Mejora tus dibujos de retratos: enfoques prácticos para conceptos avanzados

1. Introducción: Como artista, siempre he tenido una profunda fascinación por los rostros. Ha sido un poco una obsesión mía a lo largo de mi carrera poder dibujarlos de una manera que me excite y que cautiva al espectador y está reventando de vida fuera de página. Hola, me llamo Chris Hong y soy artista de Canadá. Yo quiero enseñarte a subir de nivel tus dibujos de retrato. A lo largo de mi viaje de aprendizaje, me di cuenta de que hay formas de llevar la complejidad del dibujo de retratos y destilarlo a una tarea más manejable. El enfoque de esta clase será destilar algunos de estos conceptos avanzados de anatomía, iluminación y diseño en pasos prácticos que puedas dar para ayudar a construir tu dibujo de principio a fin. Te compartiré técnicas que pueden mejorar al instante la calidad de tus dibujos. Tomándolos de un buen dibujo y transformándolos en dibujos que están llenos de vida. El dibujo de retratos es un tema tan enorme de cubrir que es casi imposible intentar enseñar en una sola clase de cualquier manera efectiva. Para mí, es realmente importante que mis alumnos se lleven algo que puedan aplicar directamente a su proceso para ayudar a mejorar sus dibujos. Con eso en mente esta clase está diseñada para aquellos que tienen alguna experiencia previa con dibujo de retratos y quieren mejorar sus habilidades y comprensión actuales. Pero como nos vamos a centrar en trabajar directamente desde referencias fotográficas y dejar que nos guíen a través de nuestros dibujos, creo firmemente que hasta los principiantes pueden quitarle al menos una cosa que pueda ayudar a mejorar su comprensión de dibujo de retrato hoy. Porque aquí hay un secreto, no sé todo lo que hay que saber sobre la anatomía humana y la iluminación y todo eso Pero te digo que casi no importa. No necesitas ser un maestro absoluto de todo para poder dibujar retratos llamativos y convincentes. Yo estoy aquí para ayudarte a llegar. Entonces, sin más preámbulos, empecemos. 2. Materiales: En cuanto a las herramientas que necesitarás para esta clase, lo estamos manteniendo realmente simple. Todo lo que necesitas es tu lápiz de grafito favorito, una goma de borrar amasable, una goma de borrar regular, un palo de mezcla y algo de papel. Yo personalmente uso lápices mecánicos porque me gusta eso no tengo que afilar, y siento que personalmente tengo mejor control sobre él que un lápiz de grafito normal, pero en realidad, cualquier lápiz de grafito servirá. Asegúrate de que el plomo sea lo suficientemente suave como para poder hacer algunos valores oscuros. Yo recomendaría una ventaja no más difícil que HB. borrar amasable. Un borrador amasable es genial para borrar áreas pequeñas que podrían ser un poco más difíciles con un borrador tradicional. Puedes moldearlo en un punto para levantar el grafito de algunas áreas realmente apretadas. A mí me gusta afinar grandes áreas de grafito con él si quiero aligerar más poco a poco toda la zona, en lugar de tener que borrarla por completo. Un borrador amasable te da una tonelada de control, y te recomiendo encarecidamente que lo tengas para esta clase. gomas de borrar tradicionales son útiles para borrar áreas grandes con mayor rapidez. Por lo tanto, se recomienda tener tanto la goma de borrar tradicional como una goma de borrar amasable . El palo mezclador. Este es un palo de mezcla, y me gusta usar esto en mi proceso de dibujo para establecer rápidamente parches de tono. Puedo cubrir áreas más grandes con él más rápido que mi lápiz, así que me parece bastante útil a la hora de llenar áreas grandes como el pelo. Estaré explicando más sobre cómo usarlos en la lección de sombreado que viene en la clase. Si no tienes uno, usar el palo de mezcla no es estrictamente necesario para nuestro proceso, pero lo estaré usando en mis demos de dibujo, así que pruébalos si quieres. Deberías poder encontrarlos con bastante facilidad en tu tienda de arte local. Si te sientes más cómodo con las herramientas digitales, entonces por todos los medios, trabaja digitalmente en tu programa favorito. Sólo recuerda, estamos trabajando en escala de grises y no lidiando con el color en esta clase. último, pero no menos importante, necesitamos las fotos desde las que estaremos trabajando para nuestros dibujos de retratos. Pero, ¿dónde empezamos a buscar uno? En la siguiente lección, estaré enseñando el arte de encontrar grandes referencias fotográficas con el propósito de dibujo de retratos. Si estás listo, entrémonos en ello. 3. Encuentra referencias de fotos: Lo primero que hago cuando voy a dibujar un retrato es encontrar buenas fotos de referencia. Suena bastante simple, pero es un poco más involucrado que sólo la imagen de Google buscando una foto de una cara, y algunas fotos definitivamente son mucho más fáciles de estudiar que otras. En esta lección, te voy a mostrar qué buscar cuando busques referencias fotográficas que te configurarán para el éxito en tu dibujo de retrato. El motivo convincente. ¿ Qué te obliga a la foto? ¿ Qué pasa con esto te interesa? Una buena referencia fotográfica debería llamarte a querer dibujarla por alguna razón. ¿ Se trata de la intensidad de los ojos? ¿ O es la forma en que cae la luz sobre las características? A lo mejor se trata de lo interesante que crees que es su nariz, es audacia y se ve muy estructural y quieres dibujarlo como si pudieras llegar al dibujo y pellizcarlo. El motivo de la inspiración puede ser tan pequeño y tonto como eso. Esto obviamente se trata de gustos personales y va a diferir de artista a artista pero antes incluso de entrar en el dibujo, es importante que la foto tenga alguna calidad a la que quieras pasar tiempo en replicar. No tienes que entender exactamente qué es lo que te atraen. A veces ni siquiera me conozco cuando estoy dibujando a ciertas fotos, y se me hace más evidente a lo largo del proceso de dibujo. Pero tendrás una ventaja sabiendo qué es lo que quieres resaltar antes de entrar en el dibujo, que puedas enfocar toda tu atención y energía en él. ¿ Por qué copiamos algo? Creo que es porque como artistas tenemos un anhelo de resaltar la belleza de lo que estamos viendo. El dibujo es nuestra forma de interpretar cómo observamos el mundo que nos rodea. Con todo lo dicho, por favor no solo escojas cualquier foto vieja que te encuentres en Google Images. personal, para mí, me siento mucho más invertido en el dibujo si me siento inspirado en la referencia de alguna manera. Buena iluminación. En tu foto, ¿puedes decir de qué dirección viene la luz? Si es difícil de decir, hay mayores posibilidades de que vaya a ser una foto más difícil con la que trabajar. ¿ A qué me refiero con buena iluminación? mí me gusta trabajar desde fotos donde puedo decir claramente de dónde viene la luz porque hace fácil ver dónde necesito colocar mis sombras. Al buscar fotos, busca sombras de fundición. Las sombras proyectadas son sombras creadas por un objeto sobre otro objeto. Si es una sombra de fundición dura, lo que significa que hay un contorno visible de la sombra, estos me parecen los más fáciles de trabajar, ya que los contornos son intrínsecamente más fáciles de identificar para nuestros ojos. Los mejores lugares para detectar estas sombras fundidas son el cuello, donde la barbilla y la mandíbula pueden arrojar una sombra sobre él, o debajo de la nariz o debajo del hueso del sujetador. Las fotos diurnas a la luz solar directa a menudo producen estas sombras de fundición dura que de otra manera podrían no hacer para grandes fotos, pero ahora sabemos que hay geniales para dibujar. Claridad de las características. Esto debe ir sin decir que la foto de la que estás trabajando debe resolución lo suficientemente alta como para que no estés teniendo entrecerrarla para ver con qué estás trabajando. Dibujar es lo suficientemente duro como es, así que siempre que puedas hacer el proceso lo más fácil posible para ti, para que no tengas que saltar a través de ningún aro innecesario. Asegúrate de que en tu foto obtienes una idea clara de cómo se ven las características. No quieres tener que hacer ninguna conjetura salvaje mientras estás dibujando. Hemos cubierto lo que debemos buscar a la hora de aventurarnos a encontrar grandes referencias fotográficas para su dibujo de retrato. Pero, ¿cuáles son algunas cosas para tener cuidado? Aquí te dejamos solo algunos tipos de fotos que creo que podrían ser un poco más difíciles de trabajar. Fotografía de retrato de belleza. Este tipo de fotografía está diseñada para ser muy halagadora, y por lo tanto está intencionalmente iluminada de una manera donde intentan minimizar las sombras duras tanto como sea posible. Irónicamente, lo que es halagador en las fotos no es lo que encontré halagador en el dibujo. A partir de estas fotos, podrías recoger los malos hábitos y aprender a sombrear de una manera que hace que las caras se vean muy artificiales porque este tipo de escenario de iluminación no es lo que se presenta en la vida real. Podría ser tentador ya que las personas en este tipo de fotos suelen ser muy bonitas, pero recomendaré en contra de ellas, al menos en esta etapa de aprendizaje. Fotos de celebridades. Además, no es una regla estricta para evitar fotos de celebridades, pero para esta clase evitaría usar fotos de celebridades más convencionales de tipo Hollywood ya que este tipo de fotos a menudo se iluminan muy uniformemente, igual que la belleza fotografía tipo de fotos, y también fuertemente aerografiada y Photoshopped. Ahora que sabemos qué buscar y qué tener cuidado, ¿ dónde buscamos buenas referencias fotográficas? Lo más probable es que estés tomando esta clase y probablemente tengas una profunda fascinación por los rostros. Si eres como yo, probablemente te guste observar a extraños y nerd fuera sobre lo interesante que crees que se ven sus características. Es probable que ya tengas una carpeta guardada con fotos de los rostros de las personas que te inspiran. Pero si no lo haces, Pinterest es un gran lugar para encontrar referencias fotográficas para prácticamente cualquier cosa que se te ocurra. Lo genial de Pinterest es que ya está algo curado para ti, así que cuando comienzas tu búsqueda, no tienes que deshierbar a través de fotos terribles que podrías encontrar en Google Images. Estas son fotos que han inspirado a otros y de alguna manera y los obligan lo suficiente para ser traídas a Pinterest. Ya se va a estrechar más su búsqueda. Empezaría a buscar hacia arriba, inspiración de retrato o una fotografía de retrato o cualquier cosa en esas líneas para que empiece su búsqueda. A partir de ahí, intenta encontrar una foto que te hable, y cuando hagas clic en ella, Pinterest reordenará automáticamente esta nueva página con imágenes similares a la que has hecho clic. O guarde estas fotos en su computadora o fíjelas en su tablero como carpeta de referencia a la que pueda volver a referir. Espero haberte equipado con suficiente información para salir por ahí y encontrar grandes referencias fotográficas para tus dibujos de retratos. Sé que ustedes probablemente están muy emocionados de llegar a la porción de dibujo de esta clase, pero antes de que lo hagamos, hay un tema realmente importante que quiero cubrir, y es una lección de formas. En la siguiente lección, estaré cubriendo lo que significan los artistas por el término formas. Por qué es importante, cómo reconocer estas formas de nuestras fotos, y cómo podemos usar formas en nuestros dibujos. Empecemos. 4. Formas: Estaré usando el término formas muchas veces a lo largo de esta clase. Por lo que pensé que debía dedicar toda una lección sobre el concepto de formas. Crear formas simples es una herramienta que los artistas utilizaron para organizar valores en su dibujo. Pero, ¿por qué es importante esta organización? Si alguna vez has estudiado iluminación en arte, probablemente has oído hablar del término agrupar valores, y aquí es donde las formas entran en juego. Como sabrás, la iluminación es un tema extremadamente complejo y avanzado para intentar aprender. Pero usar formas es esencialmente el acto de agrupar valores. Entonces si puedes entender este concepto de usar formas, entonces ya puedes empezar a aplicar iluminación en tu trabajo. Entonces déjenme demostrar cómo funciona esto. Aquí tienes una de las fotos que miramos en la lección anterior que utilizo como ejemplo de tener un fuerte sentido de la luz. Si quisiera simplificar esta imagen en dos formas, una siendo la forma de la luz, y la otra la forma de la sombra, es como podría hacerlo. Entonces así se vería como relleno, y contra un fondo blanco para representar la forma de la luz. ¿ Todavía te lee esto como a una persona? Espero que la respuesta sea sí. Ahora, volvamos a echar un vistazo a la foto, pero esta vez voy a usar el control de niveles, para empujar todos los valores de esta imagen, que todos los valores oscuros se agrupen en negro, y todos los valores más claros sean agrupados en blanco. Si miramos estos lado a lado, son muy similares, menos el hecho de que agrupé el fondo como parte de la forma de luz. Cuando los valores se agrupan así, podemos sentir claramente una sensación de luz y forma. Esta forma de luz y sombra es como nuestros ojos son capaces de leer una foto o imagen dada. En este punto, tal vez te estés preguntando, bueno , eso es genial y todo, pero no quiero dibujar así. No quiero dibujar Banksy, quiero dibujar un realismo. Bueno, amigos míos, así es como logran la calidad del realismo en sus dibujos. Esto es lo que utilizan los artistas para ayudarlos a condensar las complejidades de los valores hasta pasos muy prácticos y manejables. Porque confía en mí, no sé todo lo que hay que saber sobre la iluminación, pero sigo siendo capaz de conseguir una sensación de luz en mi trabajo, por esta comprensión de usar formas. Permítanme demostrarlo de nuevo utilizando como ejemplo un cuadro de John Singer Sargent. Sargento era conocido por su gran dominio de valores y yo recomendaría mucho estudiar sus obras para conocer mejor este concepto. Llevé esta foto a Photoshop, para mostrarte cómo si empujo los valores de esta pieza para agrupar ya sea en una forma de luz o en forma de sombra, cuán claramente sigue leyendo este retrato en solo blanco y negro. Entonces a partir de esta versión a escala gris del retrato, tomo una herramienta Cuentagotas y paso sobre las zonas más claras, donde se agruparía en la forma de luz. Mira cómo se mueve el pequeño cursor que nos dice de qué color estamos recogiendo en la rueda de color al pasar el rato sobre esta zona en la pintura. Observe cómo rebota muy cerca entre sí en este rango superior de valores. Ahora, cuando tomo la herramienta Cuentagotas y paso el cursor sobre el área de sombra, note que es mucho más oscuro, y no va a ninguna parte cerca del rango de valores cerca de la parte superior de la rueda de color, cuando estaba flotando sobre los valores de luz. Esto se debe a que Sargento fue un maestro en agrupar sus valores, para que hubo una clara separación de luz y sombra, pero también gran variedad dentro de esas formas que lo hacen más interesante que solo un blanco y negro crujiente imagen. Al estudiar a partir de los dibujos de estos viejos maestros, puedes aprender mucho sobre dónde gastaron gran parte de sus esfuerzos. Es extremadamente útil bloquear en tu dibujo en formas como esta porque entonces es mucho más fácil ver dónde vas a sombrear en tus valores más oscuros. Porque sin él, tienes una cantidad casi infinita de valores con los que tratar de trabajar, pero después de agrupar estos valores en dos formas separadas, ahora es un grupo de rango de valores mucho más estrecho para elegir. Cuando uno entra en el dibujo sin establecer primero la declaración de valor simple de luz y sombra, existe un riesgo mucho mayor que el dibujo se sienta plano y wishy-washy, porque tus valores podrían estar por todas partes, arrojando la ilusión de la luz. Para ayudar a solidificar aún más esta comprensión de las formas, echemos un vistazo a algunas fotos más y veamos cómo podemos agrupar los valores que estamos viendo abajo en estas dos formas simples. Si tienes curiosidad por cómo estoy haciendo este ejercicio, solo traigo la foto a Photoshop, luego creo una nueva capa llena de blanco con la opacidad más baja para ayudarme a ver mejor mis líneas. Después tomo un cepillo redondo duro y solo presiona la “Tecla Mayús” al siguiente punto que quiero hacer, para hacer una línea recta frente a mi punto anterior. Utilizo líneas rectas para que no me pierda en los matices de cada pequeño bache en las formas. Me parece que la forma se ve más estructural con líneas rectas. Estoy tratando de decidir dónde colocar las líneas para dividir el área de sombra del área de luz. Algunas áreas son más sutiles en sus cambios de valor que otras, por lo que no siempre es fácil saber dónde colocar una línea. Durante este proceso, me gusta ocultar estas capas y revisar de nuevo en la foto periódicamente para ver si las formas se ven bien, porque si se ve un poco gracioso, entonces probablemente signifique que está mal. En cuyo caso, lo redibujaré hasta que empiece a leer mejor. A lo largo de estos ejemplos, probablemente habrás notado que las entidades también se agrupan en estas formas simples. Esto es muy importante tener en cuenta, porque para poder usar formas de manera efectiva, tienes que entrenar tus ojos y cerebro para olvidarte de lo que crees que sabes sobre cómo se ve algo. Trata de no ver un ojo como un ojo o una nariz como una nariz, sino como parches de diferentes valores. Es por ello que buscar fotos con un fuerte sentido de la luz es tan importante como mencioné en nuestra lección anterior, para que puedas identificar más fácilmente estas formas, para que sepas dónde usarlas. Esta forma de ver cosas previamente familiares repentinamente en abstracción, es muy difícil sacar la cabeza al principio. Se necesita práctica constante y reafirmar tus conocimientos a través de ella. Esperemos que por ahora tengas una mejor comprensión de identificar y usar formas, porque realmente es imperativo en mi proceso y lograr la calidad de vida y la creíbilidad en mis dibujos de retratos, aunque estén en más lado estilizado. Si hasta ahora esto ha sido toda información nueva para ti y te ha ido un poco por encima de la cabeza, déjame asegurarte que en nuestra clase, vamos a estar trabajando desde referencias fotográficas, que ojalá hagan este trabajo de dibujar formas mucho más fáciles que tratar de sacar de nuestra imaginación, y tener que inventarlo todo por nuestra cuenta. Entonces no entres en pánico, tómate tu tiempo. Te podría quedar más claro a medida que vamos más allá en nuestra clase una vez que realmente probemos este concepto en nuestros dibujos. Para poner a prueba tu comprensión de este concepto antes de seguir adelante con el resto de la clase, te animaría a hacer algunos ejercicios para identificar y dibujar formas. Si tienes Photoshop, intentaría dibujar formas sobre algunas fotos sobre una nueva capa como lo he demostrado en esta clase. Si no tienes acceso a Photoshop u otro software de dibujo digital, simplemente puedes sacar una copia impresa de algunas fotos y dibujar directamente sobre ellas. O toma algún papel de calco para que puedas practicar varias veces. Entrena tus ojos para identificar dónde puedes convertir ciertas áreas en estas formas, y consigue una sensación para dibujar formas geométricas simples porque esta es una habilidad muy valiosa para tener como artista. Si eres persistente y empiezas a ver oportunidades para convertir cosas complejas en formas, y empezar a aprovechar el poder de usar formas, te prometo que ese es realmente el secreto para tomar tus habilidades de dibujo al siguiente nivel. Se trata de una herramienta que estarás utilizando, no solo en el dibujo de retratos, sino en todos los aspectos del dibujo y la pintura. Entonces realmente espero haber subrayado suficiente la importancia de ello en esta lección, porque si algo más, esta es la comida para llevar más grande con la que espero que te vayas en esta clase. Pero claro, aún queda mucho por venir. Ya deberías tener una gran referencia fotográfica inspiradora desde la que trabajar, y la comprensión de las formas para llevar contigo a la etapa de bloqueo donde todo esto entra en juego. Vamos a meternos en ello. 5. El bloqueo: El bloqueón. El bloqueón es posiblemente la etapa más importante en el proceso de dibujo de retratos. Es como un plano para tu dibujo que viene con un conjunto de instrucciones muy útiles. Debería decirte lo grande que es tu dibujo en relación a la superficie en la que estás trabajando. También debería decirte dónde colocar las características, y esperemos que te diga cómo abordar el sombreado estas características para que sepas dónde colocar tus esfuerzos. Dibujar la cabeza humana es un reto, por lo que es vital tener un plan entrando en ella. En esta lección, voy a demostrar varias formas en que me gusta acercarme a mis block-ins. Discutiré lo que debemos buscar en un gran bloqueo, e introduzco consejos para conseguir que las cosas se coloquen con precisión, como identificar puntos de referencia para ayudar a colocar entidades en tu dibujo. Al final de la lección, deberías estar bien equipado bloqueando tu dibujo de retrato para el éxito. En nuestra lección anterior, te mostré cómo puedes identificar y dibujar formas de sombra a partir de referencias fotográficas. Pero, ¿cómo se dibuja la estructura subyacente de la cabeza? Creo que si aprendes a descomponer la referencia fotográfica en formas simples y reconocibles, y familiarizarte con ciertos puntos de referencia que puedes indicar rápidamente para mapear fácilmente la cara, entonces no tienen que tener una comprensión completa de los planos de la cara o de la anatomía subyacente antes de saltar al dibujo de retrato. Después de todo, todos tenemos que empezar por alguna parte, y no creo que yo tenga una comprensión completa de la anatomía yo mismo, pero me he entrenado a lo largo de los años para saber lo suficiente qué buscar para poder dibujar la cabeza de manera efectiva. Con todo lo dicho, echemos un vistazo a esta foto y veamos cómo la he desglosado por acercarme al bloque. Quiero ilustrar lo que pasa en mi cabeza cuando estoy mirando una referencia fotográfica, y analizando cómo puedo ir a dibujarla. Cuando miro una foto, trato de no perderme en los matices de todo lo que estoy viendo. En cambio, tratando de escoger los principales hitos que puedo utilizar para indicar rápidamente en mi dibujo, para ayudar a servir como puntos de anclaje de los que puedo medir para rellenar el resto de la cara. La definición de qué puntos de referencia están en una cara probablemente diferirá de artista a artista, pero para mí, son los siguientes: las esquinas de la boca, la línea de la boca, la parte inferior del labio, las fosas nasales y la parte inferior de la nariz, la bola de la nariz, la cresta del hueso de la frente que se encuentra con la nariz, las esquinas internas de los ojos, las cuencas de los ojos, los pómulos, y la línea del cabello del tamaño de las orejas. Estos hitos son las partes fácilmente reconocibles a través de los rostros de las personas. Al indicarlos en nuestros dibujos temprano, nos ayudan a llenar el resto de la cara. Observe que estoy tratando de usar líneas rectas tanto como sea posible. Eso se debe a que el uso de líneas rectas te ayuda a pasar por complejidades innecesarias que podrías ver en la superficie, y te ayuda a obtener el ángulo general en su lugar, o un resumen de lo que está pasando. Observe cómo su cabello está un poco desordenado aquí, y por lo tanto, es un poco más difícil ver cómo dibujarlo de una manera sencilla. Esto es lo que no recomiendo, que es copiar lo que ves linea por linea, recogiendo todos los pequeños pelos voladores y las curvas que ves por aquí. En cambio, ver más allá de los pelos para obtener la forma general del cabello debajo. Este es un consejo realmente grande y algo que ha mejorado drásticamente la calidad de mis dibujos de retrato, que es usar líneas rectas siempre que puedas para una declaración más fuerte y simple. Después de todo, una sola línea recta es más fácil para nosotros medir y dibujar, que una serie de líneas diferentes yendo en muchas direcciones diferentes. Me parece que el uso de líneas rectas sobre líneas curvas me da una mejor sensación de la estructura. Espero que puedas ver cómo colocando estos hitos en, se hace mucho más fácil dibujar las formas generales de las características a partir de ahí. Con el tiempo, empezarás a reconocer estas formas similares, y desarrollarlas como abreviaturas para usar en entidades de dibujo. Estas formas abreviadas obviamente cambian dependiendo de las características individuales de la persona. no hablar de diferentes expresiones y ángulos de visión cambiarán enormemente su aspecto. Pero note que todavía hay similitudes subyacentes. Todos parecen tener una estructura similar, y eso se debe a que nuestros cráneos tienen una estructura similar a pesar las diferencias únicas que nos hacen lucir diferentes unos de otros. El mayor error que los principiantes tienden a cometer cuando van a dibujar de referencias fotográficas, es intentar copiar todo lo que ven línea por línea. Esto da como resultado la creación de líneas que no son confiadas, no intencionales, y wishy-washy, que no prestan a un sentido de estructura. Te recomiendo encarecidamente si este concepto de identificar puntos de referencia y desarrollar una taquigrafía para formas es nuevo para ti, entonces intenta practicar tu comprensión haciendo el mismo tipo de ejercicios que hice. Porque tener esto en tu kit de herramientas te permitirá dibujar más rápido y creerlo o no, manera más precisa y estructuralmente que copiar una línea de foto por línea. Ahora que tenemos un entendimiento de identificar puntos de referencia y dibujar formas abreviadas para las características, echemos un vistazo a algunos de mis dibujos de bloqueo y veamos cómo les he acercado. Normalmente empiezo de cualquiera de las dos maneras; dibujando un círculo para representar la colocación de la cabeza en la página, o trato de obtener primero la silueta de la forma general de la cabeza. A partir de ahí, mido hasta la barbilla para obtener la longitud general de la cabeza. Entonces desde la barbilla, extendí la línea de nuevo hasta el círculo para obtener un ángulo general para la línea de la mejilla, y así como la línea de la mandíbula, luego encontrando la silueta general de la cabeza. Dibujo líneas horizontales en su mayoría para ayudarme a tocar los ojos adecuadamente a lo largo del mismo plano, para que no se sientan incómodas. Las líneas verticales son útiles para saber dónde está el medio de la cara, por lo que puedo aplicar el escorzo adecuado a los rasgos del costado de las caras, retrocediendo en perspectiva. Esto también se conoce como líneas medias, y ayudan a mostrar la perspectiva en la que se encuentra el rostro. Después de conseguir la colocación general de la cabeza hacia abajo en la página, verás que estos hitos son típicamente con lo que empiezo los block-ins. Entonces encuentro las características de los hitos y llene el resto de la cara a partir de ahí. Ya que algunas cosas son más fáciles de jugar algunas otras dependiendo de la referencia, bloqueando en una cosa, entonces usar eso como guía para llenar el resto como un rompecabezas es generalmente cómo me gusta acercarme a mis block-ins. Una cosa te da contexto para varias otras cosas a su alrededor, así que mis ojos siempre están rebotando por ahí usando lo último que puse en el papel como guía para ayudarme a hacer mis próximos movimientos. Al trabajar fuera de referencias fotográficas, soy más fan de sólo ver lo que hay en la foto, que armar orgánicamente las piezas del rompecabezas, empezando por las mediciones más fáciles identificables primero, luego construyendo a partir de ahí. No tengo una forma estricta de acercarme a ellos, y muchas veces sólo depende de la foto, cómo voy a hacerlo. Como pueden ver, estoy tratando de obtener el resumen general de los ángulos mayores que estoy viendo. No estoy tratando de clavar todos los matices que veo en la superficie de inmediato, eso puede venir más tarde una vez que primero establezca el marco básico. Ahora que sus formas mayores están más o menos en su lugar, sí entro para obtener los matices de su rostro. Hubiera sido mucho más difícil para mí tratar de sacar este conjunto de ángulos más complejo directamente del bate, que sólo esta sola línea que representa el resumen general de esta área. Leí por la boca ya que sentí que no captaba del todo la ligereza de la misma en mi pase inicial. No tengas miedo de redibujar las cosas. Queremos cometer nuestros mayores errores durante esta etapa de bloqueos antes de entrar en el sombreado. Recuerda, nada se pone en piedra en este punto. Al final, lo que ves es un dibujo de bloque donde he planeado las características así como algunas de las formas de sombra que vi de la foto. Ten en cuenta que parte de las entidades también caen en la categoría de forma de sombra. Si bien estoy dibujando, estoy pensando hacia adelante y tomando nota de lo que estoy agrupando como parte de la sombra y por lo tanto donde voy a sombrear. Si esto no te excita, no te preocupes, vamos a acumular a partir de esto abajo de la línea. Te prometo que una vez que empieces a sombrear, empezará a tener más sentido. Antes de pasar a la siguiente lección, me gustaría que pusieran en práctica algunos de estos conceptos y consejos, y que se sintieran los bloqueos en sus dibujos de retratos. Encuentra algunas fotos o usa las mismas de las que trabajo y practico el bloqueamiento en algunas cabezas. Pero primero, familiarízate con identificar puntos de referencia, y practica indicarlos rápidamente en tu dibujo, para ayudarte a dibujar las características con mayor precisión. Practica indicar las entidades en el menor número de líneas posibles mediante líneas rectas en lugar de muchas líneas de wishy-washy para obtener la impresión general de lo que estás viendo. Espera hasta que hayas conseguido primero la simple declaración de la cabeza, antes de pasar a conseguir todos los matices de las características y la estructura facial. Pero recuerda, no tienes que llevarlos a un final, y ciertamente no tienen que ser extravagantes. Un bloqueón es solo para ti, un conjunto especial de instrucciones para que sigas y no realmente nadie más. También animaría a documentar su propio proceso de bloqueos, y observar cómo puede diferir del mío para obtener algunas ideas sobre su propia mente y proceso de trabajo. Mientras estés en ello, no te olvides de tomar algunas fotos. Poder mirar hacia atrás en esta etapa de bloque, podría ser muy interesante comparar más adelante con tu dibujo terminado. no hablar, hace para una gran publicación en Instagram cuando compartes tu progreso. Por ahora, espero haber compartido suficientes conocimientos y herramientas contigo para prepararte para un gran dibujo de retrato. Pero antes de meternos en la parte divertida de construir el dibujo, vamos a retocar el sombreado, más en la siguiente lección, nos vemos allí. 6. Sombreado: Antes de entrar en la construcción de nuestro dibujo, quiero tocar rápidamente el sombreado. ¿ A qué me refiero con sombreado? sombreado es el acto de aplicar un valor más oscuro para indicar a dónde gira la forma desde la luz. Ya que esta parte de la forma está mirando contra la luz, sombreamos más oscuros para indicar que está en sombra. Para nuestros propósitos y lo que quiero que te alejes de esta clase, será tomando las formas de sombra que bloqueamos en la lección anterior para guiarnos hacia dónde sombrear. Nos vamos a estar concentrando más en establecer incluso parches de tono, lugar de crear gradientes de tono que podrían ser una forma más familiar de dar forma para algunos. Queremos crear parches de tono lo más parejos posible, porque en nuestros dibujos, queremos que nuestra declaración de iluminación brille no necesariamente la marca individual. No te preocupes, habrá espacio para jugar con la marca haciendo una vez que hayamos establecido firmemente una base sólida para nuestro dibujo. Cuando sombra, no me preocupa tratar de crear un look atractivo con alguna técnica especial de sombreado, porque no creo que tenga una. Eso en realidad es una gran noticia para esta clase ya que significa que lo que haga destacar mi retrato dibujo, no se debe a algo que podría ser difícil de replicar y aplicar en tu propio trabajo. Si sí tienes una forma de acercarte al sombreado que puede ser diferente a la mía, te animaré a que pruebes la forma en que demostré la clase al menos mientras seguimos construyendo nuestro dibujo. Generalmente me gusta mantener mis líneas yendo en la misma dirección dentro cada parche de sombra con el que estoy trabajando para mantenerlo lo más parejo posible. Líneas que van en todas las direcciones diferentes, crearán demasiado ruido y correrán el riesgo de que algunas zonas se vuelvan innecesariamente más oscuras que otras por accidente. Aquí está el mayor error que los principiantes tienden a cometer a la hora de sombrear, que es mezclarse entre sus luces y sus sombras. Se desaconseja mezclar porque queremos preservar las formas que hicimos, distinguiendo entre la luz y la sombra lo más clara posible por el mayor tiempo posible. Mezclar entre ellos, difuminará estas líneas diluyendo esa declaración de valor que acabamos de hacer. Por suerte para nosotros sin embargo, podemos evitar hacer eso porque ya hemos bloqueado las formas de sombra para que sepamos exactamente dónde sombrear y concentrar nuestros esfuerzos. Ahora, hablemos del palo mezclador porque hay algunas cosas que saber antes de usarlo. Se puede inclinar por un lado para usar un borde amplio expuesto del bistec para sentar una calle de tono. También puedes usar la punta del palo para una aplicación más controlada para meterte en áreas más pequeñas. Normalmente uso el palo de mezcla cuando quería poner rápidamente una capa uniforme de tono en un área grande. A veces me pego mezclador utilizable para suavizar algunas de mis líneas de sombreado cuando tienen un aspecto un poco irregular e inconsistente, y por lo tanto, distraen. El palo de mezcla puede ser muy útil para disminuir el contraste ya que ayuda a suavizar cualquier borde distrayente y variantes y valores. Pero trato de usar esto lo más moderadamente posible y trato de no usarlo en todo mi dibujo ya que tiene una tendencia a hacer que las cosas se vean muy suaves por todas partes. Siempre tengo mi lápiz a mano para sacar de nuevo algunas de las líneas que podrían haberse vuelto un poco blandas con el palo de mezcla. Lo más grande a tener en cuenta es de nuevo, no uses un palo de mezcla para mezclar entre las formas de luz y sombra. Sé que es un poco contrario a su nombre, pero mezclando entre un valor oscuro y un valor de luz para crear una transición pareja entre ellos, en realidad es algo difícil de hacer con el palo de mezcla y a menudo encuentro que tengo mejores resultados y más control si lo hago a lápiz. En última instancia, cómo sombreas, es una elección artística personal pero con el propósito de esta clase, sugiero mantenerla limpia e incluso para empezar. El principal punto de partida de esta lección, es seguir sombreando simple incluso una intencional, y usar una mano ligera para empezar. Tenemos algo de espacio para acumular los valores más oscuros a medida que avanzamos. Siguiente paso, por fin estamos listos para empezar a construir un retrato de dibujos. 7. Construir el dibujo: Ahora por fin estamos listos para empezar a construir nuestro bloque en y desarrollar nuestro retrato. Pero, ¿cómo debemos proceder? Después de haber hecho muchos dibujos de retratos para prepararme para esta clase, he identificado y desglosado mi proceso en pasos manejables que puedes seguir junto con. Pero tenga en cuenta que si bien voy a presentar esta lección en pasos, cuando estoy construyendo sobre mis dibujos, sí tiendo a saltar de paso a paso. Toma lo que puedas de mi proceso destilado hacia abajo y construye tu propio proceso encima de él que mejor se ajuste a tu propio ritmo de dibujo. Con eso dicho, empecemos. Relleno en las formas de sombra. Aquí es donde realmente entran en juego nuestras formas del bloque en el escenario porque enfoco toda mi atención en estas áreas. Si fuiste diligente en tu bloque adentro y bloqueaste tus formas de sombra así, entonces esta parte del proceso realmente debería ser tan fácil como colorear en un libro para colorear. Solo estoy buscando las formas que había dibujado en el bloque en el escenario y sombreándolas con un tono claro para empezar a construir nuestra declaración de iluminación. Cuando estoy sombreando, estoy tratando de aplicar mis trazos de la manera más uniforme y consistente en presión posible como para no crear ningún cambio de valor innecesario dentro de la sombra. Hay ciertas áreas en el bloque en donde no estaba del todo seguro si bloquear como parte de la forma de luz o parte de la forma de sombra, como las mejillas o partes del cabello, por ejemplo, porque los cambios de valor en estas áreas fueron más sutil en la foto. Me gusta dejar sombreando áreas complicadas como esta hasta más tarde. Intento evitar el sombreado en las zonas de luz hasta que se hayan sombreado todas las formas de sombra que bloqueé. Una vez que comienzas a sombrear las áreas de luz y le traes valores más oscuros, se vuelve confuso con las formas de sombra en esta etapa temprana cuando los valores aún no se han construido. Intento mantener estas áreas tan separadas por el mayor tiempo posible. Piensa de nuevo en nuestra lección de forma de esta descomposición de huesos desnudos de valores en luz y sombra. Cuando estoy sombreando, estoy haciendo todo lo posible para tener en cuenta esta simple declaración justo lo que hay en la luz y lo que hay en la sombra, tratando de averiguar qué áreas necesitan ser sombreadas para que pueda acercarla lo más posible a la declaración. Tallando las características. Una vez que hayas rellenado tus formas de sombra, tu dibujo debería verse algo así. Con la capa inicial de sombreado en su lugar, me resulta más fácil ver a dónde tienen que ir las cosas, así que me siento más segura entrando con marcas más oscuras para empezar a sacar las características. Yo [inaudible] con el escenario de tallado porque realmente sí siento que estoy tallando los rasgos, como si estuviera esculpiendo, si comparando la etapa anterior con más o menos moldeando las formas mayores de un busto. Ahora estoy empezando a estrecharme y alejarme lentamente de las características y descubrirlas desde las formas de sombra. Concentro mis esfuerzos en las principales características primero, sobre todo en los ojos ya que ese suele ser el punto focal de un retrato. Estoy siendo más cuidadoso con las marcas que estoy haciendo porque ahora me voy un poco más oscuro y quiero empezar a bajar temprano los matices de las características. Es importante recordar no quedar demasiado oscuro en este punto porque todavía queremos dejar algo de espacio para construir nuestros valores y valores muy oscuros demasiado temprano en esta etapa podrían desechar las relaciones de valor. Queremos acumular a nuestra oscuridad valores poco a poco. Podrías estar preguntándote, como me estás viendo dibujar este retrato, que todo esto parece dolorosamente lento, eso es porque lo es. Cada marca que hago, estoy haciendo una pausa y comprobando si se siente bien. Quiero asegurarme de que estoy preparando el dibujo para el éxito ya que lo que siento acerca de cómo va el dibujo es muy crucial para su desenlace. Necesito sentir que va bien y que va en la dirección correcta y desarrollar el dibujo más allá realmente me ayuda con eso. No tómate el tiempo para dibujar bien las cosas la primera vez, como conseguir la forma correcta para las fosas nasales y conseguir la distancia correcta de los párpados. Los pequeños matices de las características del tema a la mano, siento que realmente hace una diferencia en el retrato general, y así vale la pena hacerlo justo antes que después. Quiero saber cuándo entro en mayor construcción de los valores que estaré trabajando de una buena base. Una vez que me siento más confiado en el dibujo, empiezo a escoger algunas líneas para ayudar a fortalecer el sentido de las formas y limpio mis formas a medida que voy dibujando alrededor de ellas que se vean más decididas y diseñadas. Construyendo los valores para fortalecer la declaración de iluminación. Con las características empezando a sentirse más definidas y dibujadas de una manera que es agradable a mis ojos, me siento confiado en ir más allá para desarrollar el rango de valor en el retrato y profundizar algunas de las formas de sombra para un dibujo más dinámico. Como mencioné antes, estamos poniendo la mayor parte del esfuerzo en las formas de sombra, por lo que realmente se trata de capas encima del sombreado que ya hemos hecho en la primera parte del proceso de construcción. Lentamente saco las formas fuera de las características, también, poniendo estos valores más oscuros. Observe cómo casi no he hecho ningún trabajo en las áreas ligeras. Eso se debe a que la mayor parte de la información visual está en las zonas de sombra, no en la luz. Aunque, cuando sí empiezo a trabajar en la forma de luz, trato de tener una mano realmente ligera con ella para que no confunda estas áreas con la forma de sombra. Como todos recordáis de nuestra lección de forma, recordad lo cerca que John Singer Sargent mantuvo sus valores a la luz. Tenemos que hacer lo mismo en nuestro dibujo para que cada área lea como luz y sombra. Cualquier marca que pongamos en el área de luz que bloqueamos tiene que ser más clara que el área de sombra. Mis ojos están constantemente saltando alrededor del dibujo y de vuelta a la referencia fotográfica, viendo dónde puedo mejorar el dibujo, si es cada vez mejor parecido o haciendo formas de sombra más limpias y geométricas fuera del sombreado que he hecho. Estoy sombreando, se me hará más evidente Si no debería haber agrupado algo en la forma de la sombra, o viceversa en la forma de la luz. Voy a rediseñar algunas de las formas a medida que voy, ya sea oscureciendo y area o borrando y levantando el valor de vuelta hacia fuera. En este punto, estoy tratando de definir más las mejillas que la cara se sienta más tridimensional. Se puede ver aquí que estoy empujando esta parte de la mejilla hacia la sombra con forma de oscurecerla más porque no se sentía lo suficientemente oscura. Estoy tratando de encontrar la mejor y más atractiva manera de redibujar esta forma por aquí, ya que siento que esta zona es un poco ambigua y ocupada al mirar la forma negativa. Decidí combinar las formas de sombra de esta zona para una declaración más simple. Observe cómo repaso toda el área de manera uniforme con el sombreado para mezclar las formas juntas y ayudar a que esa área se sienta más cohesiva. Es importante tener en cuenta que puedes seguir siendo las cosas flexibles y arregladas a medida que avanzas. Si un área que agrupaste como parte de la sombra se siente demasiado pesada y oscura, tal vez se vea mejor en la forma de luz y por eso necesita ser iluminada o tal vez incluso borrada por completo. No tienes que tener las formas elaboradas perfectamente para empezar, siempre estoy rediseñando mis formas a medida que voy en el dibujo. Empiezo a prestar más atención al cabello de este punto. Entonces me di cuenta de que la parte inferior de su cabello se sentía demasiado enrevesada con todas las líneas yendo en diferentes direcciones y los valores de amplio rango que había ahí. Lo que pasó es que me perdí en los matices del cabello ahí, tratando de escoger cada mechón individual de cabello sobresaliendo, en lugar de ver la gran forma general del cabello. Tomé el palo de mezcla y desdibujé las líneas para formar una forma más grande, más simple. Me gusta trabajar en el cabello más adelante en el proceso y enfocar mis esfuerzos en la cara primero, ya que el cabello es más una forma secundaria que se sienta encima de la estructura subyacente de la cabeza. Además, me acaba de encontrar el cabello un poco difícil de acercarme a veces, sobre todo cuando no reconozco de inmediato las formas que hay dentro de ellos. A mí me gusta dejar que el dibujo se desarrolle primero para poder diseñar las formas a medida que voy. Cuando estoy construyendo los valores en la imagen y fortaleciendo la declaración de valor que hicimos con las formas de sombra, me gustaría preguntarme, ¿hay algún valor blanco distraedor dentro de las sombras? Si es así, considera derribarlo con el palo de mezcla o sombrearlo encima. Siempre sospeche de cualquier cosa en el retrato que destaque y le llame demasiada atención, y considere si volver a las formas simples es en última instancia una mejor declaración general, y algo que se lee como desordenado y confuso. Prioriza primero una lectura de las grandes formas simples, luego podemos sacar los detalles por encima de la parte superior más fácilmente. Finalizando el dibujo. Este es el escenario o me siento lo suficientemente confiado en la dirección el retrato va a empezar realmente a comprometerse con lo que tengo abajo en la página. Ahora que hemos construido suficientes nuestros valores y nuestra declaración de iluminación, estoy cambiando mi cerebro para pensar más en términos de diseño y dibujo y líneas que solidifican el retrato y crean una atractiva hoja de ruta visual para el punto focal. Encuentro que para este punto, estoy mirando menos a la referencia fotográfica y más trabajando fuera de lo que tengo abajo en la página para descifrar mis próximos pasos. Te darás cuenta de que estoy saltando de un punto a otro por todo el retrato, y eso es porque constantemente estoy dando un paso atrás y tratando de mirar el panorama general cuando estoy haciendo estas marcas más finales y el dibujo. Siempre que hago una marca, impacta el aspecto de toda la imagen y siento la necesidad de equilibrar esa marca anterior de alguna manera. Cada marca que realices en la página es de peso visual, por lo que debe haber alguna consideración de cómo afecta la composición general del dibujo. Por ejemplo, quería que el cabello del lado derecho se sintiera realmente brillante, así que puse un valor más oscuro para el fondo para que tuviera algo con lo que contrastar. Observe cómo en cuanto empecé a poner muchas marcas en esta esquina, mi instinto es saltar a la esquina opuesta de la imagen o equilibrar la forma visual que acabo de crear. Es importante notar entonces cómo cada marca que haces te da más contexto para dibujar en términos de qué hacer y qué no hacer. Cuando te sientas atascado, solo sigue avanzando y dibuja un viene a la mente y ve desde ahí. Incluso si termina siendo un error que tienes que borrar, aún te ayudará a informar tus próximos movimientos. Algo que me atrajo la foto inicialmente fueron los mechones de pelo callejeros que tienen tanto movimiento en ellos, y definitivamente quería usar ritmos para llamar la atención de nuevo a la cara. Algo que realmente me gusta hacer en esta etapa es ver el dibujo manera abstracta para extraer elementos de diseño del propio dibujo. Por ejemplo, estaba viendo esta forma de media luna oscura que se formaba aquí y estaba ayudando a equilibrar la gran forma de sombra del otro lado. Observe también la forma por el pelo aquí que también es similar. Fortalezco la forma del mismo para que sea más reconocible, no por ningún sentido de lógica real, sino porque me gustó como elemento de diseño. Una vez que fortalezco esa forma, realmente sentí que estas tres formas enmarcan el rostro muy bien. Ver formas similares como esta que se repiten en otras partes de la imagen hace que el diseño se sienta más cohesivo e intencional. Es más fácil y se siente más natural tomar lo que ya está abajo en el papel en lugar de tratar de imponer algún elemento de diseño arbitrario en la imagen después del hecho. Cuando estoy cerca del final del dibujo de retrato, me gusta echar un último vistazo a las características para asegurarme de que tengo la impresión de que quiero con ellas. El carácter de esta referencia fotográfica y también el rostro de la modelo le tienen una vibra muy angelical. En lugar de dejar su expresión facial más neutral como está en la foto, decidí darle un poco de sonrisa, así que subo ligeramente las esquinas de su boca para que su expresión fuera menos vaga y más intencional. Es una cosita tan diminuta, pero siento que hace una gran diferencia en el aspecto general de la imagen. En última instancia, se llega a decidir lo que se pone en la imagen. Siéntete libre de tomar ciertas libertades artísticas como esta, porque no hay ninguna regla que diga que tenemos que copiar la foto como la vemos. Como artistas, tenemos el poder y el permiso para manipular ciertos elementos para que se ajusten a nuestra declaración deseada. Por este punto del proceso, deberíamos tener un dibujo que parezca terminado. Pero, ¿qué hace que aparezca terminado un dibujo? He hecho una pequeña lista de comprobación por la que puedes pasar para ver si tu dibujo se está acercando. Si bien paso por esta lista de comprobación, echemos un vistazo a este retrato de principio a fin para ver cómo todo se une. ¿ Se leen las características? ¿ Se sienten las características manchadas y planas en la cara? Si es así, es probable que aún necesites acumular tus valores más oscuros para que sientan que tienen sentido de forma. Si bien mis características comienzan a sentirse un poco blandas y perdidas, me gusta volver al modo de dibujo y simplemente sacarlas de vuelta, aunque ser ligero con astronauta crea contornos innecesarios. ¿ Está clara la dirección del ojo? Esto suena bastante sencillo, pero me parece que la ejecución de los ojos realmente puede hacer o romper el dibujo porsche. Apenas el poco más pequeño de discrepancia en cómo el iris está sentado dentro del ojo y cuánto la tapa está cubriendo el iris hace una gran diferencia en cómo percibimos la dirección del ojo y la expresión de los ojos. Constantemente cruzando referencias con tu referencia fotográfica para ver si la intención de los ojos se está traduciendo a tu dibujo realmente ayuda a marcar una gran diferencia. Arr ahi distrayendo valores de luz dentro de las sombras? Asegúrese de escanear el dibujo en busca cualquier valor de luz en la forma de sombra que esté distrayendo, ya que puede desechar la lectura del mismo. Un repaso rápido con los palos de mezcla no deben estas áreas hacia abajo para que no llamen demasiada atención, y atractivo sentido del ritmo. ¿ Los ritmos y el dibujo llevan de vuelta a los ojos? Los ritmos es un concepto un poco abstracto y así me ha sido difícil tratar de explicarlo. Pero me gusta comprobar si los ritmos y la imagen que se crea por los elementos secos se componen de una manera que en última instancia conduce al punto focal de la imagen. Incluso en los dibujos de las personas que están muy sueltos, si los ritmos y el dibujo son exitosos en llamar la atención sobre el punto focal y el punto focal tiene suficiente de una recompensa o el espectador, entonces incluso un dibujo suelto o pintura se siente terminado. Cuanto más lejos voy en mi propio viaje artístico, creo que un retrato cuidadosamente diseñado se ve más acabado e impactante que un retrato que acaba de ser renderizado de arriba a abajo. Esta es solo una pequeña lista de cosas, reviso para ver si mi sensación de dibujo está hecho. Aviso Dije sentir porque este es un asunto muy subjetivo y terminado significa algo muy diferente a cada artista. Pero creo que es un buen lugar para empezar. Desde el inicio de esta clase, mi objetivo fue montarte con los conocimientos y las herramientas para poder tomar tu referencia fotográfica y construir un sólido dibujo de retrato desde cero. Pero, ¿y si pudiéramos ir más lejos de aquí? En la siguiente lección, presentaré algunos conceptos que están involucrados en lo que creo que hace que un dibujo sea genial, para ojalá te muestre cómo llevar tu dibujo al siguiente nivel. 8. Técnica: pérdida de líneas innecesarias: Perder líneas innecesarias. Esta técnica es donde trato de suavizar o incluso perder por completo cualquier línea me siento innecesaria en la imagen para una declaración más limpia en general. Esto se debe a que los contornos no son cómo se presenta la vida real. necesitábamos antes en el proceso de dibujo para saber a dónde van las cosas en nuestro dibujo pero ahora podemos darnos el lujo de perder algunos ya que pueden desechar la calidad del realismo que queremos lograr con nuestra declaración de iluminación. Echemos un vistazo a algunos ejemplos. Busco líneas o cualquier borde duro de mi dibujo que sobresalgan. Me pongo muy desconfiado de ellos y pienso si el dibujo podría pararse por sí solo sin ellos. Aquí suele ser un gran lugar para buscar estos. Como siento tenemos una tendencia a querer indicar cada mechón de cabello como contornos separados, por lo que a menudo termina luciendo un poco demasiado ocupado y exagerado. Lo que me gusta hacer en este caso es tomar el palo de mezcla y derribar algunas de las líneas para que se convierta más en un parche de valor que en un montón de líneas distintas. Me resulta mucho más fácil y francamente más atractivo tratarlo de manera muy gráfica así, donde lo trato como una forma grande y pierdo tanto del detalle dentro de ella. Tratándolo así de manera sencilla, no sólo llama tu atención sobre la cara, sino que también ofrece un cumplido textural al panorama general porque la cara probablemente fue tratada con detalles más finos. Nuestros ojos encuentran interesante esta diferencia y textura a la vista. A menudo pienso que un dibujo se ve mejor si lo subestimamos que exagerado, derramando todo para el público en lugar de dejarlos llenar los espacios en blanco por su cuenta. Aquí hay otro ejemplo donde decidí ir en contra por complicar el cabello y fui por una solución más gráfica. Como se puede ver cuando me acerqué por primera vez al cabello, estaba dibujando muchas líneas tratando de indicar lo que pensaba ver en los matices de su cabello en la foto de referencia. Pero rápidamente me di cuenta de que eso no era necesario y todo lo que realmente necesitaba era la forma general del cabello y para transmitir que es un valor más oscuro que el resto de la imagen. Tomé el palo mezclador y ablandé todas las líneas mientras también cubría toda la forma del cabello en un valor más oscuro. Al instante me gustó más el dibujo una vez que hice eso. Los contornos distraen intrínsecamente porque son cosas a las que nuestros ojos pueden agarrar. Si puedes encontrar lugares para deshacerte de cualquier contornos redundantes, pruébalo. Ve cómo te parece eso cuando das un paso atrás del dibujo. Ya que las líneas son bastante fáciles de dibujar de nuevo, creo que vale la pena intentar ver si puedes perder algunas para terminar con una declaración más simple y más poderosa. 9. Técnica: luz llena: Esta es una técnica donde imagino que la luz que golpea la parte de la cara es tan brillante que está rebotando y derramándose hacia la atmósfera, creando una mirada casi brumosa en el dibujo. Imagínalo así. La luz está llegando a tus ojos como espectador y es tan brillante que no puedes hacer que todos los detalles sean muy claros. Es como cuando vas a tomar una foto y hay tanta luz entrando a través de la lente. Esto da como resultado que la foto esté sobreexpuesta y este es el efecto que estoy tratando de crear en mi dibujo con esta técnica. Echemos un vistazo a cómo uso esta técnica en este dibujo. Observe cómo la parte superior derecha de su cabello está volada en la foto y no se puede hacer ningún detalle en ella. El rebote de luz sobre esa parte del cabello probablemente era realmente brillante y por lo que resultó en una mirada sobreexpuesta en la foto. Bueno, quería empujar esa mirada en mis dibujos para que realmente puedas sentir esa sensación de luz brillante rebotando de su cabello. Tomé mi borrador amasable y la sacé poco a poco de su cabello hacia el lado oscuro del fondo. Levantando el respaldo de grafito y rompiendo el borde duro que antes había estado separando las dos áreas. Al levantar algo del grafito para el sendero ligero, al mismo tiempo oscurecí parte de la zona circundante ya que realmente quería que la luz volviera a estallar algo. Pero teniendo cuidado de no crear ningún contorno duro y de mantener la luz luciendo muy suave. Replicé este efecto por todo su cabello en el lado derecho para realmente que se sienta muy iluminado. Este suave sangrado de luz hacia áreas oscuras como esta, siento lente un contraste textural realmente agradable algunas de las líneas más duras dentro del retrato y crea una sensación de movimiento y energía que encuentro realmente enganchando como si realmente hubiera luz rebotando fuera de la página. Para probar esta técnica en tu dibujo, encuentra áreas donde haya una forma de luz, tocando una forma de sombra, especialmente cerca de donde debe estar el punto focal. Recuerda, no se sentirá como luz si no hay valor oscuro para contrastar contra ella. Asegúrate de que sea un área donde una forma de luz se encuentre con una forma de sombra. Trata de desenfocar el contorno que separa estas áreas borrando parte de la línea, poco a poco mediante un suave dabbing del borrador amasable, luego extendiéndolo hacia afuera más hacia el área de sombra para crear este look de luz derramada. El suavidad que acabas de crear ofrece una diferencia textural realmente agradable frente a los bordes duros a su alrededor, lo que la mantiene realmente interesante para el espectador. Si ya has construido tus valores lo suficiente durante el proceso de dibujo, esta es una técnica súper sencilla que puede hacer que parezca como si hubiera una verdadera sensación de luz en tu dibujo. 10. Técnica: sombras Atmospheric: Sombras atmosféricas. A menudo uso esta técnica para agregar un sentido de interés a las sombras. En ocasiones, un área de sombra terminará oscureciéndose demasiado durante el proceso de sombreado, y los valores oscuros tienen una tendencia a engordar las cosas en la página si no se usan con moderación. Buscaré estas áreas donde podría haber ido demasiado oscuro, y a ver si metiendo mi goma de borrar amasable y levantando poco a poco algo del grafito, ayudará a que el área se sienta más ligera y agradable a la vista. Las cosas que están más lejos de nosotros son menos discernibles para que veamos, sobre todo en las sombras. Al hacer que las sombras parezcan no tan oscuras, es imitando la apariencia de la atmósfera en el dibujo, lo cual es un efecto realmente interesante ya que estás tratando la cara como si fuera como un paisaje, como si el dibujo está emergiendo de una neblina. Las veces que más uso esta técnica, a menudo parecen ser con cabello muy oscuro, como el pelo negro. Hay una tendencia a pensar, oh, el cabello negro es negro, por lo que debe ser bastante oscuro, y usar mucha presión sobre el lápiz para obtener parches muy oscuros. Eso es precisamente lo que hice con este dibujo. En la foto, el cabello se ve bastante uniformemente oscuro. Así lo traté inicialmente, pero luego me di cuenta de que realmente estaba engordeando la forma de su cabello. Decidí levantar algo del grafito en esta zona para que pareciera como si estuviera afectado por la atmósfera, lo cual creo que lo hizo lucir mucho más dimensional. Esto también lo hizo para que se dejaran en la cara los valores oscuros más oscuros, lo que creo ayudó a acercarle el foco en contraste. ¿ Cómo puedes encontrar formas de utilizar esta técnica en tu dibujo de retrato? Busca parches grandes de valor oscuro que se sientan un poco demasiado pesados. Pregúntate, ¿necesita esta zona estar bastante así de oscura, o se está quitando del dibujo? No duele demasiado intentar levantar algo del valor de nuevo con tu goma de borrar amasable, y ver cómo se siente eso para ti, ya que es bastante fácil oscurecer algo si no se siente bien. Estos pesados parches oscuros pueden ser aburridos para nuestros ojos, ya que no deja mucho espacio para moverse. Termina emitiendo una apariencia plana y muerta en la página. Pero esta técnica de levantar parte del valor de estos parches excesivamente oscuros, nos permite ver la vida en las sombras y movió sus ojos a través de los pasajes de sombra. Creo, es un efecto realmente aseado que ambos incremente el interés, al tiempo que destaca el punto focal del retrato. Me recuerda reservar los valores oscuros más oscuros para unas áreas más pequeñas y más importantes, y que aunque podría pensar que algo se ve realmente oscuro en la foto, realidad no tiene que ser tratado de esa manera en el dibujo. 11. Proyecto de estudiantes y reflexiones de cierre: Espero, al final de esta clase, te sientas bien equipado para probar algunos de estos conceptos y técnicas e ir a nivel de tus dibujos de retrato. Porque, ahora es el momento de que trabajes en tu proyecto estudiantil. Me gustaría verte hacer un retrato terminado ya sea de una de las fotos que utilicé en mis demostraciones o de una de las que tú elijas. Puedes encontrar un enlace al mismo en la pestaña Proyecto y Recursos. Asegúrate de comprobarlo por algunos otros recursos, como recomendaciones de libros y un tablero de Pinterest de grandes dibujos de retratos de otros artistas o cualquier otra cosa que me parezca útil para los alumnos que toman esta clase. Pero antes de abordar este proyecto, no olvides practicar dibujar formas de sombra y calentar tu mano de dibujo haciendo algunos extremos de bloque para preparar tu dibujo para el éxito. Asegúrate de pasar por todos los pasos cubiertos a lo largo las lecciones para que al final tengas un dibujo que se sienta terminado. Sube tu dibujo junto con la referencia fotográfica que utilizaste a la galería de proyectos, así que yo como otros alumnos de esta clase podemos echar un vistazo y ver cómo todos están abordando el mismo tema del retrato. Tengo bastante confianza, podré ver si has aplicado algunos de los conocimientos que he pasado en esta clase. Tengo mucha curiosidad por ver qué puedes hacer. Si te gustan tus resultados, muéstralo en redes sociales. No olvides compartir el trabajo en tomas de progreso también. A todos nos encanta ver cómo se desarrolla un dibujo a lo largo del tiempo. Antes de irme, quiero dejarte con unas palabras de aliento para llevarte contigo. El dibujo de retrato es duro. Requiere no sólo conocimiento, sino también mucho kilometraje y práctica y una tonelada de malos dibujos para llegar a algunos buenos. Dependiendo de tu nivel de experiencia, podría tardar un tiempo en ver algunos resultados. Todo lo honesto, ni siquiera me gusta cada dibujo que hice en preparación para esta clase. Por favor, no se desanime por uno o dos malos dibujos. No seas impaciente contigo mismo. Está bien si no captas estos conceptos de inmediato, sentémonos y demos un tiempo. Pero mientras tanto, sigue aprendiendo, sigue practicando, sigue inspirándose en los rostros de las personas, y sigue aplicando algunas de estas lecciones a tu proceso, aunque no tenga sentido para ti, justo en este momento, aún podrías quitarte algo que te pueda ayudar. Eventualmente desarrollarás un proceso y una forma de ver que tiene sentido para ti. Que tal vez algún día puedas pasarle a alguien más. Al final de esta clase, como bono, voy a dejar algunas imágenes crudas en tiempo real de un dibujo de retrato que hice de principio a fin. Sólo cortando pedacitos donde tuve que toser o dejar de grabar por un momento. Espero que sea perspicaz para ti ver todas las pausas que tomo antes de hacer mis marcas. Todo el salto alrededor que hago de sección a sección en tiempo real. Las veces me siento segura y segura mis decisiones versus todo el borrado y redibujo que sucede. Espero que se lo informe. Espero que lo encuentres valioso, y espero que ayude a construir tu confianza hasta empezar a dibujar. Si te resultó útil esta clase y has estado jiving con mi estilo de enseñanza hasta ahora, entonces te animo mucho a que me sigas aquí porque estoy planeando liberar más clases pronto para que puedas cogerlo tan pronto como se ponga en marcha. En tanto, puedes seguirme en Instagram para ver lo que estoy hasta el día de hoy o más en YouTube donde puedes coger una tonelada más videos donde comparto mi proceso y viaje como artista. Muchas gracias por tomar esta clase y espero volver a verlos a todos pronto. Cuídate. 12. Dibujo de retrato de: .