Libros ilustrados II: Ilustrar una historia | Christine Nishiyama | Skillshare
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Libros ilustrados II: Ilustrar una historia

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Tráiler/avance de la clase

      2:19

    • 2.

      Introducción y resumen

      4:03

    • 3.

      Elementos de ilustración de libro de ilustrado

      8:06

    • 4.

      Fraccionando tu manuscrito

      3:04

    • 5.

      Criterios de desarrollo del personaje

      10:27

    • 6.

      Experimentar

      3:43

    • 7.

      Investigar referencias

      1:13

    • 8.

      Perfeccionar tus personajes

      3:48

    • 9.

      Hoja de modelo del personaje

      1:03

    • 10.

      Elementos del storyboard

      4:11

    • 11.

      Configurar tu storyboard

      2:46

    • 12.

      Fraccionando tu historia

      2:10

    • 13.

      Creación de ritmo

      6:26

    • 14.

      Crear movimiento

      3:45

    • 15.

      Analizando por repetición

      2:45

    • 16.

      Hacer un prototipo pequeño

      4:18

    • 17.

      Configurando tus bocetos

      0:46

    • 18.

      Refinando tus bocetos

      4:40

    • 19.

      Crear tus dibujos finales

      2:45

    • 20.

      Limpieza en Photoshop

      0:51

    • 21.

      Composición tipográfica en Photoshop

      1:21

    • 22.

      Coloreado digital en Photoshop

      13:04

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

5999

Estudiantes

25

Proyectos

Acerca de esta clase

Esta clase práctica de Christine Fleming, escritora e ilustradora en Might Could Studios, es el segundo de una serie de dos partes sobre cómo crear tu propio libro infantil ilustrado. Libros ilustrados I: escribe tu historia se enfoca en el proceso de escritura de la historia, mientras que esta clase se enfoca en la ilustración.

En esta clase de 90 minutos, Christine explora los elementos de ilustraciones de libros ilustrados que incluyen composición, color, espacio en blanco, perspectiva, estilo y tipografía, revelando pliegos de algunos de sus libros ilustrados favoritos para mostrar ejemplos sólidos de cada concepto.

Con los conceptos básicos al dedillo, Christine te guiará a través de tutoriales en video por todo su proceso de ilustración de un libro con imágenes. Estos videos comenzarán con el desglose del manuscrito, el desarrollo del personaje, la creación de storyboarding, hacer una maqueta pequeña, los bocetos, las revisiones, los dibujos finales y la coloración digital en Photoshop. No se planeó ni decidió nada antes de filmar estos videos de procesos tutoriales, por lo que todo lo que se muestra es su auténtico proceso de pensamiento y creación sobre la marcha.

¡Al final de esta clase, tendrás todo lo que necesitas para ilustrar tu propio libro ilustrado!

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Además, puedes ver más más información sobre mí y mi trabajo en mi sitio web: might-could.com.

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¡Gracias mucho! <3

 

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Christine Nishiyama

Artist at Might Could Studios

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

Books: Check out my books here, including a graphic novel series with Scholastic!

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Transcripciones

1. Tráiler/avance de la clase: Hola, soy Christine Fleming y soy ilustradora y escritora. Egresé de la Universidad Estatal de Carolina del Norte con un BFA en Diseño Gráfico. Ahora estoy ilustrando tanto en los mercados de ciencia como editorial infantil además de escribir e ilustrar mis propios libros ilustrados de ficción y no ficción. Recientemente, me he asociado con un científico principal Buzz Hoot Roar para escribir e ilustrar un próximo libro ilustrado basado en la ciencia. También soy miembro activo en la Sociedad de Escritores e Ilustradores de Libros Infantiles llamada SCBWI, y me han otorgado los honores de SCBWI Illustrator of the Mes y SCBWI Featured Blog. Esta clase de Skillshare se llama Picture Books II: Illustrate Your Story, y es la segunda de una serie de dos partes sobre cómo crear su propio libro ilustrado para niños. En esta clase, exploraremos los elementos de las ilustraciones de libros ilustrados que incluyen composición, color, espacio en blanco, perspectiva, estilo y tipografía. Con los fundamentos por el camino, te llevaré a través de tutoriales en video de todo mi proceso de ilustrar un libro ilustrado. Estos videos cubrirán cada uno de mis pasos incluyendo desglosar el manuscrito, desarrollo de personajes, storyboarding, hacer un maniquí diminuto, bocetos, dibujos finales y colorear digital en Photoshop. No se planeó ni se decidió nada antes de filmar estos videos de proceso tutorial por lo que todo lo que ves es mi auténtico, sobre la marcha proceso de pensar y crear. Además, al igual que con la última clase, hay una nueva capa de contenido bloqueada de bonificación que explica el proceso paso a paso para crear un maniquí ilustrado para tu libro de imágenes y cómo enviar ese maniquí a los editores. Esta clase es perfecta para ilustradores, escritores, diseñadores, y cualquier persona que alguna vez haya querido crear su propio libro de imágenes. Al final de este curso, tendrás todo lo necesario para ilustrar tu propio libro de imágenes. 2. Introducción y resumen: Hola chicos. Me alegra tanto que decidieras tomar mi clase de ilustrar libros ilustrados, y espero que aprendas mucho a lo largo del curso. Al ver los videos, por favor siga junto con la guía del proyecto y publique su trabajo de proceso en la galería del proyecto. Ahora empecemos. Antes de empezar, quiero asegurarme de que sepas que esta clase es la segunda de una serie sobre elaboración de libros ilustrados. El Picture Books I de primera clase, Escribe tu historia, tiene cierta información vital sobre el propósito, la historia y la estructura de un libro ilustrado que realmente necesitas conocer para ilustrar un libro ilustrado. No quiero repetirme demasiado para los que ya han tomado ambas clases. Por lo que te recomiendo encarecidamente que detengas esta clase ahora y vuelvas a verla. Al menos los tres primeros videos en Libros Picture I, Escribe Tu Historia, antes de continuar con este curso. No volveré a estar cubriendo estos temas en esta clase. Una introducción a los libros ilustrados, una breve historia de los libros ilustrados, y una estructura y partes de un libro ilustrado. De acuerdo, con eso fuera del camino, empecemos. Este primer video se llama, Una Introducción Y Recapitulación. El único concepto que voy a recapitular de la clase anterior es lo que es exactamente un libro de imágenes. Un libro de imágenes combina palabras e imágenes en un formato de libro dirigido a niños pequeños. El público objetivo son los niños de dos a ocho años. Un libro ilustrado es diferente a un libro ilustrado, como un libro capitular de grado medio. Porque las imágenes de un libro de imágenes son vitales para la historia. En un libro ilustrado. Las ilustraciones son suplementos a un texto que puede pararse por sí mismo. Wild Wood de Colin Meloy y Carson Ellis es un ejemplo de un libro ilustrado. Está estructurado más como un libro de capítulos y las ilustraciones no están necesariamente en todas las páginas y a veces son sólo una pequeña ilustración de puntos. Where The Wild Things Are de Maurice Sendak es un ejemplo de un libro ilustrado. Hay menos texto e ilustraciones ayudaron a contar la historia completa en lugar de reiterar la historia. De acuerdo, así que eso es todo para el recapitulación. De verdad, vuelve atrás y mira los otros videos. Sólo te llevará 12 minutos y medio. Antes de que nos metamos realmente en ello, solo quiero darte una pequeña charla de animo. Algunas personas piensan que escritores, ilustradores, y todos los artistas tienen un talento innato y que nacen con la capacidad de dibujar. A eso, digo creencia. Es mi creencia que un ilustrador no nace con el talento del dibujo más de lo que nació el cirujano con el talento de cortar cuerpos. Hay este tipo de misticismo alrededor de escribir e ilustrar, y seguro que es divertido pensar en cosas como esa. Pero déjame decirte directamente. Ilustrar es un oficio. Escribir es un oficio. Hacer arte es un oficio. Esto significa que la única manera de ser bueno en ello es hacerlo y hacerlo una y otra vez y otra vez. Puede parecer que un ilustrador tiene el talento innato para dibujar. Pero no es porque acababan de nacer con el gen del dibujo. Es porque llevan años dibujando y han perfeccionado su oficio con el tiempo. Si esta es tu opinión sobre la vida como es mía, entonces deberías verla como una gran noticia porque esto es lo que significa. Cualquiera puede hacer cualquier cosa. Puedes ser escritor. Puedes ser ilustrador. Podrías ser bombero. Sea lo que sea que quieras ser, solo tienes que lanzarte a eso y meterte completamente en el oficio. En donde todo lo que hay que saber al respecto y hacer, hacer hacer. Supongo que esto suena a trabajo duro y lo es, pero es mejor que desear que nazcas con un conjunto diferente de genes, ¿verdad? 3. Elementos de ilustración de libro de ilustrado: Investigando ilustraciones de libros ilustrados. Un libro ilustrado Illustrator tiene que refinar muchas habilidades además de poder simplemente dibujar o pintar bien. También deben tener estas habilidades: uso adecuado del color, dibujar los mismos personajes consistentemente, dibujar personajes en una variedad de poses, expresiones faciales, y ajustes, pudiendo crear ilustraciones que se coinciden bien con el manuscrito a la vez que agrega significado adicional y no sólo palabras repetidas, y conocimiento del tamaño de los libros, formatos, número de páginas, estructura de libros y colocación de textos. Lo más importante en los libros ilustrados es cómo trabajan juntos la historia escrita y la historia ilustrada. Un autor maestro de libros ilustrados dejará espacio para que el ilustrador llene espacios en blanco y amplíe la historia con las imágenes. A menudo, algunos de los libros ilustrados más exitosos son creados por la misma persona que actúa como el escritor y el ilustrador. De esta manera, son capaces de mezclar completamente los dos y hacer que trabajen juntos para contar una historia. Un ejemplo favorito reciente de esto es el libro Beekle de Dan Santat. Mira esta propagación desde Beekle. Las únicas palabras en esta página son : 'Hizo lo inimaginable”. El resto de la historia y la difusión es contada completamente por el cuadro. Sin la ilustración, no tendríamos idea de lo que hizo Beekle. Las dos historias aquí realmente están trabajando juntas para contar la historia completa. Decalaje es una técnica que es la disparidad entre palabra e imagen. El término dice una cosa, pero las imágenes dicen otra. Ejemplo de ello es Cocatúa de Quentin Blake. En este libro, un hombre está buscando a sus pájaros a lo largo de la historia. En las palabras de esta difusión se dice : “Subió una escalera y destelló su antorcha alrededor del ático. No estaban ahí”. Pero mira detrás de esas malditas. ático hay seis cacatúas escondidas. La táctica de decir una cosa pero mostrar otra puede traer mucha intención de emoción al libro. A los niños les encanta poder escoger las diferencias por sí mismos y leer la verdadera historia a través de las imágenes. Exploremos algunos de los elementos visuales de los libros ilustrados. En primer lugar, su composición. dirección de la composición es un aspecto importante de los libros ilustrados que no tiene el mismo nivel de importancia en otros tipos de ilustración. Las ilustraciones de un libro ilustrado deben llevarte a través del libro de izquierda a derecha en cada pliego y de página en página. Esto se puede hacer sutilmente organizando tu composición de esa manera, o se puede hacer más obviamente teniendo a tus personajes corriendo por toda la página de izquierda a derecha, por ejemplo. Aquí te dejamos un ejemplo de una fuerte composición de ilustradora Marla Frazee en el libro, Seven Silly Sisters. Nos vemos a todos, cada elemento de esta composición los está llevando de izquierda a derecha e incluso hacia abajo un poco hacia donde estaría en la esquina de la página. El color y el espacio en blanco pueden comunicar rápidamente la emoción y el estado de ánimo de la historia. El espacio en blanco también es un buen indicador del estado de ánimo. Ejemplo de uso fuerte del color es, El pequeño rey de Taro Miura. El divertido humor extravagante de la historia se trasmite inmediatamente al lector a través de su uso de colores llamativos y llamativos. Un ejemplo de espacio blanco fuerte es The Red Shoes de Gloria Fowler e ilustrado por Sun Young Woo. En este punto de la historia, el personaje principal aquí está viviendo el punto bajo. Esto se muestra a través de la ilustración colocándola en la esquina inferior de la página y rodeándola con espacio en blanco vacío y solitario. Debido a que la combinación de palabras e imágenes es la esencia de los libros ilustrados, topografía es un elemento vital de su diseño. El texto puede ser tipografiado tradicionalmente en estrofas como la poesía, o puede ser más abstracto e integrado con las ilustraciones convirtiéndose en parte del propio cuadro. Cómo se tipografia el texto puede comunicar mucho sobre la historia. Ejemplo de fuerte topografía es el Paseo de Henri a París de Saul Bass. Así como nota al margen aquí, Saul Bass es un diseñador gráfico súper famoso, no es de extrañar que su libro tenga alguna topografía espectacular. Mira el spread desde Henri's Walk to Paris y cómo me parece el texto poco humo que sale de la chimenea, pero se hace de una manera sutil y no cursi. Simplemente te hace sentir acogedor y cálido mirándolo. La perspectiva elegida de una ilustración también comunica emoción e historia. Si miramos hacia abajo a un personaje, a menudo parecen tan tímidos, dudosos, o asustados. Si miramos hacia arriba a un personaje, parecen tan valientes, emocionados y decididos. Recortar la ilustración a un tiro cercano o mostrar un paisaje panorámico también se suma al estado de ánimo de la historia. El libro, Sophie's Fish visto aquí por A.E Cannon e ilustrado por Lee White es un gran ejemplo de uso fuerte de la perspectiva. Mira el spread con una toma aérea del personaje principal justo en el momento de la historia donde acepta asumir la responsabilidad de ver los peces de su amigo. Da un aire de importancia en tal vez un sentimiento ominoso, ¿no crees? Los libros de imagen existen en todos los estilos imaginables. El arte puede ser más realista y suave, o abstracto y divertido. Los personajes pueden ser bastante representacionales y directos, o incluso caricaturales y raros. Ejemplo de uso fuerte del estilo es The Baby Tree de Sophie Blackall. Esta historia trata de dónde vienen los bebés y las respuestas de los libros mezclan el realismo con la fantasía. Cada spread tiene una explicación realista a la izquierda donde puedes ver los dibujos y proporciones son bastante realistas con el estilo que no es demasiado loco. Bueno, en el lado derecho, que es un poco más infantil de una explicación imaginativa, utilizan un estilo y proporciones más locas. Este es un gran ejemplo de cómo el estilo puede enfatizar y espejar la historia y ayudar a contar la historia con mayor claridad. Realmente no hay medio preferido en los libros ilustrados. Puedes usar lo que quieras. Los libros de imagen siempre han usado lápiz, pluma, tinta, acuarela, óleo, acrílicos, collage, medios digitales, cualquier cosa. A veces los libros ilustrados más emocionantes usan una combinación de diferentes medios. Mira este libro, El Jardín de Fox. Todo está hecho de papel y luego fotografiado como ilustraciones planas, así que realmente cualquier cosa está en juego. 4. Fraccionando tu manuscrito: He impreso en mi manuscrito aquí los tres cerditos que puedes encontrar en la asignación del proyecto. Una vez que lo tengas impreso, lee la historia. Simplemente lee, no pienses en lo que vas a ilustrar o personajes ni nada por el estilo. Tan solo lee la historia una vez y trata de observarla realmente. Después, lee de nuevo y resalta lo que crees que son las partes más vitales de la historia. Eso lo haré ahora. Ahora, tengo mis elementos vitales resaltados. A continuación, voy a subrayar cualquier descripción de personajes. La primera vez que leas la historia, no dibujes ni subrayes nada. Pero las segundas veces cada vez que estás subrayando las descripciones de los personajes y los elementos vitales, si te viene a la mente una imagen, adelante y anota hacia abajo. Si tengo una imagen de esta maleta y quiero recordar lo que hay en mi cabeza, sólo tienes que seguir adelante y dibujarla muy rápido. No gastes mucho tiempo en ello, pero bien podrías sacártelo de la cabeza. Si tienes algún pensamiento sobre las ilustraciones, puedes anotarlas también. Yo noté aquí que dicen mucho cerdito. A lo mejor quiero que esto sea cerdito, y acabo de conseguir una pequeña descripción para que yo recuerde más tarde. Ahora, veamos y veamos si podemos decidir qué es el acto 1, acto 2, y el acto 3. Eso nos ayudará a romper la historia. Acto uno podría o estar después de la línea cuando se encuentra con un cerdo que es un tonto o podría ponerlo detrás de la línea, un cerdo que construyó su casa de paja. Cualquiera de los dos puede funcionar. Por ahora, lo voy a poner después de que uno se encuentre con un cerdo que es un tonto. En esta historia, el acto 1 es muy corto. Entonces toda la acción que tenemos más o menos como acto 2, es como historia en general ya que tienes un breve acto 1, un gran acto 2, y un corto acto 3. Creo que el acto 3 comenzará después y lo mata con un solo disparo. Ese es más o menos el clímax de nuestra historia. Ahora, eso ya lo tenemos hecho. Podemos dibujar líneas donde pensamos que podrían venir nuestros saltos de página. Esto es sólo un ejercicio para dividir el texto. Te meterás más en esto en un guión gráfico. Pero es bueno hacer una app también, fuera de esto con el pin rojo. Es posible que no consigas exactamente 32 páginas o flotando spreads que planeas tener más tarde, pero es solo un buen ejercicio para transferir los textos por tu cuenta. Eso me da 21 páginas. Si de verdad quisiera, podría volver a atravesar y redondear a 32, pero voy a dejar esto por ahora, y me meteré más en la historia de última hora con el storyboard. Simplemente es bueno dividirlo en pedazos ahora antes de empezar a dibujar. Eso es todo para el manuscrito. 5. Criterios de desarrollo del personaje: Elementos de Desarrollo de Carácter. Hay un par de rasgos importantes que un Illustrator debe tener o afinar para poder crear personajes convincentes. Deben tener un interés por las personalidades humanas, y una capacidad para retratar la personalidad visualmente. Puedes ayudar a afinar estos rasgos estudiando a otros humanos aka personas ver tanto como puedas y practicar dibujar diferentes emociones. En una conferencia a la que asistí hace poco, escuché uno de los mejores consejos que he recibido. En esta conferencia, cada asistente presentó una ilustración, y nuestro trabajo fue proyectado hasta en una pantalla por unos momentos. Uno por uno, un panel de nuestros directores nos contó muy rápidamente su primera impresión de la pieza. Una de las cosas que seguían repitiendo una y otra vez fue que, por ejemplo, la chica simplemente se veía como Una chica en lugar de ESA chica. Su punto era, ¿qué hace que tu personaje sea diferente al siguiente? ¿ Cómo es este un personaje único que nos importa y no sólo otra chica? Cuando estás dibujando un personaje, no puedes simplemente dibujar un cuerpo y terminarlo con él. Estás desarrollando toda una pequeña criatura o una persona con peculiaridades, defectos, y personalidad igual que tú y yo. Tienes que mostrar su personalidad por fuera, y tratar de mostrar su verdadero carácter por cómo se dibujan y cuáles son sus proporciones, qué visten, cómo sonríen, cómo caminan, todo. Es un orden alto y unos pies duros, pero es muy divertido. Tengo tres criterios que busco en un personaje exitoso. A la primera la llamo particularidades. Estos son los que hacen que tu personaje sea único para que pueda ser identificado de otros personajes de inmediato. Esto puede ser cualquier cosa desde un peinado como una trenza, o un accesorio en particular como una camisa de rayas rojas. Estas pequeñas particularidades y las idiosincrasias. Particularidades también hacen que tu personaje sea único para que puedan ser identificados de otros personajes de inmediato. Esto podría ser cualquier cosa desde un peinado como una trenza, o un accesorio en particular, como una camisa de rayas rojas. Estas pequeñas particularidades pueden estar en tu cara y obvias, como darle a tu personaje un pelo desordenado para demostrar que son tomboy en la naturaleza y rasgos de carácter salvaje. Pero también puede ser mucho más sutil. A menudo son estos sutiles toques los que realmente inculcan personalidad y realismo a tus personajes. Todos estos aspectos del desarrollo de personajes de los que hablo ocurren también en otras formas de arte. Uno de mis maestros favoritos de personajes es el legendario Miyazaki. Llevar a héroe de la película Espiritados lejos. Ella es uno de mis ejemplos favoritos de idiosincrasias sutiles en un personaje. Hay una escena en Spirited Away donde Chihiro está en el cuarto de calderas de una casa de baños. Se pone los zapatos y se va. Es sencillo. Pero no sólo se resbala en los zapatos, los desliza, da un paso y luego golpea el dedo del pie en el suelo. En ese momento con ese pequeño movimiento, hace parecer como una persona tan real. O bien, mira estos dibujos de los padres de Chihiro comiendo. Sólo se pueden ver sus espaldas y todo lo que están haciendo es sentarse, pero de inmediato se pueden ver sus personalidades e idiosincrasias pasando. Agregando en estas particularidades, dar realismo a tus personajes, lo cual es importante y que tus lectores puedan identificarse con los personajes. También es importante si tu historia es una historia de fantasía o mágica, como Spirited Away, porque el toque de la realidad la hace mucho más creíble. Recuerda, no digas que tu personaje es tímido, o desordenado, o de voluntad fuerte, muéstralo. Mi segundo criterio para un personaje exitoso son las posibilidades. Tu personaje debería tener muchas posibilidades. Esto significa que deben poder retratar una variedad de emociones, poses, y actuar en cualquier situación. Algo que tal vez quieras considerar es, quizá no quieras darle a tu sombrero de personaje que le cubra los ojos, ya que esto haría que su gama de expresiones y posibilidades fuera mucho más limitada. También debes darte cuenta de que vas a estar dibujando a este personaje un bajillion de veces. En esta fase de desarrollo de personajes, los dibujarás una y otra vez, pero también tienes que hacer todo el libro. Esto significa que probablemente te unirás a ellos en cada página así que eso son 32 veces para el libro final. Entonces hay que contar las numerosas versiones de storyboards, sketches, y dummy. No digo que dibuje un personaje simple solo para hacerte la vida fácil, pero es algo a considerar. Quizás si tu personaje principal es un dragón, puedes considerar cómo dibujarás sus escalas. Si es factible dibujar cada escala en su cuerpo, cada vez que lo dibujas. Probablemente haya una mejor manera de representar visualmente las escalas. Por último, tu personaje debería ser atractivo. Originalmente, quiero decir simpático, pero no creo que eso sea un dado automático. Tu personaje podría empezar como matón o mocoso, pero pasar por una transformación para salir agradable del otro lado. Además, no creo que un personaje tenga que ser simpático para ser un gran personaje. Tu personaje principal, supongo, debería ser agradable, así que los lectores se preocupan por lo que le pasa en la historia. Pero, ¿qué tal como Cruella Deville? No se suponía que te gustara, pero es un personaje increíble. De todos modos, creo que apelar es una palabra mejor. Esto significa que tu personaje debe ser realista, original y defectuoso. Hablamos de realismo con particularidades antes. Original debe ser bastante obvio, pero ¿defectuoso? Tus personajes absolutamente tienen que ser defectuosos. Nadie es perfecto, y nadie quiere leer sobre un personaje perfecto, eso sería aburrido. No sé ustedes, pero no puedo relacionarme con alguien que es perfecto. Asegúrate de que tu personaje tenga algunos defectos al igual que la gente real. A lo mejor ella no tiene tanta confianza, tal vez él es torpe y siempre se olvida de atar zapatos. Pasemos por algunos componentes de un personaje. En primer lugar, tenemos las proporciones corporales. Las proporciones de un personaje pueden comunicar mucho de espaldas sobre quiénes son. Ciertas historias exigen ciertas proporciones. Una historia más seria podría llamar a proporciones más realistas, mientras que una historia más peculiar, puede utilizar proporciones más fuera de lo común como cabezas grandes y ojos grandes. Los personajes más jóvenes suelen tener cabezas más grandes y ojos más grandes que están más abajo en la cara. Los personajes más antiguos suelen tener cabezas más pequeñas y ojos más pequeños que están más arriba en la cara. Al igual que con la gente real, cómo se visten nuestros personajes de inmediato nos dice mucho sobre quién es la persona. Elección de ropa como forma de expresión para todos nosotros. Lo que llevas sí dice algo sobre quién eres y cómo te sientes ese día. No es diferente con tus personajes. Lo que viste tu personaje puede decirle fácilmente al lector si tu personaje es un tomboy o niña niña, niño desordenado o prim y apropiado, excéntrico o promedio. El rostro de un personaje suele ser la mejor herramienta de comunicación para retratar la emoción. Ninguna persona o personaje expresa la misma emoción de la misma manera. Al mirar a un personaje, piensa en algunos de estos aspectos. Cómo se arreglan los rasgos faciales, qué tan grande es su boca, dónde están los ojos y qué tan grandes son, qué hacen sus cejas. A veces incluso el cabello se puede usar como rasgo facial como Chihiro aquí en Spirited Away. En un libro de imágenes, por lo general no es tan imperativo dibujar a tus personajes completamente correctos anatómicamente, pero sí quieres que sean reconocibles y creíbles. Trata de hacer tus poses algo basadas en la realidad, aunque tus proporciones de personaje no lo sean. Enfócate en el gesto de la pose, en lugar de conseguir que todas las partes del cuerpo sean correctas. Exagerar un poco la pose también ayudará a traer más emoción y emoción al dibujo. Los personajes sub también pueden agregar mucho interés visual a tu historia, además de agregar mini-narrativa secundaria que solo está en las imágenes y no en las palabras. También le dan al niño una narrativa especial que puede seguir por su cuenta sin tener que poder leer. Por ejemplo, podrías tener un pequeño gato compañero tu personaje principal que nunca se menciona en las palabras de la historia, pero siempre está ahí en las imágenes, tal vez reconocer el hábito propio o simplemente estar al lado del personaje principal. 6. Experimentar: Vamos a sumergirnos en el proceso de desarrollo de personajes. Si estoy trabajando con mi propia historia original, prefiero escribir mi historia primero y conseguirla lo más perfecta posible. A pesar de que muchas veces mi historia está inspirada en una ilustración que dibujé anteriormente. Para mi proceso, es importante para mí tener una buena historia primero y luego vienen los personajes y visuales. Pero muchas veces una vez que termino la historia y empiezo a ilustrar la línea de la historia también cambia, así que es un poco de ida y vuelta. No hay un proceso correcto o incorrecto, cada uno tiene el suyo propio y debes experimentar con otros diferentes hasta que encuentres el que mejor te funcione. Algunos otros ilustradores prefieren dibujar primero y algunos prefieren escribir primero. Para esta clase, lo estoy basando en mi propio proceso ya que eso es lo que sé y estamos trabajando con este manuscrito que ya fue escrito por Roald Dahl. Nos vamos a centrar en sólo dibujar un personaje. Puedes elegir cualquier personaje que quieras de esta historia, podrías elegir Caperucita Roja o el Lobo o cualquiera de los cerdos. Voy a elegir el tercer cerdo, el que pone una pelea al final y el que termina llamando Caperucita Roja. Mi primer consejo es usar papel barato o un cuaderno de bocetos barato para tus dibujos de personajes. No se quiere tener ninguna presión para hacer un buen dibujo. este momento solo te estás enfocando en sacarte todo de la cabeza y solo experimentar con cosas diferentes, justo lo que tengas en tu cabeza de cómo es un cerdo. Encontré que si dibujas en un cuaderno de bocetos caro como un moleskine, tiendo a tensar y me preocupa todo se vea bien porque estoy desperdiciando un papel caro. Aquí sólo tengo una pila de algún papel de computadora que no sé que costó unos dólares y así no hay presión para que yo haga una buena foto, solo estoy dibujando en este momento. Las primeras cosas que dibujes probablemente serán bastante aburridas. Esta es la idea de todo el mundo de un cerdo, no es tan buena pero sólo necesito sacármelo de la cabeza porque eso es lo que estoy viendo ahora mismo. Una vez que dibujas las cosas aburridas, entonces a medida que sigues experimentando te meterás en cosas más interesantes y originales, pero todos tienen ideas aburridas para empezar. ves ahora mismo me estoy dando cuenta de que no sé cómo se ven unos cerdos patas traseras, así que sé que eso va a tener que ser algo que investigue más adelante. No te preocupes por borrar ni nada, solo dibuja. A veces es incluso bueno en este punto dibujar sin borrador. Puedes empezar a pensar en la emoción o el estado de ánimo de tu personaje, lo que está haciendo en la historia. Este no parece estar tan asustado de los otros cerdos, parece tener un poco más de voluntad de vivir en su historia. Se puede empezar a dibujar algunas otras cosas que suceden en la historia. Nos hemos enfocado demasiado en otros objetos, voy a tener que dejar este teléfono en paz. Pero se puede ver cómo se reproducen estas escenas con este personaje 7. Investigar referencias: Las referencias visuales son realmente importantes en el desarrollo de personajes, y pueden hacer que tu imaginación se sienta más real. Se pueden utilizar referencias para personajes, ajustes, expresiones faciales, poses, animales, cualquier cosa. No quieres copiar las imágenes, solo quieres usarlas para ayudarte a entender la realidad. Debes tratar de buscar una fotografía objetiva precisa para tus referencias. Imágenes subjetivas como ilustraciones representan la interpretación del artista de la realidad, y no se quiere dibujar su interpretación, quiere dibujar su propia interpretación. Para este manuscrito, Los tres cerditos, voy a investigar cerdos. Mi personaje es un cerdo. Sé cómo se ve un cerdo, pero no tengo un buen conocimiento de la realidad de los cerdos. Me gusta usar Pinterest para organizar todas mis imágenes para el desarrollo de personajes. Puedes anclar imágenes desde cualquier lugar de Internet, no tienes que quedarte en Pinterest. Pero mantener tu personaje e imágenes de desarrollo en Pinterest es una buena manera de organizarlas. Puedes organizar las imágenes en tableros, y también puedes tener tableros secretos para que otras personas no tengan que mirar todas tus imágenes de cerdos. Recuerda, estamos investigando la realidad aquí, no cómo otras personas han dibujado cerdos. 8. Perfeccionar tus personajes: Entonces ahora hemos hecho nuestros primeros experimentos de desarrollo de personajes y tenemos nuestras referencias visuales. Ahora vamos a tomar esa información y combinar y refinar. Entonces cualquier elemento de mis bocetos originales que me gustaron, voy a seguir dibujando en esos y experimentando con esos y voy a deshacerme de las cosas que creo que son raras, lo cual es un montón de cosas. Voy a mantener mis referencias a mi alrededor para que pueda ver cómo se ve un cerdo de verdad y no tener orejas tan torpes y narices raras. Otra cosa en la que queremos estar pensando es la actitud de nuestro personaje. El cerdo que estoy dibujando, en lugar de sólo chillar, trata de ponerse de pie por sí mismo y le dice al lobo que, va a necesitar mucha bocanada para volar su casa. Entonces le tiene un poco de chorrito a su personaje. Quiero asegurarme de que eso se encuentre en las imágenes porque no se explica en las palabras. Entonces podría probar al cerdo en diferentes poses donde se ve un poco spunky. También quieres considerar la edad de tu personaje. En esta historia, se refiere a los cerdos como cerditos, pero no estamos realmente seguros de la edad. Entonces creo que puede ser ambiguo. Estos cerdos podrían ser realmente de cualquier alcance, pero se ven jóvenes. También quieres atrapar versiones extremas de tu personaje. Empuja los elementos del personaje lo más lejos que puedas. Por ejemplo, la nariz podría ser realmente enorme, o las orejas pueden ser realmente pequeñas, o la nariz podría ser realmente pequeña y las orejas podrían ser realmente enormes. A la par de empujar a tu personaje al extremo, viene experimentando con proporciones corporales. Dar a tus personajes proporciones irrealistas le da a tu historia una sensación de fantasía y capricho. Empieza a experimentar con cómo se moverá tu personaje. Conviértalos en cualquier pose que se te ocurra. También quieres pensar en disfrazarte. Se trata de un cerdo, pero podría estar usando ropa. Podríamos darle un sombrero. En la historia no se dice si el cerdo es macho o hembra, así que realmente nos toca decidir. Puedes hacerlo ambiguo como las que he dibujado hasta ahora, o puedes intentar hacerlo más obvio, cualquier manera que quieras que sea. Se puede ver ahora que estoy empezando a conseguir más de un personaje ahora en lugar de sólo un cerdo. Entonces, cuanto más dibujes un personaje, más los conocerás y realmente cobrarán vida. Una vez que llegas a esta etapa, dibujando al personaje una y otra vez, se vuelve mucho más fácil porque estás empezando a tener una sensación de quiénes son y a dónde quieren que vayas. Entonces desde aquí, solo sigue dibujando y pasaremos a nuestra oveja modelo de personaje. 9. Hoja de modelo del personaje: Una vez que hayas experimentado lo suficiente y decidido por tu diseño final de personaje, toma ese personaje y crea una hoja modelo de personaje para que lo uses como referencia para el resto de tu libro. Simplemente configura tu papel con líneas para las proporciones corporales que ya has decidido, y luego dibuja a tu personaje desde la vista frontal, trasera, lateral y de tres cuartos. Aquí está mi hoja modelo que hice para cerdito número tres basado en mis dibujos de personajes. Primero lo hice a lápiz y luego lo delineé en lápiz. Entonces es un poco más limpio y puedo ver todos los pequeños detalles. He conseguido desde el frente, el costado, la espalda, y la vista de tres cuartos. Hacer esto realmente te ayuda a analizar las partes de tu personaje y asegurarte de que sabes, cómo se ve cerdito desde atrás, cómo se verán sus piernas desde un costado. Diversas cosas que tal vez no pienses de otra manera, pero necesitas saber para todo tu libro. Posteriormente, una vez que empiece a trabajar en las ilustraciones finales, podrá volver a su hoja de modelo de personaje y agregar en color y textura para una hoja de modelo de caracteres más actualizada si lo desea. Pasemos al guión gráfico. 10. Elementos del storyboard: Un guión gráfico es un diseño visual en miniatura de todo tu libro. Se trata de una herramienta para permitirte pensar y planificar el diseño de tu libro. Storyboards te permiten ver cómo empezarás a progresar a ti porque toda una ayuda de la historia de ruptura para que se ajuste al formato, gran ritmo y movimiento, porque soy composición y diseño que detalla, y aseguro el equilibrio y el ritmo. Antes de entrar en cómo hacer tu guión gráfico, veamos algunos tipos de ilustraciones. Tenemos cuatro tipos que vamos a repasar. Encaja, viñetas, manchas, y sangramientos completos. En primer lugar, veamos las ilustraciones en caja. Para esto les voy a mostrar dónde están las otras cosas s, de Marie Sivek. Utiliza ilustraciones de caja a lo largo del inicio de su libro, y una ilustración de caja es una ilustración que tiene un marco y no se extiende a los bordes de la página. Por lo que siempre tienes algún espacio en blanco alrededor de la ilustración. Una ilustración en caja no necesariamente tiene que permanecer todo el camino en el marco. Aquí se puede ver que algunas de las hojas están empezando a salir del marco apenas un poquito. Otro ejemplo de ilustraciones Box es el cartero navideño Jolly de Janet y Alan Ahlberg. Aquí puedes ver que usan ilustraciones de caja con el pequeño marco alrededor de la ilustración. Se puede tener un marco alrededor o no. El siguiente tipo de ilustraciones son las viñetas y Beatrix Potter, la autora e ilustradora de El cuento de Peter Rabbit, es como el maestro de viñetas. Utiliza viñetas en casi todas las ilustraciones. Una viñeta es una ilustración cuyos bordes se desvanecen en blanco. Aquí puedes ver que no es toda una ilustración en caja porque no hay ningún borde definido alrededor de la ilustración. Se desvanece aquí, los bordes en el espacio blanco. La siguiente ilustración son las ilustraciones puntuales. Las ilustraciones puntuales son pequeñas ilustraciones flotantes libres que no tienen fondo. Por ejemplo de eso, les voy a mostrar la verdadera historia de Los tres cerditos por [inaudible] ser ilustrado por Lane Smith. Aquí te mostramos un ejemplo de una ilustración de spot. Es flotante libre, no está apegado a nada, es pequeño y no tiene fondo. Un poco como una viñeta. El siguiente tipo de ilustración como pitido de flujo. Por eso les voy a mostrar mi libro favorito de todos los tiempos, Max Deluxe del alcalde Coleman. Utiliza ilustraciones de sangría completa en casi todas las páginas. Aquí hay un ejemplo que sangra por completo, que en realidad es la propagación completa también. Eso significa que la ilustración se extiende hasta los bordes de las páginas y corre más allá de ellas, llenando toda la página o todo el pliego. Podría ser una ilustración completa a lo largo de toda la difusión así, o podría ser dos ilustraciones separadas. Esto es sangrado completo en la página y sangrado completo en la página. Las ilustraciones de sangría completa a menudo se usan para acrecentar drama y a menudo se usan en el clímax de la historia. Por último, no tienes que elegir un solo tipo de ilustración. Puedes y debes mezclarlo y combinarlos a lo largo de todo tu libro. Un gran ejemplo de esto es la locomotora Brian Floca y esto realmente ganó el premio Pareja este año. Hace un gran ejemplo de usar alguna viñeta esto sería sangría completa en la página. Un poco en la página viñeta. Entonces en momentos de drama o como agudizado excitación , usa más de una sangría completa. Hace un trabajo realmente bueno combinándolos en la página y el diseño. Ver esto tiene mucho drama en esta imagen. Entonces eso es todo. Esos son los tipos de ilustraciones y libros ilustrados. Recuerda, quieres intentar comprarlos y combinarlos en tu storyboard. Solo tienes que crear ritmo y ritmo. 11. Configurar tu storyboard: Normalmente trabajo a través de seis etapas cuando cuento storyboard. En primer lugar, configuré mi guión gráfico. Segundo, rompo la historia. Tercero, me enfoco en la composición y el ritmo. Cuarto, me enfoco en el movimiento y el ritmo. En quinto lugar, analizo para repetición, y finalmente, creo un pequeño maniquí. Dentro de esas etapas pueden haber múltiples versiones de storyboard, y después del maniquí, puede que tenga que volver atrás y revisar más los storyboards. Vamos a saltar y verlas en acción. He adjuntado mi plantilla de storyboard que utilizo para planear mis historias en la sección de asignación de proyectos. Puedes usar esta plantilla para tu storyboard o hacer la tuya si quieres. Para estas tabletas, hay tres opciones. Paisaje, retrato o cuadrado. No tienes que estar completamente seguro de qué tamaño será tu libro final. Deberías escoger una talla y trabajar con eso. Pero el editor y diseñador trabajarán contigo para finalizar cuál será el tamaño de tu libro si se toma. Lo que sí hay que saber es si el libro estaría orientado como paisaje o retrato. Por lo general, ponga sus libros con muchas vistas amplias y configuraciones estarían en el paisaje, y los libros con elementos más altos como rascacielos o árboles pueden funcionar mejor en retrato. Depende de ti y vale la pena experimentar con. Medidas y libros que te gustan y ve cómo encajan las ilustraciones en sus proporciones. Prefiero empezar storyboarding muy pequeño como las miniaturas de esta plantilla porque si me gusta demasiado grande, termino pasando demasiado tiempo dibujando detalles. Para al menos tus primeros storyboards en el proceso, debes enfocarte en el diseño y diseño generales, colocación de elementos y la difusión general, no en detalles específicos. Encuentro que trabajar pequeño ayuda a mantenerme enfocado. Entonces tengo mi plantilla de storyboard aquí, y todas las páginas ya están numeradas, desde la página uno aquí hasta la página 32 aquí. Lo primero que vamos a hacer es armar la materia frontal. Recordarás desde la última clase que las primeras dos a cuatro páginas de tu libro de imágenes están reservadas para la materia frontal. Esto incluye los nombres de título, autor e ilustrador, tal vez medio título, editor, copyright y dedicación. Entonces en tu plantilla, deja las primeras páginas en blanco por ahora y comienza tu historia ya sea en la página 3 o en la página 5, dependiendo de cuánto espacio creas que necesitarás. Siempre puedes cambiarlo en un guión gráfico futuro una vez que comiences a dividir tu historia. Creo que para esta historia voy a empezar en la página 5. Entonces diré que este es mi medio título. Esta es mi página de título con mi información de copyright aquí mismo, y entonces mi dedicación probablemente irá justo aquí. Ahora puedo empezar a trabajar en mi historia en la página cinco. 12. Fraccionando tu historia: Entonces pasemos al paso dos, rompiendo la historia. Probablemente tendrás que dibujar múltiples storyboards antes de que la historia encaje en el formato de tu libro de imágenes de la mejor manera. A menos que por supuesto, hicieras el maniquí de los escritores en la última clase y lo clavaste totalmente. En esta primera etapa, tus objetivos para decidir qué parte de la historia irá en cada página, qué ilustrar y qué no ilustrar. este momento no quieres enfocarte en dibujar bonitas imágenes y ni siquiera te preocupes por la composición. Simplemente estamos separando y ajustando la historia en el formato y reorganizando la estructura. Nadie dibujaría el mismo guión gráfico para la misma historia. Todo el mundo lo interpretará de manera diferente y elegirá diferentes aspectos a destacar. Al pensar en cómo romper tu historia como lo hicimos antes en el manuscrito considera puntos de drama, acciones que son vitales para la historia, momentos emocionales, y momentos que están completamente descritos en el texto. Por lo que solo quieres pasar y puedes tener tu manuscrito contigo en el que ya trabajamos antes. Basta con pasar y esbozar todo el libro con dibujos muy ásperos, tratando de no distraerse por los detalles. En cada ilustración, lo que no dibujas es tan importante como lo que sí dibujas. Algunas cosas son mejor dejadas sin ver por el lector. Por ejemplo, en Where the Wild Things Are, la madre de Marx nunca se dibuja ni se muestra en el libro, pesar de que es una parte muy importante de la historia. Mantener a la madre invista le permite ser más un concepto que un personaje y posiblemente permite que más niños se relacionen. Recuerda, si la imagen puede decir en absoluto entonces no se necesitan palabras. Entonces voy a empezar en mi primer guión gráfico. 13. Creación de ritmo: Ahora que has roto tu historia, el siguiente paso es empezar a refinar tus composiciones y ritmo. Considera tu uso de sangría completa, como aquí, Viñetas como aquí, e ilustraciones puntuales como aquí a lo largo de tu libro. Las imágenes inteligentes como manchas y viñetas tienden a sugerir bastantes momentos, mientras que las imágenes grandes tienden a reservarse para momentos más dramáticos. A medida que estás dibujando, también debes comenzar a considerar dónde se colocará el texto, y dejar espacio suficiente para que leas. Se puede ver en algunos lugares me quedé sin espacio y en mi próxima versión, voy a tener que mover un poco las cosas para dejar espacio al texto. En este punto, sólo me gustaría poner una línea por cada línea de texto. No hace falta escribir las cartas y probablemente no pueda escribirlas así de pequeñas de todas formas. Cuando estás dibujando tus spreads en el siguiente guión gráfico, a veces es útil pensar en cada difusión como un marco de película que estás viendo a través de la lente de la cámara. ¿ Debería estar mirando hacia abajo al personaje? Apártalos, de cerca, muy lejos. Los puntos de vista pueden comunicar emoción y drama rápidamente, y quieres poder usar una variedad de puntos de vista y composiciones para crear ritmo a través de tu historia. Recuerda también estar al tanto de la canaleta en cada propagación. No se quiere colocar elementos importantes en la cuneta de cada página porque un poco de la página será succionada en la cuneta cuando el libro esté encuadernado. Por ejemplo, no querrías dibujar la cara de tu personaje justo sobre la cuneta. Diga que este es un primer plano de mi cerdito. Si yo dibujara el spread así, su nariz se le succionaría en la canaleta, y parte de ella se le cortará probablemente por eso. Incluso sus ojos podrían estar un poco distorsionados. De verdad no quieres poner nada súper importante justo en la canaleta. Pero es bueno cruzar la cuneta con imágenes porque eso puede ser muy dinámico y llevar tu ojo a través de la página. Una buena manera de ver y afinar tu ritmo es redibujar tu storyboard, con solo los grandes elementos. Esto te permite concentrarte en el diseño general y la composición, más que en los personajes y detalles. Antes de empezar con el ritmo, voy a redibujar todo mi guión gráfico y enfocarme en la composición. Voy a mirar los elementos en el spread y redibujarlos con solo un poco más de detalle y afinar algunas cosas si necesito hacer más espacio para el texto, o empujar algunas cosas hacia abajo para que el diseño general del spread sea más agradable. Ya voy a empezar con eso. Una vez que tengas toda tu composición hecha, para esta ronda, al menos, veamos el ritmo de nuestro storyboard. Una buena manera de ver y afinar el ritmo de tu storyboard es dibujar de nuevo tu storyboard con solo los grandes elementos. Esto te permite concentrarte en el diseño general y composición en lugar de en los personajes en detalles. El ritmo y el ritmo suelen estar determinados por el tamaño de tus imágenes. Mira tu uso de viñetas, manchas, o ilustraciones de raza completa. Es como si cada ilustración o elemento fuera un ritmo, y hay que espaciarlos para que fluyan juntos en un ritmo. Voy a conseguir otro storyboard y voy a redibujar esto con sólo los grandes elementos. No le voy a dibujar la nariz y los ojos. Simplemente voy a dibujar un círculo o una forma para cada elemento. Ahora puedes ver los grandes elementos de mi composición para cada difusión y a lo largo de todo el libro. Es realmente interesante mirarlo de esta manera porque se puede ver cómo fluye la ilustración, cómo fluye el ritmo. Si tienes demasiado de la misma forma, demasiadas razas llenas. Creo que éste tiene un balance bastante bueno. Podría tratar de hacer algo con estos dos para que no se destaquen tanto. Es más para la progresión de imágenes más pequeñas a imágenes más grandes. Yo lo estoy haciendo aquí con los cerdos que están mirando por la ventana. Esta ventana de cerdo es muy pequeña, ventana de este cerdo es más grande y el cerdo que en realidad trata de levantarse por sí mismo es la ventana más grande. Podrás tener esos ritmos y balances en tu composición para agregar algún significado extra a tu historia. Mirando el ritmo en general, y decide si necesitas cambiar algo y puedes volver atrás y revisar tu composición, y tu guión gráfico general tanto como necesites. 14. Crear movimiento: Ahora que tenemos composiciones fuertes y un ritmo, vamos a mirar nuestro storyboard y enfocarnos en el movimiento dentro de las páginas y dibujarlos de todo el libro en su conjunto. presentamos algunas preguntas que debes hacerte a medida que analizas tu storyboard. ¿ Tus composiciones te jalan el ojo a través de la página de izquierda a derecha? ¿ Tus spreads se ven un tanto unificados y fluidos juntos como un todo? ¿ Tus composiciones son dinámicas o estáticas? movimiento y el ritmo ayudan a que la historia y los personajes se sientan vivos, pero también mueven la historia a lo largo y pueden empujar al lector de página en página. Puedes usar elementos individuales en tu composición como el ajuste, clima o los personajes para agregar movimiento. Por ejemplo, en esta escena donde el lobo está caminando hacia la segunda casa. Este movimiento de él caminando y el sorteo que fluye así crea movimiento a lo largo de la página, y así lleva tu ojo a través de esta página, pero luego también a la siguiente difusión. Usar elementos como este y tener tus personajes se mueva por la página creará movimiento en el spread y lo hará más dinámico. El diseño general de tu spread también puede agregar movimiento, tirando del lector de izquierda a derecha a través del spread y a la página siguiente. Puedes usar manchas y viñetas para movimientos más pequeños y detallados como aquí para acelerar la historia, e ilustraciones de página completa como aquí. Se trata de dos páginas de sangría completa para construir la historia. Entonces la difusión completa, las ilustraciones de sangría completa como aquí. Para picos y acción. En una novela o libro de capítulos, la historia se detiene en saltos de párrafos, comas y puntos. En un libro de imágenes, la historia hace una pausa entre páginas y un spread, y entre spreads en giros de página. Por lo que cada una de tus ilustraciones difundidas tiene que ser lo suficientemente fuerte no sólo para comunicar la historia, sino también para incitar al lector a pasar la página. El movimiento dentro de los spreads de izquierda a derecha es una forma de incitar al lector. El movimiento dentro de los spreads de izquierda a derecha, como ver aquí, es una forma de incitar al lector guiándolos directamente desde donde empiezan a leer hasta la esquina de página. Otra forma de crear giros de página ensartados es terminando los spreads con un momento de tensión o incertidumbre. Por lo que el lector se siente tentado a dar vuelta a la página, por ejemplo , aquí en la página 19, este spread termina la línea se huffed y hinchada y azul y azul. Por lo que el lector es tentado a dar vuelta a la página porque queremos saber qué pasó. ¿ Voló sobre la casa? ¿ Se comió al cerdo? No lo sabemos. Queremos pasar la página para averiguarlo. Los cierres se suelen utilizar en momentos de alta emoción o acción, como la júbilo o el miedo. Por ejemplo, aquí, cuando el tercer cerdo causa capucha roja, acerco un poco su cara en lugar de mostrarle tan lejos para acercar realmente su emoción de miedo. Entonces en la página opuesta, contrastando que es él muy pequeño, sosteniendo un teléfono que obviamente es demasiado grande para él. Por lo que mostrar este tiro distante de él y hacerlos muy pequeños muestra que este es su punto bajo y que está teniendo dudas de sí mismo. No lo he hecho en este guión gráfico, pero puedes integrar una subtrama en tu libro como otra forma de crear movimiento. Se pueden soltar pistas visuales a través de la historia para agregar significado a la historia, e incluso se puede apuntar a otra narrativa visual para correr paralela al texto. Hablamos de los sub personajes y de la conferencia de desarrollo de personajes y ahí es donde esto entra en juego. Pistes como estas atraen al lector a dar vuelta la página y mantener la historia en movimiento y darle al niño una interacción más profunda con el libro ya que son capaces de leer una sub narrativa por su cuenta que no fue mencionada en las palabras. 15. Analizando por repetición: Ahora que tenemos nuestro movimiento funcionando bien, veamos la repetición en nuestro storyboard. Al igual que en el texto del libro de imágenes, también debería haber un ritmo a tus ilustraciones. La repetición de ciertas imágenes o diseños de diseño puede ayudar a enfatizar el ritmo. Similitudes y repetición dan al lector una sensación de familiaridad. Esto ayuda al lector a seguir y disfrutar de la historia y también hace que los momentos en los que te rompes de la repetición sean tanto más poderosos y emocionantes. De una forma que uso la repetición en mi guión gráfico es tener los cerdos vigía desde la ventana de su casa de la misma manera. Entonces aquí está el primer cerdo mirando su casa de paja. Se trata de una ilustración de página completa, de sangría completa, con el cerdo mirando por la ventana aquí en el centro de la página. Entonces con el segundo cerdo y la casa de las ramitas, tenemos el mismo trazado, pero por supuesto esta casa estará hecha de ramitas. Sigue siendo una ilustración de página completa, sangría completa. Pero su ventana es un poco más grande que la última ventana. Para crear repetición, pero también un poco de diversidad. Entonces, el tercer cerdo de la casa de ladrillo es el mismo diseño, de página completa, de sangrado completo, pero la ventana es aún más grande y se puede ver más del cerdo, por lo que los cerdos se vuelven progresivamente más valientes hasta el tercer cerdo. También uso la repetición para tener al lobo tumbado. Aquí después de que el lobo se haya comido al primer cerdo, lo puedes ver acostado, relajándose después de que se haya comido el primer cerdo. Después de que se comió el segundo cerdo, lo puede ver acostado en otra posición, estirado sobre su espalda con los dos cerdos perciben su vientre. Entonces, finalmente, después de que Caperucita Roja mate al lobo, se estiró como una de esas alfombras de caza de tigres en el piso de alguien. Entonces tienes la repetición del lobo acostado, lo que en última instancia lleva a la resolución. Por lo que aquí te presentamos algunas preguntas que debes hacerte sobre la repetición en tu storyboard. ¿ Hay una buena cantidad de repetición en tus composiciones? ¿ Hay demasiados de los mismos tipos de ilustraciones, por ejemplo, a muchas viñetas o ilustraciones de sangría completa. Es su variedad en cómo se posan tus personajes. ¿ Tu personaje siempre está mirando hacia adelante y nunca desde tres cuartos de vista? ¿ Existe una repetición y variedad de puntos de vista? Por último, ¿tienes un equilibrio entre las imágenes ocupadas de laboratorio y las pequeñas tranquilas?. En ocasiones las imágenes que son simples con mucho espacio en blanco como esta donde la casa de ladrillo aún estaba en pie pueden ser las más poderosas. Después de analizar para repetir, vuelve a dibujar tu guión gráfico si encuentras que no hay suficiente ni demasiada repetición de ningún elemento. 16. Hacer un prototipo pequeño: Antes de pasar a los bocetos finales, me gustaría hacer un pequeño maniquí con mis miniaturas de storyboard para ver los giros de página e impactar más claramente. En ocasiones hago una copia de mi guión gráfico, recorto los spreads, y luego los cinta juntos para hacer un pequeño libro. Otras veces solo hago un librito con papel y rápidamente esbozo bocetos en bruto en el cuaderno para dar una idea general del libro. Para este maniquí, hice una copia de mi guión gráfico y sólo voy a cortar las miniaturas muy rápido. Una vez que tengas todos tus spreads recortados, toma el primero con el medio título y una página en blanco y ponlo boca abajo sobre la mesa. Esta será como la portada para tu pequeño maniquí. Después toma el segundo spread y dobla por la mitad con el contenido en el interior. Después toma este tercer spread y haz lo mismo, dobla con el contenido en el interior. Ahora tienes estas dos páginas en blanco que se juntan. Vas a tomar esas dos páginas juntas. Después continúa con tu cuarto spread, juntando las dos páginas en blanco, básicamente estás haciendo un error de acordeón aquí. Yo sólo voy a pasar por este verdadero rapido con todos los spreads. Este es nuestro pequeño maniquí. Tenemos el medio título, el copyright y el título, la dedicación, y luego aquí está nuestra primera página de nuestra historia. El maniquí es realmente una herramienta pensante y puede que no tenga tanto sentido para otras personas, pero cuando has sido el que está haciendo estos storyboards y bocetos, mucho sentido para ti. Verlo en formato de libro realmente señala algunos de los errores que podrías haber cometido. Es mejor darse cuenta ahora de todos tus errores en lugar de una vez que empieces a dibujar tus ilustraciones finales y tus bocetos finales. Porque entonces, es mucho más difícil volver atrás y cambiar el diseño y la composición. Ese es todo mi pequeño libro. Si lo estás pasando mal trabajando con storyboards, un muy buen ejercicio es guiar un storyboard un libro de imágenes existente. Aquí te dejamos un storyboard que dibujé del libro, A Very Fuddles Christmas, escrito e ilustrado por Frans Vischer. Acabo de pasar por la historia, página por página, y dibujé los principales elementos del libro. Aquí se puede ver el medio título, y yo hago el medio título, luego la dedicatoria de redacción y la página completa del título. Entonces aquí está el primer spread con una ilustración de sangría completa, de página completa y luego dos ilustraciones puntuales. Se puede ver dibujé apenas muy sencillamente una ilustración de página completa sangría completa. Hasta escribí en la parte superior lleno y dos spots. De un vistazo rápido, puedo ver qué ilustración usó a lo largo de la historia. Este es un ejercicio realmente bueno que te ayuda a ver claramente cómo un ilustrador experimentado utiliza una variedad de composiciones y repeticiones para crear ritmo y ritmo a lo largo de su libro. Es una experiencia de aprendizaje realmente genial y me enseñó mucho sobre cómo hacer storyboard. De verdad te recomiendo que lo pruebes. Eso es todo para storyboards y maniquíes. 17. Configurando tus bocetos: Una vez que tengo el spread impreso, lo grabo en mi caja en vivo. Entonces pego otra página en blanco en la parte superior. Entonces trazo ligeramente el dibujo en la nueva hoja de papel, y aquí no me enfoco en dibujar los diminutos detalles. Yo solo quiero bajar la composición a la página en los puntos correctos y el tamaño correcto. Hagámoslo realmente rápido. 18. Refinando tus bocetos: Ahora que tengo mi boceto básico de composición, sólo voy a pasar por y refinar el dibujo. Esto a veces puede ser un proceso largo y puede implicar múltiples rondas de dibujo; así que empecemos. Cuando estás refinando tus bocetos, también realmente quieres considerar también la colocación del texto. Me gusta escribir las palabras reales en lugar de solo líneas como en las miniaturas, para ver cómo encajan en el espacio que les he asignado. El textura tiene una buena cantidad de espacio para respirar a su alrededor, por lo que es fácil de encontrar y leer. Tradicionalmente, los libros de texto e imagen se presentan como un poema en estrofas como ésta, y en una tipográfica Serif. Pero toneladas de libros rompen ese estándar. Algunos usan San-Serif, algunos diseñan el texto para unificarse más con la ilustración, parte del texto está envolviendo alrededor de las ilustraciones, y algunos incluso usan el tipo dibujado a mano. Puede ser divertido integrar el texto con la ilustración y definitivamente puede hacer un libro poderoso, pero ten cuidado de no ir por la borda. El cuadro debe destacarse y ser la estrella del spread. Entonces creo que ese es un diseño de tipo bastante bueno por ahora. Una vez que me meto en Photoshop, puedo escribir el texto y reajustarlo como sea necesario. 19. Crear tus dibujos finales: Para mis dibujos finales, acabo de colocar mi boceto refinado en una caja de luz, igual que lo hicimos antes, y voy a trazar sobre el dibujo en una nueva hoja de papel. Por lo general, mi dibujo final se completa a lápiz, pero a veces uso bolígrafo. Puedes elegir el material con el que prefieras trabajar. También tuve algunas cosas con las que no estaba tan contento en mi último boceto. Pensé que sus brazos tal vez no eran los mejores aquí. Definitivamente sus brazos no eran los mejores aquí, eran un poco incómodos. Este lobo en general, no era realmente fan de. No pensé que coincidiera con el estilo de los cerdos. Seguí adelante en otra hoja de papel y dibujé algunas otras opciones. No voy a rastrear a este lobo y en su lugar voy a rastrear a este lobo que dibujé antes. Empecemos con nuestro dibujo final. Cuando estás dibujando tus texturas, si lo haces en un pedazo de papel separado, también es una buena idea trazar nuevamente el contorno de la página tal como lo hiciste en tu dibujo de línea porque entonces puedes alinearlas fácilmente en Photoshop al escanearlos en. Eso es todo mis dibujos de línea y texturas. 20. Limpieza en Photoshop: Una vez que estoy contento con mis dibujos finales, escaneo en el trabajo de línea y texturas a lápiz, y los abro en Photoshop. Coloqué el archivo de textura en su propia capa encima del archivo de trabajo de línea, y los etiqueté cada uno. Entonces voy a encender ambas capas, y encender las texturas del lápiz multiplicarse, para que se vuelva transparente y pueda ver ambas capas juntas. Entonces voy a tomar la herramienta de pincel, y colorear cualquier blanco sobre cualquier marca rara en la página que veo en cada capa individual. Entonces ahora tenemos todo nuestro trabajo de línea limpiado. 21. Composición tipográfica en Photoshop: Será un diseñador quien elija la tipografía y diseño tipográfico general de tu libro, si está publicado. Pero tú como ilustrador, aún tienes que planear el texto y tener un lugar para que se vaya. El texto debe estar algo integrado con el diseño, por lo que no parece que solo haya sido abofeteado al azar. Es buena idea no elegir una tipografía loca para tu libro. De verdad estás diseñando el texto como un tenedor de lugar por ahora. Quieres que sea legible y limpio, y no distraer de tus fotos. Simplemente escribiré mi texto y lo colocaré donde había planeado antes en mis bocetos. Voy a usar la tipografía Baskerville. Es una de mis tipografías favoritas y es un juego limpio de tipografía. Un buen tamaño de fuente, si estás trabajando en una hoja de papel de 8.5 por 11 como yo ahora mismo, es probablemente alrededor de 18. No hay estándar pero esto me parece justo. Ahora puedes empezar a jugar con el diseño del tipo y encajarlo en la página con el resto de tu composición. Creo que eso es bueno por ahora. Siempre podemos volver y cambiarlo más adelante. 22. Coloreado digital en Photoshop: El color es uno de los elementos más notables e influyentes de una ilustración. Puede afectar en gran medida el estado de ánimo y el tono general de esta difusión y transmitir de inmediato la emoción de la historia. Antes de comenzar a experimentar, considera si quieres que tu libro general sea brillante y colorido, o silenciado y tranquilo. ¿ Cuál encajaría mejor en la historia? También puedes mezclarlos y usar hits de color y spreads que empaquetan más acción para tener aún más impacto en contraste con los otros spreads. El color sería entonces cada propagación también ayuda a guiar el ojo del lector. Puedes resaltar a tu personaje principal haciéndolos destacar del fondo con colores de cortesía o silenciando un poco el fondo. Prefiero trabajar con paletas de colores limitadas, eligiendo solo dos o tres colores con los que trabajar, y los tonos de esos colores. Encuentro que esta restricción me hace prestar más atención a cómo uso los colores y me permite enfocar realmente el ojo del lector. Es importante planear tu color para el libro en su conjunto en lugar de solo un spread. Necesitas una paleta que pueda ser fuerte en cada difusión a lo largo del libro, no solo un spread. Te voy a mostrar cómo hago que mi color sea estable con mi paleta elegida. Tomaré la capa de storyboard y la pondré encima y la pondré para que se multiplique para que las líneas sean transparentes encima de los colores y solo tomaré la herramienta pincel y empezaré a pintar los colores. Ese es mi estudio de color de storyboard y te ayuda a planear los colores a lo largo de tu libro usando el formato storyboard. Podrás verlos todos juntos como un solo libro unificado. Ahora voy a pasar por un resumen muy breve de mi proceso de coloración digital. Si quieres un tutorial más profundo mi proceso de coloración, puedes echar un vistazo a mi otra clase de Skillshare, ilustración científica transmitiendo información con encanto. La última unidad de esa clase te lleva paso a paso de mi proceso de coloración digital a través de un screencast, mostrando cómo coloreo, trato trabajo de línea, añado texturas, y creo tipografía de dibujo a mano. Sigamos con esta difusión.