Mezcla: aprender todo para comenzar tu carrera

1. INTRODUCCIÓN: Hola, y el productor normal de empezar a producir music.com. Y bienvenidos a mi clase de mezcla de Skillshare. Aprenderás todo lo que necesitas saber sobre mezcla desde las herramientas hasta las técnicas. Lo cubriremos todo y practicaremos con archivos de ejercicio y vistas panorámicas de mezcla completa. Esta clase es un capítulo de mi curso de siete capítulos en el que cubro todo el proceso de producción musical desde la composicion hasta el arreglo, grabación, mezcla, masterización y negocios prácticas también. Encontrarás enlaces a los archivos de ejercicio en la sección de proyecto y obtendremos asignaciones a medida que la clase se desarrolle en el curso completo, también recibirás carpetas multipista de canciones de diferentes géneros, en los que podrás practicar tus habilidades. Ponerse bajo el capó, mira los enfoques de producción profesional. Empezar a producir música está orientado a ayudar a las personas comenzar su viaje de por vida como productor musical, ya sea produciendo su propia música o produciendo otros. Este programa tiene mucho que ofrecer y eres bienvenido a repasar para empezar a producir music.com para aprender más al respecto. Pero por ahora, vamos a sumergirnos la forma de arte de mezcla y aprender a escenificar en el proceso de producción musical funciona de principio a fin. Yo soy positivo. Aprenderás mucho de esta clase. Te veré por dentro. 2. Qué es la mezcla: El proceso de mezcla tiene que acabar con los goles ante todo, es hacer que la intención de las canciones sea clara y hermosa. El segundo es tratar los efectos secundarios técnicos relacionados con el proceso de grabación y las demandas técnicas de las plataformas en las que se va a tocar la canción más adelante, podría sonar el primer gol obvia, pero es importante señalar que una gran canción con un arreglo de grilla y grabación puede ser completamente destruida por una mezcla malvada. El escenario de mezcla tiene un fuerte impacto artístico en las canciones ya que controla la dinámica de las canciones, ánimos y los puntos focales. El segundo gol es un poco más complejo. La gente escuchaba música de muchas maneras diferentes. Audifonos en sus autos, altavoces telefónicos, laptops. Si quieres que tu producción suene muy bien en todos estos dispositivos, necesitas entender sus límites y trabajar dentro de estas limitaciones para lograr tus objetivos. Por lo que ya hemos hablado de volúmenes digitales, y sabemos que 0 dBFs es el límite de volumen digital. Eso parece relativamente simple, pero hay mucho más ya que diferentes frecuencias suman dos volúmenes diferentes y nuestros oídos reciben frecuencias manera diferente dependiendo del volumen en que se juegan. Todos estos tecnicismos y muchos más se explicarán en este capítulo, quiero señalar que entendiendo el proceso de mezcla y experimentando con él, Te daremos una mejor comprensión arreglo también ya que los dos van de la mano. Entonces incluso si no tienes ningún deseo de convertirte en ingeniero de mezclas, sí te recomiendo enfocarte en este capítulo y aprender todo lo que puedas sobre la mezcla. Habrá más asignaciones en este capítulo en comparación con las anteriores. Y notaré muchas veces que recomiendo usar plug-ins de stock de tu DAW losplug-ins de stock de tu DAW antes de cualquier lujo de terceros. El motivo es que los plugins de terceros pueden ser muy distractores por su llamativa interfaz e invertir algún tiempo con el compresor o ecualizador más básico, en realidad te hará más enfocado la cantidad de simulaciones y plugins que tenemos. Es fácil perderse. Por lo que sugiero dominar las herramientas más básicas que tienes y solo entonces expandir tu caja de herramientas. Dicho esto, presentaré herramientas clásicas que son grapas del arte de mezcla ya que son importantes para conocer como ingeniero de mezcla y productor, hay una carpeta de archivos de ejercicio de mezcla debes descargar que contenga archivos con los que puedes importar a una nueva sesión y trabajar de acuerdo a las asignaciones. No obstante, antes de meternos en la mezcla, me gustaría comenzar con pre mezcla, que significa edición, y preparación mixta, porque la mezcla es un proceso artístico, hacer tareas no relacionadas de antemano lo hará le permiten quedar completamente engullido en el proceso de mezcla. 3. EQ Parte 1: Ecualizadores o ecualizadores y cortos, o herramientas que equilibran el volumen de frecuencias dentro de una pista. Son útiles cuando hay una necesidad atenuar frecuencias desagradables, impulsar frecuencias agradables, o alterar por completo el timbre de una pista. Eq es dividir el espectro de frecuencias en bandas o filtros. Existen tres tipos principales de campana de Ben, estante alto o bajo y bandas de campana de corte alto o bajo también se llaman filtros de pico y se utilizan para aumentar o atenuar un rango de frecuencia que rodea una frecuencia específica elegida. El parámetro de cola define cuán amplio será el rango alrededor de la frecuencia elegida, lo que significa cuántas frecuencias se verán afectadas desde el movimiento EQ que realice. El parámetro db por octava definirá cuán nítida o lisa será la forma de campana. Estantes o bandas que afectan todas las frecuencias por encima o por debajo de la frecuencia que elegimos. Un estante bajo afecta a todas las frecuencias inferiores, y el estante alto afecta a todas las frecuencias por encima del parámetro de cola altera la resonancia o inclinación alrededor de la frecuencia elegida y la db por octava da forma a la nitidez del filtro. Los cortes bajos y altos son filtros que cortan todas las frecuencias de audio debajo o por encima de la frecuencia determinada. Estos filtros también se llaman paso bajo o paso alto, lo cual es un poco confuso al principio, pero también bastante autoexplicativo. El filtro de corte bajo o paso alto conducirá a que las frecuencias altas pasen, o en otras palabras, cortará las frecuencias bajas mientras que el filtro de corte alto o paso bajo dejará pasar el más bajo y cortará el más alto. Algo importante a tener en cuenta respecto los filtros buenos bajos y altos es que no inician la atenuación en la frecuencia que seleccionas, sino que muestran el spot donde ya hay un atenuación de tres dB. El parámetro de cola va a dar forma a la resonancia del filtro en la posición de frecuencias. Y el dB por octava determinará qué tan empinado será el filtro. El parámetro db por octava se explicó en el segmento de síntesis en el capítulo de preproducción. Pero en caso de que no veas el capítulo o terminaste el capítulo hace un rato. Aquí hay una breve visión general de la frecuencia es en realidad una nota que cuando se dobla completa una octava, la forma más sencilla de visualizar esto es a través del medio a El medio a es la frecuencia fundamental es 440 hercios, y así lo anterior es 880 Hertz y la a por debajo de ella 220. Entonces cuando hablamos del dB por octava y filtros, nos estamos enfocando en cuánta atenuación o impulso se producirá para el momento en que lleguemos a las frecuencias Octave. Por ejemplo, si pongo un filtro de corte bajo a 100 hercios con una pendiente de 18 db por octava por 50 hercios, habrá atenuación de 18 dB. Hay algunos pases de banda más doblados, que solo dejará un cierto rango de frecuencia e inclinación, lo que afectará las frecuencias altas y bajas de una manera algo de estante. El último parámetro es ganancia de salida, ya que el volumen general de una pista cambiará cuando alteremos las frecuencias de la misma, necesitaremos igualar la pista de proceso con la pista no procesada. Hay dos buenas razones para ello. El primero es mantener saludable nuestra puesta en escena de ganancia. Y el segundo y más importante es que nos permitirá escuchar de verdad si el procesamiento que hicimos fue bueno o malo para la fuente. Recuerda, más fuerte nos hace creer que las cosas suenan mejor. Entonces cuando nos audio AV, es importante asegurarse de que los niveles sean los mismos para evaluar realmente el efecto de nuestro trabajo, el espectro de frecuencias se divide más o menos en unas pocas regiones, sub bass, que está entre 20 a 60 hercios base, entre 60 a 250, media baja, entre 252500, rango medio, entre 502 mil hercios. Estoy termina entre dos mil cuatro mil, presencia entre cuatro a seis K y brillantez de seis K hacia arriba. En la práctica, estos términos se usan más fluidamente en el mundo profesional, lo que significa que los ingenieros no se enfocan tanto en números específicos, tanto como lo hacen en la energía del rango de frecuencia tiene, deja que sea importante conocerlos ya que los encontrarás mucho antes de pasar al siguiente segmento. Haz este ejercicio. 4. EQ parte 1 - PROYECTO: Abre los archivos de ejercicio del curso e importa los canales de cadena a una sesión, inserta el ecualizador paramétrico stock de tu DAW y experimenta como tal, comenzaremos con atenuación. Así que engancha tanto un filtro de paso alto un estante bajo a 150 Hertz. Prueba diferentes variaciones de pendiente en ambos filtros y juega con el esquí bajo estante. Observe los diferentes resultados y opciones que ofrecen los dos filtros. Pregúntate, ¿uno suena más natural que el otro? ¿ Suena mejor la pista en absoluto? Y después de haber invertido unos minutos experimentando, inserta un filtro de cinturón y ve cómo eso difiere de los dos. Luego haga el mismo proceso con un filtro de paso bajo, estante alto, y un filtro de correa en las frecuencias altas. Después de que termines con eso, experimentemos con potenciadores de estantería y compararlos para construir filtros, colocamos el estante alrededor de diez K y elevemos cinco dB en otro filtro de campana al mismo frecuencias y cambiar entre los dos, jugar con los billetes Q y ganar, escuchando las sutiles diferencias que tienen estos dos filtros. Y luego simplemente vuelve salvaje y experimenta como quieras cuando hayas terminado con estos ejercicios, importa el canal de arriba, haz bucle y vuelve a repasar los mismos ejercicios. 5. EQ Parte 2: Queremos que nuestras mezclas se traduzcan bien en cualquier entorno de escucha, ecualizadores, junto con otras herramientas de mezcla, nos ayuden con eso si las usamos para crear una presencia dentro de un rango de frecuencias que existe en todos los dispositivos de escucha. Ese rango es el rango medio. Los altavoces y teléfonos móviles no tocan frecuencias muy bajas o muy altas. Entonces si terminas mezclando elementos en una canción que solo existen en los extremos bajos o altos, serán inaudibles en muchos dispositivos son buen ejemplo ya que esto puede ser una base que tiene una muy ruidosa frecuencia fundamental en comparación con sus matices, puedes reducir ligeramente el rango de frecuencia fundamental con un filtro de estantería, que a su vez hará que tus matices más fuertes cuando lo compenses, la ganancia-pérdida, este nuevo equilibrio interno se asegurará de que el instrumento tenga una presencia más fuerte en el rango medio cuando se lo requiera. Otra práctica común al usar un EQ se llama barrido, que es el proceso de levantar un filtro de campana estrecha y buscar frecuencias que sobresalen y necesiten reducción. Esta es una práctica muy útil, pero también puede ser muy problemática ya que tener una frecuencia impulsada 20 dB no va a sonar bien en ningún caso. Simplemente esto, no vayas al azar a buscar resonancias, sino cuando escuches una resonante frecuencias que te molesta silbar o cantar el tono de las frecuencias. Y una vez que hayas memorizado este pitch y sepas lo que buscas, entonces empieza a cazar. Esto evitará que encuentres cosas que no estás buscando y arruines tu fuente con muescas innecesarias. Estos fueron usos técnicos o de reparación de EQ, pero en EQ también se puede utilizar para halagar pistas. Si encuentras un cierto rango de frecuencia más atractivo que otros, puedes mejorarlos y jugar con las fuentes de madera, por ejemplo, puedes enfatizar el aire de interpretación vocal tiene con un filtro de estante alto. Entonces, ¿por qué fue su fleur de zancada como Eugen, la me guió en este mundo, realzar la cabeza de un cerdo sobre una cuerda de una guitarra eléctrica o bajo. Tener el manipulador de madera más claro en una baqueta golpeando el borde. También puedes usar EQ por razones estilísticas, como filtrar tanto las frecuencias altas como bajas para crear un efecto telefónico. La mezcla es un rompecabezas complejo que requiere una amplia perspectiva. Cuando se trabaja en una pista, siempre debes tener en cuenta qué papel desempeña en el arreglo y cómo interactúa con los otros elementos también. Una buena manera de mantener este enfoque es evitar trabajar en pistas solistas. Escuchar una pista en contextos te tranquilizará que no estás perdiendo tu perspectiva y sobreprocesando innecesariamente. Y otros problemas similares que los ecualizadores resuelven se llama barro, que se refiere a acumulaciones de baja frecuencia que resultan en una mezcla poco clara. Algunos ingenieros tienen bajo corte en canales que no necesariamente están jugando en el registro bajo es solo para asegurarse no se agregará información de baja frecuencia de factores inesperados. Esto es especialmente relevante cuando estás trabajando con grabaciones de estudios caseros. Ya que algo tan sencillo como un camión que pasa por un aire acondicionado o una nevera podría introducir ruidos sin que notes frecuencias de corte entre 30 y 80 hercios será beneficioso en ese caso. Y en algunos casos es posible que incluso quieras ir más alto, pero asegúrate de no estar dañando las pistas frecuencias fundamentales como lo haces, administrar el low-end en una mezcla es una de las tareas más difíciles de la ingeniero de mezcla, saber cuánto o cuán poco EQ tomará tiempo. Como directriz general, Mi consejo es menos es más, pero estar dispuesto a hacer lo que sea necesario para conseguir tu pista donde lo quieras. Hay una discusión en curso si ecualizadores digitales están mejor fuera de ser utilizados para reducir frecuencias o excusarlos una manera aditiva también puede resultar útil. El uso digitalmente utilizado solo de manera reductiva requerirá un enfoque diferente. Por ejemplo, en lugar de utilizar un estante alto para mejorar las altas frecuencias de la pista, agregará un estante bajo y reducirá todas las frecuencias hasta el punto que desea enfatizar. Te animo a probar ambos enfoques y descubrir qué suena y funciona mejor para ti. Pero en ese caso u otro, un buen hábito para mantenerse al día es igualar el nivel. Si has terminado bajando o elevando el nivel de tus pistas, maquillar la ganancia en la salida. Por lo que podrás AB la señal procesada y sin procesar y te aseguras de que estás ayudando a fuente y no arruinarla. 6. EQ parte 2 - Proyecto: Como se puede ver, los ecualizadores son una herramienta musical muy potente que se puede utilizar para ayudar a dar forma o material grabado estilizado. En esta asignación de segmentos, comenzaremos con el canal de guitarra acústica importado a una nueva sesión y le daremos una escucha. Esta guitarra tiene resonancias muy fuertes en el extremo bajo cuando ciertas notas golpean, esto necesita ser equilibrado. Así que abre los ecualizadores paramétricos de stock de tu DAW en él y trátala de la forma que encuentres adecuada. Cada movimiento de ecualización que hagas tendrá precio y necesitarás gestionar los regalos y garrapatas. Te daré un pequeño consejo y te diré que aunque estas frecuencias están recogiendo salvajemente, logré resolver los problemas con bandas que no están atenuando más de 2.5 dB. A continuación, trabajemos en estilizar y no sin reparar. Toma cualquier canal de la carpeta y hazlo hermoso. Si es la guitarra, tal vez realce donde está golpeando el pico y si es la vocal, tal vez las frecuencias aireadas en la actuación. Si eliges un violín, tal vez realce el tamper de madera o el manipulador Bose. Primero, hazlo de manera aditiva. Averiguar qué filtro se adaptará mejor al trabajo. Y luego cuando logres ese objetivo, intenta hacer esto con otros tipos de filtros. Asegúrate de que estás en igualación de niveles a medida que avanzas para que no te engañes. Y después de que estés contento con los resultados que has alcanzado, inserta otro justo debajo de él e intenta hacer que el trek sea hermoso con reductivo EQ AB los resultados y ve qué suena mejor para ti, lo que se siente más natural y piensa lo que fue más intuitivo para ti también, exploró estos dos enfoques y diviértete. En el siguiente segmento, presentaré diversos tipos de acusados y mostraré algunas emulaciones importantes que seguramente llegarás a cruzar para ayudarte a familiarizarte con el Stapleton de la industria. 7. Tipos de ecualizaciones y demostración: El parámetro se menciona en el segmento anterior, existente solo señales, pero no todos los AQ te darán la opción de jugar con ellas. El EQ que estaba usando se llama ecualizador paramétrico. ecualizadores paramétricos te permiten determinar la frecuencia central, amplitud q, y en ocasiones aún más parámetros, como acabamos de ver con el fab filter pro Q, la forma más clásica de un ecualizador paramétrico, usará perillas, y haremos el mismo truco buscando un poco diferente. Otro tipo de EQ es el ecualizador semiparamétrico, que permite determinar la frecuencia y amplitud del centro , pero no la señal. A veces la Q varía a medida que cambia la ganancia de la frecuencia, pero esto es predeterminado por el diseñador. Un tercer tipo de ecualizador es el ecualizador gráfico, que te dará una cantidad fija de bandas en una cantidad determinada de frecuencias que puedes aumentar o atenuar al gusto como el ecualizador semiparamétrico, las señales están predeterminadas y bien cambian con las manipulaciones de volumen o permanecen el mismo acusado dinámico reaccionan al audio entrante y no se mantengan completamente estáticos. Esta característica es genial ya que el efecto de un movimiento de ecualización no es necesariamente justo a lo largo de toda una canción. Por lo que el procesamiento dinámico podría ahorrar mucho trabajo de automatización, que estaremos hablando en un segmento diferente, excusa de fase lineal, o una solución potencial a un efecto secundario que a veces aparece del diseño tradicional de ecualización. La mayoría de los ecualizadores, cumplirás con nuestros ecualizadores de fase mínima, lo que implica que tienen leves retrasos de tiempo, que a su vez introducen ligeros turnos de fase varían según la frecuencia, tipo de filtro y la ganancia. Esto se llama frotis, y es más probable que suceda cuando se usan movimientos de ecualización intrusivos como cortes muy estrechos o filtros de paso alto, de paso bajo cuando no es deseable manchar, la EQ de fase lineal es muy útil porque mantienen todo a tiempo, por lo tanto impidiendo enfrentar temas. El inconveniente es que crean mayor latencia que otros ecualizadores y podrían suavizar los transitorios. Entonces esta herramienta tiene sus virtudes y compensaciones. Utilízala cuando sea necesario, pero conoce las consecuencias cuando se trata excusa analógica o emulaciones de ecualizadores analógicos, necesitamos entender que una gran parte del carácter del EQ proviene de su circuitería y diseño. Algunos acusan tener tubos en sus circuitos y le dan al audio un poco de saturación de tubos. Algunos son de estado sólido y como resultado, son muy limpios, alguna manera muy coloridos transistores que les da su propio tono único. Si bien los ecualizadores modernos son prácticamente ilimitadas, los ecualizadores clásicos siguen la vanguardia de la mezcla por una buena razón. Con eso en mente, quiero mostrarte algunos ecualizadores clásicos. Seguramente verás mucho mientras te sumerges más profundamente en la mezcla. Voy a explicar su lógica ya que algunos de ellos no son demasiado intuitivos. Pero antes de empezar, quiero presentarte unos cuantos símbolos básicos que te ayudarán a moverte por un nuevo EQ, aunque esta vez no estés familiarizado con él, marca un filtro en forma de campana. Esto marca un estante bajo. Esta es la localizacion, este es un estante alto. Este es un excursionista y esta es la señal de pie de fase. Empecemos con el EQ paramétrico SSL. Se trata de un ecualizador británico que cuenta con cuatro bandas, que en los foros predeterminados o estante bajo, estante alto, y a bandas de campana de gama media. Algunas emulaciones tendrán solo un filtro local y algunos tendrán otro filtro de subida también. Las dos bandas de campana de rango medio tienen perilla aguda para ellos, haciendo que el EQ sea totalmente paramétrico. Y los estantes bajos de gama alta tienen un botón que puede convertirlos en filtros Bell en lugar de estantes con cola predeterminada. Aquí está la inacción SSL. Lunes por la noche. Mi e paseo por la noche. Mis caminatas nocturnas, mis caminatas nocturnas, mi paja vespertina. El siguiente clásico EQ es el Neve 1073. Este ecualizador semiparamétrico también es británico y es muy famoso por ser parte de innumerables registros influyentes con los que todos estamos familiarizados. Este EQ tiene estante alto y bajo Dan una banda de campana de rango medio y un filtro de paso alto. La frecuencia del estante alto se fija a 12 K. El estante bajo tiene cuatro frecuencias seleccionables. El timbre de rango medio tiene seis frecuencias entre las que puedes elegir con una Q. interesante saber de este EQ es que el filtro local le tiene un poco de resonancia, lo que agregará un pequeño en el punto de frecuencia elegido. Esto se puede utilizar para engordar una fuente mientras sigue filtrando las frecuencias realmente bajas en otro clásico Navy Q es el 1081, que tiene una banda de campana más en el rango medio, más frecuencias para cada banda a Q, opciones para las bandas de campana media, así como la opción de cambiar las bandas del estante a Bell. Y por último, un filtro alto de hidratos de carbono. Aquí están los 10731081 en acción. Sra. E tarde, lunes por la noche células estromales. Mis caminatas nocturnas. Mis caminatas nocturnas. Mis caminatas nocturnas. Tarde de la Sra. E. El siguiente dQ es la API, cinco dieciseisavos ecualizador gráfico. Se trata de un ecualizador estadounidense con diez bandas saltando en octavas, lo que significa que las frecuencias se duplican de una banda a otra. La cola se estrecha a medida que el impulso se vuelve más extremo, dando este EQ, o sonido muy musical y agradable. Esta característica también se encontrará en API, ecualizadores semiparamétricos, que son los 55855 dB. Podrías haber notado que el 550 B tiene otro bate, pero la frecuencia está en los dos ecualizadores también son ligeramente diferentes, por lo que estarán sirviendo diferentes propósitos. Ambos dan la opción de cambiar las bandas bajas de gama alta de estante a cinturón. Y 550 a también tiene un filtro de paso de banda cortando cualquier cosa por debajo de 50 hercios y por encima 15 k Las frecuencias se eligen usando la perilla azul interior y la ganancia por la perilla blanca exterior. Aquí están la API cinco sesenta, cinco cincuenta en acción. El último clásico q será la cubierta de la piscina. Este tubo EQ fue diseñado en 1951 y se convirtió en un clásico por su tono y características únicas, las bajas frecuencias se pueden manipular con dos filtros de estantería que atenuan y aumenta simultáneamente, por lo tanto creando una forma de filtro única que no se puede lograr de otra manera, la siguiente banda tiene forma de campana y se puede utilizar para impulsar frecuencias seleccionadas entre 316 k. también tiene una perilla de ancho de banda, que es la cola. Se puede ajustar la campana para que sea muy afilada o muy amplia como se desee. Por último, hay un estante alto que sólo se puede utilizar para la atenuación. Este ecualizador de aspecto extraño, poco intuitivo fue una gran parte de algunos escarabajos y grabaciones de Motown, así como de innumerables otras producciones históricas. Aquí está la cubierta de la piscina en acción. Hay muchos más EQ que aprender, pero estos pocos son una buena introducción en el mundo de ecualización analógica. No necesitas todos estos tipos de EQ si quieres empezar a mezclar plug-ins de stock son generalmente más que suficientes. Las emulaciones son más divertidas de usar, pero no tienen nada que ver con adquirir habilidades como mezclador. Dicho esto, son interesantes ya que han ayudado a desarrollar la forma artística tal y como la conocemos. Entonces la familiaridad es útil. Ahora, quiero presentar dos pruebas, una para este segmento y otra concluyendo el tema EQ. 8. Tipos de ecualización: proyecto: En primer lugar es relevante solo si tienes una emulación analógica en tu DAW o si tienes algún plugin de terceros, comienza importando cualquier pista e insertando tres emulaciones analógicas diferentes y averiguando qué bandas ofrece cada uno qué frecuencias te permiten manipular y qué controles tienes sobre las bandas, las limitaciones que algunos engranajes analógicos presenta es en realidad lo que las hace tan únicas. Así que intenta notar lo que cada uno tiene que ofrecer después de que las interfaces descifradas, compare las emulaciones incluso si las bandas no están fijadas a las mismas frecuencias, levantó el estante alto tres dB y entonces a, B, tres reacciones. Entonces compara las bandas bajas, tal vez eso también, las bandas medias, los filtros, recordando lo que cada engranaje analógico tiene para ofrecer te hará más fácil que lo recuerdes cuando lo necesites. Cuanto más profundo vayas, más sabrás. Entonces, después de que hayas terminado de investigar los tres primeros, puedes hacer lo mismo con un lote diferente. La segunda tarea será tratar mezclar la sección rítmica de una canción, es decir, los tambores y el bajo. Hasta ahora, todas las tareas de EQ que recibiste solo incluyen pistas individuales. Pero como mencionamos, una mezcla es un rompecabezas complejo y trabajar en solitario no es el camino a seguir. Entonces descarga una de las canciones de las carpetas multipista y trata de mezclar la sección rítmica de la misma, ya sea una de las piezas de electrones o cualquiera de las acústicas, la sección de ritmo tendrán frecuencias que van de la más baja a la más alta. Es un buen lugar para empezar. Observa el extremo bajo y empieza por averiguar si estás limpiando la base subfrecuencias para dejarla para la patada o al revés. Entonces note el rango medio. ¿ Cómo la base es la carne, por así decirlo, interactúa con la caja o tonos más altos de la patada que la más alta es la pista que pide sombreros altos brillantes o relativamente oscuros. Observa cómo alterar frecuencias afecta la sensación del groove y la emoción que la canción predice más que nada. Por anticipado. 9. Compresores, parte 1: compresores son herramientas que nos permiten alterar el rango dinámico o la envolvente de una pista. El término rango dinámico se refiere a la distancia en volumen entre los puntos más suaves y fuertes de una pista y el sobre es el comportamiento de los camiones. Es decir, los compresores nos ayudan a controlar el volumen de nuestras pistas y se pueden utilizar para domar y equilibrar atraer por lo que se sienta mejor en la mezcla o de otra manera exagerar el dinámica y hacer que las cosas realmente se destaquen. Más. Los compresores tienen muy pocos parámetros que funcionan en conjunto entre sí. Estos parámetros son umbral, que es el nivel en el que el compresor iniciará el proceso de compresión. Ataque determinará cuánto tiempo tomará compresor para comenzar a comprimir una vez que el volumen de la pista cruza el umbral, liberación determinará cuánto tiempo lleva el compresor para alcanzar reducción de ganancia de 0 dB después el volumen descienda por debajo de la relación umbral, que es la cantidad de compresión que se producirá una vez que se inicie. Por ejemplo, una relación de cuatro a uno significará que cada cuatro decibelios crucen el umbral solo agregará un dB a la rodilla señal de salida, que es cuán suave o dura la transición a la compresión será. rodilla suave resultará con la relación subiendo gradualmente a medida que la señal alcance el umbral. Si bien el endurecimiento significará que la relación solo funcionará como es una vez que se cruza el umbral, ganancia de salida compensa la pérdida de nivel del proceso de compresión y nos permite igualar el nivel de la señal . Y por último, filtro de cadena lateral, que le dirá al compresor qué frecuencias ignorar al analizar el audio entrante, tiempo de ataque rápido aplanará nuestros transitorios, resultando con menos dinámica. Y los tiempos de ataque lentos acentuarán a los transitorios. Ataque lento y también se utiliza para lograr compresión que es suave y transparente. Te juro que no hablé como monje ser spin esta noche. Te juro que no hablé como monje ser spin esta noche. tiempos de liberación rápidos pueden elevar la cola de las pistas o ambiente y mejorar la emoción de las pistas. Dicho esto, puede introducir distorsión y hacer un poco de lío si se implementa de manera inapropiada. Los tiempos de liberación lentos pueden resultar con una compresión de sonido más natural y sonidos más apretados, por así decirlo, pero también puede ahogar la señal cuando no está respirando con el ritmo de las pistas. Los compresores cuentan con un circuito detector que escucha el audio entrante y luego desencadena la compresión en consecuencia, se utiliza el filtro sargento para dar forma al audio que llega al detector en para controlar lo que desencadena la compresión, las diferentes frecuencias suman dos volúmenes diferentes y las bajas frecuencias suman hasta la mayor energía y pueden crear un efecto de bombeo que no es placentero. Entonces cuando estás comprimiendo camiones que tienen energía de baja frecuencia, que no quieres activar el compresor. Puedes filtrar las bajas frecuencias desde el detector y hacer que el compresor reaccione solo a la energía de mayor frecuencia. Escuchemos un ejemplo. Observa lo que pasa mientras subo el filtro. Como probablemente escuchaste, el costo de bombeo por las bajas frecuencias se reduce y el nivel general al que reacciona el compresor con menor. Esto simplemente hace que el proceso de compresión sea más preciso y evita estos sonidos de bombeo no deseados. Es importante tener en cuenta que los parámetros de los compresores funcionan todos juntos y en realidad no se mantienen solos. Veamos esto en la práctica. Voy a utilizar un compresor muy visual para hacer queer principal. Pero recuerda que cuando mezclamos, trabajamos con nuestros oídos y no con nuestros ojos. Tomemos como ejemplo la pista vocal de los archivos de ejercicio de mezcla. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Lo primero que hay que hacer cuando se quiere comprimir audio es averiguar qué es lo que se quiere lograr. Entonces escucho que la palabra yo y el micrófono, o bombeando un poco. Y quiero equilibrarlos con el resto de la pista. Como punto de partida, establece tu compresor una proporción de ocho a uno con un rápido ataque y tiempos de liberación y una rodilla dura. Ahora bajemos el umbral a medida que juega la trampa. Y aquí, cuando la compresión empieza a patear, te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono será girado esta noche. A medida que agregamos, no hablaba ya que algunos pueden ser spin esta noche. Estoy tomando el umbral más allá de lo que se pide. Por lo que podemos escuchar la compresión en su extremo y marcar en los siguientes parámetros para satisfacer nuestras necesidades más fácilmente. Empecemos con el ataque. Poco a poco abriremos el ataque y escucharemos donde enumera los picos transitorios o iniciales, pasaremos y adaptaremos eso hasta llegar a un ataque. Nos gustaría el sonido de un juramento. No hablé como monje ser spin esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. A medida que agregamos, no hablaban como podrían ser spin esta noche. Después de establecer nuestro tiempo de ataque, descubriremos que el lanzamiento ralentizará el lanzamiento hasta que oigamos al compresor moviéndose con nuestra fuente y no asfixiando su dinámica. Ya que como mencioné, el objetivo por el que estamos trabajando es un sonido equilibrado y natural, como agregamos, no hablaba como podría ser spin esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé ya que podrían ser giradas esta noche. Después de tener el ataque y liberar eso, podemos averiguar qué proporción queremos para nuestra compresión. Empecemos con dos a uno y subamos lentamente la relación para ver el efecto que tiene en la fuente junto con cómo interactúa con los parámetros de ataque y liberación. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Si tu compresor te da la opción de jugar con el parámetro de rodilla, puedes configurarlo antes o después de ajustar el umbral, entonces suavizará la entrada a la relación de compresión completa y puede ayudar a refinar la reacción de los compresores al audio entrante. Ahora que tenemos estos parámetros que podemos ajustar el umbral, no se sorprenda si hay que refinar algunos ajustes porque como mencioné, todos los parámetros funcionan en conjunto. Y el hecho de que se esté ajustando el umbral podría significar que habrá que hacer más ajustes. Te juro que no hablé como monje ser spin esta noche. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Te juro que no hablé como monje ser spin esta noche. Te juro que no hablé como monje ser spin esta noche. Juro que no hablé como el principal ser spin esta noche. El paso final estará compensando la pérdida de nivel con la ganancia de salida, compresores tendrán reducción de ganancia. Utilizamos a veces marcado como GR, eso te mostrará cuánto nivel se reduce. Pero recomiendo escuchar la señal procesada y no procesada y ajustar el volumen entre la herramienta ya que la compresión puede crear diferentes formas de cambio de nivel. Te juro que no hablé ya que el micrófono se gire esta noche también. No hablé como el micrófono se gira esta noche. Te lo juro. No hablé como el micrófono se girará esta noche. Juro que no hablé como el principal ser spin esta noche. Ajustar el compresor de esta manera es una muy buena práctica de usar hasta que sientas que has envuelto tu cabeza alrededor del tema. Comience con un umbral bajo y los tiempos de ataque y liberación rápidos consiguen establecer el ataque que el ratio de liberación y el umbral. Ajusta la configuración para que se ajuste al punto de umbral final y finalmente, ajuste la ganancia de salida para compensar la pérdida de nivel. 10. Compresores, parte 1: proyecto: El destino para este segmento será explorar los parámetros de los compresores y ver cómo interactúan. Intenta comprimir la guitarra acústica o el número de bajo para rastrear desde los archivos de ejercicio y comprimirlos con la intención de conseguir la dinámica estable. Usa tu compresor de stock e intenta alcanzar alrededor de cinco dB de compresión de varias maneras. Intenta tener un ataque rápido con un umbral muy alto que podría sonar bien, tal vez bajar el umbral pero ralentizó el ataque. Vea cómo la relación afecta ambos ajustes. Observe que los cambios que realice requerirán algunas adaptaciones en otros parámetros también. Y asegúrate de que el camión siga respirando y no se sienta asfixiado. Después de unos minutos de experimentación, intentó hacer ecualizador correctivo ante el compresor y ver cómo eso cambia la forma en que se comporta. Alterar el equilibrio armónico también cambiará la dinámica en ciertos escenarios. Experimenta con esto y mira cómo aparece en la práctica. En el siguiente segmento, vamos a explicar más a fondo cómo usar el compresor y escuchar cómo se puede utilizar artísticamente. 11. Compresores, parte 2: El último segmento, se explicaron los parámetros del compresor y usamos compresión para controlar el nivel de una pista. En este segmento, quiero mostrar y explicar cómo compresores pueden ayudar a dar forma al sobre, carácter y el tono también. Por ejemplo, esta es la misma pista con dos ejemplos extremos sólo para hacer un punto. Pero aunque como mencioné, todos los parámetros funcionan en tándem y realmente no pueden estar solos. Es seguro decir que los parámetros de ataque y liberación serán la principal influencia en el tono por parte del compresor. Apenas de nuevo, perspectiva, debes saber que en el mundo analógico, ataque rápido es de alrededor de 20 microsegundos y liberación más rápida se considera alrededor de 50 milisegundos. Los compresores con diez tiempos de ataque de milisegundos se consideran relativamente lentos y los tiempos de liberación pueden cruzar el rango de 1 segundo. Los compresores digitales te pueden dar aún más rápido y más lento a veces para trabajar con si los necesitas, tiempos de liberación rápidos, traeremos emoción y actitud para atraer mientras que los tiempos de liberación lenta lo harán Mantén tu pista más apretada y suave. tiempos de liberación rápidos podrían ayudar en un rendimiento inestable se pueden usar para cambiar el timbre de una pista o simplemente ser un problema. Entonces ten en cuenta este parámetro. Liberación lenta significará mantener la compresión funcionando por un tiempo, lo que puede ayudar a limpiar la pista y suavizar el siguiente transitorio. Pero tendrás que asegurarte de que lea con el groove de las pistas porque también puede ahogar el sonido si es demasiado largo. Por lo que de nuevo, tenga en cuenta cómo su liberación está afectando el audio y observe si sirve, sus intenciones no lo son. El mismo principio va para los tiempos de ataque. Relativamente rápido resultará con tonos agresivos, mientras que el impuesto lento será más natural y suave sonando como compresores ecualizadores se pueden utilizar para trabajos de pareja o de manera estilística, añadiendo carácter y tono a las pistas. Echemos un vistazo a algunos ejemplos y veamos cómo vienen a jugar. Aquí hay una guitarra acústica. Digamos que me gustaría acentuar sus transitorios e introducir más actitud de Ellos solo atacarán lo suficiente como para dejar pasar a los transitorios antes de que la compresión entre y ponga una liberación rápida. Por lo que el compresor volverá a reducción de ganancia de 0 dB antes los próximos ingresos de tendencia en además del efecto dinámico que tuvo la compresión en la pista. Observe lo que le hace al personaje de las pistas. Se siente más enérgico y lo pone más adelante. Aquí está la pista de la snare. En este caso, quiero que las notas fantasmas sean más audibles porque son realmente importantes para el grupo. Por lo que pondré un umbral del compresor para atenuar los golpes fuertes y me liberaré rápidamente para que las notas fantasmas quedaran exentas de la compresión. El siguiente ejemplo es la pista de cadena. Quiero que esta sección sea más equilibrada pero aún dinámica. Entonces marcaré en un ataque relativamente lento y liberación rápida a medio plazo para tenerlo en su lugar, pero con la compresión no a Audible. Observa que la sección suena más pegada, por así decirlo, ya que las dinámicas funcionan juntas, aunque las emulaciones digitales sí logran acercar el carácter de los compresores analógicos clásicos. Todavía reaccionan un poco diferente al audio, especialmente cuando hay mucha reducción de ganancia pasando. Entonces cuando se trabaja en el ámbito digital, a veces los ingenieros encadenan varios compresores, uno tras otro. Cada uno estará comprimiendo solo un poco para que el efecto final suena suave. que como se puede ver, compresores a o una herramienta muy musical y tienen impacto emocional tanto como cualquier otra herramienta que utilicemos. Es polivalente ya que se puede utilizar para el control dinámico, Algo de distorsión, incluso ecualizador una manera y para potenciar la emoción cuando se necesita. 12. Compresores, parte 2 - PROYECTO: Esta asignación de segmento será comprimir artísticamente, tomar las pistas que he usado en este segmento y experimentar con ellos usted mismo. Intenta hacerlos más agresivos, y luego intenta hacerlos sentir más suaves. Estar al tanto del impacto emocional. Los detalles técnicos tienen una después de que hayas terminado con la guitarra, cuerdas y snare, pasa al otro material fuente y a la carpeta de ejercicios. En el siguiente segmento, pasaremos por los diversos tipos de compresores y las diferencias entre ellos. 13. Tipos de compresores: Lo último con que familiarizarse antes con algún tema de compresión los diversos tipos de compresores, ya que algunos no son tan intuitivos como otros, voy a mostrar y explicar cómo usar un combustible y ojalá te ahorran cierta confusión cuando los encuentres tú mismo. Por lo general, los compresores digitales se pueden ajustar completamente. También están muy limpios, lo que los convierte en una buena herramienta para cualquier cosa. Prácticamente el compresor que utilicé en las demostraciones en el segmento anterior es mi plugin de stock DAWs. Pero hay muchos plugins de terceros que tienen algunas características muy útiles incorporadas. Fet significa transistor de efecto de campo. Estos compresores pueden alcanzar un tiempo de ataque muy rápido debido a su circuito de transistores y se pueden utilizar para cualquier cosa desde voces, Bayes, regla max, o cualquier otra cosa que requiera rápido y ajustes de ataque limpios. El 1176 es el compresor FAT más famoso y probablemente te encontrarás con muchas emulaciones de esta clásica herramienta de mezcla. El 1176 tiene un nivel de umbral fijo. Entonces para comenzar a comprimir, es necesario empujar el nivel de fuentes con la perilla de entrada en el umbral y luego balancear el volumen con la perilla de salida. El 1176 es ataque oscila entre 20 microsegundos 800 microsegundos para liberar rangos de 50 milisegundos a 1.1 segundos. Y algo importante a saber es que los parámetros de ataque y liberación son contra-intuitivos. El número más alto representa el ataque más rápido y el número más bajo representa el más lento. La última característica cool del 1176 son los todos los botones en modo, también conocido como modo británico, por defecto, cuando se eligió una relación en el compresor, relación elegida antes se desselecciona. Pero ingenieros británicos descubrieron que todas las proporciones son empujadas en la reacción de los compresores es una leve distorsión y tiempos extremos de ataque y liberación. Esto da mucho carácter y se puede utilizar para dar un seguimiento extra pop de emoción. Los compresores ópticos tienen un diseño interesante. El audio que pasa por el compresor pasa por un elemento ligero que se ilumina hacia arriba y hacia abajo a medida el nivel de entrada cambia alrededor del elemento, hay una celda óptica que atenúa el audio a medida que el deleite se hace más fuerte, estos compresores tienen tiempos de ataque lento y liberación y se consideran suaves y cálidos. compresores ópticos son buenos para fuentes que necesitan atenuación lenta como ciertas voces, secciones base o cuerdas. L2 es el compresor más famoso y también tiene muchas emulaciones. Seguramente te encontrarás con DLA a una tiene dos naughts, reducción de pico, que actúa como una perilla de umbral y ganancia, que es el nivel de salida. En términos generales, el LA bidireccional tiene una rodilla suave en proporción promedio de 41, ataque promedio de diez milisegundos. Y para liberar etapas, 50 por ciento de la liberación ocurre alrededor de 60 milisegundos. Y el segundo 50 por ciento puede tardar entre uno y 15 segundos. Pero todos estos parámetros que acabo de mencionar en realidad fluctúan de acuerdo con el audio que viene a través del compresor. Para que como se puede ver, aunque es muy sencillo de usar, el LQA es en realidad un compresor muy complejo y musical. Los compresores de tubo viven y su circuito y crean el calor deseado que se considera el sonido de tubo característico. Estos compresores serán geniales para ciertas voces, sección de cuerdas, y cualquier material fuente que pueda usar tonos de tubo. El compresor más famoso de esta categoría es probablemente el Fairchild, que tiene 20 tubos en él. Este compresor tiene una entrada, una perilla de umbral, y lo que el diseñador llamó constantes de tiempo, que son diferentes combinaciones de parámetros de ataque y liberación. Los tiempos tecnológicos oscilarán entre 200 y 800 microsegundos y los tiempos de liberación oscilarán entre 300 microsegundos y 25 segundos. En casos extremos, si compras en emulación del compresor Fairchild, asegura de leer el manual. Dado que este compresor es muy único y tiene mucho que ofrecer, VCA significa amplificador controlado por voltaje. La forma en que se construyen estos compresores les da la capacidad de ser a la vez muy rápidos y lentos. Debido a esta flexibilidad, a menudo se utilizan en el bus maestro o en tambores con el mejor ejemplo es el compresor de bus SSL, lo que da una amplia variedad de tiempos de ataque y liberación son diferentes. Famoso compresor VC es el dvx 1 sexto, que en realidad es muy limitante en cuanto a opciones. Dado que el SSL es más flexible, a menudo se utilizará en el bus maestro. ¿ Dónde está el dp? Dx es un potenciador clásico de ponches para tambores por su ataque muy rápido y agresivo. compresores multibanda son en realidad múltiples compresores en una unidad que se dividen en todo el rango de frecuencias. Esto nos da la opción comprimir rangos específicos de manera diferente, o comprimir solo un rango específico en lugar de toda la pista, hay compresores multibanda analógicos, pero ellos no son tan comúnmente emulados. Por lo que en su mayoría verás compresores digitales como las ondas C4 o C6 y el filtro Fed Pro y B. Si tienes alguna de estas emulaciones, sigue adelante y experimenta con ellas. Tener una amplia variedad de te da mucha libertad creativa, pero también mucho que aprender. La forma en que te sugiero que vayas sobre el aprendizaje de diferentes tipos de compresores es elegir un compresor e intentar usar solo ese para alcanzar tus objetivos de compresión. Haga eso al menos por un tiempo, y aprenda sus capacidades tanto como una herramienta dinámica como como un potenciador emocional. Después de unos días o una semana de uso consistente, cambie a un compresor diferente y aprenda ese a fondo. Hacer esto te obligará a experimentar y conocer tus herramientas en mayor profundidad que simplemente escoger aleatoriamente algunas y trabajar con ellas. 14. Ampliadores/puertas: Los parámetros que cumplirás en este segmento son los mismos que en los compresores, un rango de parámetros añadido contraposición a los expansores de compresores, o que realmente se usa para aumentar el rango dinámico por haciendo aún más bajas las partes tranquilas de una pista. El audio por encima del umbral permanece igual, y el audio debajo de él se atenúa de acuerdo a lo que haya marcado en los parámetros de rango y ratio. El parámetro range limitará la cantidad de atenuación que introduce el expansor. Y la relación definirá cuánta atenuación se producirá. Los tiempos de ataque y liberación definen cuán rápido o lento funciona el expansor de, igual que en un compresor. Aquí hay un ejemplo de un expansor en acción. Las puertas de ruido son simplemente expansores con ajustes extremos que atenuan el audio bajo el umbral al silencio, los parámetros de rango y relación se aplanan y luego se utilizan los parámetros de ataque y liberación para adaptar el efecto y hacerlo sonar natural. Las puertas de ruido se utilizan principalmente para limpiar las pistas, lo cual es muy útil porque cuando una pista se procesa en gran medida, mejorará el exceso de ruido en la pista. Y así tener una pista más limpia te permite procesar el audio tanto como te complace sin el desafortunado efecto de mejorar el ruido no deseado. El portón de ruido en los tambores magnéticos de cierre es muy útil porque te puede dar más control y tener un canal funcionando plenamente como un canal de tambor sin efecto sobre lo ruidosos que son otros tambores. Dicho todo eso, es importante tener en cuenta que a veces tener ruido ambiental y Mike sangrar a partir de instrumentos multi-modelo es realmente útil. Así que no solo uses puertas por el bien de los camiones más limpios. Observe si su efecto está ayudando o no y usar En consecuencia. Personalmente no me encuentro usando expansores mucho, pero sí encuentro puertas de ruido bastante útiles en mente mezclar, experimentar con estas herramientas y averiguar qué funciona para ti. Los ensayos o compresores que se enfocan en el alto rango del espectro de frecuencias y se utilizan para controlar los sonidos de los hermanos S y masticar sonidos pueden salir en pistas y ser algo incómodos de alguna manera y el éster se viene a resolver este problema cuando se trabaja con el DSR, Lo primero que hay que encontrar es donde se encuentran las frecuencias. Esto cambiará de cantante, cantante y de Dr. Mike y también variará dependiendo del continente. Es posible que necesites una ds o para los ensayos y otro para los dos sonidos más así que a veces tener al éster es compartir la carga sobre los mismos hermanos sonará más natural que tener uno trabajando solo. Una vez que haya encontrado el rango de frecuencias en el que desea que trabaje el desierto, necesario definir el rango, que es la máxima atenuación con la que tendrá que trabajar el d'Azur. Algunos de los peligros se detendrán ahí, y algunos tendrán más parámetros para jugar con el umbral o incluso más tipos de banda para detectar a los hermanos en el audio, no quieres exagerar sí, ya que esto podría crear una sensación similar a las listas siendo la que podría molestar a tu cantante. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Entonces, aunque puedan sonar simples, se debe tratar con delicadeza. Dsrs también se puede usar para reducir resonancias en pistas que no lo son. Las voces se pueden usar en guitarras, cuerdas, o cualquier canal que tenga resonancia de alta frecuencia está viniendo y yendo. Los limitadores son compresores con ratios muy altos que limitarán la dinámica de audios tienden a una relación y por encima ya se consideran limitantes. Y hay limitadores trabajando en relaciones 100 a uno y hasta el infinito a uno. Estos limitadores se llaman limitadores de brickwall y se utilizan para reducir el nivel pico y por lo tanto mejorar el nivel general. Si lo que acabo de decir te confunde, vuelve al segmento de tipo de nivel y medición en el capítulo de teoría de grabación. Pero en resumen, el nivel general de una pista se eleva a medida que se reduce el rango dinámico. Imagina que tu audio está siendo empujado hacia el techo. La parte más silenciosa de tu audio sube a medida que empujas el nivel hacia arriba. Y lo primero que hay que alcanzar son los picos. Cuanto más empujes, más fuerte será el audio a expensas de tu rango dinámico, ya que los picos ya han alcanzado sus límites y ahora están restringidos por el techo. Observe cómo suben los niveles de LU AFS medida que empujé el audio más al limitador. Es importante señalar que los limitadores de pared de ladrillo alteran las formas de onda debido la compresión extrema y podrían causar distorsión digital que será audible. En términos generales, debes tener cuidado con estas herramientas porque son muy extremas. A menudo se utilizan limitadores en el autobús maestro en la etapa final de masterización, pero también se pueden utilizar en pistas específicas que necesitan reducir sus picos, como guitarras acústicas o borrachos. 15. Ampliadores/puertas: proyecto: Toma el nervio número tres e intenta expandirlo y conseguirlo tú mismo. Si te encuentras confundido, vuelve al inicio del segmento y mira de nuevo, pero trata de conseguir que tu cabeza alrededor de él lógicamente. Entonces la S, la pista vocal, los cantantes, hermanos es muy fuerte y necesita domar, pero se asegura de no exagerar y tener su sonido como si estuviera listando. Por último, tomar una de las mezclas de la carpeta mixins y limitarlas. Mira qué pasa cuando empujas demasiado fuerte, juega con los tiempos de ataque y liberación y ve cómo eso afecta a los limitadores. Y luego intenta llegar a un resultado que en realidad es cierto. 16. Saturación: La saturación se refiere ya sea a formas leves o extremas de distorsión y es una de las herramientas más creativas mezcladoras. saturación se puede lograr sobrecargando un circuito de tubo, circuito transistor, cinta prehaps pétalos y a través de muchas otras formas. En esencia, la distorsión está alterando una forma de onda y cambiando su contenido armónico. Y se puede utilizar en cualquier fuente en cualquier grado para modelado tonal suave o destrucción completa. Muchos de estos circuitos o foros de distorsión fueron modelados con el fin de tener estas manipulaciones temporales en la caja, significado y la computadora. Y así incluso en los días digitales limpios de hoy, podemos agregar algunos tonos de sonido analógico incluso cuando se trabaja con equipos modernos y limpios. Empecemos con un poco de teoría y luego lleguemos a los sonidos prácticos y usos de la saturación. La saturación agregará frecuencias, o en otras palabras, armónicos a tu señal. Hay incluso armónicos de orden y armónicos de orden impar, a veces considerados como armónicos de segundo, tercer orden. Incluso los armónicos de orden serán incluso múltiplos de una frecuencia. Por ejemplo, si tenemos una onda sinusoidal que tiene una sola frecuencia jugando a 100 hercios. Saturarlo con armónicos de orden par creará una frecuencia en 200 hercios que 400, 600, y así sucesivamente. armónicos de orden impar serán múltiplos de números impares. Entonces los connoques creados a partir de la saturación serán trescientos quinientos, setecientos y así sucesivamente. Dado que la mayoría de los archivos de audio que vas a usar, tendremos mucho más de una frecuencia. Los cálculos serán mucho más complejos, pero las matemáticas no son tan importantes como entender que saturar o distorsionar la pista creará y cambiará frecuencias en la pista que estás alterando. armónicos de orden par se consideran a veces como más agradables que los armónicos de orden impar. Personalmente no doy un **** y recomiendo experimentarlos y usarlos ambos. Ahora vamos a conseguir los aspectos prácticos. Aquí hay una vocal limpia. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Aquí está la misma vocal con suave saturación. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Y aquí está con saturación extrema. Te juro que no hablé como monje me dé vuelta. Veamos las formas de onda de estos tres ejemplos. Al ver la información de pico y la forma de la forma de onda, o en otras palabras, la dinámica y el contenido armónico de la pista, he cambiado por completo. Ahora escuchemos diferentes tipos de saturación y tratemos de notar la diferencia en el tono. Esto es la saturación del tubo. Juro que no hablé como en mente, me giro a mí. Esto es saturación de cinta. Esto es la saturación del transformador. Juro que no hablé ya que podría ser spin esta noche. Escuchar estas delicadas variaciones entre los diferentes saturados podría tomar un tiempo. Pero cuando entrenas tu oído y los usas con buen gusto, puedes llegar a tonos que no son accesibles con ecualizadores ni compresores, ya que la saturación no solo manipula las frecuencias existentes, sino también crear otras nuevas, saturación también altera la dinámica y se puede utilizar para controlar picos y elevar el nivel general de las pistas. Por ejemplo, aquí está la caja. Entonces aquí es donde están los niveles pico. Pero observa lo que pasa cuando me distorsioné levemente. Los niveles pico son más bajos, pero el volumen se siente igual. La distorsión se puede utilizar como una herramienta de conformación de madera estilística o como un ecualizador avanzado o compresor más por lo que es muy divertido. Así que tómate tu tiempo y juega con distorsión y aprende cómo y cuándo. Esto se puede utilizar para lograr objetivos tonales que los ecualizadores y compresores no pueden. 17. Saturación: proyecto: Abre un plug-in de distorsión o saturación que tienes en tu DAW en la pista número uno de la caja, la pista de guitarra acústica y la pista vocal de los archivos de ejercicio empiezan por distorsionarlos ligeramente y notar qué le pasa a sus niveles máximos y el tono aumenta la saturación gradualmente. Y nota lo que pasa con el ambiente o Mike liderar a los transitorios, cuán clara está la información y cuando se llega a un punto en el que el camión está completamente destruido, detener y retroceder la distorsión de un mordió después de esta lenta fase de experimento en un EQ, antes de que la distorsión se enchufase a un filtro de correa y comience a moverlo alrededor. Poco a poco, levantarlo gradualmente en las bajas frecuencias y ver cómo los saturan o reacciona. Entonces levántalo en los medios y vuelve a verlo, luego levantarlo salvajemente. Dado que la distorsión agregará armónicos acuerdo con el audio entrante, elevar las frecuencias bajas resultará con frecuencias altas añadidas también. El experimento final es sumar un EQ después de la saturación y ver qué manipulación ofrece este. Diviértete. 18. Rayas de canal: Las tiras de canal son simplemente un canal de una consola. Por lo general consisten en un preamplificador, una sección dinámica que consiste un expansor O portón y un compresor y un EQ, tener todo dispuesto en una tira es muy simple y útil en cuanto al flujo de trabajo. E incluso hoy en día tenemos tiras de canales emuladas a partir de consolas específicas que modelan cada componente y dan su carácter. Las empresas de plug-in modernas incluso tienen tiras de canales modulares en las que puedes personalizar y elegir cada módulo y construir tu propia tira de canales personalizada. Entonces la tira de canales SSL se ve así. Y se puede ver que tenemos una sección de filtros aquí, la sección dinámica aquí. Este es el compresor en el que se puede establecer el umbral de relación y liberación. Este botón controlará el ataque y se establecerá ataque rápido o un ataque lento. Y este es el expansor O portón que puedes configurar usando estas tres perillas. Aquí tienes el famoso SSLD q, que consiste en estante bajo y alto que se puede cambiar a filtros Bell y a bandas de campana de gama media. Como puede ver aquí, puede tomar o bien la sección dinámica dentro o fuera y el compresor o expansores específicamente dentro o fuera. Y aquí tienes la opción de enganchar o desenganchar el EQ, el botón de cadena lateral dinámico. Utilizaremos el EQ que has creado en esta sección y lo enviaremos al circuito de cadena lateral o con mayor precisión, al circuito detector del compresor. Si lo que acabo de decir no estaba claro para ti, tengo un video que cubre la compresión en profundidad en el que explico qué cadena lateral y el circuito detector en el compresor. O por último, el botón predinámico o cambiar el flujo de señal dentro de la tira del canal y colocar el ecualizador antes de la sección dinámica. Por defecto, el flujo de señal va como tal. Tienes el preamplificador, las entradas van a la sección dinámica, que luego va a la sección EQ, luego a la sección de filtro, y finalmente al fader de salida. Esto simplemente significará que el audio va del pre-empt al ecualizador. Y luego sección dinámica. Ahora echemos un vistazo a una tira de canales diferente de Lindell audio. Y veamos cómo la lógica que acabamos de aprender del SSL viene a jugar con este plugin. Aquí tenemos la sección de preamplificadores, cual cuenta con un perilla de entrada y salida que podemos utilizar para saturación, un alto boost o impulso bajo y filtro de paso alto, paso bajo. A continuación tenemos el compresor. Esto es en 1176. También tiene una entrada y salida, no la opción de jugar con tiempos de ataque y liberación lentos, medios y rápidos. Y el pomo seco mojado también. Este compresor dos tiene un filtro sargento que puedes conocer en mi video anterior, unas cuantas relaciones entre las que elegir, y la opción de decidir cuánto cada lado del estéreo repercute el otro. Por último, contamos con un protocolo AQ, que también puedes conocer en mis tipos EQ Video explicado. Y tienes la opción de jugar con el flujo de señal usando estas flechas. Ahora que entendemos la lógica, juguemos alrededor y veamos cómo esto llega a la acción. Estamos usando un bucle de mi próximo paquete de muestra el cual también recibirá primero si se inscribe en mi lista de correo electrónico. Entonces este es el bucle sin procesar. Empecemos a jugar con ella. Todos. Desenganchar el compresor y el agudo. Y comenzaremos con la sección de preamplificadores. Puedo pasar de saturación leve a saturación bastante extrema si quiero. Ahora, pasemos al compresor. Pasando al EQ. Para que como se puede ver, tener todo configurado en un solo paquete es muy útil para el flujo de trabajo. Echemos un vistazo a una última franja de canales solo para conseguir la información incrustada en nuestros cerebros. Esta es la tira de canales API por UID y el flujo de señal solo va de arriba a abajo y de izquierda a derecha, tendrás la sección de pre-empt pasando por el filtro va a la puerta del expansor, luego al compresor, y luego al EQ, y por último al fader de salida. Entonces aquí tienes la sección de entrada que consiste una entrada de micrófono y línea que puedes cambiar aquí, puedes saturar tu audio usando estas perillas. Tienes un pad que atenúa el nivel de tu audio y un filtro de corte bajo. Y por último, un botón flip de fase, un filtro de paso bajo, paso alto que puedes enganchar aquí y enviado a la cadena lateral también. Entonces la clásica sección dinámica, tienes aquí el expansor de portón. Tienes estas perillas en el compresor cambiando tu rodilla de duro a blando y la compresión de nuevo a viejo que si recuerdo correctamente, cambia el tipo de compresión de hacia arriba compresión a compresión descendente. Y característica genial que insertas aquí es que puedes cambiar de los cinco cincuenta, cinco sesenta EQ aquí también tienes el botón predinástico, que cambiará el flujo de señal y el lado dinámico- cadena. Entonces, aunque puedan parecer poco intuitivos al final del día, las tiras de canales son bastante simples para conseguir tu cabeza alrededor. Entonces la próxima vez que veas una tira de canales, no te dejes desalentada ni confundida. Simplemente trate de entender el flujo de señal o de enganchar y desacoplar módulos dentro de la tira. Y para entender si la tira de canales te da alguna característica especial que sea única a ella. 19. Reverberación, parte 1: reverberaciones son numerosas reflexiones de un sonido que llega a nuestros oídos después de conocer una o muchas superficies, la longitud y el timbre de estas reflexiones nos dan una indicación del tamaño del espacio. El sonido es n, y el material el espacio está construido a partir de unidades de reverberación nos da la opción crear una sensación de espacio alrededor de pistas que mezclamos emulando cómo los espacios y los materiales reaccionan al sonido. Hay muchas maneras de crear reverberaciones, y cada camino tiene su propio tono y carácter únicos. Ya que grabar en una catedral o sala de conciertos es un poco molestia, estudios encontraron soluciones interesantes antes de que se inventaran reverberaciones digitales. Una cámara de reverberación fue la primera, era simplemente una habitación construida a partir de concreto o cualquier otro material reflectante que tuviera un altavoz y micrófono está en ella. Se envió audio al altavoz, difundido en la habitación debido a su naturaleza reflectante y grabado a través de los micrófonos. Estudios famosos contaban con cámaras que les daban su sonido icónico. Y hoy en día, muchas de estas cámaras están emuladas en plugins y hardware digital se esconderá a medida que entraremos. Reverberaciones de placa u otra solución creada por láminas de metal grandes pero delgadas. Un conductor vibró el avión acuerdo con el audio que se le envió. Y la vibración se grabó entonces con dos pastillas con reverberaciones de resorte utilizan el mismo enfoque, pero en lugar de vibrar una placa de metal, es un resorte metálico que inevitablemente crea un distintivo diferentes tonos. Estas reverberaciones tienen un sello estilístico en la historia de la guitarra rock y todavía se construyen como parte de muchos amplificadores y pétalos de guitarra. reverberaciones digitales aparecieron en los años setenta y estamos programados para crear una sensación de espacio a través de retrasar la señal entrante con muchos rápidos retrasos y filtros similares al reflejo de una habitación. Estos no trataron de emular una habitación específica. Por lo que a diferentes algoritmos se les dieron diferentes personajes y no estamos enfocados en sonar real tanto como agradable o halagador. Hoy en día, tenemos el poder informático para modelar realmente cómo reverberan las habitaciones y así se inventaron reverberaciones de convolución. Estas reverberaciones utilizan respuestas de impulso, que son perfiles de audio de un espacio creado por algoritmos que analizan cómo reacciona el espacio al audio entrará y eligen Go. modelado moderno tanto para empresas de plug-in como de ferretería nos dan una amplia variedad de tipos de reverberación para elegir, desde salas de conciertos y arenas, dos baños y cocinas. La mayoría de los tipos de reverberación se pueden utilizar con el caso largo o corto. Pero naturalmente, las cuevas y cámaras de Pablo serán más largas que las habitaciones. Por ejemplo, los parámetros que encontrarás en mayoría de las reverberaciones serán el pre-retardo, que es el tiempo que toma una unidad antes de que inicie el proceso de reverberación decaimiento o tiempo, lo que dictará cuánto tiempo los lechos de los ríos y una perilla seca, húmeda o de mezcla que te permitirá mezclar la señal original, que es la seca, con la reverberación, que es la señal húmeda. El parámetro pre-delay es útil cuando se desea crear una distinción entre la fuente y el río. Aquí hay una fuente enviada a una reverberación sin pre-retardo, se esconderá ya que iremos adentro y verdadero. Pero ir a Dan ley ahora con algún pre-retraso, se esconderá como vamos a entrar y verdad. Pero nuestro objetivo, entonces, la vocal es más distinguible de esta manera, ya que la reverberación no está manchando la fuente de audio inicial, esto es algo que podría querer en ciertos casos y podría no en otros dependiendo del estilo de música en el que esté trabajando y de la fuente con la que esté trabajando, el tiempo de decaimiento se definirá por el objetivo que estoy tratando de lograr. Como regla general, largo río de tiempos a menudo creará una sensación de distancia y cortos tiempos de reverberación vamos a crear una sensación de espacio, vamos a ir y masticar. Entraremos y nos iremos. En términos generales, el caso por debajo 1 segundo se considera corto. Y como viste cuando la reverberación corta estaba comprometida, realmente puso la fuente en el espacio. El reverb largo tuvo un efecto similar pero enfatizó Granger más que el campo de una ubicación específica. envíos y devoluciones aparecerán en otro segmento. Pero voy a mencionar en definitiva que la perilla seca húmeda, que podría aparecer como mezcla, se utiliza cuando se inserta una reverberación en una pista y no se envía a ella cuando el río está sobre una vía auxiliar, debe ser 100% mojado. El equilibrio entre la señal seca y húmeda podría tener un efecto sobre cuánto tiempo querrás tu reverberación si decides tener la reverberación relativamente fuerte y aparente en tu mezcla, tal vez quieras acorta tu tiempo de decadencia para que la fuente no se manche. No hay bien ni mal tanto como hay intención. El género, tu trabajo en, tu propio gusto personal dictará las decisiones que tomes. Lo único que sí quiero señalar es, de nuevo, mezcla es un rompecabezas y los cambios en un lugar podrían requerir adaptaciones en otro otros parámetros que podrías conocer y las reverberaciones son tamaño, lo cual cambia el tamaño del programa, la sala, y crea variaciones tanto en el tono como en la K de la difusión de reverberación, lo que cambia cuán reflectante es el espacio que has programado. Y por tanto cómo el fusionado, la reverberación será la reflexión temprana, que cambia hasta qué punto y o fuerte se compararán las reflexiones iniciales el resto de los filtros reverberación BQ, generalmente estante alto o bajo o cortes que le permiten dar forma más al tono de la reverberación o sacar frecuencias que podrían estar chocando con otros elementos en la mezcla. Cada fabricante podría agregar sus propias adiciones personales. Así que mira las cosas en el manual y Casey ve algo con lo que no estás familiarizado. 20. Reverb parte 1: proyecto: La tarea de hoy será ganar cierta familiaridad con diferentes tipos de reverberación. Mira qué plugins de reverberación tienes en tu DAW e insértalos en el canal de arriba desde la carpeta de ejercicios, pregúntelos todos en 20% más o menos húmedos y escúchalos uno por uno, notando el diferentes texturas y dimensiones que crean, luego suman 20 milisegundos pre-retardo, AB que a los 0 milisegundos pre-retardo e intenta notar qué impacto tiene o los transitorios más claros, hay alguna diferencia en absoluto cuando hayas terminado con eso, establece el pre-retardo a 0 y cambia el tiempo de decaimiento a 1.5 segundos, vuelve a pasar por los tipos de reverberación con las mismas pautas de escucha, y luego cambiar el preretraso a 20 milisegundos y volver a escuchar. La tercera tarea es escuchar las reverberaciones y un ser ellas con la señal seca. Esto realmente enfocará tu oído en cómo la reverberación realmente está cambiando la fuente. Después de que hayas terminado con esto, adelante y experimenta con diferentes cantidades de porcentajes húmedos secos, los k tiempos y el privilegio de profundizar tu comprensión. 21. Reverbera, parte 2: Reverbs podría encontrarse como simple, pero hay más para ellos que solo establecer los asesinatos y prácticas simples que pueden ser una parte importante de su arreglo de una manera y crear algunos enlaces que a tu oyente en un viaje emocional. A modo de ejemplo, aquí está la diferencia entre una transición seca en una canción y una cuidadosamente procesada. Diferentes tipos de reverberación tienen texturas tonales variables como vimos en el último segmento, y se pueden utilizar para lograr una amplia variedad de objetivos. Como es el caso de la mayoría de las técnicas que hemos discutido, formarás tu propio enfoque ya que te sumergirás más en la producción musical o en el mundo de la mezcla. Pero como por ahora, prueba esto. Mira tu producción o mezcla como una obra de teatro. ¿ Entender quién es el personaje principal o los personajes de apoyo y cuál es el escenario o escenario de la actuación? Reverb será de ayuda en la creación del paisaje. Echemos un vistazo a un arreglo y veamos cómo llega a la práctica este enfoque. Salgamos de este pueblo. Aves estacionales, el alquitrán amenaza con ahogarse. Vamos, levántate. La canción comienza con el sonido ping a la derecha actuando como el personaje principal. El intro incluye un bucle melódico la derecha y diversos elementos percusivos que son pandeados de manera diferente y son enviados a una reverberación de habitación en diferentes niveles. En la intro, el bucle melódico parece ser el personaje principal, pero cuando entran la base de las voces y los caminos, el oyente comienza a entender que en el oyente comienza a entender realidad es parte del paisaje. Salgamos de este pueblo. Pájaro estacional, mientras que el vocal es el personaje principal y la base y caminos o características secundarias, la vocal es central, reverberación muy ligeramente para crear la sensación que es un parte de la habitación pero más cercana al oyente se llevará cualquier cosa que se sienta como en casa. Y la base y las carreteras no son enviadas a la reverberación en absoluto ya que son bajo alcance no supera la sensación de proximidad que tiene el vocal. Como ves, mi enfoque es qué sentimientos o sensaciones crean los tonos en lugar de qué herramienta se usa para tratar entender qué experiencia quieres crear para tu oyente y lentamente encontrar una manera allí de una forma u otra. 22. Reverb parte 2 - PROYECTO: Como práctica y como tarea de hoy, elige algunas canciones o un álbum que te guste, y presta atención a cómo se usa la reverberación en ellas. ¿ Cuánto tiempo o corto es la reverberación, cuánta reverberación hay en absoluto, y en qué escenario te pone? Estas preguntas te ayudarán a entender por qué se tomaron estas decisiones. Y después de haber escuchado algunas canciones con estas preguntas en mente, intenta experimentar con reverb usted mismo usando las pistas de la carpeta de ejercicios. Aquí te presentamos algunos puntos de bala para guiar tu experimentación. Ver el efecto cantidades mínimas de reverberación tiene sobre el tono de una pista. Observe adaptaciones que podría necesitar hacer cuando cambie la cantidad de reverberación que se introduce. Por ejemplo, si hago una pista más seca, tal vez tenga que hacer la descomposición más larga. Intenta escuchar cómo E cola reverberación efecto la reverberación y la fuente. 23. retardo: Retraso o eco, es un efecto que repite el audio que viene a través de él, pero no dejes que la simplicidad te engañe porque esta es una herramienta muy poderosa que ayudará a crear estilo espacial y texturas interesantes en tus mezclas. Existen dos parámetros básicos a considerar en un retraso. En primer lugar, el tiempo de retardo, que define cuánto tiempo hay entre la señal original y el eco. Y en segundo lugar, retroalimentación, que determinará cuántas repeticiones tendrá el retraso. La mayoría de los complementos de retardo te darán la opción de sincronizar tu retardo el tempo del proyecto y obtener fácilmente el efecto de eco ranurado con la canción. También puedes hacerlo manualmente y establecer el retardo en milisegundos. El retraso será audible como una pieza separada de audio a partir de 30 o 40 milisegundos en adelante. Cuando utilices tiempos de retardo más bajos, habrá un cambio de fase porque las dos formas de onda están tan cercanas y se introducirá un efecto chorusing. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Juro que no hablé ya que podría ser spin esta noche. El perilla de retroalimentación esencialmente envía la salida de la unidad de vuelta a la entrada y retroalimenta a través del circuito de retardo, por lo que agrega otra repetición al efecto. Este parámetro podría llamarse repeticiones, y se puede usar suavemente grados variables dependiendo del efecto que esté tratando de crear. Diferentes retrasos te darán diferentes formas de adaptar el sonido del retardo, como IN localizar filtros, Q, reverberación, saturación y modulación, que se explicará en el siguiente segmento. Éstas se utilizan para esculpir el tono o textura del retardo y ayudarte a crear una distinción entre el diferente ambiente a medida que creas diferentes retrasos, tienes algunas configuraciones y usaremos un cuboide por juguetes sonoros, que tiene muchos. Puedes configurarlo en un solo retardo, que es un canal mono, repitiendo tu herramienta de audio, o retardo estéreo, que será de dos canales panoramados izquierda y derecha y configurados por separado para jugar con tu delay ping-pong, que también es una configuración de dos canales que primero se envía a la izquierda y luego se envía al canal rojo, creando un efecto ping-ponging entre los dos altavoces y rítmico, que reaccionará a un ritmo que predeterminaste antes de que los retrasos digitales llegaran al mundo del audio, se utilizó cinta analógica para retrasar una señal que se le envió usando cinta le dio cierta madera a la señal retardada que aún se busca hasta el día de hoy, unidades como el dúplex y el eco espacial Roland se utilizan con bastante frecuencia en producciones modernas y son emuladas por muchas empresas de plug-in. En otra unidad de retardo anticuada se encuentra el Cooper time q, que en realidad tiene una manguera de jardín en ella que retrasa la señal. Hay dos tiene un sonido muy icónico también y todavía se está utilizando en muchos discos. Entonces llegaron unidades de retardo digital en forma de pedales de guitarra y muchos plugins, algunos de ellos son diseños únicos y algunos de ellos modelan unidades específicas con su tono y características. Los retrasos se pueden utilizar de algunas maneras para estilizar, para crear espacio, o como en efecto, un buen ejemplo para un uso estilístico de un retardo es un truco de los años sesenta llamado slapback o delay de bofetada. Los retrasos de la bofetada tienen una sola repetición con un tiempo de retardo rápido entre 4120 milisegundos que a menudo se usaba en guitarras y vocales y todavía se usa hasta el día de hoy cuando se quiere crear un nostálgico referencia en producciones. A menudo los retrasos se utilizan para crear una sensación de espacio de una manera diferente a la reverberación. Por ejemplo, aquí hay una vocal seca y verdadera. Pero nuestro objetivo entonces, aquí está el vocal enviado a un retardo de ping pong se esconderá ya que iremos adentro y verdadero. Pero nuestro objetivo entonces podría sentirse un poco irreales solidos, pero en la mezcla, se puede usar suavemente para dar una presencia vocal o mayor que la vida. Glaze también se puede utilizar para crear algunos efectos que enfatizaremos ciertas partes del rendimiento. También puede agregar dinámica y groove a través tu mezcla y crear un hermoso caos cuando sientes que eso es necesario. El primer ejemplo que te estaré mostrando es una técnica llamada retardo tiros. Después de configurar su retardo, puede enviarle audio cuando desee que una frase repita por automatización se ocultará ya que iremos adentro y true. Pero nuestro objetivo entonces, automatización se explicará en un segmento propio. Pero por el bien de este ejemplo, consideremos la automatización como el proceso de cambiar un determinado parámetro durante el transcurso de una canción. Por ejemplo, cuánto se está enviando un canal a un retraso. Por lo que puedes usar algunos retrasos para los tiros de retardo. Aquí hay un ejemplo que está un poco por encima. Sólo por el bien de la demostración, nos esconderemos ya que iremos adentro y verdad. Pero nuestro objetivo. Otro efecto proviene de un efecto secundario que tuvieron los retrasos en cinta cuando jugarías con la velocidad de la cinta. Esto podría sonar familiar y los procesos simplemente reproduciendo con la velocidad del retardo una vez que el audio está llegando a través de él, un efecto 3D que puedes crear como marcación en cantidad extrema de feedback hasta que el retraso llega al caos completo, iremos en el árbol. Cuando combinas eso con las variaciones de velocidad, puedes crear tonos realmente frescos y divertirte mucho. Te presentaré el último efecto que puedes crear con retrasos, y se llama el efecto Haas, que utiliza un fenómeno psicoacústico registrando cómo localizaron nuestros cerebros sonando. Permítanme demostrar aquí lo que sucede cuando tomo una fuente mono, inserto un retardo estéreo en él, y retrasar un lado por solo diez milisegundos ya que iremos adentro. Y esta técnica se utiliza principalmente para hacer un mono o estéreo, pero esto también se puede utilizar en fuentes estéreo para crear un efecto de ensanchamiento y un ligero cambio temporal. Lo último de lo que hay que hablar ahora de que estamos familiarizados con cómo funciona un retraso es cómo configurarlo en nuestras mezclas. Necesitas tener algún nivel pasando por tu retraso para establecer el tono de la misma. Entonces empieza por enviar un nivel saludable y notar estas pocas cosas. El ritmo de la demora tiene que trabajar con el groove del instrumento que estás afectando y con las canciones groove. Aviso si el retraso hace que la mezcla obstruya y fangosa, esto se puede resolver filtrando las bajas frecuencias del retardo o bajando el parámetro de retroalimentación. Muchas repeticiones, entonces el ambiente creado a partir de la demora debe adaptarse al paisaje y efecto emocional que estás tratando de crear en tu mezcla. Al igual que se menciona en el segmento de reverberación, después de que tengas los ajustes marcados en, recomiendo bajar el fader enviar a menos infinito y empezar enviar lentamente ron su hacia arriba hasta que empiece a escuchar el retraso. Si estás usando el retraso solo para crear ambiente, ese podría ser el lugar para parar. Pero si quieres que el retraso tenga un efecto más dominante, ve más allá y solo asegúrate de que la pista no esté dominada cuando estés usando el retraso para la retroalimentación en efecto, solo toma nota de que no están empujando la retroalimentación demasiado tiempo o demasiado lejos porque simplemente se volverá desagradable. Juega con tanto la perilla de retroalimentación para mantenerla fluyendo agradablemente. El perilla de tiempo para crear las variaciones de tono. Aquí hay un ejemplo, por lo que se puede ver esto en acción. 24. Retardo: proyecto: Abre tu proyecto de ejercicio e inserta tu plug-in de retardo de stock en el canal de guitarra acústica. Tener el plugin con retroalimentación mínima, lo que lo convierte en 20% de ancho, establece el tiempo de retardo a 160 milisegundos y filtra las frecuencias altas desde diez k en adelante. Ahora toca la pista y AB la fuente con y sin demora. Experimenta con este retraso de bofetada por unos minutos y juega alrededor con el filtro alto, el equilibrio húmedo seco, y la retroalimentación para ver cómo los dos efectos el retraso, inserta un retraso de ping-pong en la vocal pista, establece el tempo del proyecto a 90 ppm y el tiempo de retardo tanto al ping derecho como al Pong izquierdo a las notas de cuarto ponen la perilla de mezcla, sin embargo por favor escuche la pista con ella enganchada. Entonces cambia el tiempo de retardo 2.5 notas y decide qué funciona mejor con grupo de voces después de que se resuelva eso, filtra las altas frecuencias y mira si funciona mejor, realmente recomiendo seguir esta práctica paso a paso porque te mostrará por qué y cómo debe pensarse esta herramienta supuestamente simple después que hayas terminado con estas prácticas, debes intentar usar las técnicas mencionadas en este segmento porque son divertidos y pueden ser muy útiles. 25. Modulación: El término modulación se refiere a un grupo de efectos que tienen en ellos un parámetro modulador. Podrías haber oído hablar de fáseres, flangers, coros, tiembla, y vibratos. Y en este segmento explicaré cómo se producen y cómo son útiles. Los cursos duplican una señal retrasada cinco a diez milisegundos y jugada sobre la señal original. La proximidad entre las dos formas de onda crea fase y por lo tanto cancelación de frecuencia llamada filtrado de peine, debido a la forma que tiene la cancelación. Por último, el tiempo de retardo de la señal duplicada es modulado por un LFO, que crea dos cosas. El primero es otra variación en la relación de fase, y la segunda es un sentido de variación de tono debido a un fenómeno llamado efecto Doppler. El mejor ejemplo para el efecto Doppler es el tono cambiante de una sirena de ambulancia a medida que te pasa y se aleja. La variación de tono proviene de alterar la distancia o velocidad de la onda sonora para un oyente, los principales parámetros en el curso serán la tasa que controla la velocidad del LFO que provoca la modulación de tono y profundidad o intensidad, que es prácticamente una perilla seca y húmeda que controlará cuán dominante es el efecto. Este efecto es muy popular y útil en pocos modales. En primer lugar, como un efecto notable en fuentes como guitarras o teclados. Y cuando está en una configuración estéreo, uso suave creará un efecto psicoacústico que hace que las cosas suenan más amplias. Y adicionalmente, también se puede utilizar en una fuente mono para crear una sensación de estéreo. Se esconderá como vamos a ir adentro y verdad, pero vete ley Dan. Las bridas también crean filtrado de peine al duplicar la señal entrante, pero usan tiempos de retardo más cortos que provocan una mayor cancelación de frecuencia. Y un reborde tom muy distintivo afectará las frecuencias más altas de manera más dramática que las frecuencias inferiores, mientras que el cursing será un poco más notable en los rangos inferiores, bridas solían crearse colocando dos señales de audio a través una máquina de cinta y enviándola a otras máquinas. Una de estas dos máquinas secundarias se ralentizó colocando un dedo en el borde de los carretes de cinta, que se llama brida. Entonces las dos señales se sumaron a otra máquina y se reprodujeron con el efecto. Hay un parámetro adicional a la velocidad y profundidad de los flangers, que es la retroalimentación. Esto enviará la señal de salida efectiva de vuelta a la entrada, creando un brido más profundo y un tono metálico único se ocultará como entrará. Oh, los fáseres procesan el audio exactamente de la misma manera que las bridas, pero a unos cuantos todos pasan filtros, estos filtros no cambian el volumen de las frecuencias, su posición que, pero para alterar la fase alrededor de estas frecuencias elegidas, los controles de velocidad, profundidad y retroalimentación serán los mismos. Y algunos fáseres podrían tener un poste adicional o perilla de etapa, que determina cuántos filtros tiene el fasor con la marca. Los dos últimos efectos de modulación difieren de los tres primeros porque no manipulan el audio por duplicación y alteración de fase, sino al afectar la fuente tal como está, trémolo altera el volumen de las fuentes hacia arriba y hacia abajo, y vibrato altera el tono de los audios hacia arriba y hacia abajo. Estos efectos se usan clásicamente en guitarras, pero pueden ser muy cool en cualquier cosa que prácticamente se esconda ya que iremos adentro y verdadero. Pero vete la ley Dan. 26. Modulación: proyecto: Inserta los efectos de modulación uno por uno en el canal de la guitarra eléctrica y explora en seco, viendo lo que agregan cuando son leves, y luego lo que agregan cuando son extremos. Después de haber terminado con la guitarra eléctrica, pruébalos en la pista vocal, la pista de sobrecarga, y la pista de bajo también. Si después de estos tienes el experimento energético con todos los archivos que tienes en la carpeta de ejercicios. 27. AUTOMATIZACIÓN: La automatización se mencionó antes como cambiar nuestro parámetro con el curso de la canción. Se puede utilizar para refinar volúmenes, envíos y diversos ajustes en canales y complementos. Y agregaremos dinámica y profundidad a tus mezclas. Las automatizaciones se pueden realizar con la pista o programarse con el cursor. Cada DAW tendrá su propia forma de escribir automatización. Estaré demostrando enfoques y técnicas útiles para automatización en Pro Tools que luego puedes usar en cualquier software. Volumen, automatización puede ser útil de algunas maneras. El primero y obvio está cambiando el nivel general de las pistas de audio. Ciertos instrumentos podrían necesitar adaptaciones de volumen en partes específicas de la canción. Esto se puede hacer de una manera amplia cambiando el volumen de toda la pista. Y de una manera más definida donde realmente se puede ir bar por barra y cambiar el volumen hacia arriba o hacia abajo. Esto te permite enfatizar o atenuar líneas melódicas que no están pasando o cortando la mezcla demasiado como ciertas palabras o respiraciones en la pista vocal y afecta a retornos cuando quieras las transiciones extremas. Efectos como retrasos y reverberaciones pueden insertarse en una pista o en una pista auxiliar o efectos que tengan audio enviado a ellos a través de la oración. Tener el efecto en una pista auxiliar te da la opción de usar un plug-in en muchos camiones allí para ahorrar mucha energía de la CPU. El volumen enviado desde la pista de audio se llama arena y el volumen en la pista de efectos se llama retorno. Los efectos no necesitan permanecer estáticos a lo largo de toda la canción y se pueden automatizar para adaptarse a la dinámica y la emoción que el arreglo está tratando de crear. Estos son algunos ejemplos de cómo se pueden utilizar las automatizaciones de envío en la mezcla. La capacidad de automatizar parámetros en plugins abre una puerta enorme para la creatividad tanto como ayuda con la organización, ya que te ahorra de la necesidad de abrir nuevos plug-ins o duplicar pistas para procesarlas de manera diferente. Aquí hay algunos ejemplos de eso en acción. Si quieres silenciar la pista, puedes bajar su volumen a menos infinito o usar el botón de silencio. El silenciamiento aparecerá visualmente sin espacio para errores. Dicho esto, el silencio completo no es un sonido muy natural y a veces silenciando bajando el nivel cerca menos infinito, pero no completo silencio será preferible, cambiante y el spanning de la pista se puede utilizar creativamente como en efecto, y también se puede utilizar para refinar el lugar de una pista a lo largo de la canción. A modo de ejemplo, si hay un verso con una guitarra acústica panned, correcto, acomodando a una vocal. Pero en el puente, la guitarra es eliminar instrumento. Puedo centrarlo y hacerlo más frontal. Otra cosa que es importante destacar sobre el panning es que a veces debido a la fase las relaciones entre canales están rastreando sentir como si se sienta mejor en la mezcla en un cierto punto en el panorama. Por lo que vale la pena barrer las ollas de la sartén alrededor y escuchar dónde encaja mejor la pista. La automatización tiene un lado artístico ella y un lado técnico a ella también. Me encuentro usando el cursor para automatizar movimientos delicados de volumen como voces, hermanos, y afinar palabras para destacar en la mezcla. Por otro lado, me encuentro escribiendo automatización con los movimientos artísticos más que los técnicos, como escribir sentir la reverberación o retrasos, y simplemente modular parámetros dentro de un efecto porque es simplemente más divertido y musical cuando lo interpretas y lo haces como un músico tocando un instrumento cuando quieres montar faders, necesitas habilitar la automatización táctil en tu camioneta. También puedes combinar los dos enfoques escribiendo faders y luego haciendo el trabajo más delicado y preciso con un cursor después del hecho. Efectos Envíos, panning o automatización de complementos generalmente formarán parte de las pistas de sonido y carácter. Por lo tanto, se puede considerar como cualquier otro procesador y se puede introducir en etapas tempranas de la automatización de volúmenes, por otro lado, debe ser lo último que hagas en el mezclar porque la automatización de volúmenes corrige el fader y no te deja moverlo libremente hasta llegar a las últimas etapas de la mezcla. Esta flexibilidad es algo necesaria. Por lo que sugiero seguir esta directriz. Si no sabes automatizar en tu DAW, descubre cómo ver los parámetros de automatización y cómo habilitar la automatización táctil para poder realizar estas tareas de segmentos. 28. Automatización: proyecto: Estos escritorios podrían parecer pequeños, finales, pero hacer estas cosas en tus mezclas las hará más precisas y les dará vida y te servirá también arreglos. Comienza automatizando el volumen de las guitarras acústicas con tu cursor. A veces los camiones pueden necesitar automatización de volumen incluso si están comprimidos. Y este será un buen ejemplo para un caso como este. Pero ten en cuenta que no hacemos sacrificio por la calidad de audio solo para ahorrarnos tiempo. Así que baja a pequeños detalles y asegúrate de que suene genial. A continuación, abrir una droga de efectos de reverberación y una pista de efectos de retardo, ponerlos de manera musical, automatizar cuánto y cuándo guitarristas y para ellos, se puede empezar enviando un beat en un bar con un cursor y luego montar la arena mientras escuchas la pista, intenta hacer este musical y hermoso, luego automatiza un parámetro de plugin. Puede ser reverberación o tiempos de retardo parámetros EQ e incluso parámetros de compresión. Esto es más fácil en ciertos DAW y más difícil en otros. Pero cualquiera que sea el software que elijas para ti mismo, sabiendo esto hará que tus posibilidades de mezcla sean prácticamente infinitas. Así que aprende a hacer esto antes pasar a la última tarea, automatizar, silenciar y hacer pan parámetros de cualquier pista, cualquier forma que desee sólo estar familiarizado con esta posibilidad. 29. Técnicas de mezcla, parte 1: En los próximos segmentos, quiero introducir algunas herramientas y técnicas de mezcla te encontrarás muy útiles, de nuevo, mayoría de estos segmentos, si te detienes después de cada técnica que se presenta e invierte unos minutos solo experimentando con ella. De todas las técnicas que estaré presentando sólo para requerir plugins de terceros que pueda o no posea poseer. Incluso si no eres dueño de estos plugins, sigue siendo muy beneficioso conocerlos y entender cómo sirven el proceso de mezcla. Como su nombre indica, la compresión paralela es el proceso de atraer paralelo a la pista original sin comprimir. Puedes duplicar tu pista y tener una comprimida o crear una pista auxiliar con un compresor insertado en ella. En este caso, necesitarás enviarle tu pista pre fader para que el nivel de variaciones no afecte la compresión. Algunos compresores tienen una perilla de mezcla que mezclará la señal sin comprimir con la comprimida, ahorrándole con la molestia. Al igual que la compresión normal, la compresión paralela se puede utilizar ya sea para acentuar la dinámica o para limitarlas. Gran diferencia de tener la pista original como parte de la mezcla total. Si configuras tu compresor paralelo con un ataque lento, recibirás un potenciador transitorio que luego podrás mezclar al gusto. Si lo has configurado a un ataque rápido, los transitorios serán aplastados y el canal solo se convertirá en un potenciador de nivel general ya que el nivel en el que lo colocarás será el nivel más bajo que llegará la pista. Aquí hay un ejemplo de los dos enfoques. Compresor paralelo también se puede utilizar para comprimir varios canales e incluso toda la mezcla solo para elevar el nivel general y para pegar el mezclado entre sí, por así decirlo. Y el procesamiento paralelo útil adicional es la distorsión. Puedes configurar una unidad de distorsión y enviarle audio al mismo tiempo que harías cualquier pista de efectos con el fin de acelerar las pistas y mejorar su contenido armónico. Una cosa importante a tener en cuenta cuando se utiliza distorsión paralela es que debido al cambio en el contenido armónico, la forma de onda cambia también y podría ocurrir escalonamiento. Así que asegúrate de revisar tus relaciones de fase post-procesamiento, por lo general tengo un EQ antes de la distorsión, por lo que puedo tallar el audio que entra en la unidad de distorsión y otro después de la fase flip si es necesario, y para seguir procesando cuando sea necesario. Tal en compresión es el proceso de activar un compresor en una pista al traer audio de una pista diferente. tambores de bajo se utilizan muy comúnmente para este tipo de incienso y elementos armónicos en la reproducción. Por ejemplo. Esta técnica es muy popular en las pistas EDM y pop, pero se puede utilizar en mezclas acústicas para crear más espacio entre instrumentos con frecuencias superpuestas o como herramienta creativa, tú puede crear espacio para las voces colocando un compresor en la reproducción, tenerlo ligeramente comprimido cuando entran las voces. También puedes comprimir una pista de graves cuando el kick golpee con el fin de mantener tus bajas frecuencias y comprobar, cada compresor tendrá su propia forma de fijar la cadena lateral a una salida externa. Y una vez que tengas eso ordenado, solo necesitarás enviar la fuente para activarla. El término filtro telefónico se refiere a un corte agresivo de frecuencias tanto altas como bajas en una fuente que da como resultado una señal que suena como si estuviera viniendo por un teléfono. No hay reglas duras y rápidas a donde se deben colocar exactamente los filtros. Y puedes adaptar aún más tu filtro telefónico con picos y muescas o simplemente tallarlo para que se ajuste a tus necesidades de fuentes. Te juro que no hablé como el micrófono se gira esta noche. Juro que no hablé como el mike be spin esta noche, este procesamiento puede permanecer estático a lo largo de toda la mezcla o ser automatizado dentro y fuera para enfatizar puertos o crear dinámicas. A veces quieres que tu reverberación suene larga, pero no tener en realidad toda la longitud de la cola para evitar que consiga tu mezcla toda fangosa. Poner una puerta de ruido después de tu reverberación te dará el privilegio de tener la decadencia inicial de un cuento largo, pero cortar la sola, ya no es necesario. 30. Técnicas de mezcla, parte 2: Si tu mezcla tiene una reverberación muy distinta a ella, enviarle un poco de la señal de retardo podría ayudar a acercarla al ambiente hacia el que estás trabajando. También puedes intentar enviar reverberaciones a retrasos o cualquier otro efecto que hayas configurado y ver qué pasa. Solo asegúrate de que no te mandes un canal a sí mismo por accidente. De lo contrario, terminarás con un bucle de retroalimentación, disparadores o complementos de reemplazo de tambor que analizan audio entrante y activan una muestra elegida desde allí biblioteca disponible. Puedes utilizarlos para reemplazar completamente una pista de tambor o para trabajar en paralelo con el canal original como soporte tonal, MS representa el lado medio, como podría recordar del capítulo de grabación. Y los MCQs de hecho te darán la opción de procesar las señales medias y laterales de una pista por separado. El procesamiento de Midside a menudo se usa muy ligeramente ya que estos EQ crean turnos de fase bastante fuertes y afectan la compatibilidad del modelo de tu mezcla. Las colas Dc se pueden utilizar en pistas mixtas o estéreo en pistas de grupo o incluso toda la mezcla para limpiar señales y mejorar el ancho. Algunos DAW podrían tener esta característica en sus plug-ins de stock, pero la mayoría quiere. Por lo que podría necesitar un plug-in de terceros si tiene pedales de guitarra o una unidad de efectos externos, y su interfaz tiene más de dos salidas. En realidad puedes usarlos en tu mezcla. Crea un envío que esté enrutando a un jack de salida libre. Conecta ese jack de salida a la unidad y luego graba tu procesamiento en una nueva pista. Si estás usando pedales de guitarra, es posible que necesites una unidad de rampa para convertir la señal de nuevo a baja Z. pero incluso si no eres dueño de uno, aún debes probarlo y ver si el sonido te alcance o satisfactorio. 31. Pant mezcla, parte 1: Este segmento se demostrará en Pro Tools, pero los aspectos prácticos no importan tanto como el enfoque. Así que anda por ahí. Independientemente de su DAW, hablaremos de importar, editar tiempo de pistas de audio y luego meternos en desvanecimiento, desvanecimiento cruzado, compilar audio, editar consejos de flujo de trabajo y mezclar plantillas. Si está mezclando una pista que no produjo, asegura de conocer la frecuencia de muestreo de audio y abrir un proyecto en consecuencia. Si importas audio de una frecuencia de muestreo diferente a tu DAW, o bien hará una conversión de la cual puedes guardar el audio o reproducir el audio de nuevo a la velocidad incorrecta. Si usted produce personalmente la pista, asegúrese de guardar como y nombrarla. Algo así como bla, bla, ediciones te permite editar, sabiendo que siempre puedes retroceder simplemente abriendo la sesión limpia desde la fase de preproducción, editar es tan importante como grabar y mezclar. Así que no se apresure a través de él. El groove o la sensación de una canción tiene un gran impacto en la forma en que el oyente la percibe. Si quieres que la canción mueva al oyente de cierta manera, puedes crear que a lo largo de la etapa de edición, hay algunos enfoques de edición que cambiarán por la estética de la canción que estás trabajando on. Por lo general, las producciones pop serán editadas el 100 por ciento de la cuadrícula. Mientras que en las canciones o R&B tienen más fluctuaciones entre los ritmos, se perderá el groove de la canción. Si solo tomas todo a través de la rejilla, es importante trabajar con tus oídos y ahora con tus ojos cuando lo agregas para que las cosas fluyan musicalmente, en lugar de editar con precisión el ritmo se puede hacer cortando y moviendo el audio o al deformar cortando el audio dejará la forma de onda tal como está, pero cambia la pista de audio. Warping, por otro lado, cambiará la forma de onda pero dejará intacta la pista. Las dos técnicas tienen sus positivos y negativos y por lo tanto se utilizan bajo diferentes circunstancias. Cortar y mover el audio creará ya sea un hueco o una superposición de audio que necesitará un fundido cruzado. deformaciones no requerirá desvanecimiento cruzado, pero la manipulación de la forma de onda misma podría introducir artefactos audibles. A pesar de que los algoritmos para warping de audio siempre están mejorando. Como regla general, traté de mantener mis formas de onda como están en edición cortando, moviéndose y desvaneciendo cruzado, podría haber un poco más de trabajo, pero sonará mejor y en mi opinión, vale la pena el esfuerzo. Yo sí uso warping cuando edito un instrumento con contenido armónico que puede ser ajustado cruzado sin que se note. Esto suele suceder con instrumentos que sostienen notas largas, pero esto rara vez sucede. Y estimo que el 99% de las veces edito audio cortando. Otro escenario donde usaré warping es si necesito importar un bucle que no sea distinto al tempo de mis proyectos, si esto sucede, será durante la fase de preproducción, como mencionado en el segmento de beat making, cuando estás editando, es posible que quieras intentar trabajar con tu cuadrícula apagada. Esto te asegurará de que realmente escuches la música. Y aquí, en todo caso, está un poco fuera en lugar de analizarlo visualmente, dicho esto, la cuadrícula es muy útil y se puede utilizar para crear puntos de referencia claros. Algo importante a tener en cuenta es que cuando estás editando un instrumento que se graba con múltiples mikes, debes agrupar las pistas juntas y editar como si se tratara de una sola pista, desvanece o volumen rápido cambios, un fade in. Llevaremos el audio del silencio al volumen de la pista. De igual manera, un fade out. Tomaremos las pistas volumen actual al silencio. Los desvanecimientos se pueden ajustar a muchas longitudes y formas, dándote la capacidad de hacerlas sonar tan naturales o antinaturales como quieras. El motivo por el que los desvanecimientos son importantes es porque cuando se corta el audio en medio de un ciclo, se produce un clic digital o pop. Desvaneciendo el audio dentro o fuera. Resuelto este problema, se usan fundidos cruzados cuando se desea crear una transición entre dos clips de audio. El primer clip se está instalando mientras el segundo se desvanece, creando una transición suave cuando se trabaja correctamente, ya que los desvanecimientos cambian el volumen de la pista, es importante tener en cuenta que no debes estar caber cualquier transitorio u otras piezas de audio que sean importantes para salir tal y como están. Así que incluso si usas la función de decoloración automática de tu DAW, ve y asegúrate de que no te desvaneciste algo que debería dejarse como se está compilando o en resumen, comping es combinar audio de unos pocos toma en una sola actuación. Este es un proceso muy útil que te da la opción de tomar las mejores piezas de cada una de tus garrapatas cuando estás componiendo cualquier instrumento, debes pensar en las pequeñas cosas que son parte de su carácter y asegurarse de que no se queden fuera. Un buen ejemplo de esto es cuando estás componiendo voces, debes notar que agregas las respiraciones a tu pista compilada. También debes notar no dejar fuera los ensayos y así sucesivamente. Dicho esto, durante el proceso de copia, puedes empezar a limpiar tus pistas y dejar fuera ruidos bucales o exceso de piezas de audio que tengan ruido no deseado en ellas. Si hay necesidad de lanzar voces correctas o cualquier otro instrumento, hágalo antes de mezclar, ya sea corrección manual o un plug-in de sintonización automática que necesite dejar de mezclar para hacer estos correcciones podrían romper tu concentración y matar tu vibra. Las pistas podrían tener ruido no deseado grabado a ellos, ya sea por pieza defectuosa de equipo o por problemas de electricidad que pueden haber ocurrido cuando se rastreó la música. Si ese es el caso, debe recortar las pistas hasta el punto donde solo se pueda escuchar audio relevante. Esto también es útil cuando el ruido es débil porque si sí tienes un procesamiento en una pista, se volverá muy evidente. Por lo que es mejor lidiar con estos temas antes de empezar a mezclar relaciones de fase e instrumentos multimedia pueden marcar una gran diferencia en la etapa de grabación, estamos haciendo todo lo que podemos para asegurar la correlación de fase. Pero a través de la computadora después del hecho, podemos mejorar en gran medida la precisión y por lo tanto obtener mejores fuentes con las que trabajar. Si no grabaste las pistas, debes asegurarte de que los instrumentos multi-pista tengan relaciones de fase saludables que no dañen el extremo bajo o los tambores de madera serán el ejemplo más claro, ya que hay muchos mikes a distancias variables, me gusta mantener mi fase de bombos positiva por lo que el audio empuja el altavoz hacia afuera cuando golpea después, me aseguro que ese es el caso en los gastos generales y bombo cerca Mike. Yo uso eso como mi punto de referencia e ir pista a pista, asegurándome de que esta correlación de fase inicial funcione. Algunas personas se detuvieron allí, lo cual es justo. Pero si quieres, puedes ir un poco más profundo. Estos son el bombo, la caja, y los canales superiores de un conjunto de batería. Se puede ver que la fase en este hit de bombo es positiva en todas las pistas, por lo que están en fase. Pero si acercas, puedes empezar a ver que el cierre de mi canal aparece un poco antes que en los gastos generales. Esto tiene sentido ya que el micrófono cercano está físicamente más cerca del bombo y por lo tanto recibe las ondas de sonido más rápido. Hay plugins que harán automáticamente diferencias de compensación y cronometraje. Pero si no tienes acceso a estos plugins, simplemente puedes arrastrar el audio hacia atrás y alinear las dos fases. Las diferencias pueden ser de cualquier cosa, desde sutil hasta no sutil en absoluto. Pero incluso estas ligeras diferencias hacen que el audio funcione mejor juntos y te ahorran de hacer un procesamiento innecesario. Es importante para mí señalar, sin embargo, que no hay tal cosa como algo correcto que hacer en el mundo del audio. Entonces si te gusta el sonido de la versión menos precisa o incluso fuera de fase, ve por ello. Lo único que sí recomiendo es hacer un esfuerzo por escucharlos a ambos antes de establecerse en uno u otro. Esto es relevante cuando envías pistas a un ingeniero de mezcla, es importante renderizar tus pistas desde el mismo punto de partida ya que es dudoso que puedan adivinar dónde se supone que es una cierta pieza de audio. Entonces incluso si hay mucho silencio y atraer, necesitarás renderlo y exportar los archivos sabiendo que el ingeniero de mezcla no tiene cabida para el error respecto a dónde se supone que están pasando las cosas si estás mezclando por tu cuenta pero en un software diferente, este proceso sigue siendo necesario. No obstante, este paso se puede omitir si vas a estar mezclando en el mismo DAW, mezclar es un proceso muy intuitivo. Por lo que tener el control sobre la sesión es de suma importancia. Estar bien organizado hará que tu trabajo mucho más fácil y más agradable, y por lo tanto, probablemente mejor si estás mezclando una canción que no produciste, asegúrate de que las pistas estén en un pedido con el que estás familiarizado y etiquetado sencilla e intuitiva para que podamos encontrar pistas fácilmente cuando las busques. También me gusta tener marcadores y selecciones de bucle en el proyecto que me hacen saber dónde estoy en la canción y me permiten encontrar una parte específica rápidamente. Estas son cosas que me aseguro que estén ahí y claras antes de empezar a mezclar. Por último, si tienes una plantilla de mezcla, este es también el momento de importarla y asegurarte de que todo esté enrutado correctamente. Hablaremos de mezclar plantillas en mayor profundidad. Más adelante en este capítulo. 32. Pant mezcla, parte 2: Aquí te damos algunos consejos para que tu proceso de edición sea mejor y más rápido. Asegúrate de tomarte el tiempo para encontrar dónde están las características que mencioné en tu DAW y qué son atajos están jugando con el tamaño de las formas de onda te ayudará a notar el fino detalle de la pista de audio, como respiraciones, ruidos, y otra información silenciosa que será difícil de escuchar cuando se juega con una forma de onda inalterada. y alejarte te dará la capacidad de hacer ediciones más precisas, ya que realmente puedes precisar dónde estás afectando el audio. Si quieres ponerte cómodo con detalles realmente finos, necesitarás una vista completa del audio en el que estás trabajando. Además de acercar, puedes ampliar la pista en la que estás trabajando. Por lo que se necesita más espacio en tu pantalla ya que conseguir audio es probable que sea una gran parte de tu edición, poder acceder y utilizar esta herramienta de manera efectiva y eficiente es esencial mientras editas muchos archivos de audio, es casi seguro que estarás usando muchas desvanecencias, lo que tardará años en hacerlo manualmente. El uso de este atajo te permitirá trabajar mucho más rápido si cortas una pieza de audio y quieres que se rompa al bit más cercano de la cuadrícula. Puedes usar este atajo en lugar de arrastrar archivos con el mouse, puedes decidir cuántos latidos muestra la cuadrícula en una barra. Esto es útil si estás trabajando en latidos de nota 16 o cualquier otra medida. Pero a veces también quieres menos información visual en tu pantalla para que puedas cambiar rápidamente resolución de tu cuadrícula cuando estés editando audio, a veces necesitarás estar entre beats, averiguar cómo saltar rápidamente, entre ajustarse automáticamente a la cuadrícula y tener tu cursor libre te ayudará a hacer eso. 33. Pantes de mezcla: proyecto: El encargo para hoy es tomar un proyecto, editarlo, y prepararlo para mezclarlo en la carpeta R&B, hay una carpeta llamada tambores sin editar, importar toda la canción con los tambores y empezar a preparar. Empezaría con la correlación de fase y luego editaría el tiempo y el groove si sientes que es necesario, asegúrate de desvanecerte o crossfade cada edición que hagas, y asegúrate de que se desvanece. No repases transitorios. Por último, intenta utilizar los consejos mencionados en este segmento para mejorar su trabajo. 34. Monitoreo, parte 1: Estás monitoreando niveles o en otras palabras, qué tan alto tocan tus altavoces tienen dos impactos importantes. El primero está relacionado con un fenómeno que primero fue descrito por las curvas Fletcher Munson y ahora se describe con mayor precisión por los contornos de sonoridad iguales. Estos gráficos muestran la sensibilidad del oído humano a diferentes frecuencias en diferentes niveles. Como se puede ver, nuestros oídos están lejos de ser lineales y a medida que cambian los niveles, la percepción de frecuencia también cambia. Somos muy sensibles a las frecuencias de rango medio y nuestra sensibilidad a las frecuencias bajas aumentan a medida que los niveles aumentan. Esto plantea una pregunta muy importante respecto a nuestro trabajo, porque si confeccionamos una mezcla, sabiendo que sonará diferente. Si se juega en diferentes volúmenes. ¿ En qué volumen debemos mezclar? Mi respuesta es mezclar todos los volúmenes, pero veamos con mayor profundidad. Deberías acostumbrarte a un punto de partida inicial específico para tu perilla de volumen y familiarizarte con él. Se supone que este punto de partida te dará un cómodo volumen SPL cuando empieces a levantar faders. Eso también se traducirá con niveles de pico saludables al final de la carretera. Por ejemplo, con mi configuración, sé que cuando pongo la perilla de volumen en esta posición y levante el fader de bombo para golpear alrededor de menos diez dBFs. Se sentirá cómodo en la habitación y estará alrededor de 85 dB SPL. A medida que se suman canales, los niveles subirán. Diez dB es suficiente espacio para que puedas mezclar sin preocuparte por el recorte, asegúrate de establecer los niveles iniciales mientras escuchas la parte más ruidosa de la canción. Por lo que no terminarás quedándote sorprendido por el cambio de nivel desde el arreglo después se ponga este primer equilibrio, puedes saltar entre escuchar la mezcla en voz alta, escuchándola silenciosamente, y asegurándose de que funcione en cualquier escenario, será diferente y eso está bien, pero asegúrate de que no sea inferior cuando quieras afinar las bajas frecuencias, sube el volumen a alrededor de 85 dB SPL, porque como hemos visto en el gráfico, ahí es donde son los más planos. Lo segundo importante a tener en cuenta con respecto a los niveles de monitoreo es la fatiga auditiva. Nuestros oídos y cerebros trabajan constantemente y de hecho se están desgastando durante el día, sobre todo cuando se escucha en grandes volúmenes. Aquí, la fatiga conducirá a una alteración en cómo percibimos altas frecuencias y dinámicas, lo que a su vez nos hará hacer mal. Mezclar movimientos, tus oídos, aguante aumentarán con el tiempo, pero incluso los ingenieros bien experimentados toman descansos durante los días de mezcla y dejan de trabajar si notan que sus oídos están cansados. Así que nota a ti mismo que trabajar en una mezcla diez horas al día no te convierte en un profesional devoto, sino que en realidad daña tu trabajo porque desde cierto punto en adelante, solo dañarás tu mezcla. Detener por unos minutos cada 45 minutos o una hora ayudará tanto con la fatiga del oído como con la recuperar perspectiva sobre lo que ya has logrado. También debes terminar tu jornada laboral. Si los borradores que pensabas sonaban muy bien, repente aparecían aburridos y planos. Cuanto mayor sea el volumen que monitorees, más rápido se cansarán los oídos. El hecho de que podamos tener un altavoz tocando diferentes elementos del otro altavoz podría darnos un poco de una manera fácil de evitar, difícil de trabajar. Si bien el panning y el panorama son grandes herramientas artísticas, resumir tu mix a mono puede ser beneficioso porque cuando ambos altavoces tocan toda la sesión, realmente puedes escuchar si tu mezcla es espaciosa o desordenado. Otra razón por la que escuchar en mono es beneficioso es que tu mezcla se puede reproducir en mono desde un teléfono o altavoz móvil. Si quieres que tu mix se traduzca bien en estas circunstancias, debes asegurarte de que lo haga. Los estudios de mezcla suelen tener algunos conjuntos de monitores porque cada monitor tiene sus propias propiedades y mezclas de caracteres y referencias se asegurarán que se traduzca bien en una variedad de configuraciones. Puedes trabajar en un monitor de ancho de banda completo de bajo costo y luego saltar a un monitor más barato que carece tanto de máximos como mínimos. Para darse cuenta de que algo en el rango medio aún no está exactamente bien, estos pequeños monitores de gama media suelen ser considerados como una caja **** y se utilizan en estudios profesionales de todo el mundo. Los monitores adicionales son muy útiles cuando se mezcla, pero son de lujo que no todos pueden permitirse. Equilibrar tu pista y escucharlas a través de tu teléfono, laptop, altavoz, o cualquier configuración de lo-fi también será muy útil y se debe hacer incluso si tienes algunos monitores en tu estudio. También hay plug-ins como el comprobador mixto que te da algunos algoritmos de diferentes altavoces baratos. Puedes revisar tu mixin. 35. Monitoreo, parte 2: Cuando se reproduce audio en una habitación no tratada, las frecuencias pueden acumularse o cancelarse entre sí. Esto significa esencialmente que el audio que termina llegando a tus oídos no es el audio real que sale de los altavoces. Y como no se puede mezclar lo que se puede escuchar, el monitoreo de una manera es lo más importante a cuidar. Aquí te damos algunas piezas de información que son muy importantes de conocer y que te ayudarán a configurar tu propio estudio de mezcla. Y la mezcla sucede. El término punto dulce refiere donde estarán tus oídos cuando tu trabajo y se supone que es el punto más flattest grabando alteración de audio proveniente de la propia habitación donde colocas tus monitores en la habitación y cómo te posiciones frente a ellos tendrá un mayor efecto en lo que escuchas. Por lo que aquí hay algunos lineamientos para configurar tu punto dulce. Tus monitores deben estar configurados de una manera que creará un triángulo equilátero con tu posición de escucha. O en otras palabras, que la distancia entre usted y cada monitor debe ser la misma que la distancia entre los propios monitores. Intenta colocar tus monitores entre dos paredes que están construidas el mismo material y frente a la pared que se construye de manera consistente también. La siguiente directriz será colocar sus monitores a diferentes distancias desde la pared posterior, las paredes laterales, y los techos para evitar las frecuencias de picking extremo, que las frecuencias de picking extremo,también será útil tener la altura de los altavoces por encima o por debajo del centro de las habitaciones. Cada habitación tendrá sus propias frecuencias resonantes debido a su forma, tamaño y el material con el que se construye cuando se quiere encontrar un lugar inicial para iniciar sus habitaciones. El tratamiento acústico a sugiere colocar tus altavoces en un stand y tocar canción que sientes que conoces lo suficientemente bien como para notar alteraciones de audio y asegurarte de que tus oídos a la altura de Twitters o entre el Twitter y la warfarina es altura. Siéntate centrado entre las dos paredes que eligiste para tu punto dulce y crea el triángulo equilátero con los altavoces. En este punto, toca la canción a un nivel moderado e intenta notar lo agradable o descongelar que es la distancia actual. Después mueve los altavoces hacia atrás o hacia adelante en la sala, repitiendo el proceso hasta que encuentres un lugar que sientes que es neutral, ese será tu punto dulce. Si estás en una habitación pequeña, ten en cuenta que debes mantenerte alejado del centro de las habitaciones, ya que esa será la más problemática con respecto a los enfrentamientos de frecuencia. Los estudios de mezcla profesionales cuentan tratamiento acústico que asegura que la habitación no afecte el audio que sale del altavoz y dentro de nuestros oídos. Si tienes el privilegio y acceso a una instalación tratada, recomiendo encarecidamente mezclar allí y no en casa. Pero si estás empezando y aún necesitas entrenar antes de cobrar a la gente lo suficiente como para permitirte estos estudios, asegúrate de que tratas acústicamente tu habitación lo antes posible. Cada habitación requerirá un tratamiento diferente. Por lo que es prácticamente imposible dar una regla dura y rápida que se aplique a todos los espacios. Pero aquí hay cosas que debes conocer y puedes ayudarte con el tratamiento acústico básico de tu habitación y ojalá te acerques al punto de tu carrera donde puedes ganar lo suficiente contratar a un profesional para hacer el trabajo. El tratamiento acústico consistirá en absorción y difusión. Los materiales absorbentes serán espumas acústicas o paneles acústicos llenos de lana de roca densa o teléfonos delgados de fibra ayudarán a absorber frecuencias medias a altas, pero no serán de mucha ayuda con bajas frecuencias medias y graves. El propósito de la difusión es dispersar las ondas sonoras y difundir su energía en lugar de reflejarlas hacia atrás y hacerlas eco en la habitación. Esto resulta con una reflexión más agradable y una mejor sala de pie con menos picos y resonancias, rebotando y alterando tu punto dulce escuchando. Siguiente pieza importante de información es que base tiende a acumularse en las esquinas. Es por eso que muchas trampas de bajo generalmente rompen la forma de las esquinas y las salas de mezcla rara vez son cuadradas. Las frecuencias base no son tan direccionales como lo son las altas frecuencias, lo que significa que las frecuencias altas no se propagarán principalmente hacia la dirección en la que se proyectan. Es por eso que el sonido se vuelve más aburrido cuando te pones de pie frente a tu altavoz, en lugar de sentarte, si te paras al lado de tu altavoz, incluso se volverá más aburrido. Y si vas detrás del altavoz, principalmente escucharás bajas frecuencias. Estas frecuencias base que rebotan desde la parte posterior de tu altavoz están rebotando desde la pared hasta la habitación y tus oídos. Por lo que abordarlos también será un elemento importante para tratar su habitación. Para empezar, comienza con tratar los primeros reflejos de la sala, que son las paredes desde la derecha e izquierda de su altavoz, así como la pared trasera y el techo de arriba los oradores. Estos primeros ocho movimientos marcarán la mayor diferencia y definitivamente son un gran lugar para comenzar. Si oyes que hay una necesidad y puedes pagarlas por trampas de bajo y colocarlas en las esquinas para las paredes laterales y el techo, puedes usar espuma, pero como mencionamos, no serán tan útiles con frecuencia base. Puedes comprar un panel acústico o construir uno tú mismo usando cualquier tutorial de bricolaje en YouTube. Puede ser divertido y darle a tu estudio de casa un toque muy personal. Con este tratamiento mínimo, generalmente sugeriría usar paneles más que espuma porque generalmente son más efectivos. Pero de cualquier manera, asegúrate de que colocaste el material absorbente a una altura que colocará el altavoz en su medio, que entrará resultado con más absorción. Mi primera configuración de estudio en casa consistió en dos paneles DIY a la derecha e izquierda de los altavoces. Un panel pesado detrás los altavoces que podía manejar bajas frecuencias, dos trampas de base triangular en las dos esquinas detrás de los altavoces, y unas piezas de espuma que se pegaron a una placa de madera y colgado del techo con una inclinación. Por último, coloqué a difusores detrás de mí y la misma altura que mi cabeza, esperanza de que la frecuencia viene de la pared posterior se proyecte mejor a través de la habitación. Este no fue un estudio de mezcla ideal, pero definitivamente condujo a un mejor monitoreo y ciertamente genial para el tiempo y lugar en el que estuve en mi carrera. 36. PLANTILLA: Después de aprender cómo funcionan las herramientas, construir un flujo de trabajo y alguna lógica detrás tu enfoque de mezcla será el siguiente gran paso. Personalmente he invertido mucho tiempo en investigar y experimentar con enfoques de flujo de trabajo y mezcla. Y ahora presentaremos técnicas y conceptos con los que puedes experimentar y ver qué funciona mejor para ti. Estoy mezclando plantilla es un formato guardado que has adaptado a tus necesidades que puede incluir enrutamiento, configuración de plugins y configuraciones visuales para tus sesiones. Esto se puede importar a cada nueva mezcla en la que esté trabajando y darle una base buena sólida para comenzar con sus preferencias iniciales ya en su lugar. Una plantilla básica puede incluir buses o pistas de grupo para las canciones, secciones musicales con Envía listos para efectos preestablecidos como reverberaciones largas y cortas y retrasos todo pre enrutado al maestro bus cuando estos pocos canales de buey son importantes para la sesión, enrutar el audio a ellos y luego estás listo para ir. Pero esto incluso puede ir más allá. Por ejemplo, si sé que tiendo a usar disparadores cuando mezcle, puedo tener listo el plug-in de gatillo como parte de mi plantilla tanto para el bombo como para el snare, me encuentro usando procesamiento paralelo como compresión o distorsión bastante. Puedo establecer eso como parte de mi plantilla también. Y eso me salvará de abrir y enrutar estos canales cada vez que mezcle. Estas adaptaciones son infinitas y pueden ser moldeadas y adaptadas a lo que tu DAW tiene para ofrecer. Mi plantilla de mezcla incluye disparadores, procesamiento paralelo separado para el bombo y snare procesamiento paralelo para ambos, y procesamiento paralelo adicional a toda la sección de tambor cuando siento es necesario, entonces cada sección tiene su propia reverberación larga y corta, retrasos largos y cortos, y otra enviada a un plugin Weidner. Entonces cada sección se enruta a su propio bus tallo, que hace que explotar tallos sea muy fácil y rápido. Todos estos se pueden enviar a un compresor paralelo y reverberación, que siempre están ahí, pero los uso sólo cuando son necesarios. Todos los tallos y el procesamiento paralelo se enrutan entonces a un bus maestro que también está listo para su procesamiento si es necesario. He construido, cambiado y refinado esto en el transcurso de unos años. Y sigo revisando constantemente cada vez que surge una idea o cambio en mi flujo de trabajo, como he señalado algunas veces, velocidad mantiene fluyendo los jugos creativos. Por lo que trabajar en una plantilla propia vale la pena totalmente el tiempo e invertirlo. Puedes tomar cualquier idea que te guste y experimentar con ella para ver cómo se ajusta a tu flujo de trabajo de mezcla. 37. Mezcla de flujo de trabajo: Flujo de trabajo y mezcla se refiere tanto en el enfoque como en cómo se dividen las tareas de mezcla. Una de las primeras cosas en las que pensar es cómo comienzas tu mezcla para terminarla con niveles saludables sin voltear tu canal maestro. algunos ingenieros les gusta establecer un punto de referencia, como mencioné, el bombo y lo hacen golpear alrededor menos diez dBFs, por ejemplo, sabiendo que incluso después todos los otros instrumentos vendrán en, los niveles seguirán terminando por debajo de 0. Intenta terminar mezclas con niveles pico antes de menos tres dBFs. Por lo que habrá suficiente margen para una mayor manipulación del audio en el proceso de masterización si es necesario. Si lo que dije no está del todo claro, regrese al segmento de tipo nivel y medición en el capítulo de teoría de grabación. El primer segmento de monitoreo en el bufón de mezcla. Además de pensar en tus niveles iniciales, tendrás que pensar en qué canales empiezas tu mezclado. Hay algunos enfoques cuando se trata también de este tema. Es posible que hayas oído hablar de la mezcla de arriba hacia abajo, que es un enfoque que sugiere comenzar tu mezcla con el procesamiento de los autobuses maestros o grupales y conseguir tus mixtos puntos con pinceladas más amplias, por así decirlo, y una perspectiva macro. El otro enfoque vamos a estar empezando a trabajar pista por pista, tal vez partir de las canciones. canal de fuga puede ser la vocal o cualquier otro instrumento y sólo entonces añadir canal por canal y pieza del rompecabezas juntos. De esa manera, muchos mezcladores en realidad comienzan mezclando la sección rítmica, construyendo la base rítmica de la canción, y luego pasan a las voces o cualquier otro canal o sección que consideren relevante. Cada enfoque tiene sus pros y contras. Mezclar de arriba hacia abajo es más rápido que mezclar de abajo hacia arriba. mezcla de abajo hacia arriba te dará más familiaridad con las pistas de sesiones y tal vez conducirá a ajustes más precisos que el amplio procesamiento involucrado con el enfoque de arriba hacia abajo. Eso de nuevo, escuchar todo en contexto es muy importante ya que las pistas interactúan tanto musicalmente como con sus relaciones de fase. Por lo que de arriba hacia abajo podría darte una mejor perspectiva general. Como ves, no hay bien ni mal. Y sólo puedo compartir estos pros y contras y en enfoque que podría ser útil para tomar lo mejor de ambos. Entonces aquí hay una práctica que me pareció muy útil en el pasado y todavía me encuentro usando de vez en cuando. Si bien mi flujo de trabajo de mezcla actual es un poco más flexible, la práctica está separando el proceso de mezcla en tres etapas, correctivas, de arriba abajo y de abajo hacia arriba, comenzando con todos los faders hacia abajo, la etapa correctiva inicial comienza con una manera de abajo hacia arriba. Levantas faders uno por uno con el fin de crear un saldo inicial. Pero te acercas con la mentalidad de un ingeniero de grabación, aún no un ingeniero de mezcla. Se repasan las pistas, notando cómo los canales interactúan con su fase y tono, tratando de entender qué servicio de canal, qué propósito, e intentando diferentes variaciones de equilibrio. Inserta plugins a menos que estés realmente seguro de si son necesarios y si lo haces insertas algo debido. Así que pensando que estás creando una fuente en lugar de corregir una. En esta etapa, también puse mis efectos sastrería, reverberaciones, retrasos y modulación envía a cada sección de la canción. Entonces, después de haber terminado de crear estas fuentes y paleta de efectos, ya tengo un buen equilibrio y estoy muy familiarizado con las pistas de sesiones si no lo has hecho hasta este punto, este es un muy buen momento para tomarte un descanso y darle tus oídos un poco de descanso cuando regreses, dándote una pista de referencia, Alyson, esto recalibrará tus oídos y después de dar tu mezcla actual y otra escucha, tendrás más confianza en configurar el procesamiento del autobús si sientes que es necesario. Esto inicia la segunda etapa de arriba, abajo. Es importante tener en cuenta que procesar un grupo o una mezcla es diferente a mezclar pistas individuales, tanto técnica como artísticamente. Un ejemplo sencillo será que procesar un grupo requerirá un enfoque más ligero, más delicado ya que aparecen cambios de 0.5 dB en todas las pistas que proceses y no sólo una en esta etapa, también puedes tomar la decisión de establecer procesamiento paralelo en toda la mezcla si te encuentras gustando, esto concluye la etapa de arriba hacia abajo. Y así pasamos a la última etapa, que comienza con un movimiento muy sorprendente, arrastrando todos los faders de audio hacia abajo a menos infinito. Hacer esto después de todo el esfuerzo involucrado en las dos primeras etapas podría sonar contraintuitivo, pero puedo decirte que esta fue una adición increíble a mi flujo de trabajo de mezcla. Y a veces repitió en una mezcla más de una vez. El motivo es que es como empezar desde cero con respecto a tu perspectiva, pero con fuentes increíbles, efectos personalizados personalizados y procesamiento de bus personalizado para tu sesión, que es una base increíble para iniciar una mezcla de. Si me preguntas, a medida que reequilibran las pistas, intenta pasar por alto y estoy pasando por alto lo que ya has hecho en la primera etapa solo para asegurarme de que estos ajustes realmente están ayudando. Es posible que sientas la necesidad de adaptarlas aún más o decidir que no son necesarias en absoluto. Y después de que hayas terminado con el procesamiento adicional, toma otro descanso y toca la canción desde el principio, establece el balance de la primera parte exactamente como lo quieres y luego toca todo el volumen de lectura de la trampa automatización, Efectos Envía automatización es algo que hago durante la mezcla porque tiene mucho que ver con el tono y movimiento emocional que tendrá la canción. Pero con eso dicho, en la última etapa de automatización de volúmenes, sí encuentro Efectos, Envía, y retornos. Teniendo en cuenta que después de dominar, se pondrán un poco más fuertes. Después de sentir como si se hace la mezcla, tomo otro descanso y vuelvo y doy la canción y escucho. Esta es una posición muy interesante para estar, ya que has decidido que está hecho y estás listo para imprimirlo, pero aún tienes la opción cambiarla si decides hacerlo. Mi sugerencia es que no cambies nada. Tus oídos ya están fatigados y tu perspectiva ya se ha ido. Vuelve a ella mañana y dale una escucha cuando estés fresco. Esto resume los pocos enfoques de flujo que puedes y debes probar, experimentar y averiguar qué te resulta cómodo y qué te da los mejores resultados si lograste combinar los dos, se adhieren a ella. 38. Guardar, revisar: Hay algunas cosas a tener en cuenta cuando hayas guardado exportación y revisado o mezclas que te mantendrán al tanto de tu trabajo y podrían ahorrarte mucho tiempo. Deberías crear un sistema de nomenclatura para que puedas rastrear tu trabajo. Por ejemplo, nombro mi primera mezcla, bla, bla, mix v1, v de pie para versión. Y cuando reviso la mezcla, lo primero que hago es nombrarlo V1, 0.1, lo que significa que es el primer Mix, primera revisión. Entonces si decido iniciar la mezcla desde cero, lo nombro V herramienta y arranco las revisiones de nuevo, bla, bla, hace V2 0.1, etcétera. Tener un esquema de nomenclatura y asegurarme guardar Como cada vez es importante por dos razones. Primero es que realmente no quieres seguir trabajando en el mismo proyecto una y otra vez porque podrías descubrir que una de las primeras mezclas fue la mejor y no podrás recrearlo. Tener sesiones guardadas por separado te permite ver tu progresión y a veces puedes importar elementos específicos de diferentes versiones y usar lo mejor de unas pocas. El segundo motivo es que quieres saber cuántas veces has trabajado en un proyecto para los clientes y tus revisiones de registros son una parte importante de la etapa de mezcla, pero tus precios esquema podría incluir un número específico de revisiones gratuitas. Por lo que tener esta documentación le da la indicación de cuántas revisiones se hicieron y calibrar los precios en consecuencia. Mezclando mi puerta, te centraste en detalles tan pequeños que es casi imposible clavar 100 por ciento de la obra de una sola vez. Las revisiones son una parte importante de la mezcla, pero también pueden ser un proceso peligroso. Hay una diferencia entre una mezcla pobre que necesita otro objetivo y una buena mezcla que solo necesita revisión. Una obra de arte nunca está realmente terminada. Y así debes acercarte a las revisiones sabiendo que tu objetivo es terminar la canción que sientes que está casi completa. Si terminas, el artista está de acuerdo en que la mezcla es buena y solo necesita algunos retoques. Sugiero escuchar la canción juntos desde la parte superior y hacer una lista de las cosas que sientes que necesitan un aderezo mientras escuchas. Si pasas un día entero revisando, ya sea has arruinado buena mezcla o tal vez eres buena mezcla, así que no es tan buena. Después de todo, por suerte, has guardado el proyecto bajo un nombre diferente para que puedas volver atrás y decidir cuál es el caso. Antes de exportar tu mezcla, puedes poner un limitador en el bus maestro y empujar los niveles de la mezcla un poco más alto. Porque cuando mezclamos los niveles están por debajo de 0 dBFs. Tenemos que ganarlo para que el cliente no compare su mixto una pista dominada terminada y se frustre con el hecho de que los niveles son más bajos, pero no golpee demasiado al limitador porque alterará tu rango dinámico. Y sí quieres mantener la mezcla y el impuesto cuatro a cinco dB de reducción de ganancia debe ser el máximo que pases, agrega tu nombre a las exportaciones y etiquetarlas de una manera que se correlacione con cómo etiquetas tus sesiones. Esto te ahorrará confusión innecesaria. Y por último, no el procesamiento que has hecho por ello. Por ejemplo, bla, bla, no man mix, V1, limitador 0.3. La correlación te permite seguir fácilmente tus propios senderos si es necesario. Y tener tu nombre incrustado en el expediente es vez buena PR y una forma de demostrar tu afiliación con la pista. Si tristemente, terminas necesitando demostrar algo a alguien cuando exporte el archivo, asegúrate de exportar a la misma frecuencia de muestreo. También te mezclaste, asegúrate de exportar un archivo de 24 bits y como archivo estéreo y no mono dual, puedes exportar el archivo limitado tanto en MP3 como en wave. En ocasiones los artistas necesitan la mezcla, exportarla como tallos, que son exportaciones separadas para cada sección, los tallos se suelen utilizar para playbacks en shows en vivo para crear versiones remixtas o para necesidades de masterización de tallos, que es un proceso de masterización que funciona con una canción dividida dos tallos. En lugar de trabajar con un archivo estéreo, los artistas podrían tener diferentes solicitudes con respecto a cómo quieren que sus tallos se dividan. A lo mejor necesitarán los tambores de bajo y snare separados de todo el tambor. Stan, tal vez efectos separados significa las voces. Planeé mi plantilla de una manera que será fácil de acabar y hago más adaptaciones cuando son necesarias. Puedes decidir por ti mismo si la impresión tallos es parte de tu servicio de mezcla, lo que le dará un factor adicional de sobreentrega a tu nombre. Pero es un proceso que podría llevar algún tiempo y trabajo adicional. Por lo que se comenta cobran extra por la exportación de tallos. Si envía su mezcla a un ingeniero de masterización, debe exportar en otro archivo sin limitador y las propiedades de los proyectos señaladas a nombre del archivo. Por ejemplo, bla, bla, nómada mezcla V1, 0.32444.1. Esto les permitirá saber cómo deben abrir su proyecto para mantener la correlación con su esquema de nomenclatura, entonces podrá enviar tanto el archivo wav ilimitado como uno limitado como una referencia, si quieres, cómo eliminar afectado tu mezcla. Esto concluye el capítulo de mezcla. Entonces para el último segmento, quiero repasar mezclas. Lo he hecho y hablo tanto a través de los aspectos técnicos de la mentalidad involucrada en ellos. Combinar toda la teoría de la que hablamos con la práctica, tanto en cuanto a los enfoques técnicos como mentales que se plantearon es lo más importante a repasar. Así que lleguemos a ello. 39. BirdSchool (Familiarízate con la canción): Santo y encuentra el amarillo que nos rodea como Kevin, cuando perdonaste las preguntas. Santo. Molly y mi refresco, color flotante y Baby Yoda. Yoga, meditación, masturbación y pan horneado realidad tiene alguna forma. Confusión sistemática problemática vive en la realidad en tu cuerpo. Y punto desencadenante que el riñón no puede. Misión versus deficiencia, un pequeño, eficiente como profundo, un auto venenoso. ¿ Cuál es realmente el camino real? ¿ Me está diciendo qué me ahogará la selección de emoción? Llegar a este tipo? Entonces alguien dijo, las flores florecen donde deberían. Incluso cuando el concreto está seco, cuando todo está hecho. Podrías recoger y bajar y nunca dejarte leerlo por gravedad con trámites y cortesías y cuánto miedo o tú, cuánto preparado. Esta misma cosa vas a llevar en carroña. Ya sabes, tienen un plan razonablemente tipo que alguien está en casa o que muestran incluso cuando el concreto está seco. Todo lo es todo. Todo es el horizonte de eventos siendo, por así decirlo, perdido en un heno polvoriento como ****? La humanidad queda varado en tiempo presente. Desprovisto de un futuro visionario. Una isla en un mar de atemporal igual que las ganancias conociendo Registros de adivinación, electrolitos, dilación. La tradición traza el camino. Realmente no hay ningún lugar al que ir. Nunca hubo. El medio para el final que se nos dice que recordemos es de hecho un ****** uno. Nuestra constelación, el impulso al borde de pasar tendencia hacia un futuro nostálgico. Sería casi trágico si no fuera tan **** gracioso. 40. BirdSchool: descripción general de la mezcla: Ahora que estamos familiarizados con el arreglo, podemos sumergirnos en la mezcla, volveré a mencionar que mi objetivo es exponerte a herramientas y técnicas. Por lo que podrías ver plugins con los que no estás familiarizado. el segmento se mencionan los nombres de los plug-ins y puedes buscarlos si alguno de ellos capta tu atención. Hay algunos enfoques a la hora de mezclar tambores. El primero es usar la sobrecarga y compañeros de cuarto para el tono general de los tambores y usar los micrones cercanos solo para dar forma a tono transitorio y suave. Y el segundo enfoque es utilizar los micros cercanos para la conformación de tono dominante de los drones y utilizar la sobrecarga y las habitaciones para usuarios recién caídos. Porque estos gérmenes fueron grabados para una canción diferente que requieren diferentes Sonics. Importaron estos tambores solo por su parte, pero no por su sonido, requería bastante para traerlos donde quería que estuvieran, y algunos métodos muy no conservadores. La pista principal que utilicé como sobrecarga son en realidad las habitaciones que no usé. La chaqueta de arriba simplemente no se adaptaba a esta producción. Y originalmente suena así. Y ahora con el procesamiento, bastante extremo, lo sé, vamos a pasar por esto paso a paso. Lo primero que he hecho fue domesticar aquí lo más alto. Y al parecer hubo una resonancia que me molestó. Estoy asumiendo que he insertado esto después, he insertado esta distorsión. Se puede notar que la distorsión trae mucha agresión y un poco la comprime. Estoy usando esto más como compresor. Vamos a pasar por alto el ecualizador de pre distorsión, y al omitirlo mientras la distorsión está encendida para notar cuál es el efecto. El tipo superior de aparece y está desequilibrado. Y más que nada, creo que esto se adapta al tipo de texturas R&B más que nada. Entonces hay una instancia de basura, que es otra hermosa distorsión y filtrando la fuente antes de que vaya al saturado o que veo es bastante violento y luego comprimirlo. Muy bien, así que vamos a darle una escucha a esto. Probablemente llegó el primer AQ después de haber insertado basura porque las altas frecuencias son salvajes y realmente trae agresión y aprieta emociones completamente diferentes de esta pista. Entonces he insertado un curso, que no es algo muy común que hacer sobre una sobrecarga. Pero veamos qué hace esto. Como habrás notado, la perilla de mezcla es de marcado hacia abajo al 14 por ciento. Y lo que siento que hace es que crea más dimensionalidad y más profundidad. No es realmente notable, pero sigue haciendo un muy buen trabajo después del curso, estoy poniendo un fasor. Esto es treinta y dos por ciento mojado. Escuchemos esto. Esto es un poco más notable y sí crea este movimiento en el espectro de frecuencias que podemos sentir y escuchar. Y por último, esta dq. Entonces estoy filtrando estas frecuencias de la información lateral, lo que significa que toda mi baja energía, estaremos en mono. Entonces también estoy filtrando desde todo el panorama, 90 hercios y abajo, y domesticando las altas frecuencias. Nuevamente, escuchemos esto. Tipo de juega con otra vez, la estética que se adapta al campo de lo-fi R&B y donde se coloca al niño dentro de la habitación se siente diferente. Ahora, nota que esto se siente como si estuviera más cerca de nosotros y la habitación es un poco más pequeña. Y estoy enviando a un Weidner el estudio D para crear más dimensionalidad. Escuchemos esto. Esto es bypass. Esto ensancha el sonido es en realidad otro curso. No estoy usando esta pista mucho en toda la mezcla. Como se puede ver, es menos. 38.5 dB en los versos y los coros. Creo que lo automatizo un poco más alto porque hay más símbolos. Pero en esta mezcla, he usado los micros cercanos y disparadores como los elementos principales del kit de batería. Así que vamos a la patada. En realidad no he usado la patada grabada en absoluto. Y la razón es, como mencioné, esto fue grabado para una canción diferente que requería una sensación diferente y tonos diferentes. Así que he usado el reemplazo de tambor. Este es mi plug-in de disparador favorito actual. He insertado dos muestras de disparadores. Este es el primero. Y este es el segundo. Ambos juntos. Ahora escuchemos cómo interactúa esto con la pista equivocada. Están haciendo el levantamiento pesado y simultáneamente, hay una cadena paralela del bombo. Se puede ver que estos dos son enrutados a estos dos canales auxiliares y se está distorsionando para luego filtrarlo. Entonces escuchemos con y sin esta cadena paralela le da solo un poco más de peso. Estamos de acuerdo a las tramas. Ahí está esto y esto y oh dios mío, he pasado por mucho con estos estrechos canales. El snare original es esta. Esto se distorsiona en todas las etapas posibles. En realidad grabamos esta pista específica a través de un preempto tan vintage. No tenía una perilla de volumen ni fader. No creo que lo hubiera hecho si lo hubiera rastreado hoy. Pero de todos modos, esto tiene mucha sangría hi-hat. El sangrado hi-hat fue realmente, realmente acentuado por este procesamiento y tuvo mucho impacto sobre todo el surco. Así que a partir, he cortado todas las sub frecuencias que estaban en auge sin ninguna buena razón, nueve comprimidas usando este hermoso Compressor, Hagamos una prueba AB. Por lo que podría haber notado que el sombrero alto un poco se acerca al pico de las trampas. Además de eso, hay dos disparadores de snare. El primero es esto, y el segundo es esto. Estas dos muestras son mucho más bajas que la caja original. Estos cuatro canales están todos enrutados a este bus snare. El motivo es eventualmente después de hacer este equilibrio entre estos canales individuales, solo quiero un fader que pueda considerar como mi canal snare. Lo que he hecho es en primer lugar, insertar esta hermosa como un plugin celular. Así que estoy subiendo tres dB a las ocho K, pero con una campana, el clásico movimiento SSL es levantar ocho k con el estante que estoy usando el vientre era más punzante. A continuación un diseñador transitorio, quería más ataque. Escuchándolo de nuevo, realmente no me encanta, pero es realmente importante tener en cuenta que las cadenas de señales se construyen juntas. Podríamos entender lo que esto está haciendo sólo para cuando terminamos toda la cadena de procesamiento. Luego está esta instancia de Saturno, que es una multi-banda saturada. Este es un tipo cálido. Estas son todas cintas viejas y esto también es o cinta. Ya veo, lo principal que he saturado es esta banda media baja. Veamos qué está haciendo esto. Genial, le da mucho peso. Y el amado cassette de boceto al tipo de siente como si estuviera bajando el tono de la trampa, está dando un peso aún más. Se puede ver que estoy degradando un poco la calidad de la cinta de cassette y lentamente saturando la señal al empujar hacia los circuitos que hace que los sustantivos se marquen un poco hacia abajo. Entonces otra instancia de basura, hay algún filtrado pasando. Nuevamente, atenuando las frecuencias, empujando en altas frecuencias. En el módulo de saturación, estoy usando saturación de cinta, luego convolvo cada vez tan suavemente, 5.6 por ciento mojado. Quiero escuchar lo que esta convolución está haciendo. Esto está dando algo de peso en las frecuencias más bajas y luego comprimiendo. Escuchemos todo. El fader general de la mezcla se marca hacia abajo alrededor del 50%. A continuación, estoy atenuando, supongo que esta es la fundamental y algunas frecuencias de rango medio. Escuchemos esto. Da la snare tipo de distorsión chocada berserk, que me gusta usar a veces como compresor. Entonces este tipo de trae de vuelta el punzón bajo. Y como se puede ver hasta ahora, y todavía tenemos un plug-in más, pero siempre hay este juego de como dos pasos hacia adelante, un paso atrás hacia adelante, un paso atrás, y eventualmente llega donde lo queremos. Por último, está este transformador omega, esto modela un nuevo transformador. Después están estas dos muestras para apoyar la caja de una vez y un tiempo. Vamos a darle una escucha a esto. Es sólo una muestra de un aplauso de la que filtré las bajas frecuencias de un ensamble de vidrio roto, cual filtré muchas de las frecuencias altas y las bajas frecuencias de. Es solo agregar otra textura. Por último, esto se envía a una distorsión paralela. Estoy usando la distorsión de preservar. Hay bastante distorsión EQ. Se puede ver que estoy usando ecualizador dinámico aquí que está empujando estas bajas frecuencias hacia arriba cada vez que golpea la snare y luego post distorsión en cola con filtrado de las bajas frecuencias de los lados porque quiero las trampas, bajas frecuencias realmente centradas. Y estas son frecuencias no tienen nada que ver con trampas. Escuchemos esto insertado. Es realmente sutil, pero sólo se siente un poco más mezclado y se envía a un retraso. Escuchemos lo que está haciendo este retraso. Acabo de enviar esta cantidad, así que es realmente, muy gentil. Sólo para darle un poco más de dimensionalidad. Escuchemos con ellos esta trampa, basada en disparadores. Estoy enviando todo el kit de batería a este compresor y añade tanto punzón como peso. La compresión paralela hace bastante. Por último, la lengua de suelo, que también es un gatillo, no sentí que el piso original sirve a la intención de la canción. Entonces este es el Trigger que he insertado. Esto es en realidad del gatillo Steven Slate. Lo último genial que puedo compartir contigo sobre los tambores es el phis que en realidad nunca he hecho antes. Ahí está este alboroto que se automatiza. Veamos lo que esta fuerza está haciendo en la parte C. Muy violento, muy cool. Pasando a la base. Originalmente, suena así. No demasiado emocionante. Antes de que haya hecho algo, he insertado una puerta que acaba de limpiar el ruido que viene de la grabación y un LA a una, que es un gran compresor, pero también un poco satura el sonido. Vamos a darle una escucha a esto. Le da un poco más de carácter, y luego lo he dividido en dos canales auxiliares. El primero maneja las frecuencias muy bajas que quería que tuviera la base. Y el otro se ocupa de las altas frecuencias. Empecemos con uno más bajo. Entonces realmente quiero que se controle la base. He insertado otra LH, que hace esto, trae alguna rejilla. Realmente me encanta lo que está haciendo esto. Y por último, un compresor multibanda que reacciona a ciertas notas más que otras. Y de nuevo me ayuda a mantener la base en su lugar. Entonces con el canal alto, me estoy divirtiendo mucho. Lo primero que estoy haciendo es otra puerta porque voy a estar distorsionando el **** fuera de esto y filtrando las bajas frecuencias. Entonces estoy empujando el himen y filtrando todas las frecuencias muy altas. Así es como suena. Entonces he insertado el estudio D, que toma la fuente de ser mono a ser estéreo. Ahora que tengo este canal estéreo, estoy distorsionando el **** fuera de esto con un ajuste muy, muy extremo. Entonces estoy insertando este EQ, que me ayuda a dar forma a dónde está la energía. Entonces creo que esta gama se guardó un poco para las almohadillas y los tambores. Entonces filtré esto y veamos qué está haciendo esto. Mantiene la energía un poco más alta que el cassette de boceto, que veo estoy conduciendo la entrada de. Entonces va a sumar más saturación, Algo más agresividad, y luego domesticar los máximos. Y justo estableciendo donde quiero que esté el foco de la energía. Tan muy baja fi. Y luego lo estoy enviando a otro estudio, DT lo tengo aún más amplio. Y con el mejor canal, mucha energía. Así que de nuevo, sin procesamiento, Escuchemos esto dentro la pista y el amarillo que nos rodea como Kevin, 24-siete. Muy wimpy comparado con sanar a nuestro alrededor como Kevin cuando presentó pregunta. Mucha diversión. Las guitarras acústicas al principio suenan originalmente así. Y después de algún procesamiento suena así. Estoy usando el decapitate o un ajuste que es cassette de boceto de texto, que es una forma diferente de cinta, cassette y las reservas. Por lo que se puede ver que hay tres colores saturados diferentes en estos dos canales. Y luego algunos AQ. Esto es bastante salvaje. Veamos qué está haciendo esto. Sólo un poco lo hace más bajo. Phi saca los mínimos y máximos , mejora el rango medio. Esto es automatizar. Oh Dios mío, Wow, lo que el ****. Esta es una hermosa, vamos a ver dónde entra esto, donde entra esta automatización. ¿ Verdad? Entonces hay este descanso antes del curso. Aquí es donde entra este entorno. Por lo que tenemos este sonido al principio. Y en el descanso, es esto. La guitarra eléctrica tiene un sonido bastante horrible para empezar, así que necesitaba patearlas una muesca. Este es el tipo exigente de guitarra. He insertado sketch go set, el viejo con la comp NR, que es un compresor muy violento y es muy, muy brillante. Y he añadido un poco de wow y aleteo que son fluctuaciones en el tono, que están haciendo esta herramienta. Muy vibrante que algunos EQ. Simplemente realzando la foto cada vez tan ligeramente. Estas guitarras o yo tengo aquí. Veamos cómo suenan antes. Bastante wimpy. Lo que estoy haciendo aquí es algún EQ, no demasiado, alguna saturación de la consola de saturación. Y luego está este compresor, supuestamente un compresor de pedal de guitarra. Y esboza esto de nuevo con el compresor comprometido. Y después de dos compresiones y algo de saturación, pasa de dos. Se puede ver que hay cantidades masivas de compresión pasando. Ahora, estas son las cosas ambientales de la intro. En realidad no hay nada demasiado interesante. Ligera distorsión. Ya sabes, nada mucho, pero las partes interesantes vienen en este camino. Este camino originalmente suena así. Y después de haber trabajado en ello, poco a poco. Entonces lo que he hecho es filtrar los máximos y mínimos, montones de distorsión y jugar con el tono aquí, haciéndolo un poco brillante. Mucha energía que otra forma de distorsión. Estos dos son tubos calientes. Esto está justificado, pero no estoy saturando esto en absoluto. Veamos qué está haciendo esto. Aporta más energía en las bajas frecuencias. Y esto nota cómo esto suena mucho más cerca cuando se atenúan las frecuencias altas y bajas frecuencias y se mejora el rango medio. Se siente realmente, muy cerca. Entonces lo estoy enviando a algún retraso, algunos más solo para que lo escuches. Y el truco es muy rápido LA Times, pero bastantes comentarios. Y he invertido algún tiempo en buscar el estilo correcto y algunos Weidner, el estudio D, me encanta este plug-in. Observe lo que esto está haciendo es agregar mucho nivel pero también mejorar el ancho estéreo. Esto es lo único que tenemos en el primero, en el coro, tenemos este pad. Que llegó así. Gran almohadilla de sonido. Sólo quería un poco más gradualmente. Por lo que otro catéter distorsionando el **** fuera de esto. Agregando mucha arena que atenuar las bajas frecuencias y una protuberancia en el himen. Después está la búsqueda y viniendo del piano. Y veo que está reaccionando sólo a un rango de frecuencia muy específico. Bueno, escucha cómo interactúan los dos en un momento. Otro EQ, que es automatizado, automatizó esto para darle más vida a esto y un cassette de boceto. Esto apenas degrada la calidad que toma de ser muy hi-fi a ser muy baja phi. Y ahora veamos cómo ayuda esta compresión desde el piano. Esta mezcla solo le da más espacio. El piano tiene sólo un EQ. Veamos qué está haciendo esto. Es sólo un poco esponjoso sin él, y sólo tiene frecuencias un poco más altas con él. El Mellotron también tiene simplemente sencillo EQ filtrando las altas frecuencias porque queremos dejarlas a las voces y los tambores y también buscando desde el bombo. Y ahora escuchemos cómo interactúan todos los elementos de la reproducción en el curso. Y antes de ir a la voz principal, hablemos del sentido solista que entra en puente antes del segundo verso. Entonces tenemos estos dos sonidos. Entonces el primer sintetizador, solo estoy filtrando los mínimos y máximos. Y se lo lleva de esto a esto. Tipo de mantiene este overtone y check, entonces estoy haciendo esto lo que parece un poco contradictorio, pero es una forma de filtro muy diferente. Es como si estuviera haciendo esto. Veamos cómo nos ayuda el segundo filtrado. Me gusta lo que está haciendo. Entonces chorused, mezclado. Ahora al 43% de las vibraciones de los ochenta, esta cinta Plugin hace que las cosas suenen mejor cuando se empuja hasta donde puede llegar. Y por último, alguna atenuación de las altas frecuencias. Esto, por otro lado, está pasando por un poco más de procesamiento. Hay esta extraña forma EQ que he hecho después de que la he distorsionado. Entonces hay otra vez, una instancia de basura sin ella suena así. Por lo que le da unas bolas. Y luego cuando lo pre EQ y le digo a qué frecuencia quiero abordar. Este es uno cuando distorsiona pre EQ y post-agudo cumple roles completamente diferentes. Entonces este pre-agudo dijo la distorsión, esto es lo que quiero que satures. Y el post-agudo un poco me ayudó a darle forma más. En otras palabras, pre cue es el comportamiento. Y el post-agudo te ayuda a dar forma al tono de ese personaje que creaste. Sólo quería más peso en las bajas frecuencias que este transectos, lo que ayuda a acentuar transitorios. Vamos a la voz principal y luego hablaremos de procesamiento de las voces de respaldo también. como mencioné en la etapa de arreglo, la vocal principal se extiende por cuatro canales diferentes, cuales se procesan de manera diferente. Hablemos primero del 1 limpio, la fuente no es demasiado buena, para ser honesto, estaba mal registrada debido a diversas circunstancias y sola. Suena como este infinito santo a nuestro alrededor como el cielo. 24-siete de preguntas. Hay mucho medio bajo. Fue realmente difícil lidiar con estas voces. Tiene una voz muy alta, así que filtré muchas de las bajas frecuencias y luego empecé un vendaje y señalando. Dónde están estas frecuencias que son tos, nasal, tipo de frecuencias nasales bajas. Entonces estas son las frecuencias que he atenuado sosteniendo el infinito a nuestro alrededor como el cielo, 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento. Y luego un compresor multibanda que es un poco más adaptable y que está reaccionando a las frecuencias Loman y de graves. Escuchemos este santo infinito. Nos rodearás como el cielo 21, sosteniendo el infinito a nuestro alrededor como el cielo, 24-siete de pregunta, realmente gentil, alguna atenuación más. Y luego estoy empujando las altas frecuencias pero no tengo dinámica. Así que cada vez que tiene un sonido S o Sure, entonces lo atenúa totalmente el infinito a nuestro alrededor como el cielo. 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento responde Wholly Moly santo molly y mi refresco. Luego está este retar que también está automatizado y entra y sale. Y vamos a escuchar esto cuando llegue. Más AQ filtrando estas desagradables frecuencias bajas sosteniendo el infinito a nuestro alrededor como Kevin, 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento respuestas. Ahí está este ecualizador dinámico, que vuelve a estar, un poco más vivo y reacciona a las cosas sólo cuando aparecen y no constantemente. Entonces vamos a AB ningún procesamiento. Y hasta este punto, sólo el infinito a nuestro alrededor como el cielo, 247, No hay preguntas. 0.05 por ciento respuestas, santo, infinito santo, a nuestro alrededor como el cielo. 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento la respuesta está sosteniendo, para ser honesto, si se registrara mejor, no habría necesitado hacer todo este procesamiento, pero vamos a seguir y ver cómo he abordado más esto. Después está este LA a Los Ángeles, que de nuevo es un compresor, pero tiene un tono realmente cool. Santo infinito a nuestro alrededor como el cielo. 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento respuestas, apenas hacer nada ni siquiera alcanza una atenuación dB, entonces está esta distorsión, que si la miras, ves que es bonita salvaje, pero en realidad la perilla de mezcla está abajo todo el camino y es automatizada cada vez que quería tipo de empujar una frase hacia adelante, automatizé esto y distorsioné las voces y otros EQ. Esto también está automatizado. Esto sube y baja durante la canción y le da mucho carácter y el éster porque sus S son duros, infinito santo a nuestro alrededor como Kevin, 24-siete de preguntas, 0.05% la respuesta es santo moly en ciertos puntos al borde de escuchar, pero no lo es. Luego está todo este autobús en el que todas estas voces se dirigen a y simplemente comprimirlo un poco dentro de 1176, luego hay un ecualizador más general, principalmente dirigiéndose a los S y estas frecuencias que me pregunto cómo suenan. Sí, desagradable. Y por último, calmar, que es un gran EQ, que aborda frecuencias resonantes que van y vienen, infinito santo que nos rodearán como Kevin, 24-siete de preguntas, 0.05 por ciento la respuesta está sosteniendo. Realmente ayuda a mantenerla y comprobar con las voces de respaldo. Es muy, muy simple ya que cualquiera de los filtros telefónicos son solo filtrado básico. Simplemente no quería que sobrepasaran la mezcla de ninguna manera. Y diferentes voces recibieron diferentes tipos de atención. Cada uno tiene un tipo diferente de textura sónica y eso ayuda al oyente a enfocarse. El hecho de que sean diferentes de la vocal principal simplemente hace que sea más fácil de seguir. Entonces hay tipo muy, muy distorsionado de ad libs. Y luego están los anuncios más limpios. Y luego está el grito. Esto es sólo nosotros gritando lo mismo cuatro veces. Acabo de duplicar la pandemia izquierda y derecha y rompí a un autobús sin procesamiento, suena así. Entonces he puesto alguna ecualización, alguna distorsión, molécula muy, muy suave. Y entonces sonaba así. Apenas actitud y lo mandó a reverberar, reverberación de cámara y retraso. Y eso lo hizo sonar así. Bastante simple. Todos estos elementos en mi plantilla van a tallos. Digamos que hay 1012 pistas de batería. Los sigo lentamente hacia un autobús de tambor que alimenta el tallo. Y lo mismo pasa a cada instrumento encendido. Entonces está el vástago del tambor basado en cuerdas de sello de armonía, voces de respaldo, voces, y efectos vocales. No todo el mundo está siendo procesado. Vamos a simplemente dar una escucha a los tambores y ver cómo el procesamiento del tallo, que es un poco de saturación, solo un poco de filtrado de las subfrecuencias. Y el filtrado de las altas frecuencias afecta al tallo de tambores se siente débil y sin mezclar antes. Y se puede ver que la saturación es una herramienta realmente, realmente fuerte. Lo uso más para lo que está haciendo en la dinámica que para recibir realmente saturación audible. Pero más que nada, lo genial que quiero mostrar aquí es lo que este suave filtrado hace a toda la pista. No pasa más de 1.5 dB. Es suave, pero en realidad está haciendo bastante. Esta atenuación realmente, realmente lo embala todo junto. Y algo increíble que he aprendido de mezclar esta canción es el impacto que tienen los medios bajos sobre el campo de proximidad de un instrumento para el oyente, este tipo hace sentir todo el kit más cerca que el tallo base tiene un poco de saturación. Y estoy filtrando todas las subfrecuencias sub y las dejo para el bombo. Esto agrega algún carácter y actitud. Lo mismo va a los tallos de guitarra y en las voces, hay un poco de ecualización, un poquito a 18 k, un poquito minúsculo a 2.5. Y estoy usando el pre a los circuitos. Esto está introduciendo saturación de preamplificador y luego algunos ajustes más. Digamos que sea esta financia a nuestro alrededor como Kevin 24-siete de preguntas. Finfinity a nuestro alrededor como Kevin 24-siete de preguntas. Simplemente un poco más brillante y más emocionante. Y entonces algo bastante cool que me gusta hacer es reverberación paralela a toda la mezcla y compresión paralela generalmente, pero en este caso, realidad estoy distorsionando paralelamente toda la mezcla. Escuchemos la reverberación de abajo a nuestro alrededor como Kevin ganando por siete de preguntas. Tal vez te rodees como Kevin ganando por siete de preguntas. Santo Moly. Me gusta lo que está haciendo esto. Es bastante sutil. A veces funciona, a veces no lo hace, no siempre uso esto y luego está este bonito saturado. Y vamos a escuchar con y sin el amarillo que nos rodea como Kevin ganando por 7.05. A nuestro alrededor como Kevin. Kevin, sin preguntas. Realmente me gusta lo que esto le está haciendo a la trampa. Es un poco agregando mucho peso a toda la mezcla. Esto eventualmente suma a este autobús mixto que en realidad ya está dominando. Y esto es más o menos eso. 41. Qué das (Familiarízate con la canción): Más despacio. Te encontrarás con demasiada frecuencia. Ellos no lo delatan. El lado izquierdo porque no les importa. Lo que saben es bastante malo. Mientras estemos quietos, nunca encontrarán escritura en las paredes. Sólo importa lo que le des. Desacelera tu corazón. Te encontrarás con demasiada frecuencia. El más rápido, no lo traigas de vuelta. Encontrarás que no hay nada que sea violencia ni este lugar. Sólo está haciendo algo mal, no solo cristianos. Estoy tan confundido. Sólo te importa lo que escuches. 42. Qué das: descripción general de la mezcla: Ahora que estamos familiarizados con el arreglo, podemos sumergirnos en la mezcla, volveré a mencionar que mi objetivo es exponerte a herramientas y técnicas. Por lo que es posible que veas plugins con los que no estás familiarizado. el segmento se mencionan los nombres de los plug-ins y puedes buscarlos si alguno de ellos capta tu atención. Como mencioné, este es el patada de la canción, pero en la intro, tengo una patada de sonido diferente, que se envía a una reverberación bastante larga. Y filtré las bajas frecuencias fuera de porque no quería que sobrealimentara la intro. Y suena así. El procesamiento que he hecho aquí es leve saturación usando el transformador Omega y filtré las bajas frecuencias. Este canal no pasa por ningún procesamiento por sí mismo, sino que se enruta a un autobús. Hay compresión de cadena lateral desde la trampa, y estoy atenuando ligeramente las subfrecuencias. Escuchemos cómo suena esto sin este EQ. Simplemente se siente un poco más equilibrado. Estas subfrecuencias solo dominarán tu bus maestro y eventualmente requerirán más limitantes cuando dominas. Así que acabo de decidir hacer esto en la etapa de mezcla. El motivo por el que hay compresión de cadena lateral proveniente de la caja es porque el término base está jugando cuatro en el piso. Cuando la trampa golpea, simplemente no es tan necesario tener todo este peso juntos. Escuchemos las trabas con la patada. Ahora es posible que no notes una gran diferencia cuando miras esto. Pero si saltamos a nuestro autobús maestro y quitamos el limitador, observe dónde los niveles pico alcanzamos cuando se omite el tal y la compresión. Entonces tenemos menos 16.6 y ahora que tenemos la compresión de cadena lateral, por lo que hemos ganado un dB y medio más o menos de volumen. Y no hay sentido de compresión porque la trampa es el centro de atención. Esto resultará con menos compresión proveniente del limitador en la etapa de masterización y simplemente será más agradable. Sí pienso en dominar cuando estoy mezclando, sobre todo en producciones electrónicas. Hablemos de las trabas. Tenemos dos muestras. El primero suena así, y el segundo suena así. Se puede notar que la primera es nuestra trampa principal y es electrónica. Y el segundo un poco trae el sonajero de las trampas en un tambor acústico. Y te mostraré cómo llegué ahí. El snare de muestra original suena así. Lo he saturado usando el transformador Omega modelo n, que emula un transformador de knave. Esto le da mucho peso y peso innecesario. Así que he usado este EQ, tipo de equilibrado la frecuencia fundamental de la caja, y que al parecer resultó con demasiadas frecuencias altas. Así que he filtrado un poco las altas frecuencias. Escuchemos lo que está haciendo esto. Escuchando esto y solo, se podría pensar a sí mismo, ha arruinado la trampa. Bueno, en cierto modo tienes razón, pero estás muy, muy equivocado porque nadie escucha tu mix y solo. Tengo tocando el bombo y el papel que juega snare en el contexto de toda la canción no requiere de todas estas bajas frecuencias. Después de este EQ, he insertado otro modelo y saturado o qué tipo de enfoca la energía de medicamentos más altos a minutos ligeramente menos altos y la comprime aún más. Con el segundo escenario, estoy haciendo un procesamiento un poco más violento, sin procesar, suena así. Y procesado. Suena así. Te explicaré por qué en un minuto, pero antes, te explicaré cómo lo primero que he hecho es atenuar las altas frecuencias y este bajo humor. Entonces lo he distorsionado ligeramente nuevo con el omega n. estoy asumiendo que compré el plugin alrededor del momento en que estaba mezclando la canción. Así que acabo de experimentar con él tanto como pude. Como mencioné en la última instancia del FirstName, esta especie de enfoca la energía un poco más bajo en el espectro de frecuencias. A continuación, tenemos el increíble 1176. Estoy usando todos los botones, modo N, que es compresión extrema, y empujando la entrada extremadamente. Entonces sí le da mucho chasquido, pero más que nada, solo mantiene el traqueteo snare más tiempo y crea este largo el k que luego balanceé usando un diseñador transitorio. Entonces lo que he hecho aquí es bajar lo sostenido porque fue simplemente demasiado largo y no me sirvió rítmicamente. Escuchemos juntos los dos canales y, o bypass y en bypass los dos procesos dinámicos. Simplemente puedes escuchar estas frecuencias altas algo naturales que vienen. Y lo último que hay que señalar es que la primera trampa está siendo enviada a Plate Reverb, que no es demasiado corta y luego filtrada o la UCIN, estoy cortando 130 hacia abajo, la trampa marchando. Y la parte C es algo que programé con Midea y sin procesar. Suena así. Con procesamiento. Se puede recordar que el inicio del puerto marítimo es muy abierto y no hay muchos elementos. Entonces esta reverberación larga está bien, pero si el poder fuera más denso, no lo habría enviado a una reverberación tan larga en esta cantidad. Lo primero que estoy haciendo es cortar todas las frecuencias y atenuar algunos medios bajos. Entonces lo estoy clasificando usando basura. La basura es una unidad de distorsión bastante fría por isótopo. Ahí está el módulo de basura que es la saturación. Entonces lo estoy filtrando. Estoy agregando un poco de frecuencias altas y estoy usando una reverberación de convolución. Es como si el sonido se grabara en un casco. Y luego estoy agregando algún retraso. Escuchemos lo que está haciendo la basura. Por lo que está agregando mucha emoción y la distorsión un poco la comprime y las notas fantasma o simplemente más aparentes en la mezcla. Entonces lo voy a empezar de nuevo con el conmutador. Estoy usando el estilo pentose y lo estoy distorsionando extremadamente, pero marcando la perilla de mezcla. Esto trae el sonido de la sala de la grabación que tuve que pasar por unas cuantas etapas de saturación. Y en general solo estoy degradando su calidad de audio y voy a explicar por qué en un segundo. Originalmente suenan así. El primer plugin que estoy agregando está saturado o por un cerebro, siempre tan ligeramente saturándolo. Simplemente lo hace un poco más oscuro. A continuación, estoy usando tubos blandos, cinta adhesiva y me encuentro que va a ser bastante. También corta las tendencias en un poco más y acerca la descomposición lentamente a los cerdos. Por último, estoy filtrando todas las frecuencias altas. Y entenderemos por qué hice esto solo en contextos. Entonces escuchemos esto. Por lo que estas altas frecuencias penetrantes no sirven realmente a toda la sensación vintage por la que iba. Simplemente escogen demasiado. Y con este procesamiento, pueden sentarse mejor en la mezcla. Intento no solizar cosas porque realmente te puede alejar de lo que es lo que necesitas hacer. Y a veces al mezclar, solo degradas algo hasta cierto punto para que deje espacio para otras cosas. En cuanto al accidente, solo estoy filtrando pocas frecuencias de resonancia y luego la trampa inversa y el tono cambiando un quinto y usando este plugin para crear algo así como una reverberación. Observe cómo el sonido sin este login y ancho. Realmente no sé cómo y por qué esto está haciendo esto, pero lo es. Hablemos ahora del bajo, que está pasando por algún procesamiento muy interesante. Cuando estábamos trabajando en esta pista, alquilamos un estudio que tenía una base horrible en ella. Y en realidad he necesitado sintonizarla auto en la etapa de mezcla porque simplemente no quedaría en sintonía por mucho tiempo. Y después de la sintonización automática, he insertado dos bases y emulaciones. Veamos qué hace cada uno. Esto es sólo el primero. Y aquí está con el segundo. Por lo que le dio más actitud y tipo de enfoque, el ataque de rango medio de la púa donde lo quería. Y entonces lo que he hecho es enrutar este canal base a estos envíos auxiliares. El primero, podría haber notado, lo estoy llamando base baja y filtrando todas las frecuencias altas hasta 150 hercios. El motivo por el que estoy haciendo esto es porque quiero que mis frecuencias de graves estén centradas y en control y limpias y enfocadas. Y sabía que quería distorsionar las altas frecuencias y tenerlas a los lados. Después de este filtro, he puesto compresor multibanda, que reacciona unas notas más que otras y mantiene mi base y cheque, vamos a escuchar esto. Podrías haber notado que sin ella, las frecuencias base eran demasiado dinámicas. Y como mencioné, los quería muy concentrados. Y por último, acabo de atenuar esta frecuencia que actualmente me molestó. Entonces tengo que canales altos. El primero es para los cursos y los otros cuatro versus la razón es que he creado un sonido de bajo en el inicio de la canción que funcionó bellamente. Y luego en el verso es simplemente dominado y agarrar demasiada atención? Y hizo difícil escuchar al cantante. Entonces empecemos con el de los cursos. Lo primero que he hecho es filtrar las bajas frecuencias y filtrar este rango, que es el pick. Al parecer no me gustó demasiado, pero se puede ver que es un ecualizador dinámico y reacciona a la fuente cada vez que algo simplemente pasa por la borda. Entonces la razón por la que este filtro no está en 150 hercios es aparentemente siguiente plugin, que es una emulación de la distorsión de la rata. Estoy asumiendo que lo que pasó es que toqué alrededor con el filtro para dar forma a lo que la distorsión realmente está reaccionando a eso resultó con este sonido. Entonces he insertado cosidas, que es un gran plug-in que ayuda a manejar resonancias que son desagradables pero no estáticas. Sin ella sólo está fuera de control. Es un poco demasiado salvaje. Y después de haber insertado otro EQ, esta vez el filtro se coloca alrededor de la misma frecuencia en la que filtrolas frecuencias altas y el canal bajo y continué las frecuencias altas y el canal bajo dando forma al sonido de graves. Así que de nuevo, podrías estar pensando para ti mismo, ¿por qué está arruinando la fuente? El motivo es que tengo el canal bajo, que contiene todas las frecuencias bajas que quiero. No necesito más bajas frecuencias en el canal. Yo sólo quería frecuencias altas. Y lo último que estoy haciendo es hacer que esta fuente mono estéreo usando Microsoft. Y con el mejor canal. Esta división del bajo es un truco realmente genial. Y repasemos lo que estoy haciendo en el Vs. Apenas un poco más leve en este canal, la única variación es que hay un poco más de distorsión que la primera, pero hay mucho más filtrado pasando. Entonces vamos a altas frecuencias que son duras y están tomando el espacio del cantante principal, luego el BQ, otro EQ, que está filtrando más de las bajas frecuencias. Y Microsoft, lo último que debe notar sobre los bajos que se envía a la reverberación bx 28th spring, que está automatizada, y solo aparece al final de la canción. Entonces cuando termina la canción, termina con el bajo en descomposición. Observa lo que sucede en este fader. La reverberación primaveral crea de inmediato esta sensación vintage y se ordena esta producción bellamente. El synth bajo no tiene nada pasando excepto este filtro y ligera atenuación en 187 hercios. No hay necesidad de hacer nada extremo. No te bendigas, hazlo mejor. Dicho esto, haz lo que necesites para llegar a donde quieras ir. Ahora, las guitarras, que están pasando por un procesamiento muy, muy extremo, estas guitarras fueron grabadas directamente en la interfaz de audio y sin ningún sonido de procesamiento como este. Lo sé. Lo primero que he añadido aquí es guitarra rig, que tiene primer módulo, el gabinete AMP naranja y Marshall, que creó este sonido. Entonces un preset de basura, que es muy, muy violento, pasando por otra reverberación de convolución y algo de compresión y retraso. Entonces por qué no otra distorsión. Nota al margen, esto es recorte, que es otra forma de distorsión. Hay prácticamente para grados de distorsión en esta cadena de procesamiento. Y por último, reverberación de primavera, porque de nuevo, vamos por una sensación vintage y se adapta a esto bellamente. Ahora estamos hablando a continuación. He dirigido estas dos guitarras a un autobús, y lo he hecho EQ. He añadido algunas medias altas y filtradas todas las subfrecuencias porque cuando estás extremadamente saturado Algo, a veces resulta con esto. Estas son frecuencias apenas están tomando espacio de mis niveles generales y no son necesarias ni audibles. Así que los he echado después este EQ que he usado para modelar tonal, estoy usando este EQ, que he automatizado para crear este efecto. Y lo último que estoy haciendo es automatizar el botón de silencio para no tener la decadencia de la reverberación y tener este efecto de vacío. La automatización es una parte muy importante de una buena mezcla. Da vida a mezclas, crea mezclas más dinámicas y es algo que debes invertir algún tiempo y pasar a la guitarra, que en realidad suena como una guitarra. Es bonito pero algo bidimensional. Por lo que he insertado esta instancia de una emulación 610. 610 es una consola legendaria construida por Bill Putnam, el fundador de Universal Audio. Esta consola cuenta con circuitos de tubos y aunque no funcioné con la consola analógica, me encanta la emulación. Lo hicieron sin importar cuán cerca o lejos esté de lo original. Lo que estoy haciendo aquí es un truco bastante genial en el que empujo mucho nivel en la consola y luego bajo la salida así que estoy conduciendo o sobreconduciendo todo el circuito y creando alguna distorsión. Me gusta mucho, Escuchemos esto. Creo que han hecho un muy buen trabajo emular la distorsión del tubo. Se siente un poco más tridimensional y trae el sonido de tono un poco más allá. Y luego estoy comprimiendo la guitarra suavemente con esta emulación 1176, dos a una proporción. Por lo que esto mejora aún más el sonido de tono. Pero algo interesante que quiero señalar es que he marcado el lanzamiento a un escenario que se queda lo suficiente para que el sonido no se sienta ahogado, pero sí atenúa este molesto bajo, frecuencia media que solo sostiene demasiado tiempo. Intenta notar esto. Es muy sutil. Podrías haber notado eso, quizá no lo hayas notado, pero realmente me gusta lo que está haciendo esto. Por último, lo estoy enviando a una reverberación placa que lo empuja hacia atrás en la mezcla. Si este fuera el único camión en la mezcla, preferiría seco, pero no tiene un papel muy importante. Por lo que lo empujé hacia atrás para dejar espacio para lo que quería en el frente de los micrófonos. Pasando a la, ya que el jumbo está pasando por este EQ, que es esencialmente parte de toda la agenda que ya has conocido en los tambores, que está haciendo las cosas un poco baja fi. Lo que estoy asumiendo que sucedió aquí es que empecé a rodar las altas frecuencias con el estante alto, y eso resultó con unas pocas frecuencias que se desprenden. Por lo que necesitaba atenuar estos un poco más quirúrgicamente. Entonces como supuse, solo lo degrada y lo hace un poco más low-fi, pero de una manera controlada que no perfora nuestras orejas. Entonces lo estoy enviando a una reverberación digital. Todos son digitales, pero esta es una emulación de la primera reverberación digital, en realidad la EMT a 50. Lo he puesto para que se descomponga durante un tiempo bastante largo. Entonces lo estoy enviando a curso y otro curso, esencialmente, que es macro turnos, vamos a escucharlo seco y luego ver cuáles son los efectos en. Gran jurado, más grande, más ancho, y más vintage tú el B3, estoy usando la cinta de tubo suave otra vez, un montura para en el ajuste base, pero esta vez lo he configurado a 15 IPS, entonces estoy haciendo cola él. Nada mucho. Ahora, muy dramático, solo modelado suave entonces ese sintetizador de plomo ambiental, estoy usando Sketch case2, que es un plug-in increíble, excepto por solo agregar este tipo de casete tipo de tono, estoy agregando algunos Wow, Que es, que es relativamente lento fluctuaciones y pitch. Y luego estoy filtrando todas las frecuencias altas por supuesto. Entonces cuando estaba sin procesar con todas estas altas frecuencias se siente simplemente delgada. Y cuatro, y teniendo toda la alta frecuencia se filtra, el sonido un poco más enfocado en el rango medio, hizo que se sintiera un poco más cerca. Este sonido se envía a un retardo de ping pong establecido en octava notas. He elegido el recuerdo hombres estilo Santos a cobol tiene muchos estilos para elegir. Y sí busco. Traté de ser muy preciso con mis amigos Joyce, la línea y el último coro también está pasando por cinta y solo está siendo extremadamente filtrada tanto en los máximos como en los mínimos. Escuchemos esto sin procesar y procesado. Y así de nuevo, se puede ver que el rango medio tiene mucho que ver con lo cerca o lejos sienten las cosas antes del filtrado por el que se siente y cuando se filtra solo se siente más cerca y más poderoso. No es necesariamente el caso siempre, pero en este caso, definitivamente es la línea en el primer verso. También tengo extremadamente filtro. También filtro estas frecuencias que aparentemente eran resonantes y molestas. Y luego he insertado basura, que utilizo para distorsionar suavemente el sonido con saturación de cinta, luego filtrar las bajas frecuencias y comprimirlo ligeramente. Escuchemos esta fuente. ¿ Por qué más fresco? Sí, las frecuencias altas están sobrevaloradas. Entonces tenemos un canal sin procesar. Sólo lo estoy enviando a los dos cursos. No hay necesidad de hacer nada. No lo hagas. Quiero decir, estoy haciendo algún procesamiento extremo aquí, pero no es porque quiera procesar esto porque sentí que la fuente lo necesitaba cuando no siento que no hago nada. Pasando al siguiente arpegiador, estoy usando el cassette Sketch otra vez por su pozo y solo el sonido del cassette filtrando las bajas frecuencias, atenuando ligeramente las frecuencias altas, o no ligeramente en absoluto ampliándolo usando el micro turno. Así que de nuevo, acabo de arruinar la fuente para dejar espacio para otras cosas que sucedan. Saltando a las voces de respaldo, Hablemos de la pareja alterada formante. Lo primero que he hecho es filtrar las bajas frecuencias y estalla algunos medios altos en la unidad que simplemente marcar hacia abajo los formantes a casi menos cinco. Eso resultó con esto. Después empujó algunos medios más altos y insertó reverberación de resorte. Esto puso la fuente en el espacio y realmente plana, o eso se hace alguna compresión usando el 1176? Sigue siendo dinámico pero controlado de lo que he insertado y terminado con rodar todas las bajas frecuencias apagadas. En cuanto a las voces distorsionadas, estoy usando arena XAMPP, que es un hermoso plugin de stock que viene con Pro Tools. Tiene la saturación premium pasando. Y luego estos tres son distorsión de baja frecuencia, distorsión de frecuencia media, y distorsión de alta frecuencia, luego una unidad general y luego ecualizador bajo y alto. Esto tiene un tono muy específico y es hermoso y se le sigue con una DSLR porque los sonidos pulgadas y S simplemente se volvieron demasiado duros. Y veamos qué está haciendo esto. Estos fueron enviados a una reverberación placa. Lo cual es bastante largo, y eso es todo, solo modelar y controlar el tono. Entonces tenemos las voces gritando, sólo me importa lo que des, que se procesan con ecualización muy ligera, ellos más de 2.4 dB atenuación. Entonces tenemos basura distorsionando el bejesus fuera de ellos, filtrando lentamente las bajas frecuencias y empujando las altas frecuencias y agregando algún retraso. Y por último algunos los S adentro para asegurarse que la distorsión no nos tire de las orejas. Por último, se envía a un retraso de ping-pong con trillizos de nota de cuarto y mucha retroalimentación. Entonces, sin ningún procesamiento, suena como este gesto, lo que diste con la conformación tonal. Suena así. Hay algún retraso en el módulo de basura para recordarte. Y con un retraso de ping pong, escuchemos cómo suena y contexta esto. No es horriblemente obvio y frontal. Se pone justo en su lugar. Hablemos de la vocal principal. Hay un gran secreto en el acercamiento con el que llegué a esta vocal. Tuvimos una buena actuación con grabación de calidad horrible y necesitaba elegir si vengo con el enfoque de hacerlo tan hi-fi y grande como pueda. O por el contrario, meta para una sensación de baja fi. Y en lugar de compensar, simplemente halaga lo que sí tengo y ese es el enfoque que yo estaba yendo. Entonces lo primero que he hecho fue cuidar el efecto de proximidad que había en la grabación. Solo había medios bajos por todas partes. Fue realmente difícil lidiar, para ser honesto, después de equilibrar esto, he insertado otra instancia de ratas o crudas. Escuchemos lo que está haciendo esto. Desacelera el latido de tu corazón es la ciudad de los muertos. Te encontrarás sola con demasiada frecuencia. Esto hace obvio que el bajo financiamiento es intencional y es más una elección estilística que solo permite la grabación, que no es algo que se quiere que la gente sienta cuando está escuchando a tus canciones después de la distorsión, solo estoy atenuando ligeramente estas frecuencias, que me están molestando, y estas altas frecuencias que son apenas duras. Y también las bajas frecuencias que simplemente no son necesariamente ralentizan tu corazón. Cuenta es la ciudad de los muertos. Te encontrarás sola con demasiada frecuencia. Esto mantiene la distorsión de perforar nuestras orejas. Y adicionalmente, estoy usando holgazán para incluso controlar esto. Además, he marcado la mezcla al 81%. Desacelera el latido de tu corazón es la ciudad de los muertos. Te encontrarás bien conocido con demasiada frecuencia. Balance controlado. Está distorsionado, pero no es horrible. Y escuchemos esto en contexto y veamos cómo interactúa con el otro sonido. Desacelera tu corazón. Te encontrarás con demasiada frecuencia. No les dan un ****. Porque se ajusta al escenario, se ajusta al texto, se ajusta a la melodía, y funciona muy bien. Ahora, quiero hablar de automatización. Aquí se puede ver que los instrumentos armónicos pasan por bastante automatización. Esto es la automatización de volúmenes. Específicamente, después de haber terminado de dar forma al tono de los instrumentos en la mezcla, toco la canción desde el principio, equilibrios. Y luego a medida que toca la canción, trato de notar lo que sobresale y lo que simplemente se siente estático y necesito un poco más de movimiento. Esta automatización de volumen son cosas que invierto bastante tiempo. Y como pueden ver, voy a muy finos detalles aquí para asegurarme de que la vocal esté en lugar a lo largo de toda la canción. Y no hay ensayos ni guisantes que solo esten estallando y simplemente molestando a mis oyentes. También automatizo el sentido del efecto. Se puede ver que aquí tengo este tiro de reverberación. Escuchemos este escrito en las paredes. Estoy tan confundido. Trato de notar dónde o bien los textos o la melodía requieren más tensión y luego puedo enviarlo ya sea a un río, pero retrasar y darles mezclar más vida. Toda mi mezcla se resume a estos tallos. Ahí están los saltos a base de vástago de guitarra, etcétera Aquí, si siento que hay una necesidad, hago masterización. Y en esta mezcla, no hice mucho. Sólo hay E Q menor en la base y algún ecualizador en la voz, moldeándolo ligeramente. Y en realidad, lo último que está sucediendo antes de que soy x pasa por mi cadena de masterización estos dos canales paralelos que están haciendo procesamiento paralelo para toda la mezcla. Entonces tengo un río paralelo, que no estoy usando en esta mezcla. A veces uso, a veces no lo hago. Ahí está este canal paralelo, que generalmente se usan para la compresión paralela, pero en este caso, utilicé para distorsión paralela. Es muy, muy sutil. Siento que mantiene las cosas un poco más en su lugar. Agrega un poco de energía. Y así es como he mezclado lo que das. Espero que esto no fuera tan adelante para ti. En realidad se puede descargar esta canción con todos sus archivos y mezclarla tú mismo junto con canciones de otros géneros en los que puedes practicar. Hazme saber si tienes alguna pregunta y te veré en el sedimento dominador. 43. SkillShaer Outro: Oigan chicos, espero que esta clase fuera perspicaz para ustedes. Es realmente importante para mí señalar que conocimiento sólo puede traerte hasta ahora. Y al final del día, la práctica es lo que te llevará al siguiente nivel y te convertirá en ingeniero profesional. En mi curso completo, empieza a producir music.com. Además de los archivos de ejercicio, recibirás carpetas multipista de canciones de diferentes géneros, junto con acceso a una comunidad privada en la que podrás compartir tu progreso y recibir retroalimentación para tu trabajo. 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