La guía de supervivencia del color

1. Introducción a la clase: Oye a todos, aquí Marco Gucci, ya sabes, como artista profesional e ilustrador, quieres poder manejar una amplia variedad de tareas. Ahora cuando se trata de color, eso significa conocer tus fundamentos tanto en teoría como la miríada de formas en que esas teorías pueden aplicarse como ilustrador. Ahora desde hace más de 15 años, encuentro eso una y otra vez. Vuelvo a un conjunto central de fundamentos, fundamentos que me permiten sobrevivir en color. Así que bienvenidos a mi color Survival Guide donde quiero compartir estos fundamentos con ustedes. Son seis capítulos. Cada capítulo contiene una presentación de una teoría del color en particular para luego pasar a su uso práctico. Ya sabes, cómo lo aplico, pero también ideas para cómo puedes aplicarlo. Conceptos que alimentarán tu trabajo diario. Mi objetivo con esta clase es simplemente hacerte más confiado en poder manejar una amplia variedad de tareas de color. Ahora una nota rápida, estaré usando Adobe Photoshop en esta presentación como mi software de elección. Pero los conceptos y demostraciones son aplicables a cualquier aplicación de pintura digital. De hecho, las teorías presentadas o incluso aplicables a los medios tradicionales. Por lo que confío en que disfrutarás de esta clase. Tenemos unas cuatro horas de aprendizaje por delante. Entonces vamos a sumergirnos en el Capítulo 1. 2. El poder de los grisos: Empecemos esta clase con lo que considero el aspecto más fundamental del color, y así es como el color se mueve en una pintura. Después de que este capítulo haya terminado, tendremos una comprensión general de la mecánica del movimiento del color. Y con eso y comprensión de los colores grises versus sus homólogos saturados, desarrollaremos un sistema sencillo para categorizar y organizar los colores en una pintura aprenderá lo poderosas que pueden ser las decisiones simples. Hablaremos de cómo el color se relaciona con el valor y la forma. Y por último, aprenderemos la terminología del color que estaremos utilizando a lo largo de esta clase. Está bien, aquí está nuestro amigo, la rueda de color. Y si aún no eres amigo de él, estarás al final de esta clase. De acuerdo, entonces aquí en el Capítulo 1, vamos a comenzar nuestra comprensión del color a través de la lente de los colores complementarios. Y los colores de cortesía, como probablemente ya lo sepas, son simplemente dos colores o tonos ubicados en lados opuestos de la rueda de color. Cada color tiene un cumplido, por supuesto, teoría básica del color. Diremos que los colores de cortesía generalmente se ven bien juntos. De nuevo, ese es un consejo general en el que estamos a punto de cavar más a fondo. No obstante, antes de que lo hagamos, quiero asegurarme de que todos estamos en la misma página y entender lo que nos está mostrando la rueda de color. El anillo más exterior de la rueda de color, este color aquí, por ejemplo, esa es la versión más saturada o intensa o colorida de ese color. Si movemos esa selección hacia la mitad de la rueda de color, está perdiendo saturación. En otras palabras, se está poniendo más gris. Voy a traer aquí un recolector de colores. Es básicamente como si estuviéramos haciendo esto, moviéndonos hacia el gris y perdiendo saturación. Muy bien, lo siguiente que es muy importante entender, la rueda de color sólo nos está mostrando el color. Por ejemplo, no nos está mostrando valor. Valor siendo la luz y la oscuridad de un color. Por ejemplo, aquí tengo dos colores. Una luz, una oscura, pero ambas están exactamente en el mismo nivel de saturación. Por lo que a pesar de que estas dos muestras son técnicamente dos colores diferentes debido a su tono y saturación idénticos, se ubicarían en el mismo punto en una rueda de color. Ahora, valor, de nuevo, claro y oscuro es integral para el éxito de una pintura, pero tampoco es de lo que trata esta clase. Esta clase se trata de color. Entonces voy a hacer todo lo posible para mantenerme enfocado en el color, pero tendré que hablar de valores ocasionalmente porque es literalmente inevitable. Entonces aquí hay una pintura, no la mejor pintura del mundo. De hecho, hice este cuadro como hace 15 años, justo en la época en que empezaba a sentirme familiarizado con el color. Un ejercicio que realmente me ayudó fue hacer mi paleta lo más gratuita posible. En este caso, si yo probara algunos colores aquí, es esencialmente amarillos versus morados. Es decir, no es una línea perfectamente recta, pero te das la idea. Ahora bien, si bien una paleta complementaria no es la forma más creativa de usar el color, sí ofrece una valiosa visión de cómo se mueve el color para introducir eso. Y si bien aún tenemos este gráfico en pantalla, echa un vistazo a la gama de amarillos versus la gama de morados. Ahí hay una diferencia significativa. Hay menos variedades del amarillo a diferencia del morado. No obstante, los amarillos que sí existen están todos muy saturados. En tanto que el morado es un poco amplio la gama de muy desaturado o gris a muy saturado. Aquí en Photoshop, hagamos un poco de ejercicio de color que juro que cualquiera puede hacer sin importar tu experiencia, Traigamos esos dos colores muy saturados que acabamos de ver. En este caso, amarillo, solo pintando una pequeña muestra. Y en una nueva capa, agarraré los morados que están aquí. Está en Photoshop es un poco más difícil de decir lo que es de cortesía porque tienes una tira de tonalidad en lugar de una rueda de tonalidad. Pero quiero decir que está bien siempre y cuando esté cerca de lo contrario. Entonces en algún lugar por aquí. O sea, no sé si eso es perfecto, pero ya está lo suficientemente cerca. Yo pintaré eso. Ahora. Estos están muy alejados. Son colores de cortesía. Entonces voy a poner este camino morado por aquí, y voy a poner este camino amarillo por aquí. Y el ejercicio que queremos hacer ahora es abarcar la gama, llenar este rango en el medio. Esto tipo de simular cómo usamos los colores en una pintura real. No te preocupes por el valor. Nuevamente, valor siendo aligerado arco, simplemente no te preocupes por eso para este ejercicio, no estamos tratando de producir una imagen legible aquí. Solo estamos jugando con el color. Entonces justo en medio está este gris. Voy a tratar de poner este gris justo aquí. Y mientras estoy en el tono morado, sólo me ramificaré hacia la saturación y solo pondré una pequeña muestra justo ahí. Ahora pregúntate, ¿a dónde iría este morado? Bueno, está un poco justo en el medio entre esa y esa. Entonces pongámoslo por ahí. Voy a entrar en los amarillos ahora. Siempre podría probar mi amarillo aquí si quiero que sea exacto. Bajaré esto más cerca del gris y pondré eso ahí. Entonces lo que esencialmente estamos diciendo aquí es que este color es el mismo nivel de saturación hacia el amarillo que este color es hacia el morado. Pero de nuevo, estamos haciendo esto visualmente. Ver no me importa que en realidad estoy probablemente a unos cuantos píxeles de distancia. Si miraba ese color, existe ahí mismo en saturación versus el morado, que está un poco más cerca del gris. Entonces no soy perfecto. Es decir, no soy un robot. No puedo hacerlo exactamente, pero está bien. Visualmente es lo que importa. Entonces sigamos progresando. Tengo este morado aquí muestreado. Me ramificaré un poco más y solo pondré eso por ahí. Entraré a la muestra amarilla donde estoy. Y simplemente sal un poco más y pon eso ahí. ¿ Qué tal si escojo un color por ahí y digo que eso es por aquí. Y de nuevo, simplemente continuando trazar estos colores, ya sabes, más o menos a dónde van en este espectro aquí, estoy reduciendo la cantidad de espacio. Este ha ocupado demasiado espacio en mi pequeño gráfico aquí, así que estoy un poco trabajando en ello. Entonces es así. Esto puede sonar un poco contra-intuitivo, pero resiste el impulso de hacer esto bonito, quiero decir, puedes si quieres, pero no importa. Entonces lo que estamos haciendo aquí es que nos estamos acostumbrando a rastrear la saturación o a unos términos opuestos, seguimiento de los grises se van un poco más saturados y se rellenan en ese tipo. Y ahí vamos. Algo así. No tienes que llenarlo todo perfectamente. Algo así está totalmente bien. Como dije, ejercicio muy fácil, muy básico. Pero estoy siendo totalmente honesto cuando digo que evaluar y elegir colores en tu pintura puede ser tan sencillo como esto. Y por eso también la paleta complementaria es tan buena para trabajar con eso primero, porque solo tienes dos colores, saca casi todas las conjeturas. Está bien. Ahora, está este término de color que estoy seguro que has escuchado llamado armonía de color. ¿ Qué es la armonía de color? Bueno, creo que la armonía del color es cuando hay un rastro visual notable o vínculo entre los colores. Ahora, ¿qué es ese enlace? Bueno, el eslabón es el gris. El gris por supuesto, siendo la muestra media entre dos colores. Cuando lo pruebo aquí, no importa si estoy en el morado o si estoy en el amarillo, es del mismo color ambas veces. Tan gris es la conexión literal entre dos colores cualquiera, en este caso el amarillo y el morado. Pero déjame simplemente deshacer esas marcas por un segundo. Donde ocurre la armonía de color es en esta gama neutra muy delicada. Los colores neutros son los colores cercanos al gris. Yo diría que tal vez esta gama aquí, estos son los colores neutros en esta paleta. Si fuera a hacer esto en el propio Selector de Color, estoy en los morados aquí. Yo diría que los neutrales están en algún lugar de este rango. Si dibujo como una pared invisible justo aquí, Es una especie de en ese rango. Y recuerda, puede ser cualquier valor, oscuros, luces, cualesquiera que sean estos todos morados neutros y viceversa. Si iba a los amarillos, mismo tipo de cosas, dibujando esa pared invisible por ahí. Todos estos son amarillos neutros. Cuando los colores son neutralizados, están muy unidos. Como vemos en nuestro estudio aquí, la distancia entre este gris y este amarillo no está muy lejos, y la distancia entre este gris y este morado no está muy lejos. Por lo tanto, la distancia entre ese morado y ese amarillo tampoco está muy lejos. Ahí hay un enlace. Podemos trazar el movimiento del color. El color se está moviendo de este desaturado o grado hacia abajo púrpura. Y es muy fácil vincular visualmente o trazar visualmente cómo puede llegar hasta aquí. Ya ves que es mucho más difícil empezar aquí y luego ir boom a allá. Es demasiado abrupto de un cambio. No hay vínculo visual entre ambos. Ambos están muy saturados. Estos son colores increíblemente diferentes. El único modo de lograr que estos colores se armonicen es mostrando cómo se mueven de uno a otro. Y moverse a través de los neutrales poco a poco es lo le da al espectador esa acción fácilmente rastreable. 3. Pintura con una paleta complementaria: Está bien, así que sigamos adelante y pongamos esto en uso y hagamos un cuadro. Tengo un dibujo de línea rápido, que fue sólo un trazado rápido de mi pintura aquí he proporcionado este arte de línea con la clase para que ustedes chicos puedan seguir conmigo si quieren. Voy a hacer todo lo posible para usar pinceles que también he proporcionado con la clase. Sí tengo más pinceles entonces proveo porque a veces compro pinceles a otros artistas y por supuesto no puedo vender. Esos son los que vienen con la clase o los pinceles que me he hecho. Pero voy a hacer todo lo posible para apegarme a esos. Está bien. Entonces veamos, tomemos un pincel. Este es mi pincel de tiza y probablemente debería mostrarte rápidamente mis capas. Tengo la capa de línea aquí configurada para multiplicar el modo. Y luego en la capa de abajo, sólo voy a usar una capa. Aunque si cambia, te lo haré saber, pero voy a poner mis capas fuera de pantalla porque ahora mismo solo voy a usar una capa. Y aquí vamos en esa capa, sólo un poco bloquearé en sólo una columna neutra, cálida neutra. Ahora me voy a pegar obviamente dos amarillos porque estoy usando una paleta complementaria. Entonces me voy a apegar a amarillos y morados. Entonces a medida que bloqueo en mis neutrales, solo me mezclaré un poco entre los dos. Nuevamente, estos son neutrales, lo que significa que están cerca del gris. ¿ Recuerdas esa cosa de la pared invisible? Observe que voy a tratar de quedarme dentro de ella. Ahora. Yo sólo estoy una especie de muestreo al azar amarillo, morado, puede ser un pelo apagado y conseguir este azul por accidente. Hago todo lo posible para apegarme a esto. Mientras estés pensando en cortesía y saltando de ida y vuelta así, estás, en mi opinión, vas a estar bien. De nuevo, saca las conjeturas, ¿verdad? Y llegaremos a expandirnos en esa paleta de colores en los próximos capítulos, por supuesto también. Está bien, bien. me gusta empezar aquí porque me da la oportunidad de construir tanto más oscuro como más ligero. No tienes que hacer esto, pero esto es lo que me gusta hacer. Permítanme simplemente cambiar a un pincel diferente. Esto también se proporciona con mi juego de pinceles. Voy a bloquear en algunos tonos de sombra. Ahora, déjame detenerme un segundo. Voy a decidir algo ahora mismo. Y eso es todo lo que está en luz va a ser golpeado por una luz solar más cálida y por lo tanto va a recibir los amarillos, y por lo tanto cualquier cosa en sombra va a recibir los morados. El capítulo 2 va a ser más sobre eso. Decidí empezar aquí aunque para sumergirme un poco en las cosas divertidas rápidamente. Y luego en el Capítulo 2 retrocederemos y haremos algunas cosas más teóricas. De todos modos. Entonces cualquier cosa en luz, me dieron mi amarillo y me voy a ramificar no Es una locura lejos como si miras mi pintura y pruebo esto, eso está bastante saturado y eso ya no es un color neutro. No obstante, en mi cuadro aquí, necesito establecer ese movimiento, ese vínculo entre morado y amarillo, ¿verdad? No voy a entrar a pintar eso. Eso es también, es demasiado rápido para prematuramente. Voy a empezar aquí en neutrales. Ahora, mi valor va a ser la luz porque es la luz del sol. Pero sólo voy a bloquear un poco y ver lo rápido que estoy haciendo esto. Esto es, así es como pintarías un poco rápido estudiar una clave de color, algo así. También es como iría a pintar, una pintura perfectamente terminada. Empezaría muy suelto así y luego sólo apretar a medida que voy. Pero en este momento sólo estoy tratando de encontrar la luz. Por cierto, la luz viene de arriba a la derecha. Entonces por eso la sombra aquí está siendo echada por este muro, echando una sombra aquí. Entonces la luz viene de esta manera. Y por lo tanto va a estar golpeando muchos de estos árboles, estas escaleras. Ah, lo siento, accidentalmente me muestrearon los amarillos equivocados. Mantenlo neutral. Mantenlo neutral porque entonces podemos construir a partir de ella. Aquí probaré mi morado neutro y solo construiré. Obviamente estos árboles están arrojando sombras. Entonces sólo voy a pintar de nuevo en algunas de estas sombras. Y ahora simplemente cambiemos rápidamente los engranajes a este morado. Voy a darle un poco más de saturación, pero aún en el rango neutral. Tan sólo para establecer un poco más, otra vez, un poco más de color a medida que vamos. Yo estoy, mientras esté en los neutrales, casi no puedo hacer chicos equivocados porque ahí, el enlace está ahí, el enlace está incorporado. Incluso puedo poner algunos de estos morados en los árboles. Ahora, ten cuidado aunque tu valor sea correcto. Aquí es donde tengo que hablar un poco de valores. Mis árboles son, si miras la luz contra la oscuridad, mis árboles están por aquí. El sol está golpeando esos árboles. Si pongo esto morado aquí, ese es el valor equivocado. Si tienes el valor incorrecto, también es el color equivocado. Valor supera el color. No obstante, si tengo este morado, que debería estar aquí arriba, y obtengo el valor correcto, que es muy similar hacia los amarillos fue que puedo poner este morado en y valor sabio, Se verá bien. Y como es neutro, más probable es que se vea bien, coloreado también. Y luego puedes probar los resultados como yo solo mezclé ese morado con el amarillo y puedes probar el resultado aquí y pintar con eso. Eso es totalmente válido. Mezclar colores en el lienzo así en realidad es como obtengo la mayor parte de mi color. Empiezo escogiendo colores, pero luego normalmente estoy tomando muestras de lo que hay en el lienzo. muy parecida a cómo un pintor de aceite sacaría colores de su paladar. Mezclan los colores, trabajan con los colores de tu paleta. Y de repente su paladar es este smorgasbord de colores en los que pueden sumergirse cuando quieran. Siento que la pintura digital es como una paleta interactiva. Está bien, voy a trabajar para ampliar más mis valores. Salta a esos morados. Y vayamos a un valor más profundo. Esto, déjame sólo agarrar un cepillo de aire, que tengo aquí arriba. Este fondo es obviamente bastante oscuro. Yo un poco pensando en una especie de 3 sobre todos los valores. Tienes este valor oscuro de fondo a este valor de sombra para los árboles y escaleras y templo también. Entonces eso son dos valores y luego valor ligero para el árbol. Por lo que tres grupos en general, obviamente habrá pocos cambios dentro de esos grupos, pero esos son mis grupos en general que quiero mantenerme separados que ayudarán a leer este cuadro. Entonces algo aquí dentro es mi esquema de valor general. Solo tomemos un pincel rotulador, que de nuevo viene con mi clase. Y vamos a ramificar un poco hacia fuera en estos morados. Vamos a meter este techo en. Y voy a conseguir alguna definición aquí con la sombra debajo del techo. Esto es una realidad esto no es una sombra. Esto es oclusión ambiental, esta oscura aquí mismo. Esa no es una sombra, esa es simplemente la parte más oscura de una sombra. Todo esto está en la sombra. En la oclusión ambiental se encuentra bloqueada u ocluida la luz ambiental. Por lo tanto, se pone aún más oscuro. Está bien. Sigamos aquí. De acuerdo, unos púrpuras más solo trabajando ahí dentro. Este puede ser un buen momento para agarrar mis capas y simplemente disminuir un poco la opacidad en mis líneas. No necesito verlos. Ve cuándo tienes una opacidad del 100 por ciento en tus líneas. En las líneas dominan la pintura. Si te quitas las líneas, repente como si realmente pudiera empezar a ver la forma pictórica viniendo. El cuadro es lo que me está comunicando aquí. Cuando tengo las líneas encendidas, las líneas las que más se están comunicando, como las líneas de las más ruidosas. Entonces sólo voy a disminuir la saturación. No estoy del todo listo para apagar completamente las líneas. Y aún. Otra forma de hacerlo es hacer una capa sobre tus líneas y simplemente pintar sobre tus líneas. Pero en este caso, disminuiré la opacidad. Tira la ventana de Capas fuera de la pantalla porque realmente no necesitas verla ahora mismo. Algo que hago generalmente en la pintura es que escojo un área. Por lo general es el punto focal en este caso, ese es el templo. Y lo llevo a un grado superior de acabado. A lo mejor no totalmente terminado, pero sólo un grado de acabado superior. Para que sea algo así me proporciona un poco de inspiración como el pintor para ver qué está funcionando y luego eso deja que eso inspire el resto de la pieza. Entonces eso es lo que estoy haciendo aquí. A pesar de que el templo está envuelto de sombra, creo que es algo así como un punto focal. Después de todo, eres, el tipo de pintura lleva tu ojo direccionalmente hasta él. ¿ Sabes qué voy a hacer aquí? Voy a tomar mi dibujo de línea y sólo borrar el templo. Nuevamente, deshaciéndose de las líneas. Porque quiero que la pintura haga toda la plática aquí. No necesito estas líneas, sobre todo no tengo la referencia a si quería referirme a la forma de la misma, sólo puedo mirar la referencia. Es beneficioso deshacerse de esas líneas lo antes posible. Y eso es asumiendo, por supuesto que quieres un look pintado acabado a tus cosas. Está bien. Vamos a conseguir un grisáceo, morado. Y lo que hará ese gris es que empezará casi a parecer amarillo. Y puedo, porque estos son colores muy neutros, puedo rebotar de ida y vuelta de morados a amarillos y simplemente construir la ilusión de, ya sabes, este material de techo corrugado o texturizado. Y es, no se ve morado o amarillo es una especie de mezcla y esa es la, esa es la otra cosa hermosa de los neutrales. Realmente no sostienen su identidad como tonalidades como cuando estás trabajando con un morado neutro, realidad no se ve morado porque es tan grado. Es, como que es un camaleón. Adopta los otros colores que están a su lado. Y de nuevo, armoniza. Se llega a ver ese enlace. Solo estoy construyendo unos valores diferentes de ese morado aquí mismo. Conseguir un poco, ya sabes, pequeños destellos, un poco de visión de la luz. Y volvamos a los amarillos. De acuerdo, déjame acelerar un poco aquí. Vamos a meter las puertas un poco desbaste. Y empecemos a trabajar en algunos de estos árboles también. Se puede ver a lo que me refiero cuando digo un nivel más alto de acabado que busco alrededor del punto focal. Esta región del templo ahora se ve como algo. A lo mejor. Es decir, ya está bastante terminado para una clave de color, aunque sí quiero agregarle más color, que es todo el punto de este ejercicio en este momento, las cosas siguen existiendo en el rango neutro, lo cual es un gran inicio . Ahí es donde quieres estar porque hace que tu paleta de colores empiece a funcionar de inmediato. Pero entonces lo que aún no he dicho es a partir de ahí se puede construir saturación. Y de nuevo, así es como puedes vincular entre colores intensos que son completamente diferentes, en este caso, completamente gratuitos. Entonces sigamos trabajando por aquí. Tengo mi textura, cepillo aceitoso. No puedo recordar cómo se llama este pincel cuz solo veo los gráficos en miniatura y mi caja de pinceles aquí. Brush box, por cierto, es un plugin de terceros para Photoshop. Creo que son como 7 dólares. Es muy barato y es genial. Prefiero caja de pincel a photoshops, navegador de pincel nativo. Sigamos trabajando aquí y obtengamos un morado más profundo, un poco más colorido. Y empecemos a trabajar la sombra de yeso que está bajando por las escaleras. Voy a conseguir mi buen cepillo redondo viejo para esto. Este es el pincel redondo con bordes húmedos, que pinto con mucho. 60% del tiempo. Yo estoy pintando con este pincel. Me encantó el cepillo redondo y me gustaría encender la opción de bordes húmedos, que de nuevo está incluida en mi paquete de pinceles. Si tienes una pieza de software que no soporta mi pack de pinceles, como digamos que estás trabajando, no sé, Krita o algo que no pueda importar pinceles Photoshop hasta donde yo sé. No te preocupes por ello. Podrás encontrar pinceles que son muy similares. Ninguno de mis pinceles es especial. No tengo locos oh, sí tengo pinceles texturizados locos, pero casi nunca los uso como si tuviera un pincel como este, que no viene con mi pack porque descargado esto de otros artistas, como mirar eso locura. Casi nunca uso eso. Podría ser bueno para pequeñas tejas o algo aquí arriba, ya sabes, conseguir pequeños toques de textura, pero no es lo que deberías estar preocupado la mayor parte del tiempo, uso pinceles muy simples, como el cepillo redondo, porque me da la capacidad de controlar mi dibujo. Dibujo que significa las formas y por supuesto, los valores que se enchufan en esas formas. Y luego por extensión, los colores que se enchufan a esos valores y se afeita, que es de lo que se trata esta clase, esos colores. Voy a entrar en mis amarillos ahora, aumentar la saturación. Mira donde estoy más allá de los neutrales ahora. También voy a matar por completo mi dibujo de líneas. Entonces ahí está mi línea de dibujo, boom, muerto. Y apenas estoy de vuelta en una capa. Y mira esto. El cuadro está cobrando vida instantáneamente como pintura. Esto es a lo que me refiero cuando digo que las líneas realmente funcionan en tu contra. Dado el tiempo suficiente, la pintura debería estar haciendo la plática. Ahora, eso es asumiendo que quieres que el cuadro esté haciendo la plática y la final. Si estás buscando un estilo híbrido de lineal versus pagar una pinteramente, entonces obviamente quieres manejar esto de manera diferente. Pero como una especie de artistas pintores yo mismo, así es como me acerco. Va a irrumpir en algunos morados más saturados aquí. Mira eso y mira que es una cualidad que ocurre cuando comienzas a agregar saturación a tus neutrales. No sé cómo describirlo. Es un sentimiento para mí. Es, he escuchado a artistas llamarlo como si los colores se sienten como si estuvieran cantando. No sé, para mí eso tiene sentido, aunque no entiendo muy bien por qué tiene sentido, pero sí se siente como esos colores, tienen un hogar o algo así. Los colores saturados tienen más de un hogar cuando se acumulan hasta ellos. Y de nuevo, cuando estamos hablando de movimiento de color, construyendo hasta aquellos que se mueven de colores desaturados, colores demasiado saturados realmente, realmente harán que esos colores vibrantes y armonizarán. Y todas estas fiestas, algunos términos artífices que realmente sólo significan resultados estéticamente agradables. 4. Construir el color y terminar la pintura: Hablando de resultados estéticamente agradables, déjame mostrarte un poco de punta de capas aquí. Subirlo y nueva capa, configurarlo en modo de esquivar lineal, que tendrá cualquier aplicación de pintura. A veces podría llamarse resplandor, pero Linear Dodge, creo que se llama en la mayoría de los casos, solo toma un aerógrafo. Esto es solo un aerógrafo básico por defecto, aerógrafo suave. Escoge mi color amarillo en algún lugar aquí en Photoshop con modo de esquivar lineal, tienes que escoger unos colores oscuros, pero básicamente, puedes pintar luz, vamos a saturar eso un poco más y elevar el valor de bit. Diga allá vamos, algo así. Si quiero una forma rápida de aumentar la saturación, golpearé la escena con esta capa de esquivar lineal. Y vamos un poco. Ahí vamos, Algo así. Ahora no quiero saturarme completamente así aunque podría. Pero vamos a añadirlo un poco y a ver cómo está sangrando en la sombra aquí. Al igual que en esta zona justo aquí como lo agrego a la luz, Es una especie de sangrado en la sombra. Esa es una mirada agradable. Y probablemente hablemos de algo similar a eso en futuros capítulos de esta clase. Pero vamos a traer esto para golpear la pared. Podría incluso hacer una selección aquí, seleccionando la cara lateral de la pared. Y solo cortaremos las escaleras que no necesitan ser demasiado precisas. Y empujaré a Control H para que oculte esa selección para que pueda ver qué está pasando aquí. A lo mejor sólo golpearlo. Ups. Golpea un poco más al azar. Oyes mi bolígrafo dando vueltas, ¿verdad? Deseleccionar eso y seguir trabajando en ello. Pone aquí algunos más de esos amarillos. Y entonces podría hacer lo mismo con los morados, por cierto, aunque haya sombra, no quiero hacer completamente esta luz, pero solo puedo darle un poco. En este caso, podría seleccionar el plano superior del muro, que estaría expuesto a una luz más reflejada. Vamos a hablar más de eso en el Capítulo 2. Luz reflejada, luz directa, cosas así. Por lo que esperamos con interés el Capítulo dos. A mí me gusta cuando tengo la selección de hormigas marchantes aquí en Photoshop, me gusta esconderlas con solo Control H. Y entonces puedo evaluar cómo se ve mi pintura real. Esa selección a menudo se interpone en el camino visualmente. Y hay una especie de antes y después. Y eso es genial. Fusionarlos hacia abajo en Photoshop. Eso es Control E para fusionarse. Y ves que tengo algunas áreas transparentes de mi pintura. Solo voy a duplicar la capa y volverla a fusionarla. Ese tipo de lo hace por lo que la pintura está cubriendo el lienzo un 100 por ciento. Vamos a mis amarillos, yendo al amarillo oscuro profundamente saturado. Volvamos a mi pincel aceitoso aquí y solo sigamos trabajando como estas sombras de árboles. Te diste cuenta de que mi pintura real aquí sí tiene algunos colores más en ella que solo la paleta complementaria. Como lo muestreé hace unos minutos, ustedes vieron que es de cortesía ish, en mi estudio aquí, lo estoy haciendo totalmente gratuito, al menos a lo mejor de mi capacidad. Solo estoy recogiendo amarillos y morados. Pero esta es una manera genial, sencilla, sacando todas las conjeturas de tus opciones de color y asegurándote de entender cómo se mueven estos colores. Recuerda, en el fondo, que básicamente es todo morado en este momento estos árboles miran lo que pasa cuando construyes un poco de este amarillo. Comienza, empieza a armonizar, vive juntos. Bueno, ahora parte de eso es que mi valor es correcto. Es un valor oscuro, así que estoy asegurándome de igual manera, mi amarillo también es oscuro. Pero así es como pueden funcionar estos colores. Están construidas sobre neutrales y puedo ir lleno, saturación casi completa, aunque estoy presionando ligeramente sobre la tableta, porque la estoy construyendo en los neutrales. Aquí. Lo estoy haciendo un poco en la azotea. Permítanme acercar un poco a este cuadro. Igual que eso. Lo estoy manteniendo tamaño completo así a propósito, en parte porque en realidad así es como pinto. Casi nunca hago esto. Casi nunca estoy ahí haciendo esto con mi pintura. Por cierto, si estoy trabajando en una pintura hiper detallada, tal vez lo haga al final. Pero si estoy haciendo un pequeño estudio de color como este, nunca acerco zoom. Esa es casi una regla que tengo para mí. Tan cerca como he llegado a una regla es que nunca acerco las cosas. Se ajusta al estilo de arte. Obviamente, si estás pintando algo de nuevo hiperrealista, entonces probablemente querrás acercar. Pero en lo que va a esta clase, Probablemente nunca va a haber una buena razón para acercar. Mantenga las cosas legibles a distancia. Esa es una habilidad. Esa es una parte de una habilidad pictórica es mantener las cosas legibles a distancia. Si es legible a distancia, puedes acercarte todo el día y endulzarlo. Pero si haces zoom y comienzas a pintar de inmediato, en realidad va a ser muy difícil para ti mantener las cosas legibles a distancia. La herramienta de manchas aquí es una herramienta que uso mucho. Me gustaría encender el modo de pintura con dedos aquí arriba y mi fuerza está ajustada a 95. A veces es un poco más bajo, 92 tal vez. Simplemente usa este pincel plano. Ahora este pincel lamentablemente no puedo compartir porque lo compré a Kyle brush. De nuevo, si tienes una suscripción a Adobe, solo puedes iniciar sesión y descargar los pinceles de Kyle Webster. Y creo que este pinceles en su kit de impasto es solo un pincel plano aunque. Es sólo un, no es nada loco especial. Simplemente parece funcionar bien como herramienta de manchas. Pero ya sabes, puedes usar cualquier pincel de tu colección como herramienta de manchas. Y te animo a que juegues con él. Esto es sólo un pincel que encuentro. Vuelvo a mucho. Entonces estamos trabajando en esto. No va a, no voy a terminar este cuadro al mismo nivel que éste en esta demostración, porque después de todo, estamos hablando de color aquí. Pero no lo he hecho, aún no he llegado al punto en que siento que se está comunicando por completo. El punto. A pesar de que estoy seguro que el punto está emergiendo aquí sobre cómo se mueve el color en mis brillantes amarillos. Ahora, mira lo saturado que está eso. Éstos ya no son neutrales. Apenas construyendo estos colores saturados cambiaron de nuevo a un pincel aquí. En realidad, volvamos a este pincel. Entonces solo estoy usando pinceles. Compartir en mi kit de pinceles. Este plano de la pared debe estar a la sombra, así que voy a probar una sombra y traerla de vuelta. También conseguiré algunas sombras profundas aquí para empezar a salir algunos de estos árboles. Aquí es donde conseguiré un pincel de multiplicación, que es ese. Nuevamente, compartí esto con la clase. Este es el cepillo redondo, lo siento por ese, el cepillo redondo configurado para multiplicar modo. Por lo tanto multiplicar el modo de oscurecimiento. Se puede ver el pincel aquí arriba, está configurado para multiplicar el modo. Y con ese pincel, tiraré algunos de estos planos frontales de las escaleras, que se separarán en valor de los planos superiores. Haré los primeros aviones en un momento. Ese plano superior debería estar consiguiendo un poco más de luz reflejada. Pero en este caso, voy a cambiar al amarillo también, sólo para mostrarte que el color realmente no importa en este punto, hemos construido el paladar lo suficiente para comunicar al público cómo ese color se mueve dentro y fuera del otro. Ya sabes cómo los colores de esta paleta están comunicando cómo se mueven. En este punto, es casi un gratuito para todo color será el menor de tus problemas ahora. Y así de poderoso es esto. Por eso al inicio de este capítulo, dije que es lo más fundamental que hay que entender sobre los colores, cómo se mueve. Posteriormente, tarde, en capítulos posteriores de esta clase, nos adentraremos en palets más ampliados, por supuesto, pero alertan spoiler, los principios son los mismos. Lo único que se pone más difícil con tratar con más colores es que solo tienes que aplicar esa mucho más descuido a la hora de incluir más colores en tu pintura. Según lo averiguaremos, no se puede simplemente meter un color en algún lugar y tener que exista en ningún otro lugar. Se verá raro. Y luego colocar la paleta complementaria es agradable porque solo tienes dos colores, lo que casi por defecto los estarás incluyendo en tu pintura lo suficiente porque solo tienes que escribir, solo tienes que cambiar de ida y vuelta entre el dos y vas a estar bien cuando tengas más colores, eso se vuelve más difícil, pero no quiero adelantarme. Llegaremos allí. Lo siento, Photoshop a veces como cuando pruebo cosas, me da este rojo raro. Hago mi mejor esfuerzo para recordar volver a bajar a morado. Photoshop no sabe que estoy usando una paleta complementaria. Por lo que a veces conseguí un suavemente recordado. Entonces aquí vamos. Volvamos a cambiar a los amarillos y construyamos en algunos sólo aumentar ese morado garabateando o escabulliéndose en algún de ese color diferente, el morado, lo siento, el amarillo. Y se ven estas pequeñas salpicaduras de luz golpeándola. ¿ Por qué no hacer eso con Linear Dodge? Entonces tengo unos pinceles aquí. Este está listo para Dodge Linear aquí arriba. Nuevamente, esto es lo mismo que hacer una capa y configurarla en Dodge Linear. Pero quiero meter algunas de estas pequeñas rebanadas de luz por ahí entrando por los árboles. Esto siempre ayuda a que las cosas se vean creíbles, como si estuvieras en un ambiente lleno de follaje. Puedes usar cualquier pincel con dodge lineal. Sólo por diversión, cambiaré a este pincel y tengo que subir aquí, cambiarlo a Dodge Linear. Y veamos si podemos seguir construyendo este patchwork de luz. Sí, justo mientras hago esto. Cuando estaba aprendiendo por primera vez sobre el color, este es un ejercicio que ideé para mí mucho trabajando en paletas muy limitadas como esta paleta complementaria para empezar. Y lo otro que haría es que tipo de orquestar la fuente de luz para ser muy dirigida por el arte. Digamos que esta es una fuente de luz muy conveniente. Sólo brilla en esta zona de la pintura. Y por el contrario, todo esto está en la sombra. Esa es una elección muy consciente porque no sólo ahora estoy simplificando el color, también estoy simplificando el patrón de luz y sombra es solo de dos formas, como la pintura es como dividida casi por la mitad. A lo mejor no es la mejor opción compositiva, sino desde una perspectiva de aprendizaje, muy, muy útil. De acuerdo, déjame salir del modo esquivar lineal y en realidad saber qué. Déjame volver al modo Dodge lineal, al modo superposición. Y Consigue esto. Sí, quiero que un poco de esa luz se derrama en las sombras. Vamos a hablar de eso en un futuro capítulo en esta clase. El capítulo uno tiene algunas cosas importantes por supuesto, pero también estoy usando cosas que voy a explicar más adelante. Pintar es que hago todo lo posible para separarlo en capítulos digeribles, pero como no se puede despojar todo de una vez. Al igual que tengo que hacer cosas de las que aún no he hablado, pero prometo que hablaré de ellas. Pero estoy haciendo todo lo posible para apegarme al enfoque del Capítulo 1. Ahora voy a cambiar este pincel al modo multiplicar, que de nuevo es un modo de oscurecimiento. Y solo en un, úsalo para sacar algunas de las sombras que he estado perdiendo en el proceso. Quiero alejarme más ahora. Otra cosa que nos ayuda a voltear el lienzo en Photoshop, puedes voltearlo con Imagen, Rotación de Imagen, Flip Horizontal. Y ahora podemos ver formas poco desafortunadas como justo, justo la naturaleza de cómo cambiar de nuevo al modo normal, justo la naturaleza de cómo los lóbulos temporales solo quieren rediseñar algunas de esas formas, que no tiene nada que ver con el color. Hablo de formas ahora. Los colores están bien. Los colores son buenos para ir. Lo cual es una buena noticia. Observe cómo los árboles casi se ven verdes a la sombra, pero no he usado el verde. He usado este grado abajo amarillo y se ve verde. Esa es una especie de cosa mágica sobre el color. Eso me sigue asombrando todos estos años después, desde que empecé a estudiar por primera vez. Es increíble para mí cómo color en contexto puede verse más grande que los colores que realmente usaste. Esta imagen no necesariamente luce como solo amarillo y morado, aunque definitivamente se puede oler la paleta de cortesía aquí, paletas complementarias son muy básicas, pero los colores todavía están empezando a tener identidades. Más allá de eso, podría sacar algunos hoyos del cielo aquí. El cielo será como este tono púrpura. Esto no está en la pintura original realmente. Voy a sacar algunos de estos pequeños agujeros celestes y luego qué me permita hacer eso, tratar de mantenerlos variados por interés. Y eso podría permitirme, eso podría justificar algunas de estas pequeñas luces de llanta y glándulas en el templo. Esto podría incluso ser una ligera mejora con respecto al original. Tengo un morado muy claro aquí. Este es el valor equivocado para esta zona. Ve que es demasiado ligero, pero si solo presiono ligeramente en mi tablet, photoshop lo mezclará para mí y luego puedo probar el resultado y pintar que en la tecla de acceso directo general para muestreo es ALT. Y eso es cierto en la mayoría de las aplicaciones de pintura. Tu aplicación puede diferir, pero prueba Alt para aquellos de ustedes nuevos en la pintura digital. De acuerdo, en este punto siento que ya es hora de empezar a acelerar el video porque quiero hacer el cuadro un poco más completo de lo que es. Pero al mismo tiempo siento que ya he explicado el punto del Capítulo uno. Entonces ya no hace falta verme pintar en tiempo real. No obstante, antes de hacerlo, solo quiero señalar lo que hemos hecho aquí como una especie de recapitulación. Si muestreé ver el selector de color aquí, lo redimensionaré para que realmente lo puedas ver. Si empiezo a tomar muestras de los colores, miren qué neutrales son, ahí mismo, mayormente en los neutrales. Nuevamente, así es como los colores se vinculan. Es muy fácil este morado, porque está tan cerca del gris. Eso también significa que está tan cerca de este amarillo, así que así es como los vincula, ¿verdad? Y luego una vez que tengas esa base, puedes empezar a ramificarte como aquí estoy. Tengo varios grados de no-neutral. De nuevo, esa pared neutra termina aquí. Y cualquier cosa fuera de eso es que yo consideraría mucho más saturado. Entonces he, realmente no he techado nunca la saturación, pero a estas alturas de la pintura pude, soy libre de hacer eso. Puedo conseguir estos amarillos realmente saturados. Ahora ten cuidado cuando hagas esto sin embargo. Piénsalo como dinero que puedes gastar. Solo tienes una cantidad finita de la misma. No quieres esos saturados. El amarillo está por todas partes porque entonces va a empezar a pelear contra tus neutrales demasiados amarillos saturados es que vamos a un poco en bancarrota tu pintura, gastamos demasiados de ellos. Pero los neutrales piensan en eso como dinero ilimitado. Nunca se puede usar demasiados neutrales. Ahora, la otra cara de eso es, si usas muchos neutrales, tu pintura se verá bastante gris, pero seguirá funcionando. Si usas toneladas de saturación, tu pintura empezará a no funcionar más porque es, ya no hay enlace. Ese vínculo entre colores se destruye, los movimientos se fueron. Entonces con esa recapitulación en mente, agilicemos el video y terminemos esto. Ahora mientras me ves trabajar aquí, quiero volver a atar esto a algo que expliqué antes en este capítulo. Recuerda cómo los amarillos ocuparon un rango más pequeño que los morados. Eso es algo hacia lo que puedes construir a medida que avanzas. A pesar de que empecé con amarillos bastante neutros, bueno, muy neutros. medida que añado luz y agrego ese efecto de ese sol fuerte, voy a intentar deliberadamente empujar la saturación en los amarillos más de lo que estoy empujando la saturación en los morados. Por lo que los morados conservarán más del rango y los amarillos tendrán un rango más estrecho, y ese rango más estrecho estará más saturado. Este tipo de se relaciona con lo que lo dije de nuevo hace unos minutos sobre que todo tu cuadro se mantenga neutral. Si haces eso, funcionará. Se va a leer, pero va a ser un poco demasiado gris, un poco demasiado aburrido, que obviamente a veces quieres en este cuadro, no quiero que sea monja. Yo quiero que ese sol sea muy cálido y acogedor. Por lo que muchas veces eso sí pide más saturación. Pero para equilibrar eso, tu color opuesto, en este caso, el morado, tus contrapunto necesitan ser traídos, reinaron en más. Entonces tienes este tipo de rango que estamos viendo en la pantalla ahora mismo en la esquina ahí. Ahora bien, eso no es una regla ni nada. Se podría invertir eso y favorecer la saturación para estar en las sombras como en el rango morado. En este caso, yo podría haber hecho eso. Acaba de producir un campo diferente, pero lo habría funcionado dependiendo de qué campo quieras es donde vayas. También, podrías favorecerlos igualmente, como si tu saturación existiera por igual en los morados y los amarillos. Eso funcionará también otra vez siempre y cuando tengas ahí los neutrales para producir ese movimiento de color, para darle al espectador eso, ese vínculo entre cómo comunican los dos colores y cómo se fusionan de uno a otro. Podrías empujar absolutamente la saturación púrpura igual de dura como el amarillo. Tiendo a no hacer eso aunque en no sólo en este caso, sino en la mayoría de los casos tiendo a no ir así porque es una palabra poco dura. Pero si algo desesperado por eso, hay algo que parece que realmente estás intentando el color y es, no siempre sale bien. Yo sí trato de favorecer la saturación en un color u otro. Y tengo bastante claro eso en al menos en mi propia mente, un poco desde el principio. A veces exploras eso en la pintura misma, como si hicieras una nueva capa y lo pruebes. Obviamente con lo digital, es no destructivo, ¿verdad? Simplemente haz una nueva capa y pruébalo. No hay riesgo y luego ver si funciona o no. Entonces lo hago a veces, pero en otras épocas como ésta, usualmente me pregunto, ¿dónde está la luz en la imagen? Y eso generalmente obtendrá la mayor saturación. Especialmente si es como un sol de última hora de la tarde como este, que es por naturaleza, muy saturado incluso en la vida real. Entonces la respuesta estaba ahí para mí en este. Pero de nuevo, ahí no hay bien ni mal. Depende de ti experimentar. El principio al que quiero que se adhieran sin embargo, es esta idea de construir movimiento de color a través neutrales primero y luego agregar saturación. Es un principio de color que funcionará sin importar cuál sea tu tema, no importa cuál sea tu iluminación. Pero tampoco es una fórmula porque puedes producir infinitas variedades de resultados con ella. Está bien, ahí está mi pintura exitosa final, creo, basada en bases de color simples pero efectivas. Ahora vamos a indagar en alguna charla cálida y fresca en el Capítulo dos. 5. Teoría de temperatura del color: calidez: De acuerdo, bienvenidos al Capítulo 2, donde vamos a meternos en las trincheras con temperatura de color. Esta es la madre de todas las teorías del color. Tienes que entender esto. Si entiendes esto, puedes pintar con color. Vamos a ganar muchas cosas seminales en este capítulo, vamos a tener una comprensión más profunda de cómo se mueve el color. Eso está despegando del Capítulo 1, exploraremos más la idea del movimiento del color, una comprensión de cómo la luz influye incluso en el color de los matones. Razones fuertes para nuestras elecciones de color y aprecio por la naturaleza es la teoría del color. Cómo funciona el color en la vida real, un sistema de color que podemos exagerar con fines artísticos. Y debido a que el valor es siempre parte de la conversación, desarrollará un vínculo importante entre el color y la luz y la sombra. Muy bien, Así que algo todo el mundo, hasta mi hija de 18 meses sabe del color son los nombres de color. Rojo, amarillo, verde, naranja, azul. Estos también se llaman hughes. Está bien conocer estos nombres por supuesto, pero no son muy útiles. El motivo por el que no son muy útiles es que no nos dicen nada sobre la temperatura de ese color. Cuando digo temperatura, estoy hablando de si un color es más cálido o más frío en contexto. Entonces aquí un ejemplo de un contexto para leer muestras. Esos dos son rojos, pero no son el mismo rojo. Por lo que la utilidad de la palabra rojo está llegando de inmediato a su límite. No puede diferenciar entre estas dos muestras, pero nuestros ojos sí. Yo les sugeriría que este rojo es el más cálido de los dos. Entonces aquí hay una rueda de color diferente. Bueno, es la misma rueda de color excepto esta sólo nos muestra Hughes y no diferentes niveles de grises y saturación. Y si el color siempre se mueve, me gusta pensar en haber dos paradas de tren en esta rueda de color, la parada caliente, que es esta gama aquí dentro, y la parada fría, que es esta gama en el lado opuesto. Cualquier cosa entre esos colores que sólo pienso como vías de tren entre esas dos paradas. Por lo que el color se mueve alrededor de esta rueda de color. Y como pintores, necesitamos rastrear por qué camino va. Aquí te dejamos una lista de algunos tonalidades básicas. Nuevamente, rojo, amarillo, verde, azul. Del lado izquierdo, voy a mostrar esos colores en transición hacia las temperaturas de color más cálidas. Y del lado derecho voy a mostrar esos colores y transición a las temperaturas más frías. Por lo que comenzando con los calentamientos, ya que cada color viaja hacia la parte cálida de la rueda de color. Veamos cómo, a medida que cada color se calienta, cómo se está tirando hacia la parte cálida de la rueda de color, empezando por el rojo. El rojo va a viajar por las naranjas para estar en la parte cálida de la rueda de color. se pueda ver en la sección roja en la parte superior, se puede ver cómo el rojo se desliza lentamente hacia el naranja. De acuerdo, entonces cuando decimos un rojo más cálido, está en algún lugar de ese rango. De acuerdo, Así que mira el amarillo. Para que el amarillo se mantenga caliente, también tiene que ir hacia las naranjas. Por lo que se puede ver que el amarillo lentamente no es un proceso de deslizamiento hacia el naranja, que por supuesto luego se desliza hacia la lectura. Y ese es el extremo más cálido del espectro amarillo. Ahora mira el verde. Ahora nos estamos alejando un poco de los calentamientos. El verde está en algún lugar del medio, ¿verdad? Entonces para que el verde vaya hacia los calentamientos, va a pasar por amarillo y luego naranja, ¿verdad? Se va a ir en esa dirección. Por lo que los verdes son más cálidos a medida que se vuelven más amarillos. Ahora con el azul, el azul es interesante porque está en el lado opuesto. Para que el azul se caliente, tiene que viajar por toda la rueda de color, ¿verdad? Pero, ¿por qué camino va a ir? Yo diría que va a entrar a la zona que lo tome en rojos lo más rápido. Entonces no va a pasar por greens. Yo diría que va a pasar por morados. Se va a ir en esa dirección porque los morados están influenciados por el rojo y el rojo es un colores estereotípicamente cálidos que hemos establecido. Entonces para mí, un azul puede ponerse más caliente viajando por morados, después magentas, y luego por supuesto está en los rojos. De acuerdo, ahora veamos las temperaturas más frías. Y por supuesto, sólo ocurre la dirección opuesta. El rojo se está deslizando lejos de las naranjas y por lo tanto se está metiendo en el extremo morado del rojo. Entonces cuando digo rojo más fresco, generalmente voy a estar hablando de rojos que están en el lado morado del rojo, amarillos. Lo mismo va a ir por el camino contrario. Se va a viajar hacia los greens, que viaja hacia el blues, ¿verdad? Por lo que un amarillo en realidad puede empezar a ponerse más verde a medida que se vuelve más fresco. Y un verde se va a poner más azulado. Y un azul probablemente va a ir, bueno, si dije que un blues se va a calentar viajando a las familias moradas, se va a poner más fresco yendo por el camino contrario. Entonces va a entrar en las familias turquesa y cian. Entonces la comida para llevar aquí es siempre que estés usando un nombre de color, su tonalidad , rojo, amarillo, verde, azul, tienes que precederlo con un modificador. ¿ Es un rojo cálido o un rojo frío? Necesitas saber como el pintor, qué dirección está viajando. Entonces ahora que tenemos el inicio de una comprensión de lo que quiero decir por temperatura de color, podemos hacer la pregunta, ¿qué impulsa la temperatura de color? ¿ Qué le dice a un color qué forma de moverse más fresco o más cálido? La respuesta a eso es que está dictada por la luz. Ahora, no te preocupes, voy a hacer un demo para ti en tan solo un segundo. Pero por ahora, así como los colores pueden ir más calientes y más fríos, las fuentes de luz también van a ser más cálidas o más frías por naturaleza. Por lo que el primer paso de cualquier estudio en color. Es para determinar qué temperatura, las fuentes de luz. Y aquí hay algunos comunes. Por supuesto, la luz solar es probablemente la fuente de luz más común que jamás pintarás. Esa muestra de color, por cierto, está justo ahí para mostrarte el color general y la temperatura de la luz, poco esta cálida como amarilla y la caja de la luz, entonces tienes una bombilla de tungsteno, que es un poco más orangey. Las bombillas de tungsteno son la bombilla común que probablemente tengamos alrededor de tu casa. de fuego, que es más roja, y una luz de vela que es una especie de entre naranja y rojo. Entonces por el lado fresco, uno muy común sería nublado o nublado día. Si solo piensas en un día nublado, las nubes son como este gris aceroso. Tienes bombillas fluorescentes, que es una especie de verde que se está transmitiendo sobre azul. Y luego por supuesto luz de luna, que es una luz bastante azulada. Ahora por supuesto esta no es una lista exhaustiva. Hay mucho más fuentes de luz que eso, pero estas son solo algunas muy comunes que te encontrarás pintando una y otra vez. La siguiente pregunta lógica a hacer desde aquí es, vale, así que sé cuál es mi fuente de luz. ¿ Qué información me dice eso? Te dice en qué dirección, como en más cálido o más frío, qué dirección van a viajar los colores, en las familias de luz y sombra, el color de la luz abre las compuertas para que tú determines qué otros colores son plausiblemente va a ocurrir en tu pintura. Echemos un vistazo a esto en la práctica. Esta fotografía no es una obra de arte, pero sí muestra una verdad básica sobre cómo funcionan las temperaturas de color en la luz del sol y en la sombra. Y quiero mostrarte un método muy efectivo, rápido y fácil de estudiar el color a partir de fotografías que te ayudará a darte alguna información de primera mano sobre cómo funciona el color. Entonces tengo la imagen en Photoshop y la razón por la que estoy usando esta imagen es porque está muy claro qué hay en la luz y qué hay en la sombra, ¿verdad? Las sombras está bisecando la imagen a la mitad. Entonces hago un pequeño gráfico en la parte inferior y simplemente empiezo a tomar muestras y con el pincel pinto lo que muestro a partir de la luz. En este caso, sólo lo pinto como una paleta abstracta debajo de la luz. Muy sencillo. No hay pensamiento involucrado es justo lo que esté golpeando la luz, cual es muy obvio en este caso, muéstrelo y pintarlo bajo la categoría de luz. Y luego en solo un segundo vamos a cambiar a sombras y hacer exactamente el mismo ejercicio. Asegúrate de muestrear sobre una variedad de materiales. Entonces la roca, los árboles, el andamio, el puente, la mampostería, como lo que sea que esté en tu foto, asegúrate de obtener una buena muestra de todos los materiales que hay ahí dentro. Entonces, cuando estés listo, puedes seguir adelante y cambiar al lado de la sombra. Y al igual que en la luz, asegura de que muestres con precisión todo lo que puedas encontrar que en la sombra y colocarlo bajo la categoría. Esto no es ninguno. No estamos haciendo ningún análisis ni pensamiento todavía. Solo estamos tomando muestras de colores y poniéndolos abajo. Y esto nos va a dar una base a partir de la cual observar patrones potenciales. Y te mostraré a partir de aquí cómo en realidad puedes obtener toda una gran cantidad de información valiosa. Entonces en este momento sólo estoy ocupado. Aquí hay algunas cosas más en la sombra, así que sólo estoy ocupado tomando muestras de diferentes árboles. Ya sabes, los autos, el camino, las rocas y las religiones que crecen en las rocas y todos estos pequeños materiales interesantes que existen en la sombra. Ahora soy plenamente consciente de que esta foto está sobreexpuesta. No importa. Todavía vamos a poder obtener información útil de ella. Ahora que ese escenario está hecho, abre una ventana de color como esta y puedes extenderla justo sobre la foto. Ya no me importa la foto. Simplemente voy a empezar a tomar muestras de lo que he seleccionado familias de luz y sombra. Entonces aquí hay algunos greens que muestreé de la luz. Y ahora quiero empezar a pensar, bien, quiero empezar a notar dónde están estos greens. Ten algunas apps diferentes como cinco o seis muestras diferentes de verde. Y como los muestreé, notarás que la rueda de color está atascada en esta zona. De acuerdo, mira otra vez, estoy probando greens ahora mismo. Mira, mira aquí la caja de color. Estoy probando greens, y mira dónde está la rueda de color. Está aquí, ¿verdad? Está bien. Voy a empezar a tomar muestras de algunas naranjas, como algunas de las mugre o palos y ramitas y cosas de muestreo. Y se puede ver que las ruedas de color tipo de atascado aquí, acuerdo, y los Verdes estaban justo aquí arriba, está muy cerca de la rueda de color hasta ahora estado atascado aquí. Y he muestreado como dos o tres materiales diferentes. Ahora sólo voy a probar todo a la luz. De acuerdo, mira, mira mi caja de color y mira específicamente la rueda de color. Ni siquiera te mires tanto aquí. Mira la rueda de color. Y mientras que en Photoshop Es una tira de color. Pero mira el, lo llamaré un color. Miraremos la rueda de color mientras pruebo en luz. Mira ese color. Notaremos cómo está atascado. Es como clavado a un área pequeña de la rueda. Y no por casualidad, esa zona de la rueda pasa a ser la misma área que dije antes era la responsable de la parte más cálida de la rueda de color. Todo está en esta parte. ¿ Verdad? Ahora. Eso trae a la luz un principio de luz al que quiero dirigir su atención. La fuente de luz en esta fotografía es claramente la súbita. Ahora una de las propiedades de una fuente de luz, sobre todo una tan fuerte como el sol, es. En realidad me gusta llamarlo, es como un matón. El sol o la fuente de luz principal quiere tomar cada color que golpea y quiere que esos colores se ajusten a él. Quiere tirar de los colores hacia su influencia. Por eso cuando estoy probando todos estos colores que están en la luz, lo tanto colores que están siendo afectados por el sol. Todos están rondando por donde dije que era el color del Sol, que está por aquí. Todos están rondando aquí. El sol ha tomado todos estos colores de todos los materiales dispares, ¿verdad? Y los ha acosado para que sean así, quiere que sea como sí misma. Entonces llamemos a eso el principio del matón, la fuente de luz, una vez cada color que golpea para ser más como sí mismo. Y este es en realidad un principio que se puede aplicar a cualquier fuente de luz. Y por supuesto, vamos a hacer más estudios después de esto. Pero en este caso, el sol es un matón tan fuerte que está tomando plantas, hojas, tejados, asfalto, y está conformando todo a su reino general de influencia. Entonces si estamos pintando este cuadro, cada color del sol golpea, sabemos en qué dirección en la rueda de color estará viajando. De acuerdo, así que empecemos a tomar muestras y a la familia de las sombras. Y al igual que antes, me gustaría que le echaran un vistazo a la rueda de tonalidades más que nada. El color rueda, como muestro a la sombra, soy una especie de recolección de materiales que eran como la fila al asfalto, la piedra, el acantilado en el fondo. Aquí hay algo de verdor de los árboles en realidad, vuelta a la carretera y cosas así. Y notarás predeciblemente tal vez que estos colores realmente están en el extremo opuesto de la rueda de color. En otras palabras, somos la familia más fría de los colores vividos. Esto ilustra una verdad muy simple sobre cómo la luz interactúa con la temperatura del color. Y es decir, la luz cálida producirá sombras más frías. Y como veremos muy pronto, es cierto lo contrario. La luz fría produce sombras más cálidas. Ahora, ¿por qué es eso? El motivo por el cual en este caso, una luz más cálida está produciendo sombras más frías. Es sencillo. Es porque la luz y la sombra están recibiendo luz de dos fuentes completamente diferentes. El luz está recibiendo luz del sol. Y como ya he dicho, el principio del matón, acosa a cada color para estar más en las temperaturas más cálidas. Las sombras están recibiendo luz de todas partes. Recuerda de nuevo en valores hablamos de luz reflejada. Ahora, lo que se reflejaba la luz, si recuerdas, luz reflejada fue cuando la luz entró del sol en este caso, y rebotó fuera de un objeto y rebotó en la sombra. Las sombras están recibiendo luz de segunda mano de todas partes. Y si recuerdas de nuestra lección de valor, esa luz de segunda mano también podría venir del ambiente o en este caso del cielo. En realidad en este caso, eso sería ante todo los cielos de cuenco de 360 grados. El cielo está brillando luz azul abajo sobre todo. Ahora quizá te preguntes entonces ¿por qué no sopló al sol? Y eso se debe a que el sol es más poderoso. La fuente de luz principal es la fuente más poderosa de la imagen. De acuerdo, así que no puedes tener el azul del cielo compite con el sol. El principal fuente de luz es el matón. Nada más compite con él. Recuerda, no hay luz reflejada en la familia de la luz en las sombras aunque. Las sombras están libres del matón. Por lo tanto, allí pueden ocurrir muchos más colores. Entonces podrías tener la luz del cielo, como dije, bajando y haciendo el camino azulado, haciendo que la ceniza caiga aquí azulada. Además, lo que pasa es esa luz azul que baja del cielo. Si echas un vistazo a los greens, echa un vistazo a estos greens aquí. Te das cuenta de cómo cuando pruebo estos greens, son sutilmente diferentes. Se están moviendo hacia el azul. Recuerda si vuelvo a la luz, aquí está el verde en luz. De acuerdo, Aquí está verde en luz. Observe que se está moviendo hacia los calentadores. Recuerda nuestro diagrama de antes, ese verde se está moviendo hacia el amarillo, por lo que es una sombra de aspecto verde más cálido. A la sombra se está moviendo hacia el blues. Van en dos direcciones diferentes. Es el mismo verde, es el mismo árbol. Pero las temperaturas de color se están moviendo en dos direcciones diferentes porque una está siendo acosada por una luz cálida y la otra está siendo influenciada por una claraboya más suave y fresca. ¿ De acuerdo? Por lo que sólo es razonable razonar que la familia de la luz va a estar en un reino de temperatura de color completamente diferente al de la familia de las sombras. Otra forma de decir que serían las sombras más frías son más frías porque no contienen la influencia del calor del sol. El sol no los está acosando. Entonces, ¿cómo podrían posiblemente estar tan cálidas como cualquier cosa que sea acosada por el sol, las sombras van a parecer más frías solo por defecto. 6. Comprender y pintar la luz calienta: Otra de mis clases de pintura favoritas me involucra dibujar como un niño de jardín de infantes, voy a dibujar algo de pasto. De acuerdo, esto es un poco de hierba bonita. Ah, aquí está el sol aquí arriba con unos bonitos rayos de sol irradiantes con un somalí no se puede olvidar la sonrisa. Y luego va a haber un árbol en esta escena. En un árbol tiene un tronco que se ve así. Por supuesto, vamos a borrar el pasto detrás del baúl. Y entonces el árbol tiene algún bonito follaje que se ve así, con unos lindos remolinos ahí dentro. Está bien, Ahí está mi hermoso dibujo. Ahora lo que voy a hacer es mostrarte cómo se aplican los principios del color y cómo puedes convertir hasta este pedazo de basura en algo que en realidad tenga información de color viable. Y por supuesto, este es un trampolín fuera del estudio que acabamos de hacer. Voy a estar aplicando algo de esa teoría a esto. Ahora lo primero que hacemos cuando estamos pintando nuestro propio cuadro es considerar el, lo que se llama color local. Y solo para proporcionarte una definición rápida, color local es el color inherente de un objeto. Entonces como como una manzana roja es roja, está usando ese término de color inútil, como dije antes, rojo, naranja, azul, lo que sea, ¿verdad? Al igual que el color local del cielo. Azul. Entonces escojamos un azul y ni siquiera me importa qué azul otra vez, estoy en el jardín de infantes ahora mismo. Yo sólo tengo crayones de Crayola delante de mí. Entonces escogí mi crayón Crayola azul sin pensar. Y estoy pintando en el cielo. En realidad ni siquiera estoy pintando. Yo estoy colorando. Asegúrate de que meto este lado también. Está bien, bien. Y ahora de qué color es el sol mientras que el sol del que ya hablamos es como este amarillo. Entonces voy a pintar justo sobre mi cara Smiley. Voy a pintar mi sol amarillo. Estos son colores locales. Estos son los que sabemos que carecen de sentido. Pero cuando comienzas un cuadro por tu cuenta, a veces sí tienes que partir de este tipo de sentido del color muy prosaico, solo colores locales, ya sabes, marrón, rojo, verde, lo que sea. Pero ya verás lo pronto que nos alejamos de esto. Pero por ahora, déjame quedarme en el jardín de infantes porque estar en el jardín de infantes es divertido porque no tienes responsabilidades. Entonces solo voy a pintar mis bonitos colores. Está bien. ¿ De qué color es un de qué color es la hierba? Verde. Voy a recoger mi crayola verde y pintar mi color en mi bonito pasto. Y por supuesto, coloreemos las líneas porque estamos en el jardín de infantes y eso es importante cuando estás en el jardín de infantes. Y hacemos unos lindos trazos herbáceos. Y tenemos nuestras gráficas. Ah, ¿adivina qué? Este verde también se puede usar aquí arriba para el follaje porque los árboles también son verdes, ¿verdad? Y una cosa más para llenar el tronco del árbol, y todos saben que los troncos de los árboles son de color marrón. Entonces obtenemos un crayón marrón y coloreamos en nuestro árbol. De acuerdo, la imagen que he hecho se parece exactamente a algo dibujado por un niño de cuatro años. Lo creas o no, en realidad estamos en camino a una buena pintura donde la, no estamos en ninguna parte espejo allí todavía. Pero esto en realidad es una primera etapa viable, por lo que estamos listos para el siguiente paso. Y aquí es donde nos separamos caminos de nuestro yo infantil de jardín de infantes y en realidad nos ponemos gorra de pintor. Tenemos que empezar a pensar en los valores y la luz. Pero también voy a pensar ahora en la lección que acabo de hacer con el color. Y piensa en qué dirección en la rueda de color van a viajar mis colores? Primera pregunta, ¿cuál es la fuente de luz? Es el sol. El sol está brillando de esta manera. De acuerdo, estamos pintando la luz del sol otra vez. Eso significa que a la luz, el Sol es el matón. Entonces a la luz, todos estos colores locales, el verde, el marrón Bob es sólo dos, verde y marrón. El sol son los matones, por lo que el sol va a tomar el color local y sólo hay dos, en este caso, el marrón y el verde. Y lo va a intimidar para que sea más parecido, tanto en cuanto a su matiz, la dirección que está viajando en la rueda de color, también la saturación aquí arriba. Empecemos con el follaje arbóreo. Aquí está mi color local. ¿ De acuerdo? Ahora si notan que es una especie de espejo el medio del verde. Yo llamaría a esto un verde más frío porque veo alguna influencia del azul y este verde, si solo sigo subiendo, te darás cuenta de que este verde está un poco en el punto de inflexión a especie de azul turquesa. Entonces yo llamaría a este verde que tenemos aquí abajo, un verde fresco. El sol, siendo un color más cálido, cálido, va a calentar este verde. Entonces este verde va a viajar en la rueda de color hacia abajo de esta manera, igual que vimos en nuestro estudio previo del color, ¿verdad? Y el valor va a ser ligero. Entonces lo haré, haré el valor así, tal vez un poco más ligero. Y yo voy a pintar este verde. Voy a aplicar este verde en lo que sea que golpee el sol en mi, mi, mi línea de barda de luz y sombra que tengo en mi cabeza sólo lo hará simple y simplemente lo hará así. Hazlo muy sencillo. Y yo sólo voy a aplicar ese verde, Vale, ahora no he terminado con esto todavía. Necesito pensar ahora en la familia de las sombras. Mientras que la familia de las sombras. Se va a viajar en la dirección opuesta porque está influenciado por unos derechos de luz más fríos influenciados por los cielos, influenciados por la luz rebotada que sale del suelo, por ejemplo. También va a ser más oscuro en valor. Entonces voy a bajar el valor, que sería ante todo, me importa el color se pone solo va a poner mi valor aquí en alguna parte. Entonces me voy a oscurecer. Y también sólo voy a subir un poco hacia el lado más fresco. Y yo voy a aplicar eso. Y vamos a ver qué hace eso. A ver qué nos da eso. Voy a pintar justo hasta mi línea de barda. Te das cuenta que estoy usando un poco de la forma com, transparencia. No estoy tratando de crear mezclas interesantes ni nada. Yo solo, solo tengo un pincel básico fuera. De acuerdo, entonces ahora tenemos, hemos dividido nuestro color local, nosotros, nos hemos desviado de nuestro color local. Ya no estamos en color local. Ahora estamos en términos de luz. Estamos pensando en valores, y estamos pensando en aplicar temperaturas cálidas y temperaturas frías a la familia de las luces y las sombras. Esta es una especie de paso uno. Ahora, Pensemos en medio tono en este árbol. semitono es justo aquí donde la forma se está alejando de la luz, pero sigue en luz. Ahora bien, si una forma se está alejando del matón, los matones no van a poder acosarlo tanto, sino porque el semitono sigue en la luz, los matones aún la influyen. Por lo que todavía voy a estar en los greens cálidos, pero se me permite que sea a escondidas de vuelta mi color local sólo un poquito. Ponte un poco más verde ahí dentro en lugar de mi verde amarillento. Y ese medio tono me va a ayudar a transitar, por supuesto, a la sombra. Esa es la parte de valor de la misma, ¿verdad? Yo estoy dibujando terriblemente aquí porque quiero que te enfoques en la aplicación de color. Ahora, puedo separar más mi luz de mi luz promedio de mi medio tono y color incluso haciendo que mi luz promedio sea aún más cálida, tal vez incluso más amarilla. A lo mejor ese sol lo está acosando tanto que en realidad está haciendo que los verdes sean bastante amarillos. Y te darás cuenta de que mi árbol todavía se ve verde, pesar de que aquí estoy pintando amarillo porque la razón por la que todavía se ve verde y puede identificarse como hojas verdes es porque tengo suficientes variedades de verde desde el cálido y la luz. Y luego en la sombra tengo un verde más fresco. Ya tengo suficiente de un lapso de verde que nuestros cerebros aún entienden. Este es un objeto verde. ¿ De acuerdo? Como no lo he hecho, no me he desviado demasiado lejos. Al igual que, Hey, sería un error. Hubiera ido demasiado lejos si hubiera hecho esto. Como si pintara de rojo, Eso es que no tiene sentido porque el sol no abusaría los colores para leer. El sol no es rojo, el sol es B, naranja amarillento en este caso. Entonces el sol simplemente va a llevar esos greens y poletas a eso. De acuerdo, Entonces vamos a tener un, un verde muy anaranjado o un verde muy amarillento. Y ya ves como puedo poner diferentes tipos de temperaturas en mi verde. Parte de ella podría ser más amarilla, parte de ella podría ser más en los greens y los verdes naranjados, verdes amarillentos. Ya sabes, puedo jugar en esta zona. Y verás así es como obtenemos un interesante tipo de tapiz, o empezamos a conseguir un interesante tapiz de color. Porque estoy pensando en términos de temperatura. No me importa exactamente en qué verde estoy mientras esté en los greens más cálidos, estoy bien, estoy apropiadamente en la cálida familia del verde. Ahora pensemos en, oh, en realidad sepamos qué, hagamos el mismo cálculo al tronco. Entonces empecemos con las sombras esta vez, porque en realidad muchas veces sí empiezo con sombras. Entonces la sombra va a ser una sombra más fría, ¿verdad? Por lo que probamos nuestro color local. Y para hacerlo más fresco, o bien puedo ir por aquí, pero eso no sirve porque eso va hacia el matón. Yo quiero alejarme del matón. Entonces vámonos y luego vayamos más oscuros por nuestro valor. Y vamos a pintar eso. Va a haber una sombra de yeso del árbol. Va a hacer este patrón genial, pero no voy a hacerlo, no estoy tratando de hacer un bonito dibujo aquí, chicos. Entonces voy a ignorar cualquier tipo de dibujo sutil. Voy a hacerlo más Algo que todos podamos lograr. No importa lo bueno que un joven de 10 años pudiera dibujar esto. Ese es mi punto. Está bien. Y en realidad he enseñado arte y color a niños de 10 años y he hecho exactamente esto y todos lo consiguen. Esta es la magia de este tipo de demo, es que he despojado de un buen dibujo del proceso y nos dejó sólo con información básica cruda. De acuerdo, entonces ahora tenemos nuestra sombra más fría. Ahora tomemos el color de nuestro tronco y hagamos la luz. Entonces el, el matón, el sol va a influenciarlo para ir por este camino. Y claro que se van a poner más ligeros porque está bajo la luz del sol. Y va a tener este marrón más cálido. Y yo sólo voy a pintar eso y ya sabes, tal vez dejaré atrás nuestro color local es un poco de semitono. Dejaré eso atrás. Por lo que ahora es un valor ligeramente más oscuro. Y también es un poco más en el color local. Bueno, es el color local, así que deja eso atrás. Entonces de nuevo, el medio tono es donde el color local se revela un poco más fácilmente. Y de nuevo, solo juguemos con estas familias porque aquí estoy en luz cálida. Veamos qué pasa si estoy un poco más saturado de naranja. Se pueden mezclar estos, ¿verdad? Se puede, se puede jugar un poco. A lo mejor soy una luz promedio ahora vamos un poco más amarilla. Usando la herramienta de manchas para ayudarme con algunos bordes. De nuevo, realmente no estoy pensando en los bordes en esta demo, pero solo por diversión, estoy usando la Herramienta Smudge. Trabajemos este medio tono, tal vez incluso un poco más naranja, un poco más marrón, ya que se abre paso a la sombra. Te darás cuenta de que estoy trabajando en medio tono en sombra. ¿ De acuerdo? Y hagamos una última cosa. Tomemos nuestra hierba. Podemos sólo probar, vamos a probar el árbol y poner aquí la luz de la hierba. Mismo cálculo, ¿verdad? No tengo que volver a explicarlo. Sombra más fresca, ¿verdad? Un verde enfriador. Y sólo vamos a pintar en la sombra proyectada por este árbol. Y yo sólo voy a hacer una forma muy rugosa aquí. No estoy otra vez, no estoy tratando de dibujar bien, así que definitivamente estamos lejos de un kit de lo que podría hacer un niño de kindergarten. Un niño de jardín de infantes no puede hacer esto. Ya hay demasiado pensamiento, pero aún no hemos terminado. No hemos considerado nuestras sombras en ningún lado más allá de la sombra media. Yo sólo tengo sombra media aquí en mi vida. Tengo algunos valores bonitos. De hecho, si quisiera destacar, tal vez podría incluso encontrar un punto culminante que es un reflejo directo de la fuente de luz, ¿verdad? Entonces me voy a poner como el color exacto del sol casi. Y ya sabes, esto no es del todo cómo funciona una madera de corteza a la luz, pero vamos a hacer un punto culminante solo para mostrarles cómo puedo poner mis valores ahí. Y hasta puedo llevarme mi árbol. Esto va a hacer que mi árbol se parezca más a Chrome, pero está bien. Ahora en sombra queremos pensar en luz y sombra reflejadas. Ahora sabemos por nuestra experiencia anterior aquí que el cielo va a ser en gran medida responsable de la luz reflejada. Y el cielo va a influir en cualquier cosa que esté abierta a él. Y cuando digo abierta a ella, quiero decir como qué formas se enfrentan al cielo y es como esta zona de aquí, todas se enfrentan al cielo, ¿verdad? Es, está apuntando hacia arriba básicamente. Entonces el cielo lo va a golpear ahora, donde el cielo no golpearía esta zona aquí dentro, ¿No tanto bien? Porque esta zona se está metiendo bajo el árbol. No hay No está abierto al cielo, esta zona. Entonces aquí es donde podríamos conseguir un acento oscuro y hablaré de eso un poco más tarde. Pero tal vez esta zona podría obtener luz del cielo porque está abierta a ella. Ciertamente esta zona aquí está abierta al cielo, a la sombra. Entonces, ¿qué va a conseguir algo de tragaluz? Entonces vamos, tratemos primero con el cielo llene. Ahora todo esto se llama luz reflejada. esto me gusta llamar luz reflejada. Entonces lo que hago es conseguir mi sombra promedio, que ya es un verde más fresco, me pongo en el estadio de béisbol. Y si te acuerdas de los valores, luz reflejada ilumina o los valores sólo un poco. Y también porque viene del cielo, se me permite entrar realmente al blues. Piensa en nuestra, Piensa en la demostración o el estudio que acabamos de hacer con la de la fotografía gruesa de lo azul que era ese camino. Está bien. Si piensas en concreto, no necesariamente piensas que es azul, pero a la sombra ciertamente era azul. Lo vimos en una fotografía. Entonces estoy pintando esta luz azul reflejada desde el cielo hacia mi árbol. Está bien. Y de nuevo, solo estoy poniéndolo en las zonas que creo que están más abiertas a recibir luz del cielo. Y haré lo mismo con mi baúl aquí. Ahora mi baúl es o mira como versión más fría de marrón, ¿verdad? Entonces no quiero ir azul, es demasiado de un salto. Pero quizá me vaya hacia el azul, seguiré hacia el azul y subiré un poco. Y tal vez el azul del cielo mezclado con la temperatura de mi sombra de tronco me da más de una cosa púrpura. A lo mejor, a lo mejor veamos si puedo colarme aún más hacia el azul y ver, ver qué hace eso. Estoy jugando por ahí, no hay chicos correctos ni equivocados. Y esto trae a la luz esa pregunta, ¿de qué color debo elegir? No hay un color que debas elegir. Aquí no hay color de derechos para la sombra, para la luz reflejada. Es simplemente un cálculo de ese cielo azul que entra en esta temperatura que hemos establecido para nuestra sombra promedio, hemos establecido que es un marrón más frío. Y ahora ese marrón más frío se va a poner aún más fresco a medida que el cielo entre en juego, ¿verdad? Entonces, ¿de qué color debo elegir? Bueno, es un cálculo. Es ese cielo entrando en un reino de marrón más frío. ¿ Cómo va a influir ese Cielo en esta temperatura? ¿ Cómo se va a mirar ese azul del cielo contra este verde? Bueno, probablemente va a ser mucho más azul porque el verde está más cerca del azul. Entonces cuando eso es que el verde se desliza en azul, no hay, hay menos de una barrera para que entre en azul. Entonces va a haber más azul. Se puede ver en mi jardín de infantes ejemplo está empezando a ponerse en capas y complejo, ¿verdad? En tanto que en el baúl tal vez ese azul produce más de un morado o tal vez intentemos llevárselo a algunos azules reales y ver si podemos colarnos, colarnos algunos de ellos. Eso es divertido. Es divertido cuando se puede hacer eso. Hagamos la sombra de yeso muy rápido. Mismo cálculo, el azul del cielo. Hablemos acento oscuro. Acentos oscuros van a ir donde una forma y otra forma se encuentra tipo de formar una grieta. Y aquí hay una regla de color. Los acentos oscuros siempre son cálidos. Entonces cuando hago un acento oscuro, tengo mi multiplicación aerografiada. Voy a escoger un color cálido así. Y con mi pincel de multiplicación, sólo voy a derramar ese acento oscuro un poco sobre ambas formas. Y haré lo mismo donde el tronco del árbol se encuentre con el suelo. Obteniendo un acento oscuro agradable, cálido. No sé por qué los acentos oscuros siempre son cálidos, pero en la naturaleza son más o menos. De hecho alto un poco lo llaman una regla de pintura. Mantén calientes tus acentos oscuros. Ahora mira esto. Yo lo tengo. Tengo, quiero decir, no hay mucho en el camino de un buen dibujo aquí, pero aquí tengo algunos colores decentes. La única otra cosa que quiero mostrarles es cómo en realidad se puede tener alguna luz verde rebotada entrando en el maletero. Entonces si como el sol viene de esta manera como sabemos, va a golpear esa hierba y en realidad rebotar hacia arriba en esta parte del tronco. Y he descuidado hacer eso hasta el momento para poder probar dónde estoy y tal vez ir a los greens y simplemente pintar sutilmente en algo de este verde. Está bien, ya tienes la idea. A ver cómo, veo cómo realmente se ha convertido en un tapiz de color. Ahora, cosas realmente interesantes, divertidas que se llega a hacer como pintor. Me encanta hacer esto. Y así tenemos nuestra final, tomamos un dibujo a nivel de jardín de infantes simplificado como este y en realidad le agregamos algo de sofisticación. Por lo que ahora me gustaría empatar en esa demostración de nuevo con nuestro estudio de muestras y mostrarles cómo estudio a partir de fotografías usando esta información. Entonces esto es sólo un rápido estudio de color. Y lo que me encanta de estos estudios de color es ante todo, el lienzo es muy pequeño. Eso es probablemente como lienzo de 600 píxeles. Y realmente no necesitas dibujar bien. Simplemente puedes hacer la cantidad muy básica de dibujo y todavía puedes hacer una réplica muy convincente del color. Ahora no estoy tomando muestras de la fotografía. Estoy tratando de recordar lo que he aprendido al tomar muestras de esa fotografía. Para que puedas ver, como recuerdas, hay luces cálidas y la luz y temperaturas de color más frías en la sombra. Entonces me estoy poniendo en ese estadio de béisbol de ojalá se pueda tener una idea de que cómo empiezo es dándome una especie de comparación rápida de temperaturas cálidas versus frescas. Para que veas que he bloqueado en el tipo de área de sombra grande. Y ahora estoy trabajando un poco más a fondo en la luz y expandiendo mi contexto de temperaturas de color que están en este cuadro. Nuevamente, no importa cuál sea el color exacto ya que no necesito muestrear de la foto, todo lo que necesito hacer es conseguir las relaciones correctas, poniéndome en la categoría apropiada de calidez o frescura. Y vamos a seguir marcando eso para que podamos comprenderlo más. Pero esta es una buena foto para estudiar porque es una separación muy genérica de cálido y fresco. Entonces solo estoy bloqueando en algunas formas grandes. Esa es la otra cosa que me gusta de esta foto. Tiene un montón de formas grandes, no un montón de cosas pequeñas que te pueden tropezar. Entonces solo bloqueando en algunos, por supuesto, la sombra en el acantilado a la luz, eso todavía va a ser una temperatura más fría, ¿verdad? Y simplemente bloqueando, hay mucho verdor, lo que significa que puedo jugar mucho con diferentes tipos de verde, claro, cuando está a la luz, todos van a ser verdes que van a ir hacia el lado cálido, el lado amarillo, y en sombras se puede ver en realidad ya he empujado realmente esos greens para estar más cerca del azul. A mí me gusta empujar la diferencia. Esa es otra cosa que puedes hacer cuando estás estudiando desde una foto para entenderla realmente. Intenta empujarlo, empujarlo aún más allá de lo que realmente es la foto. Y pero pero empujarlo en la dirección que ya va la foto. Ya sabes, eso es algo que en realidad puedes observar mejor desde año de vida tus ojos registran esto un poco más verdaderamente que las fotos. Pero claro, no podemos pintar desde la vida. Esto es en línea, así que tengo que usar fotos. Tengo unos pinceles de textura diferentes que sigo yendo a probablemente los mismos tres o cuatro pinceles que usaré todo el tiempo. Y solo me dan algunos patrones impredecibles, bordes diferentes y solo me ayudan a crear más rápido. Si solo uso como un pincel redondo, tendría que hacer demasiada edición, pero un montón de pinceles diferentes me dan diferentes formas y diferente tipo de borde y simplemente mantener el interés en marcha. Entonces esto es todo, esto no debería ser. Cualquier cosa que esté haciendo aquí no debería venir como cualquier shock para nadie. Es como ahora mismo estoy en medio tono. Esa es la sombra en realidad ahí mismo. Entonces esto es, esto sigue siendo un poco de semitono de sombra. Aquí te presentamos alguna luz promedio que entra por los árboles. Se trata de algunos tejados rojos. Y solo para improvisar un poco aquí, hay un poco de rojo y la foto, pero yo sólo quería sacarla un poco más en mi estudio. Sólo por diversión. Nuevamente, esto no es una cotización sin cotización. buen dibujo es solo bloques de forma muy básicos. Pero al final, eso es realmente lo que es una pintura. Por supuesto, puedes refinar desde aquí, pero esto es solo un estudio rápido. Esto no está destinado para refinamiento refinado, es sólo para probar, probar lo que creo que he aprendido. Aquí te dejamos unas cuantas hojas un poco más ligeras entrando. No lo sé. Yo no lo llamaría a eso un punto culminante y lo llamaría sólo al énfasis del valor medio de la luz. Entrar en algún verde amarillo solo para empujar realmente la influencia del Sol ahí. Y sólo unas cuantas ramas de árboles recogiendo una luz cálida. Ahora estoy de vuelta en la sombra. Esto es luz reflejada. La luz reflejada es un poco más ligera y porque viene mucho del cielo, en este caso es muy azul. Se puede ver mucho de verdad estoy en el blues, ahora estoy en los morados, o esto es acento oscuro, acento oscuro aquí con el aerógrafo solo ayudando a enrutar una superficie a otra. Sólo conseguir esas hendidura donde haya una hendidura debajo los árboles están debajo donde el muro, el muro golpea la calle, así como así y de vuelta a, ya sabes, luz promedio aquí, sólo refinando formas porque siempre estás lidiando con formas, ¿verdad? A pesar de que mis formas son blobby y acaban de bloquearse, todavía quiero hacer un intento de buenas formas a pesar de que tal vez no tenga tiempo para hacer un refinamiento total. Aquí entra un poco de autos. La luz reflejada hace que sus tops sean más azules. Solo estoy seleccionando la sombra y solo voy a hacer un contraste de brillo rápido solo para oscurecer la sombra un poco, solo para separar mis valores. Ayuda, golpearlo, ver que realmente ayudó. Y así tenemos nuestro acabado. Realmente no se necesita mucho para tomar rápidamente una foto y hacer un estudio rápido a partir de ella. Y solo para la ocasión, quería mostrarles cómo realmente tomé esta misma foto y llegué a algo más terminado de ella. Este es un cuadro que hice de vuelta en, creo que 2010 o 2009. Fue hace bastantes años ahora, pero se puede ver cómo la iluminación y la información están muy alineados con lo que vimos en esa foto. Y esta foto fue en realidad la inspiración para este cuadro. mí respecta, realmente no hay diferencia entre esta pintura en mi estudio a excepción de que esta pintura está apenas más terminada en términos de refinamiento de forma y refinamiento de bordes. Pero en cuanto al color, toda la información en este cuadro sigue contenida en mi pequeño estudio. 7. Comprender y pintar la luz fría: Entonces echemos un vistazo a una luz fría. Este es un día nublado como podemos ver por el cielo, o un día muy nublado, un día donde no hay luz solar. Esto es lo que yo llamaría una luz más fría porque la luz sólo viene del cielo y viene de todos los 360 grados. Y al probar el cielo, podemos ver que es este tipo de azul grisáceo. Definitivamente es completamente opuesto al sol, que era como aquí, ¿verdad? Esta vez estamos lidiando con una luz azulada, que se llamaba luz más fría. Entonces hagamos nuestro estudio. Y lo otro interesante de esta foto es como pruebo y todo a la luz, Es un poco más difícil determinar qué hay en luz y la forma en que lo haces cuando la luz es tan suave como esta, como nublado la luz la hace muy difusa, un poco como luz muy suave. El modo de determinar lo que está iluminado es cualquier cosa que claramente esté mirando hacia arriba. Entonces la arena, no voy a recoger nada de arena porque estos pasos realmente van a crear algunas sombras. Pero en esta área, puedo poner las cosas boca arriba. Pero cuando pruebo la hierba aquí, las malas hierbas, sean cuales sean esas, cualquier cosa que claramente va a conseguir luz directamente del cielo. Voy a tomar muestras de eso. Y esto es interesante porque las lecturas son en realidad un color local cálido. Es una especie de vegetación anaranjada, ¿verdad? Entonces esta va a ser una tarea interesante. ¿ Cómo, cómo se vuelve más fría una naranja? Y lo que averiguaremos en un segundo. Pero primero soy como lo hacía antes de apagar mi cerebro. Y solo estoy tomando muestras de colores que creo que están a la luz. Y ahora entremos a la sombra y a la sombra otra vez, es un poco más difícil determinar qué hay en la sombra y sólo mirar la forma. Es lo que gira debajo de la derecha. Entonces cualquier parte de esa hierba que esté frente a los aviones que están mirando hacia otro lado, va a estar a la sombra. Incluso la arena tendrá sombra como donde están las huellas. Entonces ahora que tenemos nuestra parte de muestreo hecha, podemos ir a la fase analítica. Vamos a traer a nuestro recolector de color. Y me gusta esconder la fotografía sólo para que no lo hagamos no estamos enfocados en ella. Estamos viendo son lo que muestreamos. Y empezaré con la luz igual que antes. Ahora veamos en primer lugar, tomemos los colores de arena. Estos son los colores de arena que muestreé. Y mira eso. Cuando piensas en arena, probablemente pienses marrón, ¿verdad? Probablemente pienses que tiene un color local marrón. Pero mira lo mal que estaría esa suposición a esta luz. Esta es una luz más fría que somos, ¿determinamos que la temperatura de la luz de los cielos por aquí, solo muestreé el cielo para conseguir esto. Entonces si esto es como el color de nuestro matón, bueno, está tomando lo que es arena marrón y tirando de ella. Entonces digamos, digamos que el color local de la arena, se podría decir, es así. Nuestro cielo, el matón está tirando eso con tanta fuerza hacia arriba en el blues. Y podemos ver cuánta influencia ha tenido esa luz fría. Ahora veamos la hierba, esa cosa de hierba naranja. Vale, Ahora esto es un poco diferente porque este es, como dije, un color local que ya es cálido. Es algo cálido por defecto. Y lo miras, eres un poco como, Oh, pero eso es un poco de color cálido ya que esto va a romper tus roles. Bueno, no, porque mira esto ahora mientras muestro una sombra, mira lo que pasa. Eso lo conseguiremos, a ver cuánto más abrieron las sombras y volver a la luz. Aquí estaba la luz y aquí está la sombra. Se puede ver una clara diferencia. Luz, sombra, se puede ver la luz. Dos cosas suceden en la luz. Una es la rueda de color va siempre tan sutilmente hacia o lejos de los calentamientos. Está viajando arriba, está viajando de esta manera. Ahora no está llegando muy lejos porque esa hierba es tan naranja son colores locales. Tan naranja la luz, porque la luz es un poco más débil, los acosadores un poco más débiles en este caso. Es luchar contra esa hierba, pero es, ya sabes, no lo está llevando todo el camino a azul. El arena no tiene color local propio. Es decir, ya es muy grisáceo, así que el matón va a poder jalarlo hacia el azul es mucho más exitoso. Pero debido a que esa hierba es tan naranja, la luz azul la va a tirar hacia el azul, pero sólo un poquito. De acuerdo, pero la tendencia definitivamente es clara cuando muestras la sombra aligerada, esa, esa luz. Mira el, mira la tira de color aquí. Mira la rueda de color. Esto es sombra. Y esto es como ver cómo va hacia el blues. Y conforme va hacia esos blues, también se está poniendo más gris. Esto es muy similar al movimiento de color que exploramos en el Capítulo 1. Y de hecho, el Capítulo 3 nos va a llevar aún más a grises. Por ahora sin embargo, sigamos con luz fría y hagamos un poco de demostración. Como se puede ver, esta fotografía se ilumina con el mismo cielo nublado azulado, grisáceo, igual que nuestro estudio de muestras previamente. Lo que significa que la hierba, los verdes y las naranjas en esa hierba van a estar más frías arriba y más cálidas a medida que se vuelcan debajo. Y esto también tiene agua, que te mostraré un principio básico para el agua. Entonces de nuevo, solo estoy haciendo mi bloqueo básico de dibujo de línea en la composición. Voy a trabajar con valores y color al mismo tiempo. Esta vez, sólo para mostrarles un proceso más representativo de cómo realmente trabajo. Por lo que está bloqueando en los elementos de la composición. Me gusta trabajar en rojo solo a preferir mezclas de color con pinturas fácilmente. Y como de costumbre, empezaré con el cielo, poco este grisáceo, gris fresco arriba, están mezclando unas cuantas temperaturas diferentes de ese cielo, tal vez un poco más cálido y el horizonte, es una especie de cosa clásica, pero de nuevo, calificaciones muy sutiles, ¿verdad? Trabaja a la distancia. Mi objetivo no es copiar color por color. Sólo estoy tratando de entender las relaciones y entonces en realidad voy a empezar a empujarlas aún más. Por lo que pintar agua así es fácil. El agua es sólo un reflejo del cielo, por lo que es un valor muy ligero. Aquí están entrando algunas sombras cálidas. Entonces esto es lo que suelo hacer. En realidad, trabajo mucho con las sombras primero. Entonces entrando algunas sombras cálidas. Estos son estos son verdes cálidos. Yo voltearía esos verdes cálidos, verdes que airean sobre amarillo y rojo como el lado del grano. Y entonces por supuesto lo que eso hace es que me deja espacio a ambos gris fuera del color para el top cool que puedes ver en este momento. Y también desplazarlo hacia el blues en la tira de tonalidades. Es sutil, Es un cambio sutil, pero es un cambio sin embargo. De acuerdo, Y lo que me gusta de esta foto es que hay unos colores diferentes en la hierba. No es sólo hierba verde. Hay como hierba muerta que es naranja y diferentes tipos de lecturas que hacen todo tipo de temperaturas diferentes como estoy acostado ahora mismo. Observe que estoy relativamente en los grises todavía. Solo estoy jugando con la y por supuesto mi manera com tablet está agregando opacidad a ella. En ocasiones escogeré un color más saturado de lo que pretendo. Y luego con mis tabletas sensibilidad a la presión, puedo mezclarla en consecuencia, un poco mezclando colores en el lienzo. Para que veas cómo en el pasto he establecido una relación básica de luces más frías que es verdes más grises y fríos y gradación hacia abajo naranjas y luego sombras más cálidas que son verdes naranjas más saturadas. Tratando de que las relaciones sean correctas. Y este punto estoy bloqueando en sólo algunos valores oscuros en el fondo donde los árboles simplemente captan la menor cantidad de luz. Es porque son perpendiculares a la luz. Ya sabes, si el cielo es como un avión que va horizontalmente a través, a través del espacio, los árboles son perpendiculares a eso. Están de pie arriba y abajo. Por lo que obtienen la menor cantidad de luz, no importa si es del sol o del frío cielo claro, sea lo que sea. El otro asunto de la luz fría en este caso es, al menos en un escenario de día nublado es la luz más fría es muy suave y muy suave luz. Entonces no tienes que preocuparte por las formas de borde duro que en realidad no lo habían más difícil, más difícil, debo decir, porque las transiciones tienen bordes más suaves y siempre es más difícil controlar bordes más suaves. Un borde duro es por lo menos es un borde muy identificable. Pero en una situación de luz fría como esta, tú lidiando con bordes suaves. Entonces garabatearé el pincel alrededor. Haré variedades de formas. Y sólo intentaré conseguir que esos colores se fusionen con bordes más suaves. Eso es todo. Sam haciendo eso ahora mismo, estoy jugando con el verde moviéndose hacia las naranjas más cálidas. Pero sigue siendo una naranja más fría, ¿verdad? No es una naranja muy saturada, caliente. Es una especie de calificación por debajo de uno subyugado. La luz más fría está haciendo que el pasto naranja sea más gris. Está bien. No es hacerlo azul porque la luz azul fría no es lo suficientemente fuerte que la luz azul, Es un matón, pero no es un matón tan fuerte que va a acosarlo todo el camino a azul, no es tan fuerte. Entonces lo va a acosar hacia el azul por medio de entrar en los grises. Entonces sólo estoy poniendo en algunos, ya sabes, sólo valores más oscuros allá atrás. Sombra apenas aligerada. Solo estoy usando luz promedio, sombra promedio en todo este cuadro. Observe que los árboles en el fondo tienen una luz básica, una luz promedio y una forma de sombra promedio. Observe que el pasto en primer plano tiene apenas luz media arriba y luego la sombra promedio a la que transita cuando se encuentra con el agua. Y por supuesto, evaluar cuál es el borde correcto para fusionar esas dos formas apropiadamente. Y de repente estás agravando tus fundamentos. Tienes buenos valores y buenas temperaturas de color. Y de repente ahora eres pintor. Esto es lo que pintura es algún buen pintor? Yo solo estoy ajustando niveles aquí, consiguiendo algo de ayuda un poco. Sentí que era un poco demasiado ligero en general. Y cualquier buen pintor solo está haciendo esto, bien pincelada y todas esas cosas son secundarias. Esto es lo que realmente está pasando en sus cabezas. Y luego por supuesto, tu estilo personal se superpone encima de esto, como cómo eliges mover el pincel, eso, eso depende totalmente de ti. En este punto, todas las temperaturas de color están en su lugar y solo estoy haciendo algunas cosas auxiliares, podría llamarlo detalle, solo pequeñas formas muy pequeñas, ¿verdad? En cuanto a forma grande, forma mediana pequeña, solo estoy haciendo algunas formas pequeñas en este momento para conseguir la ilusión de detalle ahí dentro. Y así, tenemos un estudio de luz fresca para complementar nuestro estudio de luz cálida. 8. Analizar el color en varios piezas de arte: De acuerdo, pasemos por un poco de diapositivas de pinturas y solo hablemos de lo que está pasando. De lo contrario, se trata de un cuadro de Paul Felix. Se trata de una pintura de luz fría. Y lo que me encanta de esto es que está tan exagerado. Ha empujado las temperaturas hacia como un reino caricaturizado. Y la otra cosa que amo ya que también está usando básicamente sólo dos valores por objeto, ya sea su luz promedio o sombra promedio. Y por supuesto, la luz promedio va a conseguir una temperatura de color más fría que la sombra promedio porque es una pintura de luz fría. Por ejemplo, mira la paja, golpea los tejados, donde está la luz, es este color púrpura y luego donde está la sombra, es este color más cálido, anaranjado. Está bien. Es del mismo tipo de color local, pero dos temperaturas completamente diferentes del mismo. Mira la pared. El rostro superior de la pared es este color claramente azul bastante saturado incluso entonces por contraste, la sombra es este color morado más cálido que todavía está en la familia azul, pero está más cerca del lado rojo del azul. Un libro de texto, cosas de libros de texto. Mira la hierba, la parte superior donde la hierba está recibiendo más luz es esta hierba azulada fría. Y luego en la parte inferior donde la hierba más a la sombra, se está poniendo un verde más cálido. Y por supuesto, Paul Felix ha añadido su propia magia personal empujando estos colores a sus extremos con el fin de conseguir un look agradable, divertido, caricaturizado, perfecto para un show de Disney. Y sobre el tema de Disney, aquí te presentamos un concepto de color key de Ian Gooding para Tarzán. Este uno cuenta de cálido foco tipo de baño Tarzán y su área inmediata. Pero todo lo demás está encendido por una luz fría. Se puede ver que esas tres muestras en la parte superior son todas una variedad de esos pastos azules. Ahora las aguas de diferente color local, es un poco esta agua verdosa. Por lo que a la sombra que el agua se va a ventilar en el lado más azul del verde. Y por supuesto que también la ha mantenido gris, un poco como doblemente cool. No sólo es de color verde azulado, También es de grado hacia abajo. Por supuesto, esto deja toneladas de espacio para calentamientos en la luz. Mira la piel de Tarzán. Es esto realmente caliente, naranja en comparación con esos azules pastan en azules verdes. Y entonces el agua que se ilumina es simplemente un verde más cálido, un verde que el aire está más en el lado amarillo del verde. Ahora estoy acercando esto para ver un poco de luz reflejada de fantasía. Mira a Tarzán a la sombra. Ya ves donde los colores se ponen muy rojos. Eso es solo un bonito poco de luz reflejada que funciona fuera de las sombras verdes más frías que puedes ver ahí y simplemente le da esta llamarada de rojo. Pero notarás sin embargo, que ese rojo sigue en el tipo de lado más fresco del rojo. No es el mismo amarillo que la piel clara. Es una especie de inmersión hacia los frigoríficos, sin embargo, todavía es un rojo muy caliente para ser visto en esa fría sombra. Ahora E y Gooding ciertamente lo han hecho para el efecto. Te darás cuenta de que sólo ha hecho esto en Tarzán. No ha hecho ninguno de los antecedentes de esa manera. Y eso es simplemente para resaltar el personaje. Es una elección artística. Manipular los colores en las sombras es en realidad una técnica muy común. Aquí te dejamos una gran figura pintando acercando a Wu y mira esas sombras, irradian con toneladas de colores diferentes, ¿verdad? Y en comparación, la familia de la luz es una especie de avión. No tiene ese mismo tipo de juego. Zooming Wu tiene una teoría interesante detrás de su uso del color. Dice que la luz es donde está el dibujo y la sombra es donde está el color. Ahora permítanme explicar lo que quiere decir con eso. Si recuerdas de nuevo a esta demostración, recuerda que lo alto fue hablar de luz reflejada como obtener colores de todo tipo de objetos diferentes. Bueno, a eso se refería el zoom. En las sombras has reflejado la luz y puedes obtener colores desde cualquier lugar. Se pueden obtener colores desde el piso, el techo, el cielo, otros objetos son tantas áreas para que el color provenga de en sombra debido a la luz rebotada y reflejada. En tanto que en la luz, el color claro sólo viene de una fuente, el matón, Eso es todo. A la luz, en realidad puedes mantener tu pensamiento muy simple. Es como ese color matón que influye en todo en la luz, que significa que no hay muchas oportunidades para la diversidad que en la sombra, tienes la oportunidad de abrirte y dejar que tantos colores entren en tus objetos a través de la luz reflejada. Aquí tienes una de mis propias pinturas y verás que uso exactamente ese tipo de pensamiento. Mira dónde está la luz. Estas áreas están en luz y es una luz cálida, naranjada, casi rojiza. Por lo que los colores y la luz en realidad se vuelven muy predecibles. Todos están siendo jalados hacia eso. Lee al matón y lo puedes ver claramente. Mira el verde para en el monstruo. Es como amarillento, anaranjado porque ese rojo está tirando de ese verde con tanta fuerza hacia el vestido de la chica roja y el cabello se está juntando en luz por ese rojo cálido también. puede ver que están muy cerca en color, pero luego en sombras es donde realmente se abre esta imagen y el color se vuelve muy impredecible. Estoy recibiendo luz reflejada del agua y va desde azules hasta morados hasta verdes más fríos. Sus mejillas rojas rosadas más frías ayudan a compensar esa zona de cool por lo que creo agrega un poco de equilibrio. Ahí hay luz azul reflejada proveniente del cielo golpeando el lado izquierdo de la cara y el cabello de la niña. Ya ves que hay tantas opciones en la sombra para la generación de colores. Realmente puedes simplemente divertirte. Y de nuevo, aquí es donde no hay color correcto ni incorrecto. Tú, haces lo que sientas que necesitas hacer por la variedad. Y ni siquiera tiene que ser creíble como la luz en este cuadro es de otro mundo porque la he empujado ahí. He tomado lo que hay en el mundo real y sólo una especie de caricatura en ello. Entonces en este caso, en mis sombras más frías, sé que debería estar dentro de un reino de color fresco como no puedo simplemente ir añadiendo naranjas cálidas y rojos la sombra porque competiría con la calidez y la luz. Por lo que mientras esté en el área relativa de temperaturas de color fresco, estaré bien. Ahora en comparación, este cuadro de Scott Christensen es más indicativo de cómo se ve realmente el color en la vida real. El sol está iluminando la escena y el sol sigue siendo un matón. Pero notarás que no es la caricaturizada luz del sol caprichosa naranjada que pinté en mi pintura. Esta diapositiva es mucho más tenue. El sol sigue acosando a los colores en luz para estar cálidos. Pero notarás que se usan muchos más grises y esto es típico de la naturaleza. La naturaleza trabaja sobre gris. Quiero decir, sal ahora mismo, echa un vistazo a lo que hay en luz y avísame si ves algún color súper saturado, probablemente no lo harás. Lo que verás sin embargo, es una fuerte comparación de cálido versus fresco. Y eso es lo que tiene este cuadro. Si comparamos esto ahora con los colores de sombra, qué tan claramente se separan en términos de temperatura de color. La muestra izquierda de sombra es claramente más fría que la muestra derecha de luces. Ahora mira el fondo de esa muestra de sombras. Esos se están poniendo en caliente o fresco. Se utilizan como luz reflejada. Eso es luz rebotando de la roca o rebotando de la hierba y rebotando en las rocas que están a la sombra. Agregan solo un poco de alivio a lo contrario una zona muy azul. Aquí hay otro cuadro de Paul Felix y quiero abordar específicamente la nieve. La nieve era muy contadora porque no tiene color local propio, solo es blanco. Y en realidad puedes aplicar lo que estoy a punto de decir a cualquier objeto blanco. Cuando un objeto no tiene color local, obtiene todo su color ya sea de la luz o de la sombra. Entonces si miras la nieve, en este caso, cualquier nieve a la luz se tiñe de amarillo porque es acosada por el sol. Y la nieve y la sombra se pone tanto azul del medio ambiente. Aquí hay una pintura similar de un pintor holandés llamado Peter more command. En cambio, mira la nieve. En este, la nieve no sólo está consiguiendo luz azul del cielo, sino que está recibiendo luz reflejada de los árboles. Y te darás cuenta de que la nieve no es sólo más fría, azul como si no fuera la pintura de Félix encuesta. Tiene intrincados toques de blues más cálidos, grado abajo naranjas grado abajo greens. Es una sinfonía de grises ahí dentro que realmente ayuda a esta pintura pop y ser muy realista. Y para compensar esa complejidad, mira la nieve a la luz. Es muy sencillo. Es esencialmente un color, un valor en luz, muy predecible. Entonces esto se vincula a acercar la teoría de Wu de cómo en la luz se juega con sólo dibujar y en las sombras, Ahí es donde está el color. De acuerdo, pasemos ahora al Capítulo 3, donde vamos a seguir construyendo nuestras bases, sobre todo en conectar grises con Hue Shift. 9. Cómo utiliza la naturaleza y colores fríos: De acuerdo, entonces en el Capítulo 2 nos mojamos los pies con temperatura de color. Aquí en el Capítulo 3, vamos a elevar realmente nuestra comprensión de ello va ganar varias dimensiones más de cómo la temperatura del color puede moverse o cambiar, profundizará más en cómo los colores son relativos entre sí. Esto proporcionará la base para paletas de colores más complejas, al igual que el Capítulo 2, todo esto empatará en un aprecio por la teoría del color de la naturaleza, pero también nos dará herramientas para evaluar nuestro uso personal del color y nuestra estética personal. De acuerdo, así que de vuelta en el Capítulo 1, hicimos una gráfica donde transitamos entre dos colores, los dos colores complementarios. Yo quiero ampliar sobre eso aquí, porque en los capítulos 12, hemos estado hablando de temas similares en el Capítulo 3 aquí quiero un tipo de acercarlo todo y otra vez, expandirlo sobre él. En el Capítulo 1, hablamos de pasar por el gris. Por lo que quiero moverme de este amarillo. Aquí está el recolector de color aquí, por supuesto, a este azul. Y voy a hacer esto en el gráfico tres porque ahí es donde va en este ejemplo, ya me has visto hacer esto en el Capítulo 1, así que voy a acelerar por ello ahora mismo, ya sabes, con la muestra gris en el medio y luego varios saturaciones de ambos colores a ambos lados. También es importante ver cómo funciona esto en una rueda de color. Aquí trazamos nuestro color cálido, y luego es una línea recta al color fresco. Una vez más, ese es el movimiento gráfico y de color que utilizamos en el Capítulo 1. Ahora, les voy a presentar otras tres formas de hacer esto. Y debo señalar antes de empezar aquí que estos dos colores, el amarillo y el azul, esos son ejemplos muy extremos de cálido versus fresco, ¿verdad? Es difícil ponerse más caliente o más fresco que eso. Estos son solo marcadores de posición. Estos dos colores podrían ser cualquier cosa. Simplemente representan los dos extremos de la paleta de colores con la que estás trabajando. Y por supuesto, cuando ves cosas en extremos como este, es más fácil de entender y luego podemos emparejarlo de nuevo desde ahí. Muy bien, así que vamos a este primer gráfico. Esta vez voy a probar el amarillo. No voy a ajustar la saturación. Simplemente voy a ajustar el matiz, esa es la tira de tonalidades aquí o la rueda de matiz. Entonces voy a empezar con mi amarillo y sólo voy a ir incrementalmente por la rueda de tonalidades, alejándome de ese amarillo. Y realmente lo que estoy haciendo aquí es que me estoy poniendo más frío como recordamos del Capítulo 2, ¿verdad? Aquí me estoy haciendo más frío porque me estoy alejando de esto, como el corazón de la parte cálida de la rueda de color. Poco a poco me estoy alejando de eso. Entonces aquí estoy, aquí está, Sigamos adelante. Estoy en medio del gráfico, que debería estar en algún lugar por aquí. No tenemos por qué ser perfectos. Y poco a poco avanzamos en nuestro camino hacia ese azul. Entonces aquí estaría nuestro gráfico. A lo mejor hay un pequeño hueco ahí, solo rellena eso. Entonces aquí está nuestro movimiento de color ahora usando sólo la rueda de tono. Simplemente voy a numerar estos muy rápidamente para fácil referencia. Y volvamos a subir la rueda de color. Gráfico número uno en una rueda de color, se ve así. Ahora, los gráficos 13 logran lo mismo en teoría, pero está especialmente claro en el diagrama de la rueda de color que los movimientos son completamente diferentes. Y está muy claro aquí en las gráficas que rinden dos looks completamente diferentes. Pero está bien, hagamos el gráfico número dos. Y esto es lo mismo es el camión número uno, excepto que sólo vamos a ir por aquí. Vamos a subir la rueda de color así. De hecho, déjame acelerar el resto de este proceso porque es lo mismo que acabamos de hacer en el gráfico número uno. Y ahí vamos en una rueda de color. Por supuesto, ese movimiento se ve así. Entonces de nuevo, los gráficos 123 todos logrando lo mismo en teoría, pero se ven diferentes. Entonces, ¿qué queda por hacer y el gráfico número 4? Bueno, el gráfico número 4 puede ser en realidad el gráfico más importante porque es lo que hace la naturaleza tipo de. Y lo que voy a hacer aquí es combinar las otras gráficas. En realidad voy a combinar gráficos 13. Entonces déjame probar aquí mi punto de partida. Voy a agarrar un poco ese color gris y mojar el color hacia abajo de esta manera. Tan gris apagado, sumergirlo hacia abajo. Esto se vuelve un poco más subjetivo como no una computadora, no sé exactamente cuánto la estoy sumergiendo cada vez, pero eso no importa mientras avanzas en este camino. Esto es lo que detecta el ojo. Es el camino que estás tomando. No es el color exacto que estoy eligiendo. El ojo detectará la tendencia de los colores. Entonces déjame salir aquí fuera del gris, ganando saturación a medida que salimos. Tampoco estoy demasiado preocupado por el valor. Estoy tratando de mantener mi valor a lo largo de este tipo de caminos, pero el valor no es realmente importante aquí. Sólo estamos hablando de la teoría del color. Perdón, siento que esa debería ser un poco más morada. Y ahí está el número del gráfico de meta para la combinación. En este caso de los gráficos uno y tres, vamos a subir una vez más nuestra rueda de color. Y para el gráfico número 4, se ve así. Un poco más complejo. Ahora podría hacer un quinto gráfico donde combine gráficos 23, pero a ti te llega la idea. Entonces lo bonito de estos gráficos es que funcionan a gran escala desde ese amarillo hasta ese azul, lo cual es bastante extremo como mencioné antes, pero también funcionan igual de bien en escalas más pequeñas. Puedes comenzar con esta transición de color a ese color y seguir esta paleta más limitada yendo por este camino. Y eso no es sólo con el gráfico número cuatro. Ya sabes, podrías hacer lo mismo con el camión número tres si estos son los dos extremos en tu cuadro y estás usando el gráfico número tres como modelo. Puedes seguirlo de esta manera. Pero todo esto carece de sentido hasta que lo veamos en la práctica. Aquí hay un cuadro de John Singer Sargent tuvo apenas una pequeña nota al lado divertida, mi primer director de arte cuando trabajé como pintor de fondo en la industria de la animación, me mostró esta pintura y me dijo que esta pintura sostiene la secreto de color. Esas son sus palabras. Este cuadro guarda el secreto del color. Y en cierto modo, creo que tiene razón. Aquí suceden muchas cosas que otra vez, junto con el tema del capítulo tres aquí, como que combinan casi todo lo que hemos estado hablando en una sola pintura. En primer lugar, hablemos de lo que está pasando con la luz, porque el color siempre está impulsado por la luz, como hablamos en el Capítulo 2, sargento ha sobreexpuesto intencionalmente a la familia de la luz de este cuadro. Ahí no hay un montón de colores interesantes. Si pruebo estas luces, notan que están como todas atrapadas en esta zona. De nuevo, esto se parece mucho a cuando un fotógrafo sobreexpuesto como imagen. La mayor parte del detalle en la imagen llega entonces en la sombra, no en la luz. Entonces en esta imagen es mayormente las sombras estaban interesadas porque ahí es donde sacamos todos los jugosos colores y cosas así. Ahora cuando miras las sombras, recuerda un par de cosas. Uno, están libres de esa luz de matón, por lo que hay mucho más oportunidad para que los colores aparezcan y sombras. Recuerda también el ejemplo de pintura de jardín de infantes que hice en el Capítulo 2, específicamente la parte donde hablé de la luz reflejada que ocurre en las sombras. Recuerda la claraboya que bajaba de arriba que hacía que los verdes del árbol fueran un poco azulados. Bueno, eso es lo que está pasando aquí en esta zona. Es el tragaluz que ilumina esta cara de la fachada, haciéndola parecer azulada. Lo mismo con las alas aquí dentro. Esta parte de la estructura de aquí abajo, tiene ese tinte azulado simplemente porque está abierto al tragaluz. Y recuerda que el cielo es enorme. Entonces, sea lo que sea que el cielo pueda golpear, probablemente dominará. Por supuesto, no podemos ver el cielo en este cuadro, pero sí lo vemos gracias a la influencia que tiene en las sombras. Esto, por cierto, es como le das a tus pinturas un mayor sentido del medio ambiente al tener cosas que en realidad no están en pantalla influyen en lo que está en pantalla. Agrega una tremenda cantidad de creíbilidad, vale, pero también tenemos estos tonos cálidos como mirar esta parte de la sombra aquí debajo de la, supongo que esas son águilas debajo de las cabezas de Águilas aquí, esta parte del muro, algunos de los detalles de escultura en relieve aquí abajo. Esas son mucho más cálidas. Ahora bien, ¿por qué son esos más calientes? Bueno, simplemente están recibiendo su luz rebotada de otras áreas, no del cielo. luz que sube del suelo podría estar iluminando esta parte. Esta parte aquí podría ser la luz del sol bajando, impactando esta superficie y rebotando, dándole un efecto cálido. Ahí está especialmente caliente porque esa es la parte inferior de las cabezas del ego. El tragaluz no puede golpear eso porque el tragaluz baja desde arriba. El motivo por el que creo que mi antiguo director de arte dijo que esto alberga los secretos del color es porque Sargent ha hecho un trabajo tan hábilo de transitar entre ambos. Pero con las gráficas de color que acabamos de hacer, fácilmente podemos entender lo que el sargento está haciendo aquí. De acuerdo, así que voy a seguir adelante y sugerir que el sargento está usando gráfico número tres y el número cuatro en este cuadro, aunque en su mayoría está usando el gráfico número tres, que es el mismo que usamos en el Capítulo 1. Entonces en la pintura Sargent, tengo este pequeño espacio debajo donde puedo mapear algunos colores. Y lo primero que quiero hacer es establecer el rango de color que está usando aquí atrás en nuestras cartas de colores. Necesito saber como dónde está horquillado estos colores, cuáles son los dos extremos en este caso. Y no muy extremo. Definitivamente está usando colores a ambos lados de la rueda. hay colores y aquí hay colores. Pero, ¿qué tan saturados están? Ciertamente no están tan saturados como estos gráficos. De nuevo, están entre corchelos en algún lugar del medio. Entonces lo que voy a hacer es solo globo ocular lo que creo que es el más saturado algo caliente aquí dentro, que en realidad está bastante caliente. Ese es un color bastante cálido. Ahí hay mucha saturación. Entonces voy a poner eso a este lado del recolector de colores y puedo probar otros colores que creo que están por ahí, estos colores aquí y simplemente ponerlos ahí. Y como estoy improvisando este gráfico, estos podrían estar fuera de orden. Estas muestras, por ejemplo, esta naranja aquí diría que es un poco más cálida que este color de aquí. Yo puedo, puedo cambiar eso ahora sólo por facilidad de entender algo como esto. Está bien. Ahora, quiero ir al otro extremo y ver cuál es su color más frío. Y creo que a lo largo de esta fachada es donde podemos encontrar algunos de los azules más fríos. Ahora digo azul, pero eso en realidad no es exacto porque mira esto. Si pruebo esto que se ve bastante azul, pero déjame probar eso. Es mucho más gris de lo que pensaba. Tampoco es azul en absoluto. Es más del lado morado. De hecho, si pruebo otra zona que se ve azulada como esta aquí, si pruebo eso, no es azul en absoluto. Es como el rosa o algo que objetivamente no era azul. Entonces aquí es donde los nombres de color realmente se quedan cortos, ¿verdad? Entonces lo que intento hacer es establecer el rango entre cálido y fresco en este cuadro. Entonces vayamos aquí de vuelta a donde están las cosas del lado púrpuro. Algo así creo que es el más frío. Solo tomemos muestras a nuestro alrededor para asegurarnos de que lo tengo. Sí, todos estos colores que se ven azulados o no azules en absoluto. Algo por aquí es donde pondré ese otro extremo. Entonces pondré eso por aquí. Entonces, si yo sólo trajera de vuelta mi gráfico aquí, mirando el gráfico número tres, diría que el color más cálido probablemente esté en algún lugar por aquí y el color más frío probablemente esté en algún lugar por ahí. Por lo que el sargento está jugando dentro de este rango de color. Entonces lo que voy a hacer ahora es sólo empezar a llenar este gráfico. Voy a probar algo aquí que está en el lado más fresco. Por lo que irá en esta parte del gráfico, tal vez en algún lugar por aquí estaría donde está ese color. Y entonces sólo empezaré a tomar muestras y a llenar donde creo que están estos. Está bien si me superpongo cosas como esta. Es un ejercicio con manos libres, ¿verdad? Entonces puedo poner un color hacia abajo y luego sobre más colores, puede que tenga que mover ese color. Entonces solo estoy acelerando a través de esto y completando el gráfico. Esto es un poco más complicado porque también me estoy ocupando de diferentes valores, pero todo eso es parte de la formación que hacemos como pintores. Y sólo otra palabra de consejo aquí. No te preocupes por conseguir que pixel perfecto. Tan solo intenta usar tus ojos. El objetivo aquí es simplemente establecer el rango general en el que estamos trabajando. De acuerdo, entonces repasemos la tendencia general de estos colores que acabamos de muestrear en este estudio de muestras aquí. Y sí te recomiendo que hagas estos estudios tú mismo, por cierto, no me mires solo hacerlo, Pruébalo tú mismo. Clasificar a través de estos colores es una parte crítica del entrenamiento de tu ojo. Solía hacer esto mucho atrás en mis días anteriores. Yo como que haría esto con una taza de café por la mañana, ya sabes, tomar unas fotos que me gustaron y tratar de resolver esto. Pero está bien, tomemos nuestra herramienta de muestra y empezaremos por el principio. Ahora lo que quiero que veas mientras pruebo estos colores, primer lugar, quiero que te mantengas afinada en el recolector de colores. De acuerdo, no mires mi muestra para que todos miren al recolector de color. Entonces aquí vamos, mira la saturación generalmente poniéndose más gris. Y aquí estamos en medio de la tabla ahora y ver, Va a salir a los fríos y se saturará un poco más hacia los enfríos. Entonces ese es el gráfico número tres. Recuerda, el gráfico número 3 estando aquí mientras pasábamos por los grises y luego volvemos a salir en enfriamientos saturados. Es por ello que digo que el cuadro Sargent utiliza mayormente el gráfico número 3. número 3 es importante porque ayuda a mantener los colores en control. Si miras los gráficos número 12 aquí, sí, van de cálidas a frescas, pero se siente como una especie de pesadilla recubierta de dulces. La naturaleza no hace eso. La única excepción que realmente puedo pensar en la naturaleza es como un arco iris o algo así, pero la naturaleza sí usa diferentes tonalidades. Y ahí es donde entra el gráfico número cuatro, que como recuerdas, es una combinación del gráfico número 3 con los gráficos número 1 o 2. Entonces cuando miramos aquí el cuadro Sargent, ya sabes, no es sólo tomar este color y desaturarlo perfectamente y luego salir perfectamente hacia los morados y azules o lo que sea. Eso lo hicimos en el Capítulo 1 como parte de nuestro ejercicio de color de cortesía. Pero la naturaleza no es tan perfecta y sargento está imitando el color de la naturaleza aquí. Entonces lo que tenemos en el camino son diferentes tonalidades. Pero en general, si miras este gráfico, en general, empieza con esto como lo que he llamado su color más cálido en la pintura. Y en general, conforme va más gris, se va lejos de los calentadores y hacia los enfriados. Esta vez mientras muestro a través del recolector de color, sólo miraba la rueda de tonalidad. De acuerdo, así que aquí está el color más cálido. Y aquí vamos. Se puede ver que no es perfecto, pero la tendencia general es eso, y aquí es donde se puede empezar a mezclar tonos. Por ejemplo, mira estos cuatro colores justo aquí. Déjame seguir adelante y probarlos. Todos son tonalidades diferentes, pero todos están muy unidos. Hughes, mientras pruebo estos, básicamente pasé de aquí a alrededor de allá. Eso no es toda una distancia. Entonces lo que impulsa estas temperaturas es la saturación más que el matiz. Nuevamente, estos son más o menos todos en la familia roja hasta cierto punto. Por lo que en su mayoría miraba la saturación para ayudarme a tomar una decisión ahí. tanto que si tomé este color aquí y lo hice más azul, bueno ahora, ahora no encaja ahí. Ahora ese azul debería ir a algún lugar por aquí. Ya sabes, el matiz es lo suficientemente diferente ahora que lleva mucho más pesos en mi decisión. Pero debido a que todos estos son más o menos en la familia de la barra amarilla roja, su mayoría estoy mirando la saturación para ayudarme a determinar la temperatura. Y aquí es donde el color es muy, muy subjetivo. En ocasiones es el nivel de gris o nivel de saturación que te ayuda a determinar si algo está más cálido o más fresco como acabamos de ver. tanto que otras veces si el él era lo suficientemente diferente, tal vez el matiz tenga más peso en esa conversación. 10. Inventar luz y color y colores: Entonces aquí está una de mis pinturas. Es una escena clásica iluminada por el sol. Y a pesar de que la escena en sí es caricatura, la luz es en realidad bastante realista o, o al menos está basada en la realidad, igual que lo fue la pintura Sargent. Entonces lo que quiero hacer ahora es recrear parte de esta pintura y tipo de narrar lo que está pasando en mi cerebro al elegir todos estos colores. Entonces aquí estamos en Photoshop y solo quiero convertir rápidamente esto en un dibujo de líneas. Por supuesto, podría poner una capa encima y simplemente trazar de nuevo un dibujo de línea desde el que trabajar. Pero aquí solo hay un consejo rápido para aquellos de ustedes que buscan hacer estudios a partir de pinturas existentes y no quieren perder el tiempo haciendo primero un dibujo de línea, solo agarran la parte que quieren convertir en un dibujo de línea y simplemente suban para filtrar en Photoshop de todos modos, sube a Filtrar, Estilizar, encontrar bordes. Y va a crear un poco este dibujo de línea al azar para ti. Yo sólo voy a agarrar un aerógrafo aquí con un color blanco y sólo una especie de cepillar algunos de estos puntos y cosas texturales que recogió sobre que realmente no necesito ver. Y luego si quiero, solo puedo agarrar cualquier tipo de pincel de línea y solo una especie de definir este caso donde va este monstruo. ¿ De acuerdo? Y le quitaré esta línea aquí que delineó algo de la sombra aligerada. Pero quiero hablarles a través de todo eso mientras pinto. Entonces ahí vamos. Ahora al menos puedo mantenerme fiel al diseño del monstruo. Y se puede ver lo que estamos haciendo aquí. Muy bien, lo primero que voy a hacer es simplemente cortar en el área que realmente estoy pintando. Y luego en mis capas aquí, solo estableceré esa capa para multiplicar modo, tiraré una capa debajo de ella, y luego solo pintaré en esta capa. Entonces solo voy a usar una capa, lo que significa que no necesitas ver la ventana Capas. Si alguna vez hago una capa por alguna razón, definitivamente te lo haré saber. Entonces ya sabes qué para esto, Vamos, abordemos esto de una manera diferente a la que hicimos la pintura en el Capítulo 1. Voy a acercarme a esto como hice la pintura en el Capítulo 2 donde hice el tipo de cosas del arte del jardín de infantes. Empezamos con colores locales mientras teníamos el Árbol Verde en el Capítulo 2, aquí tenemos un monstruo verde. Hagámoslo verde. No me importa ahora mismo el color, la temperatura. No me importan estos gráficos. Lo haré en un segundo, pero aún no. Todo lo que me importa es la consideración más básica que podría hacer mi hija de 19 meses. Es un monstruo verde. Hagámoslos verdes. Así que vamos a escoger, acabo de escoger ese verde. Básicamente al azar. No había ningún proceso de pensamiento detrás de por qué este verde, quiero decir, mira que podría ser este verde a que no importa. Hagámoslos así de verde. Ten diferentes greens ahí si quieres, no importa en este momento. Además, está parado sobre alguna arena que es naranja como esta tal vez. Entonces conseguimos esto. Está parado frente a una cueva que es lo que tal vez un poco más oscuro, un poco gris. No lo sé. ¿Es este el color de una pared de una cueva? A lo mejor un poco más oscuro. Ahora estoy pensando en la luz y la sombra, por cierto, simplemente estoy adivinando el color local. Se pretende que esto se vea mal ahora mismo. Esto fomenta la idea de encontrar tu pintura mientras trabajas en lugar de pensar que necesitas algo terminado a cada paso. De hecho, esa es una de las cosas contra las que realmente me rebelé en mi arte desde hace muchos años. Y yo, pero solía pensar de la manera contraria. Solía pensar que cada paso del camino debería parecer que está hecho. Podrías trabajar así, pero me parece mejor para tu cordura de verdad. Si te permites un proceso que te permita encontrarlo a medida que trabajas. Entonces está bien, ahí está mi monstruo. Vamos a conseguir un poco de color aquí para los ojos. Y mientras estamos en los blancos, tiene unos dientes blancos brillantes, que se ven así, y tiene unos labios rojizos. Entonces, solo espolvoremos en algo de este rojo para los labios. Yo solo, yo solo, de nuevo, acabo de elegir un color rojo al azar y aún no estoy pensando en la luz y la sombra. Obviamente voy a narrar los pensamientos en mi cabeza cuando empiece a hacer eso, que es ahora mismo porque estamos terminados con nuestro áspero N. ¿De acuerdo? Por lo que nuestra pintura ahora se ve terrible y parece igual hizo nuestro árbol de jardín de infantes en el último capítulo. Está bien, genial. La primera consideración que siempre necesitas hacer no importa cuál sea tu pintura, dónde viene la luz y cuál es la fuente de luz? Bueno, en este caso la respuesta es, el Sol es la fuente de luz y va a estar viniendo desde aquí. Va a estar frente al monstruo. Entonces déjame dibujar como una flecha 3D. Va a ser como entrar así, ¿verdad? Ahí está la dirección del sol. Entonces me estoy imaginando que el monstruo está como dentro de una media cueva. Aquí tengo mi pintura aquí. Habrá una sombra lanzada sobre la cima del monstruo. Y como si la cueva continuara por encima de su cabeza, ¿verdad? Y el sol apenas un poco rebanadas ahí dentro. Entonces a veces lo que me gusta hacer justo al principio es simplemente agarrar un aerógrafo o pinceles como mi pincel rotulador que viene con la clase. Lo pondré para que diga modo multiplicar, que es un modo de oscurecimiento, y solo ve, vale, la luz viene aquí. Vamos a tirar todo esto a la sombra. Lo bonito de este proceso ahora mismo es que de nuevo no estoy pensando en el color. Al igual que lo tiraré a un color morado solo para demostrar, solo escogeré cualquier color. No importa. Solo estoy pensando en el valor. Estoy pensando que el sol va a entrar y rebanar este poco de luz así. Entonces todo esto es sombra, y debajo de él hay sombra. Y la cueva va a estar a la sombra aquí. Cambia los colores solo para mostrarte que realmente no me importa el color. Esto ya ahora me da un poco de efecto de iluminación porque su valor que afecta la apariencia de forma y luz, no de color, color solo piggybacks en iluminación y valores precisos. Y a pesar de que estos valores son una especie de desastre como mirar a todas esas tonterías garabateadas sobre el monstruo. Por lo menos sigue siendo un pasaje más oscuro en general y un pasaje más ligero en general aquí para la luz. Es muy claro decir así es luz l para luz y sombra. De acuerdo, Entonces ese es un buen primer paso. Voy a salir del modo multiplicar ahora solo conseguiremos un pincel regular como este. Entonces este es mi cepillo seco por cierto, que también viene con esta clase y todas mis clases. Y ahora, Vale, empecemos a pensar en las elecciones de color reales. Voy a empezar a pensar en el gráfico número dos aquí, porque los monstruos verdes. Entonces vamos a pasar de cálido a fresco a través de los greens porque monstruos verdes, vamos a estar lidiando con greens. Vamos a conseguir un verde más cálido, que es bastante fácil. Está en el lado más cálido del verde. Cualquier cosa aquí dentro, funcionará. No importa si es ese verde o ese verde o ese verde, todo funcionará porque está en el lado más cálido. Dije que no había rima ni razón al verde que puse abajo, lo cual es cierto. Pero lo que en realidad es un poco agradable de lo que hice aquí, y debo señalarlo. Yo lo hice por accidente. Pero lo que es un poco bonito es que está en el medio, como si pudiera ir más fresco verde o podría ir más cálido verde. Esto no es algo que tengas que hacer, pero tal vez a veces es bueno si vas a poner los colores locales primero para especie de poner tu color en el medio, el espectro de temperatura. Por lo que puedes ir en cualquier dirección. Por ejemplo, si estás poniendo un color local morado, podría ser útil recoger tu morado por ahí porque entonces puedes ir morado más cálido yendo deslizándote hacia arriba hacia el rojo o el morado más frío deslizándote hacia abajo hacia el azul. Y eso es, eso es cierto para cualquier color en el espectro. Entonces voy a recoger mi verde en la luz, calentarlo deslizándolo ahí abajo porque el, ya sabes, el matón, la luz del sol va a estar golpeando el cielo. El sol está en el lado más cálido. Y sólo subamos el valor porque después de todo está iluminado y vamos a ponerlo ahora ya. Esto es diferente a cómo me acerqué a mi pintura en el Capítulo 1 donde empecé con grises. Y voy un poco en contra de mis propios consejos. No hay reglas a ninguna de estas cosas. Al igual que cuando te digo un consejo, Es solo consejo, No es una regla. Ahora mismo estoy haciendo algo diferente a lo que hice en el Capítulo uno y Capítulo 1. Dije iniciar grisáceo y agregar rama de color apagado con saturación de ahí. Aquí digo, vale, sé que esto va a ser como un extremo de mi, si estoy mirando al número dos, estoy escogiendo mi lado del gráfico. Sé que mi verde se va a calentar en algún lugar por aquí. Eso en realidad está un poco cerca de lo que tenía. Voy a ponerlo ahí abajo porque tengo buenas razones para creer que este será un extremo de mi gráfico. Y también lo que voy a hacer es sólo con mis capas, sólo voy a reducir la opacidad en esta capa de línea. Y, y luego lo voy a fusionar hacia abajo. Entonces solo estoy trabajando en esa capa ahora mismo. De acuerdo, entonces el sol está entrando, golpeando el cielo. No solo necesitas un color. Elige, elige diferentes colores. A mí me gusta usar mucho la herramienta de manchas. Mi configuración está en Photoshop de todos modos, una fuerza del 93% y tengo activada la opción de pintura con dedos. La opción de pintar con dedos, por cierto, sólo significa que puedo pintar con el color que he seleccionado. Entonces como si selecciono este azul, ve el azul baja y luego se borra. Si la pintura con los dedos está apagada, sólo manchan, lo cual también es útil. Pero la mayoría de las veces tengo la pintura de figuras encendida. Y así es como puedo crear, en este caso, bordes que sean apropiados para como un personaje libre como este tipo es. Está bien, Ahora, quiero conseguir unos tipos diferentes de colores ahí dentro. Y mientras estamos en la luz, Empecemos a pensar en el valor de semitono. Recuerda el medio tono es donde la forma se está alejando de la luz. Entonces si yo sólo si tiene como un vientre redondo, como si su vientre fuera como una esfera que es redonda. Conforme esa esfera empieza a apartarse de la luz, decir, volteándose hacia abajo, pero sigue en la luz. No se ha vuelto lo suficiente para estar en sombra todavía. Y lo que voy a hacer es que sólo voy a calentar aún más ese verde. Estos colores que estoy poniendo aquí abajo decididamente no son verdes en absoluto. Yo estoy, me estoy aventurando como, ya sabes, verdaderamente lejos de los greens. Esto no es verde. Esto es lo naranja o amarillo o cualquier color que pienses que sea. Todavía está bien porque está en el contexto de la temperatura. Es decir, es una luz cálida calentando este verde. Siempre y cuando tenga algunos greens reales aquí, podría compensar eso con otros colores cálidos y está bien. Y por cierto, si solo quieres volver a ver mi original, puedes ver como mira cómo lo he empujado aún más. Mira qué color naranja rojizo es eso. Todavía llamaría a esto como mi bloque en el escenario de ninguna manera es final? No es que voy a apretar esto con fino detalle ni nada, pero sí que llego a mis trazos terminados a medida que voy. Entonces creo que algunos lindos brillantes, estos son como amarillos ahora, que es justo adyacente al verde, ¿verdad? Es como justo al lado del verde en la rueda de color. Y eso es muy común para un matón. Luz del sol para empujar un verde a amarillo. Esa es un poco la parte mágica. Este monstruo leerá como verde porque va a abarcar la gama de verdes. No necesitas todo el asunto solo para ser verde, para que se vea verde. Voy a hacer otro capítulo en esta clase. De hecho, será el siguiente capítulo, Capítulo 4 sobre colores planos y cómo puedes aumentarlos. De acuerdo, ahora quiero pensar en lo que está pasando en las sombras de este tipo. Entonces iré, me quedaré en la herramienta de manchas solo por diversión. Y quiero estar en el rango más fresco. Puede ayudar por cierto, sólo una muestra donde estás en photoshop cuando tienes activa la herramienta de manchas, no puedo empujar Alt y conseguir mi cuentagotas de ojos. Es realmente molesto. Entonces llegué a hacer clic en esa muestra, mi verde y aquí es donde estoy. Y está bien, eso está bien. Esto ya es un verde más frío que lo que tengo a la luz. Y ese es un lugar importante para que me detenga aquí y mencione que porque acabo de poner esta cosa más caliente para la luz del sol, esto serían estos verdes más cálidos son estos colores más cálidos? Ahora tengo una comparación. Mi bloque de jardín de infantes en ese monstruo verde, color verde ahora se divide en realidad en familia cálida y familia más fría. Esto es bueno. Esto es lo que hacen los pintores. Entonces el verde que puse ahora está leyendo está bien. No leía tan fresco hasta que tuve la luz más cálida. Necesitas algo para compararlo para recordar los colores siempre moviéndose a las cosas del Capítulo 1, ¿verdad? Entonces voy a poner algo de esta luz reflejada. Ahora en un nivel de forma, de nuevo, mencioné que su vientre es como una pelota, ve bola redonda. Bueno, si esta parte del vientre se volteó debajo, esta parte está apareciendo y cuando aparezca, va a quedar expuesta a esa claraboya. Entonces volviendo a nuestra carta de colores, mirando el gráfico número 2, me estoy moviendo de esta manera en la rueda de tonalidades, yendo hacia el azul. Aquí estoy en Photoshop. Yo voy subiendo por aquí. Pero no necesariamente quiero mantener la misma saturación que pude. Pero de nuevo, empieza a parecer un poco revestido de caramelo, solo que no tan sutil cuando se mantiene el mismo nivel de saturación. Entonces ahí es donde entra el gráfico número tres, combinando los gráficos número 23. Por lo que a medida que avance este camino hacia el blues, también incorporaré estos pequeños pastos en el medio. Entonces disminuyamos esa saturación, como dije, y subamos hacia el azul y pongamos esto dentro. Esta voluntad. Básicamente voy por el camino opuesto que hice en el Capítulo 1 donde empecé con grises y edificando. He empezado aquí con colores saturados y estoy construyendo en guerra Graham, tengo que construir mis grises en esto. Pero aquí está la cosa. No sólo tengo que quedarme aquí. Voy a rebotar hasta estos morados. ¿ Por qué? Bueno, sigue siendo un color más frío. Recuerda mis calentamientos en el monstruo o aquí, ¿verdad? Al igual que profundamente arraigado en el área cálida de la rueda de color. Podría ir más fresco subiendo aquí, cosa que sólo estaba haciendo. También podría ir más fresco yendo aquí. Pero combinando gráfico uno en gráfico de ancho a en con gráfico tres, quiero pausar rápidamente la demostración y mostrarles en una rueda de color lo que estoy haciendo. Porque es importante que veamos tanto en estas gráficas como en la rueda de color. Bloqueé en mi color local general verde en algún lugar de aquí. Y recuerda dije que estaba en medio de los verdes cálidos y los verdes fríos. Eso es bonito porque me da la capacidad de ir en cualquier dirección. Ahora cuando hice esta zona del sol aquí, siendo el sol una cálida luz matón partiendo de este verde, obviamente quiero ir más caliente. Usé el gráfico número 2 para hacer eso. Entonces si miramos el gráfico número dos, mi bloque en verde podría haber estado por ahí. Simplemente fui por ese camino, que es lo mismo que acabo de dibujar en la rueda de color. Entonces vamos a graficar el número 2. Un punto rápido en moverse por tonalidades así. A veces puede ser peligroso mantener la misma saturación. Entonces otra vez, empecé con ese verde y terminé por aquí manteniendo la misma saturación que fui. Eso puede ser peligroso porque como dije antes, puede ser un poco llamativo o simplemente excesivamente colorido, que es algo que generalmente no quieres en tus cuadros. Ahora en mi opinión, donde puedes salirte con la tuya eso es cuando los tonos están muy unidos, estos dos tonos, no mucha distancia entre ellos, hablan sus vecinos en teoría del color, dirías que estos son colores análogos. Cuando los colores están uno al lado del otro, en términos generales, puedes salirte con la tuya usando el mismo nivel de alta saturación. Ahora bien, si quisieras ir, digamos de este color a este color y te fuiste así, ya sabes, el gráfico completo número 2, eso probablemente sería demasiado color. Se vería a caramelos recubiertos, otra vez, algo que no quieres a menos que literalmente estés pintando dulces, supongo. De acuerdo, así es como manejo la transición hacia el lado de la luz. Entonces ahora que estoy en mi lado claro, estoy aquí. Y en mi manifestación, ven esta zona justo ahí dentro. Yo estoy como aquí en la rueda de color. Observe cómo esos colores fríos están mucho más cerca del gris que los colores cálidos. Estoy usando el gráfico número cuatro path, que como recuerdas de antes en este capítulo es un poco como esta cosa con curvas S. Y como soy consciente de esa curva, sólo puedo trazar colores a lo largo de ella. Entonces, por ejemplo, cuando estás pintando, no tienes que poner literalmente cada uno de estos colores. Eso no es un requisito. Deberías saber de este camino. Pero si quieres, puedes decir poner este color y luego poner este color en tus cuadros como lo hice yo. Y entonces un poco de decir, vale, el camino ahora soy una especie de, Oh, mi pintura este color y tal vez este color aquí para especie de darle al espectador este camino. Pero también recuerda, estoy combinando gráficos. Por lo que también podría darle al espectador un poco de gráfico número dos, así. Eso está totalmente bien combinar gráficos así. Obviamente, cuando estás combinando gráficos, hace que el cálculo sea mucho más complejo. Pero mientras estés consciente de lo que estás haciendo y le estés aplicando tu gusto personal, que se pone más sofisticado con la práctica y la experiencia, puedes hacerlo. De acuerdo, pero volver al siguiente gráfico número cuatro camino aquí. Volvamos a nuestros dos colores. Apenas estos dos colores por sí solos no basta para decirle al espectador que es el gráfico número cuatro. Tienes que llenar algunos de los espacios en blanco. Y mi punto es que no tienes que llenar todos los espacios en lo suficiente para darle al espectador un poco de empuje visual diciendo: Oye, estoy siguiendo este camino. Eso es lo que hará que tu movimiento de color sea identificable para el espectador. Por lo que de vuelta a la demo, estoy poniendo este loco color púrpura, que a primera vista parece no tener sentido. Pero estoy usando el gráfico número uno en combinación con gráfico número 3 para bajar el grado morado. Y luego todo eso está en combinación con el gráfico número 23. Entonces ustedes probablemente saben que uso mucho color en mis cuadros y me dan muchas preguntas como ¿cómo lo hacen? Bueno, así es como lo hago. No tengo miedo de combinar estos gráficos a menudo. Me quedaré con el gráfico número 13 aquí y probaré algunos azules morados, manteniéndolo relativamente en el lado gris. Y por cierto, como pongo esto azul y estoy presionando suavemente en mi tableta. Entonces si pruebo ese resultado, bueno, es de un color diferente, ¿verdad? Está mezclando el verde con ese azul que había seleccionado. Y, ya sabes, se va a, Photoshop tiende a gris colores en cierto grado cuando haces eso. Entonces voy a dejar que Photoshop haga algo de mezcla por mí. Y estoy diciendo Photoshop aquí porque eso es lo que estoy usando, pero cualquier app de tu elección, un poco haremos lo mismo. Entonces al principio te dije que estaba encontrando mis primeros puntos extremos de un gráfico. Bueno, quizá quiera ir por el camino opuesto y encontrar mi otro punto extremo del gráfico. Quizá quiera tomar algunos de estos colores grisáceos que tengo aquí y decir, sabes qué, eventualmente quiero estar por ahí como mi punto de descanso final aquí en el gráfico. Si miras hacia atrás mi pieza original justo aquí, puedes ver algunos de esos azules ahí dentro, ¿verdad? Ves esos azules y algunos de esos púrpuros saturados ahí dentro. Este es mi punto final del gráfico. Entonces voy a ser como, Vale, vamos a agarrar un pincel y sólo garabatear. Scumbling es el término oficial de arte para eso. Hace que el garabato suene oficial cuando lo llamas cabrón y pones eso. Y lo estoy mezclando justo en mis otros colores, ¿verdad? Todo esto es posible porque estoy en el contexto correcto. Estos son todos conformes al mismo tipo de movimiento del color. Estos gráficos que indican las direcciones en las que se mueven mis colores, ¿verdad? Mientras esté dentro del contexto de esas gráficas, está bien. Aquí. Te mostraré cómo puedo romper eso de mala manera. Si estuviera trabajando en la luz y quisiera poner este azul y la luz. Bueno ahora me estoy separando demasiado de mi gráfico. Ese azul se ve mal porque a pesar de que es un poco el valor correcto, simplemente no se siente bien. No hay nada que motive ese cambio particular de temperatura, ese cambio extremo de temperatura en la luz. La luz debe estar acosando estos colores para estar ahí en la luz. Lo mismo es cierto para la sombra, por cierto, si me gusta, consiguió un color rojo y empezó a ponerlo, Es demasiado grande de un salto esa transición. Serían como tomar este color aquí y ponerlo por aquí, no funciona. Absolutamente tienes que mantener tu contexto. Es por ello que hacer esos estudios piloto como antes lo hicimos con la pintura Sargent es un buen ejercicio visual. Muy bien, así que volvamos a pintar aquí. Siento que necesito alguna forma que suceda debajo de la boca. La boca necesita sumergirse más oscuro porque no va a estar recibiendo casi la misma cantidad de luz que el vientre. Entonces he escogido un color más cálido, pero quiero enfriarlo poniéndose gris y enfriarlo también bajando de esta manera. Sólo porque no quiero competir con mis colores claros de matón. Entonces yo estoy haciendo eso. Y no hay, no hay razón real para usar blues aquí porque como vimos con la pieza sargento, no había cielo reflejado en el fondo de su barbilla. Se podría pensar, oh, tragaluz podría bajar y rebotar, pero no, la claraboya es demasiado débil para hacer eso. Una vez que el tragaluz golpea , golpea directamente, eso es todo. No va a rebotar en ningún lado. La luz del sol se equilibrará. Entonces el sol, por ejemplo, bajará, rebotará del suelo, y subirá a su vientre allí. De hecho, ¿por qué no ponemos algo de eso ahora mismo? Sólo cambiaré de marchas aquí. Yo me llevaré el color aquí. Voy a conseguir un warmish, algo, algo así como este rango del gráfico. Warmish. Y también eso más ligero que lo que hay ahí. Y un poco empieza a ponerle eso porque el sol está, ya sabes, siendo un color más cálido que va a calentar estos greens sólo un poquito. Y solo estoy usando la herramienta de manchas para ponerlas y puedo jugar con algunos calentadores diferentes. Ver este color fue más fresco en este contexto. Si pongo este color aquí, es más fresco. Pero si pongo el color ahí, es más cálido porque ese verde estaba en algún lugar mucho más fresco. Siempre contexto. Siempre contexto. Qué color o qué colores están al lado de lo que estás pintando. Esa es la pregunta que tienes que hacerte. Por lo que las decisiones que tomas sobre el color siempre se basan en lo que hay a su alrededor. Entonces esto representa el sol que entra y, ya sabes, lo que probablemente debería hacer aquí es mirar al suelo, ese sol realmente va a alegrarse tanto en valor como en saturación. Este terreno, estos parados. Entonces pongámoslo, tiene que subir justo aquí. Hay una sombra que está lanzando, así que pintaré alrededor de la sombra. El sol va a estar iluminando la arena aquí, algo así. Entonces ahora con esa información en juego, ahora realmente parece que ese sol está rebotando en su vientre, pero no está terminado una vez más y simplemente bloqueando todas estas cosas, lo estoy consiguiendo en el estadio de béisbol. Digamos que el equilibrio solar que estoy pintando aquí no se va a extender aquí arriba. Ahí es donde el cielo empieza a hacerse cargo. Por lo que aquí va a haber un área de transición. En esa zona de transición, bueno, sólo la mantendré en los greens porque eso es una especie de terreno medio entre estos calentadores y el cielo más frío. Entonces sólo lo guardaré en algún lugar aquí. Escabullirse en estas formas de color y valor. A lo mejor ir un poco más gris y partes para ayudar a estas transiciones. Como si este rojo se calienta quiere transitar al verde, como tal vez pueda calificarlos. Llevando el deslizamiento de la puja a verde, pero lo gris apagado. El valor correcto, esos es de nuevo donde ayuda la herramienta de manchas porque la herramienta de manchas puede crear también bordes blandos muy fácilmente. Eso se ve bien. Vuelve a las luces y simplemente rebotando por ahí, solo jugando con diferentes variedades de color aquí. Trabajando este borde donde relámpago su sombra, asegurándose aunque que la sombra sigue siendo lo suficientemente oscura como para ser sombra en un nivel de valor, ¿verdad? Todavía tiene que ser más oscuro que la luz. Asegúrate de que, asegúrate de que cuando estés poniendo estas luces reflejadas, no estés iluminando excesivamente el valor de la sombra. Eso sería malo, entonces empezará a lucir como luz y confundirá tu dibujo por completo. Estás pintando, estás dibujando lo que sea. Cuando digo pintura, me refiero a dibujo. Y cuando digo dibujo, estoy pintando. Ellos son lo mismo. Actúan con base en los mismos principios. Supongo que la pintura añade color a la ecuación, pero todo lo demás se basa en la misma filosofía y principios. Jugar con estos blues aquí, sólo continuar con el tapiz de color es este brazo de aquí. Su brazo va a ser realmente golpeado por muchas de las claraboyas. Hasta me volveré más azulado. Podría aumentar la saturación. Entonces otra vez, trabajando en el borde de una de mis gráficas de color aquí, el extremo otro lado, a diferencia de los amarillos de aquí en la luz. No quiero usar demasiado este color. Nos vemos como si tengo la luz, tengo estos calentamientos muy saturados. Si tengo igualmente saturado, de Cole, se empieza a sentir no lo suficientemente sutil por falta de una mejor terminología. Al igual que les mostré chicos en el Capítulo 1, tiendo a mantener una de mis gráficas por mirar las gráficas de color, como que mantengo un lado extremo, pero el otro lado de mi corte ahí. O podría ser lo contrario. Mantendré ahí el lado fresco pero corta los calentadores ahí. Es muy raro que abarque por completo la gama de una a otra en esta forma extrema como esta. Entonces aunque estos parezcan fríos, no son tan fríos, al menos no tan fríos como los calentadores, nuestro cálido. Sí. Eso tiene sentido. Entonces sigamos de vuelta a donde estuve aquí. Poner en estas transiciones. Ese color que tenía era para calentarse grado apagado. Yo quiero crear alguna forma de transición aquí entre el, entre estos oscuros debajo de la barbilla, se podría llamar, y el vientre que se está volviendo más luz reflejada. Entonces sólo voy a volver a mis greens. Esa es una especie de zona intermedia para mirar el gráfico número dos, escribir pasando por los greens para pasar de fresco a cálido. Y mientras estamos aquí, volvamos a tirar algunos de estos tipos de greens en el medio entre cálidos y fríos en algunas de estas sombras otra vez, para ayudar un poco con la transición. En este punto, este es probablemente el primero en este cuadro demo aquí, amigos, donde estoy como, vale, esto está empezando a funcionar. Aquí es donde el color Tapiz está empezando a parecer que está funcionando. Lo cual es un gran punto estar en tu cuadro porque ahora es como, vale, voy a sólo el borde. No se ve muy peludo por todas partes, así que puedo ajustar algunos de estos bordes, pero no haría este trabajo más fino hasta que sienta que mis colores están empezando a comunicar la sensación que quiero que lo hagan. Podría, por cierto, sólo adelantar un poco de esto y conseguir un Cepillo Lineal Dodge y simplemente poner un poco más en esa luz, lo cual creo que es bonito. Recuerdo hacer este procedimiento exacto también en el cuadro original. Simplemente aumentando el estilo dramático, si se quiere, en algunas de estas áreas incluso puede pintar luz con esto de esta manera. Sigamos adelante. Echemos un vistazo al costado de la cueva. Habrá algo de luz golpeando la cueva. Como si vuelves a mirar mi original, luz entra rebanando a través de la criatura y luego, ya sabes, la criatura proyecta la sombra. Pero parte de esa cueva sigue en luz. Entonces solo podemos conseguir algo de eso. Y de nuevo, esto es bastante fácil en cuanto a estacionamiento de bolas, mi color. Sé que es un hijo más cálido. Le he dicho al espectador que es más cálido por mi comparación entre verdes cálidos y frescos y el monstruo. Entonces todo lo que tengo que hacer ahora es recoger mi color base aquí. Vamos a calentarlo un poco, calentarlo un poco de saturación a, y obviamente elevar el valor de la luz y simplemente terminar en algún lugar alrededor de ahí. Y lo haré, lo pintaré. Y ese es un gran punto de partida. Sé que no es el color final. Sé que al menos es preciso en contexto en cuanto a la dirección en que se mueven los colores. Sé que va a ser correcto y luego solo puedo trabajar desde ahí. Eso es lo que somos, el color se vuelve algo divertido. A mucha gente le da miedo el color al principio. Pero una vez que obtienes todo este asunto del contexto y la dirección del color, y te divorcias de pensar que hay una cita, sin comillas, ¿verdad? Color para las cosas. No lo hay, es sólo el contexto correcto. El color se vuelve muy liberador. En fin, lo que estoy haciendo ahora es que sólo estoy pintando alguna oclusión ambiental detrás del personaje. Por lo que volvió al lado claro de la cueva aquí. Y otra vez, sólo hablando de contexto, podría calentarlo un poco más si quisiera tropezar algo de eso en. Pero supongo que lo puedo enfriar. ¿ Por qué no lo enfrío subiendo de esta manera el gráfico número 2 y gris de esta manera, gráfico número 3, combinando 23, ¿verdad? Y sólo puso algo de eso en mantener el valor correcto, por supuesto, para que yo como que pueda meter estos colores con impunidad. No tengo que preocuparme por las repercusiones del color equivocado porque tengo el valor correcto y tengo el contexto correcto del color. No quiero ir demasiado frío, como si no quisiera hacer esto. Eso rompe contexto. Eso es demasiado frío, ese color podría verse bien y sombra, que se supone es más frío. Puedo poner algunos de estos colores y sombras y empezar a construir la luz reflejada que viene del cielo, que está fuera de pantalla. Por supuesto, en el cuadro original, el cielo estaba en pantalla y lo puedes ver realmente informando el blues en la cueva que está mirando hacia el cielo ahí. Entonces en eso todo lo que estoy pensando. El luz no tendrá esos azules porque esos azules son parte de la sombra que el tragaluz no es lo suficientemente fuerte como para influir en la luz del sol. El sol es el matón más fuerte que hay. El sol erradicará por completo cualquier rastro de tragaluz. Dejándolo sólo en el reino de la sombra. Simplemente jugando con el borde donde el acantilado se encuentra con la arena aquí. Y luego puedes hacer cualquier tipo de detalle en este acantilado o esta cara de roca que quieras. Pero eso no es realmente parte de esta demo. Puedo meter un poco al final, pero, um, ya sabes, en cuanto a detalle de pintura, puedes enloquecer con eso. Volvamos al tema que nos ocupa aquí, que son los colores. Vayamos a los globos oculares. Me siento como los globos oculares que no se han tocado en absoluto. Ahí también va a haber oclusión ambiental. Entonces escogeré un aerógrafo saint overlay y vamos a conseguir un color más oscuro y simplemente oscurecer este ojo. Consideraría también esta oclusión ambiental. inclusión ambien siendo la parte más oscura de la sombra, la parte a la que la luz ambiental no puede llegar. Está bien. El globo ocular obtendrá algo de luz del cielo. Es muy gris. Soy un poco como aquí en mi carta de colores, así que puedo fácilmente simplemente salir al blues aquí y simplemente obtener algo de luz reflejada del cielo. Y esos globos oculares. Y bien podría tirar sólo un poco resaltado cosa mientras estamos aquí. En este caso, sólo reflexiones del cielo. Muy bien, Sigamos pintando. Esta es una especie de pantalla de calentamiento, no tan cálida como en la luz sin embargo, todavía en el reino de la sombra. Voy a definir algo de la forma de la cabeza aquí usando este tipo de, de nuevo, este verde de temperatura media. No es ni cálido ni fresco basado en los dos extremos que lo tengo en algún lugar del medio. Y eso es lo lindo. Cuando estableces tus extremos un poco temprano, entonces puedes jugar y encarnar esa zona media. En tanto que en el Capítulo 1 otra vez, fuimos por el camino contrario. Empezamos con el, si nos fijamos en estos gráficos en el Capítulo 1, habríamos empezado con la mitad del gráfico y expandido hacia afuera. Aquí, he establecido mis dos extremos y estoy trabajando hacia adentro. No uso un enfoque sobre el otro. Yo uso los uso ambos indistintamente. Realmente depende del proyecto y también con qué te sientes cómodo. Otra cosa agradable de la herramienta de manchas en este caso, y otros softwares tienen su propia versión de la herramienta de manchas. Puedo escoger un azul bastante extremo como este. Pero cuando lo pinte, photoshop lo mezclará, ¿verdad? Entonces estoy pintando ese azul extremo, pero cuando pruebo el resultado, es como si fueran, así que a veces es útil saber qué va a hacer el software, qué cuando mezcla colores. Y eso solo viene con experiencia. Y de esa manera puedes rebasar tu color, temperatura y dejar que tu software lo mezcle por ti. El bonito de la herramienta de manchas de Photoshop y creo que otros softwares son así. Se baja un golpe y es bastante puro. En tanto que si pones ese solo golpe y mantienes tu estilo bajo en absoluto, poco mancharlo y mezclarlo en lo que ya está ahí y algo así lo acercas a lo que ya está ahí. Por lo que de esa manera, la herramienta de manchas es genial para estas pequeñas mini transiciones. Está bien, así que voy a agilizar el video para el resto de esta manifestación. Esto sólo se apresura tres veces. El motivo por el que estoy haciendo esto, como ya lo he explicado, todo lo que estoy haciendo en lo que respecta al Capítulo 3, todo lo que queda por hacer es darle un poco más de refinamiento a la pintura en cuanto a su pincelada y esas cosas, y tal vez unos pequeños parches de color más aquí y allá para facilitar sobre transiciones. A lo mejor pintar cosas que siento es demasiado chillón o demasiado exageradas. Y, ya sabes, sólo trae este cuadro a algo un poco más completo para esta demostración. Aquí, por ejemplo, estoy agregando parte de la oclusión ambiental que envolvería la parte superior de su cabeza, también las cuencas de los ojos, oclusión ambiental ahí también. Refinando algunos de los lirios, sólo pequeñas cosas aquí en las sombras debajo del monstruo. Ese es un gris oscuro bastante que uso. Por lo que ahora puedo usar el gráfico número 4 para saltar a más del blues. Nuevamente, no trazar todos los colores en el camino, sino trazar solo los suficientes colores que hay algún movimiento de color ahí. Un pensamiento que acabo de tener, bueno, literalmente viendo esta demostración siendo reproducida frente a mí, es que cuanto más grande sea el área, tal vez más colores quieras trazar a lo largo de un cierto camino en un gráfico dado. tanto que áreas menores como la pequeña sombra bajo el monstruo, por ejemplo, tal vez solo necesitas trazar dos o tres colores para que sea suficiente. Se puede ver esa cosa exacta que sucede en el vientre de los monstruos, por ejemplo. Esa es una área bastante importante de este cuadro. Y mira todos los colores que estoy trazando ahí para mostrar diversos movimientos a lo largo de la rueda de color. Siento que estoy acercando a una de las gráficas de color y realmente mostrando al espectador lo que estoy haciendo en el área del vientre versus la sombra de caché debajo del monstruo y tal vez en la cueva misma como estoy pintando ahora, Estoy un poco alejando un poco de esas gráficas de color y simplemente trazando lo esencial desnudo. color es la parte más subjetiva de la pintura. No es como perspectiva donde hay un libro de texto, libros de texto literales sobre cómo dibujar una perspectiva adecuada que no existe con el color. Es decir, hay libros de texto sobre el color también. No me malinterpreten, pero todo lo que ver con el color es mera sugerencia. Principios generales que tienden a arrojar resultados agradables. Lo que te debes como pintor es conocer esas sugerencias generales como estas gráficas Te estoy mostrando aquí lo suficiente para poder hacer uso de ellas de manera cohesiva. El éxito de la aplicación de eso depende básicamente de su juicio. Y ya sabes, ahí es donde entra el gusto. Es decir, he tenido gente, sólo pocas personas afortunadamente, pero la gente me dice que uso demasiado color en mi pintura. Y yo estoy como, Ok, ya veo por qué dices eso. No siempre uso tanto color como este cuadro que estoy haciendo aquí es bastante colorido. Elegí este tema porque siento que es un buen ejemplo de cómo usar estos gráficos. Pero también puedes usar estos gráficos de una manera mínima y mantener tu color muy tenso. Y por supuesto, yo también lo he hecho en mis cuadros. De verdad depende de tu personalidad y de tu estética. Y está bien, así que aquí es donde terminé con esta demo. Nuevamente, elegí este tema porque creo que es un buen ejemplo de cómo se pueden combinar diferentes gráficos y una manera muy obvia porque se trata de una pintura bastante colorida. Pasemos ahora al Capítulo 4 y hablemos un aspecto diferente del color con el que tienes que lidiar con bastante frecuencia. 11. Cómo trata de la naturaleza: Muy bien, bienvenido al Capítulo cuatro, vibración de color. Este es uno de mis temas favoritos personales en este capítulo, obtendrá más visión de cómo el ojo detecta el movimiento de color a lo largo de la rueda de color, una comprensión de cómo la naturaleza trata los colores planos, un sistema para mantener nuestros colores interesantes y vivos en nuestras pinturas, se construirán aún más en nuestra comprensión de la teoría del color de la naturaleza. Y vamos a desarrollar algunos modelos de color sencillos que podemos elegir o combinar a la hora de asignar estas ideas de color. Entonces aquí vamos. En el Capítulo 2, hablé de las limitaciones inherentes de identificar los colores por sus nombres, y de cómo necesitamos modificadores de temperatura como más cálidos o más fríos para ayudarnos a averiguar qué colores pintar. Armado con ese conocimiento, un estudiante mío pintó este estudio de una manzana, y es bueno, funciona. Creo que lo que está funcionando aquí, como discutimos en los Capítulos 2 y 3, somos capaces de decir que los rojos de esta manzana generalmente están del lado más fresco moviéndose alrededor de la rueda de esta manera, así como en hacia el gris esta manera. Eso fue todo de los Capítulos 2 y 3. Y esta es una pintura funcional como resultado. Y sin embargo sugeriría que aún es posible apretar más. Llamémoslo energía fuera de los colores, tal vez algo así. Ahora hay un poco de caricatura intencional aquí, pero saber hacer esto estirará tus capacidades de color sólo ese poquito extra. Entonces aquí en Capítulo 4, Vamos a discutir de qué se trata ese retoque de color. En primer lugar, un quiz pop, reconocimiento de color. Estoy a punto de destellar tres colores en la pantalla y tienes que identificarlos o estás listo. Amarillo, azul y rojo, ¿verdad? Bueno, tienes razón, pero veamos un poco más de cerca. Esto de aquí sería un amarillo plano, azul, y rojo. Lo que viste fue esto, que se lee como esos colores, pero claramente no es lo mismo. Hay más pasando con ellos. Tienen variedad de color dentro de un color. Ahora, yo propondría que la naturaleza trabaja más en este modelo de lo que hace el top. El color de los objetos y materiales en la vida real es muy raramente sin movimiento. Muy a menudo las cosas sí tienen una identidad de color local. Estos ejemplos pueden promediar a colores como este. Pero como puedes ver con estas muestras, la variedad dentro de eso puede ser sorprendente. Esta Apple, por ejemplo, lee como leída de un vistazo, pero hay mucho movimiento dentro de ese rojo. De nuevo, he exagerado esto sólo para mostrarte lo que es posible. Por ejemplo, no creo que este color esté realmente en la fotografía, pero por la trayectoria que estoy asignando estos colores, ya sabes, la forma en que los estoy moviendo, sí creo que ese color es apropiado. Entonces veamos alguna teoría rápida en cuanto a cómo puedes mover los colores locales. En primer lugar, sólo escogeremos un color arbitrario, este azul de aquí. Y para este primer modelo, solo queremos mover ese recolector de color entre tonalidades. Y si realmente pintara eso, se vería algo como esto. Aviso Estoy manteniendo mis bordes bastante suaves con todos estos diferentes trazos. Muy bien, así que ese es un modelo. Otro modelo sería en lugar de menear entre Hughes variar la saturación de la pintura de la muestra, este modelo de movimiento de color se vería algo así. Terminamos con el mismo efecto general, pero se ve diferente al último modelo de 1 tercer modelo sería combinar esos dos, que se ve así en la rueda de color. Y se ve algo así en la práctica. Ahora realmente empiezo a sentir que nos estamos divirtiendo un poco. Pero hay un cuarto modelo. Esta crea un poco más de tensión, poco como esa muestra azul y la manzana, voy a empezar con lo que acabamos de hacer, pero porque ya nos estamos moviendo hacia el gris, pensando en la cortesía del Capítulo 1 paleta. Lo que estoy haciendo aquí es esencialmente coquetear con ir a ese complemento. Entonces lo que voy a hacer es consumar que agregando esta nota secundaria aquí, Hay una tensión porque esos dos colores nunca tocan realmente. Por lo que realmente quieres usar discreción y escoger tus spots donde utilices esto. Pero si encuentras el lugar adecuado para ello, realmente puede crear algo memorable. De acuerdo, así que aquí hay una ilustración mía que me gustaría descomponer. Tiene muchos colores locales diferentes y siento que estaba probando el límite de estas vibraciones de color. Por lo que el elemento de fondo más lejano debería leerse como azul. Aquí te dejamos un primer plano de una de esas secciones. Es azul en general, pero todos estos colores están ahí dentro causando esa vibración, lo que siento ayuda a que se mantenga vivo. De hecho, estaba usando el modal número tres para eso, que como recuerdan, se veía así. Pero también hay este pequeño color de tensión, algo que definitivamente no es azul. Y no puse ese color ahí para describir nada físico. Simplemente está ahí como un salteado de algo inesperado. Volver a la ilustración. Esta zona aquí utiliza la misma idea, pero es un poco diferente porque esta vez el color base ya es gris. Estas son las piedras de un puente. En realidad no tienen un color local fuerte. Si tuviera que escoger un color local lo pondría por aquí, algo gris muy neutro. Pero se aplica el mismo principio. Voy a mover esto por ahí y esta vez sólo se mueve por los grises. Entonces con lo que eso me deja son diferentes tonalidades que están todos cerca del gris, que es lo que se ve a lo largo de esas piedras. Por un pequeño giro extra, las piedras de este lado, me mantuve en el lado más cálido de neutro porque me imaginé que están más cerca de la luz del sol y las piedras de este lado, me mantuve más o menos dentro de los neutrales fríos. Sentí que no era elección apropiada aquí porque ese puente ocupa como dos tercios de la imagen. Tiene que parecer interesante. Probablemente habría cortado esa vibración de color a la mitad si el puente donde dicen la mitad del tamaño. De acuerdo, lo último de esta ilustración, mira esta parte de hierba aquí. Ahí hay mucho color salvaje. Y algo de esto es bastante ilógico, como ¿por qué están esos rojos naranjados en la hierba? Bueno, están ahí para la vibración de color. Pero la razón por la que te estoy mostrando esto es que quiero mostrarte cómo pinté esa sección. Es una especie de forma rápida y fácil de conseguir que tus colores se muevan. De acuerdo, Entonces pintaré una bola verde ahí. Pero en lugar de empezar con verde, empezaré con algo cerca de lo contrario al verde, que definitivamente parece contrario a intuitivo como si estuviera poniendo a propósito el color equivocado ahí, pero ahora voy a construir esos greens en lo que es esencialmente un color complementario. Estoy usando un pincel que mezcla pinturas como si esto fueran aceites húmedos o algo así. Y luego lo pintaré como si fuera una bola verde regular. Pero debido a que me estoy mezclando con ese cumplido o cerca de complemento, esas vibraciones de color suceden de forma gratuita. Y entonces ahora sólo voy a poner algunos, digamos greens azulados usando modal número 1, de nuevo, combinando modelos tratando de empujar por interés. De acuerdo, así que aquí hay una ilustración donde estoy mucho más sometido con estas vibraciones de color. Todavía están ahí, sin embargo, igual que nuestra manzana aquí tenía variaciones sutiles. La piel humana también lo hace. Tenía un color base en mente así. Entonces simplemente movilicé alrededor de ese color y encontré estas variaciones. Ya sabes, están haciendo algo como esto en la rueda de color, esencialmente modal número tres, ¿verdad? El cabello también es modelo número 1, pero con un movimiento de color aún más apretado. Y sentí que el cabello era un buen punto para poner en un color de tensión. Se trata de estas notas de color turquesa que ves a lo largo. Ahora ese color está bastante lejos del resto de los colores del cabello. Y precisamente por eso me quedé con el resto de los colores del cabello tan unidos. Entonces tuve un poco llamémoslo espacio respiratorio para zap en esa vibración de cubierta. Ahora bien, ¿habría funcionado la liebre sin eso? Seguro. ¿Es mejor con él? Bueno, eso depende de ti. Yo creo que sí. También por qué ese azul, ¿por qué no cualquier otro color? Bastante sencilla razón elegí ese azul porque el trono en el que está sentada se ve azul. Entonces me imaginé que tener pequeños fragmentos de eso aparecen en el cabello podría ayudar a unificar la pieza o pegarla de alguna manera. Tan sólo un rápido recordatorio de que el color es la parte más subjetiva del arte. Y esta clase está llena de principios que funcionan, pero depende de ti usarlos a tu discreción. Está bien, así que hagamos un cuadro aquí, y quiero mostrarles cómo me acerco generalmente a estas cosas en una situación de la vida real. Esto en realidad se basa en una verdadera pieza de ilustración comercial que hice recientemente. Será un soldado montando a caballo. Tendrás un uniforme rojo brillante con algunos bordados dorados y una placa de pecho verdosa también. Por lo que muchos colores locales aquí. Voy a empezar a desbaste en esa chaqueta roja. Y estoy usando este pincel y Photoshop que tiene activada la dinámica de colores, lo que hace que el tono y la saturación cambien durante la pincelada. Entonces usaré eso un poco para conseguir unas vibraciones preliminares de color ahí dentro de forma gratuita. Y entonces aquí he cambiado a una herramienta de manchas. Y como pueden ver, me he vuelto un poco salvaje aquí y me estoy equivocando los colores. O sea, eso no parece una chaqueta roja, ¿verdad? Pero lo estoy haciendo a propósito para mostrarte en una rueda de color lo que estoy haciendo en este momento. Estoy jugando aquí en este rango. Eventualmente, quiero llegar a cerca de aquí con esa chaqueta roja. Conforme construyo a partir de estos bloques en colores a eso, estaré gestionando simultáneamente estas vibraciones de color que dejo atrás. Otra cosa que puede ayudar sólo en cuanto a calibrar tu mentalidad para este tipo de uso de color es intentar comenzar sin un dibujo de línea. En cambio, descifra tu dibujo al mismo tiempo que estás descubriendo tu color. Ahora eso definitivamente es más difícil de hacer. Por lo que este podría ser un consejo de nivel más avanzado, pero a partir de mi experiencia general, te encontrarás mucho más libre con color por alguna razón, cuando no estás restringido a un dibujo de líneas, dibujos de líneas pueden inspirar un poco de la mentalidad de relleno de color, que está totalmente bien. Pero en este capítulo en particular, lo que queremos hacer es ejercer tipo de lo contrario de eso. Aquí estoy tendido en algunos de los bordados dorados y volantes a lo largo del abrigo. Y te das cuenta de mi recolector de color hay más o menos en medio del espectro de saturación. Me encuentro haciendo eso a menudo como una especie de enfoque táctico porque si estoy en el medio, tengo la opción de ir más saturado o menos saturado. Entonces si estoy pensando en el modelo número 2 para generar estas vibraciones de color comenzando en el medio a diferencia de un lado extremo del espectro realmente puede ayudar. Por lo que hasta este punto en la pintura, he estado mirando principalmente el color. Ahora es el momento de meter ese valor esencial ahí dentro, luz versus sombra. Y junto con eso, asegurándome de que mis formas estén bien. Todo el material que comprende el resto de los fundamentos de la pintura. Por eso me he desacelerado hace poco aquí para poner todos los pedacitos de dibujo que realmente no puedo hacer rápidamente. Pequeños detalles en el disfraz y revisando proporciones y perspectiva, sabiendo que tengo el color en mi bolsillo trasero, todo esto más técnico puede pasar ahora. Entonces si miras lo que estoy haciendo en el lado claro aquí mismo, esa chaqueta se está moviendo lenta pero seguramente hacia los rojos más saturados con los que quiero terminar. Pero incluso aquí, no estoy sólo eligiendo un rojo. Estoy jugando usando modal número uno con unos rojos más cálidos, unos rojos más fríos, ya sabes, Violet's, cosas así. Ahora esto trae algo bastante importante. En el Capítulo 2, hablamos todo sobre cómo la fuente de luz influye en la temperatura del color, cómo es el principal motor de la temperatura del color. De hecho, los cambios de color que estoy haciendo aquí sin embargo, sólo están respondiendo parcialmente a la luz. Estoy permitiendo que la luz dicte alguna dirección general. Por ejemplo, esta persona está siendo golpeada por la luz solar, lo que significa que en general, los rojos en la luz serán en general más cálidos que los rojos en la sombra. Pero incluso dentro de esas dos categorías, todavía voy a jugar con rojos cálidos y fríos a la luz, y rojos cálidos y fríos a la sombra. Podría verse algo así en una rueda de color. Esos serían los rojos y la luz. Y esos serían los rojos en la sombra. Un poco de superposición está totalmente bien. Pero también se puede ver la dirección general del color inspirado en la fuente de luz, como en el capítulo dos. Y cuando describo esos colores, realmente no debería estar diciendo leer, ¿Debería? Esas son las temperaturas de color que contribuyen a algo que se lee como rojo. De acuerdo, algo interesante está a punto de pasar aquí. Estoy trabajando en hacer que esa placa de pecho se lea como verde y mira lo rápido que está cayendo esto en su lugar. O sea, el video está acelerado, pero sucede rápidamente también en la vida real. En fin, la razón por la que creo que esto es tan genial es que presta una visión de cómo nuestros ojos perciben realmente el color. Se podría pensar que para que algo se vea verde, tiene que ser verde, pero ese no es el caso. Aquí te dejamos algunas muestras de lo que parecía verde en la pintura, mirándolas aisladas así. Seguramente estás pensando como Eso no se ve verde en absoluto. Pero echa un vistazo a esto, muévalos a la pintura y mágicamente se vuelven verdes. De acuerdo, entonces, ¿cuál es la explicación para eso? Bueno, mi camino de rojo a verde se ve algo como esto. Ahora bien, en realidad no tengo que llegar al final de ese camino sólo para que el color se vea verde. Podría detenerme en algún lugar en el medio, como en cualquier lugar de aquí. Y eso es lo que pasa. El ojo lee la dirección del color. Es movimiento más de lo que lee el color en sí. Entonces una vez que comienzas a trazar algunos puntos a lo largo de ese camino, el ojo dice: Oye , empezaste aquí, bastante seguro que vas aquí, quítate una carga, déjame hacer parte del trabajo por ti. Ahora basado en mi experiencia docente y como estudiante yo mismo, sé que esto es contra-intuitivo a lo mucha gente piensa cuando se mete en la pintura. La mayoría de los estudiantes son muy rígidos con color. Por lo que entender y llegar a ser bueno en el color generalmente requiere un poco de un cambio lateral en tu pensamiento. Y de nuevo, diseñé toda esta clase para un tipo de golpear los puntos más altos, esos momentos aha que tuve a lo largo de mi viaje con color. Por lo que esta demo se ve bien. Todavía no es una ilustración completamente terminada, pero sí demuestra un buen flujo de trabajo para usar cuando se quiere incorporar estas vibraciones de color, ¿verdad? Pasemos al Capítulo 5, donde discutiremos cómo las diferentes paletas influyen en el estado de ánimo de tu trabajo. 12. Paletas de colores comunes: De acuerdo, bienvenidos al Capítulo 5. Entonces con toda la información que hemos desbloqueado hasta ahora, ahora podemos sumergir nuestros dedos de los pies en paletas de color. paletas pueden allanar el camino a una expresión verdaderamente artística del color en este capítulo ganarán una visión de cómo las opciones de color pueden afectar el estado de ánimo de sus pinturas. Una comprensión de las paletas comunes, puedes usar una y otra vez, alguna orientación en cuanto a cómo estructurar tus colores dentro de cualquier paleta dada. Te gustaría usar una mayor comprensión de cómo los colores aparecen diferentes dentro de diferentes contextos. Y el vínculo todo importante entre elegir una paleta con ajustar la iluminación de tu entorno o una pintura. Creo que no hay mejor manera de ver el poder de las paletas de colores entonces mirando el arte de claves de color, las teclas de color son pinturas muy pequeñas, a menudo renderizadas sin ningún detalle. Simplemente existen para comunicar el estado de ánimo general de la escena. Y eso es lo que hace una paleta de colores. Se informa el estado de ánimo. Ahora no dicta completamente el modo. El modo es creado por varios factores. Por ejemplo, el tema, la forma en que lo iluminas, la forma en que lo compongas, y por supuesto, la paleta de colores también. Todas esas cosas contribuyen al estado de ánimo general. La paleta de colores está ahí para, digamos, mejorar el estado de ánimo cuando todos tus demás elementos estén en su lugar. Por ejemplo, tu estructura de valor, tu composición, la paleta de colores realmente pueden ser una herramienta poderosa para sugerir al espectador cómo deben sentirse al mirar una determinada pintura. Estas son dos teclas de color de Paul, las mismas para la película El señor de los anillos. Y ambos usan una paleta muy común llamada paleta monocromática. Una paleta monocromática se caracteriza simplemente por todos los colores en la pintura resultantes de un solo tono. Y como es sólo un solo tono, siempre es obvio en qué color se basa una paleta monocromática. Ahora, déjame mostrarte lo que no es una paleta monocromática si tomé aquí una de estas pinturas, convertí a escala de grises y luego añadí un filtro fotográfico en la parte superior para traer de vuelta en algún color. O sea, supongo que esto técnicamente es monocromático, pero este no es un buen ejemplo de lo que puede hacer una paleta monocromática. Esto para mí es escala de grises con un intento desesperado de color en la parte superior. Y eso es porque cuando pruebo los colores aquí, notan que todos parecen bloqueados al mismo nivel de saturación. Es como si hubiera un muro invisible ahí. La temperatura del color no está cambiando, lo que esencialmente significa que es una escala de grises glorificada. Si traemos de vuelta el cuadro original ahí en la parte superior, realmente podemos ver esos cambios de temperatura. Y lo que realmente es mágico de una paleta monocromática es que es fácil dar la ilusión de que hay otros colores en la pintura. Por ejemplo, las rocas de esta zona se ven muy terrestres, Tony, ¿no? Casi como un umber crudo o algo así, esos colores realmente leen como cálidos. Pero si muestro esa zona y elimino esa muestra del cuadro, efecto son azules, sólo un azul desaturado, que como recuerdas de un ejemplo de paleta de cortesía en el Capítulo 1, significa que ese color es moviéndose, en este caso, contra el azul más saturado de aquí. Ese azul menos saturado luce tanto más cálido, más cálido porque va hacia el gris, lo que efectivamente significa que va hacia el lado cálido de la rueda de color. Nuestro ojo registra ese movimiento y por lo tanto lo lee como cálido en este contexto. Y así es precisamente como puedes tener colores cálidos y fríos aunque toda tu paleta esté basada en el azul. Probaré esto yo mismo donde tomo la misma escena, pero en lugar de usar una paleta monocromática azul, usaré esta paleta monocromática roja. Lo primero que estoy haciendo es comenzar con un rojo muy intenso. Y ahora a medida que ajuste la temperatura del color, mira lo que estoy haciendo con la saturación, disminuyéndolo bien, moviéndolo hacia el gris, puedes empezar a aumentar ese rojo, esencialmente el más gris que vayas, el más empezará a parecer más fresco. Ahora, la frialdad máxima que puedo conseguir con esta paleta es 100% gris. Entonces lo que me gusta hacer es reservar eso para un poco más tarde en el cuadro cuando sé dónde podría querer usar eso, ya sabes, es como si no quisiera jugar mi mano completa todavía. Mantén unas cartas cerca del cofre, pero una tecla de color va rápida. He establecido mi gradiente general. El rojo más caliente está en el fondo. Entonces a medida que vamos al primer plano, se va a poner más frío y más frío rojo. Entonces tengo confianza ahora en disminuir esa saturación como lo estoy haciendo aquí y bloqueando en algunos de estos rojos verdaderamente más fríos. Y se puede ver donde estoy en el espectro de saturación, estoy cerca de gris. Es decir, ahora mismo estoy casi perfectamente gris. Y se puede ver que ese rojo se ve azulado. Nunca se verá azul, sólo azulado. O de nuevo, la mejor manera de decir que es que parecerá que hay calentamientos y enfrías. No importa cuáles sean los colores. El motivo por el que utilizarías una paleta monocromática es si quieres usar el sabor emocional de un color. Ahora bien, no me apego a ninguna ciencia en particular detrás de esto, pero generalmente leer está asociado con fuego o drama o peligro. Clave que estoy haciendo en este momento es sin duda se siente dramática para mí. A pesar de que es sólo un arroyo balbuceante. Se siente como si algo estuviera a punto de pasar aquí. El color sólo parece presagiar algún tipo de evento futuro. Entonces si estás contando una historia donde eso se ajuste a la narrativa, entonces tal vez una paleta de color rojo monocromático como esta es exactamente lo que necesitas. A lo mejor este palé no funcionaría tan bien para una apertura de Ana de Gables Verdes. En una nota técnica, algo que noté con las paletas monocromáticas es que el mayor cambio de temperatura parece ocurrir en los valores más oscuros. Al igual que si miras el primer plano, realmente me da sentido a los rojos cálidos y fríos en esas sombras oscuras en primer plano. Esos son valores oscuros ahí en el fondo donde los valores de la pieza son mucho más claros. Ir gris allá con esos valores de luz definitivamente sí agrega cálido versus fresco. Justo de acuerdo a mí, no parece que agregue tanto cuando los valores son más claros, los rojos más fríos aquí parecen salir más y los valores más oscuros. Y de igual manera, si se tratara de una pintura monocromática azul, los azules más cálidos saldrían en los azules más oscuros. Ahora, seré totalmente honesto. No puedo explicar por qué eso es, es sólo algo que noté visualmente. Y te animo a realizar algunos experimentos como este y a ver si llegas a las mismas conclusiones. El otro consejo que tengo al pintar en una paleta monocromática es asegura que tengas algún tipo de variación de temperatura en toda la imagen. Se puede tener un plan general. Por ejemplo, en esta pieza, hay más variación de temperatura en primer plano frente al fondo. No obstante, si miras el fondo, puedes ver que aún he salpicado en tan solo unos cuantos de esos rojos más fríos de ahí atrás. Esto solo asegura que la pieza nunca se estanque. Es decir, el color deja de moverse. Casi nunca quieres eso. Entonces aquí está mi estudio de paleta monocromática roja. Este lienzo se mantuvo muy pequeño por cierto, que es a la par para el curso con las teclas de color. Y es algo que realmente animé a dejarte enfocar en los trazos amplios literales. De acuerdo, el siguiente pellet del que queremos hablar, si solo usamos un color ahí para una paleta monocromática, vamos a expandir nuestros horizontes y usar alcantarilla tres colores. Ahora en el Capítulo 1, miramos una paleta complementaria que utiliza dos colores opuestos entre sí en la rueda de color. Esta vez, sin embargo, mantengamos nuestros colores al lado del otro. A esto se le llama paleta análoga. Paleta análoga simplemente significa que los colores utilizados están uno al lado del otro en la rueda de color. Ahora los colores vecinos que escojas pueden estar en cualquier lugar de la rueda de color. Pueden pasar de azules, morados, o rojos, dos amarillos. Pero sí recomiendo guardarlo a una pequeña rebanada de la rueda de color. Aquí está Norman Rockwell usando una paleta análoga. Lo que me encanta de este cuadro es que Rockwell anuncia los dos extremos de su paleta. Ahí está este amarillo saturado para el cielo y el rojo saturado para el pañuelo tiene cada color en la pintura encaja dentro de esos extremos. Ahora, su ropa luce bastante verde, que estaría más allá del amarillo. Pero al tomarlo, en realidad es solo una naranja ligeramente menos saturada. Esta es una de esas cosas que no es nada intuitiva. La identidad percibida de un color puede cambiar dependiendo del contexto en el que se encuentre. Y las paletas de las que estamos hablando son ese contexto, por ejemplo, aquí atrás, ese azul parecía cálido. ¿ Recuerdas? Pero si le meto ese azul a este cuadro, hace frío congelante. Eso es porque lo he quitado de su contexto. Entonces sobre el tema de los contextos, quiero mostrarles algo que sucede específicamente con alta saturación. Tengo esto muy alto saturado, amarillo brillante. Yo sólo lo voy a pintar en este lienzo de aquí, ¿verdad? Algo sucede cuando tienes un color saturado muy brillante en tu lienzo. Para empezar. He sobrecargado el amarillo de inmediato. Realmente no puedo ponerme más amarillo que esto, ¿verdad? Por lo que al segundo respaldo esto, incluso ligeramente gris y pongo esto en C, ese color debería lucir amarillo porque después de todo sigue siendo bastante amarillo, pero contra lo que es completamente ruidoso amarillo. Esto parece otra cosa. Esto casi parece verdoso o tal vez mayor de lo que realmente es, o más como un color umber o terroso, pesar de que es un amarillo bastante saturado. Entonces es como un color saturado brillante sesga tanto las conversaciones de color que magnifica los cambios de otros colores. Por ejemplo, si muevo este selector de color apenas un poco hacia abajo hacia el rojo y digo grado un poco. Esa es una naranja bastante brillante. Lo bajé aunque se ve rosado. Si me muevo a algo verdaderamente rosa como esto aquí arriba, tal vez grado off incluso hizo más. Mira esto, se ve morado. Y la razón por la que pasa es porque lo estamos comparando con ese amarillo súper ruidoso. Entonces nuevamente, esto es para mostrarte el impacto del contexto con esto en mente, empecemos el siguiente ejercicio. Porque el objetivo de nuestro estudio es capturar rápidamente el color. No me importa empezar trazando el dibujo y solo tengo a Photoshop que haga esto por mí. Duplicaré la capa, subiré a Filtrar, Estilizar, encontrar bordes, y Photoshop me da un dibujo de línea. Y aquí lo que haré es controlar a, controlar C, abrir un nuevo lienzo, pegado ahí y cambiar el tamaño de ese lienzo. Esto es demasiado grande para una llave de color o un estudio piloto. Es bajarlo a 700 píxeles de altura. Está bien, y ahora lo que puedo hacer es sólo D saturar esos colores porque no necesito que sean azules ni nada, y cambiar la capa para multiplicarse. Y ahora en una capa debajo, sólo puedo empezar a pintar. Y por supuesto con la referencia, me desharé de mi dibujo de línea y solo lo colocaré al lado de mi estudio. De acuerdo, Entonces mi ventana de Capa está fuera de pantalla porque solo voy a estar pintando en una capa. Lo primero que voy a hacer es bloquear en ese amarillo brillante extremadamente saturado, que proporcionará ese contexto como acabamos de ver para que cualquier otro color se relacione. Hay un poco de una transición naranja brillante aquí hasta ahora cuando los colores son vecinos así, realmente puedes ser generoso con mantener la saturación. No hay necesidad de vincularlos a través del gris. vinculan a través de ellos siendo vecinos en la rueda de color. Entonces simplemente ni siquiera pensaré en saturación, solo mantén la misma saturación y pon aquí esta cosa naranjada. A lo mejor un poco más rojo a medida que vamos. Estoy consciente de que puedo ir todo el camino hacia abajo. Entonces este rojo de aquí, mis rangos. Limitado a sobre eso en esta paleta análoga. Por cierto, cuando haces esta cosa Find Edges, Photoshop te da este molesto tipo de ruido a la pintura, al dibujo de líneas. Así que a veces simplemente saltaré a la ventana de Capas, empujo Control L para niveles y simplemente me deshago de algo de esto. No necesitas fidelidad en el dibujo de línea, ¿verdad? Puedo perder mucha de esta información. No importa. Estaré pintando sobre él de todos modos. Entonces algo así entonces volveré al segundo plano y seguiré trabajando. De acuerdo, entonces, ¿qué queremos hacer aquí? Pero recordando que los valores son realmente una gran parte de la pintura. Necesito meterme en algo básico de silueta. Y creo que una obvia sería esta roca gigante. Ahora, mirando eso y estoy siendo honesto contigo aquí, no sé de qué color es ese. Tengo que descubrirlo. Estoy bastante seguro de que no va a estar en el extremo amarillo, probablemente va a estar en algún lugar del medio y probablemente, obviamente más oscuro y algo tal vez un poco más desaturado puede haber algo ahí. Y de nuevo, ese color está bastante saturado con el que estoy pintando, pero se ve bastante desaturado junto a esos amarillos y rojos muy saturados. Necesito empezar a relacionar estos colores juntos. Recuerda todo el asunto sobre el contexto. este momento, apenas tengo contexto con el que trabajar. Yo lo estoy construyendo a medida que voy y luego puedo empezar a evaluar. Entonces por ejemplo, en contra de esto, ahora tal vez pueda intentar conseguir sus tonos de piel, que a mí me parecen posiblemente un poco más en el lado naranja y obviamente más ligeros, tal vez un poco menos saturados, tal vez algo así. Tenga en cuenta que son dos rosados. Debí haber esperado eso con una demostración que te acabo de mostrar hace un minuto. Cuanta más experiencia obtienes con el color, más podrás predecir cómo se verán ciertos colores. Pero es imposible tener un catálogo mental de cada relación de color. Solo hay millones de posibilidades, ¿verdad? Lo que quieres poder hacer es ajustarte a mí eso son dos rosados que se nota. Te puedo tal vez así después, pero quiero alejarme del rosa. Entonces volveré hacia el amarillo, quizá añada algo de saturación y tal vez algo así sea mejor. Creo que esto está más cerca y probablemente pueda empezar aquí. Y por cierto, no siento la necesidad de sacar las manos ni dibujar los brazos correctos ni nada por el estilo. Es un poco más oscuro con esto. Y consigue las siluetas aquí. Ahora el tono de la carne contra el cielo se ve demasiado gris, pesar de que no es gris en absoluto. Sólo está ahí. Mira lo genial que se ve en la pintura. Entonces lo voy a hacer un poco de arcos rojos. Ahí lo veo. Rhetor en la pintura saturada de ella, algo así. Y entonces una vez que tenga eso, quizá pueda espolvorear eso en los tonos de carne existentes aquí y acercarme un poco más al cuadro de Rockwell. Pero lo que es más importante, estoy empezando a armonizar estos colores porque estoy agregando un tipo de color que aparece en las zonas circundantes. Paletas análogas son paletas limitadas en general son muy buenas para esto porque solo tienes unos pocos colores para elegir. Por lo que inevitablemente estarás compartiendo colores lo largo de la pintura que crea armonía de color. Entonces cuanto más cerca esa naranja menos saturada, como he establecido, eso es un poco demasiado ligero, así que vamos un poco más oscuro, incluso un poco más oscuro que eso. Y es increíble cómo eso se ve verde. Puedo probar esto como cuáles son los parámetros de este verde como si lo hiciera más rojizo? ¿ Eso todavía se ve verde? Sepa que empieza a lucir roja. Entonces deshacer eso. Vuelve a donde estaba. ¿ Cómo lo haría si lo empujo más amarillo, qué aspecto tiene eso? Eso se ve aún más verde. Mira eso. Un amarillo ligeramente menos saturado se ve verde, lo cual tiene sentido porque el amarillo está más cerca del verde que las naranjas. Yo también podría, ya sabes, tengo mis dos verdes diferentes aquí. Siempre puedo probar este. Presione ligeramente en mi tableta y pruebe el resultado. De esa manera soy una especie de mezcla de color en el lienzo. Al igual que un pintor de aceite podría mezclar colores en tu paleta. Sí uso el botón de deshacer cuando pinto, pero muy raramente estoy apegado a él como solo deshago si no me gusta la forma que estoy haciendo. Rara vez deshago si no me gusta una elección de color. De hecho, casi animo a que los colores sean cotizados sin comillas equivocados, porque entonces solo puedes pintar sobre ellos. Y cuando pintas sobre colores, creas todos estos contextos interesantes e inesperados con él. De acuerdo, así que he agilizado el video sólo un poquito aquí, y estoy llenando todos los colores que van ahí. No estoy eligiendo realmente ningún color nuevo. Sólo estoy tomando muestras de las decisiones de ropa a las que ya llegué. Ponerlo ahí. Si un valor parece necesitar oscurecimiento, simplemente lo oscureceré sin pensar demasiado en el cambio de color. Este valor aquí en el suyo, su ropa necesitaba aligerarse un poco. El silueta de la roca. Se lee más claro sobre la roca más oscura. Por lo que subo un poco el valor. Obviamente su cabello se oscurece, y le estoy agregando un poco de rojo al cabello para que parezca más marrón. Sabiendo que tengo un poco más de una lectura extrema a la que llegar por el pañuelo, que estoy haciendo aquí mismo. Entonces estoy básicamente ahora he puesto en los dos extremos, mi paleta análoga, que es algo que sí recomiendo cuando tienes una paleta análoga y sabes cuáles son tus dos extremos, que deberías tener una idea de entrar en ella. Intenta conseguir esos extremos en el lienzo tan pronto como puedas. Además de los extremos, intenta conseguir unos colores intermediarios como su ropa y la roca ahí. De esa forma comienzas a establecer una idea visual de lo que está haciendo tu contexto de color. Ya sabes, lo que lee su carne en este contexto, lo que lee como ropa verde oscuro, lo que lee su cabello, etc. Ahora en este punto de la pintura, simplemente eliminaré por completo el dibujo de línea, solo me deshago de él. No hace falta ser literal con estos, y yo solo seguiré trabajando desde aquí. Por ejemplo, esa roca necesita ser más oscura. Entonces en lugar de carne como pasear por ahí y escoger un color y probarlo, solo haré algo como esto. Tengo aquí un pincel que está configurado para multiplicar el modo. Este cepillo viene con mi paquete de pinceles incluido en este curso, pero es solo un cepillo redondo predeterminado regular con qué borde está encendido, configurado para multiplicar modo. La roca se ve más roja, así que arrástrela hasta el rojo. Y este es un pincel de multiplicación. Escogeré un color más claro. Y solo pondré a trabajar este pincel. A lo mejor un poco más oscuro que eso y oscurecer esta roca hacia la lectura. En realidad no me importa cuál sea el color resultante. Solo lo estoy evaluando visualmente. Es decir, no me importa qué pixel sea. Yo lo estoy mirando visualmente. Tiene que ser aún más oscuro aquí donde se vuelcan los planos de la roca. Entonces bloquearé eso. Y ya no me importa el dibujo exacto, pero ciertamente no voy a intentar copiar todos los pequeños rincones y hendiduras de esta cara de roca. No importa. Eso importaría si estuviera haciendo un cuadro final real, pero no en un estudio de paleta de colores, te das cuenta que ni siquiera tengo al perro bloqueado todavía, pero va a estar claro sobre lo oscuro de aquí. Por lo que establecer estos oscuros servirá para dos propósitos. También podría con mi mismo brocha multiplicar quizá subir a un amarillo y glasear algo de este color en la roca. Sé que funcionará en contexto porque estoy dentro de mi paleta análoga. Nuevamente, esa es la parte bonita de las paletas limitadas. Es menos oportunidad para que arruines porque solo tienes tantas opciones. La armonía de color generalmente se establece cuando se tienen tonalidades similares que aparecen en diferentes saturaciones a lo largo de la pintura. Por lo que trabajar con una paleta limitada, como esta paleta análoga aquí, va a ser más fácil para ti porque los tonos ya están predeterminados. Es mucho más fácil tenerlos armonizados cuando solo estás lidiando con unos pocos. Y esto es todo solo con mi brocha de multiplicación. Me di cuenta de los valores más oscuros ahí. Puedo experimentar con rojos más oscuros. A lo mejor incluso voy a ir todo el camino hasta mi rojo extremo aquí y empezar a añadir que como un oscuro tal vez como debajo de su cara es el sombrero puede ir un poco más oscuro. Lo bonito del pincel multiplicado es que mantiene la integridad del color que ya tienes ahí. Entonces ya sabes, podría lanzar todo el cuadro un poco más rojo así y mirar, funciona. Es sólo un poco más rojo, pero dentro de las mismas relaciones que ya he establecido. Entonces sí me gusta pintar en modo multiplicar. Eso sin duda está influenciado por mi entrenamiento en acuarela. Si alguno de ustedes ha usado alguna vez la acuarela, ya sabes, es básicamente como pintar sobre una capa multiplicada en digital. Es decir, los colores que pones hacen que el papel se oscurezca constantemente. Y tendieron hacia un color. Entonces a modo de agregar estos diferentes colores por modo multiplicar, también estoy expandiendo mi paleta poco fuera para llenar los extremos que ya he establecido, sus ejércitos para oscurecerse aquí, me quedaré en multiplicar modo y sólo una especie de conseguir esto en poca sombra bajo el sombrero. A lo mejor retrocede el rojo, consigue un intermediario, naranja. Están como en medio de mis dos extremos y oscuros y por el pecho bajo la manga. Y lo que es tan importante aquí, lo que quiero enfatizar es que no soy particular sobre qué color estoy escogiendo. No tanto como estoy obsesionada por solo evaluar visualmente cómo se ve en la pintura. Creo que demasiados pintores digitales quedan atrapados en el hecho de que puedes escoger cada color individual. Y sé por mi propia experiencia docente, recibo muchas preguntas de los estudiantes diciendo como, ¿cómo sabes de qué color elegir? Y si bien esa es una pregunta justa, te estoy animando a replantearla aquí. Siempre te interesan más los contextos. Por lo que aprender sobre estas paletas te dará un buen punto de partida en cuanto a qué contextos podrías estar trabajando. Estableciendo tus dos extremos de color en este caso, y trabajando dentro de ellos. Hicimos lo mismo con la paleta de cortesía del Capítulo 1. Teníamos en mente nuestros extremos. En ese caso, eran opuestos en la rueda de color y trabajamos dentro de ellos llenando los espacios en blanco. Esto no es diferente. Simplemente mis extremos son diferentes. Entonces déjame hacer una pausa rápida de la pintura y ampliar sobre eso. Cuando estábamos trabajando en nuestra paleta complementaria, digamos esto versus aquello, teníamos esos dos extremos y llenamos los espacios en blanco. Pero en ese caso, los espacios en blanco no eran todos estos matices. El blanco pasaba por gris y volvía a morado, ¿verdad? Ese fue el relleno del blanco en este cuadro. Es la, es más una cosa de tonalidad llenando los Hughes de aquí para aquí. Ahora hasta ahora no hemos sido realmente demasiado aventureros con los grises y de hecho hasta el cuadro de Rockwell, no hay demasiados súper pastos ahí dentro, pero mira lo que podemos hacer. Digamos que estoy mirando esta roca y estoy como, sí, es, está leyendo en general marrón, quiero que ese color se mueva más. Bueno, mientras esté en mis tonalidades aquí, siempre puedo gris esto y tratarlo como la paleta monocromática donde solo agarraré un pincel y puedo poner en este mucho más fresco, rojo anaranjado, cualquiera que sea el color que sea este. Y, ya sabes, empieza a parecer azulado. Ahora, el cuadro de Rockwell realmente no tiene eso. Bueno, como que sí, pero es más oscuro. Es un poco que tiene estos pequeños casi frescos o pasajes aquí. Y entonces puedo empezar a encontrar ahora con el uso de grises dentro de mis colores análogos. Entonces esto es como la paleta monocromática se acaba de ampliar porque tengo más tonalidades a las que acceder. Pero dentro de cualquiera de esos tonalidades, tengo derechos plenos para entrar en estos grises y ver qué pueden hacer por mí que pueden hacer esto con cualquier cosa que pueda recoger la ropa, ¿no? Diga bien, está ahí. A ver qué pasa si realmente nos grande fuera y por lo tanto refrigerante. Y mira eso. Parece que hay una luz azul del cielo brillando hacia abajo. En realidad no está en el cuadro de Rockwell. Se ha frenado de usar eso. Pero antes que nada, esto funciona porque está en contexto. Está dentro de mi paleta. Y podría querer usarlo y sentirme libre cuando estás haciendo estos estudios clave de color, por cierto, para experimentar más allá de lo que estaba haciendo el original. Rockwell es un pintor fantástico, pero lo es, estas son solo las elecciones que tomó en este cuadro. Esto no quiere decir que no se pueda experimentar con otras opciones potenciales. De hecho, se alienta que lo hagas porque entonces puedes entender no sólo lo que Rockwell está haciendo aquí o el artista que estás estudiando, sino también qué más pudo haber sido posible para esa pieza. Me encanta cavar en los cuadernos de bocetos de artistas, sus estudios para pinturas, porque a menudo sí exploran diferentes opciones para paletas de colores. Esa es una gran artista como explorar es diferentes opciones para paletas de colores. Y sí, muy a menudo se ven tratamientos totalmente diferentes para pinturas. Entonces aquí mismo, como su ala de la cabeza como esta pequeña rosa, tono durazno en ella y ver si puedo encontrar que es un enfriador, refrigerador rojo porque va hacia el gris. Y solo puedes empezar a golpear los mejores aviones, ya sabes, tal vez los aviones boca arriba con este rojo más frío mientras estoy aquí. Me pregunto cómo se ve incluso en la carne que está demasiado oscuro si lo aligero. Esto es interesante. Empezando a desviarse un poco del original, lo cual está bien de nuevo, pero tal vez lo mantengamos un poco más honesto en este caso sólo con fines de demostración, pero de nuevo, totalmente alentado a ir más allá para probar algo distinto de lo que está haciendo el artista, tal vez inspirado por los artistas. Ya sabes, el avión de la mano gira ahí. De verdad se puede ver que esta pintura se está uniendo. Si quisiera poner algo de textura en esta roca, puedo conseguir como un pincel de puntos y simplemente una especie de dispersión en alguna textura y luego tener que me inspiran a bucles, no puedo conseguir ese color. Estoy tan acostumbrado a pintar con boletas completas que solo voy automáticamente a lo contrario. Pero ahora vamos a contenerlo de nuevo aquí. Esa roca que alguna vez fue tal vez para Brown ahora está empezando a tener alguna buena variedad para ella. Y por supuesto, para evitar que yo haga demasiada variedad, me puedo traer de vuelta a esas naranjas rojas más cálidas y simplemente construir ese color backends. Entonces color siempre eres, siempre es como un tipo de juego push and pull. Empuja por ahí, tira, ya sabes, introduce algunos grises, trae de vuelta algunos calentadores, introduce algunos más lo enfría, y solo sigue empujándolo y tirando hasta que tengas una declaración agradable. Y con eso me refiero a alguna variedad agradable a ella, alguna variedad tal vez inesperada. Aquí es donde el cielo está bajando y apenas golpeando a estos pequeños planos superiores de la roca. Y este es un pequeño ejercicio agradable en variedades de marca y forma y solo tratando de hacer marcas no repetitivas aquí en las que los buenos artistas son tan buenos. Eso es algo de diseño sin embargo. Esta clase no se trata realmente de diseño. Se trata de diseño de color, supongo, pero no necesariamente como el diseño compositivo. Eso es todo otro tema. El arte tiene tantos subtemas que todos se conectan vía los mismos principios. Pero sí merecen ser estudiados por separado. Es por ello que trato de aislar mis clases y tratar un poco con lo fundamental por separado. Los reflejos pueden ser solo cualquier cosa en los amarillos realmente porque es un punto culminante es un reflejo de la fuente de luz. Por lo que el poco destacado en su rodilla está reflejando la fuente de luz, que es el cielo amarillo. Supongo que eso es importante señalar aquí no hay luz directa sobre estos personajes. En esencia, aquí no hay luz de matón. Sólo hay esta suave luz ambiental bajando del cielo. Y porque ese cielo es tan amarillo y naranja, eso explica la utilidad de esta paleta. Si el cielo es la fuente de luz y este tipo es amarillo brillante, naranja, bien podría hacer todos los demás colores en la pintura vecinos de eso. Ahora en cuanto al estado de ánimo que estamos saliendo de esto, Eso es muy abstracto y no quiero estar aquí como diciendo como, Oh, amarillos es igual a felicidad y infancia y rojos iguala Fuego y furia. A pesar de que sugerí que antes, rojo también es bastante común, que asociamos con ciertos estados de ánimo, pero no todos los colores tienen eso, ya sabes, cuando estoy pintando un poco lo último que estoy pensando es como, qué estado de ánimo se asocia un cierto color. Simplemente trato de sentirlo yo mismo. Como solo sentirlo en tus huesos. Es una de esas cosas son artsy, zorros que no es realmente cuantificable. Al igual que alguna vez tuve un cliente, estaba haciendo una pintura de fondo para o para algún espectáculo animado. Y pinté las paredes como este verde lima apagada, que me quedaba bien. Pero el cliente regresó y dijo que el color era deprimente. Esa fue la palabra que usó era deprimente. Y me amaneció entonces esto es de vuelta en como 2004, Uno de mis primeros trabajos de la historia y me amaneció entonces como, oh, ya sabes, la gente tendrá sus propias asociaciones personales con color. Puede que no sean los mismos que yo tengo. Y eso es cierto con cualquier color en el espectro. Entonces creo que es útil a la hora de pintar darte tantas opciones como puedas como estés explorando estas teclas de color. Es decir, haz uno así con una paleta análoga de amarillos, dos rojos. Prueba lo mismo donde está lanzada, como tal vez vas a ir de naranja a la intro de verde aquí. A lo mejor prueba uno aquí donde es como blues a turquesa o algo así. Y definitivamente vamos a jugar con eso próximo en este capítulo. La misma escena en dos claves diferentes. Intentaremos eso como otro ejercicio. En cuanto por ahora aunque, esta pintura se ve bien, casi terminamos con el estudio. De hecho, podría simplemente acelerarlo, que acabo de empezar a hacer. Y sólo hablaré de lo que está pasando por los cuatro minutos restantes de esto. Lo primero que quiero señalar es no sentir la necesidad de renderizar caras ni nada por el estilo. Cualquier cosa detallada como manos o caras o pelo de perro. Ignora todo eso, simplemente bloquearlo como aviones grandes, bloques grandes. Te das cuenta del personaje principal ahí. Parece que tiene como sólo una cara plana. Pondré una sugerencia de algunos aviones de la cabeza ahí dentro, pero nada mucho. Intentas capturar perspectiva, supongo que aquí viene el perro, por cierto, veamos cómo simplemente se va a pintar esto. Yo en su mayoría sólo estoy tratando de captar el contraste de ese perro. Luz sobre oscuridad. El perro es ligero sobre la roca oscura. Y el chico que está sosteniendo al perro tiene algo de carne de color claro sobre la roca oscura. Y si se ve algo remotamente como un perro, eso está bien. No tiene que ser completamente renderizado. Esa es la razón por la que el Lienzo es tan pequeño. Realmente no me deja entrar ahí y renderizar completamente las cosas. Aquí. Solo estoy tratando de encontrar algunos tal vez algunos otros acentos de color. Cuando digo acentos, quiero decir, ¿ como cuáles son los colores más saturados? Empezamos con el amarillo, y ya he hablado de cómo el rojo está igualmente saturado. Esos son tus dos extremos. Pero hay algunas otras áreas de la pintura que tienen algunas, ya sabes, algunas naranjas miran las correas en sus bolsas son algunas naranjas que un poco salen y solo pequeñas cosas aquí y allá que si les das ese poco empuje y saturación, van a salir justo ese poquito y lo intentas usar con moderación. Pero está ahí. Yo sólo estoy mirando la roca en el estudio aquí, y estoy realmente disfrutando de cuántos pequeños turnos hay ahí dentro. Y nunca me sentí realmente como si alguna vez estuviera clavando eso totalmente. Acabo de empujar y jalar, como estaba mencionando antes, el transcurso de varios pases diferentes. No intenté cubrir la roca todo de una sola pasada. Al principio sólo estaba cubierto. Estaba cubierto con un color genérico. Pero luego a lo largo del estudio, me reventaría en ello. Agregar un poco de gris es traer de vuelta algunos rojos y naranjas y oscurecerlo, lo que sea. Y en este punto, ahora que he ido por encima, di esa roca como cuatro o cinco veces, en realidad no le tiene bonita pequeña declaración de variedad. Hay algo al respecto que se ve agradable y honestamente tiza mucho de ello hasta felices accidentes, cosas que he descubierto mientras pintaba esta escena. No importa cuánto del color, ya sabes, siempre vas a poder sorprenderte con cómo ve un color en el contexto de tu paleta en la que estás trabajando. Llevo haciendo color desde profesionalmente, ya que 2 mil para mi primer trabajo fue pintor de fondo en 2000 durante casi 20 años después, todavía me sorprende que como algunos colores se ven contra otros colores que nunca termina. Lo cual es emocionante. Es prueba para mí que elegí el camino de carrera correcto porque siempre estoy, siempre siento que hay una sorpresa a la espera de ser tenida. Ahora, a pesar de que toda esta charla feliz accidente, tienes que instalarte dentro de un marco para que tus felices accidentes tengan sentido. Y ahí es donde entran las paletas una vez que tienes las restricciones, ya sabes, las restricciones que imponen las paletas, eso es lo que hacen las paletas te limitan. Dentro de ese cercado en marco, es más probable que se quede dentro de una estructura y eso es lo que hace que las cosas funcionen, es la estructura. Por eso generalmente nunca se ven avances artísticos como el dibujo de un niño porque simplemente no hay estructura. Están teniendo una niñita yo mismo. Creo que el arte infantil es bonito por diferentes razones, pero la estructura definitivamente no es una de ellas. Y si tu objetivo es ser un artista profesional en la industria del entretenimiento, ya sabes, películas, libros, juegos, etcétera. Realmente cualquier cosa que hagas se reduce a estructurar. Podría ser dibujo de gestos, anatomía, perspectiva, diseño de entorno, o paletas de colores como aquí, hay una estructura detrás de cada disciplina de arte y está bien, aquí está el resultado de nuestra paleta análoga. Es una bonita foto. Y solo piensa que ahora tienes una paleta que puedes probar en cualquier imagen que hagas. Muy bien, entonces ahora que tenemos una idea de cómo operar dentro de paletas limitadas, Echemos un vistazo a algunas otras paletas limitadas comunes y luego veamos pinturas que las usan de manera muy efectiva. Por supuesto, comenzaremos por mirar la rueda a todo color y cada una de las siguientes paletas va a limitar esta rueda de color de diferentes maneras. Ya sabes, tal vez deberíamos empezar con algunos ejemplos más de paletas análogas. Aquí hay otra paleta análoga de Paula. Lo mismo. Ahora éste obviamente utiliza un conjunto de colores diferente. Va de un poco cálido como amarillos a los verdes fríos medianos. Y lo que me gusta de esto, parece tener una jerarquía como la luz se asigna a los amarillos más cálidos y las sombras como lo que está por delante se asignan a los verdes más fríos. Por lo que Paula cuerdo ha logrado un sistema muy lógico de cálido a enfriar. Otro aquí de Paul está diciendo que utiliza esta gama de la rueda de color. Y por supuesto que está representando un lugar literalmente frío. Entonces sólo tiene sentido usar colores que consideramos que son realmente fríos, ¿verdad? Elección muy lógica. Otro por dados para demandarme. Este utiliza una gama más amplia de la rueda de color, pero todos los colores siguen siendo análogos. Todos siguen siendo vecinos. Volvamos a la buena y vieja paleta de cortesía y echemos un vistazo a algunos ejemplos de eso. Ahora el reto con una paleta de cortesía es de repente estamos lidiando con dos espectro opuesto a la rueda de color. Entonces lo que eso significa es el peligro es que podemos emocionarnos excesivamente con ambos extremos opuestos y tipo de empuje ambos al extremo. Por lo general no quieres hacer esto. Por lo general lo que quieres hacer es escoger un color dominante. Al igual que por ejemplo, tal vez sea el color de la luz, permita que eso se sature. Y luego en la sombra estás usando el complemento, pero estás usando como una versión gris del mismo o simplemente lo contrario. Estás usando la versión saturada del color en la sombra y una versión más baja de grado a la luz. Esta clave de color por Bill cone es un excelente ejemplo. Está usando el lado turquesa del azul y luego el opuesto directo de eso, que es el rojo que está en el extremo cálido del espectro. Y notarás que el azul es el color que cono de factura ha permitido llegar a ser muy saturado. Y luego por el contrario, no necesita usar tanto de su rojo. Él puede mantener esos rojos con bastante grado hacia abajo, sin embargo todavía leen como tan cálidos porque todavía hay una brecha extrema entre estos dos colores. Este de Paul el mismo utiliza un clásico emparejamiento de complementarios, que son los amarillos naranjados y los azules púrpura. Esto es una especie de clásico porque el sol de la mañana es categóricamente ese color y por lo tanto las sombras son un poco categóricamente este azul púrpura. Por lo que usar esto como casi una forma de garantizar que tus temperaturas de color se van a alinear con cómo se ve la vida real. Y en este, similar al de cono de pico, Son las sombras las que se están favoreciendo en los morados se están saturando más que las naranjas. Y logra una especie de equilibrado de esa manera. Esta de Dominique Louis es la misma paleta es la pintura de cono de pico picando azules turquesa contra rojos de grado abajo. Y les estoy mostrando esto para señalar que el tema es completamente diferente, pero eso ni siquiera importa. Puedes aplicar estas paletas a literalmente cualquier cosa. Aquí hay uno con exactamente el mismo pellet otra vez, éste de Nathan gente para Shrek. Por supuesto, estamos de noche aquí y la noche y el cine se renderiza clásicamente con una especie de este azul turquesa profundo. Y luego se nota por la luz, Es el lado opuesto de la rueda de color. Está usando ese color rojo y realmente logra el objetivo de hacer que esos colores cálidos en realidad se sientan bastante cálidos y acogedores mientras salen contra esos azules más fríos. Notarás en este, ambos lados del espectro están igualmente saturados. Pero también notarás que para recuperar eso, gente de Nathan ha sido muy selectiva con donde pone ese rojo. Son sólo unos cuantos spots en la pintura. La paleta complementaria dividida es igual que la paleta complementaria con una capa más. En primer lugar, escoges tu color dominante, pero en lugar de tomar el cumplido directo como tu color secundario, lo divides y usas a los dos vecinos en su lugar. Y la configuración que te estoy mostrando aquí mismo es ideal para renderizar escenas iluminadas por el sol. Esta es una paleta complementaria dividida. Observe que los colores iluminados por el sol son todos homogenizar a ese color cálido. Y luego por contraste, las sombras se dividen en dos en el medio suelo y algunas del primer plano tenemos una influencia más púrpura a la sombra, y luego en el fondo tenemos una influencia más turquesa influenciada a las sombras. Ahora mencioné esta paleta es útil porque imita cómo funciona la vida real. Se puede ver en esta foto del Gran Cañón, es totalmente cierto que las sombras y el primer plano están más influenciados por el lado púrpura del azul. Entonces en el fondo se desvanece a más del azul turquesa. Esta pintura de Edgar pain es también una paleta complementaria dividida, pero está volteada. Hay dos colores en la luz y sólo uno en la sombra. Tiene un cálido amarillento para las partes más brillantes de la luz. Y luego donde esa roca se convierte en medio tono, La está oscureciendo y se pone un poco más roja. 13. Dos pinturas, dos Paintings, paleta: Lo primero que voy a empezar a hacer es poner esos colores que dije que iba a usar en este cuadro, especie de mezcolanza, un gran lío de ellos, manteniéndolos bastante ligeros. Porque esta pintura, quiero que esta pintura se sienta bastante ligera. Entonces bien podría empezar por ahí. Y entonces aquí sólo estoy desbaste en un dibujo. Podría haber hecho mi cosa de Photoshop find edges, pero solo por el bien del cambio, aquí hay un dibujo de mano real y no es bonito, pero va a hacer el trabajo para un bloqueo de teclas de color en el fondo aquí. Y como pueden ver, ya estoy consiguiendo que ese color se mueva. Hablamos de seguir pensando en valor primero y que fondo siendo un poco más oscuro va a ayudar a esos personajes a leer. La luz sobre la oscuridad en realidad podría cambiar eso más adelante. Podría bisectarlo consiguiendo luces más claras que el fondo y luego sombras más oscuras, pero ya veremos a dónde va. Bloqueando cosas en. Yo como que escojo las cosas fáciles primero, selecciono un árbol oscuro. Acento oscuro para el túnel es conseguir algunos valores en que me van a ayudar a calibrar lo que hay en el medio. Ya sabes, por ejemplo, lo que voy a hacer ahora es bloquear la luz del personaje, del personaje monstruo. Y esta es la luz más ligera del cuadro. Entonces sé que mientras sea muy ligero, es probable que lo haga bien. Entonces a partir de ahí puedo medir lo oscuras que quiero las sombras. Ahora una de las formas de hacer que un cuadro se vea muy luminoso y brillante es elevar el valor de tus sombras. Y en realidad hay un nombre para esto. Se llama llave alta. Y la clave no se refiere al color, se refiere al valor igual que se puede establecer una clave y color. Y en la música se puede establecer una clave y valor 2. Por lo que una clave de alto valor hace que las sombras sean más claras y también las luces más ligeras. Entonces de todos modos, que se puede ver al personaje monstruo, pesar de que en su mayoría está en la sombra. Esa sombra es muy, muy brillante y ligera en valor. Y luego las luces o incluso más tarde, por supuesto, especie de sobreexposición acercándose, simplemente todavía un poco más controlado que eso. No lo estoy volando a blanco. Todavía me quedo con ese amarillo limón ahí. Y ese amarillo limón viene del matón, que es el sol. Y he coloreado ese sol limón amarillo. Entonces cualquier cosa que sea sol golpea, no me importa cuál sea el material, va a ser ese amarillo limón. Por eso es el color dominante en la escena o uno de ellos, porque es de la fuente de luz principal. Tan prudente en cuanto al valor, estoy usando el fondo como una especie de valor medio oscuro. Entonces con el puente y el monstruo ahí, las luces serán más claras que el fondo y sus oscuros serán más oscuros que el fondo. Lo divide. Pero volviendo a toda la idea de las paletas de color, se puede ver que tengo las luces amarillas dominantes de las que ya he hablado, y también tengo ese fondo azul ahí dentro. Ambos colores están bastante igualmente saturados y sí, sobresalen como los dos colores dominantes en la escena. Ahí hay rojos, como se puede ver, no hablar de la línea dibujando rojo. Hablo de que el puente es rojo grisáceo, pero ese es el punto. Se mantienen en los grises. En lo que respecta a los morados, todavía no hay muchos de esos ahí dentro, aunque probablemente vengan a medida que empiezo a agregar más color al puente como estoy empezando a hacer ahora. Ya veremos cómo se da forma eso. Pero si está bien, si ese morado termina siendo gris realmente sometido, eso está bien. Es decir, ya tengo otros tres colores. Eso es más que suficiente. Ahora, hay un poco de color extra astuto en esta escena, claro, el verde, ese monstruo es verde brillante. Entonces, ¿cómo trato eso? Lo que no quiero hacer es introducir otro color dominante, pero afortunadamente no tengo que hacerlo. Aquí está mi pequeña paleta otra vez. El color verde, por supuesto, se sienta justo en el medio entre el amarillo y el azul. Lo que eso me permite hacer es aire del lado amarillo del verde para las luces. Claramente me puedes ver haciendo eso con esos amarillos limón en el lado claro de los monstruos y luego aire en el lado azul del verde para las sombras. Y si quiero colarme en ese verde intermedio, ese verde puro que ves en mi paleta ahí. Yo puedo hacer eso un poquito. Hay algunos de esos greens en los monstruos parques frontales inferiores y un poco en la hierba. Pero incluso esa hierba, si miras el cuadro original ahí, las sombras del pasto o verdes azulados y las luces del pasto o verdes amarillentos. Por lo que todavía siento que la pintura está guiada por esos cuatro colores. Para los colores, sin embargo, sigue siendo bastante. Es decir, hay un poco de colores de las cuatro esquinas de la rueda de color. Y lo que hay que hacer para manejar eso, por supuesto, es asegurarse de que todos esos colores aparezcan, no sólo en sus puntos saturados. Entonces ya he hablado de, ya sabes, a diversos grados de saturación, pero también necesitan presentarse en sus formas grises. Eso es lo que armoniza el color, es que los colores en tu pintura apareciendo en grises. Y donde creo que todos esos grises se congregan en este cuadro es ese puente, que tiene sentido porque el puente retoma como dos tercios del cuadro. Entonces para mí, ahí es donde deberían juntarse todos los colores. No necesariamente necesitas pastar de todos los colores en todas partes. Eso puede empezar quizá a parecer un poco desesperado, pero asegúrate de que sí aparezcan en grandes partes de la imagen. Ese es mi consejo general para lograr la armonía de color. Asegurarse de que esos grises sí aparezcan en partes de la imagen que son, digamos, lo suficientemente abundantes como para ser perceptibles, no tiene que estar en todas partes, solo suficientes lugares. Por lo que ahora mismo estoy metiendo unos rojos ligeramente más saturados en el cuadro. Nada demasiado saturado aunque, nada que distraiga del, esos amarillos y azules. Pero algunos rojos que siento podrían soportar estar un poco más saturados, apareciendo contra las versiones grisáceas del rojo que ya existen en el cuadro. ese puente hay un montón de rojos grisáceos, unos menos en la hierba y los árboles. Entonces, solo juguemos un poquito con eso y tomemos algunas notas de rojo saturado. Pero de nuevo, nada que realmente distraiga del amarillo y el azul esperemos. Así que sólo un poco dándole vueltas. Y aquí acabo de tener un Pincel Dodge Linear o un pincel de resplandor y poner más luz. Y luego al igual que lo hice con esos rojos hace el segundo, voy a tomar esos verdes azulados y pimienta en porciones ligeramente más saturadas a través del puente también. De nuevo, para ayudar a llevar ese color a través. Y ahí está nuestra llave final. Está bien, así que sigamos adelante con este ejercicio y relacionemos la escena y recolorearla clave. Voy a cambiar esto en una paleta análoga nocturna. Bloquear en algunos colores, por supuesto, Knight va a ser más oscuro. Eso es lo principal de la noche. Y es una especie de estereotipo. Pero la noche tiende a entrar en estos azules más fríos. Y como estamos pintando una escena de dibujos animados, exageremos eso con algunos azules saturados reales. Y, ya sabes, creo que la noche real no sería la saturada. Es muy grado porque el color desaparece en la noche en su mayor parte. Pero en una, en una noche de realismo mágico de otro mundo, vamos a empujar realmente algunos de estos colores fríos. Entonces esta va a ser la luz de la luna que viene de fuera de marco. Voy a pegarle. Voy a golpear a los personajes desde el mismo ángulo porque creo que eso realmente funciona para la composición. Pero hagamos que todo sea justo esta vida fresca que veamos se va a bañar con luz fría. Por lo que ya estoy tratando de determinar los límites de mi paleta análoga aquí, actualmente quedándome dentro de la familia azul y simplemente sondeando hacia afuera desde ahí. Por lo que voy a tener un poco de violeta, como pueden ver, sobre todo en las sombras más oscuras porque era violencia local, más cálido en comparación con la turquesa es. Pero sí, sólo para que quede claro, esta es la paleta con la que estoy trabajando, la paleta análoga, estos grupos generales de color todos vecinos unidos entre sí en la rueda de color. Voy a tratar de lograr todos mis calentamientos y enfrías con blues. Por lo que puedes ver ahora mismo, tengo grados relativos de cálido y fresco en el cuadro ya, pero todo está logrado en el blues. De acuerdo, Entonces una de las cosas que hace que el tiro parezca más mágico es ver cómo el horizonte no es sólo oscuro. Va de un azul oscuro arriba a como un púrpura más claro a medida que se acerca el horizonte. Esa es una especie de forma de conseguir este efecto de otro mundo porque quiero decir, eso realmente no sucede en la noche, pero estoy exagerando. Estoy inventando un color interesante para que, eso es algo que puedes hacer es tener este horizonte más claro incluso por la noche. Y me gusta entrar mucho en los morados, tratar de encontrar un color local para el pasto. Voy a cambiar eso a medida que voy. Se ve demasiado azul ahora mismo. Cámbialo. Entrar en el agua, sólo meterse en ese valor oscuro, sólo, sólo para que mi cuadro quede cubierto de valores. Y eso me ayuda a evaluar el color a partir de ahí, porque el valor siempre es primero ¿verdad? Aquí está el, aquí está el tipo correcto de color para el verde es, como se puede ver, era una especie de grado abajo azul turquesa que se ve verde. Y al igual que con el estudio de Rockwell, Eso es algo que tenía que descubrir. No sabía instintivamente que eso se vería verde. Tenía un indicio pero tenía que probarlo y me viste hacer un giro equivocado y luego corregirlo. Entonces en un nivel de dirección de arte porque esto es luz de luna ahora quiero restringir la luz sólo a la esquina superior de los personajes ahí. En tanto que en la otra clave, la luz se dispersó de manera más uniforme. En este, lo quiero realmente centralizado en los personajes. Para que veas lo que estoy construyendo ahora. Yo estoy construyendo ese tipo de relación de iluminación. La luz está sobre todo en los personajes y todo lo demás. Tipo de fago más oscuro y más oscuro cuanto más lejos vas de los personajes. Y la estrategia de color entonces es concentrar la saturación más alta cerca de la luz y tenerla gris fuera de la luz. Por lo que meterse en un poco de calor, se calienta a modo de morados. De nuevo, este morado se vería realmente llamado en el cuadro de la izquierda. Pero en este cuadro, este morado es un poco lo más cálido que tengo. Por lo que meter morados, en los acentos oscuros y también la piel del personaje chico va a ser morado y este tipo de luz que va en contra de lo más cercano a leer y tonos de piel siendo ese tono rojizo es va a conseguir ese morado ¿verdad? La pintura es en realidad más fácil de hacer porque tengo menos colores para elegir, así que menos oportunidad de joderla. Así es como lo veo de todos modos. Me encanta jugar con estas paletas para ver qué tipo de decisiones te obligan. Más acentos oscuros, sacando un rastrillo un poco de pincel para solo hacer diferentes tipos de marcas. Esa es la otra cosa que mantiene viva tu pintura. Y vamos a hablar de eso en la semana número siete. Pero sólo diferentes tipos de marcas, no siempre usando el mismo pincel. Y lo haré también en los medios tradicionales. Por cierto, tendré diferentes pinceles que hacen diferentes marcas. Tengo como cepillos de aire y diferentes tipos de cepillos para el cabello y cepillos suaves y cepillos duros, cerdas y uso mis dedos a veces cualquier cosa a cualquier cosa para variar hasta esa marca. Entonces desde aquí estoy trabajando en el puente igual que lo hice la última vez, consiguiendo algunos más calentamientos y enfrías y más variedad ahí dentro. Y también soy muy conociente de los ladrillos reales que hay en ese puente tratando de conseguir algunos de los similares en este momento, esas formas keystone, estoy tratando de conseguir que esos salgan solo para implicar que este puente está hecho de piedras. Nuevamente, sin ponerse pedante y mostrarle al espectador cada piedra con líneas duras, esa no es una buena manera de pintar, conseguir un poco de luz en esa hierba y esto es lo más cerca que voy a llegar al verde. Ya ves donde mi rueda de color sigue en el azul turquesa, pero se ve muy verde en ese contexto. Y trabajando de nuevo en el puente y te das cuenta chicos, que salto por todo el lugar. Eso es porque siento que pintar es un gran acto de equilibrio. Entonces al segundo estoy trabajando en el fondo del cuadro. el siguiente segundo estoy trabajando camino arriba en la cima para lograr ese tipo de equilibrio. No quiero tener visión de túnel. Poner algunas estrellas en segundo plano sólo para ayudar al realismo mágico de la pieza. No hay manera de que esas estrellas se vieran a través de todo ese follaje. Pero, ya sabes, yo sólo estoy tratando de ser inventiva aquí. Estas llaves de colores o un lugar para jugar. Ahí, solo te llevan 20 minutos. Ahí hay un pincel de resplandor. Tengo aerógrafo set a Linear Dodge y acabo cepillado en algún ligero color brillante y eso realmente ayuda. Cualquier sentido de realismo mágico, colores brillantes es como lo primero que quieres hacer. Bueno, lo primero, pero cuando estés listo para ello, cuando el cuadro esté listo para ello, consigue algún resplandor ahí que realmente ayude. Poner los dientes del monstruo, lo que me olvidé totalmente de hacer en el primero. Poner los ojos ahí dentro. Y eso es todo lo que quiero hacer para que la indicación del personaje es básica. Yo alineo al chico, te das cuenta que el personaje chico ni siquiera consigue ojos porque su cara es demasiado pequeña. Es, es una forma tan pequeña, no la necesita, pero el monstruo tiene estos ojos gigantes, así que supongo que son formas lo suficientemente grandes que no debería dejarlos en blanco. Eso se vería un poco raro. Pero en este punto estoy solo, siento que he llegado a un bonito tiro nocturno de aspecto mágico. Es realmente evocador, simplemente aumentando aún más esos acentos oscuros. Consiguió el aerógrafo configurado para multiplicar modo viñetando la pieza. Eso es otra cosa que puedes hacer. Y por viñeteado, quiero decir, cada vez más oscuro alrededor de los bordes del lienzo. Y yo lo hice, lo hice de nuevo con un aerógrafo multiplicado. Siempre que uso un aerógrafo, siempre es para grandes cambios como ese, no formas pequeñas. Los cepillos para el cabello no son buenos para las formas pequeñas. Poner algunos de esos morados en el lado izquierdo del puente puede estar recibiendo algo de luz reflejada del mágico cielo nocturno, que es muy morado. Por lo que consiguiendo algo de luz reflejada morada allí. Nuevamente, todo tiene una especie de lógica detrás de él, incluso, hasta un realismo mágico. No se puede simplemente willy nilly maquillarlo. Tienes que tener una lógica detrás de tu iluminación todavía. Nuevamente, pinceles grandes, pinceles grandes. Ahí hay un aerógrafo grande. Y antes de eso tenía un gran cepillo seco fuera, solo, solo en general golpes de color en ese puente. Algunos ligeros acentos oscuros debajo de los personajes. Y así, tenemos nuestro mágico tiro nocturno y una completa inversión de humor desde la tecla de color de apertura que hicimos. Y lo que me parece interesante de este ejercicio es que ambos me están invitando, pero de maneras completamente diferentes. Utilizan paletas completamente diferentes, diferentes momentos del día. No obstante, ambos, me siento como yo como el espectador está siendo recibido en esta escena, como si quisiera estar ahí, ¿sabes? Y eso es otra vez que esta es la magia de las teclas de color. Estás experimentando con tus propias emociones y casándote con las habilidades que has estado aprendiendo a través de tus estudios de diligencia y sobre el tema de los estudios diligentes. Hagamos otro, en realidad otros dos. Voy a volver a hacer la misma escena dos veces, aunque esta vez voy a usar la misma paleta en ambos, pero cambiaré la iluminación en ambos y veremos cómo eso afecta el estado de ánimo. En cuanto al dibujo, sólo voy a inventar esto a medida que voy. Va a ser algún tipo de pueblo medieval imaginario. De acuerdo, así que déjame mostrarte la paleta que estoy usando. Aquí hay una rueda de color. Voy a restringirlo a estos tres tonos, que es esencialmente una paleta complementaria dividida. Ahora, solo quiero reforzar que puedo usar todas las derivaciones del gris de esos tres colores, lo que por supuesto significa diferentes niveles de saturación dentro de esos tres colores. Entonces cómo trato eso técnicamente aquí en Photoshop es cuando escojo mis colores en el recolector de color allá, solo estoy asegurándome de que cuando selecciono un matiz, estoy en uno de esos tres hughes. Es tan simple como eso. Si estoy a un pixel o dos off, realmente no me importa. Pero limitar tu paleta, en este caso, un complemento split me da una estructura o un marco para trabajar dentro. Y si eres nuevo en el color, realmente recomiendo probar esto porque de pronto sólo tengo como tres opciones. Por supuesto que tengo muchas opciones más que tres porque dentro de esos tres tonos, puedo estar en cualquier nivel de gris. Creo que recoger tonalidades realmente ser embudos un montón de pintores principiantes. Entonces oye, sólo tengo tres opciones aquí. Y debido a que vas a estar distribuyendo esos tres tonos a lo largo de la pintura, tienes más probabilidades de lograr la armonía de color como resultado. Entonces como pueden ver, mi estrategia aquí fue bañar el cielo y los dos colores cálidos que tengo, luego bloquear en todo el primer plano con el color fresco. Esto es bastante adecuado para una escena de luz matutina donde el sol está detrás del sujeto. Por lo tanto, todo el tema está básicamente en sombra, haciendo para una separación bastante obvia de luz cálida y sombra fría, los primeros planos van a ser agua. Entonces tengo algún reflejo del cielo en esa agua. Y ahora tengo un problema porque no quiero que mi pintura sea como el cielo está caliente en la parte superior, luego una tira de frío en el medio y luego una tira de calor otra vez en el agua. No quiero eso. Entonces mi solución es traer algo de esa luz cálida al pueblo mismo como si el sol simplemente estuviera brillando algunas de las paredes laterales que dan a los lados. A pesar de que mientras pintaba esta llave de color, aún no había pensado bastante en ello. Entonces lo que estoy pensando aquí es que algunos de ellos apagaron el blues en ese cielo. Se puede ver la misma cima del cielo hay un azul muy grisáceo estaría brillando. Es luz fría abajo en el paisaje. Y eso justifica esos azules más fríos y ligeros del pueblo. Ahora por si acaso alguien se está preguntando aquí en Photoshop, cuando pongo una mezcla de azul sutil en una mezcla de amarillo, Photoshop mezclará eso y probablemente se te ocurra algún pixel verde grisáceo. Eso está bien. Si a Photoshop se le ocurre eso, lo usaré. No voy a seleccionar específicamente verde sin embargo, cualquier greens accidentales que aparezcan de mezclas, Eso está bien. De acuerdo, Entonces en este punto del cuadro, se me ha ocurrido traer algo de esa luz matutina al propio pueblo. Entonces hice algunas selecciones, muestreé mi cielo rojo y estoy trayendo eso. La luz matutina es muy rojiza. Ahora no conozco del todo la ciencia detrás de eso, pero tiene algo que ver con el amarillo se está filtrando, más la luz tiene que viajar por nuestra atmósfera. Pero de todos modos, volvamos al lado artístico de las cosas ahora, que está más en mi caseta. Hablemos de cómo estoy estructurando esta paleta. Ya sabemos todo sobre los tres tonos que estoy usando. Eso es parte de la estructura. Pero, ¿cómo estoy usando los grises? Bueno, para éste, en los dos colores cálidos que tengo. Voy a permitir que esos sean los elementos más saturados de la pintura. El blues, por otro lado, se va a someter más en los grises. Esto no quiere decir que nunca pueda tener azules saturados. De hecho, se pueden ver algunos de ellos ahí dentro. En cuanto a los calentamientos rojizos van bastante obvios que están saturados, pistas de eso en el horizonte así como grandes saturados golpea un IVA en los edificios que acabo de poner hace un minuto. mejor no tan obvio aunque que también hay versiones grisáceas de ese rojo en las sombras de los edificios. que respecta a esos rojos, estamos viendo este tipo de cosas. Esos rojos grisáceos son sutiles para estar seguros, pero ayudan a empatar y armonizar los rojos más saturados y mantenerlos en contexto. Ahora con el blues, aún no tengo esa saturación. Voy a estar seguro de escoger y elegir mis manchas con el azul saturado porque ese es realmente el único tiro tengo un color de acento porque mis calentamientos están ambos bastante saturados. Es un poco torpedos cualquier oportunidad que tengo de acentuar con eso, sabes, ya están bastante ruidosos. Pero con los azules, si puedo mantenerlos en los grises relativos, tengo algunas cartas cercanas al chaleco que puedo jugar en forma de pops de saturación. Si alguna vez estás inseguro, incluso puedes hacer una pequeña paleta como aquí en la parte inferior y esencialmente trazar pequeñas muestras de los colores principales que quieres usar. Para que podamos ver los amarillos saturados y rojos naranjados. Y aquí están esos pequeños zaps de azul saturado. Puedes hacer ese estudio en diez segundos. Muy bien, Así que en este punto de la clave, la paleta de colores está bastante claramente establecida. Yo solo estoy llenando los elementos, solo hice un ajuste rápido de niveles ahí. Y aquí he puesto mi pincel en modo de color más claro y estoy vidriando en algunos azules más claros en los oscuros. El modo de color más claro es agradable porque toma el píxel que tienes y solo afecta a los píxeles más oscuros de la pintura con ese color. Constantemente volteando el lienzo, lo que me ayuda a ver la distribución del color, sobre todo porque se me ocurre esta escena sobre la marcha, tanto paleta como dibujo. Agregando aquí algunos rayos de dios, que sutilmente calientan algunos de los azules más cercanos al sol, en su mayoría lo hicieron con sólo un aerógrafo normal. Aunque a veces me gusta configurar un aerógrafo al modo superposición. Este lienzo, por cierto, tiene sólo 600 píxeles de largo, que suele ser mi resolución al hacer teclas de color o estudios de color como este. Lo bonito de los estudios de color es tu nivel de dibujo no tiene que ser súper refinado. Se puede aplicar una paleta con un dibujo muy rudimentario. Esto no es para animarte a que te pongas perezoso retirando, por supuesto, porque después de todo, si alguna vez quieres hacer una ilustración totalmente terminada, entonces todas tus chuletas de dibujo tienen que volver. Pero ahí vamos. Ahí está nuestra clave de color número uno. Ahora pintemos la misma escena, misma paleta, pero estructura de manera diferente en función de una configuración de iluminación diferente. Esta vez, en marcado contraste con la clave que acabamos de hacer, voy a ir bastante medio saturado de esos azules de inmediato. Es un poco gracioso porque creo que en Gray la mayor parte del tiempo, hasta un color medio saturado para mí se siente muy saturado. Y a partir de mi experiencia estudiando y pintando desde la vida real, la naturaleza rara vez te da un color saturado lleno brillante. Lo que se siente muy saturado en la naturaleza suele ser como un 70 por ciento saturado en un recolector digital de color. En fin, déjame delinear para ti mi plan general de color para este cuadro. El primer cambio es obvio. La luz sigue siendo la luz del sol, pero el sol ha girado alrededor del cielo y ahora está iluminando los edificios desde el frente. Esto no es del todo puesta del sol, sino justo antes de la puesta del sol. Por lo que para los colores del sol naturalmente, estaré usando una combinación de mis dos colores cálidos. No obstante, esta vez los voy a mantener más grises. Se puede ver claramente eso en la pintura ahora mismo así como mirar al seleccionador de color y ver en qué grado de gris estoy con eso. Pero volvamos a subir esa rueda de color y te puedo mostrar lo que estoy pensando para el resto de esta imagen. En primer lugar, aislamos nuestros tres colores. Los edificios están en su mayoría en los amarillos y están por aquí. Ahora, voy a elegir mantener las sombras del edificio bastante cerca de eso, pero aún en el lado azul del gris. Eso me da mesura ahora para hacer el fondo más saturado azul así como el agua. Y luego nos quedamos con los rojos, que también hacen en los grises bastante pesadamente y hacen de ese mi color menos dominante. Y ese es mi sencillo plan para esta cosa. Al igual que con muchas cosas en el arte, simple es lo que hace que las cosas sean hermosas. Porque simple como legible. Si tuviera todos esos colores chocando con una saturación pesada por toda la pizarra, la lucharía en cuanto a qué mirar al principio, los colores saturados tienden a dibujar nuestro ojo, y los Grises tienden a someter nuestro ojo y relajarlo. Ahora, una de mis debilidades es que tiendo a pintar dos grises. Entonces echa un vistazo a esto. Subiré a Imagen, Auto Contrast y Photoshop realmente techan el contraste. Pero entonces puedo empujar Control Shift F, lo que trae a la luz este práctico diálogo de desvanecimientos. Y luego voy a encontrar un valor de medio camino ish allí o lo que se vea bien Realmente. Y Photoshop lo aplicará en consecuencia. Si has visto mi trabajo en línea, podrías pensar que es extraño que una de mis debilidades mientras pinto a gris, podrías pensar que era lo contrario. Pero en realidad construyo para colorear con el tiempo. Por lo general, a veces mis pinturas necesitan ese pequeño impulso de Auto Contrast y a veces no. Para que esa tira de color cálido en los muelles de ahí, eso no tiene sentido. El sol no está golpeando ahí, por lo que no debe ser tan cálido. Y aquí mientras yacía en el agua, empezaré a darme cuenta de que, recuerda, solo estoy inventando esta llave de color sobre la marcha. Tengo un plan para ello como ya lo expliqué, pero aparte de eso, me voy por el asiento de mis pantalones aquí. Por lo que estos barcos necesitan entrar y vamos a conseguir un aerógrafo con un rojo grisáceo y tipo de empezar a armonizar toda esta zona de fondo. Yo sólo lo hice ahí. A veces hago eso. Voy a conseguir un aerografiado grande justo en modo normal, tamaño de pincel muy grande, pero presionando muy ligeramente en la tableta. Simplemente ayuda a mezclar un color en todos los colores que golpea y los acerca un poco más juntos. Ahora para los más nuevos en pintar, podría estar preguntando, ¿ debería pintar en una capa o debería pintar en varias capas? La respuesta es con lo que te sientas más cómodo, me gusta pintar en una capa porque me permite tomar decisiones creativas sin preocuparme por el aspecto técnico de las cosas. Encuentra que para mí cuando uso capas, al menos parte de mi cerebro se centra en la parte técnica, de creación y gestión de capas, lo que quita las decisiones artísticas. Me siento más audaz y valiente cuando solo estoy trabajando en una capa. Podría funcionar para ti, pero también podría no funcionar para ti. Así que usa cualquier método que sea cómodo, recuerda dar la vuelta a ese lienzo. Ese es el sistema de defensa número uno que tienes para retener la objetividad en tu trabajo. Cuando volteas la pintura, es una especie de engaña tu cerebro por una fracción de segundo en pensar que lo está viendo por primera vez. Y cualquier repetición indeseable que pudieras estar haciendo, que puede suceder en color y forma y composición en tantas áreas del arte realmente atraerá tu atención y podrás aprovechar la oportunidad entonces para arreglarlo. Ya casi termino la pintura aquí, pero solo quiero decir, si quería añadir otro color a esto, di otro tipo de azul frío en la sombra, como un azul púrpura. Se puede ver cuánto espacio hay para ello. Y eso es lo lindo de limitar tu paladar. Previene que sobrecargues tu imagen con color. Y por lo tanto, tienes un camino para tener más confianza con el color porque siempre sientes que puedes agregar una cosita aquí o allá si quisieras. Entonces ahí está la llave de color terminada y ahí está nuestra primera. Y mira eso, esos están pintados con la misma paleta. Es casi difícil de creer. Se ven tan diferentes, se sienten tan diferentes. Y supongo que ese es el punto al que me gustaría volver a dar un círculo, para cerrar el Capítulo 5. Las paletas de colores son ciertamente divertidas, pero recuerda, no dictan el estado de ánimo, simplemente mejoran el estado de ánimo. Como dije antes, el estado de ánimo lo dictan muchas otras cosas. En este caso, es el mismo tema, pero la iluminación ha cambiado drásticamente. Y debido a que la iluminación cambia las formas de la sombra iluminada, mi composición también ha cambiado. Entonces es solo un poco de comida para pensar ya que estás trabajando con el color y estudiando el color, no dejes que venga a expensas de los otros fundamentos de la pintura. Muy bien, pasemos ahora al sexto y último capítulo. Y quiero darte algunos consejos de estudio, pequeñas cosas que te pueden ayudar a crear tus propias Lecciones Enfocadas para todas las cosas que hemos pasado en esta clase. Te veré ahí. 14. Máscara de Gamut: Bueno, aquí estamos en el Capítulo 6, el último capítulo de esta clase. Lo que voy a hacer aquí es volver a través de las lecciones clave y los recuerdos de esta clase y darte consejos para cómo mirarlos y estudiarlos de la manera más simple que puedas. La idea es que no necesitas hacer pinturas terminadas todo el tiempo solo para estudiar, sobre todo cuando se trata de color, puedes reducir tu proceso de manera bastante dramática y aún así obtener un buen estudio fuera de él. Por lo que vamos a ver los métodos para estudiar rápidamente los conceptos presentados en la clase ganarán otro método de entender las paletas y limitar tu color. Aprenderemos un ejercicio fácil que pone a prueba tu comprensión de cómo la luz influye en el color. Y por último, ganará el coraje para seguir forjando adelante después de que esta clase haya terminado. Entonces, vamos a sumergirnos aquí. Lo primero que me gustaría mostrarles es algo llamado enmascaramiento de gamut. El enmascaramiento de gamut se relaciona con las discusiones de paletas del Capítulo 5, así como con la paleta de cortesía del Capítulo 1. Entonces cada vez que hablamos de limitar tu paleta, estamos por supuesto, hablando de eliminar secciones de la rueda de color. Por ejemplo, lo que miramos en el Capítulo uno con la paleta limitada, era como si estuviéramos usando todos los colores de esta gama, lo que significaba que estábamos eliminando todos estos colores. Ahora, el término de fantasía que usaron los artistas para esto es maldita máscara. Es una palabra que no escuchas a menudo, pero gamma, solo significa el alcance o alcance completo de algo. Entonces otra vez. 15. Pintar con una máscara de Gamut: Muy bien, Así que me gustaría mostrarles una forma rápida de probar o audicionar una paleta antes de comprometerse con una pintura completa. Ahora en la nota de consejo de estudio, quiero decir que la pintura que hicimos aquí en el Capítulo uno por ejemplo, esta es una gran práctica, debes hacer esto. No obstante, todos tenemos vida cotidiana y compromisos y horarios. No siempre hay tiempo para hacer una pintura terminada todos los días. Y si quieres mejorar con el color y la pintura o lo que te interese, hay mucha ciencia para decir que practicar cada día es la mejor manera de mejorar. Pero la vida real puede no siempre permitir una pintura terminada todos los días. Entonces, ¿cómo podemos tomar las complejidades de esta práctica y aplicarla a algo rápidamente? Ya sabes, algo que puedes hacer sobre una taza de café. De acuerdo, así que tengo mi interfaz de Photoshop configurada aquí con mi gama de paleta de cortesía enmascarada. Y lo que quiero hacer es simplemente empezar a tomar muestras de colores a partir de ella y bloquear en un ambiente un poco rápido. Sólo va a ser una pelota sentada en una mesa. Por supuesto, estoy probando colores a los que tengo acceso con mi paleta complementaria aquí. Ahora podría cambiar los valores. Por supuesto, si necesito un azul más oscuro aquí arriba para la zona alta, podría hacer eso. El balón en sí. Hagámoslo del color amarillo. Vamos a ponerlo justo aquí. De acuerdo, entonces hay una pelota sentada en nuestro entorno. Tenemos que darle alguna sombra aligerada. Por supuesto, fingiré que la luz está bajando directamente desde arriba. Entonces lo que podría hacer aquí es quizá muestrear uno de estos colores, sumergirlo con un valor, tal vez gris un poco, sólo para vincularlo con ese amarillo. Y haz esto, tal vez en realidad consiga el amarillo y mezcle eso. Muestra el resultado, pinta para conseguir esta pelota ahí. Eso va a la sombra, una especie profunda de sombra suave. Y se puede ver realmente no me importa calidad de línea o la calidad de forma tanto como lo estaría en un, incluso en un estudio de claves de color casual. Me importan más esas cosas. Y este solo estoy llevando sobre el uso de estos colores en el objeto más simple posible. Y por mi dinero, eso es una pelota. El motivo por el que es una pelota y no un cubo o, o cualquier otra cosa es porque una pelota va llena, totalmente alrededor. Por lo tanto, tiene todos los problemas de un cuadro. Significa que vas a tener que lidiar con diferentes valores, diferentes bordes, ya sabes, cosas como esa ya que este balón necesita girar formas poco de un punto culminante ahí. Y está bien, este es un estudio básico. Veamos qué podemos hacer. Veamos si tal vez podemos poner algunos de estos amarillos en el medio ambiente. Entonces voy a probar algo aquí, tal vez gris apagado, y tal vez haya una manera de poner estos amarillos dentro. Entonces de nuevo, este es un estudio complementario de paleta. Puedes usar cualquier paleta por supuesto. Pero la idea es mantener ese tema tan sencillo que libere tu espacio de creatividad para explorar el color. A ver, a lo mejor quiero llevarme esos amarillos. Cuál es la saturación máxima que puedo conseguir bien, sobre ahí. Entonces vayamos a esto, sumerjamos un poco el valor y obtengamos tal vez un poco de medio tono Ir en esta esfera a medida que gira. Eso es interesante. Y quizá consigamos un morado muy grande OFF y veamos si conseguimos el valor correcto. A lo mejor eso se puede colar en esta parte del balón. Y mira esto, sin embargo, esa pelota empezaba a brillar un poco en esta paleta. Por supuesto, una gran parte de lo que lo hace brillar es, es la luz que estoy haciendo aquí. Esto se relaciona de nuevo con el Capítulo dos, es menos que en moverse a través de la paleta de colores, lo siento, moverse a través de la rueda de color , es decir, y vamos a ver, tal vez veas cómo esta sombra es algo así en el lado cálido. ¿ Qué pasa si consigo el morado y pongo sólo un toque de esta luz reflejada púrpura que está rebotando luz desde el suelo, entrando en las sombras de esta bombilla. Y sí, eso está funcionando entonces tal vez pueda conseguir una herramienta de manchas y simplemente manchar todo el asunto y dejar que se mezclen algunos colores, como simplemente diciendo su propia cortesía de la herramienta de manchas. Y entonces tal vez voy a ir más profundo y conseguir sólo alguna oclusión ambiental aquí en la sombra, que es una profundización de la sombra, es donde toda la luz se ocluye o la luz ambiental no puede entrar. Entonces tal vez aquí si aligero un poco el morado. Está bien, así que obviamente la idea es que este cuadro me llevó cinco o seis minutos, me tomó más de lo que estoy hablando mientras lo estoy haciendo, podría hacer esto probablemente en dos minutos si no estuviera hablando. Pero ahora tenemos este estudio cohesivo de paleta y esta esfera puede convertirse en cualquier cosa. Puede convertirse en un ser humano o un paisaje o una montaña o botes más a un muelle o algo así. Muy bien, probemos otra aquí. Vamos a cambiar el Lienzo. Empieza en negro esta vez sin otra razón que solo la variedad, no quedarte encerrado en un método particular de trabajo. De acuerdo, así sin embargo lo mismo, mismo ambiente con un top oscuro. Y vamos por nuestro pincel circular. Y veamos, solo escojamos este color. No tengo ni idea. Bloquear en esta esfera púrpura, tal vez el suelo en este entorno se vuelve más verde. Ah, probablemente debería mencionar que estoy usando una paleta complementaria dividida ahora, como probablemente ya te diste cuenta, en realidad que sólo usemos la herramienta de lazo aquí para dibujar un rectángulo y bloquear en un piso. Pintar mesily justo sobre el balón, pero eso está bien, devuélvelo enseguida. Si Photoshop mezcla colores y se le ocurre este tipo de naranja apagada, eso es parte de nuestra paleta, ¿verdad? Está en algún lugar ahí dentro, así que está bien. Entonces, siempre y cuando tu muestreo dentro de este rango, cualquier mezcla que te dé Photoshop está totalmente bien. Veamos qué pasa si hacemos que la sombra realmente lea y probamos la idea de que sucederá la armonía. Apenas por naturaleza de esta paleta limitada. Entonces algo así y hará que las sombras sean más suaves. Y este también suaviza este tipo de transición del fondo de la tabla 2 aquí a lo que sucede si incluso usamos como verdes grisáceos en la parte más ligera? Esto está fuera del camino trillado aquí. Y aún quiero que el balón luzca morado. Entonces llegué a asegurarme de que no me limite a ir verde con la luz y morado con la sombra. Tiene que permanecer un tanto consistente. Entonces la clave ahí está mantener las cosas en los grises. Se trata de una bola morada. Yo sólo quiero pistas de ese enfriador verde arriba arriba. Entonces mantengamos intacto el morado a medida que bajamos y tal vez a medida que la sombra se profundiza, se vuelve más roja. Entonces estoy seleccionando mi rojo, que es por aquí. Es legal en esta paleta. Y mira ahora tengo especie de dos mitades. A ver si puedo trabajar esto. Llevemos algo de este verde al balón a la sombra, y también algunos de los morados a la pelota en luz. Y vamos a un poco como tenemos esto, tejer estos colores juntos, si eso tiene sentido. Este tipo de pintura y toma de muestras y escogiendo los resultados en pintar con eso, quiero ver si puedo hacer que esta bola se sienta como una bola morada, pero con estas solo estas notas del verde en ella. Y si no funciona como si no fuera que todas estas cosas funcionen. Si no funciona, has descubierto rápidamente uno de los límites de la paleta. A lo mejor si funciona, genial, Has, has aprendido una nueva aplicación para ello. A ver, quería ponerme más roja a medida que la sombra se profundiza lo hizo bien. Entonces hagámoslo. Y un par de estos morados de fondo aquí. A lo mejor a medida que el suelo asciende en la distancia. medida que aumenta la distancia, algunos de esos morados empiezan a entrar en juego para ver lo que quieres intentar y evitar es tener la imagen recién hecha de color en una sección como esta está todo roja en estos momentos. Y si bien eso está bien, me gusta que funcionó bien, y son paleta complementaria en el último estudio. Pero en este, porque tengo más colores, siento la necesidad de que esos colores se incrustan en más áreas de la pintura. Entonces tal vez los rojos empiezan a hacerse cargo mientras nos subimos hasta aquí a la parte superior de la imagen y se vuelve un poco más púrpuras a medida que bajamos solo tratando de construir en algún tipo de estructura para mí, son solo una lógica como a medida que fluye el color de esta manera se pone más morado , ya sabes, focas, verdes, esos greens necesitan volver. Yo los he perdido. A ver si puedo hacer esto. Me pregunto si algunos del suelo y empiezan a recibir algunos de esos greens y tal vez en las sombras también. Y eso es un poco interesante. Y entonces esa pelota sólo necesita sentirse más como una superficie cohesiva. Estoy dividiendo demasiado la luz y las sombras. Los colores están cambiando demasiado entre la luz y la sombra. El balón tiene que sentir, todavía se siente púrpura. Entonces estoy tratando de recuperar algunos de esos. Se va a destacar en el que siempre cuenta para algo. Si la luz viene de arriba y podría estar golpeándola ahí. Y mete en alguna de nuestra oclusión ambiental, esa profunda sombra oscura de ahí. Y estoy luchando más con este como probablemente puedas decir. Hay toques de verde en el balón que hacen eco de toques de verde en, en este piso aquí. Y voy a empujar esto un poco, amplificar un poco los greens solo para darle punta visualmente al espectador como Hey, ahí, hay greens por aquí, pero lo están, se mantienen muy sutiles ahí. En tercer lugar en la jerarquía, los rojos podrían ser el número 1, los morados serían el número dos en términos de saturación de los greens son el número tres. Pero están ahí y podría incluso ponerlos. Ahora, tráelos de vuelta a la luz. Para que veas que he luchado un poco con esta paleta, pero como siento que estoy explorando su potencial y solo tratando de recoger a mano esos greens. De nuevo, si estoy un poco apagado, realmente no me importa. Siempre y cuando estés explorando el espíritu de estas paletas. Entonces obviamente he hecho un complemento aquí y ahora split complementario, pero puedes hacer cualquier paleta y no tiene que ser ninguna paleta que he sugerido. Puedes maquillar tu propia pick algunos tonalidades que quieras usar, recoge algunas saturaciones a las que quieres limitarte, lo cual siempre es una buena idea. Y explora esa paleta y compone tu propia paleta. Elige tres colores que no caigan en una bonita división de cortesía como esta, poco como el Dominique Louis escribe una llave de portada de 2 E que miramos en la sección anterior. Entonces algo como esto ahora empieza a hablarme aquí. mí me gusta esto un poco de luz reflejada rebotando en el balón. A lo mejor habría rojo brillante intenso podría derramarse. Al igual que un efecto de lente. Podría envolverse un poco en la pelota, derramarse en ella. Al igual que si tomas una fotografía de una luz muy brillante, como que sangra en otras cosas. Es un poco lo que estoy viendo aquí. Este entorno no necesita mucho, pero solo rematarlo con alguna viñeta aquí. A lo mejor toma ese mismo color y viñeta el fondo. Este año vamos. Y ahora tenemos nuestro segundo estudio. Siento que no he pasado demasiado tiempo en esto. Todavía no estoy hecho mi café, mi hipotético café que en realidad no estoy bebiendo en este momento porque audio sabio eso molestaría a todos. Pero ahí vamos, Mira eso. Ese es un pequeño estudio cohesivo de paletas. Puedo tirar estos espalda con espalda, lo cual te recomiendo que hagas después de recolectar algunos de estos y evaluar el estado de ánimo. ¿ Cómo te hicieron sentir estos colores? Encajarían bien con un cierto escenario de luz que tienes en mente o un tema determinado, o concuerdan con cierta emoción? Esas preguntas le toca a usted decidir. Pero en lo que respecta al estudio, esta es una forma rápida muy útil de mojarse los pies. Y más que eso, para explorar verdaderamente las complejidades de cómo los colores pueden vincularse como parte de una paleta. 16. Integración de color: consejo de estudio: Muy bien, La siguiente aplicación de estudio que quiero mostrarte es algo que llamo integración de luz y color. Vamos a integrar una esfera, sorpresa, sorpresa en un cuadro existente. De acuerdo, así que he cargado esta foto que recordamos del Capítulo 2. Y voy a pintar dos esferas. Uno va a estar en la luz, y otro va a estar en la sombra. Este ejercicio tiene por objeto poner a prueba los conocimientos que aprendimos en el Capítulo 2. Ahora sólo voy a hacer una selección circular rápida aquí. Pongamos el balón como rondando encima de estos arbustos y árboles en el medio suelo. Y voy a empezar a pintar esto. Simplemente bloquearé en un valor rápido. Ahora esto va a ser una bola blanca, como aprendimos del Capítulo 2, la luz del sol es un matón. Y lo bonito de pintar blanco es que el blanco no tiene color local propio. Obtiene todo su color de sus influencers. En este caso, la luz del sol consiguiendo su color al lado de la luz y la sombra está consiguiendo su color de la luz ambiental rebotando alrededor. Probablemente va a haber muchos greens en las sombras, por ejemplo. Entonces empecé con este valor medio aquí porque me permite ponerme tanto más claro como más oscuro ahora mismo que no parece una bola blanca. Entonces arreglemos eso. Obviamente, voy a ir más ligero en valor y la luz del sol es un sol de media tarde. Va a estar un poco desaturado en algún lugar de los calentadores de aquí. Característica bastante neutra de un sol de media tarde. Y sólo voy a poner esto en tal vez un toque más caliente. Estoy viendo unos cuantos calentamientos más en los alrededores, así que esto se ve bastante bien como un color sol. Ahora lo bonito de la luz solar es que, como dije, es un matón. Es, no hace falta mucho pensar que el sol va a estar influyendo tan fuertemente en estos colores que esto casi es suficiente. Si quiero un poco de medio tono, sólo voy a seguir adelante y agarrar un aerógrafo aquí, sumergir un poco el valor, tal vez aumentar un poco la saturación. Y vamos, usemos un poco del Capítulo 4 y solo compensemos un poco ese matiz, moviémoslo alrededor, ya sabes, incluso un poco más oscuro, metamos este medio tono aquí. Tengo tono es donde la forma se está alejando de la luz pero no suficiente para estar en sombra. Por lo que obtienes este oscurecimiento gradual. Y en una esfera es muy suave. Entonces ahí vamos. Eso parece nuestras esferas golpeadas por la luz del sol, una bola blanca golpeada por el Sol. Ahora la sombra no se ve bien. Lo bonito de bloquear en ese valor medio con el que empecé sin embargo, es que sí me da una separación de sombras aligerada, pero ahora trabajemos en las sombras y decidamos sobre su color. Bueno, con cualquier pintura, lo primero que quieres observar nuestro pregúntate es ¿qué colores hay en el entorno? Y yo le presentaría que en este caso son básicamente dos. Tendremos colores verdes entrando desde abajo ya que esos árboles rebotaron luz también. Tendremos cielo azul bajando. No podemos ver el cielo en esta foto, pero sabemos que está ahí arriba. Y cuando estás al aire libre, un cielo azul es un enorme influencer en los colores de la sombra. Ahora cuando se trata de decidir los colores de tus sombras, recomiendo simplificar. Por ejemplo, hay azoteas rojas por aquí, pero están tan lejos. No voy a intentar y como poner rojo también en la sombra que empieza a ponerse un poco desesperado color sabio, ¿quieres simplificar eso? Intento preguntarme, ¿cuáles son los uno o dos conductores primarios del color en este caso, es el verde y el azul. Tan bien, a veces incluso me gusta simplemente seleccionar la sombra ahí con la herramienta mágica de uno. Entonces empujaré a Control H para ocultar esa selección. Y luego solo con un cepillo suave, voy a muestrear donde estoy y simplemente marcarme a los greens aquí y tal vez aumente un poco la saturación para que la identidad de ese verde se vuelva un poco más evidente. Pero aún en los grises neutros sin embargo, nada demasiado saturado. Y voy a empezar a ponerle eso. Y ya deberías poder ver esta esfera empezando a encajar con su entorno gracias a la luz de rebote. Ahora de inmediato quiero cambiar de marchas y poner en este azul. Por lo que me deslizaré hasta el azul, otra vez, manteniéndome en la gracia para empezar como un buen método para asegurar que sus colores armonicen. Porque de nuevo, los grises se vinculan entre sí. Es decir, colores vinculados entre sí vía pastoreo. Ahora si estoy en el blues, realmente puedo escoger cualquier azul. Yo puedo experimentar. ¿ Qué tal más de un azul ultra marino? Tan solo asegúrate de obtener tu valor correcto. Por ejemplo, este es el valor equivocado de que azul necesita ser más ligero porque es luz reflejada. Es luz del cielo que entra en la sombra. Esto parece una especie de doble sombra. Entonces no hagas eso. Asegúrese de obtener su valor correcto. Y ahora esta pelota empieza a parecer que está sentada en este entorno, tal vez un poco menos del azul. A veces la sombra aquí mismo puede ponerse un poco más oscura porque se pone un poco menos de luz reflejada. Ya sabes, esos greens realmente están bombeando hacia el fondo de la esfera y los azules están bombeando hacia la parte superior de la esfera. En este apartado medio, puede que tengamos menos de cada uno de esos. Entonces a veces conseguiré un pincel de multiplicación, cual tengo un preset para aquí, aerografiado set para multiplicar modo, y solo oscureceré y apenas oscureceré esta zona. Y mientras estoy aquí, puedo volver al modo normal y simplemente refinar aún más este borde entre la luz y la sombra, necesita ser un poco más suave que estos dos representan una forma redonda de una esfera. Aquí vamos. Y si hay un punto culminante, que habría si se trata de una esfera reflexiva, ese resaltado iría justo aquí, reflejando esa luz solar que está brillando justo sobre ella. Ahora tampoco olvidemos una pieza clave de integración que es una sombra de caché. Ver ahora mismo realmente no sabemos dónde está esa esfera en el espacio. Tenemos que ponerlo a tierra con una sombra de caché. Entonces voy a decir que esa esfera está un poco sentada aquí. Entonces lo que haré es recoger el verde de los árboles. Ahora esto necesita ser una sombra más fría. Y no sólo quiero probar las sombras en la imagen misma. Yo quería hacer mi propio trabajo, ¿verdad? Entonces, pero podría probar las luces y decir, vale, ahí es donde los verdes son acosados por la luz del sol. Vamos a enfriarlos subiendo de esta manera la rueda de color, bajamos el valor para la sombra, y empecemos por ahí. Eso satisface el requisito de ser una sombra más fría. A lo mejor voy a conseguir un pincel diferente para esto, algo con un poco más de textura. Estar ajustando el follaje está cayendo sobre. Y sólo pintemos esto. Parece que debería estar un poco más oscuro, así que me voy a ir y te das cuenta instintivamente estoy cambiando los tonos. Capítulo 4. Yo he comprometido eso a la memoria muscular ahora un alto hazlo instintivamente. mejor, tal vez incluso más fresco y sumergirlo un poco más. Los árboles tendrán pedacitos de acento oscuro, es decir piezas donde están los árboles, pequeños agujeros que se pueden ver a través de esos agujeros se ponen mucho menos luces ambientales, un poco de acentos oscuros que se llaman u otra palabra para eso es oclusión ambiental, poner esos dentro y apenas trabajo general, esta sombra, te das cuenta que es una sombra esférica o una sombra circular porque esa bola está proyectando las sombras. De hecho, esta sombra debería deslizarse sobre la roca aquí y debería ser más azul allá porque la roca, se ven las sombras ahí en la roca. El rock es un color de logo blanco al igual que la esfera. Entonces así como esa esfera se está poniendo azul aquí, la sombra de roca va a tener influencia azulada sobre ella, mucho menos verde. Y luego mientras esa sombra sigue arrastrándose sobre los árboles de aquí, volveremos a ese verde. Entonces ahí vamos. Algo en este rango y podría, podría, claro que estamos bien. Esta sombra, todo lo que quiero. Pero esta es una gran manera practicar las cosas que aprendimos en el Capítulo 2 y también en el Capítulo 4, ya sabes, cambiar Hughes y cosas así. Si tuviera que proyectar nuestra estimación aproximada del tiempo, debería llevarte a hacer un estudio como este. Hagámoslo a los 10 minutos por esfera. Está bien, así que sigamos adelante y pongamos otra esfera en la sombra. Ponlo aquí abajo, solo haz una selección. Pondremos esa esfera como en la carretera o algo así. A lo mejor hacerlo un poco más grande para que podamos verlo mejor. Y yo haré lo mismo. Adelante y bloquea en un valor general. Ahora este año está a la sombra, así que bloqueemos ese valor e incluso un poco más oscuro, sí me gusta bloquear mis valores en casi en un rango medio oscuro. No siempre hago eso, pero es una buena idea porque ahora cuando voy a agregar algo más claro, como la luz reflejada en este caso, ya tienes un valor más oscuro con el que comparar esa luz. Ahora si eliges iniciar la luz, eso también está bien. Solo tienes que agregar sombras primero. Pero a veces encuentro que agregar luz ayuda más al modelado. Esa es sólo mi propia opinión, mi propia experiencia. Por lo que me gusta empezar a oscuras y añadir luces. Ahora, pensemos un segundo en esta esfera porque estamos en la sombra. Este es un escenario muy distinto al del sol. Te diré el error que comete mucha gente. Dirán: Vale, estamos en la sombra. Obviamente va a haber un montón de tragaluz bajando igual que teníamos en este balón aquí. Pero esto es lo que harán. Tomarán un tragaluz y lo pondrán así en la misma dirección que la luz del sol. Pero eso está mal. El tragaluz no baja en una dirección como ésta. Bueno, baja en una dirección, pero debido a que el cielo es como un tazón de 180 grados sobre todo, esa claraboya baja uniformemente así. Entonces lo que eso equivale es que la parte superior del balón en general va a ser iluminada por el cielo. Entonces solo elijo este tipo de azul más claro genérico y estoy bloqueando esto en. Y puedes jugar con diferentes pinceles, como aquí hay una especie de pincel estilo rastrillo que tipo de hace como eclosionar para ti, algo así como eclosionar digital de forma gratuita. Yo sí uso este pincel para mezclar mucho colores juntos. Y porque estoy en el blues, soy libre de cambiar esos tonalidades. Nuevamente, Capítulo 4, pensando aquí, moviliza a aquellos cuyos alrededor un poco, intenta incluso como morados. A ver si pela y conseguir un morado funcionando. Si es demasiado agresivo, solo caníalo. Eso ayudará a vincularlo con tus otros colores. Y obviamente estoy presionando bastante a la ligera en mi tablet para animar a Photoshop o a tu aplicación de pintura de elección a hacer algo de mezcla por ti. Por lo que esto ya se ve bien como representante de un balón iluminado por el cielo a la sombra. Nuevamente, cuando estés al aire libre, el cielo será tu tipo de conductor principal para la luz reflejada. Aquí está el siguiente error que comete mucha gente. ¿ Recuerdas cómo en la esfera de la luz teníamos esos greens rebotando en la sombra? Bueno, el error que cometerá la gente es que pensarán que los verdes rebotarían en la sombra aquí. Esto también está mal porque todo esto está en la sombra. Y como está en la sombra, hay mucho menos impulso para que la luz rebote alrededor. Recuerda, la luz solo rebota porque el sol es tan fuerte que cuando golpea algo, tiene la fuerza para rebotar. Pero toda esta zona está desprovista de luz solar. No hay rayos de luz lo suficientemente fuertes como para rebotar realmente así. El influencer más fuerte en esta esfera es la luz que baja del cielo, como ya he mencionado. Entonces eso equivale a que el fondo de esta esfera realmente va a empezar a sumergirse en la oclusión ambiental. Nuevamente, la luz ambiental está siendo ocluida desde el fondo de esta esfera. No tanta luz ambiental es capaz de llegar allí. Entonces lo que voy a hacer es que en realidad lo voy a calentar para alejarme de los frigoríficos porque ahí no va a haber cielo frío. Entonces quiero ir por el camino opuesto, calentarlo. Y de nuevo, esto es el calentamiento, es sólo un rojo neutro. Y empieza un poco más profundo que eso y empieza a pintar en esta transición a Oclusión Ambiental. Ahora, debajo de la esfera va a estar bastante oscura porque ahí es donde se incluye tanta luz ambiental. Puede haber muy pocos rayos reflejados se meten debajo de esa esfera va a estar bastante ocluido, lo mismo con colillas arriba contra la pared aquí. Aquí va a haber mucha oclusión ambiental. Ahora recuerda que esto no es una sombra. Todo el asunto es una sombra. Esta es sólo la oclusión ambiental, esa parte más oscura de la sombra. Déjame acercar un poco aquí y solo quiero trabajar esta transición. Básicamente puedo muestrear dónde está, conseguí una especie neutra de color cálido y simplemente cerrar esta brecha. Estoy usando un aerógrafo para esto mayormente por este miedo es que tiene transiciones de color tan suaves. Porque recuerda que todo el asunto está a la sombra. Entonces es como si toda esta esfera tuviera que ser tratada como esta parte de la esfera iluminada por el sol porque esta era la parte de la sombra, ¿verdad? Tampoco va a haber ningún destello porque no hay reflejo de la fuente de luz. Apenas transiciones de valor y color muy sutiles. Puedo intentar meterme un poco más azul si quisiera. Y esto realmente ahora se reduce a la estética. ¿ Hasta dónde quieres empujarlo para que te quede bien? Y oye, no hay nada de malo en decir, vale, para que esta esfera tal vez armonice un poco con la escena como sumergirse un poco en los greens. Esto es menos por razones de luz reflejadas y simplemente más por razones estéticas puras. Tan solo meter un poco de verde en la escena aquí, en el balón podría ayudar a vincularlo con algunos de los otros colores de la escena. Esa es una técnica que uso mucho, pero no me gusta, no quiero hacer algo como esto y hacer que parezca que hay luz verde reflejada que no es realista. Eso no pasaría si sí quiero poner algunos greens en es sólo un efecto casi invisible. Simplemente vinculando sutilmente los colores del entorno con lo que estoy pintando aquí. Integrándola como es el nombre de este ejercicio, integración. Y está bien, ahí está nuestro estudio terminado, creo que en concordancia con nuestro marco de tiempo de taza de café. Y notan lo que quiero recalcar aquí es a pesar de que tan esfera como un objeto muy básico, todavía se puede salir con una bonita imagen aquí. Es el color aligerado que lo hace no necesariamente el tema. 17. Consejos finales para lograr un estudio rápido y efectivo: De acuerdo, Entonces el tercer y último consejo de estudio que quisiera compartir con ustedes aquí rodea la información del Capítulo 4, que ya hemos estado tratando en este capítulo. Pero ya sabes, la idea de hacer tu color local, no solo literalmente un color, sino integrar diferentes tonalidades y temperaturas sin dejar de mantener la apariencia de un color singular. Ahora bien, ya sabes cuál es la forma más rápida de practicar esto en realidad haciendo este pequeño ejercicio que te mostré en el propio capítulo que es fotografías finas de diferentes materiales en la vida real y simplemente muestrear y pintar sus diversos colorea vigilando lo que está haciendo la rueda de color mientras muestras, eso ayudará a ingrinar ciertos movimientos en tu cerebro, que luego podrás sacar más adelante mientras trabajas, digamos desde la imaginación. Pero para cerrar la brecha hacia trabajar desde la imaginación, podemos inspirarnos en otro artista, dicen esta pintura de Greg man ajedrez. Yo estoy mirando a ese monstruo desarmado de ahí. Cualquiera te puede decir que es verde sin embargo mira todos los colores que decididamente no son verdes ahí. Entonces lo que he hecho es recortar el cuadro de Greg Mencius sólo para que aparezca como colores abstractos. Y típicamente no me gusta trabajar en blanco puro, así que me voy a bloquear en algún tipo de ambiente neutro era tipo de cosa grisácea. Y podemos ponernos en marcha desde aquí. Vamos a volver a usar una esfera, como lo hacemos en estos estudios. Si te gusta, pintar formas básicas como esferas es una especie de par para el curso con tantas cosas de arte fino y cosas de ilustración. Es simplemente genial para la práctica porque de nuevo, no tienes que pensar tanto en el dibujo. Entonces sabes qué, haré esa cosa donde bloqueé la esfera en el color equivocado, comillas, queremos que la esfera aparezca verde después, pero la haré roja para empezar. En el cuadro original de Manchus, podemos ver algunas áreas que son rojizas. Eso es más una cosa naranjada. Y me vendría bien naranja si quisiera ponerlos. Pero ya veremos si puedo retener algunos de esos colores ya que ahora agrego el verde. Ahora bien, si bien quiero que esto tenga una fuente de luz, lo que quiero intentar y hacer ahora es pintarlo sin la influencia de la luz. Entonces agarraré mi herramienta de manchas tal vez. Y cuando uso mi herramienta de manchas, me gusta encender la pintura con el dedo, lo que me permite pintar con el color que he seleccionado. Y me meteré en mis verdes y diré: Está bien, es una especie de tono verde terroso como este. Y empecemos a poner en estos greens, moviendo ese rojo hacia el verde. Aquí es donde la herramienta de manchas es agradable porque se siente como casi como un cepillo de impasto de aceite húmedo o algo así. Otras apps, en realidad tengo mejor en pinceles pastel que esto. Al igual que Corel Painter es conocido por sus pinceles de medios naturales. E incluso apps como Procreate realmente hacen un buen trabajo con estas cosas. Krita también, y Photoshop en cierto grado. Aunque honestamente esto no es fuerza de Photoshop, pero Photoshop sí funciona bien. Si puedes encontrar el pincel adecuado para usar con la herramienta de manchas, aquí tengo este tipo de pincel plano. Creo que este pincel es uno de los pinceles impasto de Kyle Webster que viene con una suscripción de Photoshop CC, que obviamente YO UNO. Entonces eso es lo que estoy usando. Y obviamente no puedo compartir ese pincel contigo porque no es de mi propiedad incluirlo con mi material. Pero si tienes una suscripción a Photoshop, puedes acceder al kit impasto de Kyle Webster, que es de donde viene de nuevo este pincel. Está bien, para que veas que solo me estoy moviendo alrededor de mis Hughes moviéndose, estoy por ahí. Esto es más de un amarillo, verde. Tengo unos greens más fríos detrás de él y mira esos rojos, esos calentadores que solo están asomando ahora de fondo. Probemos unos verdes más azulados. Vamos por aquí arriba. Y de nuevo, ese es un turno tan grande, este azul o verde. Entonces lo voy a mantener gris. Esa es una gran manera de integrar colores. Si eres tímido al respecto es solo mantenerlo gris al principio. Y luego a medida que construyes confianza con esos grises por una especie de armonización de lo que hay, entonces tal vez puedas agregar un poco de saturación es que vas y creo que accidentalmente estoy pintando una fuente de luz. Asegurémonos de aplicar estos colores a lo largo. No quiero que este balón parezca tener luz en este momento. Entonces no quiero repetir el estudio que acabo de hacer, que son las esferas de luz y sombra integradas en la fotografía. Yo quiero que esto sea más un estudio de color plano. Pero una vez que termine, di cuando estoy en este nivel, estoy mirando eso y estoy como, vale, eso, eso lee como verde pero igual que el cuadro de monstruo Greg Mencius aquí, hay muchos colores ahí dentro que realmente no son verdes. De hecho, sumemos unos cuantos más. Al igual que veo algunos toques de morado en el panning Mencius. Vamos a asegurarnos de que sea muy desvalida. A lo mejor un poco más azul que eso. A lo mejor en realidad se parece más a este tipo de morado. Pon algunos de esos dentro y mira dónde puedes empujar los límites. Como cuánto de ese morado Se puede poner antes de que empiece a no lucir verde como si yo hiciera esto, ahora de repente ya no es una bola verde, ¿verdad? Si estás atento a cómo estás mezclando esos colores, bordes suaves, incluso este cepillo estilo rastrillo creará su propia versión de bordes suaves si presionas lo suficientemente ligeramente. Y entonces, por supuesto, la herramienta de manchas puede crear literalmente bordes suaves. Y luego también hay herramientas como el aerógrafo que tengo aquí arriba pueden crear bordes suaves. Te sorprendería cuánto color puedes meterte en un pequeño estudio de color local como este y aún así tenerlo, en este caso, leerlo como una bola verde. De acuerdo, Así que ahora simplemente agreguemos algo de luz a esto. Agarré un conjunto aerografiado al modo esquivar lineal, que he marcado aquí en mis pinceles, porque es un modo que uso mucho. Y se ve donde este monstruo está iluminado por la luz del sol. Es una especie de verde más cálido. Entonces escogeré un color más cálido aquí. Dodge lineal, en realidad tienes que escoger colores más oscuros porque lo agrega así. Y entonces lo que voy a hacer es que sólo voy a poner esto. Y lo bonito de poner en mis colores locales primero y tener todas esas vibraciones de color integradas es ahora cuando agrego esta capa de luz con modo dodge lineal, o puedes usar el modo de esquivar color o el modo pantalla. Hacen cosas muy similares. Conserva todo ese trabajo que hice debajo. Y ahora siento que tenemos una bola tridimensional con todas esas vibraciones de color, esas variedades de tonalidad iluminadas por una fuente de luz real. Podría ir por el camino opuesto y voltear esto sobre 2 modo multiplicar, tal vez conseguir un color más fresco. Y con multiplicar, vas a escoger un color más claro porque lo va a oscurecer. Y solo puedo tal vez aumentar el contraste en las sombras y conseguir que esta pelota haga estallar un poco más su forma, ya sabes. Cambia esos colores mientras trabajo. Y de nuevo, el modo multiplicar, muy parecido al modo esquivar lineal, preservará todo ese trabajo de color que hice debajo. Y este estudio decididamente no es bonito. Es decir, hay un halo de luz por aquí que solo puedo pintar, pero no importa. Ya sabes, no estás pensando que no estás publicando estos en tu cuenta de Instagram ni nada. Nuevamente, estas son cosas que haces por una taza de café matutino y solo estás tratando familiarizar tu cerebro y tu ojo con cómo se mueven los colores en esto, todo importante, es el recolector digital de color. Ya sabes, esta clase está dirigida en su mayoría hacia los pintores digitales, pesar de que las teorías del color son plenamente aplicables también a los artistas tradicionales, cuando trabajamos digitalmente, tenemos que atenernos a este recolector de color. No mezclamos nuestros pigmentos como lo hace un pintor de aceite tradicional. Por ejemplo, escoger colores es complicado porque es tentador querer escoger el color exacto con el que quieres pintar. Lo que les estoy mostrando aquí, sobre todo en este ejemplo, es que eso no es realmente lo que hacen. O al menos otra opción es mezclar colores en el lienzo real y llegar a los colores visualmente. Es decir, los evalúas visualmente, no necesariamente escogiendo ese color y diciendo: Oh, ese es el color correcto. Es más como si pudieras escoger ese color y luego mezclarlo hacia él presionando suavemente con tu pincel o algo así y tienes la influencia de ese color en un área general. Está bien, y si quisiéramos agregar un poco de sombra aquí, sólo podría escoger un neutro colores fríos algo y ya sabes, si es una luz cálida en mi clásica o sombra y simplemente hacer algo como esto. Nuevamente, este es decididamente menos bonito que el último, pero eso está bien. Yo lo estoy haciendo a propósito porque quiero animarte a que te metas en estos repeticiones. Y siento que el perfeccionismo y demasiada calidad a veces puede lastimar eso. Nunca digo que debas abandonar la calidad por completo como esto tiene calidad a ella, pero de ninguna manera es una pintura pulida de una esfera. No obstante, siento que los colores que acabo de captar ahí, y esto me llevó 15 minutos, serían sumamente valiosos si quisiera pintar algo tan complejo como este monstruo en la pintura original Mencius. O tal vez uno de mis propios monstruos verdes, que es exactamente como voy a pintar a este tipo. No es coincidencia que ese monstruo esté muy cerca de una esfera. De acuerdo, entonces vamos a sacar esta llave del Capítulo 5, y sólo quiero mostrarles una cosa más. No tengas miedo de blob de cosas phi. Todo este capítulo de consejos de estudio he estado hablando básicamente de eliminar el dibujo tanto como puedas. Bueno, ¿por qué no simplificar aún más este estudio y hacerlo en forma esférica? Lo único que haré de manera diferente aquí es agregar unas cuantas esferas más para exprimir la escena, y escogeré algunos de los colores mayores ahí dentro. Se pueden ver los tonos de chaqueta, los tonos de carne, el bandana, los tonos rojos. Y sólo estoy tomando algo de inspiración en cuanto a dónde yacen esos objetos. Esa esfera más atrás, que representa al niño en el extremo lejano, sí necesita ser un poco más oscura que el chico más cerca. Y se puede ver que mis dos esferas representan eso. Eso es importante para mí en esta pieza porque no quieres que esas figuras simplemente se agrupen como una sola masa. Sí quieres algo de separación ahí. Eso es lo que hizo Rockwell en su cuadro de todos modos, y me gustó que a pesar de que llevan ropa del mismo color, se separan entre sí vía una diferencia de valor. Y en este, porque el chico de abajo y el perro están un poco separados de todo lo demás. Ni siquiera los voy a incluir en esta versión del estudio. Si puedo conseguir que esos mejores blobs funcionen, todo lo que tienes que hacer es replicar esas decisiones para el fondo y saldrá bien. Estudiar a veces puede implicar una simplificación creativa de tu asignatura. Y de nuevo, esto es específico para el estudio del color. decir, es algo parecido a cómo estudiamos dibujo, ¿no? Cuando estudiamos dibujo, eliminamos el color. Entonces cuando estudiamos el color, ¿por qué no eliminar tanto dibujo como sea posible? Ahora ese ancho de banda creativo recién liberado puede enfocarse todo en tus selecciones de color. Sí, creo que terminaré con esa ahí. Entonces también terminaré aquí el Capítulo 6. Y por extensión, este es el fin de la clase. Quiero agradecerles por ver el color Survival Guide. Realmente espero que esta clase te haya dado alguna valiosa visión y lecciones y herramientas que en última instancia te ayudarán a impulsar tu uso del color a ese siguiente nivel. Después de todo, sí creo que el color puede ser algo muy lógico. Seguramente puede sentirse aterrador al principio, pero con la ayuda de herramientas como las de esta clase, tengo confianza en que podrás darle más sentido. Muy bien, amigos, este es Marco Gucci fichando. Te veré en otra clase. Feliz estudiando.