Paisajes de montaña expresivos en acuarela: contraste y atmósfera

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Alliston, y hoy vamos a estar pintando una escena montañosa expresiva y vibrante en Esta clase se trata de abrazar el contraste de color y la libertad en tu pincelada para capturar el drama y la belleza del aire libre. paisajes de montaña ofrecen la oportunidad perfecta para jugar con formas audaces, colores dinámicos y brillantes primeros planos Necesidad de conseguir todo preciso o realista. Nos centraremos en crear un ambiente expresivo usando técnicas sueltas e intuitivas como pintura húmeda y húmeda, técnica de pincel seco y transiciones de color en capas. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela, pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar ni cómo mejorar No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que vamos a saltar y darle vida a esta vibrante escena montañosa. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por acompañarme hoy. Me emociona pintar esto para ti. Trabajaremos en pintar un paisaje montañoso brillante y audaz con picos nevados, árboles coloridos y profundos reflejos en el agua. Este proyecto es perfecto para experimentar con energía y movimiento, y cubriremos técnicas como crear profundidad y luz en las montañas con gradientes fluidos, construir follaje expresivo, usar colores y texturas principales y pintar reflejos que se sientan naturales y dinámicos Se trata de expresión sobre precisión. Abarcaremos pinceladas sueltas, fuertes contrastes y una paleta vibrante para hacer que la pintura destaque En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso Daniel Smith, Windsor y Newton para pinturas Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato gruñe fácilmente y es muy implacable, no permitiéndote reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Te animo a experimentar y explorar con cualquier material o suministros que quieras usar. Ahora, sigamos adelante y comencemos esta pintura. 4. Consejos para el boceto: Antes incluso de comenzar el boceto, tenemos que pensar en lo queremos expresar con esta pintura porque en el momento en que ponemos nuestro lápiz al papel, ya estamos empezando a expresar algo. Por lo que es importante tener una idea de lo que queremos expresar antes de comenzar. Y el boceto a lápiz antes de una acuarela puede tomar muchas formas diferentes de forma. A veces es muy fluido y circular y ondulado. Pero debido a esta escena, es montañosa y es bastante rígida y majestuosa Básicamente me estoy apegando a líneas duras, todas rectas, muy angulares. Se puede ver que no hay muchas curvas sucediendo en esta composición. Muchos triángulos diferentes también, comenzando con los árboles y montañas distantes , por supuesto, todos triángulos para los pinos, solo estoy dibujando en cono como triángulos al revés y casi como mandíbulas que vienen del Unos triángulos horizontales zig zags. No hay curvas porque aquí también vamos a tener algunas reflexiones en el agua. Comenzando bien y suelto, este es un bonito lápiz de plomo suave, así que siempre puedo frotar y comenzar nuevo o deshacerme de una zona que no me gusta. Entonces puedo limpiarlo con mi goma y luego volver a entrar con un lápiz más duro como este, solo para refinar aún más lo que quiero. 5. Capa inferior de montañas distantes: Entonces comencemos pintando las montañas distantes, y vamos a usar solo dos colores, la siena quemada Así que solo creando un bonito lavado diluido y mezcla de siena quemada Y luego en una sartén diferente, solo voy a usar un poco de azul ultramarino solo para sentirlo, y luego en realidad un poco de turquesa o azul cerrillano Pero en serio, depende de ti. Cualquier azul funcionará en blanco. Trabajar bien. Mi favorito es este tipo de azul turquesa, serlean De hecho tengo un poco de eso mezclado en la misma sartén ahí porque siempre veo a las turquesas Cerlean como colores similares, así que no me importa mezclarlas de vez No soy tan estricto en cómo organizo los colores en mi paleta. Entonces comenzando por la izquierda ahí, agradable y ligero diluido y comenzando esa mezcla azul y mi pincel no es demasiado pequeño y no es demasiado grande. Simplemente es perfecto para esto. Y si estás pintando en un trozo de papel que es más pequeño, puedes usar un pincel más pequeño, y si estás pintando aún más grande, entonces puedes usar un pincel más grande. Entonces cuando mezclamos este cerrillano ahí, porque es un tipo de color naranja cálido Se mezcla muy bien con el azul. Esos dos colores combinan muy bien, y para empezar lo estamos manteniendo agradable y ligero. Y poco a poco podemos construir sobre él cuando nos sintamos más cómodos. Algunos picos son un poco azules y algunos picos son un poco marrones. No tiene que ser estricto. Todo está abierto a la interpretación, cómo quieres que vaya. Es algo que puedes explorar. Si sientes que es un poco demasiado azul, entonces puedes agregar un poco más de siena quemada Y si por otro lado, crees que hay demasiada siena quemada, entonces puedes agregar un poco más de azul para equilibrarla. La elección es suya. Verás, estoy tratando de mantener limpio ese borde donde esa montaña de enfrente alcanza el borde en la parte inferior de ahí, tratando de no superponerla, manteniéndola un poco más oscura en la cima, pero es bastante inpercibible en este momento Todo es un tono tan claro. No hay que preocuparnos demasiado ni tan cuidadosos. Se trata de aflojarse y hacerse una idea de la acuarela sin demasiada presión en absoluto Puedes empezar a trabajar de abajo hacia arriba ahí, así que mojando el papel y luego simplemente cayendo un poco de azul, todo muy al azar realmente, porque la naturaleza es aleatoria, así que no necesitamos ser tan estrictos. Podemos permitir que el pigmento y el agua fluyan donde quiera crear esa sensación orgánica. Esto es puro azul cerrillano en estos momentos. Tampoco tienes que preocuparte por mezclar colores. 6. Blues y marrones: Tiendo a escoger un color principal de mi sartén, ya sea azul cerlan o siena quemada Y luego solo agrego un toque de cualquier otro color solo para mantenerlo un poco más interesante. Así que rara vez pinto directamente del tubo, pero puedes hacerlo. No hay nada malo en eso. Si te sientes más cómodo explorando los otros lados de la acuarela, las otras técnicas, entonces puedes mantenerlo simple y simplemente trabajar directamente desde el tubo. Compro todo tipo de pinturas diferentes, pero siempre la guardo en esta paleta. Entonces cuando veas ahí mi sienna quemada, podría estar compuesta por tres marcas distintas de siena quemada, Daniel Smith, Windsor Newton, así mismo, con el carmesí Alizarin o la siena quemada o el azul Cerlan o el ultramarino Cerlan Siempre mantengo mezclados los colores de mi paleta. Así que todos son bastante únicos, pero son más o menos del mismo color porque todas estas empresas tienen sus propias versiones diferentes de siena quemada o azul ceriliano o azul ultramarino Así que a menudo encuentro que ninguno de ellos es perfecto. Así que tener una mezcla de ellos juntos tiene las buenas cualidades de todos ellos. A lo mejor con el azul cobot, por ejemplo, me gusta el tono de Daniel Smith, el azul cobot, pero en realidad prefiero la textura del azul cobot cuando se trata de Windsor y Newton, así que pongo la mitad y la mitad en mi 7. Capa inferior amarilla brillante: Entonces ahora hemos hecho las montañas distantes y las reflexiones sobre el agua ahí. Y vamos a entrar con un amarillo vibrante ahora para hacer que las cosas destaquen. Empiezo con este amarillo en primer plano porque en realidad va a ser la Y debido a que el amarillo es un tono bastante claro en comparación con los tonos oscuros, vamos a aplicar más adelante, la ley general de la acuarela es pintar de claro a oscuro. Entonces estamos haciendo primero las capas de luz, así que es una sabia decisión pintar de amarillo antes de oscurecernos. Y los detalles en esta pintura son bastante aleatorios y orgánicos. No estoy pensando en detalles en esta etapa. Sólo voy a pensar en ellos al final, de verdad. He puesto una sugerencia de detalles con el lápiz. Dibujo. Pero puedes ver el amarillo aquí, no estoy siguiendo ningún patrón estricto o flujo de trabajo. Solo quiero tener una idea general de ello debajo. No estoy siendo tan preciso. Y no debes ser tan preciso. Sólo tienes la idea general, superponen algunos árboles. Puedes mirar mi imagen final para ver dónde realmente he preservado este amarillo porque vamos a repasar mucho de esto. Esto es solo una capa inferior Para que puedas ver qué áreas realmente necesitas para pintar de amarillo. Siempre es útil tener el cuadro final incluso abierto en una nueva pestaña en la ventana que lo estás viendo si lo estás viendo en una computadora o en tu teléfono móvil. Porque la mayor parte del tiempo con acuarela, pintamos las cosas con el final en mente. Entonces las cosas que estoy haciendo ahora pueden no tener mucho sentido porque es bastante abstracto. Pero si ves la imagen final, entonces te da contexto a lo que estoy haciendo ahora. Siempre incluyo una foto, en realidad, de mi pintura final en la descripción de la clase. Entonces, si te desplazas hacia abajo, puedes ver una foto del mismo ahí. Por lo que no necesariamente tienes que abrirlo en una nueva ventana o tenerlo en tu móvil. Solo puedes mirar hacia abajo y comparar yo 8. Colores analógicos: Ahora podemos empezar a agregar algo de verde. Sólo voy a usar verde viridiana. Y mézclalo en este amarillo mientras aún esté un poco húmedo pero ligeramente seco. Incluso añadir un poco de amarillo cadmio directamente en la pantalla en mi palett Y algunos bits están secos, algunos bits son muy húmedos, por lo que le crea una agradable aleatoriedad orgánica Esto no es control en absoluto. Estamos en la etapa en la que estamos creando un poco de caos. Estamos permitiendo que llegue la expresión, la flojedad de la acuarela Y luego usaremos eso como base para hacer que algo suceda después. Entonces esta es la parte en la que estamos tratando de ser expresivos, agregando un poco de camium rojo rojo al amarillo Entonces agregamos un poco de verde, que está al otro lado de la rueda de colores, y ahora estamos agregando rojo, que está del otro lado de amarillo en la rueda. Así que un poco agradable de gama de colores armonía con los colores. He dejado unos huecos blancos entre los amarillos ahí para las rocas. Pequeños reflejos que vamos a querer pintar más tarde. Pero si te las has perdido, eso está perfectamente bien porque solo podemos usar guash blanco al final solo para hacerlas pop. A, uh 9. Sombras de montaña lejanas: Ahora, mientras ese amarillo esté seco, podemos regresar a la montaña por una segunda capa porque esa primera fue solo una capa inferior Y ahora queremos pagar un poco de contraste. La primera vez que pasamos por agradables lavados suaves con muchos gradientes y formas suaves ambiguas. Ahora vamos a volver a crear unos bordes más duros para encontrar las montañas, comenzando de izquierda a derecha. Siendo un poco más cautelosos ahora con lo que queremos dejar fuera los pedacitos de blanco de fondo que estamos conservando Entonces usando la punta del pincel, creando esas sombras agudas. Pero usando el mismo tipo de colores que azul para el primer color y la siena quemada, el segundo color Y esos pueden ser tus colores base. Solo piensa en la siena quemada y el azul Cerleanblue. Y luego puedes usar pequeñas influencias sutiles de otros colores para experimentar y hacer más interesantes los colores base. Entonces tal vez agregue un poco de rojo a la siena quemada, solo un toque o tal vez agregue un poco de verde o púrpura al azul, un pequeño toque, solo para que sea un poco más interesante, no para que sea irreconocible desde la siena quemada Entonces ahora voy a poner un poco de verde Villian aquí abajo y mezclarlo en el azul Cerlean Entonces el azul Cerlean sigue siendo el color principal, pero lo hemos influenciado con otro color para hacerlo un poco más emocionante y dinámico Estoy pensando en muchos ángulos. Pero en esta pequeña sección que estoy pintando, me estoy asegurando de que el fondo sea suave porque vamos a estar pintando árboles debajo de ahí, y quiero que tenga un fondo claro en el fondo para que haya un poco más de contraste donde están los árboles en la distancia donde los árboles se encuentran con la montaña. Arriba en la parte superior, es importante estar bastante oscuro porque queremos ese contraste. Como si hubiera una especie de borde nevado rociando nieve y hielo Y luego un poco de una sensación brumosa mientras hacemos la transición al fondo de la colina Ahora le estoy agregando un poco de púrpura a ese azul Cerlean. Entonces mira, es muy sutil. la izquierda, tenemos un poquito de verde, y aquí arriba a la derecha, se pone azul. Así que tenemos un montón de colores pasando, y en toda la composición, tenemos todo el espectro de la rueda de colores, pero tiene sentido con la forma que estamos jugando y organizándolos. Es una buena manera de explorar la rueda de colores porque no solo estoy agregando colores aleatorios, aunque estemos usando todos los colores. Solo estoy colocando los colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. Entonces con el azul, tenemos el verde y el morado con los que podemos jugar. Y luego tenemos lo contrario de la rueda de colores, también, con la que podemos jugar. Entonces el lado izquierdo de la pintura está en sombra sombra. Y la luz viene de la derecha. Entonces en todas estas montañas, quiero que sea ligera a la derecha y más sombreada a la izquierda 10. Cómo hacer capas de las montañas: Nuevamente, manteniendo ese azul serlean, agregando un poco de verde en alguna parte y púrpura en otro lugar. No siempre volviendo al azul de mi paleta, manteniéndola interesante y permitiendo que algunos trozos aleatorios de blanco pasen en este lavado. Arriba en la parte superior, recuerda mantenerlo afilado y abajo en la parte inferior para mantenerlo un poco más suave piensas en el ambiente de la escena, va a ser agradable y brumoso en la parte inferior, así que eso significa un trabajo de pincel suave, bordes suaves Y en la parte superior, donde no es tan brumoso, va a ser agradable y crujiente, bordes duros Ahora, solo voy a terminar esta sección aquí, agregando un poco de pigmento más oscuro, pigmento más grueso para que se seque y le dé un poco más de rango de tono, le dé un poco más de sensación. Pero ahora quiero secarlo completamente antes pintar la siguiente montura porque quiero que haya un borde duro. Y si está mojado, entonces simplemente se ablandará y será un poco confuso para el espectador, ya sea la misma montaña o una diferente porque tiene que haber una diferencia tonal, y tiene que haber un borde duro Entonces aquí mismo, asegúrate de haber secado la capa debajo antes aplicar el trazo Y nuevamente, en la parte inferior, queremos que se ablande donde estarán esos árboles más tarde Queremos que sea un fondo claro. Así que no estoy siendo demasiado cuidadoso con eso, aplicando una pincelada limpia de agua en la parte inferior, y luego los pigmentos se mezclarán gradualmente en él de manera orgánica. Pintar hasta la punta y luego un borde duro hacia abajo Va a haber bastantes árboles en primer plano en esta sección o en el medio suelo, así que no tenemos que preocuparnos demasiado por lo que está pasando aquí hacia abajo Va a haber bastantes árboles en primer plano en esta sección o en el medio suelo, así que no tenemos que preocuparnos demasiado por lo que está pasando Justo entre donde están los árboles donde los veremos, agregando un poco más de pigmento. Creo que como esta montura es la más cercana, en realidad vamos a tener que aumentar el contraste. Entonces a la izquierda, solo voy a agregar un poco más de pigmento para hacerlo oscuro porque las cosas en la distancia tienen menos contraste debido a toda la atmósfera y partículas en el aire. Entonces, cuanto más cerca esté algo, más contraste estarán. Y como todavía está húmedo, todo lo que necesito hacer es dejar caer el pigmento ahí dentro y el agua lo extenderá por nosotros. A, 11. Sombras de roca: Bien. Realmente me gusta animar a los estudiantes a explorar diferentes interpretaciones de estas clases Eres perfectamente bienvenido a seguirlo tan exacto como quieras, porque ese también es un buen ejercicio para aprender técnicas específicas es aprender exactamente cómo estoy pintando. Sobre todo si eres principiante, esa es una estrategia excelente. Aunque el proyecto parezca abrumador o demasiado complicado, no tienes nada que perder, solo tratando pintar exactamente como es y siguiéndome paso a paso. Te pone en la mentalidad correcta y es un buen escalón. Pero a medida que avanzas más, si sientes que quieres tener una visión más personal, si quieres trabajar en tu propio estilo, si lo que te impulsa y te motiva a crear arte es una visión personal Es algo que quieres hacer fuera de mis proyectos u otras clases en Skillshare Puedes usar estas clases de la manera que quieras, y puedes usarlas como punto de partida para explorar cualquier elemento de pintura que quieras practicar. Entonces, si quieres enfocarte en el color, puedes tomar esta clase y solo pensar en el aspecto del color, qué colores quieres usar, tal vez cambiar el esquema de color. Quieres experimentar con colores cálidos y fríos o tal vez colores complementarios. A lo mejor solo quieres quedarte con dos colores o una paleta limitada. O tal vez no te preocupa demasiado el color en absoluto, y quieres enfocarte en los tonos porque los tonos y la luz y la sombra son aún más importantes a la hora de pintar. Entonces tal vez olvídate del color por completo, y quieres pintar la escena en blanco y negro, solo para que sepas pensar en términos de tono sin la distracción del color Puedes hacerlo fácilmente y puedes hacerlo en cualquiera de mis clases. A lo mejor quieres pensar en la textura. Y esa es tu concentración. Y puedes usar este proyecto para pensar en cómo vas a colocar líneas duras y dónde vas a colocar líneas suaves, transiciones suaves o marcas de pincel seco o mojado sobre húmedo sobre seco. Puedes descomponer todos estos elementos diferentes, y en lugar de estar abrumado, puedes darte una licencia para simplemente estar bien con cómo podría resultar. No hace falta sentir la presión de pensar todas estas cosas diferentes a la vez porque la acuarela, en particular, tiene tantos elementos los que tienes que pensar al mismo tiempo. Esta clase y mis clases son una especie de área de práctica para que te des permiso para explorar sin ser demasiado duro contigo mismo. No estamos tratando de crear obras maestras de estas clases. Estamos tratando de crecer como artistas. Entonces, sean cuales sean tus resultados, no quieres castigarte ni menospreciarte a ti mismo. Eso es exactamente lo que deberías estar alentando. Deberías felicitarte Hace poco le di retroalimentación a una estudiante que fue muy crítica consigo misma y con el resultado de su pintura. Sin embargo, a mis ojos, fue un éxito absoluto. No se podía pedir nada más porque ella aprendió mucho a través de él. Y fue a través de esos errores, y es a través de eso dejando tu zona de confort y empujándote a ti mismo que te conviertes en un mejor artista. Uh, 13. Follaje a la izquierda: Es. Sección de follaje que estoy pintando ahora a la izquierda es solo una agradable exploración del color. De hecho estoy siendo muy aleatorio con la forma en que estoy colocando los colores. Por supuesto, con los árboles que pintamos arriba, usamos un poco más de control con la forma para hacerlos bastante obvios como árboles. Pero incluso dentro de las ramas de esos árboles, es bastante aleatorio, siguiendo un patrón. Pero a medida que nos estamos metiendo en este follaje, solo estoy mezclando y mezclando colores aleatorios juntos. Pasándolos juntos, en realidad. No estoy necesariamente mezclando cargas de colores en un solo color, pero estoy haciendo la transición de muchos colores entre sí Y los pequeños huecos de amarillo que me voy son bastante ambiguos, bastante aleatorios, agregando algunas texturas afiladas, poco frondosas, tal vez algunas rocas, solo para crear alguna intriga, alguna gama de bordes de tonos, de color Es una de esas áreas que no es el punto focal, sino que necesita ser pintada, así que solo la estamos usando para ser un poco más abstracta. Porque, por supuesto, hay ciertas áreas que van a tener más detalle, tienen que ser un poco más precisas. Pero en estas áreas que no son el punto focal o que no requieren mucho detalle, en realidad tenemos una hermosa oportunidad de explotar la naturaleza de la acuarela. Estas partes silenciosas de la pintura que no necesitan ser explicadas en su totalidad. No están donde el espectador mira o mira sus ojos no descansará Y por eso, nos dan la libertad de ser un poco más juguetones, intuitivos y más expresivos. En lugar de llenar cada pequeño espacio con información, podemos dejar que la acuarela haga lo que mejor hace fluir, mezclar y sorprendernos. Dejar ir el control en estas áreas invita al medio a crear texturas y transiciones que no pudimos planificar ni siquiera replicar Se puede pintar algo similar sin tener que replicarlo. De hecho, es imposible replicar. No estaría para replicarlo yo mismo porque estoy permitiendo que la acuarela sea espontánea La granulación, pequeñas floraciones, pequeños gradientes suaves, pequeños ríos Estas cosas suceden cuando permitimos que la pintura se mueva por sí sola, reaccionando al agua, al papel y al cronometraje también. Entonces podemos usar la punta de nuestro pincel solo para crear unas pequeñas hojas puntiagudas en el borde de esta sección 14. Árboles distantes: Y luego lo vamos a conectar en la parte superior a los árboles distantes. Entonces todo está conectado de una manera u otra. Nada está realmente aislado. Estoy usando el verde Vidian, pero luego agrego turquesa o azul seriano a ese verde para que sea un poco más armonizado en E incluso cuando estoy pintando estos árboles, estoy dejando clara a los ojos la silueta, la forma general del árbol. Quiero que el espectador entienda que es un árbol. Pero por dentro, estoy usando la abstracción. Porque incluso las áreas más flojas pueden ayudar a apoyar el punto focal en el sentido de que lo hace destacar más claramente Si todo está pintado igual de nítido o detallado, la pintura puede sentirse visualmente abarrotada. Pero cuando usamos la abstracción, podemos crear respiro. Si pensamos en la música, necesitas las pausas silenciosas entre las notas para apreciar la melodía Entonces estas pequeñas texturas abstractas expresivas, son las pausas, los pedacitos de aire y espacio No quitan la atención, sino que ayudan a llevar su emoción de una manera algo esquiva Dan espacio a los espectadores imaginación para deambular o permiten que la pintura se sienta un poco más abierta y viva. Entonces, al pintar estos árboles de fondo, si hay un pequeño parche de fondo o un rincón sombreado o un tramo de follaje que no necesita precisión, simplemente déjelo ir No trates de que sea algo. Que se convierta en lo que el agua y el pigmento quieran que sea. Estos son los momentos donde la acuarela llega a hablar consigo misma y saca a relucir la magia del medio. Por eso es un medio emocionante para trabajar. Rara vez en aceite o acrílico, permites que el pigmento haga lo suyo. Eso es todo sobre ti como espectador. Todo está muy controlado. Por eso pienso en acuarela, trato de fomentar muchos de estos momentos espontáneos porque muchas veces es que esos son los momentos que hacen que la pintura se sienta más real. En el aspecto técnico de pintar estos árboles, empiezo con un pigmento más grueso, solo para marcar el contorno de estos árboles donde las puntas son el espaciamiento entre ellos. Por supuesto, tengo el boceto a lápiz a continuación para que me ayude a guiarme. Pero es casi como un cepillo seco para empezar. Y luego una vez que he pintado las puntas de los árboles, entonces puedo serserla con agua Y agitarlo y permitir que se mueva por sí mismo. Sin embargo, no quiero que esté completamente bloqueado. Quiero mantener un poco de ese libro blanco a continuación. Ahora se puede ver la importancia de ese fondo brumoso, cómo hicimos la transición de esa montaña a una blanca en el Es un color similar al de la montaña, pero mucho más oscuro. Tenemos los turquesos oscuros azul Cerlan y el verde viridio, pero mucho pero Por eso el tono es tan importante porque es del mismo color, el tono lo hace diferente. 15. Por qué es importante el tono: Voy a hablar de por qué importa el tono incluso en una pintura colorida como esta. Porque esta pintura tiene un espectro completo de colores, y solo vamos a estar agregando más y más. Puedes mirar a través de la rueda de colores y simplemente señalar cualquier color y agregarlo a esta escena. Tenemos verdes vibrantes, amarillos, morados profundos, azules, naranjas, incluso Y toda la idea es explorar el color. Y me interesa ver como puedes conseguir que tu escena estalla de color. Pero irónicamente, es exactamente por eso que entender tono y la ligereza y la oscuridad de esos colores se vuelve aún más importante Van de la mano. Cuando ves por primera vez esta pintura, parece una pintura a color, que es, pero es igualmente una pintura tonal a cuando usamos tantos colores, especialmente aquellos que podrían no ser del todo naturales o realistas como los árboles morados o las sombras anaranjadas Lo único que mantiene la pintura fundamentada, creíble y legible para el espectador es el tono Se podría pintar una montaña turquesa brillante y los árboles a su lado profundos, carmesí Y aún podría funcionar siempre y cuando el contraste tonal entre ellos apoye esa sensación de profundidad, luz y forma Y ese es el poder de las relaciones tonales. Es lo que le dice al espectador lo que está cerca, lo que está lejos, lo que está captando la luz y lo que está sentado en la sombra, independientemente del color utilizado. O. Y esto es particularmente importante en escenas como ésta. La naturaleza a menudo nos sorprende con el color, especialmente temprano en la mañana o tarde en la noche. Pero nuestro trabajo como artistas no es sólo copiar lo que vemos. Es transmitirlo o traducirlo en papel para darle al espectador suficientes señales para entender lo que vemos en la escena que es emocional o para entenderlo estructuralmente A veces lo que crea la ilusión de distancia no es color en absoluto. Es la separación tonal, como en estos árboles de aquí mismo. Tenemos árboles en el medio suelo y una montaña en el fondo, y técnicamente son del mismo color, más o menos Pero debido a que el árbol es más oscuro y la montaña es mucho más ligera, percibimos esa profundidad y nuestros cerebros decodifican automáticamente el contraste tonal sin necesidad de cada detalle Y por otro lado, tendremos varios colores uno al lado otro que son totalmente diferentes, como a la izquierda en ese follaje, amarillo, verde, rojo. Pero si todos están sentados en ese mismo nivel tonal, pueden verse extrañamente planos Se ven combinados y conectados. Entonces, si alguna vez no estás seguro acerca de una elección de color, intenta pensar primero en términos de tono ¿Esta área está destinada a sentarse o presentarse? ¿Está en luz o sombra? Y luego una vez que tengas esa claridad, entonces puedes usar el color que quieras, incluso tonos inesperados, y la pintura seguirá siendo cohesiva y expresiva e incluso creíble 16. Diversión con los colores: Una de las lecciones más liberadoras de acuarela, sobre todo en un paisaje como este, es que el color no es solo algo que copiamos del mundo real Es algo que sentimos. Es una herramienta para la expresión, no solo para la representación. En esta escena, por ejemplo, no estoy preguntando ¿de qué color exacto es ese árbol? ¿Qué debería ser? Estoy preguntando ¿qué energía necesita esta parte de la pintura? Tal vez sea calor, tal vez sea una explosión de contraste, o tal vez sea lo contrario, tal vez sea una nota fresca y calmante para empujar algo de nuevo a la distancia Los colores que elijo son guiados tanto por intuición y el equilibrio que por la observación De hecho, muchas veces trato de hacer pinturas puramente de imaginación basadas en bocetos en mi cuaderno de bocetos Puedes ver aquí que en esta pintura, estoy usando una paleta muy vívida. Tenemos turquesas brillantes y pantallas de tienda, naranjas ricas Y aunque algunos de estos colores existen en la naturaleza, realidad no son necesariamente lo que verías si te pararas frente a este paisaje en la vida real. Pero ese no es el punto. El objetivo no es copiar la naturaleza exactamente. El objetivo es captar la sensación de estar en este lugar, la luz, la frescura, la sensación del espacio, hasta el olor del pino o el ruido del río chorreante que vamos a pintar en un minuto A veces exagerar el color solo ayuda a comunicar cosas así un poco más claramente Y es agradable jugar con cómo el color puede significar cosas diferentes. Me emocionan igual de pinturas grises que pinturas fuertes y vibrantes como esta. A veces las pinturas grises tienen un poco más de humor, un poco más de carácter. De hecho, puedo ser un poco más reconfortante porque lo estás viendo desde un extraño Si estás viendo una escena callejera lluviosa de gente corriendo con sombrillas, pero estás dentro en una habitación cálida, ver esa pintura, puede crear una sensación de comodidad. Es este tipo de color expresivo o color payaso el que le da personalidad a la pintura. Le permite saber al espectador que esto no es solo un documento de un lugar. Es una respuesta a ello, un recuerdo o un sueño o incluso una celebración del mismo. mejor parte es cuando dejas ir la necesidad de ser correcto con color o con cualquier otro aspecto de la acuarela, ganas mucha más libertad como pintor y empezarás a tomar decisiones más audaces, juegas más, a notar cómo los colores interactúan entre sí y cómo impactan en el estado de ánimo de una pieza Entonces así es como pasamos de una imitación a una expresión. 17. Conectar todo: Una de las cosas más importantes que podemos hacer hora de construir una composición de paisaje o cualquier composición, incluso un retrato, este elemento puede ser muy importante. Y eso es para asegurarnos de que todo se sienta conectado, y es particularmente relevante mientras pintamos estos árboles. Aunque sea muy sutil, esa conexión no siempre tiene que ser física o literal. Puede ser algo visual. Se puede dar a entender. Pero la idea es que nada debe sentirse aislado o torpemente flotando en el espacio Todo debería parecer que pertenece, como si fuera parte de un todo más grande. Y los árboles juegan un papel muy importante al hacer precisamente eso. Actúan como puentes visuales entre las imponentes montañas de fondo y el primer plano de hierba y colorido, primer plano de hierba y colorido, incluso sus reflejos Y el árbol ahora mismo que va hacia el cielo, pesar de que es un tono diferente, un color diferente, conecta con el cielo. Sin estos árboles de medio suelo, tendríamos un poco de desconexión Los picos distantes y luego el salto repentino a los detalles de las tierras bajas, será visualmente discortante, casi como se escucha la escena Pero al colocar estos árboles a lo largo de la mitad de la composición o donde queramos colocarlos para conectar una cosa con otra, y al prestar atención a su espaciado, su tamaño, su ubicación, creamos una especie de flujo visual natural. Nos ayudan a guiar la mirada del espectador desde lo alto de las montañas, a través de la mitad de la escena y hacia las ricas texturas del primer plano Hay un ritmo para ello, una especie de hilo invisible que une todo. A veces este sentido de conexión se crea con formas reales. Otras veces, solo se sugiere a través de la dirección de tus pinceladas, la alineación de los parches de color o la forma en que ciertos elementos hacen eco entre sí en tamaño y tono Incluso una sombra o un borde suave apuntando hacia otra forma. Puede servir como una línea implícita que ayuda a que todo se sienta unificado. A la hora de pintar, el follaje utilizará muchas sombras y ondulaciones en la hierba para básicamente usar líneas para conectarlo todo Cuando esto se hace bien, la composición fluye casi sin esfuerzo Es una de esas cosas que parece simple, y es una sensación de comodidad porque es muy simple, pero se necesita esfuerzo para planificar esa simplificación 18. Espacio negativo: Como estoy comenzando el área de medio a primer plano aquí, estoy conectando con ese follaje que hicimos antes Agregué un pigmento marrón, un lavado marrón solo para asegurarme de que hay una transición y estas líneas que estoy agregando ahora, estas líneas horizontales ayudan a esa conexión. El ojo del espectador se mueve cómodamente a través de una pieza sin llegar a ningún callejón sin salida ni quedar atascado en una zona. Y aunque no puedan explicar por qué la pintura se siente equilibrada o atractiva, pueden sentirla inconscientemente Ese es el poder de conexión en la composición. Crea armonía y hace que toda la pintura se sienta viva e intencional. Entonces mientras pintamos estos árboles, pensemos en cómo no solo son decorativos. Son funcionales, de verdad. Nos están ayudando a construir un puente entre diferentes partes del paisaje, entre la distancia y el primer plano, las áreas frías y cálidas, la tranquilidad y las áreas más detalladas Son parte de la historia y parte de la estructura de todo . Puedes ver las rocas que he pintado ahora o mejor dicho no pintadas, omitidas usando espacio negativo. Y mientras estoy pintando esta zona de follaje con algunas rocas alrededor, pienso tanto en los espacios alrededor los objetos como en los propios objetos. Aquí es donde realmente entra en juego el poder del espacio negativo. El espacio negativo es todo lo que rodea al sujeto, los huecos, la luz, el respiro. Y en acuarela, suele ser, lo que es especialmente poderoso porque estamos confiando en el blanco del papel. A pesar de que hemos añadido esta capa inferior amarilla, es el blanco lo que la hace tan brillante Estamos usando eso para crear la luz y la atmósfera. Entonces, en lugar de rellenar cada detalle o delinear cada hoja o piedra, intencionalmente estoy dejando intacta ciertas áreas Y estas brechas no son errores ni zonas vacías. Son partes activas de la composición. Ayudan a definir la forma, tanto como lo hacen las pinceladas que estamos poniendo. Observe cómo podría sugerir el borde de una roca, no pintando toda la roca, sino pintando las sombras y los pastos alrededor de ella y por encima de ella La forma del objeto se revela por contraste, por lo que no está pintado. Con el follaje, estoy usando brochas sueltas rotas y dejando muchos huecos entre las formas. Pequeños bolsillos que insinúan que luz se filtre a través de los árboles o las hojas, lo que sea que esté en el piso o el espacio distante detrás de las hojas. Sólo hay alrededor de cuatro o cinco rocas. Y es solo básicamente un área que hemos dejado en blanco, agregamos una pequeña sombra en un lado, y se puede ver por la izquierda en este momento, están claramente definidos, y los dos de la derecha aún están por hacerse, así que se ven un poco extraños en esta etapa. 19. Cómo encontrar sentido de lo abstracto: Las sombras circundantes hacen el trabajo por mí. Definen la forma, la profundidad sin necesidad de líneas duras. Mientras pinta esta área, me doy cuenta de que en realidad esta podría ser una de las áreas más difíciles de pintar. No porque sea muy detallado o técnico, sino porque es bastante abstracto. Toda esta zona media es básicamente una llanura plana en términos de perspectiva. Va un poco cuesta arriba, pero la superficie está rota y ondulada con todos estos grupos de arbustos, pastos, rocas dispersas, pastos Y sin embargo, de alguna manera todavía tiene que tener sentido. Tiene que ser convincente como pertenece al espacio entre el agua y los árboles distantes Lo que hace que esto sea desafiante es que no hay una referencia clara o única o una fórmula a seguir. No estamos pintando una montaña o un árbol o una nube. Solo estamos pintando textura, profundidad y luz, y lo estamos haciendo de una manera que requiere que usemos nuestra intuición, tal vez incluso más que solo nuestra técnica Entonces la forma en que me estoy acercando es que empiezo rompiendo el espacio en sutiles zonas de color y sombra. Pienso en términos de cálido y fresco, claro y oscuro, más que objetos específicos. ¿Dónde golpea la luz? ¿Dónde podría un arbusto arrojar sombra? ¿Qué áreas podrían estar captando la luz? Y qué áreas están retrocediendo un poco en la profundidad. Y esto ayuda a crear ritmo y profundidad sin necesidad definir cada arbusto o brizna de pasto individual Estoy haciendo muchos trazos verticales como la hoja de vidrio, y se puede ver como he cambiado y mezclando mi pincel desde el pincel delgado a mi cepillo redondo. Estoy usando mi delgado cepillo de espada en este momento para conseguir esas briznas de hierba. Así que estoy tratando de variar mi trabajo de cepillo, cambiando entre lavados suaves húmedos y húmedos y marcas más secas con más textura para sugerir diferentes tipos de vida vegetal y terreno Incluso solo un cambio de dirección o la calidad del borde pueden marcar una gran diferencia en cómo se siente el suelo. Una de las cosas más importantes es no sobreexplicar. Queremos que el espectador interprete este espacio. Podemos sugerir rocas sin pintar con detalle preciso. Podemos mostrar montículos de arbustos en un poco de sección puntiaguda y eso es suficiente para transmitir lo 20. Más vegetación: Entonces seguimos adelante con esta sección de follaje, y es fácil quedar atrapado con la idea de, ¿ está funcionando esto? ¿Esto no funciona? ¿ Parece un desastre? Pero en realidad esta sección de la pintura no quiere estar ordenada, así que no tenemos que preocuparnos demasiado por ella. Mientras estamos pintando y enfocados en esta sección, puede parecer un poco extraño, pero en realidad no tenemos que estresarnos demasiado con ella. Siempre podemos volver al final si no lo es si está quitando demasiada atención. Pero todo lo que tenemos que hacer es simplemente queremos que se sienta un poco salvaje e incontenido Cuando estoy pintando estos mechones de follaje y rocas dispersas, en realidad estoy apuntando a la energía, pensando en cómo puedo aprovechar al máximo la energía en lugar de la precisión Tal vez un poco de ritmo por algo que se siente vivo y creciendo y desgastado casi por una especie de tiempo sin edad en No hay mucha limpieza haciendo, porque hay una tentación, siento que hay que limpiar las cosas, delinear cada hoja, hacer cada pincel perfecto o hacer las rocas demasiado simétricas. Pero cuando hacemos eso, en realidad empezamos a perder el carácter del mundo natural. La naturaleza en realidad no es ordenada en la forma en que a menudo tratamos de hacerla. Es estratificado, espontáneo y lleno de montones de hermosas irregularidades. Y eso es algo así como lo que estamos tratando de reflejar aquí, así que no necesitamos ser perfectos. Estamos sugiriendo cosas, sugiriendo movimiento, variación y un poco de caos. Trate de no enfocarse en formas individuales. Estoy pensando en agrupaciones, dirección sobre contraste. Voy a mezclar verdes justo en el papel, tal vez caer en tonos cálidos o fríos en el mismo parche para crear profundidad y sorpresa. Un poco de pincel seco, tal vez, o un trazo áspero pueden dar la ilusión de textura mejor que cualquier renderizado cuidadosamente. Pero cuando digo que no me importa. No estoy tratando de ser no se trata de ser vago con lo que es esta zona Se trata de ser expresivo, dar espacio para que el ojo se pregunte y la imaginación para unirse. Y a veces eso significa dejar las cosas un poco rudas por los bordes. 21. Comenzar con el agua: Entonces ahora estoy empezando a pintar el agua usando azul Cerlean, azul turquesa, e integrando algo del color que usamos arriba Notarás que en realidad no estoy pintando el agua misma. En realidad estoy pintando los reflejos. Eso es lo que crea la ilusión del agua en esta escena. Es interesante que estas reflexiones ni siquiera sean representaciones precisas u honestas de lo que está arriba No estoy copiando cada pequeño arbusto, cada color o cada forma exactamente. Solo me estoy haciendo eco de la forma y forma general, el ritmo, las líneas verticales, los suaves cambios de color, la sugerencia de lo que se está reflejando Y es increíble la poca información que realmente necesita el ojo para interpretar algo como agua. Apenas unas pinceladas hacia abajo, suavizan los bordes y las formas rotas Y de pronto la escena se siente enraizada y quieta. Esa es la magia de la sugestión. Tratando de hacerlo bastante interesante, sin embargo, al no tener un color plano, agregar marrón donde el suelo se conecta con el agua, y luego fusionarlo en ese tipo de color verde, azul turquesa La acuarela es perfecta para este tipo de ilusión porque nos permite difuminar los bordes de forma natural y dejar que las cosas se disuelvan entre sí, igual que lo hacen los reflejos reales. Ni siquiera estoy igualando los colores. Se puede ver la montaña que estamos pintando aquí. El reflejo de ello no es del mismo color. Y podemos ser bastante abstractos porque las distorsiones del agua abstraerán la forma Manteniendo ahí una pequeña cresta amarilla porque cuanto más cerca esté el objeto del agua, menos distorsionado estará Entonces agregando algunas líneas horizontales en la parte inferior ahí. Y luego manteniendo el borde un poco más refinado del amarillo arriba en la parte superior. Pero aún así, no necesitas pensar demasiado en esta parte. El objetivo no es el realismo. Es para capturar la sensación de aguas tranquilas, captando color y luz. Et tu pincel se mueve suavemente y deja que las formas se sientan un poco abstractas. Esa flojedad en realidad hace que la reflexión sea más creíble Añadiendo un poco más de amarillo cadmio, mezclándolo en un poco. Mezclando un poco de azul más oscuro en esto y tal vez un poco de pigmento negro, muy espeso mojado sobre demasiado húmedo, pero no muy húmedo, lo suficiente para permitir que ese borde sangra donde el agua se encuentra con la hierba, la cresta, dejándola caer ahí Haciendo que el suelo sea un poco más oscuro que el agua. Entonces podemos agregar un poco de ondulaciones. 22. Pintar los reflejos: Ahora estoy mezclando un encantador azul vibrante, y un poco de ridian solo para que sea un poco verde así que no sea un azul puro Pintando con mucho cuidado las formas de esta hierba, esta hierba larga, realmente, la hierba larga amarilla, pintando negativamente las brizna de hierba. Y luego solo rellenando la zona. Lo bueno de usar este color de azul, cuando pasa por encima del amarillo, simplemente hará verde de todos modos, lo que ya es armonioso con el resto de la pintura. Entonces no importa si hay un poco de superposición. Muy importante usar un cepillo con punta fina. Y además, asegúrate de haber mezclado suficiente de este color en tu paleta porque no quieres empezar a pintarlo y luego mezclar más de este color. Y entonces para cuando estés listo para volver a agregar la pintura, tienes un borde duro justo en medio de tu reflejo de tu agua. Por lo que rellenamos esta área con un color base azul. Obtener la forma general feliz. Y luego una vez que lleguemos al borde justo aquí, donde es una especie de línea horizontal, podemos retroceder y agregar estos trazos de pincel, estos trazos de pincel horizontales con una pigmentación más gruesa para darle esa sensación de agua, la ondulación La luz ondeó en el agua. Y podemos empezar a trabajar abajo de nuevo, conectándolo. Ahora podemos empezar a mirar los árboles en el medio suelo y tratar de imitarlos Básicamente, como un espejo, un espejo horizontal, pero mucho más ligero y mucho más despreocupado esta No necesitamos igualar los tonos o los colores realmente, un simple bloqueo. Estamos tratando de no variar demasiado los colores como hicimos con los árboles de arriba. No queremos que distraiga tanto porque estos reflejos recogerán un poco el color del agua Entonces estamos usando esa turquesa verde para sugerir que es agua. Pero de nuevo, en realidad no estamos pintando el agua. Sólo estamos pintando los reflejos. Por supuesto, el cielo no va a ser blanco en la vida real, pero la ilusión de la pintura lo hace así. Uh, 23. Mezclando verdes: Mientras estoy pintando los reflejos de los árboles en el agua, notarás que no estoy alcanzando un verde listo de la paleta, un verde puro. Estoy usando un poco de viridiana de vez en cuando, pero no tengo un pre made green Y esa es una elección deliberada porque los greens pre mezclados, tal vez incluso el verde savia, a menudo se ven un poco demasiado artificiales o planos Así que es agradable crear alguna variedad. Se puede ver toda la gama de diferentes greens que tengo ahí. No estoy usando un verde puro, sobre todo cuando estamos tratando de capturar la riqueza y variedad en la naturaleza Sí. Muchas veces, en realidad, mezclo mis greens desde cero. Por lo general, comenzando con un azul y otro amarillo. Y tengo tres blues diferentes para elegir. Tengo cobalto cerrillano y azul ultramarino. Y luego puedes mezclarlo con cabium amarillo u ocre amarillo Tengo un poco de ocre amarillo pasando en esta reflexión en particular ahora mismo Esto me da mucho más control no sólo sobre el tono exacto que quiero, sino también la temperatura y el estado de ánimo del verde. Por ejemplo, si mezclo azul ultra marino con el amarillo cálido del ocre amarillo, obtendré un verde terroso más apagado, que es perfecto para árboles de Evergoon o Y entonces si utilizo algo como turquesa o azul serlean con amarillo limón o amarillo camium, obtengo un verde mucho más brillante, ler green más vivo, ler green más vivo, que funciona bien en pastos iluminados por el sol o las vibrantes secciones de follaje Y lo encantador de este enfoque es que puedes crear variación dentro de un solo trazo. Si cargo mi pincel con un poco más azul por un lado y un poco más amarillo en el otro, entonces se mezclarán directamente sobre el papel, y crean transiciones sutiles que se sienten mucho más orgánicas, especialmente en el agua y los reflejos que estamos haciendo ahora mismo donde quieres un poco más de movimiento y fluidez E incluso se puede pensar fuera de la caja. Puedes elegir chift los greens agregando un toque de rojo o incluso un poco de siena quemada Y eso neutraliza ligeramente la mezcla y impide que se vuelva demasiado neón o Por supuesto, tenemos mucha vitalidad en esta pintura, pero a veces, mayoría de las veces, si quieres adoptar un enfoque más realista, no quieres que las cosas sean tan vibrantes Y esto es útil para sombras de árboles o follaje distante, también. O donde quieras que los greens vuelvan a asentarse en el paisaje en lugar de saltar hacia adelante. 24. Toques finales: Entonces solo estoy rematando las reflexiones. He añadido líneas oscuras, mojadas sobre mojadas donde el suelo se encuentra con el agua porque eso ayuda a la ilusión, la separación de la superficie. Y utilizo una mezcla de líneas horizontales para las ondulaciones y líneas verticales para los reflejos de los árboles Quiero que sea un poco más abstracto en esta esquina inferior derecha. Como dije antes, el contraste es más fuerte, cuanto más cerca está. Entonces ya ves estoy agregando mucho más contraste con el brillo de este follaje y el negro oscuro de estas pinceladas En las etapas finales de la pintura ahora tratando de dibujarlo todo junto. Conectando aquí, creo. Como ahora mismo, estoy agregando solo un lavado ligero que funciona agrega un poco más de profundidad. Una sola marca de pincel como esta es del tamaño de un campo. Añadiendo un poco más de textura ahí. Bien. Y es alrededor esta parte de una pintura donde tienes que pensar, ¿qué más necesito agregar para mejorarla? Y va a agregar cualquier otra cosa luego se lo quitará. Y ese es el momento en que te das cuenta de las pinturas hechas. Entonces cuando llego a ese punto, luego me cambio a mi gouache blanco para elegir algunos reflejos que perdimos en el camino, realzando esos reflejos en la cara de la montaña, tal vez haciendo que algunos de los árboles destaquen Añadiendo algunos pequeños reflejos. Organizando parte del caos en ese follaje. Solo unas pocas líneas simples y finas pueden mantener todo unido. Dale sentido a ese caos. Unos pocos toques aleatorios en estos árboles dan la ilusión de que la luz viene a través. Hay algunas líneas verticales en el agua. Añadiendo algunas sombras más. Y cuando sientas que está hecho, ese es el momento adecuado para parar, y tal vez puedas desconectarte una o dos horas y volver a él con un ojo fresco. 25. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y bien hecho para completar tu dinámico paisaje de montaña. Espero que hayas disfrutado experimentando con colores vibrantes, trazos expresivos y técnicas más sueltas para crear una escena que se sienta llena de energía y A lo largo de esta clase, nos enfocamos en construir el estado de ánimo y el movimiento a través del color, el contraste y el flujo sin quedarnos atrapados en los detalles. Esa es la belleza de los paisajes expresivos en acuarela. Invitan a audacia y recompensa a dejar ir. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Gracias por pintar conmigo el día de hoy. Espero que esta clase te haya inspirado a experimentar más con paisajes expresivos y vibrantes. Hasta la próxima, pintura feliz. Adiós.