Método del máster: pintura académica clásica

1. Introducción: Bienvenido a Pintura al Óleo con Steve Simon. Hay una variedad de formas de abordar la pintura al óleo en esta clase. Y en mi próxima clase, echaremos un vistazo a dos enfoques o métodos claramente diferentes El método que exploraremos en esta clase es el método original enseñado en academias establecidas durante el Renacimiento temprano Y prevaleció como el sistema dominante utilizado por los maestros durante tres siglos más o menos Por lo tanto, a veces se le llama pintura académica clásica o el Método de los Maestros. Es un enfoque sistemático que aborda las complejidades de la forma, valor y el color en pasos claramente diferentes Al abordar estos retos por separado se pretende simplificar el reto de la pintura y para el principiante minimizar la frustración. Toda la pintura prima, que exploraremos en la siguiente clase, es un enfoque mucho más rápido que aborda la forma, el valor y el color simultáneamente. Es el estilo de la pintura el que históricamente ha ganado tracción con el impresionista Muchos estudiantes principiantes están ansiosos por saltar directamente a la pintura All prima, atraído por su calidad más pictórica y su asociación con y su asociación Todo Prima es, sin embargo, por su propia naturaleza de abordar la forma, valor y el color simultáneamente, bastante desafiando el método de los maestros El enfoque de esta clase es, por lo tanto, un importante punto de partida para cualquier desarrollo de los pintores de aceite. Es decir, aunque te esfuerces por un estilo más pictórico, impresionista de tu trabajo y quien no, te recomiendo que desarrolles una raíz fundamental en los maestros presentados en esta clase En esta clase, estaré haciendo una demostración paso a paso de esta pintura usando este método monitoreado por el tiempo. Gracias por su interés y espero verle en clase. 2. Lección corta de historia: Primero una lección rápida de historia. La primera Academia de Arte Bona Fide fue fundada en Florencia en 15 63. Esta academia, y otras que seguirían, construyeron toda una pedagogía sobre cómo se debía enseñar la escultura y la pintura Esta instrucción fue bastante rígida y académicamente desafiante. Incluyó en profundidad el estudio de geometría, anatomía y una variedad de otras materias académicas. Hubo un esfuerzo distinto en su momento para establecer el arte como separado del artesano Los artistas iban a ser intelectuales, no obreros. Este arte académico floreció en Italia, eventualmente se extendió a Francia, y luego a toda Europa El arte renacentista, que había comenzado en Italia, dio paso al barroco, al rococó, al neoclasicismo, Pero a pesar de la evolución de estos movimientos, la técnica general de la pintura al óleo dentro estos movimientos se mantuvo relativamente consistente. Ahora, a la mayoría de los estudiantes dentro de las academias no se les permitió pintar hasta que mostraron un dominio avanzado Dibujando las formas de maquetas o estatuarias, como digamos esta estatua de las tres musas Se les requeriría quizás dibujar algo así desde diferentes ángulos. Y para poder renderizar con precisión la forma y el valor o sombreado mucho antes serían capaces de llevar pincel a lienzo y pintar Nuestra amiga aquí, Augusta. En términos generales, se consideró que la pintura tenía tres niveles fundamentales de complejidad, forma, valor y color. Por lo tanto, se deduce que el proceso de pintura debe estructurarse en consecuencia. La pintura tenía así una técnica de tres fases. Primero, dibujar forma o crear un underdrawing en el lienzo En segundo lugar, establecer valor a través un underpainting sobre el lienzo, y luego por último, aplicar color sobre la parte superior de ese underpainting Ahora, en el método clásico de pintura académica, el último paso de aplicar el color se hacía tradicionalmente en una serie de esmaltes translúcidos, en los que la pintura al óleo se adelgazaba con un medio aplicado, se dejaba secar antes de aplicar una capa posterior De esta manera, el color se construye en realidad sobre sucesivas capas translúcidas. teoría es que la luz se reflejaría en las capas inferiores y arriba incluso con un efecto disminuido para dar cierta luminosidad a las pinturas En aras de la simplicidad, no estaré presentando la técnica de la capa vidriada, sino simplemente aplicando una capa de color como nuestro paso final. Ahora, a lo largo de los años, hubo algunos renegados como France Halls y Rembrandt que desviaron de la idea de permitir que las capas se secaran antes de aplicar más pintura, usando la llamada pintura usando la llamada Curiosamente, fue un invento de un artista estadounidense llamado John Rand que abrió nuevas posibilidades Al respecto, Rand inventó el tubo de pintura plegable en 18 41 Antes de la invención de Rand, pintores molieron sus propios pigmentos, mezclan sus propias pinturas en un proceso que consume mucho tiempo sin medios efectivos para mantener las pinturas frescas. En pocas décadas, los impresionistas, con el beneficio de los tubos de pintura que ahora todos damos por sentado, ahora tenían la latitud para trabajar rápido y al aire libre Abandonaron en gran medida el enfoque por capas de los maestros que los precedieron y pintaron a la prima, es decir, al primer intento, a menudo creando pinturas enteras usando la técnica de mojado sobre húmedo. Esta es la técnica que aprenderemos en la siguiente clase. Hoy en día, encontrarás pintores de todas las franjas usando una variedad de métodos diferentes. Si eliges o no usar el método de los Maestros como tu método de ir a, depende de ti. Aprender este método, sin embargo, es muy recomendable ya que definitivamente desarrollarás tus habilidades como pintor. Personalmente, utilizo el método de los maestros para algunas pinturas y todas las Pm para otras. Y a veces como esta pintura, puedo emplear aspectos de ambos en una misma pintura. La conclusión es que la eficiencia en una técnica construye mayor eficiencia en otra. En el siguiente segmento de esta clase, presentaré el método del proceso de maestría usando ejemplos de mi propio arte antes de saltar a nuestro proyecto de clase, donde demostraré el método en una demostración paso a paso. 3. Teoría y ejemplos: Se trata de Bell Rock en Beautiful Sedona, Arizona, donde viví 14 años antes de mudarme a New Hampshire Mientras estuve ahí, pinté muchas rocas rojas y las publiqué en este libro de Sedona Al igual que con la mayoría de mis pinturas de paisajes, dibujo en múltiples fotos para armar una composición. En esta instancia, me gusta la composición general en la primera foto. Pedí prestadas las nubes de la segunda foto. Me gusta el tallo de la pluma y las flores en la tercera foto. Usando esas inspiraciones, luego tomo un palo de carboncillo y dibujo la imagen en el lienzo que estaré pintando desde la perspectiva del método de los maestros Ahora hemos abordado el primer nivel de complejidad, que es la forma, y logramos el primer paso, el underdrawing Habiendo abordado el primer nivel de complejidad, que es la forma, ahora nos enfocamos en el segundo nivel de complejidad, que es el valor con la imagen de origen primario. Como nuestra guía, ahora creamos este lavado monocromático. Para crear este lavado, adelgazamos nuestras pinturas con diluyente de pintura. Yo uso gam sal y después aplico la pintura como si fuera acuarela a la lona Ahora en este ejemplo, he usado el material fuente como mi guía, pero también estoy tratando de resolver ciertas relaciones de valor. Siento como, por ejemplo, las caléndulas del desierto y el primer plano, su verdor se está perdiendo en la estacada, así que voy a oscurecer De igual manera, siento que quiero que la butte del lado derecho sea más ligera para no competir tanto con Bell Rock, el centro de interés en la pintura de paisajes También estamos tratando de crear la ilusión de profundidad y variar el valor es una manera importante de lograrlo. La montaña y el fondo lejano se puede ver. También me he aligerado para permitir que retroceda más atrás en la pintura Abordando el valor de estas maneras, ahora logramos el segundo paso en el método de los maestros, el underpainting Algunos artistas solo usarán el negro y los tonos de un gris para esta capa, y por lo tanto a veces se le llama griz, después de la palabra francesa para gris De hecho prefiero usar una mezcla de siena quemada y azul ultramarino Y por lo tanto, no llamaríamos a este fondo grise, sino más bien una improvisación con forma y valor ahora firmemente establecidos, es hora de la cabeza al Color. El color, como sabemos, tiene el atributo no sólo de valor, sino también de matiz y saturación. Si sientes que necesitas una mejor comprensión del color o cómo mezclar el color, por favor revisa mi clase sobre la mezcla de colores. En este último paso de aplicar color, esencialmente estamos mezclando un color en nuestra paleta que tiene el matiz y la saturación que queremos que coincidan simultáneamente con el valor que ya hemos establecido en nuestro underpainting Ahora quiero señalar aquí una ligera pero importante inconsistencia Cuando se crea el underpainting , se crea usando un lavado Cuando ese diluyente se seque, la imagen en realidad aparecerá entre diez y 15% más clara ya que estoy aplicando color sobre la parte superior de la pintura inferior, lo estoy tomando en cuenta y en realidad aplicando color que es un poco más oscuro que el underpainting Se puede ver eso en la diferencia valor en estas dos imágenes. Echemos un vistazo a otro ejemplo. Tal vez recuerde esta imagen de mi clase sobre la mezcla de color. Se trata de Deganawta, Hiawatha Autotaro, un subdibujo de una pintura, pintura alegórica de lo que se conoce como la Gran Ley de la Paz iroquesa . Quizás te estés preguntando, ¿cómo en el mundo dibujarías eso alguna vez? Bueno, lo creas o no, en realidad posé para cada una de las figuras y luego monté la composición en Photoshop Aquí de nuevo, si no tienes mucha confianza en tus habilidades de dibujo, por favor revisa mi clase de dibujo para pintores, consistente con el método de los maestros. Una vez que hayamos terminado el underdrawing, es hora del underpainting Aquí de nuevo, he usado siena quemada, ultramar francés, y adelgazar estas pinturas con Gamsol para crear un lavado similar a la acuarela que he aplicado como he aplicado Luego, fieles a la forma, terminamos con nuestro tercer paso de aplicar el color, utilizando la suma de nuestros dos pasos anteriores como guías de forma y valor. Por favor, únase a mí en el siguiente segmento para nuestro proyecto de clase, donde juntaremos todas estas lecciones en una demostración paso del método de los maestros. 4. Proyecto Parte 1 - Subdibujo: Bienvenido al proyecto. Esta es una fotografía que tomé del Noble Lighthouse en York, Maine. Esta es la foto con la que vamos a trabajar en este proyecto. Aunque vamos a alterar un poco la composición, el centro de interés es, por supuesto, este complejo de faro en la isla. Quiero que eso figure de manera más prominente en la composición Entonces voy a acortar este término medio donde está el agua y también cosechar algo del primer plano este término medio donde está el agua y también cosechar algo del Lo he hecho en Photoshop y también usando la herramienta de clonar Photoshop. He movido el edificio rojo out con la bandera en él para mejorar también la composición. Ahora no te preocupes si no tienes Photoshop. Solo quería aprovechar la oportunidad para mostrarte que siempre puedes modificar tus fotografías para mejorar la composición También sabía que quiero pintar esta imagen sobre un lienzo de 12 por 16. Así que he recortado la imagen a una relación de aspecto de tres por cuatro Puedes encontrar ambas imágenes en la sección de recursos de descarga del área de proyectos y recursos de esta clase. Vamos a comenzar nuestro proyecto con un lienzo de 12 por 16 pulgadas. Y vamos a particionar ese lienzo en cuadrados de cuatro pulgadas, creando una cuadrícula de tres por cuatro. La imagen de origen que he proporcionado está idénticamente cuadriculada Esta grilla nos va a dar una referencia para que podamos dibujar nuestra composición con mayor facilidad. Para crear esto bajo dibujo, estoy usando carbón vegetal de vid y una goma de borrar necesaria Si te sientes un poco inseguro de tus habilidades de dibujo, por favor revisa mi clase de Dibujo para Pintores, que fue la segunda clase en este plan de estudios de pintura al óleo de diez clases A medida que creamos esto bajo dibujo, realmente nos preocupan las formas de los elementos que están en la composición. En otras palabras, estamos creando un dibujo de formulario y no nos preocupamos en absoluto por ningún sombreado Estamos usando nuestra grilla aquí para establecer lo que yo llamo PPO, es decir, proporción, ubicación y orientación Estamos empezando primero con las formas más grandes, estimando los elementos como formas grandes, y luego averiguando, ¿tengo la proporción correctamente, tengo colocada correctamente, está orientada correctamente ? está Y luego solo hacemos ajustes a partir de ahí. Y se puede ver cuánto nos ayuda la grilla en este proceso. Es mucho más fácil establecer la proporción, colocación y orientación de los elementos dentro de las cajas de tres por cuatro, luego está dentro del lienzo más amplio de 12 por 16. Adicionalmente, estamos comenzando con las formas de nivel más grosero, o las formas más básicas, y luego refinando a medida que avanzamos, agregando detalles dentro de las formas grandes a medida que avanzamos En esta composición en particular, es bastante importante ser bastante exactos con la arquitectura de los edificios de la isla, pero probablemente no tanto en estas rocas en la orilla lejana, o tal vez la espuma del mar en el agua, o incluso las rocas en primer plano Aquí tenemos el paso uno en el proceso, el underdrawing. Por favor, únase a mí en el siguiente segmento de video mientras abordamos el underpainting 5. Proyecto parte 2: pintura interna: Bienvenidos de nuevo al proyecto. Tenemos nuestro bajo dibujo completo y ahora es el momento de comenzar a trabajar en el underpainting Nuevamente, en esta etapa nos estamos enfocando solo en los valores Muchos artistas en esta etapa acabarán de hacer un griz tradicional, donde estamos usando solo el negro y los tonos de gris Prefiero hacer lo que llamamos una improvisación, que es usar tonos tierra y azul para el underpainting, específicamente la siena quemada Y luego utilizo Gamsol como mi diluyente para crear el lavado. La razón por la que prefiero usar tonos tierra aquí en lugar de solo tonos de gris, es que a pesar de que estamos enfocados en el valor en esta etapa, veces es útil e a veces es útil e instructivo para el siguiente paso cuando estamos aplicando color para tener al menos un poco de orientación de color Particularmente en áreas donde el fondo puede volverse un poco complejo o incluso confuso Sin estos toques de tonalidad de color al progresar a través del underpainting, generalmente es una buena idea comenzar primero con las áreas más grandes Esta es también nuestra oportunidad de hacer algunos ajustes a los valores que vemos en nuestro material fuente. Siento que el cielo está un poco demasiado oscuro, así que voy a aclararlo un poco, sobre todo hacia abajo hacia el horizonte Puedes ver que he empezado aquí en el cielo usando apenas el ultramarino francés recto y luego me muevo al agua, agregando un poco de siena quemada solo para diferenciarla un Sin embargo, es importante enfatizar que aunque aquí estoy jugando con dos tonalidades diferentes, que el foco está en el valor Estoy haciendo juicios sobre el valor que veo en el material fuente y bien tratando de replicarlo o modificarlo ligeramente de maneras que siento que mejorarán la pintura Cuando se trabaja con valor, también es muy bueno establecer tus luces más ligeras y las oscuras más oscuras relativamente temprano Ahora las luces más ligeras en esta composición son por supuesto, en el sol besan partes de la arquitectura y también en la espuma del mar Los oscuros más oscuros van a estar en esta zona de primer plano aquí donde Ahora estoy agregando esos oscuros más oscuros, entonces estableceremos otro lavado para las rocas mojadas que es casi idéntico en valor al A veces, si un color está muy saturado, como es el caso de los verdes aquí, puede ser un poco difícil juzgar con precisión el valor Si encuentras que este es el caso, es útil entrecerrar los ojos al color en el material fuente y luego entrecerrar los ojos al color que estás aplicando en el lienzo y tener una idea si están cerca del mismo También puedes colocar una escala de valor junto a tu material de origen y hacer el mismo ejercicio de entrecerrar los Si haces eso aquí, deberías ver que obtienes un valor de en algún lugar alrededor de 6.2 Y luego puedes replicar ese mismo valor en tu subpintura Por supuesto, no toda la hierba es un valor. También haremos algunos de esos sutiles cambios de valor en nuestro underpainting. Ya que el color del techo está tan cerca para quemar la sienna, solo voy a usar mi sierra quemada recta para representarla en el Haré lo mismo con otros tonos rojos de similar valor A partir de aquí, continuaremos trabajando en los detalles arquitectónicos antes de pasar a las rocas. De vez en cuando, te encontrarás con una situación en la que quieres aligerar un valor que ya has colocado en el lienzo Y para ello puedes usar tu pincel como una goma de borrar donde solo pones un poco diluyente en la brocha y usarla para levantar pintura También puedes usar una toalla de papel y usarla como borrador siempre que el lavado aún esté lo suficientemente húmedo Terminaremos acelerando a través del fondo de las rocas en la orilla de la isla y las rocas en primer plano Un par de toques finales a la hierba y al agua. Ahí tienes nuestro underpainting terminado. Por favor, únase a mí en el siguiente segmento de video mientras emprendemos el tercer y último paso de aplicar color. 6. Proyecto Parte 3: aplicación del color: Si estás pintando una larga enhorabuena, hemos llegado hasta aquí. Realmente hemos hecho dos cosas hasta este momento. Hemos creado nuestro bajo dibujo y nuestro underpainting que también podemos llamar nuestro grise En este punto, hemos abordado dos niveles de complejidad. El primero es la forma o forma de las cosas, ¿verdad? Y el segundo es el valor, o cómo son las cosas claras u oscuras. Realmente nos hemos preparado ahora para divertirnos en la etapa final donde solo estamos aplicando color dentro de las formas y para que coincidan con los valores. En esta etapa, probablemente queramos hacer un poco de inventario. ¿Hemos hecho las cosas correctamente? Hay cosas que siento que necesito agregar a esto en este momento, o ¿estoy listo para ir? Hay, por ejemplo, algunas formas que no he agregado, como la barandilla del faro Podría haber algunas cosas en mis valores y mi underpainting que podrían no estar exactamente bien, Pero puedo echarle un vistazo a esto y decir, es este un referente lo suficientemente fuerte como para que confíe en que en el paso final donde estoy aplicando color, pueda clavar esas cosas Realmente depende de ti en este momento. ¿Quieres hacer estos cambios ahora o estás seguro de que puedes lograrlo en la etapa final donde estamos aplicando color Eso realmente depende de ti en este punto. En este último paso, ya que estamos aplicando color, generalmente queremos trabajar de atrás hacia adelante. Entonces vamos a empezar con el cielo. Durante el paso del underpainting, uno de los cambios que hice fue en hacer el cielo un poco más ligero y realidad hacer que el cielo sea más claro en el horizonte y luego sutilmente más oscuro a medida que sube en el Vamos a estar comenzando en aproximadamente un 2.5 que parece, abajo alrededor del horizonte y luego oscureciendo sutilmente a medida que subemos al cielo En el horizonte, en su mayoría estamos usando azul y blanco ceriliano y luego agregando lentamente el ultramarino francés a medida que avanzamos La sutil gradación en valor y en tonalidad dará un efecto atmosférico a nuestro cielo que de otra manera no es evidente en la fotografía También voy a acentuar un poco las nubes. Me gusta la diagonal que crean y cómo equilibra la diagonal en la espuma del mar. Mientras pinta el cielo, estoy usando un pelo natural, filbert Estos ayudan a aplicar generosamente la pintura, pero como quiero que las nubes retrocedan en este ambiente, quiero pintar sus bordes suaves Para hacer eso, ahora estoy usando un plano sintético, que es más propicio para la mezcla. Una vez que estemos contentos con el cielo, podremos avanzar y comenzar a trabajar en el complejo del faro. Ahora la arquitectura tiene muchas esquinas y líneas cuadradas En lugar de usar la filbert natural que usamos en el cielo, que tiene cerdas redondeadas, vamos a usar un plano natural, que tiene cerdas planas Continuando usando nuestro underpainting como nuestra guía de valores, seguimos mezclando colores y aplicándolos al lienzo en consecuencia Ahora bien, este enfoque de tres pasos de hacer el underdrawing, luego el underpainting, y dejar que se seque, y luego finalmente, aplicar color es lo que llamamos un enfoque húmedo sobre seco Es decir, pintura húmeda sobre lienzo seco. Esto permite a los artistas crear detalles, bordes más nítidos y formas bien definidas A veces, sin embargo, no necesariamente nos interesan estos atributos. Como señalamos, algunos maestros históricos como Halls y Rembrandt, se desviaron del método académico que enfatiza la pintura húmeda sobre seca, y se atrevieron a pintar mojado sobre húmedo en esta pintura Echa un vistazo al bordado dorado en la chaqueta roja. Esto claramente ha sido pintado mojado sobre mojado. Y se puede ver el impacto. Hay menos capacidad para lograr el detalle. Los bordes no son tan afilados ni las formas están tan bien definidas. Pero Rembrandt claramente no busca esos atributos en esta área de la pintura Este es el mismo enfoque que voy a tomar en las ventanas. Las ventanas están lo suficientemente lejos como para no necesitar último detalle de cada panel de ventana y persiana. Solo vamos a pintar esto mojado sobre mojado primero, solo comenzando con una masa gris para la ventana en general, luego agregando algunas tonterías húmedas de blanco sobre nuestro gris húmedo para simplemente definir la ventana un poco más Además, no tenemos que ponernos demasiado al día de hacer esto exactamente bien. Habrá oportunidad de retocar esto más adelante. De hecho, en general, tenemos que ser conscientes de no agregar demasiados detalles a estos elementos que están bastante lejos de nosotros. Si añadimos demasiados detalles nos encontraremos como ideados. Y también traeremos estos elementos hacia adelante en el ojo de nuestra mente. Y esto sería contraproducente para nuestro deseo de crear un sentido de profundidad en la pintura De vez en cuando, puede encontrar la necesidad de apoyar su muñeca para evitar que su palma toque sobre la pintura húmeda. Para apoyar tu muñeca, puedes usar lo que se llama mal stick. Para mí, solo uso este taco largo de madera. Está soportado por mi caballete de madera arriba y lo estoy sujetando con la mano izquierda abajo Trabajo en algunos de los tejados aquí antes de avanzar hacia el área cubierta de hierba De nuevo, voy a utilizar un enfoque híbrido entre el método académico y la pintura húmeda sobre húmeda. Voy a usar el underpainting para establecer dos valores para esta zona cubierta de hierba Entonces vamos a volver sobre esta zona húmeda agregando algunos tonos oscuros y algunos reflejos también. Al igual que con nuestras ventanas, no hay necesidad de bordes afilados o detalles apretados aquí. Creo que Rembrandt estaría de acuerdo mojado sobre mojado está bien en esta zona Terminaré este edificio y luego pasaré a las rocas que sobresalen por la hierba, trabajaré en la barda junto a la casa, y luego definiré esta zarza A continuación es el momento de avanzar hacia la orilla rocosa. Empiezo con los valores oscuros de la oclusión. Las sombras o los pequeños rincones y recovecos resisten la tentación aquí de simplemente usar negro o pinturas grises para tratar de tener una idea de si estas sombras son cálidas o frías, o cómo quieres que se presenten. A mí me parecen geniales, los estoy pintando muy insaturados, azules oscuros y violetas. Las rocas crean un reto y una oportunidad interesantes. Aparecen en la fotografía como una masa de color relativamente homogénea. Esta consistencia de color es un poco poco interesante. Lo que vamos a hacer es amenizar esta zona introduciendo una variedad de tonalidades de color Los tonos medios, voy a pintar como azules y verdes fríos. Las áreas resaltadas voy a pintar como amarillos cálidos, naranjas y rojos Todavía voy a estar pintándolos los mismos valores que se prescriben en el underpainting Y las tonalidades serán apropiadamente insaturadas. Pero esta variedad en tonalidad le va a dar a esta zona alguna vibración de color deseable. Entonces me voy a acercar al agua de una manera similar a la que me acerqué a la zona cubierta de hierba Vamos a usar el underpainting para establecer dos valores diferentes de agua Y luego usaremos la técnica wet on wet para agregar un poco más de variedad en tonalidad y valor. También notas que estoy pintando el agua de un tono diferente al de la foto. Te explicaré por qué estoy haciendo esto en un minuto. Añadiendo algunos reflejos desde el faro y luego algunas olas salpicando a lo largo de la orilla El agua poco profunda que se mezcla con la espuma del mar un valor y matiz diferentes al agua que acabamos de Seguiremos adelante y lo estableceremos ahora usando una sutil variedad de tonalidades y valores Luego trabajaremos en las grietas oscuras dentro estas rocas húmedas usando principalmente violeta y azul aquí A medida que evalúo el área de las rocas mojadas, también siento que serían un poco más interesantes si hubiera un mayor cambio de tonalidad entre esta zona y el agua, voy a seguir adelante y renderizarla usando un poco más violeta. Una vez más, siempre y cuando sea fiel al valor establecido en el underpainting, puedo salirme al valor establecido en el underpainting, con la suya con estos sutiles cambios de tonalidad Seguiremos adelante y agregaremos un poco de azul usando nuestra técnica wet on wet solo para proporcionar un poco más de interés. Hace un momento dije que iba a explicar por qué cambiaba la tonalidad del agua. Para ayudarme con eso, voy a levantar mi rueda de colores. Si echas un vistazo al color que he pintado, las rocas mojadas, cae algún lugar justo por aquí en la rueda de colores. Si echas un vistazo al color del agua en la foto, cae sobre la rueda de colores justo por aquí. Entonces si echas un vistazo al color que he pintado, el agua, cae sobre la rueda de colores justo por aquí. Como pueden ver, el color que he pintado el agua está mucho más cerca del color que he pintado las rocas. Entonces el color fotografiado del agua es al color que he pintado las rocas Los colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores se llaman colores análogos, y crean armonía dentro del diseño del color. El color que he pintado, el agua, es más armonioso con el color que he pintado las rocas. Entonces el agua fotografiada es al color que he pintado las rocas incluso sin la rueda de colores Creo que esto tiene sentido intuitivo. Además, una vez que hemos tomado la decisión pintar las rocas mojadas, el color violeta, es muy difícil imaginar el color del agua de la fotografía coordinando con ese color violeta. Esta es una palabra para los sabios. Una vez que empiezas a moverte por tu color, tienes que tener cuidado en cuanto a cómo podrían armonizarse con algunos de los colores de los otros elementos de tu composición Bien, suficiente teoría del color. Volver a la demo. Ahora nos estamos moviendo al primer plano inmediato de las rocas secas. Y una vez más, comenzaremos con los oscuros más oscuros como las rocas de la orilla opuesta Se trata de rocas de granito. Podríamos estar inclinados a pintar diferentes tonalidades de paneles grises o algo así, pero claro que no vamos a volver a hacer eso. Vamos a trabajar algo de magia de color e insaturar una variedad de tonalidades diferentes para darle mucho más interés a esta zona Unos trazos más, y ahí tienes tu pintura de acabado. Gracias por acompañarme en esta demostración. Y si has estado pintando a lo largo, por favor no olvides enviar tu proyecto a la sección de proyectos y recursos de esta clase para que yo lo eche un vistazo y que otros alumnos lo vean. Gracias de nuevo y feliz pintura.