Mejora tus personajes: cinco técnicas para crear mejores diseños de personajes | Hayden Aube | Skillshare
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Mejora tus personajes: cinco técnicas para crear mejores diseños de personajes

teacher avatar Hayden Aube, Illustrator & Designer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introduction

      1:55

    • 2.

      Cliches

      7:08

    • 3.

      Questions

      7:17

    • 4.

      Exaggeration

      5:22

    • 5.

      Proportions

      4:29

    • 6.

      Dynamic Poses

      10:21

    • 7.

      Next Steps

      3:52

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

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Projects

Acerca de esta clase

Mejora tus personajes está diseñada para darles a los artistas de cualquier nivel herramientas confiables que puedan usarse en cualquier momento, con cualquier personaje para mejorarlo.

Ya sea que estés creando un personaje nuevo o volviendo a trabajar sobre uno viejo, esta clase te guiará a través de cinco técnicas fáciles de entender (pero difíciles de dominar) para tomar buenos diseños y hacerlos geniales. ¿No quieres aprender todas? ¡Está bien! Cada lección es independiente, por lo que puedes ir directamente a lo que quieres trabajar.

Resumen de la clase

  • Clichés: ¿cómo podemos salirnos de lo que la gente espera para crear personajes únicos?
  • Preguntas: ¿cómo podemos mejorar nuestros personajes incluso antes de que nuestro lápiz toque el papel?
  • Exageración: ¿cuáles son los aspectos más importantes de nuestro personaje y cómo podemos resaltarlos?
  • Proporciones: ¿qué relaciones de tamaño contarán mejor la historia de nuestro personaje?
  • Poses dinámicas: ¿cómo podemos reforzar el concepto de nuestro personaje simplemente cambiando su pose?

Recursos de clase

Meet Your Teacher

Teacher Profile Image

Hayden Aube

Illustrator & Designer

Teacher

Hayden here and I am an illustrator, designer and most importantly to you, teacher!

I am constantly hunting for the actions that will have me producing my best work possible--I assure you it's no easy feat. That's why my primary goal in all of these classes isn't to give you just any information, but only the information that's going to make the biggest difference in your work. Think of it as optimizing your artistic development ;)

So if you're looking to level up your skills in design and illustration, consider checking out my classes. I've gone to great lengths to keep them short and to the point so you can get the information quickly and jump to creating.

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Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Introducción: Hey chicos, mi nombre es Hayden, y soy ilustrador y diseñador gráfico y en la mayor parte del trabajo que hago, hay un tema subyacente y es que hice muchos personajes. Ahora, en una de mis clases anteriores, sube de nivel los colores. Caminé por un montón de técnicas para tomar diseños antiguos, y hacerlos mejores a través de algunas técnicas de mejora del color. Bueno, hoy vamos a estar haciendo lo mismo con el diseño de personajes. Eso significa que estamos repasando cinco técnicas, cada una de pie solo como una herramienta que puedes usar en cualquier momento para tomar un viejo diseño de personajes que sea bueno, y hacerlo genial. En cada una de estas técnicas, voy a estar explicándolo, y repasando la idea entonces te voy a estar mostrando cómo se aplica a un montón de escenarios diferentes y luego finalmente, en realidad voy a tomar uno de mis propios diseños personales, y lo voy a hacer mejor usando la técnica de la que estamos hablando y la belleza de esta clase es que si decides que solo quieres trabajar en una técnica, digamos posando, eso es todo lo que necesitas para reloj. Cada una de estas técnicas está sola, y no necesita los otros videos, por lo que puedes saltar directamente a lo que quieras ver. Dicho eso, sí recomiendo revisarlos todos. Independientemente de tu nivel de habilidad, si estás buscando una serie de técnicas que puedas aplicar a tus diseños de personajes en cualquier momento, entonces esta es la clase para ti. Saca unos viejos cuadernos de bocetos, encuentra algunos diseños que podrían necesitar algún trabajo, y lleguemos a ello. 2. Clichés: Con la primera y segunda técnica, realmente vamos a estar centrándonos en el concepto de tu personaje. Esto se debe a que se puede hacer el mejor trabajo de ejecutar, se puede hacer un personaje completamente hermoso. Pero si el concepto cae plano, entonces realmente no se va a quedar con la gente. Una de las mejores maneras de que se conecte con la gente es separarlo de lo que están acostumbrados. Cuando piensas en caballeros, piensas en armaduras brillantes y largas cerraduras doradas rizadas, cuando piensas en un ladrón te imaginas la máscara de esquí y todas las bolsas de dinero. Hay muchos de estos clichés en el mundo del diseño de personajes y una técnica realmente buena está tratando de evitarlos. ¿ Cómo vamos para evitar estos clichés? El grandioso es porque son lo predeterminado que hay ahí, mucho tiempo todo lo que tenemos que hacer es sentarnos y dibujar para que lleguen. Sea cual sea tu personaje, si solo te sientas y comienzas a dibujarlo, es muy probable que muchos de los primeros dibujos que hagas o al menos todos ellos de alguna manera vayan a tener algún cliché. De nuevo, brillante armadura para un caballero o tal vez es una damisela en apuros por lo que es delgada y flaca y asustada. Hay muchas de estas cosas en las que solo vas a pensar de inmediato cuando empieces a dibujar un personaje. Consideremos que es un pirata el que estás dibujando. Será muy sorprendente en tu primer par de dibujos si no hiciste cosas como patas de clavija, parches en los ojos, o poner un loro en el filtro. Eso se debe a que los clichés son clichés por alguna razón. Son las primeras cosas que pensamos. En ocasiones, todo lo que tenemos que hacer es sacarlos de nuestro sistema para que podamos pasar a ideas que son más únicas. Una vez que nos hemos tomado algún tiempo para dibujar lo que primero viene a la mente, podemos ralentizarnos un poco y enfocarnos en dibujar cosas que están fuera de eso. Una vez que tengamos un buen control de cuáles son esos clichés para el personaje que estamos dibujando, en realidad podemos decidir qué tan estrictamente o qué tan vagamente queremos apegarnos a ellos. Dependiendo del proyecto, posible que tengas que hacer muy obvio que estás dibujando un pirata. Es posible que aún quieras incluir algunas cosas que son obvias, es posible que quieras incluir un gran sombrero pirata, un cráneo, y una travesura en algún lugar, algún rasgo clave identificable. Dicho esto, siempre es útil apoyarse en el lado de apegarse holgadamente a los clichés porque ese es el camino hacia diseños más interesantes. Ahora, tal vez no estés tan de cadera con los clichés de lo que estás dibujando quizá sea algo mucho más oscuro que un pirata. Si no estás muy seguro de cuáles son esos clichés, nunca de verdad duele hacer una búsqueda de imágenes en Google y simplemente conseguir un sentido de esa manera. Si buscas una sirena, va a traer páginas de mujer pez escamada de pelo largo, esbelta, brillante. Eso te va a dar un buen sentido de la dirección en la que tal vez no quieras ir. Aquí hay un personaje que diseñé como parte de un reto diario y tema aquí era traficante de armas. Todo lo que realmente tomó fue un par de exploraciones sobre lo que era típico, que era, sí personas con gabardinas similares a lo que este tipo está usando. Pero vendían diferentes armas o armas de fuego, lo que normalmente se te ocurriría. Fue sólo después de que exploré por un rato que pensé, ¿y si un traficante de armas realmente vendía armas? Tan solo de eso, pude idear el concepto e incluso solo le dio un par de brazos extra él mismo para que realmente le pegara a casa. Creo que este es un buen ejemplo de cómo si empujas un poco más allá de tus conceptos iniciales, puedes llegar a algo mucho más fuerte y más único. Ahora, que se te ocurra la idea, vamos a aplicar esto a una ilustración existente un diseño de personaje antiguo que podría usar un poco de lifting facial. Aquí te dejamos un viejo diseño de un payaso que creé hace unos dos años más o menos. Creo que se ve bien, pero realmente es solo un payaso muy típico, no hay nada especial en ello. Lo que estoy haciendo en este momento es lo que no hice entonces y es solo para hacer muchos conceptos diferentes. Para cada uno, estoy explorando justo lo que me viene a la mente cuando pienso en payasos. Este primero de aquí, realmente me inclino en un payaso triste con algo del atuendo típico que los verías usando, así como el pelo estándar, el maquillaje alrededor de los labios, el maquillaje de ojos que es lo que estás viendo ahí. Desde el payaso triste hasta ahora, el malvado payaso amenazante es lo que estás viendo. Esa es otra de estos arquetipos típicos o una de las cosas que pienso en los payasos es como para algunas personas son bastante aterradoras y así siempre que realmente me enfoqué en eso e hice este mal cuidando sus dedos payaso. Incluso tomé el mismo pelo que el primer diseño, pero lo incliné hacia arriba para que parezca cuernos de diablo. Nuevamente, lo que estoy tratando de hacer aquí es apagar mi cerebro un poco no del todo, pero solo lo suficiente para dejar que salgan las ideas por defecto. De esa manera puedo tener una muy buena idea de lo que pienso son payasos, que es probablemente en lo que mucha gente piensa son payasos. Entonces una vez que tenga un buen agarre de lo que la gente está acostumbrada, puedo decidir cuál de estas cosas quiero mantener para que la gente siga entendiendo payaso, pero ¿de qué cosas quiero alejarme? Que parece un payaso muy único. Después de que hice un payaso triste, hice un payaso malvado. Ahora, acabo de hacer uno aburrido. Simplemente está lanzando un poco de confeti al aire al igual que “tada”, pero en realidad no le importaba menos. Aquí es donde algunas de las ideas se están poniendo un poco más interesantes para mí, creo que hay mucha historia detrás de este payaso en particular. Ahora, podría ser porque acabo de pasar mucho tiempo dibujando piratas pero este cuarto payaso, en realidad pensé en hacerlo como un payaso pirata. lo que habíamos pensado eso solo era pensar en payasos y luego globos y luego espadas de globo, entonces yo estaba como, “Oh, y si realmente se tomara en serio el uso de esta espada para defenderse de alguien”. Si bien utilizo mayormente el mismo atuendo en este personaje aquí que hice en el original. Es mucho más interesante porque tiene una emoción, está parado en una postura lista para la batalla y solo cuenta más de una historia que el diseño original donde simplemente está parado ahí con un pie, pero no es tan emocionante. Lo último que quiero mencionar mientras termino esto aquí es que cuando se te viene con conceptos como yo estoy aquí, no te preocupes demasiado por hacerlos lucir perfectos o tener un bonito dibujo pulido. De verdad solo quieres preocuparte por tu idea se cruce y luego pasar a la siguiente. Más tarde cuando decidas realmente quiero desarrollar esta idea entonces te preocupas de que realmente se vea bien. Es con eso, que podemos pasar a la siguiente técnica. 3. Preguntas: La segunda técnica que vamos a estar cubriendo una vez más se ocupa del concepto. Eso se debe a que si el concepto no es bueno, la ilustración simplemente caerá plana. Según expliqué en mi diseño de personajes con clase story, una técnica muy poderosa para mejorar concepto es solo hacer muchas preguntas. Cada vez que hacemos una pregunta sobre un personaje, y luego le damos una respuesta, estamos agregando otra capa de backstory que solo impulsa nuestros dibujos y hace que el personaje sea más único, le da más personalidad. Es sólo una forma realmente efectiva de llevarla de sólo alguna tierra, lo que sea a algo que en realidad es real y vivo. ¿ Qué preguntas podríamos hacer? Podemos preguntar cosas simples como, ¿qué edad tiene el personaje, dónde viene, cuál es su trabajo? Estas cosas otra vez, al responderlas realmente va a dar forma a lo que es el personaje. Pero también podemos preguntar algunas cosas muy diferentes. Podemos decir, a qué huelen los personajes, qué les tienen miedo, ¿tienen algún secreto que no quieren que la gente se entere o son hijos únicos, tienen muchos hermanos, ¿crecen en el maderas? Todas son preguntas interesantes que cuando las respondas, van a convertir a tu personaje en algo que quizá no nos haya iniciado, pero va a ser muy interesante para ti, no sólo para dibujar, sino para que otras personas lo vean. He incluido una lista de la clase de misterio de diseño de personajes de un montón de preguntas diferentes para ponerte en marcha. De nuevo, puedes maquillar lo que quieras, pero este debería ser un buen punto de partida para ti. Entonces el siguiente paso, una vez que hayas hecho todas estas preguntas y las respondas, es averiguar cómo me encuentro para contestar estas preguntas en mi dibujo. Estaba trabajando en una serie de personajes temáticos de aves para un juego de lucha cuando creé crema aquí. No tardó mucho, pero solo respondiendo algunas preguntas sobre quién era, pude hacer a alguien que fuera más interesante de lo que dibujaba cuando mi cerebro era solo un piloto automático. Pregunté cómo era su personalidad y decidí bastante rápido que quería a alguien que estuviera loco. En base a eso, le di estos ojos grandes, pero pupilas realmente pequeñas, así como una sonrisita muy amenazante. Es así como me topé con la idea de la pregunta que respondí. La siguiente pregunta que hice fue, ¿por qué quiere pelear con la gente? En este mundo donde todas estas aves se están peleando entre sí, tiene que haber una razón para que cada uno de ellos esté haciendo esto. Se me ocurrió la historia de cómo después jugar al fútbol por todo el bachillerato y la universidad, se volvió muy fuerte, y tenía todos esos músculos grandes, pero no podía usar ninguno de ellos para nada. Nos volteamos a pelear como forma de usar su estatura, y eso me dio su tipo de cuerpo. Eso claramente parece un personaje muy fuerte, y luego también me dio lo que lleva puesto. puede ver que tiene esta chaqueta varsity, banda de sudor así como uno de esos anillos de campeonato. Lo que encontrarás es que en muchos proyectos, no necesitarás desarrollar un backstory. No se requerirá de ti. Pero si te tomas el tiempo para hacerlo, aunque seas el único que lo sepa, realmente va a crear algo mucho más interesante para todos los que lo vean. Ahora igual que antes, vamos a tomar un diseño de personajes que falta y utilizar esta técnica para hacerlo mejor. El tema para este diseño fue agricultor futurista. De verdad, acabo de hacer un robot que se parece a un granjero. Si bien me gusta la forma en que se ve, no es terriblemente emocionante ni memorable. Me preguntaba qué preguntas podrían traer algo de vida nueva en ella, así que le pregunté ¿es sentience? Seguro. ¿Por qué no? ¿ Le gusta la agricultura? Absolutamente. ¿Por qué le gusta? Bueno, en realidad lo conecta con la naturaleza. Es un poco amante de la naturaleza. Entonces pregunté, bueno, si es un robot agrícola, ¿es un nuevo modelo o es un viejo modelo? Decidí, ¿sabes qué? Es viejo, es como el modelo alfa, el principio mismo. Simplemente uso estas cuatro preguntas para guiar el nuevo diseño. Por esbozar algunas ideas nuevas para este personaje, su mayoría me voy a apegar a la forma del cuerpo porque sí me gusta. Sólo voy a ponerlos en diferentes escenarios y tal vez cambiar un par de cosas para que realmente funcionen con esas respuestas. Enseguida del bate, no lo quiero solo ahí parado. Cómo está en el actual, es robótico, que debe ser. Pero quiero que tenga más vida, y así les voy a dar algunas poses más humanas. Recuerda que nuestro trabajo aquí es ahora tomar las respuestas que hemos dado a nuestras preguntas y encontrar formas de hacer que los cruzan en nuestro dibujo. Algo que estoy decidiendo aquí mismo es que si va a ser sentiente, va a ser un poco más humano y así que en realidad lo voy a hacer en este arrodillado tendiendo a una planta porque eso también le pega a su amor por naturaleza. El granjero robot en el original tiene esta exhibición en su pecho. Pensé que esta podría ser una buena oportunidad para usar eso como una forma de quizá mostrar su emoción o simplemente mostrar de nuevo su humanidad sintética. A lo mejor está sintiendo mucho amor por esta pequeña planta que encontró, y por eso hay un corazón. También quiero volver a cruzar eso, es un viejo modelo. Pongo esta versión es 0.1. en su pecho para demostrar que es como el primero de su tipo. Entonces aquí mismo, en realidad se puede ver que estoy tratando de descifrar alguna batería. A lo mejor tiene que llevar por ahí estas baterías gigantes solo para apoyarlo porque es un viejo modelo grande y torpe. Nuevamente, voy a hacer más de un diseño sobre esto. Podría continuar con esa. Creo que es mejor que el original, pero no toma mucho tiempo explorar nuevas ideas. Eso lo voy a hacer ahora. Aquí vuelvo a pensar en lo que es una pose más humana, así que tengo sus hombros y sus caderas inclinadas en diferentes direcciones. Por lo general, así se paran las personas. Yo quiero tenerlo de nuevo mirando aquí una planta. Pero lo que estaba pensando le podría jugar bien a su personaje es si tal vez porque es un viejo modelo, está roto de alguna manera, tal vez le falta un brazo, pero en realidad ni siquiera le presta atención a eso. Está más enamorado de esta planta. Ahora la exhibición en su pecho podría tener un signo de exclamación porque es como una advertencia. Pero de nuevo, realmente no le importa, está más interesado en este pedazo de vida que ha encontrado. Solo hay dos conceptos que pude idear en base a mi diseño original solo haciendo cuatro preguntas. Probablemente tardé un minuto en pedirles y responderlos. Pero el beneficio de tomar esa corta cantidad de tiempo es que mi concepto ahora es más fuerte. No sólo voy a tener un diseño que la gente prefiere ver, sino que en realidad es más divertido para mí crear personajes cuando hay más backstory como esta. Eso envuelve esta técnica. Cuando estés listo, puedes saltar al siguiente. 4. Exageración: [ MÚSICA]. En las dos técnicas anteriores, nos enfocamos en concepto. Esa es la base. Con una base fuerte para un personaje, podemos pasar a cosas que lo van a hacer visualmente más interesante. Eso es lo que vamos a hacer aquí. Una de las mejores, y en mi opinión, las formas más divertidas de mejorar visualmente un personaje es a través de la exageración. Esto significa tomar cosas que son grandes, o pequeñas y hacerlas enormes con el tiempo. A lo mejor tu personaje tiene una cintura pequeña. Lo haces muy, muy parecido mucho más pequeño. A lo mejor sus músculos grandes se vuelven como abultados o tal vez solo su sonrisa que va de, el tamaño de su cara en realidad empuja fuera de su cara porque son así de felices. Esto es lo que hacen los artistas de la caricatura. Se afinan en diferentes elementos de la cara de alguien o de su cuerpo. Simplemente lo exageran fuera de proporción. Esa es una forma realmente efectiva de hacer diseños de personajes interesantes y divertidos. Cuando buscas mejorar a tus propios personajes, todo lo que estás haciendo es mirar tu diseño actual y decidir, ¿qué pasa con esto puedo exagerar. ¿ O qué debo exagerar? En el caso de este personaje, sabía que quería que fuera muy grande. Tan grande como pude salirme con la suya. Lo que estás viendo aquí es la tercera o cuarta vez que lo dibujé. Porque cada vez que lo redibujaba, me di cuenta de que podía empujar su largeness cada vez más. Podría hacer esto mostrando el estrés de su chaqueta siendo jalada a través de su cuerpo grande, podría agregar líneas en su cuello. Parece que solo se está exprimiendo de un cuello apretado. Puedo hacer rasgos como sus piernas, sus pies, y sus manos más pequeños para que su cuerpo se vea aún más grande en comparación. Esto es algo que realmente es importante notar, es que todo en tu dibujo es relativo. Si quieres que algo se vea pequeño, todo a su alrededor necesita ser grande. Y si quieres que una parte del cuerpo sea larga, el resto tiene que ser corto. Cuanto más contraste entre los elementos y el diseño que haya, más exagerado y en muchos casos, interesante será tu personaje. Si no usas mucha exageración en tus personajes, vas a tener que forzarlo más de lo que te sientes cómodo. Mi recomendación es que pretendas empujar a tu personaje más allá de lo que crees que deberías. En mi experiencia, eso en realidad termina siendo justo donde debería estar. No obstante, si llegas demasiado lejos, siempre podrías simplemente escalarlo de nuevo en el siguiente dibujo. Ahora vamos a darle una oportunidad a esto con un viejo diseño. Esta es cascarilla de anciano. Es un personaje que hice como parte de otro reto diario de diseño. Si bien me gusta el concepto de esta vieja pieza agrícola de maíz, no estaba súper emocionada con la ejecución final. Ahora voy a usar la exageración para enfocarme en las cosas que realmente me gustan de él y hacerlas más definidas. Lo que quiero enfatizar en este primer dibujo es su postura. Yo lo estoy haciendo aún más encorvado de lo que una vez estuvo. Tanto es así que hay más estrés en su brazo. Es recta, como si realmente estuviera tratando de sostenerse con ese bastón. Lo mismo con el brazo en la espalda está mucho más estresado e incluso se puede ver que sus ojos son un poco más entrecerrados como si estuviera ejerciendo más esfuerzo solo para mantenerse erguido. Todavía está feliz. Yo quería quedarme con eso. Pero notarás que ahora está mucho más en cuclillas. Está todo desmenuzado. Esta versión de personaje es mucho más corta de lo que originalmente era, diría antes no tenía tamaño promedio. Pero ahora es realmente pequeño. Esa es una nueva toma exagerada para él. Después de darme cuenta de que hice esta versión realmente pequeña de él, quería hacer una versión alta de él. Sobre todo porque las orejas de maíz están ahí largas. Pensé que sería una toma agradable, cool si lo hacía más alto que el diseño original. Eso es lo que puedes verme haciendo aquí. También he decidido en este diseño no enfatizar tanto el estrés de él de pie. Se ve un poco más a gusto. Un truco que puedes hacer si estás trabajando digitalmente como yo, es que en realidad solo puedes tomar tu boceto y puedes estirar o calmarlo para jugar con su exageración. Me vas a ver hacer eso aquí mismo. Voy a hacerlos mucho más largos, y ahora se ve más alto, y luego estoy tomando mi versión pequeña y haciéndola aún más pequeña. Como mencioné, a veces queremos empujar lo más que podamos antes de que no funcione. Ese es un truco para el que es muy útil. Lo último que vas a ver aquí es lo que haría una vez que tuviera un concepto con el que estaba contento. En el caso de esta cáscara de anciano realmente arrasada, bajé la opacidad de la capa, creé una nueva. Ahora estoy dibujando encima de ella para empezar a finalizar algunos de los detalles. Este sigue siendo un dibujo muy rudo, pero este sería el siguiente paso, por lo que tienes sentido. Recuerda que cuantas más versiones de diseño crees, más y más se va a mejorar y refinar. Que esto sea sólo un ejemplo de una de esas posibles revisiones. Eso te da una sensación de cómo podemos exagerar cosas diferentes y en el diseño de personajes para mejorarlo. Una vez que tengas un buen agarre en ello, podemos pasar al siguiente. 5. Proporciones: Esta siguiente técnica es bastante similar a la anterior. En eso exageramos diferentes elementos de nuestro diseño. En este, en realidad sólo vamos a mezclar alrededor de porciones. Entonces si un brazo es como del mismo tamaño que una pierna, lo que sucede en ese brazo es la mitad del tamaño de la pierna. El pie es como tres veces más largo que el brazo. Nuevamente, esta es una técnica realmente divertida que puede producir algunos conceptos muy interesantes. Entonces todo lo que necesitamos hacer es tomar nuestro diseño actual, establecer cuáles son las proporciones existentes, y luego empezar a cambiarlas alrededor. Por lo que mirando esta foto, en realidad podría identificar algunas de sus proporciones. La distancia desde sus hombros hasta su cintura es aproximadamente la misma que su cintura hasta sus botas. Un poco más de dos de sus cabezas podrían reventar entre sus hombros y su cintura. Su barba retoma alrededor de un tercio de su cabeza mientras que su cabello es sólo un pedacito en la parte superior. Puedo marcar tantos de este tipo de relaciones como me gustaría. Ahora cuando miras mi dibujo, todo lo que ves que he hecho es jugar con estas proporciones. El barba pasó de ocupar un tercio de su cabeza a ser aproximadamente tres veces el tamaño de la misma. Ahora su cabello es el doble del tamaño de su cabeza. la distancia entre sus hombros y su cintura es Ahorala distancia entre sus hombros y su cintura esmás grande que desde su cintura hasta sus pies. Te darás cuenta incluso de que el cuerno de su cinturón, ahora ocupa mucho menos espacio mientras que su hacha es mucho más grande. Esta técnica funciona realmente bien con las anteriores. Si hemos decidido que parte de nuestro concepto de personaje es que es muy fuerte. Podemos usar proporciones y exageración para atravesar eso, como lo he hecho aquí, haciendo tanto su hacha como su pecho no sólo más grandes que antes, sino más grandes en relación con muchos otros aspectos del diseño. Diviértete con esta técnica, puedes llegar muy rápidamente con muchas variaciones en un solo personaje solo cambiando alrededor de las proporciones. A menudo la experimentación entre pares producirá algo que quizás nunca hayas considerado dibujar. Ahora una vez más, tomaremos un viejo diseño, y lo demostraremos jugando con proporciones. Entonces lo primero que me vas a ver hacer aquí es solo marcar una pareja simple relación. Entonces me puse como la cabeza, el pecho, y luego el desperdicio hasta los pies, así como sólo el ancho de los hombros. Ahora todo lo que voy a hacer es redibujar el personaje, misma pose, misma todo. Pero estoy cambiando estas proporciones alrededor y haciendo que la cabeza mucho más pequeña y haciendo que el pecho sea mucho más grande, hombros más anchos, y entonces toda la zona de la pierna va a ser considerablemente más pequeña. Algo que quiero mencionar es que esos tamaños podrían haber sido cualquier cosa. Hice pequeña la cabeza. Yo podría haber decidido, Sabes qué, quiero que la cabeza sea la mitad de toda la figura. De verdad sólo elegí algunos tamaños arbitrarios y ahora solo estoy jugando con él. Esto podría diseñarse que me guste. Esto podría diseñarse que no me gusta. Pero la idea aquí es que el diseño original, las proporciones eran muy similares a una persona típica. Creo que podría ser mucho más divertido si no lo fueran. Si solo hago una pausa aquí, se puede obtener un buen sentido de las diferencias entre las proporciones del original y el diseño en el que estoy trabajando. Entonces lo último que vas a ver aquí es una vez más, sólo un paso más de revisión. Digamos, sabes qué, me gustan más estas proporciones. Esto es lo que quiero que sea mi personaje. Ahora voy a pasar por el proceso de seguir redibujando el personaje y tomar decisiones sobre dónde van las líneas, qué formas van a dónde, y horas extras y arriba con un diseño final como lo has visto en el original. Un punto que no puedo estresar lo suficiente es que está totalmente bien. De hecho, lo animaría si redibujas tu personaje una y otra vez. Hay mucha presión si intentas sacarlo del parque en la primera marcha. Es mucho más fácil si solo te das espacio para hacer algo desordenado. Después hace algo un poco menos desordenado y luego menos desordenado, hasta que finalmente estás en algo que te gusta, es algo que se ve refinado. Sí. Eso lleva mucho más tiempo que si acabas de nuevo, [inaudible] de una vez. Pero, A los resultados pueden ser mejores. B, te vas a divertir más haciéndolo. No se me ocurre un momento en el que alguna vez pasé por un dibujo mientras lo pasaba bien. Así que despacio, tómate tu tiempo y disfruta del proceso. En esa nota, podemos pasar a nuestra quinta y última técnica. 6. Poses dinámicas: Esta técnica final, en mi opinión, podría ser la más desalentadora o desafiante, pero también de la misma manera puede ser la más gratificante. Eso es sacar a nuestro personaje de una estática o simplemente parado ahí pose pero haciéndolo dinámico, trayendo algo más de vida en él. Cuando digo dinámico, mucho tiempo pensamos en la gente, volando por el aire, algún tiro de acción loco. Pero la dinámica es simplemente poner en realidad cualquier emoción o sentimiento en tu diseño que quieras. Podrías tener a alguien que esté siendo perezoso y aún dinámico. A lo mejor sus hombros son realmente lentos o simplemente tal vez están tumbados en un sofá con los brazos arriba o algo así. No es un tiro de acción, pero realmente te da una sensación de cómo se siente ese personaje. Además no son sólo como la persona rígida y rígida que acaba de estar ahí parada. A menos que por supuesto quizá eso sea lo que vas a buscar. A lo mejor quieres que alguien sea un firme rígido, como un guardaespaldas o algo así. Por qué dije que esta podría ser la técnica más desalentadora, es porque esto significa que en realidad llegamos a hacer algunas investigaciones. Tenemos que averiguar cómo se mantiene la gente en realidad. Esto normalmente significa o bien, si de verdad quieres subirte a bordo con él, vas a clases de dibujo de vida o sales a las calles y dibujas a la gente en cafés. Pero también, solo podría significar que sacas alguna referencia fotográfica o algo que me gusta hacer es, te tomas fotos de ti mismo posando como quieras y dibujas de eso. Pero esta técnica sin importar toma, creo que un poco más de aprendizaje que las otras. Yo sí quiero hablar más sobre la idea de realmente hacer la pose tú mismo y tomar una foto. Porque podría sentirse muy tonto estar solo en tu salón, posando con una escoba o algo así. Que es algo que totalmente vas a ver en un rato, yo haciendo. Pero en realidad es realmente útil no solo en darte la pose exacta que quieres, sino que en realidad te da una idea al respecto. Puedes sentir cómo se sentarían tus brazos, qué músculos están tensos o qué músculos están holgados. Encuentro que es mucho más efectivo que si acabas de encontrar una línea de patrulla. Si estás encontrando una línea de patrulla, tal vez solo podrías intentar ponerte de pie y adoptar la pose tú mismo. Aunque no lo estés tomando una foto, sólo otra vez, para tener una idea de ello. Es una técnica muy útil. Según lo prometido, aquí hay un ejemplo ligeramente embarazoso pero perfecto de lo que estoy hablando. No pude encontrar la pose exacta que buscaba, para este personaje, así que acabo de agarrar la escoba y lo hice yo mismo. Cuando hice esto, me enseñó mucho más sobre cómo posicionar a mi personaje, lo que tendría si simplemente sacara de una referencia que encontré. Se puede ver que en el resultado, porque yo mismo tomé la postura, aprendí que aunque mis piernas estaban mirando hacia la cámara, mi pecho, estaba mirando hacia un lado. También pude descubrir que una pierna estaba doblado mucho más que la otra, y su rodilla estaba apuntada en la misma dirección que mi pecho. Me di cuenta de que desde este punto de vista, en realidad no podías ver mucho de mi antebrazo derecho ya que todo el brazo sería empujado hacia atrás y detrás de mí. Obviamente, aprender a dibujar una nueva pose lleva mucho más tiempo, que dibujar a alguien parado. Pero es importante mencionar que cuanto más a menudo hagas esto, más construirás tu biblioteca visual de poses. Ahora que he estudiado tan de cerca cómo pararme de esta manera, puedo plantear personajes de muchas maneras similares solo desde la memoria solo. Aunque solo estés cómodo dibujando personaje de pie quieto en este momento, todo lo que lleva un tiempo trabajando en poses, para ampliar tu comodidad a dibujar personajes en todo tipo de posiciones dinámicas. Esta es una de las razones por las que el dibujo izquierdo puede ser tan útil. Por último, agreguemos una pose dinámica a un viejo diseño de personajes. Aquí hay un ejemplo de un diseño de personajes que me gustó mucho, pero no me vendieron del todo en la pose. Es como si estuviera ahí parado. Puedo aprovechar esto como una oportunidad para contar un poco más sobre este personaje, justo en la forma en que se levanta. Naturalmente, me envuelvo en una manta y tomé un montón de poses. De hecho, lo que hice aquí es que acabo de poner mi webcam para grabar, y acabo de recorrer un par de poses diferentes. La mayoría de ellos eran bastante malos. Pero aquí solo hay un par de ellos que me gustaron. De nuevo, es bastante tonto, pero funciona muy bien. De los tres, decidí que más me gusta el primero. Debido a que el diseño original del personaje, parecía muy fresco y serio. No me imaginé en ninguna pose de acción loca, pero tal vez algo un poco más dinámico. Como pararse a un lado, sosteniendo su arma en el aire con esta mirada amenazante en la cara. Esto es con lo que voy a ir, y lo que me vas a ver hacer, no es saltar justo a redibujar el personaje. Pero primero, sólo voy a sacar muy aproximadamente esta pose. Esto es para que pueda tener una buena idea de dónde están las extremidades, qué partes del cuerpo están enfrentando en qué dirección. Sólo dame la oportunidad de entender la pose y luego me puedo preocupar por poner esa pose en mi personaje. Si bien podrías simplemente saltar directamente a aplicar tu pose a tu personaje en un solo dibujo, encuentro que cada vez que puedo descomponer las cosas en más pasos, el resultado suele ser mejor. Porque puedo enfocarme solo en la pose y luego puedo enfocarme solo en poner el diseño del personaje a la pose. Es justo como trabajo. Algo que debo mencionar también, es que cuanto mejor entiendas la anatomía humana, y cuanto más experiencia tengas dibujando personas y poses, más fácil será este paso para ti. No me malinterpreten. Todavía es algo difícil de hacer, me parece que cada vez que estoy tratando de capturar una pose como esta, sí toma mucho trabajo mental. Pero cuanto más comprendo sobre cómo mueven los cuerpos humanos y cómo se construyen pieza por pieza, más fácil me resulta hacer algo como esto y realmente entenderlo. Si estás teniendo problemas y esta es una habilidad que quieres desarrollar, recomendaría revisar el dibujo de figura de Andrew Loomis' para todo lo que vale. Es en mi opinión, uno de los mejores libros sobre la comprensión de la anatomía humana y cómo dibujar a las personas. Pero fuera de eso, si puedes, realmente te animaría a tomar una clase presencial. A lo mejor en dibujo de figuras o anatomía humana o algún tipo de curso de dibujo de vida. Encuentro que la educación presencial, es mucho mejor que cualquier cosa que puedas sacar de un libro o de un tutorial como este. He llegado al punto en que más o menos entiendo la pose y estoy listo para aplicarla a mi diseño de personaje. Ahora, realmente se trata de combinar el diseño que creé antes, con la nueva pose que acabo de aprender. Nuevamente, esto puede ser algo bastante complicado, porque sobre todo en mi propio caso de personajes, las proporciones de la pose que hice y el personaje son bastante diferentes. No te desanimes, al igual que cualquier otra cosa, esta es una habilidad que construyes con el tiempo. Nuevamente, en mi opinión, es una de las cosas más difíciles de hacer. Como he dicho en algunos de los videos anteriores, solo ten paciencia, date algo de espacio para estropear, y con el tiempo te pondrás bien en esto. Cuando tengas dudas, recuerda que tienes el poder de redibujar las cosas tantas veces como quieras. Una de las cosas realmente grandes a considerar, es que un dibujo nunca se termina hasta que dices que lo es. Si eso significa dibujarlo dos veces, si eso significa dibujarlo 10 veces, 20 veces. Se llega a decidir cuándo está completo. Si una versión del dibujo no se ve bien, eso está totalmente bien, nadie tiene que verlo. Puedes averiguar qué le pasa, y luego arreglarlo en el siguiente dibujo. A lo mejor ahora mismo puedes empezar a tener una idea de cómo estoy combinando la pose de la izquierda, y el personaje de la derecha para hacer lo que está en el medio ahora mismo. Se puede ver realmente estoy tratando de poner atención a la proporción. Mantener esos antebrazos realmente gruesos, mantener esos hombros realmente anchos, así como la forma de la cabeza, la forma del sombrero. Pero aún así poner las cosas en la misma posición que en la pose, además de tratar de igualar algunas de las curvas. Notarás en el brazo izquierdo que hay esta gran curva que va desde el hombro, todo el camino hacia abajo para gustar los nudillos. De verdad quería mantener eso en mi dibujo. De igual manera, se puede ver que hay una línea que va desde el pecho, hasta la pierna, hasta la rodilla, y se curva hacia adentro por el lado derecho. Yo también, estoy tratando de igualar eso. Es un equilibrio de tomar piezas de la pose que son realmente esenciales para la pose que realmente la componen, y combinarlas con el diseño existente. Ahora lo que haría, igual que lo hice en las dos técnicas anteriores, es que una vez tuve aquí un dibujo guapo, lo redibujaría. O bien lo redibujaría completamente desde cero si creyera que estaba realmente apagado. Pero probablemente en este caso, haría la otra opción que es, bajando la opacidad de esta capa, y luego dibujando encima de ella sólo para finalizar algunas de las decisiones sobre el dibujo. Espero que esta técnica final te haya demostrado que puedes crear un diseño de personaje realmente, realmente sólido. Pero si la pose es estática, puede faltar un poco. Puedes divertirte mucho con este paso. Puedes hacer lo que hice, y puedes sostener la escoba lista para pelear a alguien. Puedes envolverte en mantas y fingir que tienes manos de arma. Esto no tiene por qué ser súper serio, pesar de que es una técnica un poco difícil. Espero que esto te ayude a enriquecer a tus personajes como el resto de las técnicas. Una vez que estés listo, puedes pasar al último video donde vamos a repasar tu tarea por practicar realmente este trabajo. Entonces también te voy a ofrecer un par de opciones si quieres profundizar tus habilidades de diseño de personajes. 7. Próximos pasos: Por lo que ahora tienes cinco nuevas técnicas para mejorar tus diseños de personajes. El bello de ellos es que no solo tienes que usarlos para trabajar en personajes existentes. Pero también puedes usar estas técnicas para crear otras nuevas. Pero es importante saber que lo que aprendes hoy, solo es útil si lo usas, y tienes que usarlo pronto. Nosotros filtramos información muy rápidamente como humanos. Entonces en cuanto aprendas algo como lo que has aprendido en esta clase, es importante que lo apliques. Cuanto antes, más se puede solidificar en tu justa forma normal de trabajar. Todo esto para decir que es por eso que tenemos una asignación de clase. Entonces para la asignación de clase, todo lo que quiero que hagas es encontrar un viejo diseño de personajes. Puede ser muy viejo, puede ser reciente, puede ser algo que acabas de hacer ayer. No importa. Yo solo quiero que tomes un personaje existente, y lo mejoren usando algunas de las técnicas de esta clase. Podrías usar una técnica, podrías usar los cinco, no importa. Simplemente aplica lo que has aprendido hoy para asegurarte que en el futuro va a venir naturalmente a ti. Al estar haciendo esto, solo quiero que recuerden que a menudo se necesitan muchas iteraciones diferentes en un diseño, antes de que realmente obtengan algo que les gusta. Conozco personalmente el mínimo para diseño de personajes suelo redibujar algo al menos como tres veces. A veces sube como 10 revisiones. Esto es sólo porque lleva mucho tiempo averiguar las partes que no te gustan, cambiarlas en algo que te gusta, y solo pasar por diferentes versiones hasta conseguir lo que te gusta. Entonces creo que esto es realmente importante recordar, no solo en todos tus diseños, sino sobre todo cuando estás aprendiendo como en este momento. Porque estás tratando de aprender cosas nuevas. Entonces va a haber algún tropiezo. No va a venir tan naturalmente como lo estás viendo en la clase. Así que solo sé paciente y déjate hacer un trabajo horrible. Simplemente confía en que con el tiempo, tus diseños irán y se convertirán en algo que realmente te gusta. Ahora si tienes hambre de algunas cosas más de diseño de personajes, tengo tres cosas para ti. Una es mi clase de historia de diseño de personajes, y eso realmente se sumerge en las dos primeras técnicas que pasamos en esta clase, que es todo sobre el concepto de tu personaje. En esa clase, realmente nos aseguramos de que no solo estamos haciendo lo primero que me viene a la mente. Pero en realidad estamos pensando mucho en quién es nuestro personaje antes de que siquiera lo dibujemos. También tengo una clase de diseño de personajes con animales, y aquí dentro realmente nos metemos en la nitty-gritty de la anatomía de los animales. ¿ Cómo se relaciona la anatomía de un animal con las personas? También cómo podemos tomar el comportamiento de los animales y convertir eso en personajes interesantes y emocionantes. Por último, hay un reto que he creado llamado búsqueda de personajes. Se trata de un e-mail de 30 días que cada día obtendrás un prompt con un tema, y te dirá un personaje para dibujar. El grandioso de este reto es que ya han habido más de 1000 presentaciones para ello. Por lo que hay mucha gente tomando parte. Podrás conocer a algunos otros artistas en Instagram o algo así mientras lo estás haciendo. Es solo una manera realmente genial de, A practicar lo que has hecho hoy y B, para empezar a construir un portafolio de diseño de personajes sobre todo si eso es algo que quieres hacer. Entonces, por fin, solo quiero agradecerles por tomar la clase. Este es probablemente mi tema favorito del que hablar. Por lo que realmente aprecio la oportunidad de que llego a sentarme aquí y empequeñarme al respecto contigo. Espero que esto haya sido de mucha ayuda, y si hay alguna pregunta que se ha planteado a lo largo del curso, sólo tienes que llegar. Estoy feliz de ayudar cuando puedo. Entonces gracias de nuevo y cuídate.