay seis por 4.5 centímetros abajo en la esquina derecha con una relación de aspecto de cuatro por tres. Hay seis por seis, que es una relación de aspecto cuadrada de uno a uno. Hay seis o siete en la esquina superior izquierda con una relación de aspecto de aproximadamente cuatro por cinco, o uno a 1.2. Ahora también hay seis por 86 por nueve cámaras por ahí, pero son un poco menos comunes. Para todas estas cámaras de formato medio, puedes cargar las mismas 120 películas. La única diferencia será cuántas exposiciones obtienes del solo gol. ¿ Por qué es esto? Bueno, es porque un lado de la lente de imagen siempre sigue siendo el mismo. Seis centímetros. Eche un vistazo. Si los apilo uno encima del otro, se puede ver que las películas de formato medio todas tienen el mismo ancho de seis centímetros. Por eso se pueden cargar 120 películas en una variedad de diferentes cámaras de formato medio. Ahora, estos seis centímetros están en realidad algo más cerca de 56 milímetros de ancho real. Una vez que restas la frontera y llegas al área exacta de la imagen está más cerca de 56 milímetros, pero ese es el tipo de tecnicismo. Y depende un poco de tu cámara particular. Cualquier formato que sea mayor que formato medio se conoce como películas de gran formato. Estas son en realidad hojas de película individuales y van desde alrededor de diez por 13 centímetros hasta 20 por 25 centímetros de tamaño. Más o menos del tamaño de toda esta mesa de luz que ves frente a ti. Son enormes. Cualquier cosa aún más grande que eso se considera de formato ultra grande. Para desarrollar estas imágenes de formato medio y grande, se necesitan tanques y contenedores más para albergar las piezas de película de mayor tamaño. Es por eso que el desarrollo para formato medio y gran formato tiene que realizarse con diferentes equipos a desarrollo de 35 milímetros. Hemos hablado en nuestra lección anterior sobre exponer la película correctamente. Veamos un poco más de cerca una tira de película y cómo el desarrollo y la exposición van de la mano. He seleccionado tres negativos para ustedes aquí para ilustrar esto. Uno está expuesto correctamente, uno está subexpuesto, y uno quizás esté ligeramente sobreexpuesto. ¿ Puedes adivinar cuál es cuál? Bueno, déjame ayudarte. Se puede suponer que el más oscuro aquí es de hecho el subexpuesto. Pero este no es el caso. De hecho, la imagen más oscura aquí, la negativa más oscura, ha sido expuesta a la más luz. Es por eso que aparecería como el más brillante una vez que se invierte digitalmente o se imprime, inversión significa que la oscuridad se vuelve brillante y brillante se vuelve oscura. Si tienes esto en cuenta, podrás juzgar la exposición de un negativo simplemente mirándolo en una mesa ligera. recomiendo que te consigas uno de estos, un aparato de aumento para que también puedas juzgar la nitidez y los finos detalles de tu negativo. Déjame mostrarte esta tira negativa un poco más cerca de la cámara. Puedes hacerte una idea de cómo se ve de cerca. Para que como se puede ver, la imagen más brillante, que es la subexpuesta, es bastante transparente y deja pasar mucha luz. El más oscuro, que es el más expuesto. Enviemos menos luz. Todavía se puede ver mi silueta de los dedos obviamente, pero es notablemente diferente. Y el que está en el medio es una especie de punto medio entre ellos. Entonces aquí de nuevo, tienes subexposición, ¿correcto? Exposición y sobreexposición de diapositivas. Solo tenga en cuenta que filmamos, es bastante difícil realmente sobreexpuesta, exponerlo. Incluso este negativo está perfectamente bien y se puede imprimir o escanear. Bueno, el oscuro bien, eso es un poco diferente. La subexposición no es el mejor amigo de tu película. Y en realidad se puede ver que la película basada en el borde y la imagen son difíciles de distinguir unos de otros. Y eso es una pista para ti de que hay alguna subexposición grave pasando aquí. Observe cómo la imagen correctamente expuesta en el medio tiene una especie de dispersión uniforme entre áreas oscuras y brillantes y una clara separación entre la imagen real y la película basada alrededor del borde. A diferencia de éste. Recuerde que el borde y la base de la película no han sido expuestos a ninguna luz en absoluto. Por lo que esta zona por aquí fuera está clara y cuando se invierte, se mostrará como negro puro. En nuestra última discusión de medidores de luz y exposición, el triángulo de exposición, he mencionado que un análogo, es un poco más simple porque la velocidad de la película se elige de antemano, y de ahí sólo tenemos dos valores por los que preocuparnos. Si bien esto realmente simplifica el proceso, también puede ser una desventaja. Y eso es si la situación de la luz cambia repentinamente o ya no coincide con lo que anticipaste. En tal situación, tienes cargada la película equivocada, pero tendrás una salida. A esto se le llama empujar o tirar de su película. Lo que esto significa es que estás exponiendo la película en una ISO diferente. Entonces en realidad se califica en. Y luego en desarrollo, lo desarrollas ya sea más largo o más corto. Para compensar esta exposición incorrecta. Digamos que has escogido una película ISO 100 porque pensaste que el sol estaría fuera, llegas a la escena y ahora en cambio, está realmente nublado y comienza a llover. Pero aún quieres tomar fotografías. Ahora puedes establecer tu calificación ISO en tu medidor de luz o tu cámara a ISO 400 y masticar. Y si lo has hecho, bueno, la diferencia entre ciento cuatrocientos es dos paradas de luz. Ahora efectivamente has subexpuesto tu película por dos paradas. Cuando lo dejes en el laboratorio. Ya sabes, pídales que empujan la película. Dos paradas en desarrollo para compensar esta subexposición, simplemente significa en realidad que la película se deja dentro de los productos químicos en desarrollo por más tiempo. Y así compensa la falta de exposición que había ahí. Tienes, de nuevo, en la práctica subexpuesta al cine y ya estás más de desarrollarla para compensarla. Voila. Seguirás teniendo imágenes correctamente expuestas utilizables. Tirar de él es el mismo concepto, pero viceversa con sobreexposición durante la captura y el subdesarrollo posterior. Ahora, he dicho que tendrán resultados utilizables y perfectamente expuestos. Es cierto, pero hay algunas salvedades. Sólo ten cuidado. Empujar aumenta el verde y puede causar, desafortunadamente, cambios de color. Mientras que tirar reduce el contraste. Generalmente, la película en blanco y negro empuja y tira mejor porque no hay colores que se puedan sesgar. Por lo que la única penalización es un aumento en el grano o una disminución en el contraste. Ahora, vamos a envolver esta lección con mis tres principales recomendaciones para la etapa de desarrollo. En primer lugar, ir por calidad sobre precio. hora de elegir un laboratorio. Su laboratorio debe poder entregar rasguños y mantenerse libre de dolor. Los negativos adecuadamente desarrollados consistentemente. Película, Es como cualquier cosa. Obtienes lo que pagaste. No solo optes por la opción más barata. laboratorios comerciales más grandes solo pueden ofrecer precios baratos porque desarrollaron zooms en lotes enormes con un enfoque uno se adapta a todos. Ahora esto tal vez esté bien para ciertas imágenes. Pero para los críticos, realmente quieres los mejores resultados. Estos laboratorios utilizarán también los mismos productos químicos en desarrollo y tiempos. Independientemente de su emulsión cinematográfica particular, simplemente no obtendrá el mejor rendimiento de las existencias de películas increíblemente de alta tecnología que existen por ahí utilizando tales técnicas. Entonces una imagen mal procesada es un poco de vergüenza. Mi segundo consejo es probar tantas películas y técnicas como desee y pueda, pero luchar por la consistencia en el camino. Quiero decir, todas las opciones por ahí son súper emocionantes y he estado ahí, lo he probado todo. Pero probablemente vendrán un momento en el que querrás agilizar y enfocar tu enfoque estético para dominarlo verdaderamente. A veces deseo cuando miro hacia atrás a las imágenes que tomé hace diez años que las he llevado simplemente en el mismo stock cinematográfico tener cierta consistencia en mi trabajo. Mi consejo es conocer un stock en particular, invertir en ella, conocerlo íntimamente y cosecharás los beneficios. Mi tercer consejo, mi último es simple. Desarrolla tu película rápidamente después de rodarla, escanearla o hacerla escaneada inmediatamente después del desarrollo, y luego guárdela correctamente. Esto significa en un ambiente fresco, seco, oscuro que está libre de polvo porque simplemente nunca se sabe. Algunos de esos negativos pueden resultar extremadamente valiosos para usted en el futuro, ya sea por razones monetarias, comerciales o personales. Así que trátelos bien. Ahora, pasemos a la siguiente etapa en laque la siguiente etapa en la realmente entra en vigor el flujo de trabajo híbrido. Y eso es escanear. 5. Escanea: Veamos el tema de escanear tus imágenes cinematográficas. Esta es una etapa crucial en el flujo de trabajo híbrido, el escaneo o digitalización de sus negativos y positivos. Este es el momento en que el objeto físico que has creado, como esta tira de película, estos positivos se traducen en unos y ceros en píxeles en una pantalla. Existen tres métodos principales para escanear tu película. Ahí está su escáner de cama plana tradicional, que contiene una fuente de luz y un pequeño sensor que corre a través del área de escaneo. Leyendo los valores de brillo y color del objeto que está escaneando y convirtiéndolo en píxeles. A continuación, son escáneres de tambor profesionales, que utilizan una técnica similar, pero con mucha, mucho más sofisticación. Estos fueron creados específicamente para digitalizar imágenes cinematográficas. Todavía están alrededor, pero son caros, difíciles de mantener, y hoy en día mal soportados en el lado del software. Pero sobre todo para la fotografía de formato medio y grande, siguen representando el estándar de oro absoluto del escaneo. Por último, una tendencia más reciente, y esa es la llegada de las cámaras digitales cada vez más resolutivas. Y usándolas para fotografiar eficazmente tus negativos. Este método implica también una fuente de luz, como la simple mesa de luz aquí, así como una cámara digital de alta resolución y una lente macro. Básicamente fotografiarás estas tiras de película o fuente superior o de luz usando una lente macro. Eso es realmente todo lo que hay. Suena simple, pero en la práctica, es bastante complicado de hacer. En mi opinión, sin embargo, este método es probablemente la opción más factible para 90% de los fotógrafos por ahí que ya pueden tener una cámara digital. También se acerca extremadamente a los resultados obtenibles con un escáner de tambor, particularmente para la nitidez y particularmente para 35 milímetros. Esta técnica es súper emocionante y por eso lo discutiremos con más detalle en esta lección. Y también te mostraré algunos ejemplos de convertir realmente esas imágenes en Lightroom o Photoshop. Porque la foto que tomes simplemente será una foto de lo negativo. Por lo que aún necesita ser invertida. Como quinto desarrollo puede ser tentador dejar que el laboratorio escanee su película. Sí, claro por qué no. Pero al igual que con el desarrollo, también hay algunas salvedades. Por lo que puedo decir. También son de nuevo, tres inconvenientes para el escaneo de laboratorio que se puede evitar con una configuración en casa. En primer lugar, un laboratorio generalmente no escanea tu negativo completo. Los escaneos que recibes se recortan en gran medida para que a veces solo veas alrededor del 90 al noventa y cinco por ciento de la imagen real. No se ve la frontera de la película. Por ejemplo. La belleza del cine es que incluso se puede ver la emulsión respondiendo a la luz. Y este efecto es particularmente evidente en el borde del marco negativo. Echa un vistazo aquí. En la esquina de la imagen, se ve una clara demarcación a la base cinematográfica. Esta es una de las bellezas de la fotografía analógica y sólo un escaneo negativo completo puede mostrarte esto. Y esta es también la razón por la cual el escaneo negativo completo se ha convertido en una tendencia enorme. Se puede apreciar el borde negro que corre alrededor de su marco. Y también puedes leer, dependiendo de qué tan grande captes el tipo de película, el fabricante, y el descuento de tu stock de película. Incluso puedes llegar tan lejos como incorporar los orificios de piñón que se utilizan para sostener la película en su lugar dentro de tu cámara, que son estos agujeros aquí, estas perforaciones. Y también escanearlos, digitalizarlos también. Eso se ve increíble y se ha convertido en una tendencia real mostrar la verdadera herencia como analógica de tus fotografías. Esto no obtendrá de un laboratorio o al menos no de un laboratorio comercial regular. El segundo motivo para evitar escaneos de laboratorio es realmente su falta de resolución. Normalmente recibirás una mala representación de tu película y también de tus lentes de nitidez real. En virtud de solo recibir un escaneo por lotes de baja calidad. A menudo será un JPEG fuertemente comprimido. Incluso puedes pensar que la película o la lente que has usado no es particularmente afilada, o que el grano es blandito y manchado. Pero hay que considerar que esto puede ser simplemente por falta de calidad en el escaneo. Una buena configuración de digitalización digitalizada de lente macro o un escaneo de tambor puede mostrarle la textura fina exacta y superficie característica de sus existencias de película en particular. El análogo verde es bien capaz de resolver. Incluso encontrar texturas y estructuras como pelos individuales. Solo tienes que usar el stock cinematográfico adecuado y el desarrollo correcto. La última razón para evitar las exploraciones de laboratorio también es realmente importante. Y es que la interpretación de tu negativo en la conversión implica tomar decisiones estéticas. Opciones sobre contraste, opciones en color, temperatura y saturación. Entonces quien haga el escaneo decide el aspecto final de tu imagen, si eres realmente serio con tu fotografía, es probable que quieras tener una palabra en este proceso. Ya sabes, eso es algo obvio, ¿verdad? A menos que encuentres un laboratorio que te ofrezca algo con lo que estás perfectamente contento, eso también está bien. Pero solo recuerda, un negativo siempre tiene que ser invertido. No hay escapatoria de estas opciones creativas. A menos que rodes película positiva. Este es el ducto de inversión ahora vamos a mirar a detalle. Saltemos a mi computadora y comencemos. Muy bien, te mostraré tres métodos para convertir una inversión de tus escaneos DSLR. Empecemos con lo más común, que involucra un plugin llamado negativo lab Pro. Tal vez ya has oído hablar de ello antes. Es un complemento simple para Lightroom, que le permite convertir por lotes mayores cantidades de escaneos. Y lo hace tanto en blanco como en negro como en color, lo cual es realmente útil. Negative flat Pro se ha vuelto muy popular porque de nuevo, simplemente simplifica el proceso y consigue los colores bastante bien. La mayoría de las veces. Ya hemos importado nuestra película y saltaremos aquí a la pestaña de desarrollo a la primera imagen. El primer paso que siempre doy es el balance de blancos fuera de la frontera. ¿ Por qué? Porque tal vez se puede ver toda la imagen tiene un ligero tinte púrpura, azul a la misma. Ahora después del equilibrio blanco ese tinte se ha ido. Y sincronizaré todas las imágenes para que todas tengan una apariencia más neutral. Obviamente, el plugin sabrá que estamos trabajando en una imagen en blanco y negro. Hará eso también de forma automática y se dará cuenta de que la información del color se puede descartar. Por lo que aquí se pueden ver mis fuentes, una cámara digital. El modelo de columna es blanco y negro, lo que de nuevo significa que el programa restar toda la información de color. Pre saturación, dejo un tampón fronterizo predeterminado es del cinco por ciento, que es esta frontera de película que recorre. Y el búfer del cinco por ciento significa que el programa no lo toma en cuenta al calcular la conversión. Por lo que ahora esto tomaría un segundo, y les hablaré cuando este paso esté terminado. Muy bien, así que aquí estamos. Todos nuestros negativos fueron convertidos ahora por negativo lab pro en un lote. Ahora tienes un montón de opciones aquí con las que puedes jugar, lo que afectará el aspecto de tu conversión. Esto es más relevante y más juguetón una vez que haces color. Pero en general, sabes esos resultados iniciales que ves aquí son bastante decentes. También puedes establecer el afilado aquí abajo, que tiene algunos presets incorporados. También hay algunos ajustes avanzados para el comportamiento del programa, la gestión de archivos y así sucesivamente. Pero en aras de la demostración, esto es realmente todo lo que hay. Ahora tenemos una película totalmente convertida y todas las imágenes se ven bien. Como se puede ver. Esto es un poco brillante, esto es un poco oscuro. Eso depende de la exposición, del estado inicial de lo negativo. Pero el programa, sí, realmente no es un trabajo decente de darte una conversión por lotes. Y la calidad también es grande. Como se puede ver aquí. Del escaneo DSLR. Tenemos una cantidad decente de nitidez. Podemos ver el grano. Estos son incluso solo escaneos de 21 megapíxeles, por lo que se hacen con un 5D Mark tres, si recuerdo, mis habituales cámaras de escaneo o cinco TSR, que tiene más megapíxeles. Pero este es el primer método de conversión por lotes convirtiendo tus imágenes. Lo uso con frecuencia y puedo recomendar el plug-in seguro. Nuevamente, tienes muchas opciones. Si quieres volver a subir el retoque, acabas de pulsar Control N una vez más. Y ahí tienes tu ventana para editar. Ahora, no todo el mundo tiene Lightroom y no todo el mundo tiene lóbulo negativo Pro, sobre todo porque cuesta algo. Pero la conversión en blanco y negro también se puede hacer en cualquier otro programa de edición de imágenes, realmente en Mac, tenemos el programa nativo llamado preview o cuatro shell en alemán. Y si abro el archivo raw, se abre correctamente. Ahora por supuesto, estaría bien si simplemente pudiera simplemente invertir todo el asunto con un solo clic. Pero en vista previa, esto no es posible. No obstante, tenemos las herramientas. El panel de corrección de color aquí. Ahora lo primero que tenemos que hacer es que necesitamos eliminar toda la información de color. De lo contrario, nuestra conversión tendrá un tinte. Y lo hago simplemente sacando toda la saturación. Se puede ver el programa me pidió ahora que haga duplicados como tiff porque es un archivo RAW de Canon. Yo lo haré. Ahora tengo un duplicado. Se puede ver que este paso hace más o menos lo mismo que el equilibrio blanco fuera de la frontera en caso de laboratorio negativo Pro. Ahora, hemos quitado el tinte de color de esto, y ahora tenemos que invertir. ¿ Cómo lo harías? Bueno, es un poco raro y contra-intuitivo, pero hay que invertir aquí estos deslizadores. Por lo que tomaré el deslizador resaltado, lo llevaré todo el camino a la parte más oscura, y llevo la oscuridad y me deslice a los más brillantes. Ahora se puede ver obviamente esto no se ve bien, pero es un positivo. Ahora hemos invertido con éxito. Si ahora pongo esto más en línea con la información que en realidad está ahí, es decir, retoco los tonos medios y derribo el comportamiento resaltado y así sucesivamente. Nos acercamos a una, diría yo, especie de inversión positiva utilizable. Ahora, obviamente esto no se ve tan grande como el negativo piso Pro, pero es una forma alternativa lo suficientemente decente. Y es gratis. Blanco y negro y versión realmente se puede hacer con casi cualquier programa. Y hay algo de latitud aquí para que yo juegue con traer estos deslizadores en línea el uno con el otro. Los aspectos más destacados están causando un poco de un tema aquí. Pero aún así, creo que se puede entender que si derribo la exposición aquí, está empezando a verse bien. Una vez más, si no tienes acceso a programas profesionales o no quiero gastar dinero en un plugin. Sí tienes la opción de hacer una inversión con tu software estándar de edición de imágenes. Esto funciona especialmente bien con blanco y negro. No obstante, el color es un poco de una bestia diferente. Y por eso te mostraré una conversión manual de color usando Photoshop. Ahora, si dejo caer este archivo RAW de Canon en mi Photoshop, primero traerá The Camera Raw, plugin de cámara Raw. Ahora primero traeré la imagen a la alineación correcta, porque en este punto es hecho invertida horizontalmente. Así que vamos a duplicar la imagen. Y ahí estamos. Esto ahora es correcto. Sigo haciendo todos estos pasos en Camera Raw, por cierto, porque Camera Raw tiene acceso a la información completa presente en ese archivo. No quiero perder nada en absoluto, por lo que incluso voy a hacer algún afilado aquí en Camera Raw en lugar de hacerlo una vez que el archivo esté realmente abierto. Para que como se puede ver, acabo de voltear horizontalmente espejado la imagen para ser correcta. Ahora voy a repetir todavía el paso aquí. Quitando el recogedor de balance blancos de la balanceo blanco fuera del borde de la película. Verás en un segundo ¿por qué? En primer lugar, tenga en cuenta cómo naranja se ve esta imagen. Y ese es simplemente el color de la tira negativa como has visto en las otras lecciones, esa máscara naranja necesita ser removida para que obtengamos colores correctos una vez que invertimos. Y quitar esta máscara naranja nuevamente funciona por el equilibrio blanco fuera del borde de la película. Se puede ver de inmediato que es más neutral. Ahora hemos quitado ese elenco naranja extremo y ahora tenemos una especie de imagen negativa funky, de aspecto extraño. Pero una vez que lo invertimos, se verá ya bastante bien. siguiente paso que hago es entrar en el panel de nitidez de detalle y por lo general rampa esto hasta 60 a 80. Vamos con 80 para que el efecto sea un poco más pronunciado. Depende también un poco de tu película. No entraremos en todos los ajustes de detalles finos aquí. Pero estos pasos son esenciales. Equilibramiento blanco fuera de la frontera, agregando un poco de afilado. Por último, podrías hacer una corrección automática para tu lente. Aquí en este caso fue una lente macro Canon EF 100 milímetros. Entonces, ¿por qué no? Corregiremos ligeramente. Se puede ver que elimina un poco de viñeteado y un poco de distorsión. Por lo que usualmente hago eso también. Ahora estamos listos para abrir la imagen en Photoshop y empezar a trabajar en los colores. Y por cierto, como se puede ver, este no es escaneo de 48 megapíxeles con los cinco TSR. Esta es la calidad completa. Abrimos. Ahora estamos dentro de Photoshop. Ahora hay un simple primer paso, y ese es el comando. Y ordeno que puedas usar. Comando i significa invertir. Boom, hemos invertido. Ahora tenemos una imagen positiva. Como se puede ver, ya parece una especie de realidad en escamas, pero tiene un elenco azul sobre ella, tal vez un elenco verde. Los colores no son del todo correctos. Pero ya tenemos una imagen positiva que parece realidad. Pero claro que queremos hacerlo bien. Ahora. No estoy afirmando que mi flujo de trabajo sea perfeccionar uno, pero quería mostrarte cómo lo hago. Trabajo con entrar en el comando L, tono ese coleccionista y alemán, que es la corrección de gradación, que abre este panel. Y puedes editar los tres canales de color al mismo tiempo, rojo, verde y azul a la vez. O puedes editarlas por separado. Vamos a entrar en rojo. Ahora, como se puede ver aquí, el histograma no muestra nada tanto en la oscuridad como en las partes brillantes. Podemos tirar esa información. Por lo que traemos este slider todo el camino hasta aquí. Este slider todo el camino hasta allí también, donde empezamos a tener información. Hacemos esto en los tres canales de color, verde y azul. Por lo que ahora hemos desechado todas las partes de la imagen que no contienen información en primer lugar. Nuevamente, un poco de mejora, ¿no estaría de acuerdo? Ahora hemos quitado ese tipo azul de proyectiles débiles que está sobre la imagen. Pero aún así diría que los colores no están completamente en punto todavía. Ahora hemos hecho un paso importante. Volvamos a entrar en este panel. Podemos ver ahora que hay información en todo el rango del histograma, recuerda que es un histograma invertido. Entonces esta parte aquí es en realidad la parte oscura y esta es la parte brillante. Vamos a ajustar un poco más dentro de los canales. Entraría al canal rojo y empezaré a trabajar en los tonos medios. Cinco se deslizan un poco y agregan un poco de rojo a los tonos medios. Se puede ver que limpia muy bien estos tonos, los blancos y la gracia. Esto es antes. Esto es después. Estos tonos medios realmente han respondido bien a un poco de rojo. Veamos cómo responden a los ajustes verdes. Esto también es algo que experimentas con más frecuencia. El ajuste verde no tiene por qué ser tan extremo. Pero en este caso, diría que se beneficia de la eliminación de un poco de verde en los tonos medios. He ido más bajo en los tonos medios y este gris se ha vuelto más neutral en mi opinión, más correcto. Ahora, vamos a florecer. ¿ Necesitamos ajustar el azul? Bueno, como se puede ver, si quitamos el azul, entonces el verde empieza a ser predominante. Si traemos demasiada Bloom, empezamos a meternos en una especie de magenta, pero sin embargo un poco de azul extra en los tonos medios se adapta a esta imagen. Yo diría. Vámonos tan lejos como llegar a 1.1. Siempre se puede ver aquí y la parte blanca el mejor efecto, así como en el gris en la parte inferior. Pero ya se puede ver que se convierte en cuestión de gusto ahora, tal vez 1.1 es demasiado. Vamos 1.05. Entonces, ¿qué hemos hecho? Hemos quitado un poco de gris en los tonos medios. Hemos, lo sentimos, hemos quitado un poco de verde de los tonos medios. Hemos añadido un poco de azul a los tonos medios, y hemos añadido una buena cantidad de rojo a los tonos medios. Ahí vamos. Nuevamente, ver que el cambio de esto a esto. Te mostraré un poco acercándote a la imagen. Aquí. Ves bastante verde en esa parte gris que hemos quitado muy bien con este paso. Yo diría que estamos bastante cerca de una imagen bastante utilizable. Los tonos rojos quizá un poco desaturados. A lo mejor toda la imagen se haya desaturado un poco. Por lo que ahora podemos empezar a sintonizar bien. Me gusta usar el slider dinámico porque tiende a impulsar esos colores que más necesitaban. Bueno, he añadido 50 de valor en ese panel. Y ha impulsado a los rojos muy bien. Nuevamente. Voy a acercarme para mostrarte. Echa un vistazo a este amarillo, este rojo. Esto es con el impulso dinámico. Y esto es sin con, sin ancho. Sí, ahí lo tienes. Ese es un flujo de trabajo muy simple de invertir tu imagen manualmente en Photoshop. Una conversión C41, que mucha gente teme hacerlo. Pero como pueden ver, me tomó unos cinco minutos conseguir un punto realmente bueno. Y te recomiendo encarecidamente si tienes imágenes individuales que realmente, realmente te importan y que son realmente geniales, entonces da este paso extra para convertirlas manualmente. Porque si dejas esto al laboratorio negativo Pro, te dará los colores que piensa que son correctos, pero puede que no sean 100% a tu gusto. Vale la pena aprender este flujo de trabajo relativamente simple aquí en Photoshop. Y bueno, eso envuelve el ejemplo práctico de esta lección, y también envuelve toda la lección. Ahora hemos dado con éxito el paso de tener una copia digital de nuestro negativo en nuestro equipo para utilizar para posterior presentación, para que el procesamiento se imprima desde o simplemente comparta en un sitio web o redes sociales. 6. Presentación: Ahí estamos. Ahora hemos digitalizado con éxito nuestros negativos netos. Somos capaces de mirar nuestras fotos en un ordenador o un smartphone. ¿Y ahora qué? Bueno, durante décadas, la prueba en el putting fotográfico fue en la imprenta. E incluso hoy, imprimiendo sus fotografías como algo especial. Y apela a muchos profesionales y principiantes por igual. Yo mismo, incluido. En esta lección, te llevaré a través de algunos de los conceptos básicos de esta etapa. No obstante, no ignoremos ni olvidemos el tema de la presentación digital. Lo más probable es que tus fotos analógicas encuentren su camino en Internet en tu propio sitio web o cartera, o en el sitio web de una publicación o en el sitio web de un cliente, o bien, por supuesto, en las redes sociales. Y realmente no hay vergüenza en eso. Creo que esta tendencia digital ha significado una increíble democratización del arte fotográfico. La fotografía analógica es para ser disfrutada por todos cuando se trata de la impresión real, así como nosotros filmando y opciones de desarrollo, puedes ir algunas reglas diferentes. Esto dependerá de sus intenciones, de su película y de su presupuesto. La mayoría de las impresiones realizadas por los laboratorios ahora son impresiones híbridas, lo que significa que la tubería de imágenes puede ser digital, y sin embargo, la tubería de impresión también puede implicar algunas etapas analógicas. Esto es ciertamente cierto del primer tipo de impresión fotográfica más común, la llamada Impresión Fotográfica de tipo C. C significa cromo, croma génico, lo que significa que un papel sensible a la luz que contiene colorantes y otros componentes químicos se expone a la luz manera similar a la negativa en la etapa de captura. El papel fotográfico expuesto también se desarrolla y se fija. Las impresiones tipo C son verdaderas impresiones fotográficas y solían hacerse sin ningún proceso digital en absoluto. Tienen alta nitidez, colores dígitos, y nuestra calidad de archivo, lo que significa que durarán décadas. Este es un tipo particular de impresión tipo C. Esta es una hoja de contacto. Esto fue realizado de hecho sin ningún paso intermediario digital por una impresora maestra aquí en Alemania. Estas son básicamente las tiras completas de película que he rodado en este rollo de película colocadas sobre el papel fotosensible, y por lo tanto desarrolladas con uno se adapta a toda la relación de contraste. Estos fueron utilizados en el pasado para darle una impresión y una visión general de su película. Y en efecto lo hacen. Puedo ver todas las 36 imágenes de mi película expuesta y puedo juzgar cuáles de estas son dignas de mayor atención. Estas hojas de contacto solían estar también disponibles para la película negativa de color, pero desafortunadamente se ha vuelto realmente rara. Por lo estrictamente hablando, esto no forma parte del flujo de trabajo híbrido ya que se trata una hoja de contacto totalmente analógica. Pero es una buena ilustración de cómo aparece un tipo de impresión tipo de asiento. Se puede ver cierta brillantez. Esa vibra clásica de impresión de fotografía vintage. Creo que es precioso y todavía los consigo con mi película de vez en cuando. Como dije, me da una visión perfecta de lo que he capturado. La siguiente técnica de impresión relevante es la impresión de inyección de tinta. Como su nombre indica, utiliza tinta sobre papel regular en lugar de ser una impresión fotográfica. Esto significa que no necesitas un cuarto oscuro ni desarrollar productos químicos y tampoco necesitas hacer la impresión y la oscuridad completa. Solo necesitas una impresora de inyección de tinta decente. No obstante, estas impresiones tienden a obtener fotografías, tal vez una cualidad más pictórica, algo que te puede gustar o no. Es algo menos agudo y patas la claridad de una impresión C, pero la calidad de la impresora y la tinta colocan también un papel enorme en tus resultados y la precisión del color aquí es muy flujo de trabajo dependiente, lo que significa que su monitor necesita ser calibrado y así sucesivamente. Las impresiones de inyección de tinta también se denominan impresiones de bellas artes porque también se utilizan para la reproducción de otros tipos de arte gráfico. Además de la fotografía. La impresión de inyección de tinta también es una opción viable. El último impreso de la que quiero hablar es la impresión manual totalmente analógica. Esto ahora se encuentra principalmente en fotografía en blanco y negro y representa el precio más alto así como nivel de calidad en la impresión fotográfica en la actualidad. Por tipo retail impresiones como esta, se realizan con el uso de papeles fotográficos a base de algodón de alta calidad, los cuales contienen plata, bromuro y halogenuros y otros productos químicos. Estas impresiones se muestran. Blancos brillantes, negros, y son buenos por 100 años. Si enmarcado, archivado y manejado correctamente. Del mismo modo que tenemos una impresión tipo C en color, es posible realizar una impresión fotográfica desde la captura hasta la impresión sin la ayuda de ningún proceso digital. No obstante, lamentablemente, sólo quedan unos pocos laboratorios que aún ofrecen esto porque, bueno, los altos precios de las materias primas, la gran habilidad requerida, y así sucesivamente. Simplemente no es la opción de impresión más económica, pero realmente es algo especial. Te recomiendo que una vez en tu vida fotográfica, te regales a tal impresión burrito si estás loco por la fotografía, como yo. Ahora, déjame mostrarte un poco cómo se ve de cerca como se puede ver, he quitado el marco y ahora he quitado el tablero de la estera, reemplácelo aquí a un costado. Y simplemente he pegado la impresión al papel de respaldo usando una cinta tipo archivo. La propia impresión. Bueno, se parece más tu impresión fotográfica promedio, pero bueno, la belleza está todo en el papel. Y en el método de realización. Tal vez se puede ver que el papel tiene como una estructura y una profundidad a ella. Esto se debe a que es un papel de algodón. Realmente ves ese tipo de textura y calidad orgánica del material superficial. Déjame acercarme aún más a la cámara para que puedas tener una impresión. Por lo que espero que les haya gustado esta impresión. Espero que hayas disfrutado de que te lo mostré. Solo quiero dibujar un paralelo realmente rápido a la hoja de contacto. Mientras pongo esto de nuevo juntos. Ver estos marcos son bastante cool porque tienes el mat board que acaba bocadillos el estampado en su interior y una punta pro. Como puedes ver aquí, está la tabla de tapete entre el vidrio y la impresión. Y eso es realmente importante. En realidad nunca quieres que esa impresión entre en contacto real con el vidrio. ¿ Por qué? Porque las horas extras, eso será humedad, calor, y así sucesivamente, que se arrastrará en su marco. Y esto puede llevar, si eres desafortunado, puede llevar a que el papel realmente se pegue al vidrio y se dañe de esa manera. Entonces esa es una de las razones por las se introducen estas tablas mat, porque son algo así como un marcador de posición que crea un poco de espacio físico y separación entre tu vaso y su impresión. Eso es algo que debes considerar. Ahora, he vuelto a juntar esto, asegúrate de que no tengo ningún pelo ni polvo encerrado por debajo. Y puedo volver a unir mi marco, que es marco magnético, que es un poco fresco como se puede ver, solo vuelve juntos de esa manera. Esa es tu totalmente analógica enterrada para escribir print. Espero que te guste. Permítanme simplemente agarrar la hoja de contacto que también hemos hablado, que está tirada junto a ella, que también es una impresión totalmente analógica, como ya he dicho antes. Esto no es un papel de burrito. Este es un tipo diferente de papel. Papel fotográfico más regular, ligeramente más delgado. Y también es una opción brillante, como se puede ver claramente, con muchas más reflexiones sucediendo. Después en esta estera de papel Rita. Esto es por cierto, un trapo de algodón de importación o papel. Si bien no sé quién fabrica este papel, pero se puede ver que tiene una estética totalmente diferente. Esto es mucho más brillante y refleja la luz y una manera mucho más fuerte. Ahora, mientras estamos en ello, veamos también una impresión tipo C. Nuevamente. Misma dimensión, mismo marco que se puede decir. Pero esta vez tenemos una imagen en color. Esta fue tomada en dia película positiva, Fuji Pro vía 400 x, que es mi película favorita de la DEA. Y por supuesto que fue descontinuado por Fuji. Ya sabes, eso es una cosa en la fotografía analógica, no te apeges demasiado porque nunca sabes cuánto tiempo hay algunos productos realmente alrededor. Ahora la razón por la que estoy mostrando esto es que esto es de hecho un producto híbrido de flujo de trabajo. A diferencia de la impresión beretta que acabamos de ver. Se trata de una impresión tipo C que se basa en un escaneo que le proporcioné al laboratorio que edité para que sea de color preciso al positivo real, que te mostraré en un segundo al lado. Por lo que puedes tener una buena comparación para juzgar si lo era. De hecho, lo suficientemente cerca como para acertar los colores. Ahora, como se puede ver aquí, el método de montaje es ligeramente diferente. Esto de hecho se adjunta directamente a la tabla de tapete. Como se puede ver, es un papel Fujifilm, espero que puedan ver porque es lo más débil de escribir. Quizás aquí no se muestre tan bien. Pero créeme que es, es un papel de Fuji Film, que creo que es apropiado ya que es una película de Fuji que fue tomada. Esta impresión tipo C, como dije, se realizó usando el escaneo que proporcioné. Y luego se utilizó para exponer el papel sensible a la luz en un ambiente de habitación oscura. Ahora, esta fase de exposición hoy en día también implica proyectores digitales. Por lo que el archivo se cargará en una computadora y luego se pondrá proyectado en el papel directamente desde una fuente digital. Por lo que estas impresiones tipo C son verdaderas impresiones híbridas y bueno, también son hermosas y tienen una increíble herencia dual de digital y analógico. De nuevo, aquí, he usado el borde negro. Tienes que tener bastante cuidado al tener tu impresión hecha porque esta pizarra obviamente es bastante delgada y tiene que coincidir exactamente con tu tabla, con tu tablero de tapete. Por lo que te recomiendo que creas el tablero mat solo una vez tengas la impresión en mano para que puedas medirlo al milímetro lo que necesites. De lo contrario, el borde del tablero de la estera puede comenzar a cubrir ese borde negro que desea mostrar. Eso sería una lástima. Por lo que espero que este bien para que lo veas. Bueno, ahí lo tienes. Hemos discutido dos impresiones diferentes, dos tipos de impresión muy importantes, la impresión tipo C, así como la impresión analógica beretta. Y puedes lograr resultados hermosos, magníficos con ambos métodos. Como prometí, aquí hay una pequeña comparación entre la impresión final y lo positivo. Como se puede ver, lo positivo tiene una fuente de luz debajo que se necesita para que podamos ver incluso la luminancia de ese positivo. Si apago la mesa de luz, verás que, ya sabes, no hay tanto para que tu ojo te coja. Entonces es una ecuación difícil, digamos. Y si lo piensas, entonces D o positivo no estaba realmente destinado a imprimir. Realmente estaba destinado a la protección, lo que significa que había una fuente de luz detrás de lo positivo. Y eso estaba proyectando la imagen sobre una superficie, sobre una pared o sobre una pantalla en un cine, por ejemplo, la película o positiva no está realmente destinada a ser impresa como está aquí. Y se puede ver el brillo de positivo solo realmente cobra vida a través de esa fuente de luz. El estampado en sí es un poco más mate y bueno, es cuestión de gusto. Dije que sigo pensando que es muy bonito. Pero típicamente, este tipo de película se desarrolló para otros fines. Además, no sé si puedes recogerlo en la cámara, pero el tono azul de esto es realmente más fresco que aquí arriba. Esto tiene un poco más de tinte magenta o morado, que añadí en post-producción en gradación de color porque sentí que lo necesitaba. Pero bueno, aquí me estoy dando cuenta de cómo en realidad todavía hay una diferencia entre los dos. Y eso también muestra lo que dije de ser TOC con tu fotografía. Que incluso si disparas, todavía tienes un gran reto para conseguir tu impresión y tu positivo para igualar al 100%. Por último, una recomendación importante para esta etapa de impresión. Y eso es simplemente siempre hacer al menos una impresión de prueba. Hay fotografías que he test impresas 34 incluso cinco veces. La mayoría de los laboratorios siempre ofrecerán esto como parte de su servicio. O te proporcionarán una impresión de prueba por una fracción del costo de la impresión final. Realmente querrás hacer esto, sobre todo si quieres enmarcar tus imágenes o mostrarlas en público. Porque por supuesto, quieres asegurarte que la impresión se vea si lo imaginaste. Y eso es lo más cerca posible de lo que viste en el monitor. Con este fin, también deberías considerar seriamente la calibración del color tu monitor y editar tus imágenes de película en el monitor, no con un ajuste de brillo máximo. Este es el error número uno cometido por las impresoras principiantes. Y eso es que muchas veces la impresión en la realidad parecerá demasiado oscura. Porque piénsalo. El monitor está configurado en brillo máximo, pero en realidad, el papel de película o el papel de impresión más bien no reflejará tanta luz como un monitor iluminado por LED. Tendrás que conseguir esa coincidencia de brillo entre el monitor y lo que ves allí y la impresión que obtienes más tarde. Sólo puedo repetir. Siempre, siempre consíguete una impresión de prueba una vez que encuadres tu fotografía y la pongas en la pared o compartas en línea, se concluye el flujo de trabajo híbrido. Pero la búsqueda de la expresión y el conocimiento es infinita. Puedes pasar años perfeccionando y estudiando cada una de las cuatro etapas que te he presentado en este curso. No obstante, espero que se sientan más confiados ahora y navegando por este complejo universo. 7. Reflexiones finales: Muy bien chicos, que concluye este curso de choque sobre el flujo de trabajo híbrido y la fotografía analógica en la era digital, he tratado de condensar mucha información y ordenado en un cohesivo y lógico camino para ti. Y espero que eso te haya ayudado a navegar un poco mejor por este campo. Me gustaría terminar con una opinión personal, así que por favor concédeme. Durante nuestra lección de escaneo, hablamos brevemente sobre la tendencia completa del escaneo negativo. Mencioné que esto nos permite apreciar la calidad lumínica al borde del marco y mostrar el tipo de película y la perforación si lo deseamos. No obstante, la forma en que realmente comenzó esta tendencia, fue mostrar una imagen sin recortar. La idea era que un fotógrafo pudiera componer una imagen perfectamente sin tener que recortar más tarde. Este dominio de la composición se pretendía mostrar mostrando los negativos completos. Por supuesto, muchas imágenes icónicas de la historia todavía estamos recortadas. Este enfoque fronterizo completo es quizás un poco de un puristas toman la verdadera ironía, sin embargo, en cambio, en el mundo actual de Instagram y el intercambio digital, el negativo completo ahora significaba demostrar que una imagen era tomado de manera analógica. Y sin embargo hay filtros y apps que te permiten fingir esto de manera convincente. Puedes tomar una foto digital, ejecutarla a través de una app o un filtro, y te dará un borde y una perforación así como algún grano de película. Y es realmente extremadamente difícil distinguir aparte de lo real. En 70 años. Algo que comenzó como prueba de autenticidad del verdadero dominio de la fabricación de imágenes analógicas se ha convertido en algo que en auténticamente finge ser algo que no es. Supongo que estas son solo las veces en las que vivimos. Pero realmente no importa al final, cómo se tomó una imagen si es buena. Ahora como he demostrado, un negativo siempre tiene que ser invertido y por lo tanto interpretado. Entonces creo que es un oxímoron pensar que hay tal cosa como una imagen negativa pura que no necesitas editar en absoluto. No, la edición no es la naturaleza misma de lo negativo. Solo recuerda, al final del día, esto es arte. No hay una forma. No hay bien ni mal. Sólo hay lo que quieres expresar, lo que disfrutas. Y en esa nota, me gustaría agradecerles por tomar esta clase. Espero que lo hayas disfrutado y que fuera útil y te veré en otro en el futuro. Este ha sido el flujo de trabajo híbrido conmigo, Martin. Gracias por quedarse y hasta la próxima vez, mantengan viva la película.