Transcripciones
1. Introducción: Cuando tocabas ese disco, ¿en qué estabas pensando? Hola, soy Eric Friedensohn. La mayoría de la gente me conoce como Efdot. Soy ilustrador, artista, y muralista radicado en Brooklyn. Una foto realmente puede traerte de vuelta a un recuerdo en tu pasado, y cuando regresas y añades tus propias ilustraciones y detalles encima de la foto, puedes aumentar la narración y hacer que la foto sea aún más poderosa. Este año he llegado a trabajar con Topps. He estado reimaginando 20 de sus tarjetas icónicas de su archivo. He estado poniendo mi giro en ello, reilustrándolas y creando piezas de arte únicas. La fotografía es como la música que puede transportarte de vuelta en el tiempo a cuando se tomó la foto. A lo que vamos hoy es como un remix. Nos vamos a meter en algo que toma inspiración de dónde vino originalmente el arte pero agregando tu propio giro único en él. Te estaré mostrando hoy cómo dibujar directamente en una foto y remezclarla en una ilustración fotográfica, sacando tu propia expresión artística única. Te voy a llevar a través de mi proceso de elegir una fotografía simple, concepcionar y esbozar, ilustrar y agregar color y terminar con una ilustración fotográfica final terminada. Esta clase es para arriba y venideros ilustradores, diseñadores gráficos, fotógrafos, artistas, realmente cualquiera que esté empezando a probar la ilustración digital. Más que la suma de sus partes, una foto e ilustración van a terminar dando algo mucho más allá de lo que esperas. Estoy emocionado de llevarte a través de esto. Me encanta tanto este proceso de ilustración fotográfica porque saca la intimidación del lienzo en blanco. Tienes una foto con la que ya puedes empezar y desarrollar tu obra a partir de ahí. Podrás volver a tus propios recuerdos, encontrar algo que quieras revisitar y sacarlo a la luz y convertirlo en algo realmente especial. Estoy súper emocionado de compartir esta clase contigo. Vámonos.
2. Presentación de la clase y los proyectos: El proyecto de hoy es remezclar una fotografía. Vamos a estar eligiendo una foto personal y agregando en nuestras propias ilustraciones, que realmente saquen una historia y muestren su expresión artística. Elegí este proyecto porque es una forma muy divertida de crear ilustraciones
multicapa que saca el estrés de acercarse al lienzo en blanco. Una fotografía te da mucho material con el que trabajar ya, por lo que este proyecto es genial para los que acaban de empezar. En la clase de hoy vamos a cubrir unos pasos diferentes. En primer lugar, vamos a ver algunos de los artistas y fotógrafos que
me inspiran y algunos ejemplos de combinar fotografía e ilustración. Entonces vamos a mirar nuestra propia fotografía y evaluar cuáles son buenas para la ilustración fotográfica. Después de esto, aprenderemos a idear conceptos para realzar la foto y realmente contar una historia. Después nos meteremos en bosquejar, refinar y colorear nuestra propia composición encima de una fotografía para crear nuestro propio remix fotográfico. También veremos diversos usos para esta nueva obra de arte desde redes sociales, hasta grabados, hasta aplicaciones editoriales. Ya que estamos trabajando con fotografía digital en esta clase, la principal herramienta que vamos a estar usando es el iPad. Cualquiera que sea la tableta de dibujo que tengas en casa funciona, pero necesitas un lápiz óptico. Voy a estar usando el lápiz Apple. También estaré haciendo bocetos y lluvia de ideas sobre papel en mi cuaderno de bocetos con lápiz, bolígrafo, rotulador, lo que sea que tengas está bien, pero la herramienta principal que vas a necesitar es la tableta de dibujo. Mantén la mente abierta a lo largo de esta clase. Será exitoso si creas
algo que no esperabas si te pones un poco desordenado,
y comienzas a mirar la fotografía y el dibujo de una manera completamente nueva. Entrémonos en ello y empecemos a echar un vistazo a algunas fotos.
3. Búsqueda de inspiración: Este video es todo acerca de reunir inspiración. Aquí tenemos un montón de mis libros favoritos de artistas que me inspiran. Algunos de ellos, fotógrafos, algunos de ellos, ilustradores, algunos de ellos combinando los dos médiums. Esperemos que esto haga girar tus engranajes y te inspire para el proyecto. Este primer libro que vamos a ver es de Christoph Niemann, se llama Sunday Sketching. Christoph Niemann es un ilustrador de fama mundial procedente de Alemania. Tiene este proceso donde sólo tomará una simple foto de algo en su casa, y luego descubrirá una manera de contar una historia agregándole algunas ilustraciones simples. Esto es de un enfoque mucho más mínimo que a lo que normalmente estoy acostumbrado, pero todos son realmente inteligentes, y me encanta cómo está mirando diferentes objetos y artículos cotidianos de una manera totalmente nueva. ¿ Cuándo fue la última vez que viste un rollo de cinta y pensaste en una bicicleta? Ideas realmente geniales aquí. Siempre que me siento atascado y no puedo llegar a un concepto inteligente, saco este libro porque Christoph sólo tiene tantas anécdotas buenas por aquí. El mayor alimento para llevar que obtengo del trabajo de Christoph es reimaginar objetos cotidianos
ordinarios y verlos con una nueva luz. ¿ Cuál fue el papel de la cinta? Podría convertirse en bicicleta si tienes la imaginación para ello. Eso es lo genial de la ilustración, como realmente se puede imaginar cualquier cosa, no tiene por qué existir en el mundo real. Se puede combinar los mundos real e imaginario, y creo que Christoph hace un trabajo increíble de eso. El siguiente libro que quiero mostrarles es de Jonathan Mehring. Se llama Skate the World, es National Geographic Skateboarding book. Soy un patinador enorme, y quería mostrarles este libro por las composiciones aquí. Podemos hablar de cuáles de éstas podrían ser buenas para la ilustración fotográfica, no para el proyecto de hoy, sino sólo mirar fotos realmente de alta calidad y la acción de la fotografía aquí. En este caso, por ejemplo, hay mucho pasando en esta foto. Funciona realmente bien por sí solo. No sé si ésta realmente necesita alguna ilustración fotográfica. Podría perderse si comenzaras a agregar detalles en la parte inferior aquí. Pero entonces cuando encuentras una foto que tiene un poco más de espacio negativo como esta, es una composición mucho más simple, no tanto ruido pasando. Uno de estos podría ser bueno para agregar ilustración en la parte superior. El punto de partida de este libro que quería compartir
contigo es que no todas las fotos necesitan ilustración, algunas de ellas son hermosas y emocionantes por su cuenta,
y en realidad podrías estar haciendo un mal servicio a la foto si añades ilustración. Busca esas fotos que tengan algún espacio negativo, no demasiados detalles. Estoy usando la fotografía de skate, pero puedes usar la fotografía que quieras. También te estaré contando un poco más sobre cómo elijo fotos y las analizo en la siguiente lección. El último libro que quiero mostrarles es un libro de Keith Haring. Se trata de algunas de sus obras de la década de 1980. Si no conoces a Keith Haring, definitivamente
deberías revisar más de su trabajo, pero me encanta tanto su estilo, me ha influido mucho. Creo que lo que me encanta es lo simple que puede ser el trabajo de línea, pero todavía puede contar una historia tan convincente y realmente atraerte y hacer que quieras entender lo que está pasando en la imagen. Pintó muchos murales también, y su trabajo me inspiró a meterme pintura
mural usando grandes pinceles audaces y herramientas poco convencionales. Creo que su obra, de todos los artistas que hay por ahí, ha tenido una de las mayores influencias en mi trabajo. Te puedes imaginar que algunas de estas podrían quedar bien con una foto de fondo. Hizo un poco de ilustración fotográfica en este libro, pero la mayor parte es simplemente un
dibujo de línea en blanco y negro realmente simple que se puede aplicar a una foto con un gran show de pincel y procreate. Esto es genial para la inspiración para la clase. Algo más que me encantó del trabajo de Keith Haring es que siempre tuvo un mensaje detrás de su arte. En lugar de garabatear líneas divertidas, abstractas, en realidad quería cambiar el mundo con su arte. ¿ Cómo puedes acercarte a este proyecto con una misión o un mensaje que pueda moverlo más allá de simples garabatos encima de una foto? Además de los grandes artistas como Christoph Niemann, Keith Haring, quería mostrarles algunos artistas más oscuros. Este es un libro de Artemio Rodríguez, es un artista mexicano. No había oído hablar de él hasta hace apenas un año. Pero cuando vas a la librería, vas a encontrar a todos los artistas típicos que están mirando otras personas. Pero creo que para empujar tu estilo en diferentes direcciones, es útil encontrar algunas referencias más oscuras y reunir inspiración de lugares inesperados. Este es su estilo, está muy influenciado por el arte popular mexicano, y esta noche y día, cielo, dualidad infernal que se ve en su obra. Simplemente me gusta mirar el trabajo de Artemio porque es tan raro y diferente. Respira profundamente conmigo. Cualquiera que sea la obra de arte
que resuene contigo, no tiene que ser uno de los grandes artistas que todo el mundo sabe su nombre, puede ser alguien de quien acabas de enterarte ayer y nadie sabe quiénes son. en realidad podría llevar a todo un nuevo cuerpo de trabajo. Algo más que me gusta de su trabajo, simplemente volteando estas páginas, es justo como los pequeños detalles que incluye marcan toda la diferencia, como este es un spread tan cool, pero decidió sombrearlo de alguna manera eso era poco convencional, casi como un tatuaje o un viejo aguafuerte. Creo que esa elección sólo hace que esta ilustración sea tan poderosa. Busca tus propias referencias. Busca diferentes artistas que te inspiren, no
tienen que ser los artistas más famosos por ahí. Está bien tener referencias extrañas u artistas oscuros a los que se admira. todo caso, creo que seguir artistas y obtener inspiración de lugares inesperados, cuanto más oscuro mejor, porque vas a obtener resultados más interesantes que la mayoría de la gente no está consiguiendo esas mismas referencias. Busca a esos oscuros artistas de los que nadie más conoce y consigue algo de inspiración. El último artista que quiero mostrarte se llama Kervin Brisseaux. También utiliza la fotografía de retrato, similar a cómo lo hace Chris. Kervin y Chris ambos tienen su propio lenguaje visual de cómo dibujan en la fotografía. Esto probablemente les llevó mucho tiempo desarrollarse, pero aquí se puede ver que todas sus fotos tienen la cara recortada con un fondo ilustrado, agregando accesorios en la parte superior. Es un look realmente único. Me encanta cuando su trabajo aparece en mi feed y siempre me inspiro cuando lo veo. Al igual que tomar una simple fotografía modelo y elevarla de una manera que es realmente inesperada. Para estos tres artistas y los libros que tenemos aquí en la mesa, los
voy a enumerar en la sección Enlaces de esta clase para que los revisen, hagan un poco más de lectura sobre ellos. También tengo curiosidad por ver quién te inspira. Cuando sí publicas tu proyecto al final de esta clase, sitia tus referencias porque siempre es genial estar compartiendo trabajo que no hemos visto antes. Esta siguiente pieza quiero mostrarte es un diseño de tarjeta que difiere el proyecto tops. Este es Willie Mays. Con todas las cartas realmente, estoy haciendo investigación para averiguar qué hace que este jugador sea único y qué fue parte de la historia. Descubrí que su apodo era The Say Hey Kid. Incorporando algunos detalles del contexto, Nueva York 1954 realmente sólo para contar esa historia de lo que estaba en la tarjeta original, pero no existía como parte de la gráfica, así que remezclándola a mi manera. El cartulina terminada se ve así en un estuche. Creo que este fue uno de mis más divertidos sólo porque se
siente muy dudely y enérgico. Ahora bien, esta última que quiero mostrarles es una foto que me tomé en Union Square en Manhattan. Originalmente no había mural aquí o no había letras, solo
era una pared roja. Lo vi mientras caminaba por la calle y
pensé que ese lugar se vería perfecto para un mural. Estoy usando este proceso de ilustración fotográfica, en este caso, es letras, para contar la historia de lo que estaba pasando en este momento neoyorquino. En realidad terminó conduciendo a un proyecto comercial y pude pintar este mural en la vida real. Eso te muestra el poder de usar este proceso para presumir de tu imaginación. Si eres fotógrafo, no
eres capaz de ejecutar realmente lo que tienes en mente, puedes usar este proceso para lanzarlo a un cliente y nunca sabes a dónde va a ir. Ojalá ver a estos artistas que me inspiran y parte de mi trabajo haya conseguido que tus engranajes se vuelvan un poco. Ahora quiero que pases algún tiempo buscando artistas que te
inspiren y asegúrate de agregarlos cuando
subas tus proyectos más adelante al final de la clase para que podamos ver quién te inspira. Siempre es bueno estar compartiendo trabajo que es fresco y emocionante. Ahora, en el siguiente video, te
vamos a mostrar cómo elegir una foto y empezar en el proceso.
4. Elegir tu foto: En este video, vamos a hablar de elegir una foto y qué hacen las fotos para buenas ilustraciones fotográficas. Nos vamos a estar centrando en la fotografía de acción, específicamente en la fotografía de patinaje para mí. Pero podría ser tan simple como dos personas de alto rango de cinco o una persona agitando o sosteniendo un objeto. Ahí algunas consideraciones en las que deberías estar pensando cuando estás
pasando por fotos y tratando de seleccionar la adecuada para tu proyecto. El primero es sobre la acción que está sucediendo en la foto. Para mí, voy a estar haciendo fotografía de skateboarding, pero puedes elegir la acción que quieras. Podría ser tan simple como dos personas haciendo un alto cinco, podría ser alguien sosteniendo un objeto, atleta haciendo su deporte. De verdad depende de ti y puedes ponerte creativo con esto. Segunda consideración son los antecedentes. Lo que está pasando detrás del tema va a informar cómo dibujas encima de él. Si quieres bloquear completamente el fondo e ilustrar uno completamente nuevo, eso depende de ti. Pero si hay algo ahí con lo que trabajar, diría que úsalo a tu favor. El siguiente es la iluminación. Si encuentras una foto que tenga buena iluminación y hay suficiente contraste en la imagen para que puedas ver lo que está pasando, esa suele ser una buena foto. Si la figura se silueta fuera del fondo y están saliendo hacia adelante, eso funciona, pero también te va a dar un efecto más dramático. Sólo depende de ti. Necesita tener buena iluminación y estar enfocado. Lo siguiente que quieres estar mirando es la composición de la foto. Asegúrate de que estás usando una foto que estés contento con el recorte tal cual. Puedes recortar los lados o cambiar la composición en la ilustración final, pero al menos tener suficiente información para trabajar en la foto es realmente importante. Lo último en pensar es ¿cómo te hace sentir la foto? Suena simple, pero si terminas con una foto que tiene un sentimiento realmente dramático,
así es como tu ilustración se va a ver en su mayoría al final. Si quieres crear algo que sea realmente edificante y feliz, entonces intenta encontrar una foto que te dé esa expresión
de inmediato y luego puedes usar esas para informar tu ilustración. Un simple retrato u paisaje podría no ser suficiente para trabajar. Vamos a empezar en mi recurso favorito para la fotografía, que es Unsplash. Unsplash es una página web de fotografía de stock donde puedes buscar lo que quieras. Son fotos realmente de alta calidad. En cuanto a sitios web de fotos en stock, es uno de los mejores que hay por ahí. Acabo de empezar el skateboarding y voy a ver qué encuentro. Hablemos de algunas de estas imágenes y veamos cuáles serían buenas para la ilustración. Recuerda, todos estos son gratuitos de usar en Unsplash. Puedes entrar en tu rollo de cámara si quieres y encontrar algunas fotos de tu pasado, pero sí necesitan ser de alta calidad, necesitan ser crujientes, necesitan tener algo con lo que trabajar ahí, así que sé exigente. Está bien ser quisquilloso en esta etapa. Al mirar estas fotos, inmediatamente atraídas a ésta porque tiene mucho espacio negativo en el cielo. Está pasando un tema y una acción muy claros. También hay una interacción ocurriendo aquí entre el fotógrafo aquí
abajo y el patinador en el aire. Podría haber alguna narración genial ahí con una ilustración. Algo como esto es genial. Es más un tiro de estilo de vida, es más ambiguo, no se puede ver la cara de la persona. Podría ser un poco más difícil trabajar con. Algo así es realmente genial porque silueta al sujeto haciendo más del foco en la ilustración. Si vas a hacer algo así con una silueta, tienes que tener más confianza tus habilidades de ilustración porque no vas a
poder confiar en gran parte de la fotografía ahí para contar la historia. Este es un poco demasiado aburrido. Es como pasar mucho. Se trata de una monopatín con agua de fondo. Trataría de encontrar algo que tenga a una persona en la foto haciendo una acción. Este sería perfecto. Mucho espacio abierto con el que trabajar. Nuevamente, esto tendría más énfasis en crear contenido a partir de la ilustración. Creo que éste tiene un buen equilibrio de materia y antecedentes con un poco de información pasando en segundo plano. Puedo ver usando una imagen como esta y agregando algunas burbujas del habla o agregando algo que sucede entre estas personas fondo y la persona en primer plano. Puedes ir a buscar lo que quieras aquí. Tienen prácticamente todos los deportes. En realidad voy a usar una foto mía para este proyecto sin embargo. Este fue un retroceso a la anterior clase de Skillshare. Lo filmamos en un parque de patinaje. Este es el mismo skate park donde filmamos mi última clase de Skillshare, que se trataba de bosquejar una ilustración. Me gusta mucho esta foto. Va a ser un poco un reto porque hay mucho pasando en segundo plano, pero ya tengo algunas ideas de lo que podría hacer por esto. Pasa algún tiempo mirando a través de fotos y encuentra la que quieres usar para tu ilustración fotográfica. Antes de pasar al siguiente video, asegúrate de tener ese seleccionado para que podamos empezar. Siéntase libre de mirar a través de su rollo de cámara y encontrar imágenes que sean las más nítidas y las más convincentes. Yo sí creo que vas a encontrar algunas cosas geniales sobre Unsplash si quieres ir allá y encontrar algo que sea significativo para ti. Si definitivamente quieres usar una foto personal, eso está bien, solo asegúrate de que comprueba todas las casillas. Una vez que hayas elegido tu foto con la que quieres trabajar para este proyecto, vamos a pasar a la siguiente sección, que trata de ideas de lluvia de ideas.
5. Conceptos y lluvia de ideas: En este video, vamos a estar cubriendo conceptuales y de lluvia de ideas para tu ilustración fotográfica. Vamos a estar mirando la foto. Primero antes de empezar a garabatear por todas partes, veámoslo y hagamos algunas ideas de lo que realmente podríamos poner ahí. Vamos a frenar un poco y crear algunas listas de palabras y algunos bocetos en papel que luego podemos trabajar en nuestra ilustración fotográfica más adelante. La idea de este ejercicio es entrar en la modalidad abierta. El modo abierto que cubrí mucho en mi anterior clase de Skillshare sobre inspiración a ilustración, pero es la idea de simplemente dejar de lado lo que necesita tener sentido o ser productivo y simplemente sacar las ideas de tu cerebro al papel . Esta es una gran manera de dejar que el perfeccionismo y la idea de algo terminado, solo déjalo ir. Se trata de estar en el momento, canalizar esa curiosidad que tienes cuando eras niño y buscar cosas que la mayoría de la gente podría no ver de inmediato, y eso es lo que va a hacer que tu ilustración sea más fuerte al final. El primer ejercicio que me gusta hacer es sólo escribir listas de palabras en papel. Yo les llamo listas de asociación de palabras, y normalmente empiezo solo con una página en blanco. Escribo lo que pueda en la esquina superior izquierda solo para vencer a la página en blanco, así que estoy escribiendo ilustración de Skillshare sobre fotografía. Tengo mi foto aquí en mi iPad que puedo hacer referencia y mirar alrededor y ver qué detalles me llaman la atención, y eso va a informar cómo hago estas listas. Yo estoy mirando esta foto aquí, el sujeto justo en medio del marco. Hay mucha pasión en mi cara en esta foto. Mi amigo Henry disparó esto hace unos meses, y recuerdo esa sensación de hacer ese truco ese día y solo estoy pensando en lo que estaba pasando por mi cabeza. Creo que lo primero que me viene a la cabeza es solo la emoción del skateboarding. Sólo voy a dejar que mi mente deambule y anote algunas palabras. Podrías sentir que las palabras que estás escribiendo son un poco cursi o improductivas. Nuevamente, la idea es solo conseguir cosas en la página. Podrías volver a una de estas palabras y eso podría terminar haciendo que tu ilustración realmente increíble al final. Ahora empiezo a mirar alrededor de la foto al fondo. Hay algunas otras personas y edificios en la parte de atrás. Creo que las ventanas podrían ser una oportunidad para hacer algunos detalles divertidos en la parte trasera, el cielo seguro, y luego qué significa eso para mí esta idea de estar en el paisaje urbano. A lo mejor es lo que quiero traer a casa con esto, es como el lugar de donde estoy patinando aquí en esta foto. Toda foto tiene contextos en ella, aunque sea un poco de fondo. Si quieres jugar eso en tu ilustración, esa es una gran manera de hacerlo. Es igual que llenar el espacio negativo con detalles que más adelante el concepto del lugar donde se tomó la foto. Si quisiera poner en el cielo como Brooklyn, esa es una forma de llenar ese espacio y hacer que se sienta más emocionante. Algunas de las personas de fondo aquí estoy viendo que sólo están tumbando. Si hay gente en el fondo de tu foto, puedes agregar burbujas de habla, como pequeñas líneas en la parte posterior para crear una historia secundaria en la imagen más allá de solo el tema principal. Creo que cuando veo a Brooklyn y pienso en este parque de patines, es ardiente, es hazlo tú mismo. me gusta cómo mi camisa está volando un poco al viento, así que ahí hay algo de movimiento. A lo mejor es volar. Puedo ponerme alas en mí mismo si quería ponerme realmente fantasía con ello. Creo que la barda es una oportunidad para traer algunos detalles. Podría haber mirado a través de la barda o echando un agujero en la barda. Si hay una pared en el fondo de tu imagen, podrías hacer un agujero en la pared. Literalmente puedes hacer lo que quieras con estos detalles, así que rompiendo la pared. Ya ves cómo este ejercicio me va a ayudar a llegar con algunas mejores ideas versus simplemente saltar
inmediatamente a lo más fácil, que es delinear los contornos de la foto. Creo que como tengo algunas palabras aquí ya y algunas ideas, siempre
puedo volver a esto y añadir más palabras, pero voy a empezar en esta página opuesta, empezar a esbozar algunas de estas ideas. Ya que hay todas estas ventanas en la parte de atrás, pensé que estaría bien tener tal vez una mano saliendo de una ventana, algo así. A lo mejor alguien, si este es el edificio, podría ser alguien entrando por detrás del edificio. Si el cielo está abierto, también
puedes agregar detalles como aviones o pájaros que entran desde atrás. Sólo voy a dibujar estos aquí así que recuerdo, tal vez pondré algunos animales u objetos en el cielo. El árbol. Lo mismo si quisieras incluir un poco de ardilla colgando en el árbol, podrías tener un poco de ardilla. Estos no están destinados a ser bocetos perfectos, estos son solo yo que viene con ideas. Recuerda eso. No juzgues aquí la calidad de tus bocetos, esto no va a ser en lo final. Creo que la barda fue una oportunidad fresca. Ahora que estoy dibujando la barda, puedo ver tal vez poniendo letras aquí. Algo que tal vez no se nota de inmediato cuando miras la imagen, pero sería genial si acercaras y vieras letras dentro de la barda aquí. Simplemente seguir mirando alrededor en la foto y encontrar áreas interesantes que me inspiran y cosas a las que podríamos agregar detalles. Creo que algunos de estos obstáculos de skate aquí son geometría interesante. Simplemente los redibujaré y pensaré como : “¿Qué más podría ser eso?” Casi parece una cama o algo así como alguien pasando el rato, acostado. Veo a este patinador en la parte trasera del tiro y se está moviendo, así que tal vez poniendo algunas líneas para mostrar el movimiento ahí o tal vez mostrando lo que está mirando, lo que está pensando, así que haciendo algunas burbujas de habla, como mantenerse enfocado. A lo mejor es dos puntas en el fondo son interesantes. Podría terminar editándolos dependiendo de lo que haga aquí atrás, pero definitivamente llaman más atención al centro de la imagen y creo que en realidad ayuda mucho. Creo que el fotógrafo hizo eso a propósito, encuadrándome entre esos. También podrías agregar eso en tu imagen si quisiera agregar más picos y más puntas saliendo de la imagen. Creo que algo que me gusta poner en mucha de mi ilustración es
una pequeña tapa de alcaya y tener globos oculares dentro de la boca de alcaya así que a alguien le gusta escoger. Algo sobre esconderse y solo mostrar parte de una figura en tu ilustración puede ser realmente divertido sobre todo en una ciudad como Nueva York, siempre
hay misterios a la vuelta de cada esquina. Ahora estoy pensando críticamente en estas ideas y pensando cuál es la sensación que quiero que tenga el espectador cuando mire esta imagen. Ya es una pose y acción bastante enérgica que estoy haciendo aquí en la foto, así que podría simplemente jugar fuera de eso y tratar de hacerlo lo más enérgico
posible o podría ser más sobre el contexto. Podría tratarse solo de patinar en Brooklyn, o podría tratarse de la emoción de solo skate en general. Creo que me voy a centrar más en el contexto porque estos edificios en la parte trasera son tan reconocibles para mí. Patinar en Brooklyn es mi concepto para lo principal, para lo que quiero compartir con el mundo. A lo mejor si el espectador nunca ha estado en Brooklyn, será una cosa aspiracional que les encantaría venir de visita algún día. Para mí, sólo habla a mis recuerdos, habla a lo que me gusta hacer, mi estilo de vida aquí en Nueva York. Creo que ese va a ser mi concepto principal y luego usaré todo lo demás para llamar más atención sobre eso. Creo que esta idea de poner una figura saliendo de alguien en las ventanas o algo que pasa de fondo
con las ventanas podría ser realmente interesante, y luego simplemente jugar a los parques de la ciudad de Nueva York. Otro ejercicio que podrías hacer para ayudarte a ver algunas cosas nuevas en la foto es que si quisieras, podrías poner la foto boca abajo y ver qué hace eso a lo que ves aquí. En realidad no me había dado cuenta de este árbol tanto antes, solo
me estaba enfocando en el cielo así que llevar eso al fondo de la imagen me hace querer jugar un poco más con ese árbol. Es curioso cómo cuando volteas una imagen boca abajo que empiezas a notar cosas totalmente diferentes. Esta forma de T es algo que realmente no noté antes. Eso podría ser en realidad el inicio de una palabra. Si quisiera escribir una palabra como emoción en la imagen, podría usar la foto como punto de partida para eso. Prueba a poner tu foto boca abajo y ve qué hace por ti. Si te ayuda a idear algunas ideas nuevas, solo asegúrate de bajarlas en papel. Porque una vez que
empecemos a dibujar, mantendremos esto a nuestro lado y podremos tener algunas buenas ideas de las que sacar. Si bien estamos trabajando en el papel, también
podemos echar un vistazo a algunas técnicas diferentes de fabricación de marcas que me gusta usar. Uno de ellos siendo la idea de velocidad. Un simple forro dibujado así se va a sentir
diferente a la línea rápida que muestra lo rápido que lo dibujaste. Con sólo mirarlo, se puede decir. Es un poco más difícil replicar eso digitalmente, pero si tienes una idea que implica movimiento, definitivamente vale la pena
probarlo y puedes manipular los pinceles en Procreate para darte este efecto. Otra cosa a considerar es el patrón, simplemente haciendo puntos o líneas o formas. No tan interesante en papel, pero si lo superpone sobre secciones de una foto, también se
puede utilizar como luz y sombra, llamando la atención hacia o alejándose de áreas específicas de la foto. Entonces en la nota de luz y sombra, solo la idea de agregar una línea negra oscura o un área blanca también puede jugar con el primer plano y el fondo. Nos meteremos más en esto cuando estemos en Procreate, pero solo quería mostrarles cómo lo pienso en el papel primero. Ahora que tenemos algunas ideas en papel, vamos a empezar a dibujar digitalmente en la siguiente lección, así que prepárate para empezar a usar Procreate.
6. Configurar en Procreate: Ahora estamos dibujando en el iPad en este video, y quería mostrarte primero un archivo que creé hace un rato, mi ilustración en otra foto de skateboarding, y solo para mostrarte cómo funcionan las capas en Procreate, es muy muy parecido a Photoshop. Podría estar acostumbrado a esto, está basado en píxeles y cada capa es apilable y manipulable en función de lo que quieras hacer. En la capa inferior, tengo mi foto. Tomé esta foto el año pasado, en México. Quería contar la historia de cómo se sentía hacer este truco así que
mapeé algunas ideas sobre una capa usando un trabajo de línea blanca, y solo algunos detalles divertidos aquí, como scoop y commit, me
recuerdan cómo me sentía durante eso y la locura de esa sesión de skate. Después empezar a jugar con el color en una capa separada. Al final, sentí que el trabajo de línea blanca estaba demasiado ocupado así que lo
duplicé y lo giré para ser trabajo de línea negra, y así esa fue la imagen final. Tenía aquí una capa opcional para hacer negro el skateboard, creo que terminé guardándolo así. Pero solo para mostrarte, puedes hacer mucho con la duplicación de capas, y ahora vamos a sumergirnos en crear nuestro propio archivo para este proyecto. Cuando abres Procreate, tienes muchas opciones aquí, ese estándar común. A mí me gusta crear mi propio tamaño la mayor parte del tiempo, me gusta trabajar a un tamaño mucho mayor de lo que necesito. De esa manera, por si acaso, si quiero reducirlo, tengo la obra de arte de súper alta resolución. A veces incluso trabajaré más grande que la foto. Sí, la foto podría ponerse un poco pixelada, pero la obra de arte es súper nítida, y es una resolución más alta de la que incluso necesitamos. Haré uno aquí que es de 4,500 píxeles por 7,000 píxeles, este es un archivo realmente grande. Algo a tener en cuenta es que si haces un tamaño personalizado y comienzas a poner algunos números aquí, te
va a decir cuántas capas puedes tener en tu composición. Aquí puedes ver que una composición que es de 5,000 píxeles por 4,500 nos va a dar 19 capas como máximo. Eso sólo debería ser suficiente para mí pero algo más bajo que eso, si te acercas a 10 capas, para mí, en mi proceso, me gusta tener al menos 15 capas con las que jugar. Si bajamos ese número, lo puedes ver, se actualiza a mayor número de capas. El DPI es la resolución de la imagen, vamos a mantenerla 300 para que así si
quisiéramos imprimir esto, se va a quedar bien. Es así como configuré el expediente. Trabajemos con este tamaño, en realidad. Creo que 19 capas tan perfectas como máximo. Lo primero que voy a hacer es que voy a añadir mi foto y la tengo aquí mismo. Las proporciones de la imagen son un poco más estrechas que el fondo pero eso está bien, solo
pondré el fondo en negro para que desaparezca, o un gris oscuro. Ahora, tengo mi foto. No tengo que configurar demasiado las capas aquí pero si quería que se mantuviera más organizado, sólo
puedo nombrarlas para que sea fácil referirme de nuevo. Tengo una capa llamada foto y una capa llamada sketch. Es realmente importante estar dibujando en una capa diferente a la de tu foto. Porque si estás dibujando directamente en la foto, no
vas a poder moverla ni borrarla con mucha facilidad. Es más o menos como dibujar sobre papel y es difícil de deshacer. Esas son las limitaciones de Procreate. Se pueden deshacer las cosas en cierta medida pero, sobre todo si sales de la aplicación, va a ser difícil retroceder, por lo que mantener esas capas es realmente importante para mantenerse organizadas. Tan solo para mostrarte un ejemplo de lo que puedes hacer con las capas en Procreate. Si empecé a dibujar en esta capa dos, puedo tirar hacia arriba la opacidad, y bajarla o subirla. También están estos diferentes modos de mezcla que crean diferentes resultados en Procreate, que me acaban de hacer darme cuenta de que debería ser un sol amarillo en el fondo. Siéntete libre de experimentar con Procreate y hazte con el ahorcamiento. Si eres nuevo en esto, hay muchas opciones geniales, pero tampoco necesitas volverte loco. En cuanto a pinceles, tengo unos pocos que me gusta mucho usar que vienen estándar con Procreate, y también unos pinceles que pude descargar e importar a Procreate. Los que vienen estándar con Procreate que me gusta usar son los pinceles de bocetos, específicamente el lápiz 6B, que es lo que usé para crear esa última ilustración que te mostré. Tiene mucha textura realmente agradable y realmente se siente como si estuvieras dibujando con el borde del lápiz cuando lo giras de lado. El Apple Pencil también tiene una función de inclinación por lo que va a aspecto diferente dependiendo de cómo lo sostengas en la pantalla, y también puedes editar los ajustes dentro del pincel. Aquí hay muchas opciones así que no te abrumes demasiado. Pero si sí querías jugar con la sensibilidad a la presión o el grosor, o el rastro fuera del trazo para mostrar más emoción, puedes hacerlo en todos estos ajustes. También está esta función de racionalización que a veces suaviza tus curvas. Si tienes una mano temblorosa y querías hacer trampas un poco, no
creo que sea hacer trampa, algunas personas lo llaman hacer trampa, pero la agilización suavizará tus curvas por ti, y te animo a probarlo si te sientes como tú quieren curvas más suaves. Además de los pinceles de bocetos, me gustan mucho estos pinceles de entintado llamados Reed and the Brush Pen. Esos son mis dos favoritos en esa sección, te
dan un poco más de una sensación sólida, aún texturizada. Eso es lo que siempre estoy tratando de usar en mi trabajo es algo que se siente hecho a mano, a pesar de que fue hecho en un iPad, todavía tiene un poco de esa alma. Siempre estoy jugando con los otros pinceles que vienen con el programa para ver si hay algo que pueda hacer con ellos dependiendo de lo que esté tratando de dibujar. Ahí hay un pincel de rejilla. Si querías hacer algo que fuera un poco más geométrico y
necesitabas una capa de papel gráfico,
esencialmente, en el fondo, puedes simplemente cepillarlo al usar el pincel de cuadrícula estándar. Halftone, patrones de puntos, aquí hay muchas opciones diferentes. Pintura en aerosol, me gusta usar eso a veces para darle esa calidad mural de calle. Entonces tengo unos conjuntos de pinceles que importé a Procreate también. A éste se le llama los medios tonos Black Magic y los pinceles Drunk Sailor. Ambos se descargan de la misma empresa, se llama RetroSupply, mi amigo Dustin dirige su empresa, vende herramientas digitales realmente geniales así que lo apoyo con eso. Esos son principalmente todos los pinceles que uso, no
me pongo demasiado elegante con la acuarela o la pintura al óleo. Si quieres jugar con esos, están ahí, pero esas son mis principales pocas categorías. También puedes reorganizar los pinceles si quieres poner tus pinceles más usados en la parte superior o crear un nuevo grupo de pinceles solo para que sean tus herramientas esenciales. Asegúrate de tener tu nueva configuración de composición en Procreate y una buena alta resolución, manteniendo
aún algunas capas con las que juegues, y luego importa tu foto y estaremos listos para empezar.
7. Realizar un boceto del diseño: Empecemos con nuestra ilustración fotográfica. Contamos con nuestra configuración de archivos, nuestras fotos importadas. Nos vamos a referir de nuevo a los conceptos que se nos
ocurrió en uno de los videos anteriores para que podamos bosquejar algunas ideas
encima de la foto y realmente empezar a trabajar con la composición. Lo primero que haré es hacer esa nueva capa donde voy a estar dibujando mis ideas. Empezaré con un lápiz 6B. Ya que esta foto es relativamente ligera, empezaré a bosquejar con negro, y mirando hacia atrás mis listas aquí en papel, sé que quiero incorporar esta idea de energía a esta pieza. Ya está pasando algo de energía, pero creo que contar la historia del patinaje en Brooklyn, cómo se siente estar haciendo este truco es lo
que quiero ilustrar aquí y simplemente acrecentar lo que ya está pasando. También quiero darle a esto un poco más de sentido de lugar. Voy a agregar algunos detalles que me parecen Brooklyn e ilustrar la escena un poco mejor, más de lo que se puede ver en el rodaje. La primera idea que se me ocurrió fue si podemos bajar un poco la foto, esa es una opción que no consideramos a menudo, no hay que usar la composición exacta. Si quisiéramos agregar más cielo en la parte superior, podemos hacer eso. Voy a añadir un poco más de blanco en la parte superior y ver cómo se ve eso como un cielo. Por suerte, el cielo aquí es bastante blanco brillante. Probablemente voy a sacar el árbol. Simplemente cepilla justo sobre eso, y luego para la parte de la cerca, no
voy a preocuparme demasiado por ello ahora mismo. Podría terminar haciendo detalles ilustrados sobre eso, pero al menos ahora, esto nos da un poco más de espacio negativo en la parte superior porque mi idea era
poner algunas letras en la parte superior que diga Brooklyn o patinar en Brooklyn. Voy a probar ambos. Naturalmente, trabajo muy rápido con las capas. Ya he creado una segunda capa. Sólo llamemos a este cielo único. A éste se le llamarán bocetos, y volveremos al negro. Sin pensar demasiado, solo
estoy viendo cómo se ve con algunas letras grandes en negrita encima. Casi se siente como una portada de álbum ya, y si sientes que te estás quedando sin espacio, siempre
puedes simplemente seleccionar el área y reducirla, jugar con esa capa individual o incluso solo parte de esa capa. Se me estaba quedando sin espacio, el clásico error de letras, así que simplemente lo bajé. Una de las mejores partes de hacer esto digitalmente es que puedes
escalar y escalar tus capas con mucha facilidad. Eso se puede hacer con collage y moverlos, pero no se puede escalar fácilmente con materiales analógicos. Esa es una de las cosas que me encantan de Procreate. Si quisiera solo hacer este B en Brooklyn un poco más grande para que coincida con la otra letra, también
puedo seleccionarlo con la herramienta Lasso, y solo aumentar el tamaño de ese B. Podría ser genial si estuviera alcanzando el máximo de detrás de los edificios. Voy a intentar agregar un poco más de letras en la parte superior que diga skateboarding en Brooklyn, o simplemente patinar en Brooklyn. Ahora, puedo encender y apagar una capa para ver lo que más me gustó. Creo que necesita algo arriba,
pero la forma en que lo hice aquí era demasiado grande, demasiado audaz. Veamos cómo eso se ve reducido en términos de la composición. Creo que eso se siente un poco mejor. Voy a intentar dibujarlo en un estilo de una línea más simple. A veces dibujas la imagen y simplemente se ve mejor cuando agregas más o menos letras, así que está bien cambiar tus ideas a medida que dibujas. Esto se siente bastante bien hasta ahora en cuanto a las letras. Ahora, voy a mirar hacia atrás mis ideas en papel y ver cuáles son las cosas que podemos agregar en segundo plano para que esto sea más interesante. Definitivamente, la mayor parte del punto focal está sobre mí en el medio aquí. Una de las formas fáciles de llamar la atención sobre parte de tu imagen es hacer una línea de contorno alrededor de la figura o alrededor de una parte específica de la imagen, casi
le da un efecto como si pareciera una pegatina y tiene como un borde blanco a su alrededor. Puedes agregar aún más detalles y hacer un patrón alrededor de la frontera, pero definitivamente es una gran manera de llamar la atención sobre parte de la imagen. Puedo intentar simplemente esbozar mi cuerpo aquí. Como puedes ver, está creando una textura a partir de ese pincel de lápiz. Voy a usar un cepillo diferente, uno One my Drunk Sailor pinceles entintados para conseguir una línea CRISPR. Este es también uno de los primeros pasos que hago cuando empiezo a hacer mis tarjetas de béisbol, solo para empezar y tener algo de que salir, es sólo dibujar justo alrededor de la figura para aislar. me ocurrió una idea mientras estoy dibujando alrededor de la monopatín, incluso podría poner algunas letras en el skateboard bajando y ese es uno de esos detalles que probablemente no verás de inmediato. Esa es la belleza de trabajar con una imagen que está un poco más ocupada, es que puedes esconder pequeños huevos de Pascua alrededor la composición que no se notan fácilmente de inmediato, pero añade mucha profundidad a la pieza terminada. Si quisiera agregar como NYC aquí, es un lugar bonito para nuestro detalle. Voy a guardar este detalle un poco más tarde una vez que tenga cosas más pequeñas funcionando.
8. Agregar elementos: Siempre puedes aumentar o disminuir el tamaño de tu pincel en el lado izquierdo. Si quieres ser más preciso, basta con bajarlo a un punto más cercano, o puedes cambiar los pinceles por completo e intentar usar una herramienta diferente, lo
mismo va con el borrador y la herramienta de pincel. Creo que quiero jugar con algunas de las ventanas de aquí, solo
voy a empezar haciendo lo mismo en una nueva capa,
aislando las ventanas, llamar a esto ventanas de capa. ¿ Cuáles son las ventanas a las que quiero llamar la atención? Este se siente bien en cuanto a la colocación y la composición, el ojo naturalmente sube y alrededor de la mano y lleva tu ojo por aquí, si quisiera añadir un poco de detalle aquí, siento que añadiría mucho a la composición. Eso es algo en lo que pensar también, es tu foto ya tiene una forma natural en que tu ojo se mueve alrededor de la composición. Puedes usar tu ilustración para acentuar eso y crear aún más movimiento. Poco atajo que aprendí recientemente es si tocas dos veces el lápiz Apple, cambia de pincel a borrador, a veces lo hago por accidente. Creo que sería genial si creara algún movimiento hacia el centro o lejos del centro, por lo que potencialmente hacer algunas líneas que irradian desde aquí puede ser genial. No tienen que ser líneas rectas, pueden hacer líneas tambaleantes. A lo mejor viniendo de un lado lo puedes probar solo para ver si se siente equilibrado así. Creo que tal vez desde que estoy subiendo la rampa, puedo acentuar eso y sólo ver cómo se ve, eso se siente genial. En lugar de sólo tener estas líneas flotando, puedo conectarlas aquí para que se sienta como si estuviera irradiando fuera de la figura. No estoy usando color aquí, solo
estoy usando blanco y negro para obtener la composición. Nos vamos a preocupar por solo bajar las ideas primero, refinarlas más tarde, y luego agregar color al final. Voy a volar por esto para que podamos seguir llenando la composición. Quisiera agregar algunos detalles divertidos porque ahora mismo se siente un poco demasiado esperado, una de las ideas que tenía en mi cuaderno de bocetos fue tener un brazo llegando y una de las ventanas o tener una ardilla subiendo por la cerca. El avión de fondo también, solo encontrando la colocación correcta para eso, creo que la parte superior izquierda podría ser buena para nuestro avión. Primero voy a añadir un poco más de cielo allá atrás. Ahora sólo se me ocurrió una idea ya que estoy dibujando
esto, estaría bien que el avión tuviera una pancarta que estuviera saliendo de la parte trasera del avión y que tuviera algunas de las letras en su interior para que no solo estuviera flotando. A lo mejor el patinaje se convierte en parte de la pancarta aquí, fin de redimensionarlo, solo llegué a ir a la capa correcta. En esta fase de bocetos, nada es precioso, cada capa que estás creando es solo una idea que se puede encender o apagar, manipular o borrar para refactorizar tu multa en tu pieza final. No te preocupes por hacer todo bien en esta etapa, es solo meter todos los elementos a la página para que tengas algo con lo que trabajar. Yo sólo estoy agregando en los detalles ahora para la pancarta que sale de este avión, no
sé si terminaré guardando esto, creo que se siente mejor que antes, así que creo que vamos en una buena dirección. Sigo siendo atraído por esta figura por aquí atrás, sería genial tenerlo con una burbuja de habla, no estoy seguro de lo que está diciendo todavía, pero creo que tener algo ahí ayuda a equilibrar un poco la composición. Ya se está poniendo un poco ocupado, pero eso quería. Entonces en la etapa de refinación y color, puedo simplificar o traer las cosas hacia adelante y hacia atrás usando opacidad o diferentes técnicas. Pero por ahora solo está poniendo todos estos elementos aquí. Sería genial agregar un animal trepando aquí, y luego fuera de esta ventana, teniendo una mano
que sube, incluso puede venir por encima de la topografía, está subiendo aquí y tiene el símbolo de Hangzhou. Ayuda a contar un poco la historia. Eso ya es suficiente por ahora. También puede ir y borrar algunas de las letras para que salga hacia adelante. Uno de los trucos en procreate con los que debes acostumbrarte es la herramienta de máscaras, a
veces quieres borrar parte de tu capa, pero ¿y si quieres cambiar de opinión y volver a usarla? Se puede duplicar la capa y simplemente manipular la nueva copia de la misma, pero una forma fácil de hacerlo es tener una máscara. Solo tienes que hacer clic en la capa, hacer clic en la máscara, y ahora esencialmente tienes una capa encima de tu dibujo y puedes borrar los detalles, pero siguen ahí cuando apagas la máscara. Si alguna vez quiero recuperar estas líneas de las letras, siguen ahí. Te puedo mostrar encendiendo y apagando la máscara. En realidad no los estoy borrando, sólo ocultándolos temporalmente, y eso me da una idea de lo que podría estar en primer plano y segundo plano con solo jugar con eso. Ya que es Brooklyn, tal vez agregamos un poco de bodega en la esquina, puedo agregar un pequeño letrero aquí que solo dice bodega. Es realmente pequeño, así que la mayoría de la gente no lo notará, sino esas pequeñas cosas que hacen sonreír a la gente. Ojalá, haga que tu ilustración sea más memorable, sea la más especial para ti. Voy a ver qué se ve poner algunas sombras en el suelo porque ahora mismo estas líneas se pierden un poco. ¿ Qué pasa si tomo el lápiz y solo sombra en el suelo aquí? Voy a mover esta capa debajo de mi trabajo de línea para que pueda verla apareciendo de frente, no
estoy seguro si me gusta. Puedo encenderlo y apagarlo para ver cuál me gusta más. Creo que tener algo en el suelo va a ayudar, pero tal vez no negro puro. En el siguiente video, podemos tratar de afinar eso, pero creo que esto se está uniendo muy bien. Algo que también puedes hacer es, si tienes una superficie plana, justo cuando te estaba mostrando con la maqueta mural, si tienes una superficie plana en tu imagen, puedes dibujar y hacer que parezca que realmente hay escritura o imágenes en esa superficie. Aquí hay un letrero en el exterior del parque, podría agregar algunas letras que parece que está etiquetado graffiti ahí. Voy a escribir: “Vive por hoy”. Puedo volver atrás y volver a trazar esto con un pincel diferente si quiero obtener el efecto de pintura en aerosol, pero me gusta esa frase, siento que pertenece ahí. Se puede salirse con la suya con el vandalismo y procrear, aún no sé qué quiero que diga este tipo, pero puedo averiguarlo después. La única parte de la composición que me está molestando en este momento es esta parte, porque se siente como si fuera un todo, creo que para llenar esa zona, tal vez voy a hacer unos goteos saliendo de la ventana aquí. Si ves un área de tu imagen que
siente que está vacía o tu ojo sigue atascado en esa área, solo vuelve a tus listas y mira si hay alguna idea
en la que puedas trabajar o también puedes volver a empezar y llegar a alguna nueva ideas sobre papel. que sea que se sienta más cómodo si quieres dibujar en el iPad o listar cosas en papel. Ahora mismo siento que esto se está sintiendo bastante equilibrado en general. Toda la composición está ligeramente torcida, me estoy dando cuenta con el suelo aquí, pero puedo seleccionar cada capa si quiero y simplemente girarlas y ver cómo se ve eso. Si queremos igualarlo. Ahora, la vertical se está volviendo un poco torcida, así que tal vez distorsionamos ligeramente la imagen para conseguir rectas
tanto las horizontales como las verticales. También puedo simplemente agrandar todo o agregar más del cielo después, pero estas cuatro esquinas te permitirán distorsionar la imagen y obtener la perspectiva que estás buscando. Toma un poco de jugar con, y luego también puedes golpear deshacer con tackling dos dedos y luego rehacer, toca tres dedos y ve cuál te gusta más, creo que me gusta más la versión más recta. Sí ayuda a acercar zoom y asegurarse de que la imagen se mantenga agradable y nítida. Estamos trabajando con una bonita imagen de alta resolución, así que estamos bien, pero si empiezas a distorsionar y cambiar el tamaño de tu imagen va a afectar la resolución. Creo que esta composición está lista para ir en cuanto al diseño básico. En el siguiente video, vamos a empezar a refinar los detalles y finalmente añadir color.
9. Perfeccionar el lettering: Ahora tenemos nuestro sketch en el iPad, y hemos presentado la mayoría de los diferentes elementos con los que vamos a trabajar. Se siente semiequilibrado. En este video, vamos a estar retrocediendo sobre algunos de estos elementos y refinando las formas para que nos movamos hacia la ilustración final. Lo que podemos hacer en esta etapa es apagar la capa de fondo, que es la foto, para ver lo que hemos dibujado. Si no lo puedes ver, también puedes cambiar el color de fondo para hacer que tus ilustraciones y dibujos pop. De esa manera, al menos puedes ver con qué estás trabajando. Aquí, las principales cosas que voy a refinar son las letras, donde dice “Skateboarding en Brooklyn”. Simplemente voy a retrazar sobre todo con un poco más de detalle y atención a la forma de la misma porque quiero que fluya bien y simplemente se sienta refinado. Eso lo haré en una nueva capa. También puedo agrupar las capas que ya
creé con solo seleccionar todas ellas deslizar hacia la derecha y luego golpear grupo. Ese es mi grupo de boceto y a menudo nombro cada capa. Pero si te ayuda, puedes nombrar al grupo de capas, bocetos, y luego podré apagar y en la primera versión versus la segunda versión. Voy a usar el cepillo de entintado,
el cepillo Drunk Sailor, también
puedes usar el cepillo Reed o uno de estos otros entinkers. Simplemente los pruebas y ves cuáles te gustan si quieres conseguir un look terminado. También bajaré un poco la opacidad de los bocetos, solo para que pueda ver que están ahí, pero no tengo que verlos a plena opacidad. Empezaré con las letras. Volvamos a rastrear las letras. Me gusta este gran estilo blocky para el lettering, se
siente como street art, se siente natural para el entorno. Pero para que se salga del fondo,
creo que hacer una capa rellena versus solo el trabajo de línea realmente va a ayudar, y también puedo jugar con diferentes valores, así que tal vez la B es de un color y la R es de otro color. Ahora mismo, sólo voy a trabajar con gris para asegurarme que esto esté funcionando en un nivel de contraste. Creo que el buen diseño funciona con o sin color, y por eso es útil a veces solo empezar en escala de grises antes de dejarte llevar por el color. Una vez que encuentres el color que quieres en esta paleta de colores, simplemente
puedes encontrar el color y luego hacer clic en el círculo y arrástralo a tu forma. Otro ejemplo con el negro aquí. A veces se llena más de lo que querías, solo
quería que llenara esta área con la R, pero terminó llenando con la B, así que en ese caso, podría que
tuvieras que hacerlo manualmente. Hay otras formas de hacerlo usando la herramienta de selección. Si solo quisiera seleccionar la R, ahora, puedo conseguirlo así. Simplemente toma algo de acostumbrarse con las capas, y también depende de qué pincel estés usando. Si es más fácil para Procreate ver los bordes de la forma, entonces tendrá un tiempo más fácil llenarla. Creo que solo tener las letras sean colores alternantes sería bastante genial, por lo que un color medio y un color oscuro, ya que el fondo es claro. Voy a hacer lo mismo y sólo dibujar justo sobre esta zona y puedo enmascararla más tarde, sólo para que tenga la letra de Brooklyn aislada en su propia capa. Para seleccionar un color en la composición, solo
puedes usar el dedo, mantener pulsado durante un par de segundos, y se tirará hacia arriba del seleccionador de color. También estoy refinando los bordes de las letras a medida que hago esto, sólo añadiendo un poco más de espacio negativo o espacio positivo, donde siento que lo necesita para hacerlo más legible y más agradable a la vista. Mucho de esto es simplemente intuitivo después de practicar letras durante mucho tiempo. Pero si te alejas, y miras todo el asunto, tal vez el lado izquierdo de esto se vea un poco demasiado pesado, así que tal vez intentemos volver a agregar esas formas de contador y ver si eso ayuda. Cuando solía hacer letras como mi principal foco para mi trabajo creativo, era tan exigente para conseguir que cada letra fuera perfecta,
y
me tomó algún tiempo para que realmente me sacara y simplemente soltarme porque hay tanto arte increíble que puedes crear cuando no
estás enfocado en seguir las reglas y hacer lo más perfecto, más legible, lo más que sea. Simplemente hazlo de la manera que se sienta natural para ti y me tomó mucho tiempo abrazar eso. Ese es el proceso que estoy usando en este momento. No estoy pensando. Estoy usando las herramientas como una extensión de mi mano y simplemente pasando, y se convierte en un poco de estado de flujo después de un tiempo, donde solo estás respondiendo a lo que hay en la pantalla y no pensando demasiado. Ahora, voy a hacer una nueva capa. Llamaremos a éste Brooklyn. Llamaremos a éste el Plano y podremos bajar la opacidad del que antes se esbozó allí. Con el avión, sí quiero tomarme un poco más de tiempo para que esto se vea como una buena forma. Porque está en su propia capa, puedo ajustar fácilmente el tamaño o las proporciones del plano. A lo mejor lo haré un poco más pequeño. Creo que lo voy a dejar como un dibujo de línea por ahora. Puedo ver cómo se ve al final. Entonces voy a volver a trazar esta pancarta, tomando un poco más de tiempo para que estas curvas sean agradables y suaves. Si quería usar esa opción de racionalización en la configuración del pincel para conseguir que mis curvas sean un poco más suaves, puedo hacerlo, y de esa manera cuando dibujo, simplemente suaviza todo. Yo estoy mirando esta línea de arriba y basándolo fuera de eso. Creo que cuando dibujo las letras,
ahora mismo no tiene sentido realmente la forma en que las letras están sentadas en la pancarta, creo que en realidad debería estar subiendo y bajando como el ondear de la bandera. Creo que voy a añadir otra capa con lápiz y solo hacer algunas pautas. Sé que las letras se van a sentar dentro de esta forma que estoy dibujando en este momento. Probemos un gris más claro para diferenciarlo. Las letras pueden ser tediosas para que se sienta bien, pero creo que al final vale la pena pasar ese poco tiempo extra. Haz una capa más encima de eso. Yo puedo deshacerme del boceto debajo. Sólo voy a añadir unas pautas más aquí. Skateboarding, en irá aquí, dos letras, S-K-A-T-E-B-O-A-R-D-I-N-G, 13 letras. Esa es una palabra larga. El medio estará por aquí. Para palabras más largas, dibujaré una línea en el medio para poder construir hacia afuera desde ahí. La letra media en skateboarding supongo que es la o La o va a estar por aquí. Esta es otra capa de boceto. No voy a usar esto en la final pero sólo me ayuda a trazarlo. Un poco demasiado pequeño ahí, y sólo voy a deshacer. Ahora voy a hacer una capa más en la parte superior para volver a trazar eso un poco con cuidado con el pincel de entintado. Se siente un poco más grande, así que es audaz. Ya veo si me gusta eso. Creo que eso se siente como un buen grosor para las letras. Sólo voy a bajarlo un poco. Ahora sólo voy a seguir adelante y terminar el resto de esta letra en la parte superior. Eso está más cerca de cómo se va a sentir, creo que es mejor. Todavía voy a mantener encendida esa capa inferior para
poder referirla por algunos de estos otros detalles, pero voy a bajar la opacidad para que no sea tan distrayente. Creo que tenemos que rematar el final de esta pancarta. Voy a igualar el ángulo de las letras aquí, y hacer una diagonal. Creo que si recuerdo haber visto una pancarta, tiene estos triángulos saliendo de ella, y luego cuerdas. Esto sólo se basa en la memoria. Si estás dibujando una imagen representacional y necesitas una referencia, es súper fácil en el iPad importar una foto. Pero yo sólo voy a enarbolar este. Esto se siente un poco demasiado grande, así que sólo voy a distorsionarlo un poco. Porque dibujé esto en otra capa, puedo mover esto de ida y vuelta y decidir
cuál debe estar centrado justo arriba de ahí. Creo que eso se siente bien. Ahora voy a crear una nueva capa para este detalle aquí. Creo que eso podría ser un gris claro lleno. Probablemente acabará siendo un color brillante, pero por ahora el gris claro está bien. Sólo para ver lo que estoy haciendo, puedo oscurecer el fondo. Voy a volver a encender la foto sólo por un segundo para asegurarme de que se vea bien. Apagemos la capa de bocetos, para que ahora tengamos letras y tengamos la foto. Está empezando a juntarse. Se puede ver cómo el boceto apenas se está refinando cada vez más a través de este proceso de redibujo y reposicionamiento. Voy a hacer algunos refinamientos más aquí sobre el arte. Definitivamente necesito limpiar el área alrededor de la figura y estas líneas de
movimiento y volver a rastrear lo que está pasando en la barda. Pero voy a avanzar rápido a través de esto para que puedas ver lo que está pasando. Ahora estoy agregando aquí algunos contornos solo para hacer que las cosas salgan un poco más. Es una foto muy ocupada. Probablemente también voy a agregar algunas sombras debajo de algunos de estos objetos. Se está volviendo bastante loco. También podría eliminar algunos de los elementos si me sentía como tal vez parte de la foto sólo necesita ser cubierta por lo que es un poco menos loco. Me pregunto cómo sería si trajéramos todo y fuera más una imagen cuadrada. Algo que está tirando esto es la barda del lado izquierdo. Si tomamos las letras y el avión y todo, y simplemente lo pellizcamos, y luego recortamos todo. En realidad no voy a recortar la foto porque quiero guardarla por si acaso. Lo que puedo hacer es agregar una barra rectangular justo aquí. Eso casi me gusta más. Puedo activar y desactivar eso para ver. Simplemente se siente más enfocado. Lo que está bien de esto es que también puedo tener las letras sacando un poco del límite. El borde se convierte entonces en parte de la imagen. Perdí algo de ese graffiti pero sentí que probablemente
era demasiado para un espacio tan pequeño. Apagemos la capa de bocetos. Esto es con lo que estamos trabajando hasta ahora. El cielo puede volver. Voy a añadir algunas líneas negras debajo estas líneas blancas sólo para hacerlas salir adelante.
10. Ultimar los detalles: Ahora me siento bien esta composición y cómo todos los elementos están empezando a trabajar juntos, pero todavía necesita un poco más de refinamiento. Entonces voy a hacer una sesión más de solo limpiar todos los detalles y jugar con las sombras para que no se sienta tan ocupado, y luego podemos pasar al color. Creo que necesita unos minutos más de limpiar esos detalles así que sólo me voy a sumergir. Encontré un momento fresco aquí donde estaba llamando a una de las ventanas y me di cuenta de que la pierna la estaba bloqueando, así que ahora la voy a borrar de la pierna. Podría hacer eso con más de las ventanas ahora para que puedas ver a través de lo que está pasando en primer plano hacia esas ventanas. Voy a añadir una camara en la esquina inferior izquierda. Algo faltaba en esa zona y pensé que tal vez una cámara mirando hacia arriba y hacia la derecha podría resolver ese problema. Esto se ve bastante bien en general, pero estoy viendo que algunos elementos se están equilibrando entre sí, como el brazo y la pierna del lado izquierdo y derecho se están equilibrando entre sí. Pero esta burbuja del habla necesita algo en la parte inferior izquierda para equilibrarlo. Por lo que voy a añadir en un pequeño icono de cámara apuntando hacia arriba hacia el centro de la foto sólo para dibujar tu ojo hacia atrás. También ayuda a contar la historia de tomar esta foto en el skate park. Creo que va a ser divertido. No hice un boceto de una cámara, pero no voy a volver al cuaderno de bocetos en este punto. Creo que sólo puedo hacer alas a esto. Creo que ese es un buen consejo, es que no te cuelgues de dibujar una cosa sólo porque te guste. Seguro que se puede pensar en mejores ideas que si no se siente que está funcionando que pueden llenar mejor los espacios alrededor de tu imagen. A veces no se puede forzar una estaca cuadrada a un agujero redondo. Se siente un poco mejor. Es como una cámara de formato medio de la vieja escuela. Te darás cuenta aquí que algunas de estas formas tienen sombras de gota, algunas de ellas tienen contornos. A veces me gusta mantenerlos todos consistentes como todo tiene un contorno o todo tiene una sombra de gota. Pero en este caso, creo que está bien tener un poco de inconsistencia. Esta es una ilustración muy enérgica, creo que se suma a tener un poco de variación ahí dentro, siempre y cuando no sólo haya una parte de la imagen que reciba un tratamiento especial que el resto de ella no. Si vas a tener múltiples técnicas pasando como contornos y sombras sueltas, al
menos tener un poco de ambos dispersos alrededor de la imagen va a ser bueno. Se va a equilibrar un poco la cámara agregando algo de negro aquí abajo. Aquí es donde entra en juego esa línea más rápida donde estoy usando una ligera presión en el iPad y estoy obteniendo un buen trazo de pincel con este pincel de lectura. Realmente puedo jugar con esencialmente como una viñeta alrededor de la imagen. Normalmente no hago esto, pero creo que para esta imagen específica, tiene mucho sentido. Simplemente cubriendo algunos de los bordes con negro solo para simplificar un poco más
la imagen y llamar tu atención hacia el medio. Juega con algunas de las ventanas que salen por ahí. Creo que solo tengo que añadir un poco más de negro arriba y luego estamos bien. Terminó haciendo esto más de una composición cuadrada al final. No estaba esperando hacer eso, pero solo se sentía como si hubiera toda esta información innecesaria en los lados y estaba restando la imagen general, así que no tengas miedo de cambiar las cosas. Ahora esto se siente como si estuviera trabajando en un nivel en blanco y negro, lo
cual es increíble porque si está funcionando aquí, lo más probable es que el 99 por ciento del tiempo se vea aún mejor con el color. Si saltas directamente al color y no está funcionando, a veces tienes que volver al tablero de dibujo. Creo que tener todo esto resuelto con sólo luz y sombra nos va a ayudar mucho en la siguiente etapa del proceso. Una vez que tengas tu obra en un buen lugar con blanco y negro, vamos a pasar al siguiente video, que se trata de agregar color y finalizar nuestra ilustración fotográfica.
11. Aplicación de color: Para empezar a agregar color, primero
vamos a mirar alrededor del arte de la ilustración y ver a qué áreas queremos agregar color. Entonces ahora mismo lo estoy mirando y creo que las letras seguramente deberían pop y eso debería tener un color brillante. Puedo tener dos colores diferentes para cada una de las letras, tal vez dentro de la pancarta, voy a añadir algo de color. Creo que estas líneas blancas
saliendo se van a quedar blancas porque me gusta la forma en que estallan, pero también voy a jugar con agregar color en el brazo y la pierna y la pequeña burbuja del habla. Probablemente me voy a quedar el fondo como una viñeta negra. Creo que se ve bien como está. Estos son algunos consejos generales en los que pensar cuando estás agregando color a tu ilustración fotográfica. Una es la cantidad de color que ya hay en la foto. Puedes hacer tu foto de una foto en color en
una foto en blanco y negro y luego mantener las ilustraciones en color, o hacer lo contrario y ver qué efecto tiene eso. Te recomiendo totalmente solo probar diferentes opciones y ver lo que te gusta. Incluso puedes duplicar todo el documento y procrear y probar una versión diferente para que no tengas demasiadas capas apiladas. Para mí, he empezado a identificar en qué áreas quiero colorear. Ahora empiezo a pensar en qué colores quiero usar. Algo que tal vez no sepas de mí es que soy parcialmente daltónico, así que en realidad no puedo ver todos los colores. Puedo ver los colores más saturados. Por eso tiendo a trabajar en esa paleta de colores primarios y secundarios. Es como colores realmente brillantes. Todos esos desaturados son los que me dan problemas y no me gusta la energía de esos de todos modos, están demasiado sometidos. Soy persona mucho más enérgica. A mí me gusta que mi obra de arte se sienta así también. En cuanto a qué colores usar, estoy gravitando hacia el azul y el amarillo para esta composición, creo que ciertos colores tienen una connotación realmente fuerte. El rojo puede sentirse como peligro o puede sentir cólera. Si se usa de formas ahorradoras, definitivamente
podría agregar mucha energía a una pieza, pero el azul siempre es un buen color para empezar, es una paleta muy agradable. Creo que algunas de estas cartas se pueden poner azules. azul también suena como la palabra Brooklyn, así que simplemente me vino a la mente. Voy a duplicar las capas de escala de grises y apenas empezar a rellenar colores. Hay dos formas diferentes de rellenar colores. Una es seleccionando el color y simplemente arrastrándolo. Se puede ver que ya comenzó a rellenar múltiples letras allí. Justo la forma en que procrear reconoció las diferentes letras ahí. En realidad me gustan los colores que muestra automáticamente, el único que no recogió ahí fue el y Así que voy a hacer eso manualmente. Tenemos nuestro Brooklyn azul. Tener eso se ve realmente bonito como es, si quieres jugar con él sin modificar demasiado todo, puedes hacer una capa de saturación de tonalidad y simplemente jugar con los tonalidades aquí para ver qué color se ve mejor. Definitivamente creo que el rojo no es el ajuste adecuado. Verde, no tan mal, me gusta el verde. El azul sigue siendo mi favorito, creo. púrpura podría ser una dirección interesante. Ahora mismo. ¿Qué pensamos? ¿Púrpura o azul? El azul es demasiado esperado, hagamos morado. También puedes jugar con el contraste aquí porque tenemos dos colores diferentes. Puedo hacer una capa de curvas. Esto solo te muestra todos los valores que hay en la imagen en una gráfica. Si jalo en los reflejos, puedes ver que todas las rosas brillantes se vuelven más brillantes, si jalo en las sombras, todos los morados oscuros se vuelven más oscuros. También puedes jugar con los tonos medios flexionando esta curva hacia arriba y hacia abajo. Parece que el y se puso un poco más brillante por alguna razón, puedo arreglarlo. Eso se siente bien hasta ahora para las otras letras. Esto y nos ha dado un pequeño problema, así que solo lo llenemos manualmente. Muestra el color de una de las otras letras y arrástrelo justo dentro. Agradable. Eso se ve bien para las letras. Solo estoy viendo esta zona justo aquí que me estaba molestando. Que las letras vengan sobre
eso, para que salga adelante. Si necesitas volver a agregar algunos contornos o sombras, definitivamente tiene un campo diferente cuando le agregas color. Con las letras de Brooklyn, sólo
borraré algunas de estas áreas. También puedes hacer esto al final después de haber aplicado tu color. Pero como es bastante rápido, solo
quiero engrosar un poco estos espacios. Genial. Ahora por el brazo y la pierna, que son los segundos elementos más grandes de la composición. Normalmente empiezo de más grande a más pequeño. De esa forma solo puedes controlar cuál es el elemento más impactante de la página. Es casi como la jerarquía de información que obtienes en el diseño gráfico. Para esto, tal vez usaremos un rosa más claro en la misma familia que ese morado. Creo que un poco más ligero tal vez. También se puede jugar con hacerlo un poco más rojo o un poco más azul. Creo que vayamos a la familia rojiza. Eso se siente bien. Nuevamente, como estoy agregando este color, estoy notando algunas otras cosas que sólo quiero arreglar sobre la forma que la forma interactúa con las otras formas que la rodean. Simplemente puedes corregir esas cosas a medida que vas o hacerlo todo al final. Siguiente elemento es la pierna. Creo que ya que éste era de color claro, probablemente le
haré a éste un color más oscuro. Lo mantendré en la misma familia aunque ya que están relacionados en la página. Oops, creo que estoy en la capa equivocada. Ahí vamos. Eso también se siente bien. Probemos uno un poco más oscuro para la mano sólo para ver cómo se ve. Puedo deshacer y rehacer para ver cuál se siente mejor. Creo que me gusta más la versión más oscura porque permite que el tema simplemente salga adelante aún más con las líneas blancas ahí. Parece que podría haberme perdido un lugar aquí. Yo solo lleno eso. Creo que la forma en que el negro está sentado detrás de esto se siente bien, pero necesita emparejar en el otro lado. Yo sólo voy a añadir un poco más de negro por detrás aquí. Algunas personas dirán que el negro no es un color, es en ausencia de color. Creo que para todos los propósitos de esta clase, sin duda es importante trabajar con el
negro mientras estás agregando color ya que todo afecta lo que hay a su alrededor. Un poco más aquí arriba. Yo mantengo esto bastante boquito y suelto. Esa es una de las cosas buenas de la fotografía es que esconde un poco las imperfecciones. Es similar a como, si tu diseño es muy recto y geométrico. Si una de esas líneas es un poco incómoda, vas a notar eso. Creo que si trabajas con líneas más orgánicas o si
trabajas con fotografía que tiene mucha diversidad de valor supongo, como un montón de reflejos, tonos medios y sombras, esconde los errores bastante bueno y realmente puedes simplemente mantenerlo suelto. Pero luego cuando te alejas, todo se junta. Agrega un poco de sombra debajo de esta línea blanca solo para que salga hacia adelante. Sea lo que sea que quieras salir adelante, ahora es el momento si quieres añadir una sombra debajo de ella o un punto culminante sobre ella. En este caso, estamos trabajando con una línea blanca, por lo que ya es un punto culminante. Realmente puedes ver cómo ese pequeño detalle de quitar esa línea blanca hace que vaya hacia atrás en el espacio y parece que está envolviendo alrededor de este monopatín. A ver, si quieres agregar más color en cualquier otro lugar. Esta terminó siendo una ilustración de estilo bastante minimalista, en cuanto a color. Creo que quizás agregar un contorno alrededor de las letras podría ser interesante. Con negro, sólo porque todo lo demás está consiguiendo una sombra negra o un contorno negro. Simplemente haré unos retoques finales en capa superior. Creo que este banner en la parte superior necesita tener sólo un color sutil ahí dentro. Haré casi blanco, pero como un color rosado debajo de ahí. Me está diciendo que estoy fuera de capas. Entonces eso significa que tengo que borrar algunas cosas que no estoy usando, pasa todo el tiempo con estos archivos grandes. Ya estamos bien. A mí me gusta ese rosa. Es como un Pepto-Bismol. Sólo voy a añadir un poco más de negro para hacer que el tema salga adelante en el espacio
como una gran blob debajo y ver si eso ayuda. Demasiado negro. Apenas un poquito más ahí creo que va a hacer el truco. En este punto, me estaba dando cuenta de que el medio de la imagen no es tan emocionante como el exterior de la imagen, pero aún así quiero que el sujeto salga hacia adelante. Originalmente, teniendo estas sombras como negras, puedo probar cómo se ve con un color morado oscuro solo para ver si eso ayuda a adelantar un poco más el tema, y creo que ayuda porque nuestros ojos gravitan hacia el color. Por lo que en todas partes tiene color. ¿ Por qué no lo agregamos en el medio también? Entonces en realidad puede venir sobre las áreas negras para que el color lo haga salir aún más sobre el fondo. A mí me gusta mucho la solución. Alternar colores para que cada otra línea sea rosa, morado, rosa, morado solo le da esa energía irradiante. Creo que mucha de esta inspiración también viene de las luces de neón, parpadeando. Si estás pensando en energía, siento que el neón es una de las cosas donde no importa lo que vayas a dibujar en neón, va a parecer energético. Los colores parpadeantes es una de mis cosas de firma que hago en mucho de mi trabajo. El área a la que no le agregé color era el frío. Creo que eso puede ser el mismo rosa claro. Al igual que eso, y luego las letras pueden volverse negras. Simplemente usaré la saturación o tal vez se vaya morado. A ver cómo se ve eso. En este punto, solo busco equilibrar la ilustración y asegurarme de que haya suficiente color en cada área. No tienes que cubrir cada pulgada. Se trata solo de qué partes de la imagen quieres llamar más la atención. Entonces ahora, tenemos una pieza muy casi terminada. Tan solo para asegurarme de que me gusta cada área de la misma, hago esta prueba o simplemente lo entrecerran y ver qué áreas sienten les vendría bien un poco más de mejora. Creo que el lado izquierdo se siente un poco oscuro, así que podría estar simplemente iluminando un poco esta mano para ver cómo se ve eso. Sí, creo que eso ayuda si son similares en valor. Tenemos una ilustración terminada aquí. Foto más letras, además de simples ilustraciones de estilo garabato en la parte superior. Creo que realmente se une muy bien, se siente equilibrado. Podría hacer algunos retoques rápidos más a la vuelta de los bordes de las cosas para limpiarlas. Pero creo que esto se ve bien. Parece casi terminado. Si estás en este punto con tu trabajo o tal vez necesitas un poco más de tiempo para refinar, no tengas miedo de solo tomarte un descanso y ponerlo abajo, vuelve a ello. Probablemente notarás cosas diferentes que quieres cambiar sobre la pieza. Pero entonces una vez que esté listo para salir, puedes exportarlo, y eso es lo que te vamos a mostrar en el siguiente video, es cómo prepararlo para cualquier aplicación para la que quieras usarla.
12. Exportar y compartir: Hemos terminado nuestra ilustración. Ahora vamos a hablar de aplicarlo a diferentes casos de uso en el mundo real. Para mí, hago muchas impresiones con mi obra de arte, pero definitivamente esa no es la única forma en que puedes usar una ilustración como esta. Puedes mantenerlo todo digital, puedes usarlo en redes sociales. Se puede tener que se utilice como anuncio digital o incluso como anuncio impreso. Podría ser parte de un proyecto editorial. Podría ser solo un simple regalo para un amigo que les envíes en un mensaje de texto. Realmente no hay rima ni razón para esto. Si tu obra de arte es más gráfica, incluso podría verse impresionante en una camiseta. Cuando estamos exportando la ilustración, es importante tener en cuenta para qué aplicación la vas a usar,
solo para asegurarnos de que sea el formato y la resolución de archivo correctos. Si estás listo para imprimir directamente desde tu iPad, hay una forma de hacerlo. Sí tienes que tener configurada una impresora inalámbrica. El modo en que lo haces, es que solo lo exportas igual que lo harías de cualquier otra manera como un JPEG pero en lugar de airearlo, guardas la imagen y luego vas a tu
app Fotos y pulsa el pequeño botón “Compartir”, desplázate hacia abajo y ahí está la cola de impresión. Después solo seleccionas tu impresora y podrás sacarla y meterla en tus manos. Si terminaste con la obra de arte y estás listo para compartirla, puedes hacerlo directamente desde el iPad. Si tienes tus aplicaciones de redes sociales aquí, solo
lo exportas como un JPEG de Procreate y ya está listo para salir. Cuando estás exportando desde Procreate, hay algunas opciones diferentes. Simplemente haz clic en el icono de la llave inglesa, haz clic en “Compartir” y estás aquí con algunas opciones diferentes. Si querías conservar las capas y el dibujo, puedes exportarlo como PSD. Para nuestros propósitos, un PDF o un JPEG funciona bien. Simplemente golpearé “JPEG” y lo exportaré vía AirDrop a mi MacBook Air. Ahora está en mi portátil y puedo importarlo directamente a Photoshop y jugar con el recorte o deshacerme de parte del área extra de fondo, y lo prepararemos para imprimir. Una vez que tengas tu imagen en el equipo, puedes arrastrarla a Photoshop o cualquier aplicación de edición de fotos que
quieras usar y redimensionarla al tamaño que quieras imprimir. Vamos a agregar ese color de fondo gris aquí y luego simplemente recortarlo para que esto sea todo lo que vamos a conseguir cuando lo
imprimamos y mantenerlo en una plaza tiene sentido. Entonces si estás contento con el resultado, solo
puedes presionar Command-P para imprimir y enviarlo a tu impresora. Está bien, vamos a agarrar nuestra huella.
13. Conclusión: Enhorabuena. Enhorabuena. Enhorabuena, lo lograste hasta el final de la clase. Hoy aprendemos a ver la fotografía de una manera más lúdica, remezclándola con ilustración en algo completamente tuyo. Cubrimos muchos pasos en esta clase, desde elegir una foto hasta esbozar y refinar tu obra de arte. Si hay algo que quiero que te quites de esta clase es no ver fotografía y la ilustración como dos médiums separados. Ambos tienen sus méritos, pero cuando los combinas juntos, podemos hacer algo que sea mayor que algunas de sus partes. Recuerda, la fotografía es captar lo que puedes ver. Una ilustración es imaginar lo que no se puede ver. Esa es la belleza de la creatividad; puedes combinar dos cosas que normalmente no van juntas. Estoy muy emocionado de ver lo que creaste en esta clase. Si lo hiciste parte del camino a través la clase o todo el camino hasta el final del proyecto, asegúrate de subir lo que hayas creado, la obra de arte, la foto original, tu lista de lluvia de ideas y bocetos al galería de proyectos en esta clase Skillshare. Te daré algunos comentarios ahí y también me aseguraré de echar un vistazo a lo que todos los demás hicieron, también. Bueno, por cierto, si quieres revisar más de mi trabajo, puedes encontrarme en efdotstudio.com o en Instagram @efdot. Siempre estoy abierto a responder preguntas. Dispárame un DM o un correo electrónico y te llamaré. Muchas gracias por pasar por esta clase conmigo hoy. Estoy tan emocionado de ver que tus fotos cobran vida.
Eric Friedensohn, @efdot - Muralist / Designer in Brooklyn
