Los fundamentos de la producción musical | Seth Mosley

1. Introducción a la música para círculo completo: Hola, me llamo Seth. En su mayoría mi empresa se llama Full Circle Music. Podrías encontrar una línea de canciones en punto de música de círculo completo Puedes encontrar nuestro trabajo en todo el mundo en innumerables álbumes ganadores del Grammy, álbumes ganadores del Premio Dove y en la parte superior de las listas de Billboard y todo tipo de forma de TV probablemente tengan 20 radio Número uno solteros. Full Circle Music es un colectivo de productores, compositores y creadores, haciendo música al más alto nivel. Siempre nos esforzamos por estar a la vanguardia, sin embargo abrazando la familiaridad que hace un hit. Fui afortunado y bendecido cuando estas cartelera 2013 Richard the Year War saca fuera del año premio Grammy Award por dobles premios. Siempre estamos buscando expandir nuestro equipo y trabajar con el mejor yo artista. Quién sabe que podrías ser uno de nuestros próximos productores. 2. Los conceptos básicos de la introducción de producción: gracias por unirse a nosotros. Esperamos que esta sea la chispa que necesitas para perseguir tu sueño de ser un greaser musical profesional . Vamos a cubrir los fundamentos de la producción de música pop moderna, cosas como ingeniería de engranajes, edición, mezcla y masterización. Esperamos que te alejes de este curso con una vista de pájaro y una mejor comprensión de por qué ciertos trucos se usan una y otra vez en innumerables pop. Es que hay un elemento de producción que solo tienes que ser un natural en ello. Pero también hay un gran elemento que se puede aprender con el tiempo, y me parece que eso probablemente sea aún más importante. Practica 10,000 horas y todas esas cosas que tú aquí. Es realmente importante trabajar en ello de manera consistente durante mucho tiempo. Al sentarme a crear este curso, no tenía ni idea de lo difícil que sería tomar 10 mil horas o más. En este punto de experiencia y aún así en un solo curso introductorio, podría pasar horas en un solo tema, como edición o programación de tambor, o incluso dividirlo más específico que eso en un buen kick drum sonidos para diferentes tipos de edición por lo que no quiero que pienses que esto de ninguna manera va a ser un buceo de fuerzas profundas, integrales desde la introducción. Pero mi esperanza es que te vayas de nuevo con una vista de pájaro sobre cómo se ve la producción moderna de música pop y lo más importante desde molinos. 3. Organo de 1: equipo: Por lo que quiero comenzar esta sección hablando de algunos de los fundamentos que necesitarás para hacer una grabación básica. No quiero estresarte y hacerte pensar que tienes que salir a correr tu tarjeta de crédito y comprar $25,000 al año para hacer una grabación de sonido profesional. Ese no es el punto en absoluto, tampoco, a algunas herramientas muy básicas que en el nivel de base, probablemente necesitarás en algún momento Teoh grabar audio y para hacer programación en funciones básicas de mezcla y edición. El primero que necesitarás es una computadora decente, algún tipo de computadora decente. Realmente no hay manera de evitar eso. Yo personalmente uso un Mac, y realmente prefiero un portátil porque te permite hacer lo que haces en cualquier lugar para llevar tu rig en la carretera. Hacemos mucho de eso ahora es iss, pero si tienes Windows, está perfectamente bien que realmente no hay bien o mal. Lo que me gusta de Mac es que viene stock con una poderosa herramienta de producción realmente grande llamada Garage Band te permite grabar multi tracks. Te permite programar, mezclarlo y especie de incluso dominar tus ventanas de pistas. Ahí afuera hay algunas herramientas similares. Cosas como la audacia para tirar uno. Hay un lugar realmente bueno para empezar si no tienes el presupuesto para ir. Gastar en un programa como Logic Pro, que es de $200 viene con realmente todo lo que alguna vez necesitarías hacer. Producción moderna número dos Lo que necesitarás es una interfaz decente otra vez. Puedes pasar de súper barato a súper caro por esta parte. No digo que tengas que empezar por arriba, pero necesitas algún tipo de interfaz. Y en pocas palabras, todo lo que hace la interfaz de la ONU es conectar la fuente de sonido como el micrófono o la guitarra o cualquier otra cosa que le estés conectando a la computadora, y consigue el sonido de aquí en la caja. No tienes que gastar una tonelada para conseguir una gran interfaz. Hoy en día, esa es la belleza de la tecnología de grabación moderna. Número tres. Un micrófono decente Puedes ir todo el camino desde un micrófono de $20 a un micrófono de $20,000, Pero solo sepan que este Michael Jackson grabó thriller en un Shure sm siete, que es un micrófono de $349 que podría ser caro para algunos de ustedes por ahí. Puede que no sea tanto, lo sé, pero necesitas algún tipo de micrófono para meter tu voz en la computadora. Los cables número cuatro harán un PDF, que desglosa exactamente qué cables necesitarás para conectar, qué dedo del pie qué. Y ni siquiera voy a sumergirme en eso porque los cables son la parte aburrida. Es la parte en la que a nadie le gusta gastar dinero, pero solo hay que tenerlos y se enredan por lo que los cables son la parte molesto. Pero conectan tu micrófono a tu interfaz, desde tu interfaz hasta tu computadora, desde tu interfaz hasta tus altavoces y todo el resto. Auriculares número cinco y o monitores de estudio. Los auriculares son geniales porque puedes trabajar de nuevo en cualquier lugar. Simplemente conéctalo a tu portátil. Conozco muchos grandes discos que se hicieron en programa, solo usando literalmente una laptop y auriculares. Se escucha cualquiera de las nuevas Cosas E G. M. M. Mucha gente aire, literalmente solo programando sin un controlador midi ahí solo usa un portátil en sus auriculares. Por lo que tener algo de un conjunto decente de auriculares, este tipo importante que quieres saber, sabes lo que estás escuchando es algo preciso. Yo diría, ya sabes, tener algo tal vez un poco más bonito que, como la manzana de valores, uh, tus capullos, para empezar. Pero de nuevo, puedes encontrar unos auriculares geniales por 40 $50 que no tienes dedo del pie rompe tu rotura tu cartera sobre un sfar un studio monitores, va monitores de estudio aire Genial si estás colaborando con otras personas, porque entonces todo el mundo en la sala está escuchando lo mismo hasta el último tú para agacharlo y mostrárselo a la gente Pretty auto explicativo Studio monitorea aire solo altavoces de gama alta, por lo que están diseñados para retratar con precisión el audio que tienes en tu computadora. Número seis, un controlador midi. En pocas palabras, un controlador MIDI es solo un teclado, como un piano que tiene una salida USB o FireWire o Thunderball que va directo a tu laptop, y lo usas para activar instrumentos de software para programar tambores que hacer todo tipo de funciones. Es realmente difícil ser un productor moderno, no tener otra vez algún tipo de pequeño controlador MIDI. No tienes que ir necesariamente a gastar una tonelada de dinero por uno. Y mucha gente se ha vuelto realmente buena. Literalmente solo usando el teclado del portátil para la programación, que puedas salirte totalmente con también. Es solo toda preferencia personal. Número siete a D a W D. W significa estación de trabajo de audio digital, y ese es básicamente el software que usarás para grabar programación mix, organizar y armar tus producciones. Cosas como la lógica. Pro herramientas que base intérprete digital Esos son todos diferentes D. A W's algunos de los libres o GarageBand y audacia. Como dijimos, esos fueron geniales para empezar hasta aprender básicos de grabación y fundamentos. Entonces lo necesitas. Necesitas un D decente a WRC, al menos algún tipo de DW para empezar. Y el número ocho es un micrófono stands. Ni siquiera voy a pasar el tiempo para decir qué es porque ya sabes lo que la ISS sostiene un micrófono otra vez. No quiero perderme en el pozo de engranajes porque hay muchos sitios web sobre los que puedes leer . Será esto engranajes mejor y necesitas este engranaje y necesitas ese año, y tengo esta cosa de gama alta x r 27,000 que suena mejor que los 24,000 y te puedes perder en eso. En realidad no se trata del año hasta algún punto es importante, pero es más importante saber qué tienes en dominar lo que tienes y conseguir realmente bueno en eso. En realidad hemos creado un paquete para que te pongas en marcha con algunas de nuestras recomendaciones para piezas de engranajes . Se puede comprar algo de ella, todo, nada de ella. Pero haga clic en el enlace para eso. Tenemos un PDF que tiene algunos tiene eso en un formato de lista que solo podría darte un buen lugar para salir y empezar. 4. Fundamental 2: ingeniería: grabación de ingeniería, rastreando como quieras llamarlo. Se trata de obtener el sonido ideal y capturar la actuación perfecta del intérprete . No solo de ser perfecto, sino de capturar emoción e inspirar grandes actuaciones. Las actuaciones tienen que ser creíbles. Tienen que ser pro sonando, y necesitan ser convincentes. Y eso es lo que tu trabajo es e ingenieros hacer. Muchos de ustedes chicos, sólo serán ingenieros ustedes mismos. Entonces ese es un trabajo un poco diferente. Y así es en realidad como me metí en la grabación Primero fue solo grabando mis propias canciones en el sótano de mi Padres, así que obtienes mucha práctica de ingeniería y una especie de práctica de autoredición mientras continuas que se trata tanto de capturar audio, tu voz o tu guitarra o teclado o lo que sean las fuentes de audio. Pero también se trata de conocer los sonidos adecuados para usar cuando estás programando, por ejemplo, una parte de piano o un sonido de batería. Se trata de conocer la muestra adecuada para usar para un bombo de patada o lo que sea que vayas a buscar. Un fundamental importante es la estructura ganada. Si pones tu ganancia demasiado baja, vas a terminar teniendo toneladas de ruido y es que se compone sobre muchas pistas o simplemente tener una pista realmente ruidosa. Dijiste la estructura de ganancia demasiado alta y obtienes distorsión, lo que suena no muy bien. Por lo que quieres asegurarte de que tu estructura de ganancia sea correcta desde el principio en las interfaces . Eso es bastante fácil de hacer con, literalmente sólo un perilla de recorte por lo general o algo así. Así que solo dedique el tiempo para que eso lo haga bien. Obviamente, si estás grabando una parte tranquila en tu guitarra que es realmente íntima dedo recogido, probablemente quieras girar para ganar un poco. Si vas a town strawman en canción de Mumford, probablemente quieras escalarla un poco, por lo que no suena como si tus altavoces explotaran a menos que eso sea lo que vas a buscar . Por supuesto, también es importante tener el tipo adecuado de ambiente de sala de grabación, especialmente para voces que podrían ser importantes. Si estás haciendo una pista pop, quieres que la habitación sea bastante muerta sonando, pero esto es alcanzable simplemente creando un pequeño caseta fuera de mantas y poniéndolos a tu alrededor. Algunas de nuestras primeras cabinas vocales, eso es todo lo que fueron. Closets que acababan de forrarse con mantas y ropa y cualquier otra cosa que pudiéramos encontrar que quedaría muerto en el sonido. Si vas por un sonido más amplio y quieres un poco más de reverberación natural, está bien si estás grabando en una habitación que está un poco más en vivo. Pero lo que termina pasando, ya que lo averiguaremos un poco más adelante en el proceso de producción es cuando te metes en la mezcla, comienzas a usar una herramienta llamada compresión. Y lo que hace la compresión es que lo hace sonar como si suenas como si estuvieras en un poco de cueva a tus propios años. cuando te comprimas, sonará como si estuvieras en túnel subterráneo. Por lo que realmente quieres tomarte el tiempo para el, ya sabes, conseguir algo de configuración básica de habitación y también para tu entorno de escucha a Si estásusando auriculares,en usando auriculares, realidad no importa tanto, pero asegúrate de que tu estudio monitoriza en la habitación en la que estás tanto como puedas controlarla, que no haya toneladas de ecos y reflejos. Obviamente, no siempre se tiene control sobre la situación. Muchas de nuestras producciones modernas se realizan en autobuses y salas verdes y vestidores y dondequiera que los artistas salgan al aire de gira. Por lo que obviamente no puedes controlarlo todo el tiempo. Pero por mucho que puedas, es algo bueno a un consejo que no puedo exagerar lo suficiente es no tengas miedo de ser perfeccionista. Creo que cuanto más tiempo lo hago, más lento me pongo, porque a veces para conseguir esa toma perfecta tienes que cantar la línea o tener el sencillo cantante encendido 25 veces y no tengas miedo de eso. Siempre pienso que es mejor hacerlo bien en el frente y no tenía que editarlo ni afinarlo ni cronometrarlo más tarde. Siempre suena mejor si consigues la actuación de frente y no te sientes avergonzado. Si sí tienes que cantar la línea 25 veces para hacerlo bien. Nadie es perfecto, en realidad. No puedo pensar en ningún cantante con el que hayamos trabajado alguna vez que acabamos de presionar disco y la primera toma fue ella. Puede que no haya un cantante hoy en día que incluso pueda hacer eso, así que no te sientas avergonzado o inseguro. Si ese es el caso, todos estamos en la misma página con eso. Otro consejo es este. No tengas miedo de grabar tu canción para ingeniarla en secciones. Enfoque en el versus enfoque en los cursos. Agarra esos bien, luego pasa al puente. No tienes que sentir que tienes que presionar disco de arriba a abajo, y eso es todo. Ya sabes que te acostumbrarás a perforar, y puñetear es los términos técnicos que usábamos cuando presionas play, llegas a récord. Eso es un puñetazo cuando vuelves a tocar récord. Eso es un ponche fuera, y con el tiempo te pondrás rápido eso. Pero no tengas miedo de grabar la canción en secciones. La mayoría de los pros lo hacen. Lo hacemos todos los días. actualidad, hay tantos jefes y muestras gratuitas en línea, y tener los sonidos de muestra adecuados puede ahorrarte un montón de tiempo, sobre todo si eres como yo. Y no te gusta sentarte ahí metiendo con un tambor de patada durante semanas para que lo haga justo . Hay una a la que queríamos darle un grito en particular y ahí una empresa llamada que Sound ahi realmente basado aquí de donde somos en Nashville, Tennessee, y estamos haciendo algunas de las muestras de más alta calidad que eres audiencia aparecen en cada registro pro hoy en día. Echa un vistazo. Es yo quiero ese sonido dot com. Puedes conseguir sus bancos para Sochi, y es irreal lo rápido que puedes ponerte en marcha con sonidos de batería para tus pistas. Último consejo Como recordatorio, siempre es mejor hacerlo bien en la parte delantera y en lugar de intentar arreglarlo en la parte trasera . 5. 4: fundamental: mezcla: mezcla. Esta podría ser una de las partes más subjetivas de todo el proceso de producción. No puedo recalcar eso lo suficiente. Cada persona va a tener un gusto diferente cuando se trata de cómo les gusta escuchar un sonido. Voy a escuchar un tambor de patada tal vez de manera diferente a lo que tú lo escucharías. Pero en pocas palabras, mezclar es tomar todos tus sonidos. Está equilibrándolos. Es pintarlos, ajustar tus niveles, usar la automatización de compresión e que y otros efectos para llevar al oyente a un viaje desde el inicio del signo del final de la canción. También está destacando las partes importantes del tema en crear la cantidad adecuada de espacio para aquellos que los mejores mezcladores que conozco realmente se toman su tiempo y escuchan la canción que mezclan con canción en mente. Y si es una canción country y se trata de una historia, van a asegurarse de que la letra sea lo que estás enfocado. No vas a estar enfocado en la pandereta sobre el lado izquierdo a menos que el cerebro tam esté contando la historia. Por supuesto, mezclar es un trabajo duro porque si lo haces bien, como que simplemente desapareces en la música y nadie sabe realmente que estás ahí, y nadie sabe realmente lo que hiciste. Pero es un trabajo duro porque si haces un mal trabajo, gente definitivamente sabe a dónde apuntar con el dedo. Y saben que algo simplemente no suena bien. No digo eso para desalentar. Yo sólo digo eso para decir eso mezclado con canción en mente. Y no tengas miedo de estar siempre evolucionando y siempre desarrollando tu oficio de mezclar la mejor mezcla. Ingenieros que conozco están aprendiendo constantemente usando nuevas herramientas. Yo sólo estaba con uno hoy, en realidad, y cuando estuve allí hace un mes, su conjunto de herramientas estaba completamente Lo ha renovado, así que no tengas miedo de estar constantemente cambiando y evolucionando tu oficio. Como dije antes, mezcla es muy subjetiva porque la forma en que escuchas vocal podría ser completamente diferente a la forma en que lo escucho realmente es un arte. Y es el lugar donde puedes dejar tu firma en una producción. Una mala mezcla puede distraer al oyente de lo que realmente está pasando en la canción. Una buena mezcla es como tomar una foto y ponerla en el marco perfecto y mantenerse fuera del camino, algunos conceptos básicos de mezcla para dejarte con el número uno e que corto para ecualización o ecualizador. Y eso es esencialmente equilibrar los mínimos, los medios y los máximos para explicarlo de manera muy simple, si un bombo suena demasiado estudio, probablemente vayas a subir un poco los máximos. Si las voces sonan demasiado duras, podría que durante los máximos bajara un poco. Es mucho más complicado que eso, pero ese es el panorama básico de lo que e. Que es y hace. número dos es compresión y limitación, y eso cae bajo un gran subtítulo de lo que llamarías dinámica. compresión trae esencialmente las partes más silenciosas de tu señal y aplasta las partes más ruidosas. Entonces es en lugar de así, es un poco más un poco más de nivel. Los pros saben que está bien aplastar cosas, pero también saben que usar demasiada compresión y limitación puede sacar a la humanidad de una actuación, y puede hacerla sonar muerta y sin vida. Limitar también es cómo los discos de hoy pueden sonar tan fuerte. La gente no tiene miedo de sujetar el limitador y simplemente hacer que se golpee y golpee como un muro de ladrillo . Esa es una especie de Touchstone del pop moderno La música es lo alto que es, y la gente logra eso a través de la compresión creativa y la limitación creativa. El número tres es reverberación y retraso. Esta es una herramienta que puede en el espacio a una pista que puede aconsejar, y puede tener estilo a la misma. Esta podría ser la mayor diferencia, de género a género, de cómo la gente usa reverberación y retraso. Si regresas y escuchas mucho de los discos de los ochenta, no tenían miedo de dar vuelta al río alrededor de las 2 11 Y si vas a escuchar a Taylor Swift, 1989 su nuevo disco en sus voces, The reverb es fuerte y claro. El retraso es fuerte y claro, y no tengas miedo de hacer eso. Pero entonces podrías ir y escuchar dinero gigante. No sé que su último disco usara cualquier río si pudiera estar completamente equivocado. Pero hay diferentes tipos de reverberación. Hay diferentes tipos de retrasos. Um, algunos ejemplos de esos son reverberación de primavera. Hay placa de reverberación cerrada, reverberación, hall re verbos y verbos de río habitación en retrasos. Hay retrasos en la cinta, retraso digital, retardos de ping pong estéreo y retrasos de bofetadas. En última instancia, cada una de esas cosas simplemente crea una vibra diferente, y mucha gente usa una combinación de todas ellas en sus mezclas. 6. 3: edición fundamental: edición. Aquí es donde ocurre la magia. Llámalo malo. Llámalo impresionante. Es auto tune, su línea de melodía beat, detective vocal. Soy flextime, comping, quanta, izing. Hagas lo que hagas, todo es parte de la edición. Sucede en cada disco pop moderno, y de hecho, apostaría a decir que es realmente lo que va a hacer que tus producciones destaquen y no suenen como producciones amateur. Obviamente, al principio, no vas a ser increíble editor justo fuera de la puerta. Pero con el tiempo mejorarás, y tu producción empezará a sonar un poco más pro. Aquí es donde te llevas esas 25 impresionantes vocales Tex que habías cantado antes de cogerlos juntos. Literalmente. No tengas miedo de ir palabra por palabra ni siquiera. Hay muchas veces que hacemos eso, um, um, y te aseguras de que una vez tengas un Copt, que sea a tiempo y que una vez sea a tiempo que esté en sintonía. Ese es el proceso de hacer voces, y es lo mismo en pistas de guitarra o audio. Pero obviamente no estás usando la función de afinación. Simplemente estás asegurándote de que todo sea a tiempo y en el bolsillo se sienta bien, obviamente, del género al género y del estilo de música que vas a hacer. Algunos discos van a ser más apretados que otros, y en última instancia, eso es amable a tu gusto personal. Si escuchas muchas de las cosas top 40, ahora está en la radio. Es muy apretado, y es muy importante que esté en la grilla, por así decirlo, así que el tiempo. Puedes usar eso y hacer eso a tu gusto. Muchos instrumentos son mucho más fáciles de editar, ya que todo está en la computadora, no estás tratando de manipular audio. Se puede utilizar una característica que llamamos Quanta izing, que esencialmente está tomando. Si mi golpe está aquí en la grilla está aquí. Simplemente lo voltea por lo que hace que se alinee bien para que puedas hacerlo realmente fácilmente con muchos. Entonces, si eres principalmente programador, probablemente vas a ser un poco más rápido que alguien que tal vez esté basado solo en cosas de audio . Pero no hay manera correcta o incorrecta. Es sólo tener una buena comprensión de todo el proceso otra vez. Pasó mucho tiempo haciendo esto bien. Mucha grabación amateur. Aquí es donde las canciones que acaba de Fall flat está en la cara de edición y mucha gente tiene miedo de hacer que el disco suene demasiado sobre producido. Pero aquí está la verdad. No mucha gente tiene talento genuinamente suficiente para presionar disco y cantar una canción o tocar una toma de arriba a abajo y dejar que eso tome. Ya sea, a menos que eso sea específicamente lo que vas a buscar y estés tratando de capturar alguna pista realmente cruda, cruda,que suena humano. Pero el hecho real es Adele podría ser una de las pocas excepciones, e incluso en su nuevo disco, suena como si hubiera tal vez un poco de afinación pasando ahí. Pero solo digo eso para decir, No tengas miedo de usar la edición y usarla liberalmente. Cada D A W, que hablamos antes, tiene un conjunto diferente de herramientas de edición, pero el uso sexual básico mucho es cortar, desvanecerse, cruzar, desvanecerse cruzar, , estirar y mover. Entraremos en más detalle en cada d aaw porque cada uno de ellos tipo de función diferente. Y la forma en que funcionan los atajos es diferente. Pero ahora no vamos a gastar mucho tiempo en eso. Yo sólo quería cubrir las herramientas básicas que en su mayoría necesitarás para tener una comprensión de algunos consejos. Sea cual sea la D aaw en la que estés trabajando hit save A menudo, ojalá hubiera aprendido esto hace mucho tiempo. Golpear, guardar e incluso golpear Guardar con tanta frecuencia. Cuando estás en esta la fase de edición y tú sobre todo para tu nuevo editor, podrías hacer algo que en cinco minutos pienses que eso no sonó así. Si golpeas, guardas como y guardas una nueva versión, podrías terminar con 21 versiones de la canción para cuando termines, pero tendrás la libertad de ir hacia atrás si quieres deshacer, por así decirlo y volver a visitar un ex versión. Muchos de los D. A. W's tienen una función de auto save, que usamos bastante religiosamente. Creo que el nuestro este set cada dos minutos en pro tools, así que hit guardar muy a menudo. Punta número dos. Si estás trabajando con una mezcla de material de programa y audio grabado, muchas de las veces que es una receta para lo que llamamos flam ing donde hay una muestra que está justo en la cuadrícula, y luego hay un kick drum que se graba en vivo. Si está un poco apagado, tampoco lo va a hacer. O va a sonar como un flam, que es como, a diferencia de, y no va a ser título sonido fuera de fase. Por lo general, como regla general, vas a querer operar un poco más apretado en audio. Si estás usando una mezcla de audio grabado y programas. Muestras de software Punta número tres. Si estás produciendo otro artista o cantante, la parte donde comienzas a editar las voces puede ser un buen momento demasiado pronto. Ese cantante fuera en un descanso para el café, podría ser un poco nervioso para sentarse en un estudio. Escucha tu voz y todas sus imperfecciones siendo reproducidas una y otra vez, y vez, a menudo puede hacer que los cantantes segundo Guess. ¿ Es esto un buen tomadores? ¿ Este captador de canciones? Acaso soy bueno en absoluto? Porque enfrentémoslo como artistas y como creativos eran todos bastante inseguros sobre nosotros mismos . Entonces hazte tú y el artista para favorecer y enviarlo a almorzar. Parte de lo que destacamos en nuestra empresa es poder tener algún grado de edición a medida que , y esto obviamente requiere mucha velocidad y eficiencia cuando estás cuando estás rastreando y editando justo después de hacer una toma editarlo. Por lo que le da al cantante contra sentido de cómo se va a sentir la canción terminada. Es un poco más inspirador escuchar en el último consejo. No tengas miedo de empezar despacio. Te pondrás más rápido aunque te lleve toda la noche estar despierto. Edición de una línea de una pista vocal. No tengas miedo de meter las horas y simplemente hacerlo. 7. 5: dominar: masterización. Esta es la parte final del proceso de producción, donde se toma el terminado para rastrear la mezcla estéreo que se tiene una aplicación final e que compresión y limitando a esa pista para traerlo a algo que es competitivo con otro material. Está ahí afuera hoy. Realmente es sólo la última mayor parte del tiempo. El último 2% de las mezclas de procesos en la actualidad son bastante calientes y bastante pre dominadas, por lo que los ingenieros de masterización tienen mucho menos que hacer que nunca antes. mastering también se trata de asegurarte de que todo tu disco y esto está hablando después de que tuvieras varias canciones producidas. Se trata de asegurarse de que todo el disco fluya sónicamente para que una canción Qué, qué, qué qué pasará. Mucho del Times es diferente. Productores harán diferentes canciones en el disco, y serán diferentes mezcladores y a veces diferentes jugadores. Por lo que realmente está tomando la curva general ahí, no tener control sobre. Devolver la guitarra después de la batería o algo así, pero es solo un pincel general sobre la mezcla estéreo y asegurándose de que fluya como uno. Los registros concurrentes no se cuelgan demasiado para empezar en la masterización. A menudo es un poco de artes negras donde si el ingeniero maestro hizo bien su trabajo, ni siquiera sabes realmente lo que hizo. Y muchos de los oyentes promedio no entrenados ni siquiera sabrían lo que pasó. Pero es algo para practicar con el tiempo y no sientas que tienes que usar en exceso e que y la compresión y limitar y masterizar. En realidad es sólo algo que está destinado a ser el último pulillo en tu mezcla. mastering también es la parte del proceso donde decides cuál será tu secuencia de álbumes . Eso es decidir qué canciones van a dónde y qué orden. Es una especie de arreglo, pero sólo para todo tu expediente. Por lo que también está decidiendo fundidos y huecos entre canciones cuánto espacio hay, caso, en su caso,entre canciones, también es donde el ingeniero de masterización tiene que crear códigos I. R S C, que es esencialmente solo un montón de mumbo jumbo en el que no vamos a meternos ahora. Pero es parte del lado clerical de la masterización, y en realidad no tendrás que preocuparte demasiado por ello ahora mismo, pero en realidad es solo olvidar tu canción. En un CD prensado o en iTunes o en un formato específico que los distribuidores requieran. El panorama grande que quiero hacer es este un B A B A B A B. No tengas miedo de hacer referencia a otras canciones que están ahí fuera. Todos los pros lo hacen. De hecho, he visto muchas procesiones donde, al fondo de la sesión tendrán otra canción ahí dentro. Por ejemplo, vi las sesiones pro tools para la canción de fondo We Are Young, que fue un gran éxito hace unos años. Jeff Bhasker lo produjo. Increíble Productor, y en todo ese récord de fondos que tenían, creo que fueron tres referencias. Tenían una pista Kanye West. Tenían una pista queen, y luego tenían alguna otra pista de hip hop por debajo de eso, y constantemente iban de ida y vuelta escuchando sus cosas. Escuchar esas cosas sí son bajas y golpeadas como hay hace Pie Bizarre. Son voces como mayores las voces Queen, así que no tengas miedo de hacer eso en masterización Especialmente, podría ser importante porque lo que pasa es cuando tu canción está en las listas de reproducción de un oyente. Muchas de las veces la gente simplemente lo está escuchando en un ambiente de solteros hoy en día, por lo que podrían escuchar a Taylor Swift. Y entonces podrían escuchar tu canción. Quieres asegurarte de que cuando tu canción se encienda, no tienen que subir el dial solo para escuchar la cosa. Y también quieres asegurarte de que suene competitivo. También quieres asegurarte de que no suene demasiado fuerte a donde simplemente está destrozado y no tiene vida. Por lo que el dominio es realmente sobre un ser, hacer que tus cosas sean competitivas, hacerlo apropiadamente ruidoso y ponerle el esmalte final. 8. Los conceptos básicos del neutro de producción: Aquí el último punto que quiero hacer la mejor pieza de engranaje en la mejor herramienta de producción es una gran canción. No importa lo caro que sea tu equipo. No importa lo bonito que sea el estudio. No importa lo genial que suene la pista. Si tu canción es mediocre, hacer una gran producción sobre ella todavía va a ser una canción mediocre. Y mucha del tiempo. Si una canción es genial, realmente no hay mucho que puedas hacer para hacerla desagradecida. Simplemente tienes que no estropearlo. Entonces mucho tiempo ese es nuestro trabajo. Dado que a los productores de música se les encomendó conseguir estas canciones que ya suenan grado, tienen grandes demos. Las letras son geniales. Las melodías de grande Nuestro trabajo es una especie de solo mantenerse fuera del camino y poner la imagen en el mejor marco, por así decirlo. No te cuelgues demasiado en las malas hierbas de todas las pequeñas cosas de ella, como la edición y la ingeniería y la mezcla en la estructura del juego en el engranaje, vas a conseguir esas cosas con el tiempo. Lo que hago hincapié para los productores es solo asegurarme de que la canción esté justo en el front end, y mucha del tiempo eso significa volver a entrar y a veces ayudar a reescribir. Por supuesto, si los artistas están abiertos a eso, siempre sean sensibles a ese hecho. Pero solo asegúrate de que la canción esté justo antes de que te sumerjas en eso. Y en un mundo perfecto, escribir canciones es una cosa. Producciones. Una cosa. Terminas esto y luego pasas a eso, mucho de cómo lo hacemos en nuestra empresa y mucho de cómo creo que mucha otra gente lo hace. Los dos se mezclan constantemente entre sí y fuera, y en realidad no se llega a decir, OK, OK, ahora terminamos con el proceso de escritura de canciones porque podrías meterte en cantar voces. Y entonces podrías cambiar una letra una vez que los cantantes en la cabina o podrías cambiar la melodía o podrías sacar una sección de una canción. Pero digo todo eso para decir la canción siempre es rey y tomar todas sus decisiones de producción basadas en lo que es mejor para la canción El proyecto de clase que queremos que ustedes tomen esa canción que ella escribió en Class War. Para aquellos de ustedes que no vieron clase uno, era una canción sobre la única persona o cosa que más aman. Toma esa canción, introduce una demo de usar lo que sea que w, lo que sea. Aquí, lo que sea, y subirlo al MP tres. Esas letras, si puedes. Estoy muy emocionado de ver lo que termináis viniendo chicos.