Introducción a la escritura de música: conceptos básicos de la composición de canciones

1. Introducción: Hola. Me llamo Jason Rivera. Soy un multi instrumentista y compositor. Podrías encontrarme en línea en www dot Jason Rivera music dot com. He escrito y tocado en Innumerables grabaciones tienen hacia la U. S. Como intérprete, y he tenido la suerte de escribir y dirigir algunas de las mejores orquestas de vida del mundo aquí en Los Ángeles. Me encanta escribir música porque es un lenguaje universal, y me permite expresarme de formas que no soy capaz de hacerlo con palabras. La música es un tema hermoso e infinito, y trabajo en refinar mi oficio musical todos los días porque sinceramente creo que no importa lo bueno que seas, lo que hagas, siempre hay más que aprender. Y cuanto más refines tu oficio, mejor podrás expresarte a través de tu música. Esta clase es un curso vertiginoso sobre los fundamentos de la composición y la composición. Mi objetivo es proporcionarte las herramientas que necesitas para escribir tus propias canciones o composición. Espero que esta clase te ayude a organizar y refinar tu material musical y a ponerte en camino a escribir tu propia música. 2. Tu proyecto: en esta clase. Te voy a guiar a través de los fundamentos de escribir una canción o composición los temas vamos a cubrir nuestras cuerdas, melodías, letras y orquestación y arreglo. Te voy a guiar por estos temas y te daré consejos y técnicas en el camino que puedes probar en tu propia música. Para tu asignación, tomarás las técnicas que te brindo y crearás tu propia canción y luego cargarás tus resultados a soundcloud, YouTube o dropbox y publicarás un enlace a tu archivo en la galería de proyectos. Tus grabaciones no tienen que ser Hi fi. Te animo a no ser laborioso, la escritura o el proceso de grabación y a confiar en tus instintos. El objetivo de esta asignación es conseguir que escribas y pruebes algunas ideas nuevas y que compartas los resultados con tus compañeros de clase para que todos podamos crecer como escritores juntos. 3. Acordes: De acuerdo, entonces hablemos de acordes. En primer lugar, ¿qué son los cordones? Una cancha es una combinación de tonos musicales. Un tipo de cancha muy común es probar a un acorde de tres notas. tríadas consisten en una ruta, la nota a partir de la cual crece el cordón 1/3 la tercera nota arriba de la escala desde la raíz, y 1/5 la quinta nota arriba de la escala desde la raíz. Por ejemplo, el tribunal mayor C tiene sus raíces. Ver 1/3 E uh, que es la tercera nota arriba de la escala de C y 1/5 G, que es la quinta nota arriba de la escala de C. Las progresiones de corte son una sucesión de acordes en el tiempo y proporcionan la base para escribir una canción o una composición, un par de amplios comentarios brushstroke en canchas, o que los acordes mayores como el acorde C mayor suenan acordes brillantes y alegres y menores como el acorde menor D suena sombrío. C mayor d menor. La mayoría de las progresiones judiciales tienen en ellas una mezcla de tipos de corte, como acordes mayores y menores. Pero esa es sólo la punta del iceberg. Dependiendo del estilo de tu escritura en, podrías usar acordes aumentados, disminuidos o séptimo para nombrar algunas opciones. Para empezar a escribir sobre tu proyecto, voy a proporcionar una progresión judicial con la que trabajes, y aquí se trata de una menor a D menor. Ver mayor T e menor y volver a la A menor escribir progresiones core es un tema sobre el que podría seguir. Si quieres aprender más sobre cómo desarrollar una progresión cancha original, dije, Simplemente revisando mi otra clase. Crear una progresión de corte en una clave mayor. Esa clase es una inmersión profunda en crear una progresión cancha original con variaciones. Ahora te voy a dar algunos consejos para cómo hacer que tu cancha suene un poco más interesante. Una técnica es usar arpegios al tocar tus cuerdas, por ejemplo, otra forma de agregar variación es experimentar con el ritmo que usan. Por ejemplo, podrías tocar cada cancha cuatro veces por medida como notas de cuarto, o puedes tocar cada acorde cuatro veces por medida, con notas de cuarto en la mano izquierda y octava notas en la mano derecha. Uh, esto es realmente útil en una sección pre coro o coro de una canción para dar la ilusión de que la música se está moviendo más rápido ayuda a la energía de habilidad en tu pieza. Otra técnica que podrías usar para variar el sonido de tus cordones es usar inversiones de acordes al invertir Accord. Esencialmente, lo vuelves boca abajo colocando la nota inferior en la parte superior. A modo de ejemplo, volvamos a nuestra tríada C mayor. Tenemos posición de raíz donde el mar está al fondo para la primera inversión. Subimos el mar inactivo, y ahora la tercera e, uh, está en el fondo del cordón. El para la segunda inversión. Nosotros movemos la tercera e hacia arriba inactiva y ahora los 50 G's en la parte inferior. Por lo que esas son tres posiciones diferentes para jugar la misma cancha. Ver Mayor, Y como se puede escuchar, la calidad de la corte cambia cuando se utiliza una posición diferente, todos los tribunales podrían invertirse de esta manera. Por ejemplo, volvamos a la progresión de la corte para tu proyecto. De una manera podría jugar estas canchas es con una posición menor y raíz a la D menor y segunda inversión con el heno en la parte inferior a la C mayor y segunda inversión con la G en la parte inferior a la e menor y primera inversión, también con el G en la parte inferior. uso de estas inversiones en este ejemplo hace que jugar la progresión de la cancha en mi mano izquierda mucho más eficiente, sea mucho más eficiente, pero también cambia el color de la progresión de la cancha. Escuchemos la progresión de la cancha, utilizando todas las canchas jugadas en posición de ruta primero. Y ahora volvamos a escucharlo, usando las inversiones que acabo de describir. Entonces ese es el final de nuestra lección sobre canchas. Espero que eso te haya sido de ayuda, y estoy deseando escuchar lo que haces con tu pieza. 4. Melodía: De acuerdo, Siguiente arriba es nuestra lección sobre melodía. Empecemos definiendo una melodía. Una melodía es un Siris de notas que se mueven en el tiempo. Una tras otra melodía puede tomar muchas formas diferentes. Por ejemplo, puede ser una melodía, como en Música Pop, un tema, que es una melodía que se desarrolla a lo largo de una obra, como en Música Sinfónica. Un Motivo, que puede ser dos notas más pequeñas y podría unirse para hacer frases una línea larga melódica o una línea de base. Es útil pensar en la melodía como la parte cantadora de la música. Echemos un vistazo a algunos consejos para escribir buenas melodías al escribir una melodía. Es importante estar al tanto de los cordones que están pasando por debajo en lugar de simplemente rodar los dados y esperar que se te ocurra algo que suene bien. Esto te dará un lugar sólido para empezar. Una forma de hacer rodar la pelota es el dedo del pie. Haz que tu melodía utilice la ruta o el tercio de cada cancha ya que la progresión de la cancha se mueve . Por ejemplo, si estamos en el acorde a menor, podría comenzar su melodía en la nota. A esto ayuda a establecer la clave en la que estás y solidifica la progresión de la corte. Lo que estaba haciendo ahí fue como cambio de acordes, toqué la raíz del cordón, seguido de la tercera de la cancha. Al hacer eso, estaba tocando en notas de Lee que venían de cualquier cuerda que estuviera tocando en ese momento. Esas notas se denominan cuartos de tonos. Ahora podemos empezar a agregar algo de sabor usando notas y nuestra melodía que no están en la cancha estamos tocando. Al hacer esto, es útil estar consciente de un par de cosas. En primer lugar, intenta mantener tu melodía moviéndose en pasos, Por ejemplo. Uh, lo que estaba haciendo ahí fue que todavía estaba usando la ruta o el tercio de cada acorde y mi melodía medida que cambiaba la progresión de la cancha. Pero moví la melodía a través de algunas notas que no estaban en los cordones. Esas notas se denominan tonos no core. Además, estaba moviendo mi melodía mayormente en pasos, lo que da a la melodía en buena forma. Otro consejo útil es cantar melodía en voz alta mientras estás trabajando en ello. Esto ayudará a que tu melodía sea más musical. Si tienes un violonchelo tocando tu melodía, por ejemplo, el violonchelista no necesita respirar de la misma manera que lo hace un leñador. Pero sin embargo, dada tu melodía, aliento ayuda a darle forma y fraseo. Otro consejo para dar forma a tu melodía es usar la repetición la primera vez a través de tu progresión cancha. Estabas tu melodía en la segunda vez que juegas a través de la progresión de la cancha. Se repite la melodía, pero con una pequeña variación repitiendo las frases ayuda a que la melodía se pegue en la mente del oyente, por ejemplo, sí. - Por último , intenta mover tu melodía abierta activa a medida que avanza tu canción. Este es un truco simple, pero ayuda a agregar variedad y darle un ascensor a la canción mientras se está construyendo. Entonces esos son algunos consejos para construir una melodía encima de tu progresión de cancha, y puedes escuchar que una estructura de canciones ya está empezando a tomar forma. 5. Letra: De acuerdo, echemos un vistazo a la escritura lírica. He co escrito y escrito letras a varias canciones a lo largo de los años, pero como mi salida musical se centra principalmente en la música instrumental, voy a hacer de este video un resumen rápido. Es bueno estar conscientes de que sus diferentes enfoques a la escritura lírica, por ejemplo, y la canción como los Beatles, Lucy in the Sky. Las letras son extremadamente visuales y llenas de metáfora, mientras que en John Lennon las obras en solitario, por ejemplo, una canción como Imagine the Lyrics son mucho más directas y al grano. Cualquiera de los enfoques es válido. Depende de ti decidir cómo quieres contar tu historia a través de tus letras. También, haz tu investigación. ¿ Quiénes son tus compositores y letristas favoritos? Encuentra su partitura, estudiarla y echa un vistazo a cómo se juntan las palabras con las melodías y la música . Escucha, dedo del pie mucha música y también leer mucho. Uno de mis letristas contemporáneos favoritos es Thom Yorke. Por lo que entiendo, estudió literatura en la universidad y realmente se muestra en histeria. Incluso esas letras parecen bastante simples en el papel cuando las escuchas juntadas con su voz y sus melodías y su música. Adoptan una vida en el sentido de la suya propia. Eso trae a otro. No, puede que tengas que cambiar y adaptar tus letras después de escucharlas cantadas en voz alta. Lo que funciona en papel no sabe que estaba funcionando un contexto musical. Otro consejo es que algunos escritores escriben primero sus letras y luego una melodía, o viceversa. No hay una manera correcta de abordarlo cuando se trata de bloque de escritor, y esto va por si estás escribiendo letras o música. Descubrí por mi experiencia que la mejor manera de superar esto es literalmente atravesar la cuadra, poner algo en papel o en una grabación y luego tomar un descanso de ella, ir a dar un paseo, hacer una taza de café lo peor y a veces lo más intimidante como página en blanco. Entonces, solo baja algo. Aunque su corriente de conciencia siempre podrías volver más tarde y refinarla. No te intimiden. Tómalo una grieta, y cuanto más lo hagas, mejor lo conseguirás. Tengo muchas ganas de escuchar tus letras 6. Orquestación y arreglo: ok para nuestra lección final, Echemos un vistazo a la orquestación y el arreglo. Este es otro tema masivo, y en algún momento puedo dedicarle una clase específicamente a él. Pero mi objetivo por ahora es darte una introducción al mismo y darte algunos consejos y punteros para que puedas aplicar algunos de estos conceptos a tus propias piezas. orquestación en el sentido tradicional es escribir o adaptar música para una orquesta en vivo al orquestar música preexistente. Las notas y armonías originales se mantienen intactas y no se alteran en absoluto. Un arreglo como reimaginación de una obra existente o nueva. Organizar puede implicar cambiar armonías, alterar el tempo y elegir la instrumentación. La orquestación y el arreglo están relacionados, pero son diferentes para nuestros propósitos. En esta clase se estará enfocando en algunos conceptos básicos de orquestar y arreglar si trabajarás o no con una orquesta en vivo para tu pieza. Estos conceptos realmente se pueden aplicar a la mayoría de cualquier situación de escritura cuando lo desgloses en esenciales. La mayoría de la música, especialmente la música popular, tiene dos elementos principales a la misma. Una melodía y acompañamiento musical o vocal. Esa idea debería ayudarte a organizar y agilizar cualquier idea que puedas tener y ojalá que sea un poco más fácil y menos abrumador. En nuestra última lección sobre melodía, tuvimos dos elementos sucediendo. Una melodía con cuarzo como acompañamiento. Otro consejo a tener en cuenta es tener tu acompañamiento y melodía y diferentes gamas. Por ejemplo, si tienes tu acompañamiento tocando por debajo de la C media en un piano, entonces ten tu melodía en una octava más alta o más baja y así sucesivamente. Y de esa manera mantienes tu acompañamiento fuera del camino de la melodía y ese ejemplo que allí toqué. Mi melodía estaba por encima del medio C en mi acompañamiento estaba por debajo de Medio C. Otra cosa a tener en cuenta es tener tu melodía en una dinámica o volumen más fuerte que tu acompañamiento. Si estás produciendo una canción, podrías lograrlo a través de la mezcla, pero también hay que tener en cuenta al interpretar y grabar tu canción. Esto ayudará a resaltar tu melodía y llamar la atención del oyente sobre ella, creando un punto focal. Otro concepto a tener en cuenta, sobre todo al mezclar atraer, es agradecerte por tus elementos en cuanto a fondo medio de primer plano y fondo. Por lo general, tu melodía principal estaría en primer plano. Eres elementos rítmicos como la guitarra y los tambores estarían en tu medio suelo, y cualquier textura, tal sintetizadores o sonidos ambientales volverían a estar en segundo plano. Estamos tratando de colocar la melodía en primer plano y darle protagonismo. Además, es bueno utilizar el contrapunto en tu música, y este es otro tema masivo que literalmente podrías pasar años estudiando y una cáscara de nuez. Contrapunto es la relación entre elementos musicales, por ejemplo, voces humanas que están interconectadas en cuanto a los acordes y escalas que están sucediendo en la música pero que son independientes entre sí en cuanto a las notas golpeando en cualquier momento dado y sus valores rítmicos. Eso puede sonar algo complicado, pero déjame demostrarlo y ojalá lo haga más claro en mi primer acorde. Mi melodía, Mi mano derecha está un poco ocupada, así que mi mano izquierda, el acompañamiento solo está sosteniendo notas enteras en la siguiente cancha otra vez. Mi melodía comienza con una especie de frase ocupada y eventualmente se sostiene en la nota F cuando la estática melodiosa, la mano izquierda, luego por favor una pequeña octava descendente sin tipo figura en la siguiente cancha otra vez. El melodía está un poco ocupado en la mano derecha, por lo que mi mano izquierda toca una nota entera en el acorde final, las melodías sosteniendo una nota entera. Por lo que al final de la frase, mi mano izquierda toca una pequeña figura de nota de puerta cromática que conduce de nuevo al acorde menor . Esa es una introducción realmente básica al contrapunto, pero ojalá algo que puedas aplicar que le dé más claridad e interés a tu música. Por último, quiero mencionar la estructura de la canción. Esto es realmente una parte de la escritura y composición de canciones que es única para cada escritor y enseñar situación de escritura. Pero si eres nuevo en este oficio, quizá quieras empezar con una estructura simple A b A B, un ser reacio y ser un coro. Entonces en ese ejemplo, tendrías el verso uno, seguido de un coro uno, seguido del Versículo dos, seguido también del coro . Y quizá quieras hacer ese segundo coro dos o tres veces más largo que el primer coro, para que también funcione de nuevo como un outro a tu canción. Realmente podrías tocar con esto, dependiendo de cuánto tiempo quieras que esté tu canción y a dónde quieras llevar tu pieza. Por ejemplo, podrías tener tres versos en lugar de dos o agregar en un puente después de tu segundo coro. Pero si solo estás tomando tu primera escritura crack out, quizá quieras empezar con la primera estructura que mencioné la estructura A B A B. Además, por favor ten en cuenta que está perfectamente bien usar la misma progresión de cancha para toda la longitud de una pieza. Muchas canciones pop y partitura de cine acusan utilizaron este enfoque. Tan solo asegúrate de mantener el interés de los oyentes a través de tu uso y desarrollo de la melodía, letra, la orquestación y el arreglo. 7. Reflexiones finales: De acuerdo, así que lo hemos hecho todo el camino a través de esta clase sobre conceptos básicos de escritura de canciones. Yo quiero felicitarte por lograrlo todo el camino. Espero que hayas recogido algunos consejos útiles para ayudarte en tu proceso de redacción. Y espero que te sientas un poco más seguro para saltar y empezar a escribir tu propia música . Tu proyecto para esta clase es escribir tus propias canciones o composición. Hemos caminado por todos los escalones. Te he dado una progresión de acordes con la que empezar en algunas formas de agregarle variación Después agregarás tu melodía y letras si tu pieza como voces en ella. . Y por último, usarás, um, orquestación y consejos de arreglos para ayudar a organizar tus ideas musicales y dar claridad pieza lágrima . Recuerda subir tus grabaciones a Soundcloud, Dropbox o YouTube y publicar tus enlaces en la galería de proyectos. Lo más importante, recuerda divertirte con este proceso. Muchas gracias por ver esta lección en video, y estoy deseando escuchar tu música