Los principios básicos del diseño gráfico

1. Introducción: Si puedes diseñar una cosa, puedes diseñar todo. Cuando Massimo Miliano dijo estas palabras, quiso decir que los principios fundamentales del diseño como mismo cruzaron todas las disciplinas de la comunicación visual. Si eres capaz de dominar estos conceptos básicos, podrás crear un diseño que sea atemporal. Hola, me llamo Tamari Chabukiani. Soy fundadora y directora de arte en Pragmatika Design. Un estudio de diseño independiente que se especializa en identidades de marca. Durante los últimos siete años, he creado logotipos e identidades para firmas de inversión, mercados digitales, empresas de IA, y startups de todo el mundo. Además de mi trabajo principal como diseñador gráfico, también imparto un curso de diseño de marca, aquí en Bolivia, Georgia. La mayoría de mi trabajo como conferencia se dedica a enseñar a los estudiantes cómo pensar de manera creativa y cómo traducir mejor sus conceptos en visuales. Soy un verdadero creyente de que la maestría viene de aprender y dominar lo básico, y creo que estos principios subyacentes es lo que hace genial el buen diseño. hoy vamos a ir a algunos de los principios básicos que se pueden aplicar a diferentes disciplinas del diseño gráfico. Ya sea diseño ovalado, diseño editorial de identidad correcta, o interfaz de usuario. Exploraremos cómo utilizar los principios de diseño contraste lateral, equilibrado, jerarquía, repetición, escala, espacio en blanco, y tensión. Estas herramientas te ayudarán a comunicar mejor tu mensaje al espectador mientras realzas el aspecto de tu pieza de diseño. Yo creía que esta clase puede beneficiar a todos cada vez que seas un nuevo principiante completo o siempre que estés bien arraigado en tu carrera de diseño y quieras refrescar tu memoria. Al aprender a utilizar estos principios se mejora la calidad de sus palabras exponencialmente, y se podrá crear un diseño bien equilibrado, armonioso y atemporal. Espero que disfruten de la clase y empecemos. 2. Contraste: El diseño es un arte utilitario, lo que significa que siempre sirve a un propósito específico. Para cumplir eficazmente con su propósito, necesita captar la atención. Una de las formas más efectivas de captar la atención de alguien es mediante el uso de contrastes. El contraste es un imán para dibujar el ojo. En otras palabras, nos ayuda a establecer prioridades cuando se trata de percepción de la información. Hay un par de razones por las que necesitamos contraste. En primer lugar, nos ayuda a distinguir un objeto. En segundo lugar, nos ayuda a establecer la jerarquía visual, y en tercer lugar, crea algo que es agradable a la vista. Si bien la mayoría de las personas asocian contraste con un color audaz, se puede aplicar a diferentes componentes del diseño gráfico, como densidad, escala, tipografía, etcétera. Vamos a pasar por cada componente uno por uno. El primero que percibe el espectador es el color, y sólo después de notar el color percibimos formas y textos. De esta manera no es de extrañar por qué la investigación sugiere que un color de firma puede aumentar el reconocimiento de marca hasta en un 80 por ciento. Se trata de una rueda de color que se utiliza para aprender la teoría del color y la fuente de color en el lado opuesto del espectro crean contraste máximo. Estas combinaciones de colores se llaman complementarias. Los colores complementarios son verde y rojo, azul y naranja, y morado y amarillo. Al armar estas combinaciones de colores pueden parecer muy vibrantes y a veces incluso pueden crear una sensación de movimiento y traerán una combinación muy llamativa de atención. Estos colores pueden verse un poco demasiado duros y desalentadores para el espectador. Si eliges esta combinación, intenta tonificarla un poco bajando el brillo de los colores. Además, intenta límites usando imágenes carnosas y enfocarte únicamente en otros elementos como las formas geométricas y la topografía. Colores análogos son los que están uno al lado del otro en la rueda de color. Esta combinación puede crear un pellet que es para mezclar y señalar para agregar sustento y definición, por supuesto, contrastes, intenta agregar neutrales como el gris, el blanco y el negro. Se pueden lograr contrastes en la topografía para diferentes combinaciones de fuentes. Por regla general, al combinar diferentes fuentes, los opuestos polares atraen. Por lo tanto, se considera segura una combinación de una fuente serif y una fuente sans-serif. Los dos tienden a trabajar bien juntos, sobre todo en tamaños contrastantes. También puedes intentar experimentar con cambios de peso, espaciado, gorras pequeñas, etcétera. Hablemos primero de sans serif. Muchas fuentes sans serif tienen anatomía muy similar. Por lo tanto, combinar sans serif de aspecto similar no tendrá ningún impacto visual en absoluto. Por regla general, combinar dos sans serif se considera seguro sólo cuando difieren visualmente, como extremadamente, por ejemplo, un sans serif condensado y el regular. Lo mismo vale para las serifs. Si desea combinar dos diseños serif, debe probar diferentes tipos de letra de dos de los seis conjuntos de clasificaciones. Prueba un estilo antiguo, como Bembo con transición, como Baskerville o tipo moderno como Didone. Al hablar de contraste de tamaño de tipo, una cosa a tener en cuenta es que el contraste necesita ser suficiente para ser percibido como tal. Aumentar el tamaño de fuente en un punto no crea mucha diferencia. Por lo tanto, debes apuntar al menos a un aumento del tamaño del tipo de dos puntos. También puedes lograr contraste cambiando los pesos de las fuentes. La regla de dos unidades aumenta relevante en este caso también. Por ejemplo, si estás usando texto de cuerpo de deslizamiento, en lugar de usar regular para énfasis, haz un salto unidireccional e ir por un medio en su lugar. espaciado entre letras y la cursiva son formas comunes de llamar la atención sobre cierta información. Aumentar el espaciado entre las formas de letras funciona especialmente bien en combinación con tapas pequeñas. cursiva se crearon originalmente para ahorrar espacio, pero ahora se utilizan para enfatizar cierta información en el texto. Utilice estas dos técnicas con moderación sólo cuando sea necesario. Uno de los errores más frecuentes que cometen los diseñadores a la hora de contrastar es el uso excesivo de él. Uno o dos métodos de creación de contraste suele ser suficiente, lo significa que si usas el cambio de tamaño para crear énfasis, no hay necesidad de hacerlo rojo, negrita, cursiva y subrayado. Menos es más. Se puede lograr variación en la densidad yuxtaponando imágenes fotográficas en tipografía o implementando el espacio en blanco contra el diseño denso. El contraste y la densidad es muy importante cuando se trata publicación de varias páginas ya que la variación mantiene al lector comprometido, mientras que el espacio en blanco permite a los lectores descansar la vista. 3. Repetición: En pocas palabras, el principio de repetición es reutilizar y repetir elementos de diseño idénticos o similares a lo largo del diseño. Puede ser repetición de color, ciertas formas, sistemas de cuadrícula, o estilos de fuente. Cuando se usa correctamente, la repetición crea un sentimiento de unidad y consistencia. La consistencia es especialmente prioritaria cuando se trata de publicaciones de varias páginas e identidades de marca porque el principio de familiaridad dice que cuanto más estamos expuestos a ciertos colores, formas y mensajes, más familiares se vuelven. Por lo tanto, el uso consistente del lenguaje gráfico como colores, símbolos, tipografía en una identidad de marca puede crear un look unificado para una marca. Esta repetición fortalece la imagen de la marca, que la hace lucir más reconocible y memorable. El ícono del juego olímpico de OtlAicher es un ejemplo perfecto de este principio. Un esqueleto unificado, que significa la cuadrícula diagonal en la que se basan los iconos, crea una cue de que estos no son solo algunos iconos aleatorios, sino una serie de iconos para la misma marca. El patrón es la expresión más directa de este principio. Un patrón básicamente es un determinado elemento o un grupo de elementos repetidos en una secuencia particular. Y por último, la repetición no necesita ser tomada literalmente. Puede ser una repetición de series de formas similares que se vuelven grandes o pequeñas de manera rítmica, mostrada en este ejemplo por Josef Muller-Brockmann. 4. Tensión: >Tensión, suspenso, malestar, nerviosismo, es un momento antes de un evento culminante, alguna especie de liberación. Imagina una película de Quentin Tarantino en cualquier escena donde múltiples personas apunten con armas entre sí o una película de terror, donde algo malo está a punto de suceder y la música se está poniendo cada vez más tensa o una canción de David Bowie, como Cat People. Tienes el punto. En el diseño, puedes usar la tensión para agregar interés visual a una composición. Si se usa correctamente, la tensión puede cautivar la atención del espectador, haciéndoles sentir que algo está a punto de suceder. Existen diferentes formas de crear tensión. Por ejemplo, colocando un objeto en ángulo, colocando objetos más cerca juntos, pero llevando objetos al borde de tu página, escalando imágenes y textos al punto donde sangran la página o recortando elementos de diseño de una manera inesperada. La tensión es una herramienta muy poderosa en tu caja de herramientas. Por eso traté de limitar su uso porque puede llegar a ser muy agotador para un espectador. 5. jerarquía: Jerarquía es la disposición de los elementos gráficos en orden de su importancia. Para crear jerarquía visual, es necesario asegurarse de que ciertos elementos de diseño y ciertos contenidos sobresalgan más que cualquier otro elemento de diseño o cualquier otro contenido. Por eso el principio de jerarquía tiende a solaparse con otros dos principios de diseño, como el contraste y la escala. Porque las manipulaciones que usas para hacer que ciertos elementos destaquen son las mismas manipulaciones que usas para establecer la jerarquía visual. Una fuerte jerarquía conduce a los usuarios a través del diseño y les ayuda a absorber la información en un orden cronológico. Para crear orden visual, necesitamos estar familiarizados con el contenido, razón por la cual es tan importante leer primero el contenido antes de empezar a diseñarlo. Hay muchas formas diferentes de establecer la jerarquía, pero sólo vamos a pasar por las que sí discutimos en la sección de contraste. En la cultura occidental, leemos de izquierda a derecha. Según estudios, existen dos patrones de lectura dominantes, el patrón F y el patrón Z. Esto significa que después de escanear inicialmente un diseño, el ojo tiende a aterrizar en la esquina superior izquierda. Si lo que vemos en la esquina superior izquierda es lo que percibimos es lógico complacer al elemento de diseño más importante allí. Es por ello que normalmente ves logotipos en el lado izquierdo de una página web o el nombre de una persona en el lado izquierdo de una tarjeta de visita. Este principio, aunque importante, puede verse socavado por otro principio que es la ampliación de tamaño. Las líneas principales son líneas, formas, flechas, dedos señaladores, manipulaciones fotográficas que te dirigen a través del diseño hacia un punto focal. Al usar líneas de liderazgo, puedes controlar a dónde van los ojos de los espectadores cuando ven tu diseño. Se puede manipular fácilmente la cronología de la información que absorberá el espectador. Esta manipulación puede ser algo tan obvio como los dedos señaladores o puede ser algo para ver [inaudible] en un nivel más subconsciente. El recorte original o las formas inusuales son dinámicas que sirven como navegantes para el ojo y lo llevan en una dirección particular. En el diseño, lo que es invisible es igual de importante para lo que es visible. El espacio es esencial para separar y organizar los elementos en tu diseño, y ayúdalo a lucir ordenado y bien equilibrado. Los espacios pueden servir como separadores invisibles. Podemos usarlos en lugar de una barra y otros elementos de diseño. De hecho, cuanto más espacio deje rodeando un elemento de diseño, más destacará. La alineación crea un sentido del orden al agrupar objetos relacionados en un diseño unificado. Cuando cierto elemento de diseño está fuera de la rejilla y no alineado con el grupo, se destaca y se hace más notable. La regla de los tercios es básicamente dividir tu marco en nueve rectángulos iguales y colocar el objeto más importante en cualquiera de las cuatro intersecciones. El punto donde estas líneas se cruzan se conoce como punto de interés. Usando el punto de interés como punto focal para tu composición, creará una composición más dinámica y atractiva que colocar el objeto en el centro muerto de un formato. Porque los estudios han demostrado que los ojos de las personas tienden naturalmente a gravitar hacia uno de estos puntos de interés más que hacia el centro. La regla es ampliamente utilizada en fotografía y muchas cámaras digitales tienen un grano incorporado con dos divisores verticales y horizontales. Se puede aplicar este principio a cualquier formato, ya sea de paisaje, retrato o cuadrado. Obviamente la gente lee y presta atención a objetos más grandes porque son difíciles de ignorar. Cuanto más grande es el objeto, más importante se ve. Es por eso que usar imágenes a gran escala y textos llamativos llamará la atención de los espectadores sobre el contenido que te gustaría enfatizar. 6. Balance: Equilibrio y diseño es la distribución de elementos en el formato. Se puede lograr el equilibrio para la colocación del objeto, la correlación, y el espaciado. hoy, vamos a hablar de dos tipos de equilibrio, simétrico y asimétrico. El equilibrio simétrico ocurre cuando el peso se distribuye equitativamente en todos los lados de una composición. Es más frecuente en las composiciones clásicas, y aunque agradable a la vista, el equilibrio simétrico es muy estático. Por lo tanto, a veces puede parecer aburrido. Por otro lado, el equilibrio asimétrico se ve menos plano que simétrico. También se ve más dinámico e impredecible. En una composición asimétrica, elemento divertido y visualmente pesado de un lado podría estar equilibrado por un puñado de peso de vuelo del otro. Generalmente, es fácil incluso para un no profesional notar la composición de equilibrio [inaudible]. Un diseño bien equilibrado se siente bien, mientras que la composición desequilibrada simplemente se ve un poco apagado. El concepto de equilibrio se puede aplicar al balance de espacios positivos y negativos en el diseño de logotipos y también en la tipografía. 7. Espacio blanco: espacio en blanco es el espacio que rodea los elementos de diseño. A pesar de que se le llama espacio en blanco, no tiene que ser necesariamente blanco. Puede ser de cualquier textura o de cualquier color. El espacio en blanco es básicamente cualquier área que esté libre de textos, fotos o cualquier otro gráfico. ¿Por qué lo necesitamos? espacio en blanco actúa como un divisor entre los elementos de diseño y nos ayuda a encontrar información relevante. diseño desordenada puede ser altamente distrayente y confuso para el espectador. Del mismo modo que es difícil encontrar un objeto en una habitación desordenada, en un diseño desordenada es difícil encontrar la información que estás buscando. Por lo tanto, cuanto más espacio en blanco tengas, más contenido que envuelve estallará. En publicaciones de varias páginas como libros por ejemplo, márgenes, una forma de espacio en blanco son importantes porque le dan al ojo espacio a los descansos. Los libros se publican con presupuesto limitado tienden a tener márgenes más pequeños ya que es una forma de ahorrar dinero en papel. Esto por supuesto, afecta la legibilidad del libro. Imagina entrar en una tienda de Zara. Ahora, contrasta entramos en una tienda de Chanel. El primero que notarás en las tiendas de mercado masivo es que están abarrotadas y llenas para reventar de ropa en todos los tamaños. No obstante, tienda de mano seccional tienen muy poca ropa colgando dentro. Esto crea una sensación de lujo y exclusividad. El mismo principio es cierto para el diseño gráfico. Para menos abarrotado es el diseño, cuanto más exclusivo y más expresivo le parece al espectador. En otras palabras, menos es más. 8. Escala: La escala no es lo mismo que el tamaño, la escala es relativa. Es la relación entre dos elementos de diseño, o una relación entre elementos de diseño y el formato. Cuando todos los elementos de diseño, como topografía u otros gráficos son del mismo tamaño, el diseño se ve plano, la jerarquía es débil y haga clic en pasos. La escala te ayuda a enfatizar ciertos objetos al mostrar su importancia. También puede ayudar a establecer jerarquía y establecer un punto focal. Al jugar con escala, puedes acercar algunos objetos al espectador mientras alejas otros objetos. Estos contrastes en tamaños pueden crear la sensación de dimensionalidad y movimiento. También aplicar un tamaño inesperado a un elemento es una forma divertida de mezclar tu diseño. 9. Palabras finales: Muchas gracias chicos por ver. Espero que hayas disfrutado de esta clase. Habrá más en el futuro así que asegúrate de estar atentos. He creado una hoja de minutos [inaudible] la cual puedes descargar desde el cuadro descriptivo de abajo y si te interesa lo que hago, mi mango de Instagram es tamari.chabukiani. Que tengas un gran día.