Paisajes en acuarela para principiantes

1. Introducción: Si eres un principiante, recién iniciando tu viaje con la acuarela. Y estás buscando aprender a pintar paisajes en escenas de la naturaleza. O tal vez eres un poco más avanzado con la acuarela, pero estás buscando mejorar tus técnicas y tu método o proceso general para este tipo de pintura. Este curso es para ti. Mi nombre es Erica, y soy una artista que trabaja con una variedad de medios tradicionales de dibujo y pintura. Algunos de mis favoritos son la acuarela, pluma y tinta, y grafito. Y realmente disfruto empujándome y mejorando mis habilidades con una amplia gama de restas, que van desde paisajes hasta bodegones y animales. Y más. Mis días giran en torno a vender obras de arte localmente, asesorar a artistas en línea. Y también estoy constantemente creando recursos y contenidos útiles dirigidos a artistas principiantes e intermedios. Comparto a través de mi sitio de membresía, mi blog, mi canal de YouTube y mis diferentes sitios de redes sociales. Tengo más de 15 años de experiencia trabajando en campos creativos y artísticos. Después de graduarme de la escuela de arte, pasé a trabajar como diseñador gráfico, luego como director de arte en una agencia de publicidad. Y a partir de ahí, pasé a trabajar como directora de arte en el ambiente escolar durante más de siete años. Durante esos últimos años de mí y mi último puesto de profesor regular de tiempo completo, comencé mi propio negocio de arte por un lado, comencé a vender mi obra de arte a nivel local, participando en el arte local eventos. Y también estaba empezando a enseñar artistas de todas las edades y diferentes medios desde mi propio estudio en casa después de un tiempo y viendo como estaba empezando a reemplazar ese ingreso que era ganando de mi último trabajo regular, decidí renunciar y poner todo mi tiempo, energía y atención en hacer crecer mi negocio. Fue entonces cuando empecé a llevar lo que hacía localmente al espacio en línea para poder ayudar a más personas. Hoy en día, soy el más feliz. Alguna vez he estado dirigiendo mi propio negocio de arte y continuando creciendo como artista mientras ayudo a otros en sus propios caminos. Y estoy tan feliz de poder ayudar a personas de todo el mundo. En este curso, voy a estar llevándote a través mi proceso completo para tres diferentes paisajes acuarelares. Voy a estar compartiendo todo contigo, empezando por cómo creo mi boceto preliminar a lápiz, mano alzada desde la imaginación hasta cómo me preparé para el éxito preparando mis primeras mezclas de colores que voy a usar durante el proceso de pintura a cómo combino técnicas de húmedo sobre húmedo con húmedo sobre seco para crear una sensación creíble de espacio abierto y profundidad y una sensación de equilibrio en este tipo de vistas. Junto a esto, vamos a estar practicando pintar árboles, pintar cielos, pintar agua, rocas y todos estos elementos que son muy comunes en este tipo de pintura. La razón por la que quería asegurarme de traer tres paisajes diferentes en un solo curso en lugar de compartir un solo proceso contigo, lo que te va a llevar a ser solo capaz de pintar un solo paisaje es porque pasando por este proceso tres veces y aplicando estas ideas principales que voy a estar compartiendo contigo en tres situaciones diferentes. Vas a poder encontrar hilos comunes en este proceso para que puedas entender mejor estas cosas fundamentales que van a ayudar a mejorar y realzar cualquier tipo de acuarela paisaje o escena de la naturaleza. Y puedes llevar estas herramientas y esta práctica a cualquier tipo de acuarela y escena de la naturaleza en la que desees trabajar en el futuro y llegar a resultados mucho mejores pasando por esto proceso conmigo tres veces, no sólo vas a poder practicar técnicas específicas y cómo pintar elementos específicos presentes en escenas de la naturaleza. Pero también vas a empezar a pensar en el nivel macro, la estrategia general. Es decir, ¿qué pintar primero, qué pintar a continuación, qué pintar último? Esta secuencia y qué áreas van a estar pintando cuándo, que es absolutamente clave a la hora de pintar con acuarela, cuando estamos pintando con acuarela, entrar con una estrategia es clave para el éxito. Este es especialmente el caso cuando estamos abordando una composición completa que se compone de muchas capas diferentes. Entonces, aunque estos paisajes son diferentes, vas a encontrar puntos en común en cuanto a cuándo pinto, qué, cómo abordo esas diferentes capas, cómo, cuándo y por qué uso técnicas mojadas sobre mojadas requieren traer más agua para efectos difusos suaves. Cómo, cuándo y por qué traigo técnicas de mojado sobre seco para bordes y detalles más nítidos y definidos. Antes de saltar a la primera clase, quiero hacerte saber que si recién estás comenzando con la acuarela, recomendaría revisar mi curso de acuarela 101 aquí en Skillshare, que te va a enseñar un montón de información imprescindible que definitivamente debes conocer para poder hacer avanzar tus cráneos más rápido. Además, si recién estás empezando con la acuarela, te recomendaría pasar por todas las clases en la secuencia que te he preparado. Pero claro, si estás más avanzado y solo quieres trabajar en uno de estos tres paisajes. También puedes hacer eso. He preparado estas clases para cada uno de los paisajes para que también puedan ser un pequeño curso independiente en sí mismo. Bien, entonces con esta introducción fuera del camino, sigamos adelante y saltemos a nuestra próxima clase. Vamos a estar hablando de los proyectos en los que vamos a estar trabajando juntos en este curso. Nos vemos ahí. 2. Proyecto del curso y información que debe conocer: Hola y bienvenidos a esta clase donde voy a estar explicando todo sobre el proyecto en el que vamos a estar trabajando juntos en este curso. Al final de este curso, vas a haber completado tres paisajes acuarelares diferentes. En todos los siguientes videos, me vas a ver trabajar en mitad de mis hojas de acuarela. Entonces corté mis hojas de acuarela en dos mitades. Depende totalmente de ti si quieres crear cuadros más pequeños como yo, y practicar tu pintura en solo la mitad de tus hojas de acuarela. O si quieres usar tu hoja completa, estaré haciendo mis bocetos de esquema disponibles para los tres paisajes en dos tamaños diferentes. Esto es por si acaso te gustaría saltarte la fase de boceto a mano libre y transferir mi boceto de contorno a tu hoja de papel de acuarela, sea cual sea el tamaño que elijas para trabajar. Y claro, si buscas mejorar tus habilidades de dibujo, recomendaría practicar creación de tu boceto preliminar junto a mí en esas clases de dibujo a lápiz, te llevo paso a paso- paso a través de mi proceso de bosquejo. Y también proporcionan piezas clave de información que puedes llevar contigo, que te van a ayudar a crear bocetos preliminares más efectivos para futuras acuarelas. Si estás interesado en aprender a usar papel de calco para transferir tu boceto de contorno tu hoja de papel de acuarela. Mi curso de acuarela uno a uno incluye una clase sobre eso, donde te llevo paso a paso a través de mi proceso, vas a poder encontrar ese curso junto con mis otros aquí en Skillshare, junto con mis bocetos de esquema, también vas a poder encontrar tu lista de verificación de suministros descargables y fotos de mis tres pinturas terminadas, que eres libre de usar como referencia mientras trabajas. He creado todas estas escenas de la naturaleza a partir de la imaginación. Entonces no voy a estar agregando ninguna foto de referencia específica. Vas a poder encontrar todos estos descargables en la pestaña de proyectos y recursos. Notarás que antes de comenzar con el proceso para cada uno de estos paisajes, he incluido un video de suministros. Esto se debe a que para cada paisaje, usé suministros ligeramente diferentes, papel diferente, diferentes pinceles, diferentes colores. No obstante, quiero animarle a que utilice los suministros que tiene. No hay necesidad de usar exactamente los mismos colores que voy a usar para llegar a grandes resultados. Tampoco hay necesidad de usar exactamente los mismos tamaños de pincel que voy a usar para obtener excelentes resultados. Sin embargo, es importante saber, que si usas papel de acuarela de mayor calidad, probable que tus efectos de mojado sobre húmedo es probable que tus efectos de mojado sobre húmedo resulten mucho mejores. Vas a tener transiciones más suaves entre colores y general mejores efectos a la hora usar esas técnicas que requieren más agua. Y también recomendaría tener a mano al menos uno o dos pinceles planos o redondos más grandes, un par de pinceles redondos medianos y uno redondo más pequeño que puedas usar para formas y detalles más pequeños. Consideraría que un cepillo más grande es tal vez un cepillo plano de una pulgada si te gusta usar cepillos planos o si prefieres redondos, podría ser un cepillo de fregona tamaño seis u ocho, o tal vez un redondo en tamaño 16 o 18 o 20 pinceles más grandes van a ser esenciales para pintar esos lavados iniciales grandes de forma rápida y sencilla. Cuando se trata de pinceles de tamaño mediano, diría que en algún lugar 8-14 o incluso un 16 dependiendo de la marca y de dónde es el pincel haría genial. Y por último, cuando se trata de tu pincel redondo más pequeño, yo diría algo así como una talla tres o dos o una sería genial. Siempre y cuando uses pinceles que estén dentro de esos rangos, vas a estar bien. Solo recuerda cambiar entre ellos cuando estemos trabajando en esos primeros lavados grandes, quieres usar pinceles más grandes. Cuando estamos trabajando en las formas medianas, quieres usar pinceles de tamaño mediano. Cuando estamos trabajando en formas y detalles más pequeños y mejorando texturas, tal vez traiga un pincel más pequeño. Te avisaré cuando voy a estar cambiando entre mis pinceles a lo largo del proceso. Pero siempre recuerda que la herramienta que tienes en la mano tiene que ser útil para lo que sea que estés tratando de hacer en ese momento dado a lo largo del proceso, tienes que pensar en esa herramienta te va a ser útil para lo que intentas hacer. Y si tienes que cambiarte a otro cepillo, sigue adelante y cambia antes comenzar con lo siguiente. O si tienes que asegurarte de tener dos pinceles a mano para que puedas cambiar rápidamente entre ellos. Ten esos dos pinceles listos a tu lado antes de comenzar con lo que sea que vayas a hacer. Bien, así que eso es todo lo que voy a decir de los suministros por ahora. Te estaré explicando más sobre los artículos particulares que vas a estar viendo usar o cada paisaje más adelante. Por último, sí quiero recordarte que en la pestaña de proyectos y recursos, puedes publicar fácilmente tu trabajo, hacer preguntas, compartir tus pensamientos. Me haría muy feliz ver su trabajo allí y proporcionar comentarios y responder cualquier pregunta que pueda tener. Una vez que hayas agarrado tu descargable, adelante y únete a mí para la siguiente clase en la que voy a estar compartiendo todo sobre los suministros para el paisaje número uno. 3. Suministros de casas y senderos: Hola amigo y bienvenido a esta clase corta donde voy a estar explicando sobre los suministros que me voy a asegurar de tener a mano ya que voy avanzando con el paisaje número uno, en términos de mi papel, Voy a estar usando una hoja de papel acuarela de prim rosier. Se trata de papel prensado en frío y tiene 140 libras de grosor o de peso. Y no voy a estar usando la hoja completa. De hecho voy a estar usando un poco más de la mitad de una hoja, la hoja de papel de acuarela en la que me vas a estar viendo trabajar va a tener 8 "de ancho y 6" de alto. Entonces ocho por 6”. En cuanto a mi pintura, voy a estar usando siete colores diferentes. Seis de ellos son de mi set de acuarelas Daniel Smith. Y uno de ellos es un café que traje porque no tengo ese marrón en mi set de Daniel Smith. Y esta es la umber cruda. Se puede ver esa media sartén ahí mismo en la parte inferior derecha de la pantalla. Esta es una pequeña media sartén que traje de mi set de acuarela. Y nuevamente, la única razón por la que traje ese es porque me quedé sin mi café que tenía disponible en mi set de Daniel Smith y necesito reemplazarlo. Si alguna vez te has preguntado, si puedes combinar diferentes marcas de pintura acuarela en una misma pintura. Definitivamente puedes. Lo hago todo el tiempo. Yo diría sin embargo, que si estás planeando combinar pintura de dos marcas diferentes, los resultados van a ser mucho mejores si la pintura es de la misma calidad o aproximadamente la misma calidad. Porque si combinas pintura que es de muy baja calidad con pintura de mayor calidad, es posible que tengas problemas para mezclar tu pintura durante todo el proceso y el resultado probablemente no va a ser tan bueno como podría ser si la pintura fuera de calidad similar, utilizo el total de siete colores diferentes para crear esta pintura. Y estos colores son azul cobalto, Scarlett profundo, verde submarino, amarillo hansa, claro, amarillo, ocre, tinte neutro y umber crudo. Como siempre, sí quiero recordarles, chicos, no hay necesidad de usar exactamente los mismos colores que voy a usar. Siempre y cuando uses colores que sean relativamente similares a los míos, vas a estar perfectamente bien. Y voy a estar escatimando todos estos colores para ti en papel para que veas cómo se ven y puedas hacer cualquier reemplazo que sea necesario con lo que tienes disponible. Bien, pasando a partir de ahí, voy a estar usando cinco pinceles de acuarela diferentes para este proceso. Voy a estar usando un cepillo plano de una pulgada. Y este pincel es de acuarelas Royal y Len Nichols y set de líneas. Y voy a estar usando para diferentes pinceles redondos. Dos de ellos son de Winsor y Newton Cotman línea acuarela pinceles de ahí, serie 111. Y estos cepillos redondos son tamaños 14.6. También tengo otro pincel, y eso es de otro set de una marca llamada Magritte. Pero conseguí vía Amazon hace algún tiempo. Ese pincel es el pincel azul claro que aparece en pantalla. Este es aproximadamente un pincel redondo de tamaño ocho. La razón por la que digo aproximadamente es porque es de un conjunto chino y los tamaños de estos pinceles son bastante diferentes. Por lo que es comparable a un cepillo redondo talla ocho en tamaños estadounidenses o británicos. Y por último, el pincel más pequeño que voy a usar es un tamaño tres redondo. Y esto es de Princeton, Aqua, Elite, serie de pinceles de acuarela. Aparte de estos insumos básicos de acuarela, también tengo mi contenedor con agua limpia, que voy a cambiar algunas veces a lo largo de este proceso. Te avisaré cuando lo haga. También tengo mi toalla de tienda Scott azul absorbente. Es muy importante tener a mano algún tipo de toalla absorbente cuando estás pintando con acuarela para mantenerte al tanto del control del agua y entrar a levantar las nubes o texturas o cualquier cosa por el estilo que tal vez tengas que hacer. También tengo al menos un par de trozos de papel de acuarela a mano para probar colores y translucidez es antes de entrar a mi pintura, tengo un rollo de tres cuartos regulares, entonces una cinta adhesiva de una pulgada, que es lo que estoy usando actualmente para llevar mi papel de acuarela a mi tapete de corte negro, que es lo que estoy usando como tabla de respaldo aquí. Lo único que me aseguro de hacer para pasar mis trozos de cinta adhesiva sobre mi ropa tres o cuatro veces antes de pegar mi oveja acuarela. Para suavizar ese adhesivo y hacer que sea mucho menos probable que dañe mi papel al final cuando retire esa cinta de enmascarar. Y por último, también tengo un par de suministros de boceto mano un par de suministros de boceto para poder crear mi boceto preliminar de contorno a mano alzada. Pero para comenzar con el proceso de pintura, voy a estar usando un lápiz de dibujo 2D de Faber Castilla para crear mi boceto de contorno. Normalmente me gusta ir por un lápiz de dibujo HB. La única razón por la que estoy usando un to-be es porque el grafito es un poco más suave, así que el triángulo te parece un poco más oscuro para que puedas verlo un poco mejor a través del video. También suelo tener a mano un par de gomas de borrar para ese proceso de esbozo preliminar. Algún tipo de goma de borrar de grafito suave y también una goma de borrar amasada. Entonces el borrador de grafito suave solía hacer cualquier borrado y corrección, fijación de errores que ocurren cuando estoy creando ese boceto a mano alzada. Y luego el borrador amasado que utilizo al final del proceso de boceto, suaviza para aligerar aún más mi boceto antes de comenzar con la pintura para que no vea mi lápiz trabajar a través del pintar. Y también para recoger cualquier exceso de grafito que pudiera estar flotando en mi hoja de acuarela que pudiera ensuciar o enturbiar mi pintura vibrante. Eso lo va a hacer, uh, para esta clase corta suministros para el paisaje número uno. Una vez que estés listo con todos tus suministros, adelante y únete a mí para la siguiente clase donde vamos a estar trabajando juntos en nuestro boceto preliminar a lápiz. Nos vemos ahí. 4. Héroes y senderos: Hola de nuevo y bienvenidos a esta clase. O vamos a estar creando nuestro boceto preliminar a lápiz juntos para pasar al proceso de pintura para el paisaje número uno, esta parte del proceso no es realmente necesaria si voy a transferir mi boceto de contorno a tu hoja de papel de acuarela usando papel de calco o cualquier método de transferencia que prefieras. Lo cual, por cierto, en mi curso uno-a-uno de acuarela, sí incluyo una clase completa en que te enseño paso a paso a usar papel calco como método de transformación para obtener tu esquema bocetos en su papel de acuarela. Entonces, si quieres aprender más sobre eso, recomiendo encarecidamente que consultes esa clase en ese curso. Sin embargo, si estás interesado en practicar tu boceto a mano libre, quieres conocer la información esencial a traer para crear un boceto preliminar exitoso para pintura acuarela. O simplemente quieres poder crear tus propios desembolsos, bocetos para pasar a pintar con acuarela y tal vez no tengas que depender demasiado de los desembolsos, bocetos proporcionados por otros. Recomiendo encarecidamente dar esta clase hace. Bien, así que sin mucho más preámbulos, sigamos adelante y saltemos directamente a la primera parte de este proceso, que es el proceso preliminar de boceto a lápiz o mi boceto de esquema para esta pieza, En realidad no usé ninguna foto de referencia específica. Lo que hice fue entrar en Google. Yo hice una búsqueda rápida de escenas de la naturaleza en general. Y me inspiré un montón de fotos diferentes que me parecieron geniales. Luego creé tres bocetos de miniaturas rápidas diferentes en mi cuaderno de bocetos, aportando diferentes ideas de diferentes fotos que vi, diferentes elementos en los que sentí que se verían bien en combinación, además, explorando diferentes arreglos de estos elementos en el espacio. Y una vez se me ocurrió una miniatura que pensé que quedaría genial. Y eso conducirá a una composición visual de aspecto agradable para una pieza, para una pintura. Fui con esa y eso es esencialmente lo que estoy transfiriendo a mano alzada a mi hoja de acuarela. Entonces como me estás viendo crear este dibujo, estoy observando mi boceto que creé en mi cuaderno de bocetos cada vez que estoy dibujando cualquier tipo de escena, lo primero que dibujo es la línea del horizonte. La línea del horizonte es la línea que divide el suelo del cielo o el océano del cielo en c escapa la línea del horizonte es esencialmente nuestro nivel de ojos como el espectador de la escena desde nuestra perspectiva actual punto. Después de eso, empiezo a dibujar todas las formas más grandes y a hacer todas las capas. Se van a incluir en esta escena, en el fondo, en el término medio y en primer plano, pensar en esta estratificación es importante siempre que estés dibujando o pintando alguna tipo de escena o paisaje. Porque estas capas en el fondo y el término medio y el primer plano son las que van a proporcionar la profundidad de la escena. Me estoy enfocando en las formas generales más grandes. Realmente no estoy tratando de agregar detalles más pequeños ni intentar hacer ningún sombreado con mi lápiz ni nada por el estilo. Solo estoy agregando las formas que necesito cualquier sección que pueda necesitar visualizar para luego poder pintar en mis árboles y plantas y cosas así. Eso es lo que estoy tratando de agregar a mi boceto en este punto. Como pueden ver, estoy tratando de mantener mis líneas muy irregulares porque esta es una escena de la naturaleza aparte de la casa, que obviamente es hecha por el hombre y es más geométrica y su estructura, todo lo demás es natural, los elementos orgánicos. Y es importante que los bordes a lo largo de estos elementos orgánicos incorporen mucha irregularidad, mucha imperfección, porque de lo contrario no va a parecer muy creíble. Como pueden ver, me aseguro de dibujar agradable y ligero. Y esto se debe a que tres razones principales. Número uno, no quiero rayar ni dañar mi papel de acuarela como estoy dibujando porque no voy a poder quitar esos rasguños más tarde. Número dos, quiero poder borrar mis errores y afinar mi dibujo a medida que avanzo. Porque dibujar y bosquejar es un proceso de refinamiento. Y número tres, no quiero poder ver a mi lápiz trabajar a través de mi pintura al final. Recuerda que la acuarela es transparente y si tus líneas de lápiz son muy, muy oscuras, probablemente las vas a poder ver a través de la pintura. Bien, entonces voy a volver y mostrarte exactamente cómo dibujé la casita. Y entonces voy a estar ofreciendo algunos consejos para dibujar árboles creíbles. Así que volviendo atrás y haciendo un poco de reproducción aquí, así que empieza con las verticales que visualizo para las esquinas de la estructura de la casa. Entonces esas tres verticales esencialmente me van a decir dónde está el plano frontal de la casa y dónde está el plano lateral de la casa. Así que somos capaces de ver desde esta perspectiva, es. Una vez que mis tres verticales están en mis esquinas, luego agrego en el pequeño techo. Ahora recuerden, tengo que visualizar esta estructura como una combinación de formas geométricas simples. Y las casas son estructuras compuestas, es decir, están conformadas por dos o más formas geométricas simples. En este caso, para esta casa, estoy visualizando el fondo o la estructura base de la casa como un prisma rectangular. Y luego el techo en la parte superior es un prisma triangular que está sentado encima del prisma rectangular. ¿Por qué estoy diciendo todo esto? Esto es importante. Si quieres progresar en tus habilidades de dibujo, tienes que visualizar lo que intentas dibujar como una simple forma 3D o una combinación de formas simples en 3D, tienes que reconocer que lo que sea estás dibujando tiene volumen, tiene diferentes planos o lados a él. Y hay que entender que esta estructura, al menos hasta cierto punto, para poder dibujarla de una manera creíble con un sentido creíble de forma 3D. Y también en perspectiva creíble, la forma que creé ahí mismo en el techo es un paralelogramo. Entonces las dos líneas horizontales, la superior y la inferior son paralelas y las líneas inclinadas, o líneas diagonales de la izquierda y la derecha son paralelas. Recuerda que las líneas paralelas son líneas que podrían correr en la distancia hacia infinito y nunca se cruzarían. Este es uno de los lados o planos que podemos ver de ese prisma triangular que está sentado encima de la estructura basada en prisma rectangular. Porque esta casa está sentada en la naturaleza en pasto y tiene plantas a su alrededor. Quería asegurarme de tener un borde irregular en la parte inferior para que mientras estaba pintando más tarde, pudiera hacer que pareciera que había hierba cubriendo ligeramente ese borde inferior de esa casa donde el borde inferior de la pared se encuentra con el suelo. No quería que esa línea estuviera limpia y afilada. Quería asegurarme de que pareciera que había pasto y plantas cubriendo esa sección, esa parte inferior de la pared. Después de meterlo con una perspectiva creíble y todo eso, luego agregué en esa pequeña puerta, pasando a unos consejos centrales para conocer en lo que respecta a dibujar árboles. Los árboles necesitan tener mucha irregularidad e imperfección a ellos. Porque a diferencia la estructura hecha por el hombre que ahora mismo estábamos dibujando, que era la casa. Se trata de elementos naturales orgánicos. No hay dos árboles exactamente iguales y tienen mucha imperfección de todo. Así que queremos mantenernos alejados del aspecto de líneas horizontales o verticales perfectas o cualquier tipo de línea suave en general, incluso si es una línea diagonal o inclinada, tratar de incorporar irregularidad a lo largo de las líneas que creas. Me gusta trabajar desde abajo y hacer mi camino hacia arriba. Entonces empiezo en la base inferior de ese tronco de árbol donde es más ancho, luego hago mi camino hacia arriba desde ahí. El tronco de árbol base grande generalmente se vuelve un poco o ligeramente estrecho a medida que sube. Y luego por supuesto, cada rama que sale de ese tronco de árbol base también se vuelve vez más estrecha o más delgada y delgada medida que sale del tronco del árbol. Siempre estoy saliendo y pensando en aspecto ahusado ese efecto ahusado tanto para el tronco de un árbol como para las ramas. Ahora bien, cuando se trata las formas específicas que creo, las ramas, simplemente voy por intuición y por lo que está sucediendo en el papel, no tengo nada planeado. Yo solo me aseguro de que en mi mente, tengo esa idea de mantener todo muy asimétrico. Estoy tratando de mantenerme alejado de la simetría. Es decir, no quiero que el lado izquierdo de mi árbol sea el mismo que el lado derecho de mi árbol. Si tuviera que cortarlo por la mitad, quiero que los que tienen sean diferentes entre sí. Quiero que todo sea asimétrico, así que estoy muy suelto sobre cómo dibujo mis ramas. Yo solo veo lo que pasa en papel y tomo decisiones a medida que voy agregando más ramas y este lado o el otro lado a diferentes alturas, saliendo de diferentes lugares en ese tronco principal del árbol y también en las ramas más pequeñas. Para que pueda tener mucha irregularidad y asimetría y no un patrón controlado planificado. Mira mirada organizada, eso no es algo a lo que voy a buscar. Lo mismo ocurre con la forma creada por las hojas del árbol. Traté de alejarme de lo que llamo un árbol con aspecto de piruleta. A veces sigo luchando con eso también. El día en que se trata de las hojas, traté de asegurarme de que la forma, la forma general que visualicé para las hojas es muy asimétrica y hay mucha irregularidad todo a lo largo. Por lo general los árboles que están fuera en la naturaleza así. No tienen una forma circular perfecta para ellos ni les agregan estructura. A veces cuando vamos a jardines hechos por el hombre, planeados y cosas así, sí vemos árboles que se cortan de formas muy específicas, estilizadas de formas específicas. Pero cuando los árboles están afuera en la naturaleza así, tiene que haber mucha irregularidad en todas esas hojas. Ahora, por lo general a la hora planear nuestras composiciones visuales, trataría de mantenerme alejado de las parejas. Entonces estos son dos árboles. Por lo general trataría de sumar un elemento en números impares y no en números pares. No obstante, debido a que tengo la casa a la izquierda, hay mucha asimetría presente en la composición en su conjunto. Y también traté de asegurarme de que los árboles fueran diferentes. Quería asegurarme de que el tronco del árbol en el árbol de la derecha es más, es más delgado, es más estrecho. El árbol de la izquierda y las formas generales y posicionamientos de las ramas es muy diferente de una y otra. Esto es para que no le cree un aspecto de sello a mis árboles. Entonces eso es algo que definitivamente recomendaría. Asegúrate de que haya diferencias entre tus árboles. Incluso puedes incorporar más diferencias como hacer que uno de tus árboles sea más corto que el otro, y cosas así. En términos generales, queremos asegurarnos de que hay mucha asimetría presente en la composición en su conjunto. Creo que logré un buen equilibrio en esta pequeña composición que creé a partir de la imaginación. Tener estos dos árboles más grandes que están más cerca de nosotros como espectador de esta escena en el lado derecho de la pieza. Y después tener la casita con otras plantas secciones detrás de ella a la izquierda. Aparte de esto, también tengo un buen número de elementos superpuestos en primer plano y el término medio y el fondo para que pueda asegurarme de que al final, habrá mucha profundidad sensación creíble de espacio abierto en esta pintura. Bien, así que prácticamente terminé con mi boceto preliminar. Como pueden ver, no he sombreado nada con mi lápiz. Y solo agregué en las formas generales más grandes que absolutamente necesito para pintar en los árboles, los arbustos, las plantas, la casa, todas estas áreas necesarias que tengo que entender las ubicaciones de los tamaños de y todo esto para que pueda pasar a pintarlos. Y eso es todo para esta clase. Tómese su tiempo para crear su boceto preliminar de esquema. Y cuando estés listo, adelante y únete a mí en la siguiente clase donde te voy a llevar a través de cómo creo mis primeras mezclas de colores y la primera parte de este proceso de pintura. Nos vemos ahí. 5. Proceso de pintura en casa y sendero A: Hola y bienvenidos a esta clase donde voy a estar llevándote a través de la primera parte de este proceso de pintura. Antes de saltar a la pintura, estaré mostrando cómo creo mis primeras mezclas de colores para prepararme para el éxito para el proceso que viene continuación planificando los colores que vas a estar incorporando al proceso de pintura y sabiendo cómo vas a estar creando las diferentes mezclas de colores que necesitas en el camino, vas a tener un proceso de pintura mucho más suave y es mucho más probable que vayas a llegar a grandes resultados después de reparar esas mezclas de colores que nos van a ayudar a empezar. Te estaré guiando a través esos grandes lavados iniciales de color. En estos lavados iniciales, vamos a estar usando mucho mojado sobre húmedo, lo que conducirá a bordes y transiciones agradables borrosos, suaves y difusos. Para crear mi mezcla de colores es que me vas a ver usar un pincel que en realidad no uso durante todo el proceso de pintura. Yo recomendaría simplemente ir con el pincel con el que te sientas más cómodo cuando estés creando tus mezclas de colores. Me gusta usar un pincel de tamaño mediano que me permita sacar un poco de agua de mi recipiente y además girar cómodamente las cerdas de mi pincel en ese pequeño pozo de pintura en mi paleta de mezcla de colores para traer algo de pintura a mis mezclas de colores. Si utilizo un pincel que es demasiado pequeño o demasiado grande, no voy a poder hacer esas cosas cómodamente ni sacar efectivamente suficiente agua de mi contenedor si es necesario. Voy por unas mezclas de colores agradables, jugosas aquí con un buen nivel de pigmentación o pintura en ellas, pero también algo de flujo de agua en ellas. Entonces, si has revisado mi curso de acuarela uno a uno, hablo todo sobre las diferentes consistencias para nuestras mezclas de colores que usamos cuando estamos pintando con acuarela que T como consistencia, la consistencia similar al café, la consistencia de la leche y la consistencia de mantequilla. Entonces lo que voy por aquí es en algún lugar entre el café y la leche como consistencia. Bien, entonces déjame hablar de lo que estoy haciendo aquí. Empecé creando mis dos mezclas de colores que estaría usando para mi cielo. Entonces, comenzando con la mezcla de colores en el extremo derecho, esa mezcla de color azul púrpura es una mezcla de azul cobalto más un poco de azul escarlata profundo más rojo es igual al púrpura. Quería asegurarme de que fuera más un púrpura azulado que un púrpura rojizo, para que pudiera integrarse muy bien con el azul del cielo. El azul al lado de eso es simplemente azul cobalto liso con un poco de agua en él. Ahora mismo, estoy empezando a crear mis mezclas de colores verdes. Entonces quiero un verde más oscuro y un verde más claro. El verde más oscuro que estoy creando en este momento es simplemente verde submarino llano con algo de agua en él. Y el verde más claro va a ser verde submarino más luz amarilla hansa. Y estos son los greens que voy a estar usando para el pasto y también para las hojas en mis árboles y todas esas pequeñas áreas de plantas que voy a estar pintando. Queremos asegurarnos de que nos estamos preparando para el éxito y sabiendo cómo vamos a desarrollar diferentes valores a lo largo las diferentes secciones de nuestra pintura. Y es por eso que quiero asegurarme de que desde el principio, sé cómo voy a estar creando mis verdes más oscuros, mis verdes medianos y mis verdes más claros al tener mi verde más oscuro, que es mi crema submarina, y trayendo la luz amarilla hansa. Sé que voy a poder crear una amplia gama de greens, desde verdes muy oscuros hasta verdes medianos y verdes más claros. Al cambiar y cambiar las proporciones de estos dos colores en mis mezclas de colores, puedo crear verdes muy, muy oscuros, verdes muy, muy claros, y toda la gama de tonos medios intermedios. Si vamos por más de una mirada creíble en una pintura. El valor es el número uno. Si vas con un color plano en toda una zona, eso no va a parecer muy realista. Porque en la vida real vemos una amplia gama de valores a lo largo de las diferentes secciones de lo que sea que estemos viendo debido a la estructura del objeto particular o restar que estamos dibujar o pintar los elementos alrededor de ese objeto o restarles que tienen colores y valores específicos y podrían estar impidiendo que esa luz golpee ciertas secciones de ese objeto principal debido a la situación de luz en la que se encuentra el objeto o el sujeto, todas estas cosas tienen un enorme impacto en los colores y los valores que vemos a lo largo de un sujeto. Y nunca vemos nada con un solo color o valor plano en todas partes. Entonces tenemos que prepararnos para el éxito y saber cómo vamos a estar desarrollando esa ilusión de luz y sombra y dimensión a lo largo de lo que sea que estemos dibujando o pintando. Y por eso es tan clave que planeemos los colores específicos que vamos a usar para una pieza y también los colores que vamos a traer a nuestras diferentes mezclas de colores para versiones más claras y oscuras de nuestros diferentes colores. Y finalmente, por aquí en esta sección superior de mi área de mezcla, estoy creando mis neutros, mis marrones para los que voy a usar. Pequeño camino para los troncos de los árboles, para la casita, para la pequeña barda alrededor de la casa. El neutro más ligero aquí en el extremo derecho es el ocre amarillo liso con algo de agua dentro. El marrón medio en el medio es una mezcla de ocre amarillo más umber crudo. Y por último, voy a estar creando un marrón más oscuro mezclando entre sí el umber crudo y el tinte neutro. Para una vez más, estoy preparando versiones más claras y versiones más oscuras de estos colores que voy a estar necesitando en estas secciones marrones a lo largo de mi pintura. Y con esto, sé que voy a ser capaz crear áreas más claras, áreas tono medio y áreas de sombra más oscuras para dar a todas estas cosas una sensación creíble de luz y sombra y dimensión. Me estoy tomando mi tiempo con este proceso y asegurándome de tener suficiente de todos estos diferentes colores. Porque en esa primera parte de este proceso de pintura, vamos a entrar rápido, mojados sobre mojados. Y vamos a estar agregando color a lo largo de la pieza. Vamos a estar pintando un lavado inicial a lo largo estas diferentes secciones y no queremos quedarnos sin nuestros diferentes colores. Bien, así que ya casi he terminado de crear mis primeras mezclas de colores que voy a necesitar para ese primer lavado en toda la pieza. marrón más oscuro aquí mismo es, como dije, una mezcla de umber crudo y tinte neutro. Voy a estar escatimando estos colores que me faltan para ti en mi pedazo de papel de acuarela. Y de esta manera puedes ver todos estos colores con los que estoy empezando, intercambiados por ti para que veas cómo se ven. Siempre me gusta tomarme mi tiempo para planear y preparar los diferentes colores que voy a necesitar para cualquiera de mis piezas antes de comenzar. Porque sé que escogiendo mis colores pensando conscientemente en cómo voy a estar repitiendo colores en mis mezclas, cómo voy a estar creando diferentes versiones de mis colores y también manteniendo mi colores limitados. Esto va a llevar no sólo a resultados más bien integrados, a resultados más armoniosos al final, sino que también me va a ayudar a mantenerme alejado de colores no deseados y Medina. Entonces eso puede suceder a lo largo del proceso si estoy al azar solo trayendo colores en el camino. Bien, así que con nuestras mezclas de colores iniciales listas para nosotros en nuestra paleta de mezcla de colores, es hora de comenzar con la primera parte de este proceso de pintura. Vamos a estar creando ese lavado inicial lo largo de esta pieza, mojado sobre mojado. Entonces, lo que me estás viendo empezando ahora mismo es que estoy haciendo pre boda usando mi cepillo plano grande de 1 "y agua limpia que estoy sacando poco a poco de mi contenedor. Estoy sacando un poco de agua a la vez. Y a lo que voy por aquí es un bonito brillo uniforme en toda mi hoja de acuarela. Esto lo estoy haciendo con cuidado. Yo sólo estoy deslizando. Mi pincel se eriza suavemente sobre mi papel de acuarela. No quiero afectar el dimensionamiento de mi papel entrando en bruto. Y como pueden ver, primero entré con trazos horizontales y luego voy a entrar con trazos verticales y voy a repasar todo, al menos diría cuatro a cinco veces. Depende totalmente del entorno en el que estés trabajando. Si estás trabajando en un ambiente frío, un ambiente cálido, un ambiente húmedo, un ambiente seco. Si tienes un ventilador en un sistema de calefacción, en una unidad de aire acondicionado, en algo así, va a afectar la rapidez o la lentitud con la que va a afectar la rapidez o tu pintura o tu papel empieza a secarse sobre ti. Y me refiero a lo largo de todo el proceso de pintura. Pero también en esta parte, es posible que encuentres que necesitarás tomarte un poco más de tiempo porque quizás el ambiente de trabajo en el que estás actualmente n simplemente no esté siendo de gran ayuda. Tómese su tiempo con este proceso de prelectura, asegura de que ninguna sección de su hoja de acuarela esté intentando demasiado rápido porque si es así, significa que probablemente necesite pasar más tiempo haciendo esa pre boda. Ahora bien, la razón por la que vamos a entrar y hacer esta pre boda es porque esta agua que estamos preparando, nuestro ancho de papel nos va a ayudar a hacer un par de cosas diferentes. En primer lugar, va a crear unas agradables transiciones suaves entre los diferentes colores que colocamos sobre papel. Estos bonitos gradientes orgánicos que son particulares este medio que se ven increíbles y realmente pueden ayudarnos a crear mucha profundidad en una pieza. Cuando combinamos bordes más suaves y efectos borrosos con bordes más nítidos que vamos a pintar más tarde encima de este lavado inicial, ese contenido de agua que estamos preparando, el ancho del papel nos va a ayudar a hacer eso. Pero también al hacer esta pre boda, nos estamos dando más tiempo de trabajo. Estamos ampliando el tiempo de trabajo que tenemos cuando estamos desarrollando todos esos tonos y valores iniciales en este primer lavado, todo a lo largo de todo. Lo que quiero decir con esto es que hay que recordar que cuando se trabaja en papel que está seco, ese papel seco tiene mucha sed. Absorbe esa pintura y comienza a secarse enseguida. Cuando colocas pintura sobre papel. Esto hace que te quedes con bordes definidos nítidos alrededor de las formas que pintas n, lo cual no es muy útil cuando estás pintando formas grandes, áreas grandes o tratando de crear grandes lavados . Es por ello que dejo técnicas mojadas sobre secas para etapas posteriores en mi proceso de pintura cuando estoy pintando en formas más pequeñas, buscando detalles más definidos y así sucesivamente y así sucesivamente. Pero al preparar nuestro papel con una capa de agua, estamos ampliando ese tiempo de trabajo. No tenemos que sentir tanto como si estuviéramos compitiendo contra reloj porque nuestra pintura está empezando a secarse demasiado rápido. Entonces estas son solo un par de razones diferentes por las que leer previamente nuestro papel es tan, tan útil, especialmente en las etapas iniciales del proceso de pintura. Si notas algún charco en alguna parte, probablemente vayas a entrar con un poco de demasiada agua. Pero no te preocupes, por eso tenemos nuestra toalla absorbente con nosotros. Y también puedes entrar con unas cerdas limpias y solo ligeramente húmedas de tu pincel. Pase las cerdas de su pincel sobre esa sección que tiene un exceso de agua en ella mucho las cerdas de su pincel en su toalla absorbente para eliminar ese exceso de agua y simplemente suaviza esa área con las cerdas de tu pincel nuevamente. Una vez que mi papel tuvo un agradable brillo uniforme en todo momento, era hora de comenzar con el proceso de pintura. Me cambié a mi tamaño cuatro cepillo redondo. Lo sumergí en mi agua porque estaba completamente seca y deberíamos preparar esas cerdas de pincel girando o pincel recipiente interior de agua antes de entrar en la pintura con ella. Una vez que estuvo agradable y húmedo, cargué las cerdas de mi pincel con una buena cantidad de azul cobalto. Se me cayó un poco de azul cobalto por toda la sección del cielo de una manera muy irregular. Y después de tener algo de ese azul cobalto y mi cielo, caí algo de mi azul púrpura aquí y allá también de una manera muy irregular para que pudiera tener una buena variedad de tonalidades en todas partes mi cielo. Yo quería que algunas secciones fueran azules y otras secciones que tuvieran ese azul púrpura. Y entonces ahora también se puede ver cómo dejé algunas secciones en mi cielo que parecen un poco como nubes porque no las pinté. Eso sucedió orgánicamente ya que solo estaba moviendo mi pincel alrededor de mi cielo de diferentes maneras. Y solo los dejé porque siempre es agradable incorporar ese tipo de efecto y crear esa ilusión de al menos un par de nubes. No te preocupes Si un poquito de esa barra azul púrpura empieza a sangrar hacia abajo. Esto va a suceder porque toda la página está mojada. No te preocupes por eso. Peligro creando todo este lavado. Realmente quiero animarte a abrazar los efectos que ocurren a medida que estás cayendo en tu color. No trates de entrar y jugar demasiado con esa pintura después de que se haya colocado sobre papel porque eso va a aplanar todo. Y también va a llevar a un look más sobrecargado de trabajo. Si lo haces demasiado. Después de pintar en mi cielo, llegó el momento de pintar en la hierba. Quité todo ese azul y azul púrpura de las cerdas de mi pincel. Y aún usando mi pincel redondo talla 14, primero uno y luego me dejé caer en mi verde más claro por toda la sección de pasto. En el término medio y en primer plano, tratamos de mantenernos alejados de caer en cualquier green directamente la casita y también en el pequeño camino o camino. Si un poco de verde desangró en estas áreas o formas, no me preocupé demasiado por eso una vez que tuvieron una buena cantidad de ese verde más claro por todas partes, entré y dejé caer un poco de verde más oscuro en secciones de sombras más oscuras donde imaginaba que estaban las plantas o plantas creando sombras. Entonces en este punto todo mi papel sigue siendo bastante húmedo, bastante viable. Ninguna sección ha llegado a ese incómodo estado semi seco en el que no debería estar haciendo mucho más. Y todavía tengo un par de cosas que quiero hacer en este lavado inicial antes de que mi papel empiece a secarse. Una de estas cosas es pintar en la lejana línea arbórea en la distancia justo a lo largo de la línea del horizonte. Entonces, para hacer esto, creé un azul verde mezclando mi verde submarino con mi azul cobalto. Una vez que tenían un buen azul-verde en mi paleta de mezcla, me encendí a mi pincel redondo de tamaño ocho y estoy cayendo algo de este azul-verde justo a lo largo esa línea de árboles que había esbozado anteriormente. Entonces, ¿por qué creé un azul-verde para pintar en estos árboles en la distancia lejana? Entonces, la razón por la que hice esto es por la perspectiva aérea o la perspectiva atmosférica. perspectiva aérea nos dice que La perspectiva aérea nos dice que cuanto más lejos estén las cosas de nosotros, más azul o más fría en la temperatura de color, van a ser las más turbas o borrosas que vas a ser. Entonces es por eso que quería pintar en esta línea arbórea en la lejana distancia mientras este papel aún estaba húmedo para que, ese contenido de agua pudiera ayudarme a crear ese efecto borroso. Si hubiera empezado a pintar en esta línea de árboles y la distancia lejana sobre papel seco, los bordes alrededor de las formas de mis árboles serían muy afilados y definidos. Y yo quería ir por el panorama borroso para que estos árboles parecieran que están lejos de nosotros. Y lo agrego a esa sensación creíble de profundidad creando un azul-verde, enfriando ese cloro. Justo aquí, me estás viendo caer en algunos de mi verde más oscuro y algunas secciones que quiero oscurecer un poco más y esas áreas de pasto. Y entonces voy a pasar a pintar en el camino usando al menos un par de mis neutrales que preparé para mí mismo. Así que siempre entro con el color más claro que preparé para el área que tenía a mano y luego oscurecí ciertas secciones dentro de esa forma más grande. Así que aún usando mi pincel redondo talla ocho, me vas a ver caer en algo de mi ocre amarillo primero a lo largo de ese camino. Y luego con ese ocre amarillo y voy a caer algo de mi marrón medio, mi ocre amarillo más el umber crudo. Y después de que termine aquí, va a ser cronometrado para permitir que todo se seque completamente y puedes sentirte libre de ayudarte con un secador de pelo si quieres acelerar ese proceso de secado, pero definitivamente se asegura que todo esté completamente seco antes de pasar a la siguiente parte de este proceso de pintura. Bien, así que justo antes de seguir adelante, quiero revisar la perspectiva aérea o atmosférica porque esta es una pieza clave de información para entender en lo que respecta a la perspectiva y la creación una sensación creíble de espacio abierto y profundidad en cualquier tipo de dibujo o pintura de escenas, paisajes, y cualquier cosa por el estilo que tengas que conocer. perspectiva atmosférica o aérea tiene que ver con cómo vemos las cosas en la vida real. En la vida real, si estás parado en un espacio muy abierto, vas a notar que la forma en que ves las cosas más cerca de ti es diferente de cómo ves las cosas que están más lejos de ti. No sólo las cosas se hacen cada vez más pequeñas a medida que se alejan de ti, claro, cosas enormes como montañas y cosas así siempre van a ser súper grandes en comparación con cualquier otra cosa. Digamos casas, edificios, árboles, autos, gente, cualquier cosa así va a parecer más pequeña cuanto más lejos estén estas cosas de ti. Esa es una pieza clave para incorporar a cualquier tipo de escena con el fin de retratar el realismo, ¿verdad? Pero aparte de eso, perspectiva aérea o atmosférica, nos dice que cuanto más lejos esté algo de nosotros, más fría en temperatura de color, va a ser más ligera en valor. Va a ser lo más arriesgado o borroso o menos definido o menos detallado. Va a ser en comparación con las cosas que están más cerca de ti. Entonces, de nuevo, esto tiene que ver con cómo vemos las cosas en la vida real, en el mundo real. Y por eso es tan importante que tomemos estas piezas de información y las incorporemos a nuestros dibujos o pinturas si buscamos algún nivel de realismo. Entonces, en esta escena, por ejemplo, I. aseguré de traer mi conocimiento de perspectiva atmosférica enfriando el verde que estaría usando para pintar en esos árboles en los más lejanos distancia en el fondo. Y también me aseguré de usar las técnicas que me permitirían crear una mirada más borrosa y arriesgada que voy a estar pintando los árboles más cerca de nosotros, mojados, en seco para que el bordes y los detalles y todo más nítido y Morgan fino creando esa distinción entre lo que está más cerca de nosotros y lo que está más lejos. Y esto va a llevar a una sensación más creíble de espacio abierto y profundidad. Y pon que todos terminamos con la primera fase de este proceso de pintura para paisaje. Número uno, una vez que hayas terminado con esta parte y tu pintura se haya secado, adelante y únete a mí en la siguiente clase. Nos vemos ahí. 6. Proceso de pintura en la casa y la ruta B: Hola de nuevo, amigos y bienvenidos a la segunda parte de este proceso para el paisaje número uno. Ahora que hemos pintado en esos lavados generales más grandes con suave borroso hacia fuera, difundido de hechos. Vamos a empezar con la pintura en las formas medianas de los elementos. Ahora vamos a estar usando técnicas que requieren una menor cantidad de agua y vamos a estar pintando sobre papel seco. No quiero darte ni una propina. Si por alguna razón ya no puedes ver formas o marcas o líneas importantes que has creado para ti mismo en tu proceso de boceto preliminar. Después de que esas capas iniciales de pintura hayan sido pintadas y se hayan secado, recomendaría bosquejarlas en, nuevamente con un lápiz. Siempre y cuando la pintura esté completamente seca, ciertamente puedes entrar y dibujar esas formas y líneas nuevamente si es necesario. Bien, sin mucho más preámbulos, sigamos adelante y saltemos. Cambié a mi tamaño seis cepillo redondo, que hasta ahora no he usado. Así que me aseguré de humedecer previamente esas cerdas escolarizando mi pincel en mi recipiente de agua. Y voy a empezar a pintar en la casa. Voy a usar mis neutrales para pintar en la casa. Y como pueden ver, estos pequeños charcos que había creado en mi paleta de mezcla están bastante secos. Entonces necesito hacer más de estos colores y necesito reactivar la pintura sacando un poco de agua en ellos. Entonces eso es en lo que estoy trabajando aquí mismo. Y una vez que esté listo, voy a empezar a pintar en la casa. Una vez más, siempre empiezo con el color más claro del manojo, que en este caso es el ocre amarillo liso con un poco de agua dentro. Voy a entrar con este color más claro. Y entonces mientras esta capa inicial de ocre amarillo de color más claro es húmeda, voy a seguir adelante y caer en algo del marrón medio para oscurecer ciertas secciones dentro de eso. A medida que estoy desarrollando todos estos diferentes valores de Brown a lo largo de los diferentes planos de esta casa. Estoy trayendo a la mente lo que sé que es cierto sobre el comportamiento ligero. Sobre todo porque en este caso, creé esta composición desde la imaginación y no estoy mirando una foto de referencia. Entonces, si voy por niveles medios a superiores de realismo con esta pieza, realmente tengo que pensar en cómo funciona la luz. Cómo se crea la sombra cuando una determinada sección de una estructura o plantas en ciertos casos están bloqueando esa luz y están impidiendo que esa luz golpee ciertas secciones. Todas estas cosas son muy importantes para recordar. Y así estoy pensando en qué llanuras de esta estructura están enfrentadas hacia la luz. Qué llanuras de la estructura se alejan de la luz, y cómo las diferentes partes de la estructura en sí mismas están creando sombras en otras secciones de la estructura. Entonces, por ejemplo, el pequeño techo, la forma en que sale un poco, esas secciones que están saliendo están bloqueando esa luz golpee la parte superior del avión justo debajo de ellas, la luz no puede llegar a esas secciones de esos planos. Entonces quiero que se vean más oscuros. Quiero crear un pequeño efecto de sombra trayendo el marrón medio o el marrón más oscuro. Depende del color que ya haya usado debajo. Entonces este plano izquierdo de la casa me imaginé que era opuesto a la fuente de luz. Entonces utilizo el marrón medio para pintar en todo ese plano inicialmente. Y luego entré a caer en algunos de los marrones más oscuros en esas zonas de sombra bajo la repisa del techo. Entonces este plano frontal de la casa que en realidad está orientado hacia la luz. Entré inicialmente con mi color más claro, el amarillo ocre, y estoy usando el marrón medio para crear ese efecto de sombra. Y el paralelogramo, ese es el plano de ese prisma triangular que podemos ver. Bueno, yo hice esa luz en sí misma porque es el plano más cercano para toda esta estructura, al menos en cuanto a los planos que podemos ver desde este punto de vista que está más cerca de la luz. Y en realidad no tiene ninguna otra estructura que cubra ninguna sección. Pero incluso en el techo, quería asegurarme de crear una variedad de valores. Entonces los planos que están mirando hacia la luz, quiero hacerlos más ligeros. Entonces me estoy asegurando de usar los colores más claros, así el amarillo ocre y quizás el marrón medio, pero luego el plano que está mirando lejos de la luz. Bueno, puedo entrar primero con un marrón medio y luego oscurecer ciertas secciones con el marrón más oscuro. Dentro de esa forma más grande de color marrón medio. Se puede ver como a lo largo de todos los aviones que conforman esta casita, tengo una variedad de valores. Tengo secciones más claras y tengo secciones más oscuras que se ven creíbles porque me trajo a la mente la estructura de la casa misma. Y también cómo funciona la luz, comportamiento de la luz también, como pueden ver, dejé irregularidad a lo largo del borde inferior de los planos de la casa para que pueda crear esa ilusión de plantas frente a la casa. Bien, entonces después de hacer ese trabajo en la casa, llegó el momento de dejar que todo se secara antes de intentar pintar en la pequeña puerta y otros pequeños detalles que voy a ser añadiendo a la casa más adelante. Mientras tanto, voy a estar haciendo algunos trabajos mojados sobre secos para pequeñas secciones de plantas y árboles. A lo largo de esta pieza, eliminé todo ese último marrón para las cerdas de mi pincel. Y sigo entrando con mi pincel redondo talla seis para estos pequeños elementos que ahora voy a estar pintando sobre papel seco. Entonces, antes de comenzar, lo que hice fue asegurarme de reactivar y hacer más de mis diferentes mezclas de colores verdes en mi paleta de mezclas. Quería asegurarme de tener un poco de verde más claro. Entonces mi verde submarino más mi Luz Amarilla Hansa está justo ahí en la parte superior. Tengo un poco de verde más oscuro, que es verde claro submarino con algo de agua en él. Y también creé un pequeño charco de azul verde. Así que el verde submarino más un poco de azul cobalto. Quería tener algo de ese azul verde a la mano para usarlo, especialmente para secciones de plantas y árboles en el término medio. Lo que estoy haciendo aquí mismo usando mi pincel redondo tamaño seis es que estoy pintando en los árboles detrás de la casa. Y como pueden ver, porque estoy pintando en estas formas de árbol sobre papel seco, me quedo con bordes afilados definidos alrededor de las formas que estoy pintando. A pesar de que voy por bordes definidos afilados alrededor de estas formas, todavía me estoy trayendo a la mente algunas de las cosas que me he estado asegurando de hacer hasta ahora. Entonces, por ejemplo, me estoy asegurando de crear mucha irregularidad en términos de la forma misma, como a lo largo de sus bordes. Pero también una regularidad en términos de, quiero crear una amplia variedad de valores verdes dentro de esa forma usando mis diferentes greens y también haciendo uso de la translucidez de los medios. Entonces lo que quiero decir es que quiero asegurarme de que ciertas secciones de esa forma, nuestras secciones más claras y más translúcidas y otras sean más oscuras y más saturadas. Para esas secciones de árboles y plantas detrás de la casa y el término medio, su mayoría usé mi avión verde submarino con agua en él, así como mi azul-verde que creé mezclando mi verde submarino con un poco de azul cobalto. Nuevamente, empecé con el más ligero de los dos, que es el avión verde submarino. Y luego se me cayó mi azul-verde, que en este caso es el color más oscuro de los dos. Nuevamente, se trata de desarrollar una amplia gama de valores verdes, desde verdes más claros hasta verdes de tono medio y verdes más oscuros. Esto es lo que va a aportar un nivel de realismo a este elemento o a esta capa. Y qué le va a dar un sentido de dimensión de luz y sombra. Incluso se puede ver como he dejado un poco diminutas secciones de ese papel pintadas con esta nueva capa de pintura. Y lo que se puede ver la capa anterior brillando a través destapada. Y esto crea una bonita ilusión de reflejos en ciertas secciones. Después de haber pintado en esos árboles y plantas en el término medio, voy a seguir adelante y comenzar con la pintura en las hojas en este árbol más cercano a nosotros en primer plano. Entonces para esto, encendí a mi tamaño ocho cepillo redondo porque este árbol es mucho más grande que los árboles más pequeños que estaba pintando en el término medio. Y como siempre, empiezo con la pantalla más ligera que voy a usar dentro de esta forma, que es mi verde más claro que creé mezclando mi verde submarino con mi Hansa Luz Amarilla. Entonces con perspectiva aérea nuevamente, estos elementos que nos están más cerca en primer plano van a aparecer más cálidos y temperaturas. Entonces es por eso que quería usar más de este verde más ligero que tiene tanto de ese amarillo en él, que obviamente es más cálido porque tiene tanto amarillo en él. Mucho más que los árboles y las plantas en el término medio, que son elementos que están más lejos de nosotros. Entonces inicialmente entré y creé una forma muy irregular con ese verde más claro, el verde amarillo. Y una vez tuve alguna cantidad de esa forma irregular muy abstracta para las hojas pintadas en. Empecé a usar mi verde más oscuro que estaría usando para este árbol de aquí, que es el verde submarino. Me recordó una vez más cómo funciona la luz y la estructura irregular de la porción foliar del árbol mismo, la redondez del mismo. Por supuesto, hay mucha irregularidad a lo largo de esa redondez. Pero si te traes a la mente una forma esférica, imagina cómo la luz afectaría a esa esfera. Cómo la luz golpearía la parte superior y menos la parte inferior. Y por todas las agrupaciones de hojas o agrupaciones regulares de hojas que se están cubriendo entre sí. Bueno, claro que tienes algunos valores más oscuros en todo momento. Pero, en general, si imaginas que la porción de las hojas es una esfera, entonces imagínese qué secciones de esa esfera tendrían la mayoría de los valores más oscuros para ellos. Si la fuente de luz se encuentra por encima de ella, si la fuente de luz es el sol. Y coloqué la mayoría de ese verde más oscuro que estaría usando en esta sección. En zonas donde me imaginaría que estarían secciones de sombras, se puede ver cómo usé el verde submarino y un estado un poco más saturado. Así que menos agua y más pintura en la parte inferior de las hojas donde me imagino que alcanzaría menos luz. Y me encantó más de ese más claro, más amarillo, verde, más verde translúcido en la sección superior de la porción de hoja donde la luz estaría golpeando más. Esto no quiere decir que no usé ningún verde submarino en las porciones medias o incluso superiores de esa área foliar, porque hay mucha irregularidad y diferentes agrupaciones de hojas crean sombras en el uno al otro. Significa que la mayoría del verde más oscuro saturado que usé o intenté caer, en las secciones más sombrías. Y debido a que trabajé rápido y me aseguré de caer en esa pared verde más oscura, ese verde más claro inicial seguía húmedo. Se puede ver como me quedé con agradables transiciones suaves entre mi diferente valor verde. Algo que también es clave a la hora pintar hojas es asegurarse de que estás dejando pequeñas ventanas o secciones sin pintar donde puedas ver a través los agrupamientos de hojas y entrar el fondo lo que me permite crear toda esta irregularidad a lo largo de las hojas y las diferentes secciones de plantas que voy a pintar a continuación es realmente permitir que el pincel haga lo suyo cosa y soltando con mi brazo y mi muñeca. No estoy tratando de controlar mi brazo y mi muñeca. Realmente estoy jugando y cambiando y cambiando la forma en que estoy usando mi pincel en términos del ángulo en el que lo estoy usando. Entonces a veces es más de un ángulo de 30 a 35 grados desde la superficie de mi mesa. Otras veces es más de un ángulo de 42, 45 grados, cambiando y cambiando el ángulo pero también ejerciendo a veces más, a veces menos presión sobre esas cerdas para que menos o más cantidad de esas cerdas están entrando en contacto con mis papeles. A veces es solo la punta de mi pincel y otras veces es todo el vientre de mi pincel que está entrando en contacto con el papel. Y toda esta variación de cómo estoy usando mi pincel me permite crear todas estas formas abstractas irregulares y todas estas áreas. Deja ir a jugar con él. No trates de controlarlo. Y todo eso te va a ayudar muchísimo a hora de pintar elementos orgánicos naturales. Entonces lo mismo para la pequeña sección de plantas debajo del árbol ahí. Primero entré con mi verde más claro, mi verde submarino más luz amarilla hansa. Entonces mientras esa capa inicial de pintura aún estaba húmeda, me cayó algo de mi verde más oscuro que estaría usando en esta forma, que es el verde submarino con un poco de agua en él. Entonces permito que eso se seque por completo y momento de pintar en la pequeña puerta de la casa, que por supuesto en este punto estaba completamente seca. Y eso lo pinté con mi marrón más oscuro. Entonces mi umber crudo más mi tinte neutro para esto, cambié a mi pincel redondo talla seis porque es una forma muy, muy pequeña y quería tener más control. Vas a notar que pinto en esa pequeña forma rectangular. Y luego lo que hago, de hecho vuelvo y levanto un poco de pintura para agregar un poco más de dimensión a esa área. Un poco de efecto de luz. Porque cuando entramos con demasiado color saturado, sobre todo cuando es tan oscuro, puedes terminar creando un agujero negativo en tu pintura. Todo vuelve a esa idea de querer cada área de tu pieza tenga una variedad de valores en ella, ¿verdad? Si entro con este marrón oscuro en un estado súper saturado a lo largo de esa pequeña pequeña forma rectangular que va a llevar a una forma muy dura, plana, de aspecto pesado. Así que pinté esa forma en. Elimino ese color para las cerdas de mi pincel. Regresé con un pincel ligeramente húmedo más limpio y simplemente levanté un poco de ese respaldo marrón para asegurarme de que haya al menos algo de una ligera variedad de valores en esa puerta. Y después de pintar en esa pequeña puerta, entré en jerga, ciertas secciones de sombras más oscuras nuevamente justo debajo de la repisa del techo, donde ese techo está creando una sombra en la parte superior porciones de esos planos laterales de la estructura de la casa o las paredes de la casa. Y entonces llegó el momento de pasar a pintar en el tronco del árbol y las ramas. En este árbol más cercano a nosotros en primer plano. Entonces para el tronco del árbol y las ramas, voy a estar usando mi marrón medio, que es mi ocre amarillo más mi umber crudo. Y entonces voy a entrar con mi marrón más oscuro solo para oscurecer ciertas secciones de sombras dentro de esa forma más grande. Este sigo siendo yo entrando con mi pincel redondo talla seis. Y nuevamente, inicialmente voy a entrar con un color más claro de los dos. Y después de haber pintado en esta forma, voy a entrar con mi marrón más oscuro ya que estoy pintando en el tronco del árbol y las ramas, estoy siendo muy cuidadoso. De nuevo, teniendo esa mirada cónica en mente. Especialmente cuando estoy pintando en las ramas más pequeñas, estoy tratando de hacerlo con un solo trazo porque sé que si entro con múltiples pinceladas, voy a empezar a ensancharme, haciendo esas pequeñas ramas que quiero que sean muy delgadas. Voy a empezar a hacerlos más gruesos y gruesos si entro con múltiples pinceladas, así que en la medida de lo posible, quiero entrar con una sola pincelada para las ramas más pequeñas. Caballo con las ramas más pequeñas que quieres estar tocando solo la punta de tu pincel a tu papel para ese aspecto muy delgado y cónico. Ahora, la consistencia de tu pintura tiene que ser útil y para que puedas pintar una línea consistente, cotizar sin comillas, para esas ramas porque tu mezcla de pintura es muy buena demasiado seco, entonces probablemente no vas a poder cargar las cerdas de tu pincel lo suficiente como para poder pintar una línea fluida consistente. Vas a empezar a cepillar en seco y esa pintura simplemente no va a fluir hacia abajo al mismo tiempo, si tu mezcla de colores es demasiado acuosa, probablemente vas a encontrar que entras, intentas pintar esa rama, y realmente no vas a poder verla. Entonces tal vez quieras entrar instintivamente y pintarlo de nuevo. Y de repente creas una rama muy gruesa o una muy borrosa de grasa porque tu papel está húmedo de ese trazo anterior que hiciste. Así que asegúrate de que la consistencia de tu pintura sea útil cuando vayas a agregar en esas ramas. Y si hay alguna duda, por eso siempre recomiendo tener trozos de papel de desecho mano trozos de papel de desecho para que puedas probar lo que sea que necesites probar. Practica lo que necesites practicar antes hacerlo realmente en tu pintura. Practica pintar líneas finas y cónicas en tu pedazo de papel de acuarela y luego sigue adelante y hazlo en tu pintura. Yo entraría con un café o leche como consistencia para esas ramas. Bien. Entonces después de haber pintado en el tronco del árbol y las ramas de este árbol más cercano a nosotros, ahora es el momento de comenzar con la pintura en la porción de hoja del segundo árbol que está detrás de éste. Para ello, me encendí a mi talla ocho cepillo redondo. Ahora, como mencioné antes, es muy importante que comuniquemos lo que está más cerca de nosotros como espectador de la escena y lo que está más lejos. Una de las formas en que personalmente decidí hacer esto en este proceso es acercarme a estos dos árboles por separado, permitiendo que el árbol anterior, especialmente la porción foliar del árbol anterior, se seque completamente antes de pintar el segundo árbol en. ¿Por qué? Porque si no esperaba, entonces todos esos verdes de las hojas de los árboles anteriores estarían sangrando en las hojas de los segundos árboles. Y podría arriesgarme a crear una sola gota que encapsula las hojas para ambos árboles. Y no habría esa distinción entre lo que es árbol es cuál. Entonces por eso decidí acercarme a ellos por separado. Y me aseguré de que el árbol anterior, especialmente la porción foliar del árbol anterior, estuviera completamente seco antes de comenzar a pintar en la porción foliar del secundario. Ahora otra cosa que quiero que noten es cómo me estoy asegurando de que, solo en general, en términos generales, las hojas y el segundo árbol detrás de este árbol más cercano a nosotros estén ligeramente más ligeras que las hojas del árbol más cercanas a nosotros. Los colores y las técnicas que utilizo son los mismos para las porciones foliares de ambos árboles. En el segundo árbol, también entré con mi verde más claro que creé mezclando mi verde submarino y mi Luz Amarilla Hansa. Y luego me caí en mi verde más oscuro, que era solo el verde submarino llano con un poco de agua en él. Sin embargo, utilizo estos colores en un estado un poco más bajo de agua. decir, si uso más de una T a la leche como consistencia para pintar las hojas del árbol en el primer plano más cercano a nosotros, que me aseguré de que la consistencia de mis colores que solía pintar en esas hojas en el segundo árbol estaban más entre la T y un café como consistencia bastante aguada. Porque recuerden, una de las cosas que nos dice la perspectiva aérea es que cosas más cercanas a nosotros van a tener un valor más oscuro que las cosas detrás de ellas. Ojalá puedas ver como sobre todo usé menos de ese avión verde submarino en ese segundo árbol, también puedes cambiar y cambiar las proporciones de tu amarillo y verde y tus mezclas de colores y hacer seguro que las mezclas que uses para tu árbol que está más lejos tienen un poco más de amarillo en ellas que verdes en ellas. Bien, Entonces después de haber pintado en las hojas del segundo árbol, entré directo y comencé a pintar el tronco del árbol y las ramas usando mi pincel redondo tamaño seis. Y me vino a la mente todas esas diferencias que planeé desde mi proceso de boceto, quería asegurarme de que la forma tanto para el tronco de árbol como para las ramas de mis dos árboles fueran muy diferente. Así que quería asegurarme de que el tronco del árbol y el segundo árbol fueran más estrechos y que la forma general fuera diferente a la del primer árbol de aquí mismo. Sólo estoy terminando profundizando y oscureciendo algunas sombras, secciones en los troncos de los árboles y ramas en ambos árboles. Y con eso, todos terminamos con esta segunda fase para este paisaje. Cuando estés listo, adelante y únete a mí en la siguiente clase, donde vamos a terminar esta pintura con las formas y detalles más pequeños y realzando texturas. Nos vemos ahí. 7. Proceso de pintura en la casa y la ruta C: Hola y bienvenidos a la tercera parte del proceso de pintura para este paisaje inicial en este curso. En esta parte del proceso, nos estamos enfocando en agregar más contraste, profundizar y oscurecer áreas para comunicar una sensación de profundidad más creíble, especialmente porque la acuarela tiende a secar más ligero que como se ve cuando está mojado. Entonces vamos a estar profundizando y oscureciendo ciertas secciones. Y simultáneamente a esto, vamos a estar agregando detalles finales y aportando técnicas que nos van a ayudar a mejorar las texturas. Vamos a saltar a la derecha. Era el momento de permitir que esos árboles se secaran por completo. Y ahora voy a hacer algunos trabajos en las secciones de pasto. Entonces quiero agregar algunas plantas más aquí y son más de esa estratificación que va a proporcionar intereses en profundidad en la pieza de escena. Voy a profundizar algunos valores y ciertas secciones para aportar más profundidad, más un efecto de luz y sombra. Y junto a esto, también voy a hacer algún desarrollo de valor en el pequeño camino. Así que volví a encender a mi talla ocho cepillo redondo. Pensé que era más de un tamaño apropiado para este tamaño de formas o espacios en los que vamos a estar trabajando. Y lo que me estás viendo hacer ahora mismo es que de pronto estoy empezando a oscurecer cierta sección aquí mismo, justo detrás de esta porción de pasto en primer plano. Donde quiero crear un poco de efecto de sombra porque quiero levantar esta sección de pasto en primer plano donde están los dos árboles. Yo quiero plantearla. Quiero que parezca que está ligeramente por encima de esta sección inferior en el término medio donde el camino se curva hacia detrás de los árboles. Y por mí oscureciendo esa sección detrás de esta porción de agarre en primer plano, estoy creando esa distinción entre lo que es qué y estoy levantando esta sección solo por mí oscureciendo repentinamente esa zona con un tono medio un poco más oscuro verde. Y de nuevo, empecé con el verde más ligero, que era mi Hansa Yellow Light más el verde submarino. Y aunque eso todavía estaba húmedo, me caí un poco de un verde más oscuro que creé al agregar un poco más de ese verde submarino en mi pantalla más ligera. Entonces en mi paleta viste ahí mismo cómo creé un tono medio entre mi verde más claro y mi avión verde submarino mezclando ambos juntos. Después de trabajar en esa zona, ahora estoy agregando algunas plantas y solo una ilusión de árboles más alejados en el término medio. No quería ir tan oscuro como los greens que usé detrás de la casa. Quería crear un poco de efecto de luz en esta línea de árboles que agregué en el término medio. Así que me aseguré de entrar agradable y translúcido, agradable y regar con mi color para que los árboles detrás de la casa y esta nueva línea de árboles no comenzaran a fusionarse, solo asegurándome de que el valor slash color en las capas, las diferentes capas que creo a lo largo esta escena son diferentes entre sí. Y aunque no usé mi azul-verde en esta línea de árboles más lejana que acabo de agregar, aún hice ese valor más ligero que los árboles que pinté detrás de la casa, que es uno de las cosas clave que nos dice la perspectiva aérea. Recuerda que puedes usar solo una de esas cosas que nos dice la perspectiva aérea, o un combo de todas esas tres cosas mayores que nos dice. Recuerda su nivel de detalle o borrosidad a la nitidez, su valor, significando ligereza a oscuridad, y su temperatura de color. Entonces, qué cálido o qué frío es el tono que estás usando, especialmente en relación con los otros tonos a su alrededor. Y recuerda, cuanto más cerca está algo de ti, generalmente cuanto más oscuro en valor, mayor es el detalle y nitidez y más cálida en la temperatura de color. Y puedes decidir si quieres usar solo 12 o un combo de todas estas tres cosas para crear una sensación creíble de espacio abierto y profundidad en tus escenas. Y esto va tanto para dibujos como para pinturas. Bien, así que hace apenas un momento me viste trabajar en el camino un poco más. Simplemente desarrollé un poco más de medios tonos más oscuros y oscuros más oscuros. Y permito que los valores anteriores más claros y áreas resaltadas se dejen solos sobre pintados con esta segunda capa de pintura. Así que solo me enfoqué en profundizar y oscurecer ciertas secciones de sombras en el camino que quería empujar un poco más mientras dejaba la capa anterior completamente brillando y más clara áreas de valor, visualizo donde quería profundizar y oscurecer ciertas secciones de sombra. Entré primero con mi marrón medio y luego con mi marrón más oscuro. Y me aseguré de ver todas estas formas de sombra como formas abstractas e irregulares. Mantenerse alejado de la pesadez, mantenerse alejado de las líneas y cualquier cosa por el estilo que pueda retraerse del nivel de realismo que estoy tratando de crear. Después de trabajar en eso, lo cambié a mi tamaño seis cepillo redondo y estoy trabajando en secciones de plantas más pequeñas en este momento tratando de desarrollar un poco más de textura. En este punto, estamos oficialmente en lo que me referiría como la etapa final de este proceso de pintura. Ahora me estoy enfocando más en formas más pequeñas que conducen a texturas visuales, detalles más pequeños que tal vez quiera agregar y ese tipo de cosas. Así que siempre voy de los lavados generales más grandes que hago mi camino hacia las formas medianas, aún enfocándome en general en el valor. Y luego dejo los detalles y texturas más pequeños que quiero empujar un poco más, ese tipo de cosas hasta el final, que es donde estamos ahora mismo. Después de haber añadido en un poquito de una sutil textura de hierba frente a la casa y también a lo largo de uno de los bordes del camino mediante el uso de una mezcla de garabatos y equilibrio, que por cierto, en mi curso uno a uno de acuarela, incluyo una clase pinceladas básicas y ejercicios de práctica para principiantes donde explico en profundidad todo sobre rebotar y garabatear. Y te proporciono ejercicios para principiantes, los cuales te van a ayudar a mejorar control de tu pincel y te van a ayudar a lograr todos estos detalles y texturas en piezas más completas mucho más con éxito. Lo que estoy haciendo ahora mismo es esencialmente la técnica de balanceo. Todo esto es, es que voy a entrar y usar una especie de movimiento de estampación arriba y abajo con solo la punta de mi pincel aquí. Y esto me ayuda a crear un poco de textura de hoja, un efecto de hoja. Me puedes ver girando mi pincel en mi mano y todo tipo de posiciones diferentes. En lugar de simplemente apegarme a un mismo ángulo o posición, estoy rotando mi mano en mi reposo y todo tipo de formas diferentes. Estoy haciendo todo lo posible para no ir por la borda porque menos es más cuando estamos pintando con acuarela. Pero realmente siento que agregar un poco más de detalle y textura a estos árboles, especialmente en primer plano, va a ayudar de nuevo a crear esa distinción entre lo que está más cerca de nosotros y lo que está más lejos, lo que se suma a la profundidad. Después de haber terminado con ese rebote, ahora es el momento de cambiar a mi pincel más pequeño que elegí para este proceso, que es mi pincel redondo tamaño tres de Princeton. Y voy a estar usando este pincel para hacer mi movimiento de parpadeo y crear un poco de textura de hierba. Nuevamente, estoy haciendo todo lo posible para no exagerar con estos detalles y texturas finales. Entonces solo voy a estar agregando algunas briznas de hierba aquí y allá, especialmente en primer plano. Sin embargo, diré, que tenemos que recordar si vamos a estar agregando briznas de hierba en secciones que están más cerca de nosotros como espectador de la escena, probablemente deberían ser un un poco más, por lo menos. Después briznas de pasto que agregamos en secciones en la escena que están más lejos. Esto también tiene que ver con la perspectiva, ya que estoy haciendo estos movimientos de movimiento hacia arriba para crear estas briznas de hierba cónicas. Se puede ver como estoy haciendo mi mejor esfuerzo para tenerlos ligeramente curvados hacia una dirección o hacia la otra para que no tenga líneas verticales ascendentes completamente rígidas que creo eso va a llevar a rigidez y planitud y no va a parecer muy realista. Y también me aseguro de agruparlos o agruparlos diferentes maneras para que todo se vea más natural. También me estoy asegurando de que haya mucha irregularidad presente cuando se trata de cómo estoy distribuyendo estas briznas de pasto, son estas agrupaciones de pasto a lo largo de toda la porción de pasto. Irregularidad en cuanto a todo, cómo se están curvando hacia esta y hacia esa manera, cómo se están agrupando, sus longitudes, dónde están ubicados en el espacio, etc. Bien, entonces aquí estoy finalmente va a estar agregando en la pequeña barda alrededor de la casa. Y sigo usando mi pincel redondo talla tres para esto. Estoy usando mi marrón más oscuro. Entonces este es mi umber crudo más un poco de tinte neutro. Y estoy agregando un poco de agua a esta mezcla en mi paleta para que pueda regarla un poco. Lo conseguí a un café como consistencia porque no quiero ir en súper, súper saturado. Quiero entrar solo con la punta de mi pincel. E incluso con la barda, quiero crear mucha irregularidad a lo largo de ella. Entonces primero me puse en marcha con las dos horizontales para esa barda era que las horizontales están en. Luego creo los pequeños postes o los verticales, juntando esas dos horizontales. Ojalá puedan ver cómo hice lo mejor que pude para tener alguna irregularidad e imperfección lo largo de la cita sin comillas, líneas que utilizo para crear la barda. No quería tener líneas rectas perfectamente horizontales o rectas verticales. Quería alguna irregularidad en todo momento porque si tengo líneas perfectas ahí, probablemente eso va a parecer muy rígido, muy poco natural. Y también porque estas son líneas esencialmente las que estamos creando para retratar esa barda, las líneas pueden ser muy, muy distrayentes, sobre todo cuando las agregas con un color muy oscuro como este oscuro marrón que estamos usando. Así que asegúrate de que la consistencia de tu marrón no sea tan seca que se vea increíblemente, increíblemente oscura tiene que lo estás acostando. Y también se asegura de incorporar esa irregularidad y esa imperfección. Ten esa variación de peso de línea a lo largo de las líneas que estás creando. Así que ciertas secciones de esas líneas sean claras o más translúcidas o más delgadas, y otras secciones de esas líneas sean más oscuras y gruesas. Y eso va a ayudar a que esas líneas se vuelvan más naturales y que distraigan menos. Después de haber terminado con esa barda, utilizo mi pincel redondo tamaño tres para agregar también un poco de efecto de textura en el techo de la casa. Y eso lo hice con mi marrón medio. Me aseguré de que de nuevo, incorporé esa variación de peso de línea en esas líneas que agregué para esos detalles en el techo de la casa y que esas líneas que creé no eran demasiado de aspecto descarado o demasiado distrayente. Y finalmente volví a encender a mi talla seis cepillo redondo. Y estoy agregando algunas briznas finales de hierba, asegurándome de que estoy tomando descansos en el camino y de que no me vaya por la borda con agregar demasiado pasto. Es súper fácil de hacer. También quieres asegurarte de que el verde que vas ancho no sea súper oscuro y saturado, sobre todo si vas a estar agregando esas briznas de hierba sobre un fondo que es muy ligero porque ese contraste va a hacer esas líneas que usas para tus briznas de hierba muy duras y muy distrayentes. Así que siempre considera el valor que ya tienes debajo y luego te aseguras de que el color que estás usando y la consistencia de ese color no van a ser súper contrastando en ese color de fondo. Y con eso, todos terminamos con este primer paisaje. Yo sí quiero animarte, si no terminaste con resultados que te gusten, dale a este ir el uno al otro. Porque ahora que has pasado por el proceso una vez tienes muchas más probabilidades hacer estas técnicas y el método general con mucho más éxito. He estado trabajando con acuarela o desde 2,015.2, el día, todavía encuentro que tengo que trabajar en la misma pieza dos o tres veces antes de que realmente me guste mi resultado final, especialmente cuando se trabaja con un nuevo tipo de resta o un tema que no he practicado recientemente. Esto es completamente normal y también es por eso que a menudo me gusta usar solo la mitad de mi hoja de acuarela para poder practicar la misma pieza más de una vez usando una misma hoja. Entonces esas son solo algunas cosas a tener en mente a medida que avanzas en tu viaje con la acuarela, acuarela no es un medio fácil de ninguna manera. No es muy indulgente. Pero te prometo que con una práctica consistente, vas a tener más confianza. Vas a divertirte más durante todo el proceso y vas a llegar de manera más consistente a resultados que te encantarán. Entonces ahora que hemos completado el paisaje número uno, pasemos al segundo. Nos vemos en la siguiente clase. 8. Suministros de colinas y flores: Hola de nuevo antes de saltar al proceso de boceto preliminar y luego al proceso de pintura para el paisaje número dos, nuevamente estaré compartiendo sobre los suministros de arte que me aseguro de tener a mano. Entonces en cuanto a mi papel, voy a estar usando una hoja de papel de acuarela de prim rosier. Se trata de papel acuarela de prensa fría. Tiene 140 libras de grosor o de peso. De hecho, corté una de estas hojas en dos mitades. La pequeña lámina de acuarela en la que me vas a ver trabajar es de 8 "de ancho y 6" de alto. Ahora, depende totalmente de ti si quieres hacer lo mismo que yo y usar solo la mitad de una de tus hojas de acuarela o si quieres usar la hoja completa. Entonces la pintura que voy a usar es toda de Daniel Smith. Voy a estar usando siete colores diferentes y estos colores son amarillo, ocre, siena quemada, Hansa, Yellow Light, Scarlett profundo, azul cobalto, verde submarino y tinte neutro. De ninguna manera tienes que usar exactamente estos mismos colores que voy a usar. Quiero animarte a que uses lo que tengas que sea más parecido a lo que estoy usando. Y como siempre, voy a estar vistiendo mis colores antes comenzar con el proceso de pintura para que puedas ver cómo se ven en papel y elegir lo que tengas que es más parecido a lo que voy a usar. Voy a estar usando para diferentes pinceles. Voy a estar usando un pincel plano de una pulgada de Royal y el juego de líneas Zen de acuarela Nichols rezagada. Voy a estar usando un cepillo de fregona tamaño seis de la línea Princeton Neptune. Y voy a estar usando dos pinceles redondos diferentes de Princeton, línea Aqua Elite en tallas 10.3. Aparte de estos suministros, también tengo mi contenedor con agua limpia, que me aseguro de cambiar a lo largo del proceso de pintura. Y te recomiendo encarecidamente que también lo hagas. Siempre que veas que tu agua empieza a tornarse turbia, asegúrate de seguir adelante y cambiarla. Y también puedes seguir adelante y usar dos o incluso tres recipientes con agua. Si no quieres levantarte tanto para cambiar tu agua, eso es algo que definitivamente puedes hacer. Usa dos recipientes y luego uno de tus recipientes esencialmente lo usas para enjuagar tu pincel para que la mayor parte de esa pintura se quede y ese recipiente más sucio. Y luego el otro recipiente que usas para tomar agua siempre que sea que necesites agua para técnicas específicas o lo que necesites para sacar algo de agua para cambiar la consistencia de sus mezclas de colores en su paleta. Puedes tomarlo de ese segundo recipiente o del que tenga un agua más limpia. mí personalmente no me importa tener que levantarme para cambiarme el agua porque no me gusta sentarme demasiado tiempo, pero esto depende totalmente de ti. Lo que sea que decidas hacer, solo asegúrate de vigilar lo sucia que se está volviendo esa agua porque definitivamente puede ensuciar o ensuciar tus colores vibrantes en tu pintura si no tienes cuidado. Bien, aparte de eso, también tengo un trozo de papel de acuarela mano para que pueda probar los colores y la translucidez es, voy a estar trayendo en una paleta de mezcla de acuarela separada. Y esto es solo para que puedas tener una mejor comprensión de la consistencia de mis mezclas de colores que estoy creando y usando a lo largo de este proceso de pintura. Y para que pueda mantener mis mezclas de colores separadas y más organizadas de lo que permite esta paleta en particular que estoy compartiendo ahora mismo en pantalla porque esta otra paleta que voy a ser usando tiene pozos separados. Tengo un rollo de cinta adhesiva regular de tres cuartos de pulgada. Y esto es lo que uso para pegar mi hoja de acuarela en mi tapete de corte negro, que es lo que estoy usando actualmente como tabla de respaldo. Y todo lo que me aseguré de hacer cuando uso cinta adhesiva normal para pegar mi papel de acuarela es que me aseguré de pasar mis trozos de cinta adhesiva sobre mi ropa tres o cuatro veces, suavizar ese adhesivo y hacer que sea menos probable que todo dañe mi papel al final cuando lo quito, también me aseguro de tener a mano una de mis toallas absorbentes Scott azules, lo cual es absolutamente esencial para poder quedarme parte superior del control de agua y realizar cualquier elevación que pueda necesitar hacer en el camino. Me encantan estas toallas absorbentes Scott azules. Puedo reutilizarlos muchas veces antes de tener que tirarlos a la basura. Y por último, también tengo a mano algunos suministros para bosquejar. Estoy en un poco, me vas a ver crear mi boceto de contorno usando mi lápiz HB. También tengo a mano una goma de borrar de grafito suave para corregir errores en el camino mientras estoy creando mi boceto. Y mi goma de borrar amasada, que es esa cosa de chicle masticado azul que mira ahí mismo en la pantalla, que solía tocar suavemente sobre mi boceto para blanquear cualquier trabajo de lápiz o deshacerme de cualquier exceso de grafito antes comenzar con el proceso de pintura. Entonces eso es todo en cuanto a mis suministros de arte. Siempre que tengas todo listo contigo, adelante y únete a mí para la siguiente clase. 9. Hojas y flores: Hola y bienvenidos de nuevo a clase. En esta, te estaré guiando a través mi proceso preliminar de bosquejo a lápiz para el paisaje número dos, una vez más, voy a estar compartiendo información y consejos musulmanes. Te van a ayudar a crear bocetos preliminares exitosos para cualquier paisaje acuarela en el que desees trabajar en el futuro. Empecemos. Entonces voy a seguir adelante y preparar mi lápiz de dibujo HB. Esto es lo que me gusta usar para crear mis bocetos preliminares antes de comenzar con un proceso de pintura en acuarela porque un lápiz HB sostiene grafito en su núcleo que no es demasiado duro y no demasiado blando. Y esto me permite crear un boceto preliminar relativamente limpio y ligero que no va a ser súper visible a través de mi pintura translúcida. Pero incluso dentro de esto, me gusta asegurarme de que estoy dibujando a la ligera para poder borrar errores fácilmente para que no raye ni dañe mi papel de acuarela. Y también porque no quiero poder ver a mi lápiz trabajar a través de mi pintura al final. Entonces, como con cada proceso de boceto mío, siempre empiezo con formas generales más grandes y me camino hacia formas y detalles más pequeños. Entonces lo que esta pieza de paisaje, no tengo una línea de horizonte completamente horizontal, que es lo que siempre agrego primero cuando estoy dibujando paisajes o escenas, me gusta asegurarme de establecer el línea del horizonte, que es nuestro nivel de ojos como espectador de la escena. Pero en este caso, quería crear un paisaje muy montañoso o una escena de naturaleza. Y yo quería tener muchas diagonales, más como un acantilado en este caso en el que va a estar esta casa, este camino va a estar en la colina. Primero agregué en esos grandes cerros o las ligeras diagonales, claro, con mucha irregularidad a lo largo de esos bordes. Porque en una escena de la naturaleza, debería haber irregularidad en todas partes. Si solo usamos líneas rectas o simetría o las cosas se ven un poco demasiado organizadas. Las cosas están igualmente distanciadas y cosas así. No va a parecer muy creíble. Así que siempre que estés dibujando o incluso pintando una escena de la naturaleza o un paisaje, siempre ten en mente esa irregularidad e imperfección. Excepto por supuesto, a la hora de agregar algo que sea hecho por el hombre o más geométricamente, que en este caso tenemos una casita. Y cuando se trata de la casita, claro, la casa está conformada por formas más geométricas. Me gusta visualizar un prisma rectangular como base de la casa y un prisma triangular sentado encima de esa base prisma rectangular. Entonces esta es una estructura compuesta, una forma compuesta, lo que simplemente significa que es una combinación de dos o más formas geométricas simples. Entender lo que sea que estés dibujando como tener masa, tener volumen, y está conformado por diferentes planos es importante para que puedas abordarlo de manera efectiva y seca ello. Perspectiva ineficaz. Voy a detener el video aquí y hacer un poco de rebobinado para que pueda llevarte a través de los pasos para dibujar la casa. Y luego volveré a explicar cómo estoy dibujando este árbol en primer plano aquí. Bien, así que lo primero que hice fue dibujar las tres líneas verticales que serían las esquinas de la casa. Podemos ver desde esta perspectiva, desde este punto de vista. Esto quiere decir que a donde estamos enviando de ver esta casa pudimos ver dos de sus aviones. Es plano frontal donde está la puerta y también el plano lateral más grande o el plano lateral más largo, sí agregué en una línea irregular a lo largo de la parte inferior. Y esto se debe a que esto me va a ayudar a crear más de una ilusión de plantas que se superponen a esa sección de la pared. Más tarde, una vez que tengo eso en, agregué en el techo. Y el techo, como dije, es un prisma triangular que está sentado encima de esa base prisma rectangular. Para conseguir eso, la manera más sencilla posible, primero me encargué de ese triángulo pico que estaría encima de la puerta en el plano frontal de la casa. Y luego simplemente repliqué esta línea angulada o inclinada a la derecha de ese triángulo en la parte trasera de la casa. Y quería asegurarme de que estas dos líneas fueran paralelas. Las líneas paralelas son líneas que nunca se cruzarían. Entonces, si yo extendiera estas líneas hasta el infinito, nunca se cruzarían. Y luego simplemente agregué en las horizontales, la horizontal superior e inferior de ese prisma triangular. Después de hacer eso, borro cualquier línea innecesaria que ya no necesito con mi goma de borrar de grafito suave. Y vas a verme agregar en la puertita, la pequeña forma de rectángulo. Bien, entonces después de agregar en la casa, sí agrego en forma irregular detrás de la casa que van a ser árboles. Y finalmente, llegó el momento de sumar en este árbol más cercano a nosotros en primer plano. Entonces a la hora de dibujar los árboles, siempre tengo en mente la irregularidad , la imperfección y la asimetría. Empiezo desde abajo y me dirijo hacia la cima. No tengo ninguna mente específica en forma de árbol cuando estoy dibujando árboles, solo solté mi mano y mi muñeca y simplemente empiezo a agregar esas formas de una manera muy irregular. Y luego basado en lo que estoy viendo pasando en papel sobre las formas que estoy creando. Entonces me aseguro de que las siguientes formas que sigo creando nuestras muy diferentes de esas formas. Y no se colocan de manera organizada que vaya a llevar a la simetría o rigidez ni nada por el estilo. También se asegura que cuando estoy dibujando árboles y troncos y ramas de árboles, tengan al menos un aspecto ligeramente cónico para ellos. Por lo general, la parte inferior del tronco o la base del tronco del árbol es más ancha y se vuelve un poco más estrecha. Y luego por supuesto, las propias ramas, medida que salen de esa base o tronco de árbol principal, también se vuelven cada vez más estrechas. Hago mi salida y me aseguro que las ramas se vuelvan cada vez más delgadas. Y por último, sigo adelante y agrego en la porción de hoja del árbol. Y también me aseguro de tener mucha irregularidad en mente para no crear accidentalmente un árbol con aspecto de piruleta, lo que sin duda puede suceder muy fácilmente. Quiero crear una simetría e irregularidad e imperfección. Este árbol en primer plano nos va a ayudar a crear mucha profundidad en esta pieza. A la hora de dibujar o pintar escenas o paisajes, siempre tenemos que pensar esa estratificación que está pasando. Entonces, ¿qué elementos tenemos en el fondo? ¿Qué elementos tenemos en el término medio? ¿Qué elementos tenemos en primer plano? Porque es esa estratificación de diferentes elementos, así como las técnicas que aportamos a lo largo del proceso de pintura. Ya sea que los abordemos mojados sobre mojados o mojados sobre secos, eso va a llevar a una sensación creíble de espacio abierto y profundidad. Y no sólo esto, sino que si no se piensa esta capa de diferentes elementos, una escena o un paisaje podrían terminar luciendo un poco plano y aburrido. Y eso lo va a hacer, uh, para esta clase. Tómese el tiempo que necesite con su boceto preliminar de esquema porque esta es la base de todo lo que viene a continuación. Y cuando estés listo, te estaré esperando en la próxima clase. Nos vemos ahí. 10. Proceso de pintura de colinas y flores: Hola y bienvenidos a esta clase donde voy a estar llevándote a través la primera parte del proceso de pintura para el paisaje número dos. Una vez más, en esta parte inicial del proceso, estamos cuidando los primeros lavados sueltos y grandes de color utilizando técnicas que requieren abundante agua. Puedes ver estos lavados iniciales de color, estos efectos suaves, difusos y borrosos como base para nuestra pintura en la que vamos a construir formas más pequeñas y detalles más nítidos el ancho. Mi boceto preliminar de esquema, listo para funcionar, es hora de comenzar a crear mis mezclas de colores. Ahora bien, estos colores para esta pintura que vas a estar viéndome crear ahora mismo no son de ninguna manera toda la pintura de acuarela que voy a estar usando a lo largo de este proceso de pintura. Esto es justo lo que tengo que crear para poder comenzar. Pero voy a explicar qué hay en todas estas mezclas de colores porque en el camino, medida que te quedes sin tus diferentes mezclas de colores, vas a saber exactamente qué colores necesitas alcanzar para haga más de sus mezclas de colores. Además, la acuarela es un proceso muy fluido y que cambiaba constantemente y cambiaba las proporciones de agua a pintura en nuestras mezclas de colores dependiendo de lo que estemos haciendo. Si necesitamos usar nuestro color en un estado más grueso, más saturado, o si necesitamos usar nuestro color en un estado descendente de agua más translúcido. Eso es algo que estamos cambiando y cambiando constantemente en el camino. Pero junto a esto, también, las proporciones de los propios colores en nuestras mezclas de colores, también cambiantes cambian. Entonces en el camino, si necesitas un color ligeramente más oscuro o un color ligeramente más claro que sabes exactamente qué color necesitas aportar a aclarado o demasiado oscuro en esa mezcla de colores. Bien. Entonces dicho eso, los dos primeros colores que me preparé son los dos colores que voy a estar usando en mi cielo. Entonces en ese primer pequeño pozo circular en la parte superior izquierda, es decir azul cobalto liso con algo de agua en él. El derecho de eso, en ese mas rectangular Bueno, tengo una mezcla de azul cobalto y escarlata profundo, para que veas como luce un violeta azul. Quiero traer un poco de variación de tonalidad en el cielo. Así que quería crear ahí un violeta azul para poder dejarlo caer en el cielo azul aquí y allá. Y hacer que el cielo se vea un poco más interesante con al menos dos colores ligeramente diferentes en él. Por debajo de eso estoy empezando a preparar mis greens. Se trata de una escena de la naturaleza y paisajes. Entonces es importante que sepamos cómo vamos a estar creando nuestros diferentes greens. No podemos simplemente usar un mismo verde porque eso va a quedar muy plano y no muy realista. Aquí mismo me van a ver crear al menos tres greens diferentes y también un azul-verde para que pueda usarlo para los elementos más alejados. Y eso tiene que ver con la perspectiva aérea. Quiero asegurarme de tener al menos tres greens diferentes, un verde más oscuro, un verde medio y un verde más claro. Entonces en ese segundo pozo circular, ese verde más oscuro es llano, verde submarino con algo de agua en él a la derecha de eso en el rectangular Bueno, tengo un verde azul que creé mezclando juntos verde submarino y un poquito de azul cobalto. Y luego debajo de eso en esa tercera circular, bueno, tengo mi verde medio y eso es verde submarino mas hansa luz amarilla a la derecha de eso en esa tercera rectangular, bueno, tengo mi pantalla mas ligera, y esa luz es verde. Creé mezclando verde submarino más más luz amarilla hansa que la mezcla anterior. Entonces tanto el verde medio como la pantalla más clara, o una combinación de verde submarino y luz amarilla hansa. Es solo que las proporciones son ligeramente diferentes. La pantalla más ligera tiene mucho más de esa luz amarilla hansa en ella para que se vea aún más ligera. Entonces por debajo de eso, estoy empezando con los colores que voy a usar en la casa, en el pequeño camino y las pequeñas secciones de Woods, los postes y el tronco del árbol y las ramas en el pozo circular, tengo mi marrón rojizo, que es simplemente siena quemada más un poco de agua en ella. Después en ese pozo rectangular a la derecha de la sienna quemada, ocre amarillo más un poco de agua. Y luego en los dos pozos en la parte inferior debajo de esos, estoy creando una versión más oscura para cada uno. En esta última circular. Bueno, estoy creando una mezcla de siena quemada más un poco de tinte neutro. Y luego en el último rectangular, Bueno, estoy creando una mezcla de ocre amarillo más un poquito de tinte neutro. Como estoy preparando todos estos colores, especialmente los verdes y los marrones, realmente me estoy preparando para el éxito asegurándome de tener mis colores que me van a permitir desarrollar dimensión a lo largo de mi pieza. ¿A qué me refiero con esto? Sé que voy a poder crear áreas verdes más claras, áreas verdes tono medio y áreas verdes más oscuras, y áreas marrones más claras y áreas marrones de tono medio y áreas marrones más oscuras. Entonces todo esto tiene que ver con valor de crear áreas que se ven más claras, áreas que parecen tonos medios y áreas que se ven más oscuras. Esto es esencial para que podamos crear una sensación creíble de luz y sombra en su pieza. Sabemos que a la hora de trabajar con acuarela, sin duda podemos crear una amplia gama de valores usando solo un mismo color. Simplemente agregando más pintura o más agua a esa mezcla para hacerla más oscura y saturada o más clara y más translúcida. No obstante, cuando vamos por niveles medios a altos de realismo, es fundamental comenzar a mezclar colores juntos, porque solo usar un mismo color no va a parecer muy realista. Todavía va a terminar luciendo bastante plano y antinatural. No sólo son, en la mayoría de los casos, los colores sacados directamente de la pluma o tubo. Muy antinatural en sí mismos. Pero también en la vida real, las cosas que nos rodean nunca son de un solo color plano. Hay una variedad de tonalidad y tono a lo largo de ellos. Así que vas a prepararte para el éxito sabiendo cómo es que vas a estar desarrollando diferentes valores en todas las diferentes áreas de tu pieza. No solo haciendo uso de los medios, translucidez y agregando más o menos agua dependiendo de si quieres que tu color sea más o menos translúcido. Pero también al asegurarte saber qué color necesitas alcanzar si quieres oscurecer aún más ese color, o aclarar ese color aún más. Bien, así que aquí lo que estoy haciendo es que estoy vistiendo todas estas mezclas de colores diferentes que preparé para mí en el trozo de papel de acuarela para que veas qué se ven como en papel. Entonces, comenzando con un azul, morado y el azul, esos son los dos colores que voy a estar usando en el cielo. Entonces tengo mi verde más oscuro, mi azul-verde, mi verde más claro, y mi verde medio, azul-verde. Voy a estar usando para pintar en la montaña en la distancia lejana. Y también para pintar en algunos árboles que están más lejos detrás de la casa. Y luego mi pantalla más oscura, mi verde medio y mi verde más claro voy a estar usando para las áreas de pasto y también para pintar en las hojas del árbol en el primer plano más cercano a nosotros como espectador de esta escena. Y luego como dije, tengo los neutros, los marrones que voy a estar agregando pintar la casa, para pintar el camino, para pintar el camino, y también para pintar un poquito de postes y el árbol tronco y ramas. También quiero señalar antes de comenzar con el proceso de pintura que estas mezclas de colores que tengo en mi paladar son agradables y jugosas. Tienen mucho pigmento en ellos o pintura en ellos, y también bastante agua en ellos también. Entonces están en algún lugar entre un café a la leche como consistencia en mi paleta. Si no has aprendido antes, diferentes consistencias que utilizamos a la hora de pintar con acuarela. asegura de echar un vistazo a mi acuarela uno, uno curso, porque eso es muy, muy importante de entender. Queremos poder cargar bien nuestras cerdas de pincel a lo largo este proceso de pintura para poder pintar grandes áreas con relativa rapidez. Y si no tenemos suficiente pintura en nuestra paleta o si está demasiado seca, no vamos a poder cargar bien nuestras cerdas de pincel, así que asegúrate de que la consistencia de tus mezclas de colores va a ser útil para que puedas cargar bien las cerdas de tu pincel. Y también antes de comenzar con cada siguiente fase de este proceso de pintura, recomendaría verificar para ver si tienes suficientes de tus diferentes mezclas de colores que vas a usar para esa siguiente fase. Porque si no tienes suficiente, recomendaría hacer más antes de empezar porque si estás pintando una nueva sección y te quedas sin esa mezcla de colores en el camino, lo que pasa es que a medida que estás haciendo más de esa mezcla de colores, tu papel o tu pintura va a empezar a secarse sobre ti. Y entonces probablemente te van a quedar con bordes afilados definidos o textura que no estás buscando. Así como un resumen, asegura de que tengas bonitas mezclas de colores jugosas en tu paleta. Y luego B se asegura de que en el camino, medida que continúe usando sus colores en su paleta, esté haciendo más según sea necesario antes de comenzar con la siguiente parte del proceso de pintura para que no te quedes el camino y esas secciones no empiecen a dibujar en ti. Bien, así que con mi boceto listo y mis mezclas de colores listas también, es hora de comenzar con el proceso de pintura. Entonces empiezo a hacer mi pre boda. En toda esta porción media a superior de la pieza, estoy usando mi cepillo plano de 1 "para esto y tomando un poco de agua a la vez de mi contenedor. Voy a estar abordando los lavados iniciales más grandes mojados sobre húmedos. Y voy a estar creando en dos partes separadas. Primero, la parte media a la parte superior y luego la parte media a la parte inferior. Entonces toda la sección donde están el término medio y el primer plano, donde está la casa, donde está el camino, y toda esta pequeña zona montañosa más cercana más cercana a nosotros que estoy voy a abordar por separado más tarde después de que termine con esta sección superior. Como pueden ver ahora mismo, estoy haciendo pre boda en toda la zona del cielo, la montaña y la distancia lejana. E incluso he pre casado esos árboles detrás la casa porque también quiero que se vean borrosas. Entonces las únicas cosas que no estoy pre boda o la casa en sí y todo el término medio y secciones de primer plano de este cerro más cercano a nosotros. Incluso he pre casado toda esa porción media a superior del árbol en primer plano. Y la razón por la que lo hice es porque tanto el tronco del árbol como las hojas van a ser de un color más oscuro que los colores que voy a estar Colocando ahora mismo en el fondo detrás de ellos. Entonces el desarrollo del color que hago en el cielo ahora mismo y la montaña gorda en la distancia lejana, realmente no va a afectar los colores del árbol que voy a estar pintando más tarde frente a ellos. Seguí tomando un poco de agua a la vez de mi recipiente y me aseguro de pasar las cerdas de mi pincel suavemente sobre toda esta área, al menos tres o cuatro veces. A veces hago pinceladas horizontales y otras veces son pinceladas más verticales. Trabajo alrededor de la forma de la casa con cuidado para que no consiga agua en la casa accidentalmente. Realmente tómate tu tiempo con este proceso de prelectura. Esto es esencial para que ninguna sección empiece a secarse demasiado pronto. Quieres llegar a un bonito brillo uniforme en toda esta zona antes de comenzar a caer en tu color. Hacer esta boda de árbol nos ayuda de un par de maneras diferentes. Número uno, este contenido de agua que hemos depositado o preparado nuestro ancho de papel realmente nos va a ayudar a crear esas transiciones suaves y suaves entre nuestros diferentes colores y estos borrosos efectos y estos elementos más alejados de nosotros al mismo tiempo, Lo que es genial es que al hacer pre boda, estás extendiendo, ampliando tu tiempo de trabajo. Porque lo que tienes que entender es que cuando trabajas con acuarela, cuando empiezas a pintar sobre papel seco, ese papel empieza a absorber esa pintura inmediatamente y empieza a secarse inmediatamente porque tiene tanta sed, esa pintura, absorbe esa pintura inmediatamente y empieza a secarse sobre ti. Cuando intentas pintar un área bastante grande, un espacio grande o incluso una forma grande que realmente pueda funcionar en tu contra. Y puedes sentir que tienes que trabajar o correr contrarreloj. Y al hacer pre boda, has preparado ese papel con una buena cantidad de contenido de agua para que ya no tenga tanta sed y no se seque tan rápido. Y esto amplía tu tiempo de trabajo para que puedas seguir agregando más color si quieres profundizar y oscurecer ciertas áreas. O si quieres hacer un poco de lifting, tal vez hayas colocado el exceso de pintura sobre papel, quieres hacer un poco de levantamiento antes de que esa pintura empiece a secarse. Puedes hacer todas esas cosas y tomarte tu tiempo un poco más. Y como dije, eso es especialmente útil en el inicio del proceso de pintura cuando estás abordando va lavados más grandes, esas áreas más grandes, esas formas más grandes. Bien, así que después de llegar a ese bonito brillo uniforme a lo largo de toda esta parte media a superior de mi dibujo, me encendí a mi tamaño seis cepillo de fregona. Y lo que estoy haciendo ahora mismo ya que estoy empezando a desarrollar algo de color en el cielo. Entonces empecé con el azul cobalto y acabo de cargar mi pincel una vez. No quería simplemente traer más y más color al cielo porque quería la sección inferior del cielo más cercana a la casa y también a la montaña lejana. Para ser muy, muy ligero y translúcido. Se puede ver como hay muy, muy poco pigmento ahí dentro. Entonces cargué mi pincel y la mayor parte de ese pigmento se colocó en la parte superior. Y me dirigí hacia abajo. Y a medida que bajaba, había una cantidad muy pequeña de pigmento en mi pincel. No lo volví a cargar. Acabo de tirar un poco de ese azul hacia abajo y así es como creé un tipo natural de gradiente de aspecto orgánico en el que la mayor parte del estado de saturación azul en la parte superior. Y luego a medida que me dirijo hacia abajo, ahí solo hay una cantidad muy pequeña de pigmento. Tenían algo de azul en mi papel? Empecé a caer en mi azul púrpura aquí y allá de una manera muy irregular. Y debido a que todo estaba bonito y húmedo, el azul púrpura realmente se disipó hacia afuera y se fusionó maravillosamente con el azul cobalto. Me aseguré de que la mayor parte de ese pigmento azul púrpura también se colocara en algún lugar a lo largo las dos partes superiores del medio del cielo. Y una cantidad muy pequeña de pigmento llegó a la sección inferior, donde el cielo se encuentra con las montañas y los cerros. Al colocar mi color en el cielo, sigo comprobando cuánto color estoy poniendo en mi papel. Siempre que siento que he colocado lo suficiente, quito ese color para las cerdas de mi pincel girando mi pincel en mi recipiente con agua. Y vuelvo al pincel más limpio ligeramente húmedo y simplemente tiro ese mismo color hacia abajo para que solo una pequeña cantidad de color. Llega a ese borde superior del cerro y la montaña. Esas dos nubes que acabaron ahí en el cielo, sucedieron orgánicamente de forma natural. Mientras saltaba alrededor de este tipo cayendo en mi color. Cuando estoy pintando un cielo usando esta técnica, simplemente levanto mi pincel de pluma de mi papel algunas veces en el camino. Y esas nubes terminan sucediendo solo orgánicamente sin planificarlas realmente. Y les dejo esa blancura, ese brillo de ese papel brilla a través la pintura y realmente crea esa ilusión de nubes. Porque me tomé el tiempo para hacer mi pre boda. Toda esta sección todavía está húmeda y viable. Entonces soy capaz de hacer lo que quería hacer inicialmente, que era pintar en esa montaña a la distancia lejana, que quería pintar mojado sobre mojado para que pudiera tener un bonito borde difuso y realmente crear esa ilusión de que esa montaña esté más lejos. Y también estoy pintando en estos árboles detrás de la casa. Entonces la perspectiva aérea nos dice que las cosas que están más lejos van a verse más borrosas y frías y la temperatura de color y también más ligeras en valor. Y así por mí entrando y pintando la montaña en la distancia lejana y también estos árboles detrás de la casa sobre papel mojado, esa humedad, humedad me va a ayudar a crear esos bonitos difuminados fuera bordes y ese valor más ligero. Entonces la montaña lejana la pinté con mi azul-verde. Entonces ese es mi verde submarino con mi azul cobalto que solía pintar la montaña a la izquierda. Y luego estos árboles detrás de la casa, estoy pintando con mi verde submarino y también me caí un poquito de ese azul-verde. Como pueden ver, me quedé con bonitos bordes suaves y buen valor ligero ish. Esto me va a ayudar a crear una ilusión agradable y creíble de espacio abierto y profundidad. Porque los elementos más cercanos a nosotros, voy a estar pintando con bordes más definidos. Voy a estar agregando más detalle a ellos. Y también voy a hacerlos más oscuros. Y así estos elementos más oscuros, definidos y detallados más nítidos en el término medio y el primer plano van a parecer que están más cerca nosotros que estos elementos de la distancia más lejana, que son más claros y borrosos. La perspectiva aérea es algo que siempre, siempre traigo a mis paisajes y a mis escenas. Es algo de lo que es increíblemente importante aprender si te gusta pintar o incluso dibujar este tipo de temas. Porque la perspectiva aérea va la mano con cómo vemos las cosas en la vida real. Si buscas desarrollar una sensación creíble de espacio abierto y profundidad en tu obra de arte. Realmente es algo sobre lo que deberías aprender. Bien, entonces después de trabajar en esa porción media a superior de esta pintura, era hora de dejar que todo se secara por completo. Si quieres acelerar ese proceso de secado, siéntete libre de ayudarte con un secador de pelo, pero asegúrate de que todo esté completamente seco. Antes de pasar al siguiente proceso de preimpresión de la parte media a inferior de la pieza antes de comenzar con mi proceso de preimpresión hace apenas un par de minutos, viste yo, asegúrate tener suficiente de mi verde más claro, mi verde medio y mi verde más oscuro en mi paleta de mezcla de colores. Recuerda como te dije que deberías estar comprobando que tienes suficientes de tus diferentes mezclas de colores cada vez que vas a empezar con una nueva área. Bueno, eso es exactamente lo que hice ahí mismo. ¿Por qué? Porque no quiero hacer mi pre boda y después tengo que preparar mis mezclas de colores. Y entonces, de repente, tengo áreas que ya me han secado. Es mejor que prepares tus mezclas de colores y luego hagas tu pre boda. Una vez más utilizo mi cepillo plano de una pulgada para hacer esa pre boda. Realmente me tomé mi tiempo con ese proceso hasta que llegué a ese bonito brillo uniforme, no mojé bastante la casa. La casa es lo único que no se ha pintado ni pre casado de ninguna manera. Y esto es porque quiero tener más control cuando estoy pintando esas formas muy geométricas es decir, más perfectas. Así que simplemente lo dejé completamente seco. Me mojé bastante el camino y todo lo demás debajo de ese borde de esta zona montañosa, esta zona de pasto más cercana a nosotros en el término medio y el primer plano. Una vez que había llegado a ese bonito brillo uniforme, me cambié a mi cepillo de fregona tamaño seis. Y siempre empiezo con el color más claro del grupo que voy a estar usando para esta sección en la mano, que en este caso era por supuesto la pantalla más ligera. Así que ese era mi verde submarino más ahí una mezcla de color amarillo claro que era pesada en la luz amarilla hansa. Se me cayó en algo de este verde más ligero y de una manera muy irregular saltando por toda esta zona, tratando de evitar el camino. Si un poquito de ese verde llegó a ese camino, está perfectamente bien. Incluso puedes seguir adelante y hacer algunos levantamientos con tu pincel más limpio ligeramente húmedo. Usa tu pincel como una pequeña esponja absorbente. Si ves demasiado verde entrando en ese camino, simplemente quita ese color de las cerdas de tu pincel y usa tu pincel como una pequeña esponja absorbente. Va a recoger ese verde. Yo sí entro y hago algunos levantamientos con las cerdas de mi pincel o un par de veces para aligerar algunas secciones de respaldo. Porque sé que al incorporar ese brillo del papel en algunas zonas a lo largo de esta sección herbáceas, eso me va a ayudar a desarrollar esa sensación de luz y dimensión a lo largo de todo esta zona. Esa irregularidad que va a hacer que todo se vea más realista una vez que tuvieran algo de ese verde más claro adentro, se me cayó en el verde medio y ciertas secciones aquí y allá, y Ahora estoy empezando con el verde más oscuro. Mi objetivo es crear una buena variedad de valores verdes en toda esta zona de pasto en el término medio y el primer plano. Solo estoy jugando con mis diferentes greens y dejándolos caer, una manera muy irregular. Y mi principal objetivo como estoy haciendo esto es solo asegurarme de que estoy desarrollando una buena gama de greens. Quiero asegurarme de que algunas áreas se vean muy ligeras y translúcidas que tienen mucha de esa blancura de ese papel está brillando a través de otras áreas que parecían verdes de tono medio y luego otras áreas que parecen verdes más oscuras. Esto me va a ayudar a desarrollar esa dimensión creíble y sensación de luz y sombra e irregularidad en toda esta zona del suelo. En este punto del proceso, todo sigue siendo muy húmedo y viable. Una vez más, porque me tomé mi tiempo haciendo ese proceso pre boda en esta sección media a inferior de la pieza antes de comenzar con mi hierba. Y era hora de empezar con pintura en el camino tiene el camino es una forma mucho menor cuando lo comparas las zonas de pasto que he estado pintando, decidí cambiar a mi talla diez cepillo redondo. Y una vez más, empecé con el color más claro que estaría usando para esta sección, que era el ocre amarillo. Después de pintar en el ocre amarillo, luego me caí algo de mi siena quemada en mi siena quemada en ciertas secciones que buscaba oscurecer, mayormente en este tramo del camino más cercano a nosotros como el espectador de la escena. Y realmente estaba tratando de tener ese tramo del camino que está más lejos, más cercano a la casa, solo más ligero, solo con un ocre amarillo dentro. Y buscaba oscurecer esas secciones más cercanas a nosotros. Entonces la siena quemada, que yo consideraría de un color marrón rojizo medio, caí mayormente en la parte media a baja del camino más cercano a nosotros. Y una vez que entró la siena quemada, que era un marrón medio, se me cayó algo de mi versión más oscura de mi siena quemada, que tenía un poco de tinte neutro agregado. Pero este marrón más oscuro, realmente solo colocé en algunas sombras secciones que buscaba profundizar y oscuras y más, especialmente en esta sección más cercana, el camino hacia nosotros, igual que con las áreas de pasto, realmente me estaba enfocando en desarrollar una gama de marrones a lo largo del camino. Yo quería tener ciertas secciones al final que parecieran más ligeras. Otras secciones que parecían un marrón medio y otras secciones que parecían un poco más oscuras. Tan emocionado de comenzar con la pintura en la lavanda antes de que toda esta porción inferior y la hierba comiencen a secarme. Todo sigue bastante húmedo y viable porque me tomé el tiempo para hacer esa pre boda antes de comenzar. Entonces como pueden ver, me estoy cayendo en este morado, que por cierto, cambié al pincel más pequeño para que esté usando para este proceso, que es mi tamaño tres pincel redondo . Y estoy usando mi mezcla de color azul, morado, mi mezcla cobalto más escarlata profunda que usé en el cielo. Si tienes que cambiar de alguna manera las proporciones de tu azul y tu mezcla de color rojo y morado para acercarla a una lavanda, púrpura. Entonces adelante y haz eso. Porque a lo mejor el morado que usas en tu cielo es más un púrpura rojizo. Y para la lavanda, recomendaría que sea más como un púrpura azulado. Todo lo que eso significa es que tienes que agregar un poco más de tu azul cobalto a tu mezcla de colores. Como pueden ver, estoy cayendo pequeñas y diminutas flores de púrpura sobre este verde mientras aún está húmedo. Y apenas estoy tocando la punta de mi pincel a mi papel. Y mientras estoy haciendo esto, este azul púrpura gotea hacia abajo en esa humedad. Y esto crea un agradable efecto difuminado suave, borroso porque esa pintura se está expandiendo en esa humedad. Recuerda siempre que la acuarela va a expandirse y desangrarse en papel que está mojado. Y a medida que voy cayendo en esas diminutas flores púrpuras, estoy moviendo muy suavemente mi pincel hacia arriba. Para crear esa ilusión de la longitud de estas flores de lavanda. Porque la lavanda es un poco como una flor vertical alta y está compuesta por diminutas flores moradas diminutas. Así que estoy creando estas pequeñitas flores tocando la punta de mi pincel y también moviendo simultáneamente mi pincel hacia arriba mientras hago eso, si estás haciendo esto y esa pintura no está creando pequeñas pequeñas flores diminutas en las que ese azul púrpura se está fusionando con esa humedad. Esto probablemente se deba a que tu papel ya comenzó a secarse. Entonces hay un par de cosas que puedo proporcionar como consejos si estás teniendo ese problema. La primera es asegurarte de que estás haciendo tu pre boda de manera efectiva, que realmente te estás tomando tu tiempo con ese proceso de prelectura. Asegurándote de que estás pasando tus cerdas de pincel suavemente sobre todo al menos tres o cuatro veces. También sugeriría que si tienes un ventilador en un sistema de calefacción, en una unidad de aire acondicionado encendida, puedes intentar apagarlos o alejarte de ellos, especialmente cuando estás pintando en estos más grandes lavados. También ten en cuenta que si estás trabajando ambiente es súper cálido o súper frío, o súper humano o súper seco. Eso también va a tener un gran impacto en la rapidez o la lentitud con la que tu papel empieza a secarse sobre ti. Otra cosa que podría ser el tema es que a lo mejor hiciste tu pre boda de manera efectiva, pero luego tardaste demasiado tiempo pintando en la hierba y el camino que ahora las cosas han empezado a secarte. Entonces, si ese es el caso, recomendaría trabajar un poco más rápido, cargar bien tu pincel con ese bonito color jugoso y no pasar demasiado tiempo en ninguna sola zona y no juguetear demasiado con la pintura después de haberla colocado sobre papel, colocarla y dejarla estar tanto como sea posible. Me estoy asegurando de traer mucha irregularidad en cuando estoy pintando en estas flores. Irregularidad en cuanto a su colocación en el papel. Algunas flores se agrupan más que otras. Irregularidad en cuanto a su longitud. Irregularidad en cuanto a cómo se están doblando o curvando hacia un lado o hacia el otro lado. Y también me estoy asegurando de traer una perspectiva creíble. Entonces la perspectiva nos dice que las cosas que están más cerca nosotros van a ser más grandes que las que están más lejos. Entonces como pueden ver, las flores de lavanda que estoy agregando que están más lejos de nosotros son muy, muy pequeñitas en comparación con las flores más largas que estoy agregando, las secciones más cercano a nosotros. También estoy haciendo lo mejor que puedo para no exagerar. No quiero agregar demasiados, y en su mayoría los estoy agregando a la sección inferior de la pintura. Y a medida que me dirijo hacia el término medio, estoy agregando cada vez menos y se están volviendo cada vez más pequeños. Recuerda que menos es más al pintar con acuarela, no quieres exagerar con la lavanda. También vamos a estar agregando más después, mojadas sobre secas, para que podamos volver a tener esa distinción entre las flores de lavanda esa distinción entre las flores de lavanda que están más cerca de nosotros, que vamos a ver nítidas y más definidas y flores de lavanda que son más borrosas, que están más lejos. Y eso realmente va a ayudar a mejorar esa sensación creíble de espacio abierto y profundidad. Y con eso, todos terminamos con la primera parte de este proceso de pintura. Permita que estos lavados se sequen completamente. Y una vez que todo se haya secado, sigamos adelante y empecemos con la parte número dos. Nos vemos en la siguiente clase. 11. Proceso de pintura de colinas y flores: Hola de nuevo, amigos y bienvenidos a esta clase donde voy a estar llevándolos a través de la segunda parte de este proceso de pintura de paisajes. Ahora que hemos creado nuestros primeros grandes lavados de color, vamos a pasar a pintar formas de tamaño mediano. Y para ello, vamos a estar usando técnicas de mojado sobre seco, es decir, vamos a estar pintando sobre papel seco, lo que nos va a ayudar a llegar a bordes más limpios y definidos. Recuerda que se trata de pasar de lo general. Las formas más grandes son áreas hacia formas y detalles más pequeños. Sigamos adelante y saltemos derecho. Bien, así que dejé que todo se secara completamente porque voy a estar pintando en la casa. No quería empezar a pintar en la casa si ese verde de abajo todavía estaba mojado porque esos marrones con los que estaría usando en la casa empiezan a desangrarse en ese verde después de que todo estaba seco, me aseguré de tener suficientes de mis mezclas de colores marrones preparadas en mi paleta antes comenzar a pintar la casa. Así que me aseguré de tener suficiente de mi ocre amarillo, mi versión más oscura de mi ocre amarillo, que es amarillo ocre, además de un poco de tinte neutro. También quería asegurarme de tener mi siena quemada y mi versión más oscura de mi siena quemada, que también tiene un poco de tinte neutro. Una vez que estaba listo, empecé a pintar en la casa. Y para ello, utilizo mi pincel redondo talla diez. Y como siempre, empiezo con el color más claro del par o grupo que voy a estar usando para cada zona. Entonces, para las secciones inferiores o las paredes inferiores de la casa, utilizo inicialmente el ocre amarillo. Pinté en ese ocre amarillo, me aseguré de pasar las cerdas mi pincel sobre todo un par de veces para asegurarme de que ese ocre amarillo permaneciera mojado antes de caer en el versión más oscura de mi ocre amarillo, que tenía ese poco de tiempo neutro en ella. Y como pueden ver, estoy cayendo en esta versión más oscura en secciones de sombra justo debajo del techo. O me imagino que ese techo esté creando una sombra. Está evitando que esa luz golpee esas secciones de pared justo debajo de ella. Eso es lo que me estoy dejando caer en la versión más oscura. Y debido a que la dejé caer mientras ese ocre amarillo todavía estaba mojado, me quedé con el bonito efecto de salida difusa. Entonces empecé a pintar en el techo. Ahora porque estoy pintando en la Casa sobre papel seco. Se está intentando bastante rápido. Y si las secciones inferiores de la casa, las paredes iniciales en las que pintaste no están secas. Solo debes saber que si pintas en el techo mientras esas secciones de pared aún están mojadas, ese marrón rojizo que usas en el techo puede comenzar sangrar en las paredes si no quieres que eso suceda, solo hace seguro que permitirá que esas paredes iniciales sequen completamente y luego pinten en el techo. El techo en el que estoy pintando con mi siena quemada. Ese es mi color más claro aquí mismo. Estoy haciendo un poco de limpieza a lo largo de los bordes, usando las cerdas más limpias ligeramente húmedas de mi pincel para hacer algo de absorción. Y también voy a entrar con mi toalla absorbente. Accidentalmente tengo un poco de siena quemada en la pared. Vas a notar que muy rápidamente dibujo algo que parece una línea visualmente para pintar en esa pequeña sección del techo que es visible, que está frente a nosotros. Entonces una vez que esa sienna quemada está pintada en, todavía húmeda, me dejo caer un poco de la versión más oscura de mi siena quemada, que es la siena quemada más el tiempo neutro. Y lo dejo caer en las secciones en las sombras que estoy buscando oscurecer un poco más. Incluso con las paredes de la casa y el techo de la casa, estoy buscando desarrollar una gama de valores dentro de estos planos de la casa porque sé que esto es lo que me va a ayudar llegar a un aspecto más creíble y un efecto de luz y sombra. Probablemente puedas ver cómo hasta dejé pequeñas y diminutas formas de resaltado. Y esos simplemente suceden de forma natural y orgánica ya que estaba moviendo mi pincel pequeñas secciones donde esa blancura en ese brillo del papel está brillando y pintando. Justo aquí. Incluso voy a entrar con un pincel limpio, ligeramente húmedo y haciendo un poco de levantamiento de ese exceso de color que he colocado en la parte superior del techo. Quería aligerar esa pequeña sección en la parte superior de los respaldos del techo, así que simplemente levanté algo de color sobrante antes de que comenzara a secarse. Esta es una excelente manera de volver a agregar dimensión a una sección que quizás hayas aplanado un poco demasiado con solo un lavado plano o tal vez demasiado color saturado. Recuerda siempre que tienes tu toalla absorbente a mano y también tienes tu pincel. Se pueden hacer pequeñas correcciones con. Luego pinté en la pequeña puerta, asegúrate de que el ocre amarillo alrededor de la puerta ya esté seco. Si no quieres que este marrón oscuro empiece a sangrar en el ocre amarillo. Pero entré con mucho cuidado con mi marrón más oscuro, que es mi siena quemada, más mi tinte neutro. Y pinté en esa pequeña forma rectangular con mucho cuidado usando solo la punta de mi talla, tres brochas redondas, incluso cuando se trataba de esa forma pequeña y oscura para la puerta, quería crear un poco . Variedad de valores dentro de esa forma. No quería entrar con mi marrón oscuro en un estado oscuro súper saturado y crear un agujero plano negativo en mi pintura. Eso es definitivamente algo que no quiero hacer. Así que pinté en ese pequeño rectángulo y luego quito ese color de las cerdas de mi pincel. Elimino ese exceso de agua tocando la punta de mi pincel sobre mi toalla absorbente. Y volví a hacer un poquito de levantamiento en algunas secciones para poder crear esa variedad de valores, incluso dentro de esa forma muy pequeña. Después de pintar en la puerta, me encendí a mi talla diez cepillo redondo. Una vez más, empecé a pintar en los árboles detrás de la casa. Estoy usando mi verde más oscuro, así que esto es simplemente verde submarino llano con un poco de agua en él. Observe cómo no está increíblemente saturado. Tiene una consistencia parecida al café en mi paleta, lo que significa que no está increíblemente saturado. A pesar de que este verde es bastante oscuro que estoy usando, no va a ser súper, súper marcado de aspecto y contrastante porque tiene algo de agua en él. Después de que esa forma inicial haya sido pintada con mi verde submarino, agregué más verde submarino a mi mezcla de colores en mi paleta para que sea más oscura y más saturada para crear un pequeñas formas de sombra en la sección inferior de este tono más grande y claro. Una vez que habían colocado un poco más de este verde saturado, más oscuro en esa porción inferior. Elimino el color de mis cerdas de pincel, y suavizo un poco ese borde, que agrego un poco más de mis secciones de verde submarino y otras sombras que estoy buscando oscurecer y más. Y esto es de nuevo para crear una variedad de valores dentro de esta forma de árbol, probablemente debí haber hecho esta forma para los árboles un poco más corta o más pequeña porque lo hago casi en su totalidad tapar ese árbol borroso, hecho que yo había creado inicialmente con ese primer lavado que hicimos. Entonces, si quieres tener más de ese borde superior de esa forma borrosa que hicimos inicialmente detrás de estos árboles. Visible que solo hacer que esta forma sea más corta o más pequeña, eso creará esa ilusión de que tienes aún más árboles detrás esta forma de árbol en la que estamos pintando ahora mismo. Bien, así que finalmente es el momento que tantos de nosotros hemos estado esperando. Es un momento para que seamos valientes. Porque vamos a estar pintando en este gran árbol en primer plano más cercano a nosotros como espectador de esta escena. Así que eliminé todo ese verde más oscuro anterior para las cerdas de mi pincel y todavía voy a estar usando mi pincel redondo talla diez para esto. Así que al igual que con todo lo que he estado haciendo hasta ahora, cuando voy a estar usando una variedad de colores diferentes en una misma forma o área. Siempre empiezo primero con el color más claro del manojo. Entonces en este caso es mi verde más claro para las hojas de este árbol, voy a estar usando la pantalla más ligera, el verde medio y el verde más oscuro, es decir, mis dos mezclas de colores verdes diferentes que tienen tanto el amarillo como el verde en ellos apenas en proporciones ligeramente diferentes. Uno de ellos tiene más amarillo para que sea más ligero y el otro tiene más verde que él. Es más de un verde medio. Y también voy a estar trayendo mi avión verde submarino, que es muy profundo y oscuro en sí mismo. Entonces, como pueden ver, me estoy enfocando en crear una forma abstracta muy general, irregular. Estoy asegurándome de que los bordes tengan mucha irregularidad a lo largo de ellos. También me aseguro de que estoy dejando pequeñas ventanas, ventanas vacías donde el fondo se muestra a través sin pintar eso es muy importante. Y también me estoy asegurando de que estoy desarrollando una amplia gama de valores verdes en toda esta área foliar del árbol. Ojalá puedas decir cómo estoy realmente cambiando y cambiando la forma en que estoy usando mi pincel. Lo estoy presionando a diferentes grados. A veces es solo la punta de mi pincel la que entra en contacto con el papel, especialmente a lo largo de los bordes exteriores, para que esas hojas más externas creen esa irregularidad a lo largo de los bordes. Otras veces, estoy presionando todo el vientre del pincel. También aparte de eso, también estoy cambiando y cambiando el ángulo en el que estoy usando mi pincel. A veces es casi paralelo a mi papel, a mi escritorio en el que estoy trabajando. Otras veces es más de un ángulo de 25 a 30 grados. Y otras veces cuando estoy tocando esto, la punta de mi pincel a mi papel. Y quiero crear pequeñas formas abstractas irregulares a lo largo de los bordes. Es más como un ángulo de 40 a 45 grados desde mi mesa. Entonces estoy cambiando la presión que estoy ejerciendo sobre las cerdas de mi pincel. Estoy cambiando el ángulo en el que estoy usando mi pincel. Y finalmente, también estoy cambiando la rotación. Cómo estoy rotando mi muñeca sobre mi papel. Todas estas cosas me permitieron crear mucha irregularidad y formas verdes abstractas. Si solo usara mi pincel de una misma manera, se verá un poco para modelarme un poco demasiado rígido y probablemente no muy natural. Ahora porque estoy trabajando relativamente rápido. Estoy obteniendo estos bordes difusos y suaves a lo largo de al menos algunos o la mayoría de mis diferentes valores verdes. Estoy creando gradientes suaves porque estoy trabajando rápidamente. Ese nuevo tipo de pintura que estoy dejando caer se fusiona con el color anterior que aún está húmedo. Otras formas verdes no se están difundiendo tanto y esto es porque las estoy colocando sobre papel que está casi completamente seco. Me gusta tener esa combinación de tener algunas formas de sombra afiladas, definidas, y otras áreas donde esos greens están creando gradientes suaves entre sí, eso está perfectamente bien. No tienes que entrar y sentir que tienes que suavizar todos esos bordes más duros, más afilados o algo así. Y te recomendaría si vas a hacer algún ablandamiento, estás moviendo alrededor de pintura que ya has colocado en tu papel. Solo asegúrate de que lo estás haciendo mínima y suavemente porque realmente puedes correr el riesgo de aplanar todo y hacer que todo se vea muy sobrecargado de trabajo. Mucho trabajar con acuarela es sí, visualizar los efectos que quieras y crear una estrategia para ti mismo que va a hacer que sea mucho más probable que llegues a los resultados que estás tras. Sin embargo, también se trata de aprender a abrazar los efectos orgánicos que este tipo de pintura permite. Un abrazar eso y aprender a trabajar con eso cuando nos forzamos o simplemente tratamos de controlar demasiado las cosas. Ahí es cuando nuestras pinturas terminan luciendo sin vida y planas y con exceso de trabajo y les falta ese brillo. Esa acuarela permite lo que la hace diferente de otros tipos de medios de pintura. Es esencial que toda la porción foliar del árbol en general tenga una variedad de valores verdes. Quieres áreas que sean más ligeras. Quieres áreas que parezcan tonos medios. Quieres áreas que se vean más oscuras. Trae a la mente el árbol estructural. Está siendo afectado por el sol. Y también a lo largo de la porción foliar del árbol, están estos agrupamientos de hojas que están creando sombras unas sobre otras. Si tenemos un mismo verde plano en toda el área foliar, probablemente va a parecer una mancha plana sin forma y no queremos eso. Si te resulta tan difícil pintar árboles, recomendaría trabajar en estudios individuales aislados de árboles, solo pintar árboles. Estoy enfocado en entender realmente los árboles y pintarlos aisladamente fuera de pintarlos en una pieza completa porque así vas a estar mejor preparado y menos abrumado a la hora de agregar tus árboles a una escena completa o a una pintura completa. Y sírvete con fotos de referencia. Observa cómo se ven los árboles en vida real y cómo la luz que viene del sol los afecta y crea estas sombras entre las hojas. Todo eso realmente va a ayudar a informar tu trabajo. Todos terminamos con la segunda parte de este proceso de pintura. Estoy muy emocionada de pasar a la última parte de este paisaje en el que nos vamos a centrar más en detalles finales y mejorar las texturas. Cuando estés listo, nos vemos en la siguiente clase. 12. Proceso de pintura en colinas y flores: Bienvenidos a la tercera y última parte de este proceso de pintura para el paisaje número dos. En esta última parte del proceso, nos estamos enfocando en detalles más pequeños para mejorar las texturas. Sigamos adelante y saltemos derecho. Bien, Entonces llegó el momento de permitir que la porción foliar del árbol se secara completamente. Y luego pinté en los pequeños postes de madera de aquí a lo largo de este camino que conduce a la casa. Yo uso mi pincel redondo talla tres y mi marrón más oscuro, que es mi sienna quemada más tinte neutro, me aseguré de entrar inicialmente con una relativamente translúcida casi T al café como consistencia de este marrón oscuro. Después agregué un poco más de mi siena quemada y tinte neutro a mi mezcla para que quede un poco más saturada, un poco de consistencia más espesa. Y luego entré y pinté esas pequeñas secciones encima de esa forma marrón más clara, creando un poco de variedad de valores, incluso en estos posts. Y sobre todo oscurecí secciones del post más cercano a nosotros como el espectador de la escena y dejé el pequeño poste más pequeño más lejos, solo con esa capa inicial de luz son más marrón translúcido. Y esto es de nuevo para potenciar esa profundidad y esa perspectiva porque las cosas más cercanas a nosotros van a ser más grandes y más oscuras, las cosas más alejadas van a ser más pequeñas y también más ligeras. Una vez que termine con los postes, llegó el momento de agregar la lavanda que voy a pintar en sobre papel seco o así. Como mencioné antes, cuando estaba pintando en el primer estudio, lavanda está mojada sobre húmeda. Tenía muchas ganas de pintar en algunas de estas flores mojadas sobre mojadas para que pudiera tener un bonito borde suave difuso hacia ellas. Y entonces estaría pintando en más flores de lavanda, mojadas sobre secas, sobre papel seco. Para que así pudiera hacer que algunas de estas flores parecieran que están más lejos, más borrosas. Y otras flores simplemente parecen estar más cerca porque son más oscuras y están más definidas. Son más afilados alrededor de los bordes. Entonces, usando mi pincel redondo tamaño tres, estoy usando exactamente la misma técnica que estaba usando antes. Sólo que esta vez, estas formas que estoy creando se ven muy diferentes porque estoy pintando sobre papel seco y esa pintura no se está expandiendo hacia esa humedad. Para que puedas ver cómo estas formas se ven más oscuras y los bordes están mucho más definidos. Y esto nuevamente en combinación con la borrosa lavanda detrás de ellos, esto también ayuda a mejorar esa sensación de espacio abierto y profundidad creíbles. Me aseguré de no ir por la borda con la cantidad de flores en las que pinté una vez más, porque eso es muy, muy fácil de hacer. Y también tenemos en mente que la lavanda más cercana a nosotros en la porción más baja de la pintura, deberían ser un poco más altas, solo un poco más altas que la lavanda que se acerca cada vez más de vuelta al término medio. Apenas añadí en ninguna lavanda, mojada sobre seca en el término medio. Lo agregué mayormente en la parte inferior de la pintura, que son por supuesto las flores que nos estarían más cerca como espectador de la escena. Después de pintar en esos pocos lavanda es sobre papel seco. Ahora estoy agregando un poco de un efecto de hierba. Entonces estoy agregando algunas briznas de pasto. Quité toda esa púrpura de las cerdas de mi pincel. Y sigo usando mi pincel redondo tamaño tres, que tiene el pincel más pequeño que elegí para este proceso de pintura. Y estoy haciendo movimientos de movimiento hacia arriba usando mi verde medio y mi verde más oscuro, pero me estoy asegurando de usar estos colores en un estado descendente de agua bastante translúcido porque no quiero empezar a agregar en líneas que son demasiado oscuras y que distraen demasiado. Quiero que estas briznas de hierba sean relativamente sutiles. Y yo, de nuevo, no quiero ir por la borda con la cantidad de briznas de hierba que creo. Y también como pueden ver, estoy agregando la mayoría de estas briznas de hierba en las secciones de primer plano más cercanas a nosotros en la parte inferior de esta pintura. A medida que me voy alejando cada vez más, agrego cada vez menos, más escasas briznas de pasto y también son más pequeñas a medida que retroceden al fondo. Algo más que puedes hacer para realzar esa ilusión de profundidad es quizás pensar en pintar en las briznas de hierba que están más lejos, incluso más ligeras e incluso más translúcidas que briznas de hierba que añades, en la sección más baja de la pintura, que están más cerca de nosotros. Quieres mucha irregularidad cuando pintas en esas briznas de hierba, te aseguras de que se estén agrupando diferentes maneras que no estés creando ningún patrón y también intentes crear esas líneas cónicas que se curvan ligeramente hacia diferentes direcciones en lugar de crear líneas cónicas perfectamente verticales y rígidas. Bien, entonces después de terminar con esas briznas de hierba, lo que voy a estar trabajando a continuación es en que voy a estar oscureciendo ciertas secciones. En la hierba y también a lo largo del camino. Esto va a ayudar a agregar dimensión de irregularidad y una mirada más creíble a estas áreas. No busco oscurecer los hermosos valores más claros y los tonos medios más claros. Solo estoy buscando empujar alguna sección de sombra, algunas formas de sombra a lo largo de estas áreas. Y esto realmente va a ayudar a unir todo. Así que usando mi pincel redondo talla diez, primero oscurecí un poco de forma de planta justo debajo de la casa. Me aseguré de que esa pequeña forma de sombra que creé con mi verde submarino fuera muy abstracta. Y también me aseguré de que no estuviera tan oscuro en ese valor, valor verde debajo de él que hubiera demasiado contraste creado y que la forma de la sombra sería súper dura. muy distrayendo. Una vez que pinté en esa forma de sombra, quito ese color de las cerdas de mi pincel y ablanda ese borde inferior para suavizar un poco más esa forma. Quito ese verde para las cerdas de mi pincel, y ahora estoy haciendo exactamente lo mismo a lo largo del camino aquí. No busco oscurecer las zonas marrones más claras. Sólo estoy buscando oscurecer algunas áreas de sombra a lo largo del camino. Y así usando mi pincel redondo talla diez y mi sienna quemada y también mi sienna quemada cerrar mezcla de color de tinte neutro. Entré y creé algunas formas de sombra. Primero empecé con un color más claro de los dos, que era mi siena quemada. Era relativamente translúcido como una consistencia ligera de café. Y luego con mi siena quemada ahí, me caí algunas de mis marrones más oscuras en algunas zonas que quería empujar aún más ya que estaba pintando en esas formas marrones a lo largo del camino. Eliminé ese color de mi pincel, las cerdas un par de veces para pasar mi pincel más limpio ligeramente húmedo cerdas sobre algunos bordes para suavizar algunos bordes aquí y allá en estas nuevas sombras formas, entonces llegó el momento de dejar que eso se secara. Y finalmente estoy pintando en el tronco del árbol y las ramas de este árbol más cercano a nosotros, ahora que toda la porción foliar del árbol está completamente seca y no voy a tener ningún sangrado pasando. Aquí es cuando hago eso. Entonces primero entro con mi siena quemada y se puede ver como esa capa inicial es bastante ligera y translúcida sobre papel. Esto significa que mi mezcla de colores tiene una buena cantidad de agua en ella, lo que realmente me permite crear esos valores más ligeros en el tronco del árbol que necesito. Vas a notar cómo paso las cerdas de mi pincel sobre toda esta forma de tronco de árbol varias veces para asegurarme de que esta forma permanezca húmeda cuando empiece a caer en mi marrón más oscuro, que es mi Sienna quemada más tinte neutro mezcla de color aquí mismo me va a ver crear más de mi marrón más oscuro porque me estoy quedando sin. Entonces estoy haciendo más de esta mezcla de color siena quemada más tinte neutro. Y entonces voy a seguir oscureciendo algunas formas de sombra en el tronco del árbol. Y lo que hago es simplemente brotar en mi conocimiento de la estructura de los árboles y visualizo dónde tendría sentido para que me oscurezca. Entonces, ¿dónde se crearían las formas de sombra en esta estructura arbórea? ¿Dónde están partes de la estructura que impiden que esa luz golpee ciertas secciones debajo de ellas o alrededor de ellas? Aquí mismo puedes ver cómo dejé mucho de ese inicial marrón más claro brillando a través y cubierto con este nuevo marrón más oscuro. Y aquí mismo me pueden ver usar las cerdas más limpias ligeramente húmedas de mi pincel para entrar y hacer algo de levantamiento, especialmente en esa sección media del tronco del árbol para que realmente pueda redondear esa estructura cilíndrica irregular. Agrega dimensión al tronco del árbol y lo hace parecer más realista. Así que de nuevo, sírvete tu toalla absorbente y las cerdas de tu pincel. Si necesitas hacer un poco de levantamiento, si necesitas agregar dimensión nuevamente a un área que quizás tengas oscura y demasiado o aplanada demasiado. Siempre tienes esas herramientas. Bien, así que era hora de permitir que ese tronco de árbol conduzca. Y ahora estoy usando mi pincel redondo tamaño tres hasta el pincel más pequeño que elegí para este proceso de pintura. Y estoy agregando en las ramas, que por supuesto nuestra manera más delgada, mucho más estrecha. Y quiero que esos extremos de las ramas se vean como papel. Así que realmente estoy haciendo todo lo posible para usar solo la punta de mi pincel para que pueda meterme en estas ramas muy, muy delgadas y simplemente no hacerlas demasiado gruesas. Estoy saltando ciertas secciones para que pueda crear esa ilusión de algunas hojas que cubren esas ramas en ciertas secciones. Si tienes miedo de no poder crear estas líneas cónicas muy finas. Yo recomendaría practicar en un trozo de papel de desecho antes de entrar y agregar las ramas a tu árbol en tu pintura. Y la razón por la que digo esto es porque arruiné múltiples pinturas cuando estaba en el comienzo de mi propio viaje de pintura en acuarela. Al agregar ramas en que eran demasiado gruesas o unas plumosas, incluso porque tengo que entrar con múltiples trazos cuando estaba pintando en esas ramas. Entonces dos cosas, recomendaría asegurarme de que la consistencia de tu mezcla de colores en tu paladar tenga sentido. Quieres que tenga una buena cantidad de color, pero también una buena cantidad de agua para que puedas cargar tus cerdas de pincel manera efectiva antes de entrar e intentar pintar esa línea para esa rama. Porque si no puedes cargar tus cerdas correctamente porque esa mezcla de colores está demasiado seca o simplemente no tienes suficiente en tu paleta para que puedas cargar tu pincel cerdas. Bueno, lo más probable es que estés creando efectos de cepillado en seco mientras intentas pintar en esa línea de principio a fin. O simplemente no vas a poder completar esa línea o esa sección de esa rama como quieras. Y vas a tener que entrar con múltiples pinceladas, lo que luego lleva a un look plumoso. Y también quieres asegurarte de tener suficiente control sobre tu pincel para que seas capaz de crear una línea delgada de principio a fin. Y al final de esa rama, si quieres que luzca cónica, tienes que levantar esa mimada de tu papel. Entonces ambas son cosas que definitivamente puedes practicar antes de agregar esas ramas en tu pintura. Y lo más probable es que les ayude a verse mucho mejor cuando los agregues. Añadí en la ilusión de troncos de árboles y ramas en esos árboles detrás de la casa. intenté asegurarme de que esos troncos y ramas de árboles fueran aún más delgados que las ramas que agregué al árbol más cercano a nosotros. Y luego después de hacer eso, pasé a profundizar y oscurecer ciertas formas de sombra justo debajo del techo de la casa. Y seguí usando mi marrón más oscuro, que es mi mezcla de color siena quemada más tinte neutro y este pincel redondo de tres tamaños muy pequeños. Y finalmente estamos en la última parte de este proceso de pintura, quería agregar un poco más de detalle a este árbol más cercano a nosotros. Y entonces lo que estoy haciendo aquí mismo usando mi pincel redondo talla diez es que básicamente estoy haciendo la técnica de rebote. Todo lo que estoy haciendo es simplemente tocar la punta de mi pincel a mi papel y todo tipo de ángulos y direcciones diferentes. Estoy girando mis muñecas para asegurarme de que haya mucha irregularidad ya que estoy creando estas pequeñas y diminutas formas de hojas que estoy creando con la punta de mi pincel. Estoy usando mi avión verde submarino para esto, pero no voy a entrar con una mezcla de color muy seca. Tiene alguna cantidad de agua en ella. Yo recomendaría notar solo reconocer el valor verde que has desarrollado debajo. Porque si solo tienes verdes muy, muy claros en toda tu porción foliar del árbol y vas con una mezcla de color verde saturado muy oscuro cuando estás pintando en estas hojas, eso va a crear mucho contraste y va a ser muy distrayente. Puedo entrar con mi verde submarino, que es mi pantalla más oscura porque tengo muchos medios tonos más oscuros y verdes muy oscuros ya desarrollados en toda mi porción de hojas, que no crea tanto contraste. Entonces, si tienes una forma muy oscura encima de un fondo muy claro, eso va a ser muy, muy contrastante y posiblemente muy distrayente va a llamar mucho la atención esas formas de hojas que estás agregando en este momento. Entonces todo esto para decir si no tienes tanto de ese verde oscuro ya desarrollado a lo largo esa primera forma de hoja general más grande, entonces te recomendaría ir con tu verde medio, quizás en lugar de tu verde más oscuro. Recuerda que los altos niveles de contraste van a llevar a un peso visual más pesado. Entonces, cuando creas contraste, quieres que se haga consciente e intencionalmente porque esas áreas van a llamar la atención del espectador más que las áreas con menos contraste. Bien, entonces volviendo a esta técnica de rebote que estoy usando para agregar en estas hojitas. Nuevamente, se trata de tener en mente la irregularidad mientras hago esto, asegurándome de que estoy creando pequeños grupos de estas formas. A veces son para, a veces son tres, a veces son también. Me estoy asegurando de que estén angulados de diferentes maneras y además que no estoy agregando demasiadas de estas un poquito ayuda mucho a crear esa ilusión de hojas. Después de hacer esto, solo voy a terminar esta pintura agregando algunas briznas más de hierba aquí y allá. Yo quería agregar algunas briznas de hierba hasta el final después de que este gran tronco de árbol más grande para este árbol más cercano a nosotros estaba completamente seco porque quería hacer un poco de superposición de briznas de pasto en la parte superior del tronco del árbol en la parte inferior ahí, de nuevo, me aseguro de no ir por la borda con las briznas de hierba y que no sean súper, súper oscuras sobre ese encendedor valor verde detrás de ellos. Para que estas líneas no distraigan súper. Quiero que la hierba sea relativamente sutil y no quiero ir por la borda con la cantidad, así que estoy tomando descansos en el camino y solo me pregunto si más pasto es realmente necesario. Bien, amigo mío, y con eso, todos terminamos con este segundo paisaje. De veras espero que hayas disfrutado el proceso para este y que estés entendiendo esta estrategia general que he estado compartiendo hasta ahora. Donde estamos trabajando desde General hacia detalles específicos. Y comenzar con técnicas que requieren más agua al principio y usar menos agua a medida que avanzamos. Espero que también hayas adquirido una mejor comprensión de cómo combinar técnicas de mojado sobre húmedo que conducen a efectos más borrosos más suaves con técnicas de mojado sobre seco, que conducen a una mayor nitidez, bordes y detalles más definidos cuando estamos trabajando con acuarela, es a través de esta combinación de técnicas que fueron capaces de llegar a niveles más altos de realismo y mayor profundidad y intereses en una composición visual. Estoy emocionado de comenzar con el paisaje número tres. Cuando estés listo, nos vemos en la siguiente clase. 13. Suministros de río: Hola a todos, bienvenidos a esta clase donde voy a estar explicando sobre todos los suministros de acuarela que voy a usar. Y te recomendaría que tengas a mano ya sea esto o algo similar para poder trabajar juntos en el paisaje número tres, voy a estar usando papel de arcos. Esto va a ser prensa fría 140 libras de grosor o de peso. Y en realidad voy a estar usando solo la mitad de una de estas hojas de nueve por 12 pulgadas. Depende totalmente de ti si quieres trabajar en mi mismo tamaño o si quieres usar toda la hoja, voy a estar trabajando en una hoja de papel que va a tener 9 "de ancho y 6" de alto. Así que aproximadamente la mitad de tamaño carta. En cuanto a mi pintura, voy a estar usando mi set de pintura acuarela de Daniel Smith. Utilizo un total de siete colores diferentes. Y estos colores son azul cobalto, azul ultramarino, escarlata profundo, amarillo hansa claro, siena quemada, verde submarino y tinte neutro. Quiero tomarme un segundo rápido para recordarte que de ninguna manera tienes que usar exactamente estos mismos colores que voy a usar. Voy a estar vistiendo todas mis mezclas de colores en papel antes de comenzar. Puedes ver cómo se ven en papel y puedes usar lo que tengas que sea más parecido y vas a estar perfectamente bien. Bien, así que pasando a mis pinceles, voy a estar trayendo cuatro pinceles diferentes. Uno de ellos es un cepillo plano grande de 1”. El otro cepillo más grande que estoy usando es un cepillo de fregona tamaño seis. Y también voy a estar trayendo a pinceles redondos en tamaños 10.3. En cuanto a mis otros suministros, siempre tengo uno o dos contenedores con agua limpia a mi lado. También tengo una o dos toallas absorbentes Scott azules. Súper, súper importante para que pueda estar del control de agua para esta pieza. También recomendaría tener una o dos toallas de papel de cocina regulares mano una o dos toallas de papel de cocina regulares porque vamos a estar usando la técnica de elevación para crear la ilusión de nubes. Las toallas de papel de cocina regulares tienden a desmoronarse más, y las encuentro más útiles que estas toallas absorbentes cuando se trata de esa técnica de pintura de nubes, recomendaría tener toallas de papel de cocina regulares a mano para eso. Aparte de eso, es muy importante que tengas a mano una paleta de mezcla de colores. Me van a ver trabajar en esta paleta de mezcla que tengo en la parte inferior izquierda aquí. Entonces, sea cual sea la paleta de colores que tengas es perfecta. Solo asegúrate de tener algún lugar para crear tus mezclas de colores. Y tengo un rollo de cinta adhesiva normal. Este mide tres cuartos de pulgada y es lo que voy a usar para pegarme mi hoja de acuarela en mi mi hoja de acuarela en mi tapete de corte negro para que pueda tener esos bonitos bordes blancos limpios al final alrededor de mi paisaje cuando me quito esa cinta de enmascarar, cuando finalmente también tengo a mano algunos suministros para bosquejar. Y esto es para la primera parte de mi proceso con el que voy a comenzar, que es mi boceto preliminar a lápiz. Voy a estar usando un lápiz de dibujo de grado B. Normalmente uso un HB, pero quiero asegurarme de que ustedes hayan podido ver lo que estoy haciendo. Entonces me voy un poco más suave con mi cuadrícula de lápiz aquí. Y usando una B en lugar de una HB, también tengo una goma de borrar de grafito suave y una goma de borrar amasada, y eso es todo para mis suministros. Y eso lo va a hacer para esta clase muy corta. Una vez que tenga todos sus suministros juntos y esté listo para comenzar, continúe y únase a mí en la siguiente clase. 14. Sketch de Winding River: Hola otra vez, amigo y bienvenido a esta clase donde voy a estar llevándote a través de mi proceso de bosquejo preliminar para el paisaje número tres, y voy a seguir compartiendo debes saber consejos y información que te va a ayudar a crear bocetos exitosos para futuras acuarelas. Entonces, usando mi grado de lápiz B y con mis dos gomas de borrar a mano, voy a comenzar con solo hacer bocetos rápidamente en las principales áreas generales. No hay necesidad de entrar y agregar toneladas de detalles ni sombras ni nada por el estilo. Solo estamos creando las líneas de lápiz y dividiendo esta área en formas más grandes. Yo sugeriría dejar las cosas como mínimo y simplemente agregar las líneas y formas que sientas que necesitas para comenzar con el proceso de pintura. También recuerda dibujar a la ligera, lo más ligera que puedas para que no rayes ni dañes tu papel para que tu trabajo a lápiz no sea visible a través de la pintura transparente al final. Y también para que puedas borrar errores a medida que avanzas y seas capaz de refinar esas formas y líneas que creas si es necesario. Hay algunas cosas que no voy a estar agregando a mi boceto, como por ejemplo las briznas de pasto, los tropiezos de plantas en general son simplemente muy generales, formas irregulares que estoy agregando, pero todas esas van a cambiar cuando en realidad las esté pintando. Cuando estás pintando árboles y hojas y plantas y cosas así, es importante que te sueltes un poco mientras las estás pintando y permitir que tu descanso, tu brazo y la pintura hagan lo suyo. Es imposible para mí planear exactamente la forma muy, muy específica hasta el detalle muy minucioso para cada planta que agrego. Como dije, solo estás usando estas formas que te acuestas con lápiz para visualizar. Pero pasan muchas cosas mientras estás pintando que no planeaste. Y sobre todo cuando se trata de escenas orgánicas, naturales, necesitamos abrazar esta flojedad y esta imperfección para que las cosas se vean más naturales. No estoy creando estas formas para rellenarlas perfectamente como lo harías con una página de libro para colorear. No se trata de eso. Se trata de establecer formas y líneas para visualizar la forma general, la ubicación, los ángulos, etcétera, que necesitas para comenzar con el proceso de pintura. Entonces solo estoy agregando lo que siento que necesito para poder visualizar lo que voy a pintar más adelante en términos de la ubicación del elemento, en términos de su tamaño, su forma general, et cetera. Bien, entonces cuando se trata de paisajes y escenas, siempre me gusta establecer primero la línea del horizonte. Entonces esa es esa primera línea horizontal que me viste agregar a lo largo del tercio superior y puedes ver cómo la dejé un poco irregular. No es una línea horizontal perfecta. Y esto se debe a que se trata de una escena de la naturaleza. Y va a haber mucha irregularidad e imperfección en todo momento. Entonces, ¿por qué no empezar a crear un poco de irregularidad en esas líneas y formas que estoy agregando? Y para aquellos de ustedes que no saben cuál es la línea del horizonte, la línea del horizonte es la línea que divide el suelo del cielo o el océano del cielo en c escapa. Y lo que es es que básicamente está la altura de tus ojos como espectador de la escena. Esto es muy importante de reconocer para obtener perspectiva y profundidad en tu escena. Bien, entonces una vez que se ha agregado mi línea del horizonte, comencé a agregar otra forma importante en esta pieza, que va a ser el río. Y se puede ver como el río tiene muchas curvas al mismo. Además, me aseguré de que fuera muy, muy pequeño y muy estrecho en esa sección, más alejada de nosotros y que se hiciera cada vez más amplia medida que se acercaba cada vez más a nosotros. Esto es clave para transmitir una sensación creíble de perspectiva y profundidad. Las cosas más alejadas son más pequeñas y las cosas más cercanas van a ser más grandes. Después de agregar esa forma principal en, comencé a agregar en la línea del árbol y la distancia lejana. Y se puede ver como también bosquejo eso en con mucha irregularidad a lo largo de todo. Cuando estás dibujando en plantas y árboles y cualquier cosa que sea natural y orgánica en la naturaleza, quieres asegurarte de mantenerte alejado de patrones organizados y formas perfectas. Se quiere mantener las cosas muy irregulares y muy imperfectas y asimétricas después de agregar un poco de línea de planta ahí. Ahora estoy dibujando en este árbol en primer plano. Y vas a notar que trabajo desde la sección más ancha inferior en ese tronco y me abro camino arriba y lejos ese tronco de árbol base como estoy dibujando en las ramas, estas ramas de tamaño mediano y las ramas más pequeñas se pequeñas o más delgadas y delgadas a medida hacen cada vez más pequeñas o más delgadas y delgadas a medida que salen de ese árbol. Y también se puede ver cómo me aseguré de que ese árbol no sea simétrico. decir, si tuviera que dividir este árbol en mitades izquierda y derecha, esas mitades no serían las mismas. La simetría es cuando eres capaz doblar un elemento o una forma, o un objeto o lo que sea por la mitad. Y la mitad izquierda es exactamente la misma que la mitad derecha. Buscamos asimetría. No queremos que esos tengan que ser lo mismo. La simetría casi nunca está presente en la naturaleza. Es más una especie de objeto hecho por el hombre a la hora de dibujar en las hojas del árbol. También quería asegurarme de crear asimetría y toneladas de irregularidad. Tengo que hacer un esfuerzo consciente de mantenerme alejado de un árbol en forma de piruleta. No quieres crear un círculo perfecto o un óvalo perfecto o algo así en las hojas. Y finalmente, llegó el momento de pasar a las formas más pequeñas que voy a estar agregando aquí, que son las rocas y para las rocas porque estos son elementos naturales también. Vas a ver que tengo irregularidad en cuanto a todo, en cuanto a su tamaño, cómo se están agrupando, cómo se superponen uno encima del otro. Puedes ver cómo los estoy dibujando con ángulos, viéndolos como formas en bloques, a veces agregando solo líneas que realmente no están conectando, asegurándome de que estoy creando diferentes tipos de formas. Y solo estoy viendo la composición como un todo, asegurándome de que no voy por la borda con la cantidad de rocas que agrego. Y nuevamente, mantenerse alejado de cualquier tipo de organización o patrón o algo así cuando estás dibujando en tus rocas, también quieres asegurarte tener esa perspectiva en mente. Por lo general, quieres asegurarte de que las rocas que están más lejos se hacen cada vez más pequeñas. Sin embargo, debido a que las rocas pueden venir en todo tipo de formas y tamaños diferentes, podrías tener una especie de roca muy grande más lejos de ti en el término medio y fondo que en realidad es más grande que un raphe más pequeño tienes más cerca de ti y eso sí sucede, Eso sí tiene sentido, sin embargo, de manera general sí quieres asegurarte de que al menos algunas de estas rocas que estás agregando más cerca de ti ya que el espectador de la escena es más grande y algunas de las rocas más alejadas en el término medio son más pequeñas. Esto va a hacer que esa perspectiva se vea más creíble. Me gustó la idea de agregar algunas rocas a lo largo de los lados o bordes del río y también dentro del propio río. Y por último, me vas a ver agregar en una pequeña planta más forma o línea en el término medio. Para que pueda recordar como estoy pintando, que quiero crear un poco de arbusto o planta en esa zona solo por un poco de intereses en profundidad. Por último, voy a entrar con mi goma de borrar amasada y puedes ver cómo estoy tocando mi boceto para aclararlo. Y también para deshacerme de cualquier exceso de grafito que pudiera estar flotando en mi papel de acuarela. Porque si tengo algún exceso de grafito flotando por ahí, puedo correr el riesgo de manchar eso con mi pincel y subir mis colores. Muy bien, así que solo agregando algunos detalles menores aquí y allá, agregando un par de rocas más aquí mismo, estoy agregando solo un par de líneas para visualizar el borde de ese río ahí, porque podría querer agregar un poco de color marrón en esa área también durante el proceso de pintura. Simplemente transmita una pequeña sensación de suelo húmedo en esa zona para traer un poco de golpeteo aquí y estas formas que acabo de agregar. Y con eso, todos terminamos con nuestro boceto preliminar a lápiz. Ahora estamos pasando a la siguiente parte de este proceso, que va a ser la preparación nuestras primeras mezclas de colores para que podamos comenzar con nuestra pintura. Entonces, una vez que se haya creado su boceto preliminar, continúe y únase a mí en la siguiente clase. Nos vemos ahí. 15. Proceso de pintura en el río A.: Hola y bienvenidos a esta clase donde vamos a empezar a pintar el paisaje número tres. Al igual que lo que hicimos con nuestros dos primeros paisajes, vamos a estar trabajando con técnicas que requieren más agua al principio y mojados sobre fx húmedos para pintar en esas capas iniciales y generales más grandes áreas. Entonces vamos a pasar a formas de tamaño mediano y luego a detalles y texturas más pequeños. Pero primero, asegurémonos de que nos estamos preparando para el éxito. Que estamos empezando con buenas mezclas de colores que entendemos, los colores que vamos a estar usando a lo largo de nuestra pintura. Bien, entonces voy a usar mi pincel redondo tamaño diez para crear mis mezclas de colores iniciales porque es lo que es más cómodo para mí en términos de llevar esa pintura de mis sartenes a mi paleta de mezcla. Es un pincel de buen tamaño que puedo hacer girar mi pincel ahí y sacar un poco de pintura a la vez. Es muy importante humedecer previamente esas cerdas de tu pincel y prepararlas para tomar pintura antes usar realmente tu pincel en tu pintura, tomando un poco de agua a la vez mi contenedor es realmente mi pincel en esa pintura y saca un poco de pintura a vez en estas paredes en mi paleta de mezcla de colores, asegúrate de que estás enjuagando completamente tu pincel, cerdas entre tus colores para que no los contamines. Voy por agradables mezclas de colores jugosos en algún lugar entre un café a la leche como la consistencia es lo que voy por. Quiero una buena cantidad de pigmento en estas mezclas, pero también agua. Por lo que debería haber algún movimiento notable creado por esa agua en tus charcos. Esto es importante porque ya que vamos a estar pintando un paisaje y tenemos grandes áreas en las que vamos a estar pintando. Queremos poder cargar bien nuestras cerdas de pincel e ir rápido y no tener que recargar o pincel una y otra vez cuando estamos pintando estas grandes áreas, estos grandes lavados. Así que quieres asegurarte de que tus mezclas de colores sean agradables y jugosas aproximadamente al 50 por ciento pintan 50% de agua en esas mezclas. Y también quieres asegurarte de que te estás preparando para éxito y creando una buena cantidad de tus diferentes mezclas de colores, especialmente para esas grandes áreas iniciales Estamos va a estar pintando en. Bien, así que con todo lo dicho, déjame seguir adelante y explicar sobre las mezclas de colores específicas que estoy creando para mí en mi paleta. Primero, empecé con la preparación de los colores que estaría usando en mi cielo. El azul y el azul púrpura van de izquierda a derecha. El primer charco que creé para mí es azul cobalto liso con un poco de agua en él. Al lado de eso, preparé mi azul púrpura, que es una mezcla de azul cobalto más azul escarlata profundo más rojo es igual al púrpura. Si añades más rojo a tu mezcla, va a parecerse más a un rojo púrpura. Si añades más azul a tu mezcla se va a parecer más a un azul púrpura. Y yo quería ir por un azul púrpura. lo que estoy trabajando ahora mismo es en que estoy creando mis tres greens diferentes que voy a usar para mis hojas y para mis áreas de pasto. Entonces lo que voy a hacer es que voy a estar preparando una mezcla de color verde claro, una mezcla de color verde medio, y una mezcla de color verde más oscuro. Mi mezcla de color verde más claro va a ser una mezcla de mi verde submarino, que es el color verde base que elegí para mí. Y de ahí una luz amarilla, que es la amarilla que elegí. Entonces el verde medio va a estar jugando al verde submarino con algo de agua en él. Y finalmente, el verde más oscuro va a ser una mezcla de verde submarino más un poco de tinte neutro. Entonces, en otras palabras, eliges tu pantalla base. Y para crear una versión más ligera de esa pantalla base, agregas amarillo. Para crear una versión más oscura de tu crema base, agregas un poco de gris o negro. Ahora, cuánto amarillo tienes que agregarle y cuánto gris o negro tienes que agregar a tu verde va a depender la oscuridad o ligereza de tu pantalla base. Mi verde submarino es bastante profundo, oscuro y rico, así que tuve que agregar mucho de mi amarillo para aclararlo. tanto que a la hora de sumar En tanto que a la hora de sumar el poco de decenas neutrales, agregué una cantidad muy, muy pequeña porque ya estaba súper oscura. Lo importante aquí es que elijas tu pantalla base y luego crees tres greens para ti, un verde más claro y un verde medio y una pantalla oscura. Eso es lo más importante porque esto es lo que te permitirá desarrollar rápidamente áreas verdes claras, áreas verdes tono medio y áreas verdes más oscuras mientras estás pintando. cual es importante porque el valor realmente es lo que crea dimensión y luz y sombra en una pieza y aporta una sensación de realismo. Si solo usas un mismo verde o no te preparas ni sabes lo que vas a hacer para crear estos diferentes valores verdes, entonces lo más probable es que tu pieza vaya a aparecer bastante plano. Así que recuerda que esto es todo para prepararnos para el éxito con el fin de poder pintar rápidamente y pensando en poder pintar rápidamente y cómo vas a desarrollar tu variedad de valores y tonalidades en el diferentes áreas a lo largo tu pieza es esencial para cualquier nivel de realismo que estés tratando de crear. Entonces, sí, entender cómo mezclar color y sentirse cómodo con él es clave. Bien, así que por aquí arriba y estos pozos rectangulares en mi paleta de mezcla, me estoy preparando para otras mezclas de colores para mí. El primero en la parte superior izquierda es azul cobalto más un poco de tinte neutro. Y luego justo aquí a la derecha de esa mezcla, estoy preparando un gris para mí mezclando azul ultramarino y siena quemada. La combinación de azul y marrón es increíble para crear grises. Y lo que es genial es que si le agregas un poco más marrón, va a ser un gris más cálido que se inclina más hacia el marrón. Si añades más de ese azul a tu mezcla, va a parecerse más a un gris más frío que se inclina más hacia el azul. Y si tienes una cantidad 5050 de cada uno, va a parecer un gris medio de la gama. Así que es muy versátil y muy, muy útil. El azul oscuro va a ser usado en el agua y este gris va a ser usado en las rocas. Bien, entonces antes de saltar, voy a probar todas estas mezclas de colores para ti para que veas cómo se ven en papel. Y puedes reemplazar cualquiera de los colores que necesites reemplazar por lo que tengas a reemplazar por lo que tengas mano, eso es lo más parecido. Entonces estos dos primeros colores son los colores que estoy usando en mi plano del cielo, azul cobalto y azul cobalto más escarlata profundo para crear ese morado, voy a enjuagar todo ese color por mis cerdas de pincel, y luego voy a probar el siguiente color. Entonces voy a estar escatimando los tres greens que creé para las zonas de pasto y las hojas. Entonces este es mi verde más claro, que es mi mezcla de verde submarino y luz amarilla hansa. Esto de aquí mismo es verde claro submarino. Y entonces por fin voy a estar vistiendo mi verde submarino más ese poco de tinte neutro. Cuando lo muestro, noté que no hay una diferencia suficientemente buena entre mi verde medio y mi verde más oscuro. Entonces voy a añadir un poco más de ese tinte neutro a mi verde más oscuro. Porque como dije, quiero prepararme para el éxito y poder caer en una pantalla más oscura muy rápidamente. Y para que yo pueda hacer eso, tengo que asegurarme de que haya una diferencia entre mis mezclas de colores. Bien, y por último, voy a saborear los dos últimos colores que creé. Entonces mi azul más oscuro, que creé para mi agua, que es una mezcla de azul cobalto más un poco de tinte neutro. Y por último, voy a swatch out mi mezcla de color gris, que es una mezcla de azul ultramarino y siena quemada. Bien, así que aquí está mi paleta de colores que voy a usar para esta pieza. Creo que es una gran combinación de colores. Realmente no necesito traer nada más. No lo compliques demasiado. Mantén tu número de colores limitado y busca formas de repetir tus colores a lo largo las diferentes áreas de tus piezas. Y también cuando se trata de mezclas de colores, eso siempre va a llevar a un resultado más armonioso, bien integrado. Entonces sé exactamente qué colores y combinaciones de colores voy a usar para cada área. Hola, voy a estar aclarando y oscureciendo mis colores. Sé exactamente qué colores necesito alcanzar cada vez que me quedo sin una mezcla de colores o lo que sea, necesito alterar las proporciones de mis colores en mi mezcla de colores para que sean más oscuros, para que sean más claros, para que sean más azules, para que sean más marrones, etc. claro, esta pintura que he creado para mí en mi paleta de mezcla no es de ninguna manera toda la pintura que voy a estar usando a lo largo el proceso de pintura. Cuando estamos pintando con acuarela, constantemente estamos creando más pintura. Estamos agregando agua a nuestras mezclas de colores. Estamos agregando pintura a nuestras mezclas de colores y también cambiando las proporciones de nuestros diferentes colores en nuestras mezclas de colores dependiendo de qué es lo que estamos haciendo. Bien, así que oficialmente estamos listos para comenzar con el proceso de pintura. Voy a tomarme un segundo rápido para cambiar mi agua y te recomendaría que hicieras lo mismo también. Esto va a ser importante porque vamos a estar haciendo pre boda usando agua limpia antes de dejar caer nuestro color. Estoy preparando mi toalla de papel de cocina justo aquí mismo arrugada en mis manos un par de veces. Hay que tenerlo a mano y listo para ir para que podamos hacer nuestra técnica de levantamiento para esas nubes. Con eso listo para comenzar, voy a comenzar con mi proceso de prelectura en la sección cielo. Estoy usando mi cepillo plano de una pulgada para esto. Y estoy tomando un poco de agua a la vez de mi recipiente y alisando y deslizando esas cerdas de pincel suavemente sobre mi papel, humedeciendo previamente todo el tercio superior de mi pieza, Voy por encima la porción foliar de este árbol en primer plano que va por encima de la línea del horizonte y también el límite arbóreo en la distancia lejana. Todo eso, estoy pre boda con agua. Voy a repasar todo al menos tres o cuatro veces, asegurándome de que llegue a un bonito brillo uniforme en toda esta zona. No quiero charcos y si veo algún charco, elimino ese exceso de agua con mis cerdas limpias y solo ligeramente húmedas. Puedes usar esas cerdas de pincel como pequeña esponja absorbente entra y suaviza todo. Realmente tómate tu tiempo con el proceso de prelectura. Simplemente haz una delicadeza no empieces a fregar ni nada porque eso puede empezar a afectar el dimensionamiento de tu papel. Muchas veces los principiantes no llegan a los resultados que partir de entonces y es porque están apurando el proceso de prelectura. Así que tómate tu tiempo con ello. Si alguna sección de este rectángulo en la parte superior que tu pre boda empieza a probar demasiado rápido. Probablemente signifique que no has pre casado lo suficiente. No vas a poder llegar a esos bonitos gradientes suaves y hermosos efectos borrosos que permite la acuarela si tu papel no es efectivamente pre boda. Así que después de haber evitado todo de manera uniforme y tuve un aspecto agradable incluso reluciente en toda esta zona. Primero comencé con el color más claro que estaría usando en mi sección de cielo, que es un azul cobalto liso. Se me cayó en el azul cobalto de una manera muy irregular, comenzando por la parte superior y bajando. Definitivamente quieren algo de color en el cielo, pero yo lo quiero bastante claro y pálido cada vez que veo que voy con demasiado color o el color está demasiado saturado. Elimino ese color de las cerdas de mi pincel y vuelvo a entrar con un pincel limpio y ligeramente hacia abajo para suavizar ese color e incluso hacer un poco de levantamiento del exceso de color de mi papel. Después de colocar mi azul cobalto, dejé caer un poquito de mi púrpura aquí y allá, solo para que pueda desarrollar una sutil variación de tonalidad en mi cielo. Yo hice lo mismo con mi morado. Quería un bonito efecto sutil. Así que me caí poco a poco, y volví a entrar después de caer mi morado para suavizar ese color y trabajar en las transiciones muy suavemente y muy mínimamente, aquí mismo estoy dejando caer un poco más de ese azul cobalto a lo largo de la sección superior del cielo para iluminar un poco más ese azul. Observe cómo dejé esa porción foliar del árbol más cercana a nosotros, así como la línea arbórea en la lejana distancia, bastante libre de color. Ese color es muy claro ahí dentro. Hay una cantidad muy pequeña de pigmento en estas áreas. Y esto es porque no quiero que este morado y este azul afecten a esos verdes que voy a pintar en estas secciones más adelante. Incluso se puede ver cómo dejé algo de ese papel blanco brillando en algunas zonas, que por sí mismo ya empieza a crear esa sutil ilusión de nubes blancas. Todo sigue bastante húmedo y viable en esta tercera porción superior en el cielo porque me tomé tiempo para hacer ese proceso de prelectura. Si no hubiera hecho esa pre boda usando agua limpia y acababa de empezar a pintar sobre papel seco. Ese papel seco habría empapado esa pintura de inmediato porque tenía mucha sed y no tendría todo este tiempo para seguir trabajando en esta área haciendo tu pre boda. Y no solo estás asegurando agradables efectos suaves difusos, sino que también te estás comprando más tiempo. Una vez estaba contento con el color que tenía en mi cielo antes de que esa pintura se secara. Realicé un poco de levantamiento de nubes adicionales usando mi toalla de papel de cocina arrugada. Me aseguré de no ir por la borda con la cantidad de nubes que me detuve. También me aseguré de que hubiera mucha irregularidad en esas nubes. De nuevo, traté de alejarme del aspecto de patrones o formas organizadas. Todo lo que necesitas hacer es secar suavemente tu toalla de papel de cocina arrugada en ciertas secciones aquí y allá. Y eso va a levantar algo de ese color de tu papel. Puedes explorar, modificando la forma de ese papel arrugada en tu mano para que puedas tener mucha irregularidad y tus Nubes, bien, Así que después de haber pintado en el cielo, Dejo que todo se seque por completo. Y puedes sentirte libre de servirte con un secador de pelo si quieres acelerar ese proceso de secado. Después de que todo estuvo completamente seco, llegó el momento de pasar a la siguiente fase de este proceso de pintura, que va a ser pintar en la zona de pasto y también la línea arbórea en el distancia muy lejana. Entonces como pueden ver, también estoy haciendo pre boda usando agua limpia para toda esta área. Y para esto, decidí usar mi cepillo grande para fregona. Sabía que tener ese extremo puntiforme me permitiría meterme entre estas formas rocosas. No quiero mojar previamente las formas rocosas porque voy a estar usando unos grises muy claros en las rocas. Y también quiero asegurarme de que muchas de mis rocas tengan reflejos blancos al final. Entonces mantengo esas formas rocosas protegidas al no proporcionarles agua. Porque si los humedezco previamente con agua, entonces ese verde que me acosté o que caigo justo al lado de esas formas rocosas va a desangrar en las formas rocosas. Y quiero mantenerlos protegidos. Y cómo hago esto dejándolos secos. Si te sientes más cómodo usando un pincel más pequeño para ir entre las formas de roca. Adelante, hazlo. Siempre puedes tener dos pinceles en la mano mientras estás haciendo tu pre boda para que puedas cambiar entre ellos según sea necesario, igual que con el cielo. Realmente me tomé mi tiempo con este proceso de prelectura. Yo fui por encima. Todo al menos de tres a cuatro veces para asegurarme que llegué a un agradable brillo uniforme toda la hierba, toda la línea de árboles y la distancia lejana y todo a lo largo estas pequeñas secciones alrededor y entre las rocas. Realmente tómate tu tiempo con el proceso de prelectura. No te apresures y asegúrate llegar a un bonito brillo uniforme en todo momento. Tómate el tiempo que necesites. Y recuerda que la rapidez o lentitud con la que tu papel comienza a secarse sobre ti va a verse directamente impactado por el entorno en el que estás trabajando. Si trabajas en un ambiente frío o cálido, o en un ambiente seco o húmedo. O tienes una unidad de aire acondicionado encendida o un ventilador encendido o un sistema de calefacción encendido. Todo eso va a tener un gran impacto en la rapidez tu papel y tu pintura y tu agua empiezan a secarse sobre ti. Entonces dependiendo de tus circunstancias en las que estés trabajando, tal vez tengas que conseguir menos, tal vez tengas que mojarte más previamente. Al igual que si quieres bonitos efectos borrosos, difusos , suaves, tienes que asegurarte de que estás dejando caer tu pintura sobre papel húmedo. Cuanto más húmedo esté tu papel, cuando caigas ese color, cuanto más movimiento vas a ver la secadora se vuelve el papel, menos se mueve y se expande la pintura. Estoy terminando con mi pre boda aquí usando mi cepillo de seis trapeador de tamaño más grande. Se puede ver cómo vuelvo al principio una y otra y otra vez. Porque obviamente donde sea que hayas empezado a hacer tu pre boda, esa sección con la que empezaste se va a secar rápidamente a medida que te diriges hacia el otro lado. Así que donde quiera que empiece, me dirijo hacia el otro lado. Avance un poco hacia el otro lado y luego vuelvo a donde empecé, luego avanzo un poco más y vuelvo a donde empecé y así sucesivamente y así sucesivamente para que pueda asegurarme de que ese lugar donde empecé se queda mojado. Y luego una vez que termine, entonces repaso todo aquí mismo. Estoy saltando por toda el área con mi cepillo de trapeador, que este cepillo de trapeador de Princeton contiene mucha agua y sus cerdas, por lo que es bastante genial para pre boda y para pintar grandes áreas. Esto es de su línea de Neptuno, pero en este punto solo estoy saltando alrededor toda la hierba y el fondo, forma de la línea del árbol y trabajando en estos espacios estrechos más complejos entre los formas de roca y simplemente yendo y viniendo, asegurándose de que todo esté uniformemente pre boda. Bien, así que estoy bastante contento con incluso reluciendo en toda esta área. Entonces el cielo está seco, la forma del río es seca y las formas de roca están secas, y es hora de comenzar con la pintura en nuestros granos. Entonces, como siempre, empiezo con el color más claro del grupo que he seleccionado para toda esta zona, que por supuesto es la pantalla más ligera. Mi verde submarino con la luz amarilla hansa es lo que estoy cayendo en estos momentos. Se puede ver como estoy saltando por toda esta zona, dejando caer un poco de color a la vez. Y se puede ver como incluso estoy dejando secciones en las que esa blancura y el brillo del papel está brillando completamente sin pintar. Así que aquí no estamos pintando la pared de una casa. Aquí no vamos a conseguir un acabado parejo. De verdad vamos por la irregularidad. Queremos ciertas secciones en las que esa pintura se vea más clara y más translúcida o más pálida. Y otras secciones donde ese color se ve un poco más saturado, donde ese papel se cubre un poco más con ese pigmento. Cuando estamos trabajando con acuarela, queremos incorporar esa ligereza y brillo debajo esa pintura de ese papel como parte de la pieza. Esto es lo que va a hacer que esta pieza luzca resplandeciente y ligera al final. Y tiene dimensión porque es la blancura del papel lo que no solo se destaca para nuestros reflejos cuando estamos pintando con acuarela, sino incorporando esa blancura en áreas de valor más ligero donde estés usando tu pintura de una manera más translúcida, también va a hacer que esta pieza luzca mucho más brillante y más ligera. Y eso es lo que queremos después haber caído en mi verde más claro, se puede ver daño ahora bajando en mi verde medio en ciertas zonas de aquí y allá, especialmente a lo largo del río y en algunas de las secciones de plantas como la que está debajo del árbol en primer plano, y la pequeña forma de la planta también en el término medio, y también debajo de los árboles, en la línea de árboles y la distancia lejana. Entonces estoy pensando en dónde estarían los valores verdes más oscuros y las formas de sombra en toda esta área. En estos casos en los que creé esta composición a partir de la imaginación. Y no estoy usando ninguna foto de referencia en particular para mostrarme dónde están las formas de las sombras y dónde están los diferentes valores, nuestra garganta, todos estos diferentes elementos. Realmente tengo que aportar mi conocimiento de la estructura de lo que es lo que estoy pintando y también. Conocimiento de cómo funcionan la luz y la sombra. Y en este punto estoy empezando a caer en mi verde más oscuro y el verde más oscuro, realidad solo estoy usando y secciones oscuras más oscuras y las plantas y pasto. También estoy empezando a usar el verde más oscuro para crear un poco de ilusión de sombra bajo las rocas donde la estructura rocosa está guardando esa luz proveniente del sol de golpeando esa sección de pasto debajo o junto a las rocas. Y ya terminé con esta sección de pasto en el término medio y el primer plano. Estoy bastante contento con la sensación de luz y sombra que he creado al desarrollar una amplia gama de valores en todas estas áreas cubiertas de hierba. Y ahora es el momento de comenzar a pintar en los verdes para los árboles y la línea de árboles en la distancia lejana. Vas a notar que no agrego completamente mucha pintura en esta zona de la izquierda donde vamos a estar pintando en el árbol en primer plano, porque la forma es mucho más pequeña y Quiero crear un poco de borde superior irregular. En este árbol la forma de la línea cambió sobre a mi tamaño más pequeño, diez cepillo redondo. E incluso para estos árboles y la distancia lejana, quiero asegurarme de desarrollar una amplia gama de valores, desde áreas verdes muy claras y translúcidas hasta áreas tono medio a áreas más oscuras. Esta dicha perspectiva aérea, también conocida como perspectiva atmosférica, nos dice que los elementos más alejados de nosotros como espectador de la escena, deben tener un valor más ligero que el elementos que están más cerca de ti, es decir, los elementos que están más cerca de ti deben aparecer al menos un poco más oscuros los elementos que están más lejos. Elementos que están más alejados en la distancia. Se ponen más arriesgadas, se ponen más frías y temperatura y se vuelven más livianas en valor. Dicho esto, recuerda que la acuarela siempre va a secarse un poco más ligera que cómo se ve cuando está mojada. Y voy a estar desarrollando mayor detalle y estratificación y elementos en el término medio y primer plano, creando valores más oscuros en elementos que más adelante están más cerca de nosotros en la pintura proceso. Entonces esto es todo para decir, asegúrate de desarrollar una amplia gama de valores y translucidez en la línea del árbol justo por encima de la línea del horizonte. Pero no te pongas súper, súper oscuro. Porque si vas en súper oscuro y saturado, bueno, número uno, no va a parecer muy realista al final. Y número dos, vas a crear tantos pesos visuales en esa línea de árboles en la distancia lejana que esos árboles van a competir con los elementos en primer plano donde queremos que la atención del espectador vaya a ir. Bien, así que antes de estos greens que he estado trabajando, empieza a dibujar en mí. Agrego un poco más de mi sienna quemada a mi mezcla de color ultramar y siena quemada para llevarla un poco más hacia el lado marrón oscuro. Y dejo caer un poco de este marrón oscuro a lo largo ciertos tramos de los bordes del río. Y debido a que ese verde todavía está húmedo, se puede ver como ese marrón se desangró un poco en esos greens, creando un bonito efecto suave difuso . Eso es todo lo que voy a hacer con ese moreno de ahí. Bien, y eso es todo para esta primera parte de este proceso de pintura para el paisaje número tres, voy a permitir que todo se seque completamente y luego va a ser el momento de pasar a la siguiente fase. Tómate el tiempo que necesites con este, y te veré en la siguiente clase. 16. Proceso de pintura en el río B: Hola y bienvenidos a la segunda parte de este proceso de pintura para paisaje. Número tres, vamos a estar pintando en el río y luego vamos a empezar con formas y elementos más pequeños. Así que vamos a saltar de inmediato. Después de trabajar en todos estos greens, dejé que todo se secara completamente una vez más. Y puedes ayudarte con tu secador si quieres acelerar ese proceso de secado. Pero es muy importante que todo esté completamente seco. Antes de pasar a la siguiente parte, vamos a estar pintando el río ahora. Entonces, lo que estoy haciendo ahora mismo antes de comenzar es que me estoy asegurando de tener las mezclas de colores que necesito y que tengo suficientes listas para mí en mi paleta de mezclas. Antes de comenzar con, una vez más, el proceso de prelectura en esta forma de río. Entonces los tres colores que voy a usar para el río son mi azul cobalto. También voy a estar usando mi morado, que es azul cobalto, además de un poquito de escarlata profunda. Y también voy a estar usando mi azul más oscuro que creé mezclando azul cobalto y un poco de tinte neutro. Voy a estar usando los tres colores en el río, sea cual sea el color que necesites para hacer más o reactivar agregando un poco de agua. Adelante y hazlo, asegúrate de que tengas listas para funcionar bonitas y jugosas mezclas de colores para que puedas empezar a pintar en el río. Tengo que pintar pinceles a mano. Y estos pinceles son mi pincel redondo tamaño diez y mi pincel de fregona tamaño seis está en mi mano izquierda, listo para ir por mí en caso de que lo necesite durante el proceso de preescritura. Pero estoy empezando con pre boda usando mi pincel redondo talla diez, especialmente en aquellas zonas que están más alejadas en esta forma de río porque son muy estrechas y el tamaño diez cepillos redondos más apropiado para ese tamaño de forma. Estoy haciendo mi camino a seguir. Y como pueden ver, una vez más, avancé un poco y volví a donde empecé. Entonces avancé un poco más y vuelvo a donde empecé una y otra vez. Para que esa sección con la que empecé no me seque. Una vez que llegan a esta sección más ancha de esta forma de río, me enciendo a mi tamaño seis cepillo de fregona, que es más apropiado para esta área más grande. Definitivamente puedo mojar bastante esta área más grande mucho más rápido con mi cepillo de fregona que con mi talla diez redonda. Sin embargo, tener el tamaño diez redondo a mano es muy útil porque tengo algunas formas de roca en ese río que quiero trabajar y mantener seco. Entonces me enciendo a mi talla diez cepillo marrón cada vez que siento que sería útil para mí tener un cepillo más pequeño porque permite más control. Estoy haciendo todo lo posible para mantener protegidas estas formas rocosas porque no quiero que se cubran completamente de blues. Y quiero asegurarme de que sean bonitos y brillantes y que tengan la mayoría pastando a lo largo de ellos más adelante, así como pequeñas formas resaltadas. Y para esto, necesito asegurarme de mantener esas formas de roca protegidas así que me aseguro de mantenerme seca. Si estuviera usando líquido de enmascaramiento, podría haber enmascarado esas rocas. Pero para este, tenía muchas ganas de mantenerlo lo más simple posible y completamente amigable para principiantes. Entonces solo estamos trabajando en torno a ellos. Le estoy dando a todo un último pase, sobre todo usando mi pincel redondo de diez tamaños más pequeños. Entrar en estas áreas estrechas entre las formas de roca una vez más, para asegurarse de que nada se secó en mí demasiado rápido. Estoy sacando un poco de agua a la vez de mi contenedor cada vez que siento que lo necesito. El papel ha sido preparado con una buena capa de agua sobre él. Ninguna sección está empezando a secarme demasiado rápido. Incluso esa sección estrecha en la distancia lejana sigue siendo bastante húmeda y he llegado a un bonito brillo uniforme en todo momento. Así que estamos a punto de comenzar con la caída de nuestro primer color, que va a ser el plano azul cobalto para mi colocación de color en el río. Me encendí a mi cepillo de fregona. Una vez más, siento que me va a permitir dejar caer una buena cantidad de color y trabajar rápidamente. Pero todavía tengo mi talla diez cepillo redondo en mi mano por si acaso lo necesito. Entonces otra vez, estoy empezando por el color más claro del manojo, que es el azul cobalto. Voy a hacer mi camino hacia el color más oscuro con esta zona. Quiero recordarte una vez más, no estamos pintando la pared de la casa. Queremos incorporar esa blancura en ese brillo del papel debajo de la pintura. Y estamos usando la translucidez de los medios para crear ligereza, para crear resplandor, para crear la mención, saltar alrededor, mantener todo muy irregular. Puedes dejar secciones de ese papel blanco brillando a través. Y en realidad lo recomendaría porque eso va a crear una ilusión de brillo y reflejo de luz sobre el agua. Aquí mismo me pueden ver usar mi pincel redondo talla diez para hacer un poco de levantamiento de exceso de color y agua. He colocado en forma de río, caer en sólo un poco de color a la vez. Y si en algún momento sientes que has caído demasiado color o para saturarlo una mezcla de colores. Quita ese color de tu pincel, cerdas, vuelve a entrar con solo agua en tu pincel y suaviza ese color un poco levantando algo de ese color, usando tus cerdas de tu pincel como una pequeña esponja absorbente o tira y extiende ese color que ya has colocado sobre papel para cubrir un área más grande. Y eso va a suavizar el color después caer en alguna cantidad de ese azul más claro inicial, ahora estoy cayendo en algo de mi azul púrpura. Se puede ver cómo estoy cayendo mayormente en este azul púrpura a lo largo de algunos de los bordes del río donde quiero crear un poco de efecto de sombra. Por último, voy a entrar con mi azul más oscuro y mi azul más oscuro que realmente estoy guardando solo para las secciones de sombras más oscuras a lo largo de algunos de los bordes del río y también por debajo y alrededor de algunas de estas rocas. Todo sigue muy húmedo y viable porque me tomé el tiempo para hacer esa pre boda antes de comenzar. Esta es realmente la única razón por que puedo seguir agregando más color, haciendo un suave ablandamiento y ayudando a que ese color se expanda un poco más, etcétera. Si mi periódico ya había comenzado a llegar a ese incómodo estado semi seco, realmente no debería estar haciendo ningún trabajo en absoluto. Debería permitir que eso se seque completamente y luego hacer cualquier trabajo que deba hacerse más adelante después de que todo se haya secado por completo, continuando trabajando en una sección cuando ya está empezar a secarse es una de las peores cosas que podemos hacer al pintar con este medio. Y es una forma segura de llegar a texturas indeseadas del género splotch y una apariencia sobrecargada de trabajo. Así que siempre mantén un ojo hacia fuera para cuando tu papel esté empezando a secarse. Justo aquí. Estoy terminando con este lavado inicial a lo largo de toda la forma del río agregando un poco del primer azul con el que comencé, que es un avión más claro, azul cobalto, solo iluminando ciertas secciones que tenían una cantidad muy pequeña de pintura en ellas. Y también se me cayó un poco más de púrpura. Luego permito que todo se seque completamente una vez más antes de pasar a la siguiente parte de este proceso, que va a ser la primera capa de gris en las rocas. Entonces lo que estoy haciendo aquí mismo es que me estoy asegurando de que mis mezclas de color gris. Entonces mi mezcla con el azul ultramarino y la siena quemada es alrededor del 50% azul, 50% marrón. Entonces en realidad se ve como un gris y no tanto como el azul oscuro o el marrón oscuro. Recomiendo encarecidamente probar su mezcla de colores en un trozo de papel de acuarela para asegurarse de que se vea como un gris antes de comenzar. Y además, quieres asegurarte de que inicialmente vas a entrar con un gris pálido regado muy, muy claro para esta capa inicial en las rocas. Una vez que mi agua ligera hacia abajo Gray estaba lista, cargué un poco de este gris usando mi pincel redondo talla diez. Y se puede ver cómo voy entrando muy flojo, muy a la ligera. Y lo que estoy haciendo esencialmente es que me voy a meter en cada roca. Estoy visualizando donde tengo que estar mi forma de resaltado. Y estoy pintando en el gris claro alrededor de esa forma resaltada. No hay necesidad de entrar con cuidado. Sé súper preciso sobre dónde creas tu forma de resaltado. Observe lo rápido que me estoy moviendo. Y es solo cuestión de visualizar dónde esos planos superiores de la roca que están captando la mayor parte de la luz. Y donde están los planos laterales o los planos inferiores de las rocas donde la luz no estaría golpeando. Vamos a estar abordando, pintando las rocas en tres capas. Entonces queremos destacar, queremos valores de gris muy claro, que es lo que acabamos de crear. Entonces vamos a permitir que esta capa inicial de gris claro se seque completamente y vamos a volver a las rocas más tarde después de que todo se haya secado con un poco de un gris más oscuro y vamos a estar oscureciendo ciertas secciones de sombras en las rocas para desarrollar más valores en las rocas. Tan grises tonos medios y oscuros más oscuros. Y esto va a crear más de una sensación creíble de 3D ness. Pero en este punto ya terminé. Tengo mis formas destacadas para mis rocas y tengo mi gris más claro ya creado. Dejemos que eso se seque y vamos a volver más tarde para desarrollar nuestros grises más oscuros. Bien, entonces finalmente es momento de empezar a pintar en nuestro árbol en primer plano. Lo primero que voy a pintar son las hojas. Entonces como pueden ver, me estoy quedando sin mis diferentes greens en mis paletas de mezcla de colores. Así que me estoy asegurando de que tengo suficiente de mis diferentes greens. Entonces mi verde más claro, mi verde medio, y mi verde más oscuro, mismas tres mezclas de color verde que tenía antes. Quiero que sean agradables y jugosos. Quiero una buena cantidad tanto de pintura como de agua en ellos, aproximadamente 50%, 50% agua. Y quiero asegurarme de que tengo una buena cantidad en esos pozos para que pueda efectivamente cargar las cerdas de mi pincel y entrar y pintar bien y rápido aquí mismo y swatching estos verdes una vez más. Solo para asegurarse de que haya suficiente diferencia entre los tres antes de comenzar. Aquí mismo, estoy agregando un poco más de este tinte neutro una vez más a la pantalla más oscura para asegurarme de que haya suficiente diferencia entre mi verde medio y mi verde más oscuro. Bien, así que eliminé todo ese verde más oscuro para las cerdas de mi pincel. Y voy a entrar, adivina que con el color más claro del manojo, mi verde más claro que tiene el amarillo en él. Estoy usando mi pincel redondo talla diez para esto. Voy a colocar ese verde más claro en la parte superior, o imaginé este árbol con forma de estar captando la mayor parte de la luz. Y luego voy a usar el verde medio en la sección media y el verde sección media y el más oscuro mayormente a lo largo de la parte inferior. Esto no quiere decir que solo use esas pantallas en esas áreas muy específicas. Tiene que haber alguna cantidad de verde más claro en todas partes, cierta cantidad de verde medio en todas partes, y alguna cantidad de verde más oscuro en todas partes. Porque a la hora de pintar árboles, hay todas estas agrupaciones de hojas que se superponen una encima de la otra y crean sombras unas sobre otras. No obstante, en el sentido general, hago mi camino desde más ligero en la parte superior que medio en la sección media, agregando un poco de medio en la parte superior así como lo estoy haciendo. Y luego después de terminar con esos dos, sigo adelante y empiezo con el verde más oscuro. Y cuando estoy agregando un poquito de ese verde más oscuro en la parte inferior. También agrego en esa pantalla más oscura aquí y allá en las secciones superiores del árbol, tengo cuidado de no agregar aunque tengo cuidado de no agregar demasiado de ese verde más oscuro, porque si lo hago, corro el riesgo de hacer que toda mi porción de hoja sea muy oscura. Y quiero asegurarme de que tengo muchos greens más claros ahí para transmitir realmente esa sensación de luz. Recuerda que al final, lo más importante es que tengas una variedad de valores verdes en toda la porción foliar. Si quieres comunicar una sensación creíble de luz y sombra y dimensión. Y no sólo buscas crear una variedad de valores mediante el uso de mezclas de colores que has preparado para ti mismo, que son un verde más claro de verde medio y un verde más oscuro. Pero nuevamente, quiero recordarles que translucidez es la belleza de este medio. Así que estás buscando jugar con esa translucidez también. Se puede ver en mi árbol como ciertas secciones se ven muy ligeras y translúcidas. Y otras secciones se ven un poco más oscuras y más saturadas en cuanto a la técnica de pincelada que estoy usando. Estoy usando una combinación de garabatos y rebotes, especialmente cuando es este tipo de árbol. Y también utilizo esta técnica de garabatos y equilibrio para las plantas. Hablo todo de pinceladas básicas y garabatos y rebotar en mi curso de acuarela uno a uno aquí en Skillshare, recomendaría encarecidamente que lo revises si aún no lo has hecho. Se trata de sostener tu pincel de manera efectiva desde arriba, relajar tu mano y tu brazo. Y realmente cambiando y cambiando la forma en que estás usando tu pincel en términos de ese ángulo de ese pincel en relación con tu papel. Entonces a veces va a ser más de un ángulo vertical de 90 grados. Otras veces va a ser un ángulo de 45 grados. Otras veces va a ser un ángulo de 30 grados. Otra cosa que estoy cambiando constantemente es cuánto de esas cerdas de mi pincel está entrando en contacto con mi papel. A veces estoy presionando más esas cerdas para que todo el vientre de ese pincel esté creando esa forma más grande para mí otras veces es solo la punta de mi pincel creando formas más pequeñas. Y también estoy rotando mis riesgos de diferentes maneras de vez en cuando. Todo este cambio y cambio en cuanto a cómo sostengo mi pincel, cómo lo estoy presionando hacia abajo, etcétera, me permite crear esas formas muy irregulares para mis diferentes valores en esta área foliar practicando esos simulacros de pincelada de los que comparto en ese tutorial, vas a ponerte mucho más cómodo cambiando y cambiando la forma en que estás usando tu pincel. Esto es tan importante para que puedas pintar diferentes texturas. Como pueden ver, terminé con secciones en las que esos greens se están fusionando entre sí, creando gradualmente gradientes suaves entre ellos. Y otras secciones donde las transiciones son más nítidas y más definidas. Voy a permitir que esto lo intente y más adelante, voy a volver a entrar para agregar más detalles usando la técnica de rebote. Bien, entonces ahora que toda la sección gráfica está completamente seca y se puede ver como esta zancada mucho más ligera que como se veía cuando estaba mojada. Voy a entrar y oscurecer ciertas secciones, especialmente esas formas de plantas en las que había esbozado, en el término medio y también en primer plano justo debajo este árbol que está más cerca de nosotros, Yo quiero hacer esos pop. Entonces usando mi pincel redondo tamaño diez, voy a entrar con una técnica muy similar a la que solo estaba usando para las hojas en el árbol. Entonces esta es una mezcla de garabatos y rebotes. Comenzando primero con mi verde más claro y luego me dejo caer un poco de mi verde medio. Y finalmente, en las zonas de sombra más profundas que quiero oscurecer aún más, caigo en mi verde más oscuro, al igual que cuando estabas trabajando en las hojas del árbol, quieres trabajar rápido para que obtengas algunos de esos gradientes suaves borrosos entre tus diferentes greens para que eso suceda, esa capa anterior de verde tiene estar mojada aún cuando caigas en la siguiente pantalla. Observe esa irregularidad que creé tanto como el borde superior de estas formas de plantas y también en el borde inferior de estas formas de plantas. Tener ese borde inferior irregular es muy útil porque va a hacer que parezca que hay pastos y otras plantas frente a este arbusto creando ese borde irregular. Hace que se vea más natural si creas una línea o borde muy suave o incluso horizontal a lo largo de la parte inferior de estas formas de plantas. No va a parecer muy realista. Bien, entonces es momento de entrar con nuestra segunda capa gris en las rocas. Así que me estoy asegurando de tener suficiente de mi mezcla de colores grises en mi paleta. Entonces esa es mi mezcla de color azul ultramarino más siena quemada. Y lo probé en mi trozo de papel de acuarela para asegurarme de que se vea bastante parecido al tono gris que estaba usando antes. Sólo que esta vez, voy a usar este gris en un estado menos aguado para que quede más oscuro y más saturado. Entonces como mencioné antes, cuando estábamos pintando la primera capa, con esa primera capa, estábamos tratando de crear los reflejos y los valores de gris más claros. Ahora que esos están adentro, vamos a estar empujando las áreas más oscuras de tono medio. Y se puede ver como me voy con mi talla diez cepillo redondo súper flojo, relativamente rápido, igual que lo estaba haciendo antes. Sólo que esta vez estoy pintando en formas de sombra abstractas más pequeñas. Estoy visualizando donde esos planos de esas rocas estarían mirando lejos de la luz o donde las rocas están creando sombras unas sobre otras por esa superposición. Y ahí es donde estoy pintando en estas formas de sombras grises más oscuras. Y esto crea una mayor variedad de valores de gris porque ahora tenemos reflejos. Tenemos valores de gris claro y valores gris medio tono más oscuro. Cada vez que ampliamos o aumentamos o ampliamos ese rango de valores, las cosas se ven cada vez más realistas. Quiero animarte a abrazar esas formas abstractas, irregulares para tus diferentes valores. No tienen que ser perfectos y no tienes que entrar y alisar y suavizar esos bordes. Puedes dejarlos, abstraerlos sueltos. Y en estos contextos mayores que estamos pintando, el espectador va a saber que se trata de rocas. No tenemos que describir demasiado las cosas para el espectador. Justo aquí. Voy a entrar con un pincel limpio y ligeramente húmedo y solo estoy muy, muy suavemente haciendo un pequeño fregado suave a lo largo de algunos de los bordes de esas formas grises más oscuras. Pero lo estoy haciendo muy mínimamente y no voy a entrar en cada roca para intentar ablandar todo. Así que aún usando mi pincel redondo talla diez, voy a hacer un poco de pintura rápida de algunas rocas en la lejana distancia en la que no había pintado. Me aseguro de entrar con mi agua abajo gris para que las formas grises en las que pinté no fueran demasiado duras en demasiado distrayendo. Quiero mantener esas rocas y la distancia lejana luz en valor. Y no voy a estar agregando con más detalle ni valores más oscuros a esas rocas que están más alejadas. Con eso, terminamos con esta parte del proceso de pintura. Cuando estés listo, adelante y únete a mí para la tercera parte. Nos vemos ahí. 17. Proceso de pintura en el río C: Hola de nuevo y bienvenidos a la tercera parte de nuestro proceso de pintura para nuestro tercer paisaje. En esta parte del proceso, nos estamos enfocando principalmente en los detalles más pequeños, mejorando más las texturas y agregando más intereses a la pieza. Sigamos adelante y saltemos derecho. Una vez terminé de pintar en esas rocas y llegó el momento de finalmente seguir adelante y agregar algunas briznas de pasto, sobre todo en estas secciones más cercanas a nosotros. Entonces para esto, por fin estoy sacando mi cepillo más pequeño que escogí para este proceso, que es mi tamaño tres cepillo redondo, bastante humedecer esas cerdas porque estaba completamente seco. Hasta ahora no había usado este cepillo. Y lo que estoy haciendo usando mi verde más claro y mi verde medio es que estoy haciendo algunos movimientos de movimiento hacia arriba para agregar en estas briznas de hierba en primer plano. Entonces, cuando estás agregando tus briznas de hierba, es muy importante que tengas en mente la perspectiva. Es importante que siempre tengas la perspectiva en mente cuando estés creando paisajes y escenas de cualquier tipo. Pero cuando agregas tus briznas de hierba, realmente puedes mejorar esa sensación de espacio abierto creíble y profundidad y perspectiva haciendo esas briznas de hierba más cercanas a nosotros como espectador de la escena, ligeramente más altas o más largas que las briznas de hierba que empiezas a pintar en secciones en el término medio. Y no voy a estar agregando ninguna brizna de pasto en absoluto en las secciones más alejadas en el término medio. Y más allá de eso, solo voy a estar enfocándome principalmente en esta sección que está más cerca de nosotros. Entonces dos consejos que te van a ayudar con tu flicking y hacer que estas briznas de hierba se vean más creíbles. Quieres asegurarte de que estás moviendo tu muñeca hacia arriba rápidamente para que puedas crear ese aspecto cónico. Quiere que ese extremo de la brizna de pasto sea más delgado y más estrecho y que la base de la brizna de hierba sea más gruesa y oscura. Ese movimiento de movimiento rápido hacia arriba te permitirá crear ese aspecto cónico. Una cosa más es que quieres asegurarte de que no estás creando líneas rígidas y perfectamente verticales. Si incorporas ligeras curvas cuando estás haciendo esos movimientos de movimiento, a veces esa curva es un poco más hacia la izquierda o yendo hacia la derecha. Son briznas de hierba van a verse mucho más naturales. Y una cosa final es que cuando estás pintando en estas briznas de hierba, tienes que tomar en cuenta el valor verde que ya has creado debajo en ese primer lavado verde que creaste. Porque si pintas en una brizna de hierba muy oscura encima de un verde translúcido muy claro. Esa marca que creas para tu brizna de hierba va a resultar muy cruda y muy distrayente y no queremos crear líneas o marcas de aspecto marcado. Recuerda que si pintas una línea, forma o marca muy oscura sobre un fondo muy claro que va a ser muy contrastante y va a crear mucho peso visual que va a llamar la atención del espectador. Queremos mantener las cosas sutiles. Es preferible entrar con tu pantalla más ligera para crear tus briznas de hierba, o para asegurarte de que vas a entrar con un verde medio que esté bastante aguado y translúcido. Pero mantén tus briznas de hierba sutiles. Y una última cosa es que no necesitas ir por la borda con la cantidad de briznas de hierba que agregas. A la hora de pintar con acuarela un poco va muy lejos. Y nuevamente, no queremos describir demasiado nada. Bien, así que finalmente es momento de pintar en ese tronco de árbol y las ramas para este árbol principal más cercano a nosotros. Entonces, lo que estoy haciendo aquí mismo en mi paleta de mezclas es que estoy creando un marrón más oscuro y un marrón más claro para mí. Ambas son mezclas de siena quemada y azul ultramarino. Acabo de jugar con las proporciones de estos colores en mis mezclas de colores. Para que uno se vea como un marrón más claro y otro que parezca un marrón más oscuro. Así que empieza con la sienna quemada y luego agrega un poco de ultramarino a la vez para oscurecerla cada vez más. Tu mezcla que tiene una menor cantidad de azul ultramarino en ella va a parecer un marrón más claro. Y la mezcla de colores que tiene más azul ultramarino en ella va a parecer un marrón más oscuro. Simplemente no quieres agregar demasiado ultramarino que empiece a tornarse gris. Bien, así que una vez que tenía mis dos marrones listos para ir usando mi pincel redondo talla diez, voy a empezar a pintar en el tronco del árbol. Voy a hacer mi camino hacia arriba desde abajo y voy a trabajar rápidamente para que no me quede con bordes definidos afilados alrededor de las formas en las que estoy pintando. Porque recuerden, ahora que estamos pintando sobre papel seco, las cosas se van a secar bastante rápido. Entonces quiero mantener las cosas en movimiento. Si me quedo sin pintura en el camino, vuelvo a cargar rápidamente las cerdas de mi pincel y vuelvo y rápidamente donde lo dejé para que no me quede sin filo definido afilado mientras hago mi camino arriba hacia esas ramas, Es solo la punta de mi pincel entrando en contacto con mi papel. Y estoy haciendo mi camino hacia arriba y hacia fuera. Eso me ayuda a crear ese aspecto cónico. Una vez que ese marrón más claro ha sido pintado en, caigo un poco de mi marrón más oscuro en ciertas secciones de sombras, especialmente en la parte inferior de esa base de ese tronco de árbol, y en algunas secciones de esas ramas justo debajo de las hojas. Como pueden ver, porque se me cayó en mi pared marrón más oscura ese marrón más claro inicial todavía estaba húmedo. El marrón más oscuro se fusionó y crea degradados suaves en ese marrón más claro. Encendí a mi talla tres cepillo redondo, mi pincel más pequeño. Y estoy pintando en las ramas que podemos ver a través de algunas de estas hojas. Estoy usando el marrón más oscuro para esto, pero puedes ver en mi paleta que tiene mucha agua en ella y solo estoy tomando una cantidad muy pequeña. Nuevamente, este soy yo tratando de mantener las cosas sutiles y no tratando de crear líneas o marcas duras, que distraigan en ningún lado. Prefiero entrar más ligero y luego tener que entrar y oscurecer ciertas secciones de esas ramas. Entonces ir de manera demasiado oscura con un color demasiado oscuro o saturado. Quiero que estas ramas sean muy delgadas y afiladas mientras me dirijo hacia el final. Así que al igual que lo que las briznas de hierba, yo quería hacer un solo trazo y quiero hacer un movimiento de flicking para que ese extremo sea muy, muy delgado, muy estrecho, oscureciendo ciertas secciones de mi sucursales aquí y allá. Y eso es todo. terminé con pintar en el baúl y las ramas. Por lo que oficialmente estamos en la última fase de este proceso de pintura. Todo lo que busco hacer en este punto es oscuro en ciertas secciones y quizás agregar un poco más de detalle en los elementos más cercanos a nosotros como espectador de la escena. Al agregar un poco más de contraste, aumentando el rango de valores. Añadiendo un poco más de detalle quizás en estas secciones más cercanas a nosotros y estos elementos más cercanos, vamos a potenciar esa sensación de espacio abierto y profundidad de la que he estado hablando. Esto es lo que nos dice la perspectiva aérea y cómo vemos las cosas en la vida real. Las cosas más cercanas a nosotros van a ser más detalladas y más oscuras en valor que las cosas que están más lejos. Y así al tomar estas ideas que nos dice la perspectiva aérea, podemos aportar mucho más realismo y profundidad a nuestras piezas. Bien, entonces lo que estoy haciendo aquí mismo, usando mi pincel redondo tamaño diez es que estoy usando estas mezclas de colores que había creado previamente para la especialidad del área de agua, el morado y el azul más oscuro. Entonces el morado es mi mezcla de azul cobalto y luego un poquito de mi Scarlett profundo y mi azul más oscuro es mi azul cobalto más tinte neutro. Y lo que hice fue oscurecer algunas formas de sombra a lo largo los bordes del río debajo y alrededor de algunas de esas rocas, profundizando y oscureciendo las secciones de sombras más oscuras y aumentando ese rango de valores. Observe lo abstractas e irregulares que son mis formas de sombra más oscuras. No estoy creando formas bloqueadas y pesadas y realmente no estoy creando ningún tipo de contorno alrededor de mi río. No hay líneas y contornos y realismo porque estoy pintando sobre papel seco, me quedo con bordes afilados definidos alrededor de estas formas de sombra. Ciertamente puedes entrar y suavizar esos bordes aquí y están usando un pincel limpio y ligeramente húmedo si quieres. Pero no hice tanto en absoluto. Después de hacer eso, oscurezco ciertas pequeñas formas de sombra en las rocas y esta vez porque en realidad solo voy a oscurecer pequeñas formas diminutas de sombra más oscuras. Entré con mi pincel redondo talla tres. Yo sólo buscaba empujar y tallar esas secciones más oscuras en esas rocas. Una vez más, aumentando el rango de valores y dando a esas rocas un mayor sentido de forma tridimensional. En su mayoría estoy oscureciendo estas secciones en las rocas más cercanas a nosotros. No he agregado con más detalle en las rocas que están más lejos. Ahora, tengo reflejos, tengo grados translúcidos muy ligeros. Tengo grises de tono medio, y tengo grises muy, muy oscuros en mis rocas. Así que bastante amplia gama de valores en ellos. Bien, un par de cosas finales aquí. Tenía muchas ganas de oscurecer esa sombra justo debajo de los árboles, por encima de la línea del horizonte. Siento que las cosas se aligeraron un poco demasiado ya que se estaban secando. Entonces todo lo que estoy haciendo aquí es de una manera muy suelta, estoy creando algunas formas de sombra abstractas alargadas por encima y por debajo de la línea del horizonte. Y voy a entrar con mi verde más claro y mi verde medio. No voy a entrar con el verde más oscuro porque no quiero crear demasiados valores súper oscuros en estas zonas muy alejadas de nosotros. Pinté en algunas de estas formas. Y luego me quito ese dolor de las cerdas de mi pincel y voy a entrar a suavizar un poco los bordes para que no tenga ningún Stark y líneas o marcas que distraigan ni nada, especialmente en esa sección que está tan lejos de nosotros. Este soy yo entrando con un pincel limpio y ligeramente húmedo y suavizando algunos de esos bordes. Aquí mismo, estoy oscureciendo algunas formas de sombra en los arbustos, en el término medio y justo aquí en el arbusto, justo debajo de este árbol más cercano a nosotros, usando mi verde medio y mi verde más oscuro. Y después de hacer esto, por fin voy a estar agregando un poco más de ese detalle de hoja y textura en este árbol más cercano a nosotros. Para ello, voy a estar usando mi verde medio y la técnica de balanceo usando mi pincel redondo talla diez. Vas a notar cómo estoy cambiando y cambiando el ángulo en el que estoy usando mi pincel. Estoy rotando mi mano y mi brazo para crear mucha variedad en cuanto al ángulo en el que estoy creando estas formas. Y todo lo que estoy haciendo es tocar la punta de mi pincel a mi papel para crear un poco de forma de hoja con rebote, todo lo que estás haciendo es presionar tu pincel sobre tu papel y permitiendo que esa forma de ese pincel te cree un poco de forma, dependiendo del tamaño de forma que quieras. Tocaste solo la punta o bajas todo el vientre de tu pincel sobre tu papel. Porque quiero formas de hojas muy pequeñas. Sólo estoy tocando la punta de ese pincel a mi papel. puede ver como este rebote me permitió crear un poco más de detalle en este árbol más cercano a nosotros, es importante no ir por la borda con ese detalle un poquito va un largo camino. Bien, amigo mío. Y con eso, todos terminamos con este último paisaje acuarela. Si llegaste a este punto del curso, enhorabuena, eso no es fácil de hacer. Realmente espero que seas capaz de dar estos tres paisajes hace por ti mismo, o al menos un par de ellos. Y que aprendiste mucho en estas clases. Y si tus paisajes no salieron la manera que querías que en ese primer intento, recomiendo encarecidamente darle un segundo al mismo paisaje. Ve, recordando todo lo que has aprendido en el primer intento. Incluso para mí, muchas veces tengo que trabajar en la misma pieza dos o tres veces antes de que me guste mi resultado final. Y esto es completamente normal. Bien, eso lo va a hacer, uh, para esta clase. Te veré en el video final. 18. Gracias: Muy bien, amigo mío, si llegaste a este punto, enhorabuena. Y realmente te felicita por dedicar tiempo, esfuerzo y energía a hacer crecer tus habilidades de acuarela a través de una práctica y aprendizaje consistentes, vas a ser capaz de desarrollar tu habilidades a un nivel superior en poco tiempo. Muchas gracias por acompañarme en este curso. Realmente espero que lo hayas disfrutado y que hayas aprendido mucho. No olvides publicar tu trabajo en la pestaña Proyectos aquí en Skillshare. Es muy fácil de hacer y estaría muy feliz ver tu trabajo si tienes alguna duda con la que puedas necesitar ayuda, también déjalas ahí y estaré encantado de responderlas. No olvides seguirme aquí en Skillshare porque tengo muchos cursos nuevos que vienen por la tubería para ti. Por último, si estás interesado en consultar el contenido artístico gratuito y útil que comparto cada semana. Asegúrate de unirte a mí en YouTube, echa un vistazo a mi sitio web en Erica lancaster.com, y también puedes seguirme en Instagram. Muchas gracias. Te deseo toneladas de progreso y disfrute avanzando en tu viaje con acuarela y platicar pronto contigo. Adiós.