Iniciar pintura acrílica: paisajes de acrílico para estudiar y pintar

1. ¡Hola!: Hola artistas y bienvenidos a mi estudio. Me llamo Dina y Adams, y soy pintora e ilustradora en Minneapolis, Minnesota. También me encanta enseñar y sobre todo me encanta enseñar a principiantes. Aquellos como tú que han pensado refranes como, me encantaría poder pintar un paisaje, pero es bastante abrumador y no sé por dónde empezar. Esta clase está orientada, sobre todo para ti. Te voy a guiar con cuidado y ponerte en marcha, configurada con nuevas habilidades y nuevos sistemas de trabajo. Si encuentras este tipo de pintura liberadora, interesante, liberadora, metafórica, profunda, cualquiera de esas cualidades que creo que el paisaje nos puede traer como tema a investigar. Entonces creo que realmente te encantará esta inmersión profunda en buenos fundamentos fundacionales. 2. Materiales: Repasemos lo que uso en esta clase. Necesitarás toallas de papel, trapos o una esponja. Y podrías usar alguna combinación de todas esas cosas tanto para limpiar como para experimentar con la pintura en movimiento alrededor de tu lienzo o tu superficie de trabajo. Utilizo una paleta de papel de cera en general, o algún tipo de paleta desechable. Usas lo que sea que estés cómodo usando. Las placas de papel son geniales. A diferencia de esta clase donde traté de mantener las cosas realmente limpias para que puedas ver lo que estoy haciendo muy fácilmente. En la vida real, tiendo a dejar que mi acrílico seque y luego simplemente pintar más acrílico encima de ese acrílico. Entonces a pesar de que mi paleta es técnicamente desechable, traté de reutilizar y hacer que esas superficies dure un rato. Y puedes sentirte libre de hacer lo mismo. Necesitarás un lápiz y una goma de borrar. Si no tienes borrador en tu lápiz y te sientes fuertemente al respecto. Y uso un borde recto para esto. Generalmente algún tipo de gobernante es bueno. Vas a querer hacer algo de marketing y medición, pero puedes hacer un globo ocular lo que acabemos haciendo, solo usando un borde recto como un trozo de cartón o simplemente alguna caja aleatoria por ahí, cualquier cosa así está bien también. También necesitarás papel y tu papel rayado es idealmente lo suficientemente grueso como para que te pongas algo de pintura. Entonces tienes la opción de pintar sobre papel ¿debes elegir cambiarlo a veces? Otras cosas que necesitarás. El agua es importante en el acrílico, usamos para algunas veces diluir la pintura si es un poco engrosada y no muy fluida. Y es lo que usamos para poner nuestros pinceles para que el acrílico no se endurezca en las cerdas. Necesitarás un recipiente para esa agua, algo que no te importa conseguir pintura en recipientes de yogur usados, cosas así. A mí me gusta tener algunos cuchillos de paleta, raspadores, espátulas, y puedes usar objetos encontrados para esto. Sólo tienes que saber que te vas a poner acrílico en ellos que eso no sea reutilizable realmente para otros fines. Pero hay un montón de pequeños artículos con bordes suaves que podemos apropiarnos para convertirlo en cuchillos improvisados. Y he completado esta clase usando paquete de ocho lienzos de valor de Blick. Son de ocho por ocho pulgadas y creo que hay 20 dólares en persona y diez dólares más en línea. No son caros. Algo de Michael, de Joanne, nuestras tes, solo ganga y lienzos básicamente. Y terminé usando de cuatro a ocho de ellos, dependiendo de cuánto escoja pintar sobre ellos y reutilizarlos versus mantener cada pequeño ejercicio. Es agradable acostumbrarse a pintar en ese tipo de superficie. También usé un panel para mi proyecto final el cual fue de 12 por 12 pulgadas. Para que puedas usar un panel de madera como lo hice yo, o un lienzo de doce por 12 pulgadas. Para tu versión final de tu proyecto de pintura paisajística. El tipo de pintura que utilizamos en esta clase es la pintura artesanal. Utilizo acrílico Blick Matt. Y esto es solo una versión ligeramente más bonita y más cargada de pigmentos de pintura artesanal. Tienen un costo de 2.60 dólares por contenedor. Entonces en ese barrio y bajo, para que puedas usar cosas como código delta Surinam o barril de Apple Americana, ese tipo de cosas. Todas esas pinturas de marca están bien. Cualquier cosa que venga en estos frascos pequeños exprimidos. Y generalmente pintar así no debe costar más de dos o tres dólares por color. Estas no son pinturas de grado artista. ¿ Por qué nos enfocamos en pinturas de bajo costo no de grado artista? ¿ No deberíamos estar usando la mejor pintura posible, etcétera, etcétera? El mejor pintura posible es muy, muy densa y pigmentación. Y te permite pintar de una manera donde puedes mirar esa pintura como un concentrado de color y luego agregar muchos aditivos transparentes a tu dolor con el fin de extenderlo, cambiar su consistencia, y simplemente expandir realmente lo que hará esa pintura físicamente. La pintura artesanal se ha mezclado con cierta cantidad de tiza en la formulación. Y también es fluido, moqueante, untable y fácil de usar justo fuera del frasco. Esa es parte de la razón por la que me siento fuertemente por comenzar con sólo estos materiales realmente accesibles y económicos. El acceso y la falta de gastos, creo que es realmente importante porque es muy estanqueidad colgando en mi experiencia personal y en mi conversación con los estudiantes, es muy francotirador y muy especie de tipo de te congela en su lugar para tener en el fondo de tu mente, la narrativa de que tu pintura es realmente, realmente cara. No quieres desperdiciarlo. No quieres, ya sabes, pasar por buenos materiales para usar rápidamente. Ya puedes ver cómo eso podría jugar psicológicamente en cómo tratas el acto de la pintura y cómo tratas tu uso de materiales, y qué tan dispuesto estás a experimentar o simplemente dejar algo B. Por eso me siento realmente fuertemente sobre el uso de estos materiales básicos accesibles. Además, quiero que todos experimenten la diversión y la emoción que obtienes al crear algo que es que amplíe tus capacidades más allá de lo que pensabas que podrías. Entonces no siento que la pintura artesanal sea el tipo de cosa que nos retiene demasiado. De verdad creo que nos habilita más que a nos retiene cuando estudiamos. Por eso estamos enfocados en la pintura artesanal. ¿ Qué colores debes obtener? Número uno, revisa el PDF rápidamente. Parte del lenguaje en torno a la elección del color podría ser un poco ambiguo ahora, pero una vez que hayas visto. El clase a través de la sección de rueda de color. O puedes saltar a la sección de conferencias de la rueda de color de la clase y simplemente ver eso y luego ir a escoger tus colores. Eso es una cosa que puedes hacer porque tendrás suficiente comprensión de la rueda de color y el color de cortesía y los colores relacionados que podrás decidir. Ah, quiero que mi pintura sea principalmente verde o quiero que mi pintura sea principalmente azul y tú puedes tomar decisiones sabiendo que eso funcionará como paleta. Pero si quieres como hacer lo que hice, lo que hice implica diferentes variaciones y versiones de rosa y verde. Esa fue la paleta en la que decidí enfocarme. Por lo que sin vergüenzas realmente me gusta genuinamente el rosa. Entonces ese es el color que tipo de pensar primero y me dije a mí mismo, quiero, quiero trabajar con eso. Y luego es opuesto en la rueda de color es verde. Por lo que eso me ayudó a llegar a esta paleta. Usé naranja claro, que es una especie de rosa melocotón. Usé beige, que tiene un subtono rosa. Usé medio rojo, que es una especie de rosa polvoriento. Utilizo magenta brillante, que es un rosa caliente, verde azulado, que en realidad es un muy profundo, oscuro, casi negro, azul-verde. Véndelo, que es prácticamente gris. Es gris con un subtono verde. En la gama de pinturas, utilicé la luz azul verde, que es un color aqua muy menta. Usé amarillo verde profundo, que es un verde de primavera intenso, No del todo chartreuse, poco más como un resorte de primavera, es verde que eso, pero cerca de Chartreuse, usé azul salvia, que es ordenar de un gris verde azulado indeterminado, especie de en esa familia. Y luego una vez que hayas decidido, ya sabes, estoy usando rosa, estoy usando verde, estoy usando diversos derivados y vecinos de rosa y verde. Entonces, cualquiera que sea el color que escojas, agregarás blanco y negro a tu paladar. Por lo que puedes o bien golpear por tu cuenta, elegir un color su opuesto, y algunos colores relacionados y especie de vecinos de esos colores. Mezclalo un poco, consigue tal vez diez contenedores totales de pintura máxima, no gastes más de 30 dólares en pintura nueva para este proceso. Y el blanco y el negro son una especie de misión crítica aquí, y eso es lo que debes saber para empezar. Entonces para los pinceles, como con la pintura en esta clase, me gusta mantenerla barata y alegre. Y esto es algo que tiendo a hacer con el acrílico en toda la pizarra, ya sea pintura de grado o bien. Pintar o todo en el medio. Me gustan los cepillos de níquel Royal y Lang que se venden en Michael. Son de bajo costo. Vienen en una bonita variedad de tamaños y consiguen el trabajo hecho. Por lo que los tamaños sugeridos para los pinceles son tener un cepillo plano de media pulgada o brillante, un redondo de doce pulgadas, que es bonito, especie de tamaño mediano grande, un redondo de seis pulgadas, que es un tamaño mediano muy polivalente, y luego un número a redondear o algún tipo de pincel pequeño detalle. Por lo que solo puedes caer en esos pequeños toques finales. Y ese sería un diámetro realmente pequeño con el que puedes poner pequeños detalles diminutos en tu trabajo. Entonces eso es lo que estaremos usando. Haz chequear tu inventario de cosas que quizá ya tengas y ver qué puedes llevar a la mesa antes de salir y conseguir algo especial. Solo para hacer estos proyectos, se pueden sustituir o aproximar muchos colores diferentes y aún así obtendrás un gran resultado. 3. Bocetos, cuadros y estudios: Antes de pintar, realmente ayuda dibujar. No te intimides, estará bosquejando de una manera muy simplificada. Y repasaremos algunas de las reglas clave que resultan en una buena composición. Si bien se llama la regla de los tercios, realmente me gusta pensar en ella como la herramienta de los tercios. Los roles realmente existen como marco simplemente para que evaluemos las cosas dentro de nuestros dibujos y dentro nuestras pinturas para que funcionen un poco más eficazmente. Aprenderá a componer tanto para un rectángulo como para un cuadrado. Y al final de este apartado, será tu turno de hacer una serie de pequeños preliminares algunos clavos. Esta etapa es realmente divertida y lleva a algunas opciones que podemos utilizar para expandirnos en nuestros proyectos pintados. Todo lo que necesitas es un lápiz y una goma de borrar, un t-cuadrado de borde recto o regla, y algún papel rayado, preferiblemente en un buen tamaño grande. Por lo que quiero demostrar la regla de los tercios usando tanto un formato rectangular como un formato cuadrado. Empezaremos con un rectángulo porque es el que usarás con más frecuencia y encontrarás con más frecuencia. Entonces divido mi forma en nueve secciones iguales y no tienes que ponerte súper granular sobre las matemáticas, pero generalmente pongo nueve secciones iguales en la forma más grande. Cuando pintamos paisaje, la primera pregunta es, ¿dónde está el horizonte? ¿ Dónde está el punto más alejado que tu espectador puede ver? Y es intuitivo dejar esto justo en medio de tu lienzo o panel, pero te animo a que no hagas esto. En cambio, tu composición será mucho más dinámica y mucho más dramática si pones tu línea de horizonte ya sea en el marcador horizontal superior. Por lo que la mayor parte de tu pintura será retomada por cosas en el suelo o colocarla en el marcador horizontal inferior hacia abajo, en cuyo caso, más de tu composición será retomada por el cielo. Cada una de ellas da una sensación diferente de manera significativa, pero ambas resultan en una composición más dramática y más dinámica. Entonces, digamos que decido bajar mi horizonte. Esto va a ser una especie de paisaje de cielo más grande. Esto lo sé, y solo puedo hacer este tipo de línea horizontal desigual. Y si tiene algunas características en él, pero es bastante recto y bastante plano. Así que ten esto en cuenta cuando estés haciendo regla de composición de tercios, aplicándola a un rectángulo de tamaño estándar. Estos superior e inferior sus horizontales te dan una línea de horizonte natural. Ahora bien, estas intersecciones de tus líneas en medio de tu pieza, hacia el centro de tu pieza, donde se encuentran tus verticales y horizontales. Esas son una especie de acciones, spots o hotspots. Son áreas de énfasis. Entonces cuando estoy planeando, ¿ dónde pongo mis cosas? En esta composición? Voy a utilizar estos como punto de partida. Y la primera pregunta que tengo es lo que está pasando aquí en relación con esos cuatro puntos calientes. Entonces no todo en mi pieza necesariamente tiene que suceder en esos hotspots. Pero generalmente si tengo algo sucediendo que dibuja una línea en mi composición, esa línea podría apuntar hacia uno de esos hotspots. Si algo se nivela con la línea del horizonte, tal vez parte de ella toque carnes y termine en uno de esos hotspots. Entonces no se trata de simplemente poner algo bien en ese hotspot. Pero sí tienes que mirarlos y luego hacer ingeniería inversa desde ahí, pregúntate qué está pasando. Entonces, ¿hay una suma, un objeto que esté en ángulo hacia esa cosa? Al hacer esto, automáticamente vas a fortalecer tu composición. Simplemente puedes usar el conocimiento de estos hotspots y luego trabajar al revés. Y esto funciona realmente, muy bien en el tamaño estándar y formatos rectangulares. Ocho por 109 por 1211 por 14, esas tallas que vas a recoger cuando acabas de salir y comprar un lienzo preimbado o un panel preconstruido, no siempre estarás trabajando a esos tamaños. Pero en general, me parece que lo soy. Por lo que ahora se puede ver el nivel de bocetos que estoy haciendo aquí. No es complicado, ¿verdad? Así es como planeo mis pinturas. No es un proceso de dibujo elaborado que determina cómo van a ser cada pequeños detalles. Empiezo con el general y me moví hacia lo específico. Esto es cierto con cómo dibujo un cuadro de manera preliminar. Y es cierto con cómo trabajo un cuadro una vez que he empezado en mi lienzo o panel. Entonces ahora solo puedo embellecer estas ideas, llenar un poco de detalle extra si quiero. Y realmente empieza a describir algunas formas y algunos volúmenes y me da una idea general de adónde ir. Y porque todos los eventos en mi panel están apuntando hacia estos hotspots o se cruzan con los hotspots. Esta composición puede no ser la mejor que he hecho nunca, pero sí, funciona sólida. No hay nada de mirar esto de manera composicional que me haga sentir realmente incómodo o muy apretado. Entonces solo para enfatizar dónde están esos hotspots, los voy a marcar para tu edificación en pintura rosa. Ahí es donde ocurren mis hotspots en esta pieza rectangular. Cuando hago una pieza rectangular y hablo de thumbnailing, Esto es exactamente de lo que estoy hablando. Entonces mido ya sea fuera de mi panel si es pequeño o en proporción a mi panel, hago un poco de matemáticas y simplemente encogerlo hacia abajo. Y eso me da la información que necesito saber. Miniatura, mi pintura antes de pintar. Cuando trabajamos en formato cuadrado, necesitamos pensar en la regla de los tercios un poco diferente, no drásticamente, sino solo un poquito. Por lo que he trazado mi lienzo de formato cuadrado y lo estoy dividiendo en nueve secciones iguales como lo hice con mi forma rectangular. En el último video. Tengo un poco de espera hacia el fondo. Ya ves me puse un poco desigual, pero no es lo suficientemente drástico como para preocuparme realmente por ello a los efectos de esta manifestación. Y solo voy a cortar el fondo con unas líneas extra para que las cosas estén un poco más parejadas. He marcado spots de acciones en esta composición. Una vez más, están en las intersecciones de mis líneas de medición horizontales y verticales. Entonces cuando trabajamos en un cuadrado, podemos usar prácticamente el mismo enfoque a la regla de los tercios que lo hicimos en formato rectangular. Sólo en este caso, realmente ayuda a compensar las cosas sólo un poquito. Siempre se te permite compensar las cosas. Nuevamente, me gusta pensar en esto como la herramienta de los tercios más que la regla de los tercios, ¿no? Entonces es, es una guía con la que puedes consultar y es una herramienta para ayudarte a crear una composición exitosa. No es una regla darte una paliza en la cabeza con. He puesto mi horizonte 1 tercio del camino arriba como lo hice en el último ejemplo. Pero esta vez verás que estoy empezando a agregar algunos objetos. Y cuando lo hago, los estoy compensando un poco de donde los pondría. Si estuviera siendo realmente estricto en mi regla de colocación de tercios. Y en formato cuadrado, este pedacito de offset es la clave. Realmente hace que las cosas funcionen. Si realmente me acerco a esas guías directamente, tiendo a meterme en un poco de problemas en un formato cuadrado donde funcionaría mejor en un formato rectangular. Entonces esto es solo un truco realmente simple que encontré en un blog de fotografía. Por lo tanto, busca en otras fuentes pistas y consejos sobre la composición. Mira los anuncios feos porque como aunque solo sean feos anuncios tipográficos, las opciones de color y la colocación de las cosas son un gran indicio para lo que funciona visualmente. ¿ Qué trabajo visual estructuralmente no es necesariamente lo que es lo más bonito? Otra cosa de los cuadrados que es un poco interesante es que verás aquí, soy capaz de poner este árbol casi muerto centro en un rectángulo. Poner algo en el medio suele ser una receta para problemas en este formato cuadrado, poner algo en centro muerto o cerca del centro es una opción viable. Los formatos cuadrados son formatos compositivos muy centrales. Entonces ya verás tengo este tipo de línea serpenteante que empieza en uno de mis hotspots y apunta a uno de mis hotspots. Pero aparte de eso, no hay información que se centre absolutamente en esos cuatro spots de acciones que se cruzan. Aún así, estoy usando mis lineamientos horizontales y verticales como punto general de inicio y parada para diferentes eventos visuales dentro de la composición. Las cosas están un poco abarrotadas y ocupadas en primer plano, pero eso no me preocupa mucho. Yo habría tomado tal vez esa decisión de una manera un poco diferente si lo hago de nuevo. La belleza del thumbnailing es que absolutamente llego a hacer esto una y otra vez sin gastar mucho tiempo o dolor de cabeza y conseguir todo perfecto y perder mucho tiempo en una sola imagen. Entonces puedo usar ese punto central y puedo compensar las cosas un poco, empujarlas hacia un lado un poco más lejos, empujarlas hacia el medio un poco más lejos. Y descubrirás que este tipo de acercamiento oblicuo, poco incómodo a tus pautas realmente ayuda a que tus composiciones de formato cuadrado sean exitosas. Ahora que ya sabes cómo hacer componer en un cuadrado y en un rectángulo. Es una gran idea pasar algún tiempo haciendo unas miniaturas ásperas y pequeñas. Llena tus casillas con información basada en lo que sabes de la regla de los tercios, usando esa regla como punto saltando y como un poquito de sistema de estrategias, mientras dibujas, sin embargo, dibujas rápidamente, dibujas intuitivamente, confías en la sabiduría de tu instinto y tu inconsciente. El objetivo aquí es hacer un gran volumen de pequeños dibujos en bruto que sean imperfectos. Y eso te da una idea muy esquelética, rápida y concreta de adónde pueden ir las cosas. En tu lienzo cuadrado. No es necesario decidir todas las grandes decisiones que entran en un cuadro en esta etapa, el volumen es clave. mí me gusta poner un temporizador a veces y simplemente comprometerme a dibujar como este amigo, nuestro, viendo cuántos de estos bocetos puedo arrancar en una sola sentada. Hay una sabiduría a tu intuición y sabiduría a tu inconsciente. Y permitir que esas cosas se relacionen con lo que sabes sobre la regla de los tercios es realmente beneficioso. Algo que quiero señalar es que puedes hacer árboles de piruleta y triángulo y puedes hacer nubes de caricatura. En esta etapa. No se trata de bocetos realmente efectivos ni de dibujo competente. Se trata de trazar dónde los elementos de un cuadro podrían servir mejor a la imagen y eso es todo. No más, ni menos. Así que usa la geometría, usa la simplificación y realmente solo tienes que ir por el volumen. Puedes trazar tu regla de tercios cuadrícula o simplemente puedes confiar en tu memoria y tu recuerdo de ella para impulsar tu toma de decisiones a medida que dibujas estos dibujos. Después de haber creado una serie de éstas muy rápidamente, y confiando en una absorción inconsciente de la regla de tercios. Entonces puedes volver atrás y evaluar cada una y ver qué partes de cada imagen son exitosas, puedes evaluar cada una de estas. Y si tienes suficiente de un volumen significativo de esta pequeña imagen se acumula, entonces solo puedes entrar y elegir intuitivamente las que tienen un buen presentimiento para mirar. Los que sientes son los más equilibrados y los lugares donde te gustaría pasar tu tiempo. Esas son las miniaturas que puedes usar para estructurar tu siguiente movimiento como una pintura o como un estudio que dará como resultado una pintura. 4. COMPARTE TU PROGRESO: A lo largo del curso, tendremos algunas oportunidades para compartir y compilar nuestro trabajo. Adelante y comienza un proyecto bajo la pestaña Proyectos disponible en la página principal de la clase. Una vez que hayas completado esto, empieza a subir algunas de tus miniaturas, bocetos y esquemas. Puede utilizar esta opción para demostrar y rastrear su comprensión de la regla de los tercios. Y puedes aplicar este conocimiento tanto a cuadrados como a rectángulos. No tengas miedo de subir algunos bocetos muy someros y Ross. Las miniaturas de todos se verán más o menos así. Ya sea que quieras compartir tu trabajo en esta etapa o no, es importante empezar a hacer un hábito de bosquejar. De esta manera, Planeando y explorando diferentes ideas para la composición. 5. Vamos a estudiar el valor de estudio: Vamos a explorar el valor y explorar las propiedades físicas de nuestra pintura. Voy a usar cuatro herramientas diferentes para pintar en mi papel de prueba. Lo he dividido en cuatro secciones de líneas horizontales. Tengo un cuchillo para paletas alrededor del cepillo, un cepillo plano, y un trapo, o una toalla de papel. Por lo que puedes usar cualquiera para herramientas, cualesquier cuatro formas de conseguir la pintura en papel. Eso está bien. Simplemente sucede que estoy usando estos para, y probablemente haya unos para los que puedas replicar fácilmente. Estaré usando blanco y negro exclusivamente porque estamos tratando de valor y no de color. valor es el espectro completo desde el negro más negro que puedes crear hasta el blanco más ancho que puedes crear, y todos los tonos de gris en el medio. Cuando empiezo mi primera barra, decido que voy a pintar en cajas que tengan un borde definido como lo define la línea de lápiz en la parte superior de la tira que he dibujado a través de mi página. Y sólo voy a empezar agregando negro a esta barra. Podría agregar blanco y trabajar en la dirección opuesta. O bien está bien. Lo primero que harás es usar tu pincel redondo puntiagudo y empezar pintando una cajita. Y puedes pintarlas de negro o blanco. Cualquiera que sea el color que hayas hecho, entonces recogerás un poco de lo contrario de ese color. Entonces si estás usando el blanco, un poco de negro. Si estás usando negro como yo, un poco de blanco. Y luego vas a pintar una segunda caja avanzando por la tira. Notarás que hay una sutil diferencia entre esos dos tonos. Agrega otra dollop de blanco a negro o de negro a blanco, luego continuar con este proceso. Ahora, estoy más enfocado en quedarme dentro de la línea del lápiz que en hacer una línea perfectamente recta entre estas cajas, ¿verdad? Las separaciones aquí están un poco dentadas y eso está bien para mí. No estoy enfocado en eso tanto como estoy en quedarme dentro de la línea del lápiz donde las cosas tienden a ser más rectas. Puedes hacerlo de esta manera o realmente puedes tomarte el tiempo para hacer tus bordes en todas estas cajas lo más 90 grados y precisos posible sin bosquejar nada en. Esto es sólo un reto de buenas prácticas. Y la belleza de ello es que no tienes que hacerlo a la perfección. Es solo ahí para empezar a meterte en el hábito de prestar atención a ese tipo de, ese tipo de limitación, ¿verdad? Y solo trabajando dentro de algún tipo de restricción, te acostumbrarás al pincel y te acostumbrarás a hacer bordes rectos y limpios. Continúa agregando un toque de blanco a negro o negro a blanco dependiendo de la dirección en la que estés trabajando. Y solo ve cómo cambia el color con cada marca que haces y con cada iteración a medida que te desplazas por la página. En esta instancia, estoy decidiendo deliberadamente no mezclar. Y es, creo, importante hacer una tira de tonos distintos no mezclados. Esta es una métrica útil que puedes comparar con ejercicios de color que haremos más adelante. Por lo que es agradable tener esta pequeña tira de prueba. Ahora se puede ver que desde que empezó tan oscuro, realidad nunca llegué hasta el blanco. Eso está bien. Pero si puedes llegar hasta el blanco desde el negro, tanto mejor. Por lo que quizá quieras hacer tus cajas un poco pequeñas y más condensadas de las que tengo en este ejemplo. ¿ Qué pasa con crear una transición suave mezclada entre valores? Esto puede ser un poco complicado, pero te mostraré cómo lo hago. Empiezo con dos cepillos limpios en extremos opuestos de la barra, uno negro y otro blanco. Entonces puedo agregar un poco de blanco a mi negro y un poco de negro a mi blanco. Una cantidad muy pequeña de Negro a mi wight, sé muy conservador cuando estés trabajando en esa dirección. Y entonces puedo trabajar suavemente estos dos lados opuestos el uno hacia el otro hasta que se reúnan en el medio. Utilizo un poco mi pincel para volver a pinchar sobre estas transiciones y suavizarlas. No quiero seguir trabajando por mucho tiempo sobre las transiciones. Y no quiero debajo de mezclarlos ni seguir trabajando la pintura mientras empieza a secarse porque la pintura se pondrá pegajosa y esas transiciones no se suavizarán, solo se quedarán más duros. Es una línea fina para saber cuándo dejar de trabajar la pintura. Y es algo que viene con mucha experiencia. Entonces si quieres intentar hacer transiciones suaves, definitivamente siéntete animado a intentarlo una y otra vez. Y dos, solo ponte mejor en ese proceso a través de la repetición. Toma algún tiempo, pero podrás hacer algunos gradientes lisos realmente bonitos que van todo el camino del negro al blanco. Me gusta usar mi pincel plano para estos principalmente porque me permite trabajar rápidamente y puedo mezclarme antes de que mi pintura realmente comience a secarse. Prueba algunos gradientes y prueba algunos gradientes en caja. Entonces ahora quiero examinar exactamente este mismo proceso, pero esta vez me estoy limitando de nuevo y retando de nuevo. Y el único implemento que voy a usar para poner pintura sobre papel va a ser este cuchillo paleta de plástico. Por lo que de nuevo, estoy agregando una pequeña cantidad de blanco a mi negro. Y estoy expandiendo mi marca de izquierda a derecha. Con cada caja que pinto sobre mi papel, añadiré un poco más de pintura blanca, aligerando el valor que aplico al papel. Un cuchillo de paleta nos da mucha textura y mucha presencia. Y es una herramienta de pintura muy útil, algo que te da un rango expresivo más amplio. Y es realmente bueno solo conseguir algo de práctica manejándolo. La pintura exitosa a menudo se reduce a sólo tener un enfoque interesante y variado de formas en que puedes poner tu pintura en tu soporte. Por lo que practicando con diferentes implementos justo desde el principio, vamos a dar sus frutos más adelante. Puedo usar un cuchillo limpiado si quiero mezclar mis bordes un poco más de lo que parecen ser ahora mismo. Para que pueda limpiar mi cuchillo en una toalla de papel y simplemente usarlo con un poco de presión para extender la pintura una manera adelgazada hacia atrás en mi línea de espectro y se suavizará un poco ese borde. Observe que cada uno de estos implementos tiene su propia característica distintiva, su propia voz distintiva. Todos estos están disponibles para que los uses y cambiará el tono de voz en tu cuadro para cambiar su implemento. divertido saber cuáles son las más cómodas con. Uno de mis favoritos es sólo un simple trapo. Por lo que estoy usando un papel enrollado decir para una vez más, trabajar algo de pintura blanca en mi pintura negra mientras muevo diferentes parches de concreto de valor a través de esta hoja, creando otra barra multivalorizada. En el caso del trapo, es difícil obtener un borde muy mezclado con la primera capa de pintura. Entonces no intentaré hacer eso. De verdad sólo quiero ver si puedo controlar el valor lo suficientemente bien para que cada iteración y cada marca que hago sea un poco más ligera sucesivamente que la anterior. Diviértete un poco y crea una o más páginas como esta con escalas de valor que se mueven de un lado a otro y engloban negro, blanco y tonos de gris en el medio. 6. Introducción a los valores de paisaje: Ahora vamos a usar pintura en blanco y negro y lo que sabemos sobre el valor para crear un mapa de una estructura de valor que se aplique a la mayoría de las situaciones de pintura de paisaje. Encontrarás que esto es una herramienta súper útil, prácticamente indispensable a la hora de renderizar cualquier visión del mundo exterior. Yo diría que esta es la herramienta más importante y más útil en un kit de herramientas de pintores de paisaje. 7. Paisaje extravagante en negro y blanco: Para este ejercicio, nos vamos a limitar a sólo negro y sólo blanco. Necesitarás un par de pinceles. Uno de tus lienzos ocho por ocho en blanco, y un cuchillo para paletas es útil para revolver tu pintura. Estaré dibujando mi imagen usando un color neo a cera pastel. Estos crayones solubles en agua o disolventes en agua como su nombre indica. Y así podrás corregir cualquier problema de bocetos que te encuentres simplemente limpiando tu trabajo de línea con un poco de agua y un trapo. Estoy esbozando mi cuadrícula de regla de tercios en mi cuadrado. Y soy capaz de usar este marco para dejar caer un par de piezas de información en mi boceto. Voy a crear un par de nubes en mi cielo. Voy a crear un par de árboles verticales en mi paisaje. Y voy a sumar un par de instancias donde el suelo es tanto plano como apunta directamente hacia arriba. Y un par de instancias donde el suelo tiene un ángulo con respecto a ella. Por lo que algunos cerros en la distancia y un poco de subida en primer plano. He completado mi boceto preliminar y mis objetos están situados de una manera con la que me siento cómodo. Observe que están muy estilizados y simplificados. Estamos lidiando con una imagen a nivel de caricatura para realmente simplificar esta imagen y realmente aclarar la información que sostiene. Para hacer el valor más ligero en este lienzo. Estoy agregando un poco de Negro a algún blanco para crear una plata muy ligera, casi blanca, un gris. El grupo más ligero de valores en el paisaje. Casi siempre va a ocurrir arriba en el cielo. Entonces para replicar este hecho, voy a pintar este muy gris claro en el área de mi cielo en, en mi pintura sobre mi lienzo. Entonces solo estoy pintando esto en cobertura muy plana y uniforme. Y no me preocupa la perfección. No me preocupa ningún tipo de variación dentro de este color. Solo estoy aplicando color plano a mi Lienzo. Tengo un par de nubes ahí arriba y las estoy dejando en blanco en este momento. Y quiero decir, dejándolos en blanco para ilustrar el valor de hacer tu valor más ligero en general, aún un poco más oscuro que el blanco. Si pintara todo esto de blanco, no tendría a dónde ir. Si quisiera que esas nubes fueran un poco ligeras en el cielo, tendría que hacerlas más oscuras. Y podría no ser eso lo que quiero hacer en esta situación. Entonces para mantener un poco de margen de cabeza, un poco de potencial brillante donde pueda caer en un destello blanco y se verá solo un poco más brillante que todo lo demás. Necesito agregar un poco de negro a mi blanco en esta instancia. Y si estuviera pintando a color. Para lograr el mismo resultado agregando algunos colores a ese blanco. Por lo que este es en general el grupo de valor más ligero en el paisaje. Es lo más ligero en tu lienzo en promedio. Porque aquí es donde está el sol. No se puede conseguir más ligero que el Sol. Es la bombilla del mundo. Por lo que tu fuente de luz cuando pintas paisaje está arriba de tu cabeza. Y estás haciendo algo algo algo inusual en que siempre estás pintando tu fuente de luz. Siempre estás incluyendo tu fuente de luz directamente dentro de tu pintura, que fue una situación que realmente no surge de la misma manera cuando estás pintando y sujeto de interior. Entonces para los propósitos de este increíblemente estilizado y simplificado mapa de valores y cómo ocurren en el paisaje. Aquí vamos, tenemos a nuestro grupo un grupo de valor más ligero, completo, y nuestro cielo está más o menos pintado. Puedo dirigirme a esas nubes más tarde al final de mi pieza. No son tan importantes ahora mismo. Puedes ver esta demo o puedes pintar a lo largo. Y sugiero pintar uno de estos para ti. Simplifica los ojos de estilo y hazlo realmente fácil para ti. Es importante que esta relación de valores se memorice de alguna manera y para pintar, La mejor manera de meterla en tus bancos de memoria internos es a ojos físicos que procesan un poco y encontrarla a través de hacerlo, es un realmente buena idea hacer uno de estos pequeños bocetos de pintura si se puede. Si no quieres dedicar un lienzo a esto, dibujarlo trazando tu lienzo en un pedazo de papel y pintando esto en un pedazo de papel, ocho por ocho. También puedes simplemente pintar sobre este lienzo y reutilizarlo si no tienes ganas de mantener la imagen final. El segundo grupo más ligero de valores en un paisaje va a ocurrir en superficies planas que apuntan hacia la fuente de luz. Entonces las superficies planas de esta pieza que apuntan hacia esta fuente de luz sobre masa ocurren mayormente en el suelo plano, ¿verdad? Esto es lo que se inclinó hacia el sol Lo más directamente. Entonces esto es lo que se pinta. Mi segundo grupo de valor más ligero. Creo el segundo valor más ligero agregando solo un poco de negro a la mezcla de gris que creé para pintar el cielo. Y entonces simplemente relleno las áreas de este plano plano plano de tierra a media distancia. Si se trata de una imagen realista, habrá mucha variación dentro de esta zona. Pero como esto es estilizado y simplificado, sólo voy a aplicar el mismo valor uniforme de pintura a toda esa área de terreno plano. Ahora tenemos nuestro valor más ligero y nuestro segundo valor más ligero. Entonces a partir de ahí, hay un tercer grupo de valores, un poco más oscuro, pero aún así. De lo que yo consideraría un gris medio. Por lo que uno es ligeramente más ligero que el gris medio perfecto y uno es ligeramente más oscuro. Este grupo de valor ligeramente más oscuro, el tercer grupo de valor, grupo tres. Esto siempre se va a aplicar a las cosas que captan la luz, pero no necesariamente directamente. Entonces tenemos cosas como montañas en la distancia son Colinas en la distancia que he incluido y estilizado. Entonces esos son un artículo que voy a pintar en este gris medio, este gris ligeramente más oscuro. Se puede ver cómo el Sol atraparía las cimas mismas de estas colinas, pero los costados los atraparían menos directamente y esos serían un poco más oscuros y un poco sombríos. También voy a aplicar este valor ligeramente sombrío más cerca del espectador en el mismo frente. Hay dos razones para ello. Una es que este terreno está en ángulo en realidad. No capta la luz tan directamente. Estoy asumiendo que no es del todo tan plano. El otro motivo de esto es que es agradable sombrear el primer plano Solo un poco en relación con la distancia terreno. Ayuda al espectador a sentirse un poco anclado en el espacio. Por lo que tiendo a sombra área de primer plano un poco. Esto también configura tu primer plano para contener un poco más de contraste y un poco más de detalle. Entonces áreas en tu pintura que están más alejadas del espectador. Pero en esta versión estilizada de la realidad, Esto no es una preocupación importante. Yo sólo quiero demostrar que este terreno no es perfectamente plano. El valor muy oscuro de un paisaje se va a reservar para objetos verticales que estén más cerca del espectador. Entonces si está muy lejos en la distancia, tiende a ser un encendedor y lavado. Pero cualquier cosa a media distancia o cerca del espectador va a ocupar el valor más oscuro de tu lienzo. Observe que he agregado negro a blanco con algunos abandonados, pero aún no es un negro recto cuando pinto en estos árboles de media distancia y cerca de tierra. El motivo de esto es la misma razón que empecé con gris plateado en lugar de blanco. Si pinto estos casi pero no del todo negros, ahora me he dejado un poco de sótano, un poquito de punto más bajo para ir, o puedo caer en una sombra más profunda, más oscura sin ese poco de espacio en el fondo de mi escala de valor en negro, estas sombras oscuras no leerían como ninguna diferente de la información que está lanzando la sombra. Entonces es realmente agradable dejarte ese poco de espacio dentro de tu espectro de color o dentro de tu sistema de valores, para que puedas llevar tu pintura todo el camino al negro y todo el camino al blanco, al menos un poco . Las formas que estoy pintando son increíblemente simplificadas. Voy por una versión de caricatura de la realidad. Me encanta pintar de esta manera. realismo no es necesariamente mejor o peor que la estilización. Entonces lo que aprendí a través del realismo, puedo aplicar a la estilización. Y lo que aprendí ahí, estilización, puedo aplicar al realismo. Siento que ambos modos de trabajo se apoyan muy bien entre sí. La estilización puede ser realmente agradable. Para que pueda meter la cabeza alrededor de algunos de estos conceptos complicados de una manera realmente clara y concisa. Ahora ves que estoy usando un poco de esa habitación del sótano para poner un negro aún más oscuro en esta pieza. En los troncos de los árboles. Los árboles tienden a estar un poco sombreados hacia la parte inferior respecto a la parte superior. que pueda usar mi pintura para jugar con esta idea ajustando mis grupos de valor un poco dentro del grupo. Puedes pasar mucho tiempo en esta imagen y hacerla realmente perfecta, realmente encantadora mirar a un cuidador absolutamente y agradable que depende de ti. Estoy jugando un poco con esto, pero no tanto que me estoy apegando realmente a ello. Entonces me siento cómodo usando esto para pintar. Y realmente puedes jugar un poco con tus valores, hacer pequeños ajustes y pequeñas decoraciones dentro de tu pieza. Puedes experimentar con ella tanto como quieras, llevarla tan lejos como quieras, o dejarla donde está. Así como una experiencia muy sencilla y sencilla ilustración del papel del valor dentro del paisaje. Te animo a crear una pequeña ilustración como esta de la tuya. En este caso, realmente sí funciona como ilustración, ya que ilustra las cuatro zonas de mayor valor dentro de una pintura paisajística. 8. Paisaje en negro y blanco: En este video, estaré demostrando lo que se necesita para tomar una imagen de hoja de ruta estilizada de cuatro valores que hemos creado en el último video. Y mover eso a una imagen más desarrollada y más dimensional. No sientas que tengas que pintar sobre tu pintura como lo hago aquí. Podrás mirar tu pintura de hoja de ruta y utilizarla como referencia. Te animo a probar esto una o más veces y puedes pintar la imagen en papel o en tus lienzos económicos. Quería pintar sobre este cuadro para demostrar lo cerca que está esta estructura de valor simplificada, una imagen un poco más dimensional o más espacialmente convincente es en realidad, No hay tanto de un salto entre algo realmente estilizada y algo un poco más realista. El grupo de valor más ligero en mi pintura definitivamente está en el cielo, como mencioné, pero no es del todo tan duro y rápido y la realidad, la naturaleza no es dura, bordes limpios mucho del tiempo. Entonces si bien es cierto que tus valores más ligeros ocurrirán en el cielo de tu pintura. Hay una transición. Hay una progresión de un valor ligeramente más oscuro hacia arriba en la parte superior de tu campo de visión. Eso va más ligero y ligero y más ligero a medida que se mueve hacia abajo hacia el fondo de su División de Campo en el horizonte. Esta progresión es muy de mercado, muy evidente al amanecer y al atardecer. Pero también sucede en medio del día. Es sólo que la progresión en valor y la progresión del cambio de color en el cielo es mucho más sutil. Entonces hay un roll-off mucho más suave en mis valores. Si este es un cuadro de mediodía entre la parte superior de este tipo en la parte inferior y hay un rodaje menos suave en esas diferencias de valor. Si se trata de un amanecer u atardecer, más tiempo transitorio del día que está representando el cuadro. Entonces vemos algo de textura en que son transiciones y vemos más textura dada a la cubierta de nubes. Y apenas transiciones más audaces y especie de instancias refractadas de variaciones más brillantes y oscuras dentro del rango de valores. Mis elementos más fuera, que se relacionan con el color del suelo, pero tal vez un poco más oscuro que el color del suelo. Esos bordes son en realidad muy suaves. En realidad, cuanto más lejos nos alejamos de algo, más suave y menos obvio es el borde del objeto. Por lo que nosotros como pintores podemos replicar esa experiencia de mirar a la distancia ablandando o bordes distantes. Puedo ablandar bordes dentro del cielo y puedo dejar algo de textura dentro del cielo para dar la sugerencia y la indicación de nubes. No tengo que estructurar mis nubes muy bien. Sólo puedo indicar una pista de que están ahí. Y el espectador llenará cualquier vacío de información. Y a menudo es más efectivo simplemente sugerir algo con tu pincel de lo que es pintarlo realmente, sobre todo en la distancia de la imagen. Mi plano terrestre es un poco más oscuro que el cielo en promedio. Y esto definitivamente es algo que quiero mantener y quiero reconocer como que pinto. No obstante, hay variaciones dentro de ese terreno plano. Por lo general, los objetos de suelo plano tienden a ser un poco más ligeros en valor ya que se alejan más de nosotros. Esto se debe al efecto de la atmósfera en nuestra visión. El ambiente que existe entre nosotros y los objetos distantes tiende a enfriar esos objetos, por lo que los hace un poco más azules. Cuando llegue el momento de mirar el color, hablaremos más de eso. Pero también tiende a lavar las cosas a solo niebla y heladas, la aparición de objetos distantes ligeramente. Voy a reemplazar mis árboles. Y esta vez, en lugar de hacer estas formas muy concretas, muy especie de bordes duros y específicas, solo estoy metiendo mi pincel en mi pintura y haciendo una forma menos específica, tipo de más dentados y orgánica. Te darás cuenta de que bajé la pintura. Yo como que le doy la vuelta un poco con mi pincel. Pero verás que traté de resistirme a la tentación de repasar cosas pintadas que he pintado y simplemente masajearlas mucho con el pincel. Cuanto más evites un poco trabajar sobre las cosas y seguir masajeándolas con el pincel y mezclándolas y mezclándolas más de una estructura que en realidad tiendes a obtener. Y el campo que obtienes es un poco más dinámico y solo un poco más. Siento como estructuralmente sonido supongo que es como lo describiría. Los árboles son un poco más oscuros hacia el fondo. Por lo que hay una zona de sombra reconocida ocurriendo en el fondo de estos árboles. Y los objetos que están más cerca de nosotros y fácilmente percibidos por nosotros, tienden a arrojar una sombra notable. Entonces estoy agregando esa sombra. La sombra siempre es un poco más ligera que el objeto que la está lanzando. No debería decir siempre, pero en general, esta es una buena manera de seguir representando esas áreas de sombra. También he decidido que el sol está brillando hacia nosotros algo bajo en el cielo. Y está un poco en ángulo hacia el lado derecho de la imagen. Por lo que la sombra proyectada por el sol se va a mover un poco en la dirección opuesta. Y voy a ponderar ligeramente la sombra debajo de mis árboles a la izquierda. Estoy agregando algunos valores más profundos y oscuros a mi primer plano, el mismo frente de la imagen. Y estoy jugando un poco la textura en el frente. No me estoy poniendo muy detallado. Pero un poco de textura sugiere este fenómeno donde hemos notado más detalle ya que los objetos están más cerca de nosotros. Una gran manera de espejear que es simplemente agregando un poco de textura adicional. Los árboles son más ligeros hacia la cima, a veces apenas ligeramente y a veces muy notablemente, si el sol es alto arriba y golpeándolos. Esto no es directo por encima hijo, pero sentí que seguía siendo útil jugar con esta idea de estos árboles, lo que significa un poco más ligero hacia la parte superior. Piensa en dónde podría atrapar la luz algunas de las ramas en las secciones medias de esos árboles también. Y puedes usar algunas de tus versiones ligeramente aclaradas de tus valores más oscuros. Si eso tiene sentido, sé que es complicado. Pero si solo usas tu valor oscuro, tu valor inicial de árbol, y luego lo aclaras ligeramente en relación a sí mismo. Puedes empezar a crear algunos pequeños reflejos efectivos. Si yo solo dejara caer en reflejos blancos, se verían muy fuera de lugar y atraparían mucha atención y parecieran que estaban flotando fuera del cuadro hacia el espectador. Si quieres agregar algunas ramas a tu árbol y especie de dar pequeños indicios e indicaciones de la forma en que estructuran las ramas y el tronco. Definitivamente puedes hacer esto. Es buena idea dejar caer estas sugerencias en tu árbol donde ves algunas sombras creadas por la sombra que has agregado hacia el centro y hacia las áreas sombreadas. También puedes mezclar esas áreas sombreadas un poco como tengo aquí. Se quiere evitar bordes realmente duros, pero tampoco se quiere meterse en una situación en la que todo se mezcla más allá del reconocimiento. Es un fino equilibrio entre estar bajo y más mezclado. Y en estas primeras etapas de estudio, recomiendo encarecidamente errar del lado de ligeramente bajo mezclado y no preocuparme demasiado por ello. Cuanto más trabajo en esto, más he decidido que realmente es una imagen tardía. Por lo que dejo caer algunas áreas de luz realmente brillantes en la parte inferior de mi cielo hacia el horizonte. Y puedo hacer eco un poco de esos reflejos en el suelo plano. Simplemente dejando caer algunos pequeños indicios de áreas donde la poca luz podría atrapar ese suelo plano a media distancia. En realidad es solo una cuestión de desarrollar el intercambio entre tus valores oscuros y claros. Entonces las transiciones entre un valor y luego el siguiente. ¿ Cómo hacer esa transición? Cómo hacerlo de una manera que sea placentera cuando lo pintas y placentera y lo miras. Entonces, cuanta más experiencia ganes hacer estas transiciones de tantas maneras diferentes como sea posible. Usando tantas texturas diferentes como sea posible, diferentes pinceles, diferentes formas de hacer marcas, usando diferentes ritmos, a veces muy lentos y cuidadosos y a veces muy rápidos y casi fortuitos. Todos esos diferentes enfoques para la transición de un valor a otro te van a dar un repertorio más amplio de formas de llegar de aquí a allá. Y es ese viaje de aquí a allá, de tu valor de luz a tu valor oscuro, de tu luz a tu sombra. Eso es lo que hace una imagen dinámica y efectiva en blanco y negro. Una imagen dinámica y efectiva en blanco y negro se convierte en la base de una imagen dinámica y efectiva en color. Algo a tener en cuenta es que este video es bastante rápido y ninguna de las pinturas de este video se ha acelerado. Mi proceso de pintura aquí es muy rápido. Y me parece que al acelerar de verdad e ir rápido, en realidad ayuda a la calidad de mi marca haciendo bastante. Entonces si encuentras que estás teniendo un poco de lucha, intenta acelerar las cosas, intenta acelerar las cosas, y solo ver a dónde conducirá un acercamiento realmente rápido e intuitivo a este material. Creo que podrías terminar sorprendido de buena manera por tus resultados. 9. COMPARTE TU PROGRESO: Enhorabuena, ahora tienes una gran captación de valores en la pintura. Abrió la pestaña de proyectos, y adelante y agrega algunos de tus resultados de tu experimentación. Me encantaría ver tu cambio de transición, tus esquemas y estudios abstractos, así como cualquiera de los estudios donde has empezado a asumir la solución de problemas que implican las transiciones entre blanco y negro. Tus compañeros estudiantes estarán junto para ofrecer estímulos y retroalimentación. Así que adelante y siéntete libre y animado a publicar. 10. Introducción al color: En esta sección de nuestra clase, regresaremos del blanco y negro al color. Empezaremos mirando la rueda de color con algún detalle y cubriendo solo un poquito de la teoría del color. Ten en cuenta que estamos rascando la misma superficie de un sujeto muy profundo. Pero sí creo que es importante encontrar algunos de los conceptos rudimentarios de la teoría del color. Antes pintamos. A continuación, cubriremos un ejercicio corto a color. Este ejercicio nos animará a explorar los colores que hemos elegido plenamente. También nos dará un poco de tiempo practicando pintura y familiarizándonos más con las propiedades físicas de la pintura. El modo en que se mezcla, la velocidad a la que se seca en la página. Y la sensación de pintura y pincel trabajando juntos. 11. Algunos aspectos básicos del color: Voy a mantener este breve y ojalá en el lado de los fondos de corte indoloro de las cosas. Está bien. Entonces lo que estamos viendo aquí es la rueda de color. La rueda de color se divide en tres colores primarios. Tenemos rojo, azul, y amarillo. Estas son las primarias. Se llega a los colores secundarios mezclando dos de estas tres primarias. Entonces cuando mezclamos rojo y amarillo, obtenemos naranja. Aquí hay una secundaria. Cuando mezclamos rojo y azul, obtenemos morado, que es una secundaria. Cuando mezclamos azul y amarillo, nos ponemos verde, que es una secundaria. Por lo que todos estos son colores secundarios. Son una combinación de dos colores. Y quiero decir en partes iguales, pero el hecho son los píxeles y las luces, rayos de luz son una forma muy consistente de crear color, mientras que los pigmentos químicos son menos consistentes. Y así es como creamos mezclas de color, pintura unidireccional. Entonces lo que podemos esperar que funcione de una manera muy consistente, manera ordenada cuando lo estamos mirando a través una reproducción digital no es algo que vaya a funcionar de manera tan consistente y ordenada en la vida real. Entonces sepan esto, que la mezcla de pigmento rojo y azul generalmente resultará en algún tipo de Violeta. Cuánto rojo, cuánto azul depende. ¿ Qué tipo de violeta es muy vibrante o es un poco sucio? Depende. Entonces eso es sólo algo a tener en cuenta que va a haber una brecha entre este tipo de Lee platónico, realidad ideal de píxeles y la realidad real y práctica de tu pintura. Y la mejor manera de entender cómo cerrar esta brecha es a través de la experimentación, la experimentación repetida, y tomando en cuenta que diferentes tubos de pintura, diferentes fabricantes de pintura, todos esos diferentes cosas van a tirar un poco esto y aportar sus propias peculiaridades e idiosincrasias a este proceso. Por lo que además de nuestros colores primarios son los colores secundarios, tenemos colores terciarios y lo que estos representan es una desigualdad en la mezcla. Entonces tenemos algo que favorece visualmente se inclina hacia un lado u otro en la mezcla. Entonces por ejemplo, aquí tenemos este tipo de fucsia, violeta rojizo. Entonces lo que es es una mezcla técnicamente de rojo y azul, pero es una mezcla que favorece mucho más al rojo. Por lo que se inclina leer. Aquí tenemos una mezcla de Azul y amarillo, pero favorece al azul extremadamente, solo hay un poquito de este amarillo y se obtiene este aqua. Entonces eso es un terciario. Aquí. También tenemos una mezcla de verde, amarillo, y azul. Pero en este caso, este verde favorece el amarillo. Entonces esto es un terciario. En este caso, tenemos una naranja, pero se inclina fuertemente hacia el rojo. Se inclina lejos del amarillo, aunque engloba algo amarillo y es un terciario que favorece el rojo. Entonces obtienes un rojo naranja o rojo violeta, un verde azul, y un verde amarillo. Entonces así se descompone esto. Justo en la superficie, tenemos mezclas primarias, secundarias, terciarias de color. Entonces otro concepto en color con el que querrás estar familiarizado es el de la temperatura de color. Probablemente has escuchado a la gente hablar de color cálido, color fresco. ¿ Qué significa eso exactamente? Vamos a perforar en eso sólo un poquito. Por lo que un color fresco simplemente se refiere a la presencia del azul dentro de ese color. Y así en general, es esta parte de la rueda de color a la que uno podría referirse como los colores fríos. Entonces aquí tenemos azul, aquí, tenemos azul aquí, tenemos azul. El azul está en este verde y el azul está incluso en este verde. A pesar de que lo de cálido y fresco que hay que tener en cuenta es que estos también son términos relativos. cierto que significan algo independientemente de cualquier otra información, pero realmente, realmente empiezan a ser más significativos cuando te das cuenta de que hay relativos. Entonces cuando miro esta pantalla y la comparo con este verde, este verde tiene significativamente más amarillo en su mezcla. Está más cerca del amarillo en la rueda de color, y esto se representa por la forma en que se sienta junto al amarillo. Contiene más amarillo en sus componentes. Entonces este verde es más fresco que este grito. Ambos son colores fríos. Pero cuando podría decir algo así como calentar ese verde, Lo que quiero decir es agregarle un color cálido. Si yo dijera enfriar ese verde, estaría significando implicar que le agregarías azul y acabarías con un verde que está más cerca de este aqua. Entonces eso es lo que se entiende por color cálido y fresco. Cálido. Por el contrario, engloba esta parte de la rueda de color. Y cálido puede ser un poco complicado porque cálido implica que hay un rojo que se está agregando a este color. Eso es definitivamente cierto, eso lo sabemos. Pero cálido también puede significar que estás agregando amarillo. No obstante, hay colores que tienen amarillo en ellos, pero se consideran geniales. Tan amarillo es un poco resbaladizo, es un poco más ambiguamente cálido. Es un color cálido, pero el rojo generalmente se considera el color más cálido en la rueda de color. Esto dijo a este extremo del espectro, nuevo, empiezan a suceder algún tipo de cosas funky. Te dan algunos morados muy, muy azules, que realmente, aunque contienen rojo, están en el lado más fresco de la rueda de color. Entonces hay un poco de ambigüedad en los bordes de la definición como suele haber. Entonces sólo ten eso en cuenta. Y ten en cuenta que no hay una regla universal dura y rápida al respecto. Estos son términos relativos. No son tan objetivos como términos como el color primario, por ejemplo. Hasta ahora, hemos hablado de colores claros, puros, vibrantes, atractivos. Colores que son realmente intensos y divertidos de mirar. Y hay una escuela de pensamiento que nunca quieres dejar que tu color desvíe demasiado lejos de este tipo de colorista pega ideales cuando estás pintando. Porque una pintura que se desvía de estos ideales comienza a asumir lo que se conoce como apariencia fangosa. ¿ Cómo se hace barro y cómo se evita hacer lodo? Estas son las preguntas que escuchas una y otra vez. Y estos son los tipos de advertencias que escucho una y otra vez en lecciones de color y los tipos de advertencias que me han dado yo mismo. Pero creo que este tipo de pensamiento es un poco equivocado. Para pintar un paisaje. Realmente necesitas colores neutros. Necesitas grises y Brown's, greens de baja intensidad, colores que parezcan cotizar, uncomillas sucias. Sin ese tipo de colores, es muy difícil representar el mundo natural con cualquier grado de fidelidad. Y es incluso difícil crear un espacio que pudiera tener un poco de la naturaleza contemplativa de la naturaleza en él. Echemos un vistazo a lo que quiso decir Marc Chagall cuando dijo que los colores son amigos de sus vecinos, pero amantes de sus opuestos. Tengo aquí mi rueda de color, de la forma en que la hemos estado mirando. Y voy a añadir una super imposición de una versión ligeramente diferente de esta rueda de color. Lo que vamos a estar agregando es una rueda de color donde cada color en este vamos, cada cuña va a ser reemplazado por su color opuesto. Entonces es como si estuviera dando la vuelta a esta rueda. Entonces encima de este verde lima, voy a tener este fucsia opuesta encima de este rojo. Voy a tener este verde encima de esta naranja. Voy a tener este azul. Por lo que voy a hacer clic en mi segunda capa y verás esta segunda versión del color que vamos a aparecer. Ahora, he volteado todos estos colores. Por lo que tenemos la capa uno y la capa dos de pie para la idea de tener una mezcla de color. Entonces voy a cambiar la opacidad de esta capa. Y cuando haga eso, se aproximará la idea de mezclar en algunos de estos colores opuestos a todos los colores de abajo. Aquí. Esto es lo que quiero decir. Voy a cambiar esto al 25%. Y se ve que esta capa superpuesta de opuestos afecta a todos estos colores de manera bastante significativa. Y les afecta a todos un poco diferente. Por lo que solo nota esta diferencia. No es una diferencia que puedas replicar exactamente si estás pintando con estos colores automáticamente. Pero probablemente podrías obtener aproximaciones de todos estos colores mezclando los colores sugeridos por esas dos ruedas de color separadas. Te das cuenta de que todos estos colores se vuelven más tenues. Tienen un silencio o sienten el borde y se les ha sacado la vibración. Y todo es simplemente marcarlo una muesca. Es una representación más tranquila. ¿ Son colores feos? Bueno, esto es realmente subjetivo. Y creo que la idea peyorativa de que algo sea lodo o lodo, un poco equivocada. La belleza y eficacia del uso del color es relativa. Tiene que ver con el contexto. De qué color se coloca junto a. Echemos un vistazo a lo que pasaría si agregamos un poco más de son colores opuestos a la mezcla? Tengo otra capa al 25% de opacidad. Por lo que esto representa agregar más del color opuesto a cada uno de nuestros colores originales. Y ves que esto se vuelve aún más tenue. Otra cosa a notar es que ahora hay muy poco contraste entre una cuña y la siguiente. Si hago esto en una imagen en blanco y negro, todas estas cuñas serán un tono similar de gris, bastante cerca juntas. Entonces esta no es una paleta que nos salte y nos diga: ¿No soy guapa, mírame. Pero creo que es realmente importante honrar, reconocer y entender cómo desplegar colores como estos. Déjame mostrarte por qué. Entonces aquí está la cosa. Si salgo afuera y miro al mundo, y busco belleza, todavía voy a ver 90% Marrón, verde embotado y barro. Algunos pastan tal vez en el cielo. Un poco de elenco azul. En general, el mundo no es un lugar particularmente puro y vibrante rico en colores mucho del tiempo. No obstante, es del 10%. Eso realmente marca la diferencia. Entonces aquí tengo un Cardenal del Norte en el alimentador. Y ese color se ha vuelto mucho más efectivo y mucho más significativo por el contexto que lo rodea. Aquí. Tengo uno de esos cielos de octubre realmente incomparablemente azules. Y eso se vuelve mucho más hermoso y mucho más significativo por el contexto que lo rodea. Esperemos que entiendas mi punto. Vamos a poder crear estos intensos y hermosos puntos de exclamación aprendiendo a crear una gama completa de mezclas tenues entre un color brillante y vibrante y su opuesto en la rueda de color, vamos a crear nuestras pinturas usando un color y variaciones de ese color. Entonces vecinos, y es opuesto y variaciones de su opuesto. Por lo que los vecinos del color opuesto. También incluiremos blanco y negro. El uso del Negro es un poco polémico. Muchos artistas sí lo rechazan. Y es cierto que obtendrás una oscuridad más vibrante, profunda, rica si mezclas un color y es opuesta a la oscuridad. Pero con nuestras pinturas estudiantiles y artesanales, esto a veces no es tan efectivo como lo es con pinturas de extremo superior. Por lo que usaremos el negro y aún así conseguiremos algunos resultados realmente bonitos. 12. Vamos a estudiar el color: En este ejercicio, nuestro objetivo es sentirnos cómodos con la mezcla de colores y las relaciones, y también sentirnos cómodos con las propiedades físicas de la pintura en color. Entonces voy a usar una versión genial de mi color elegido y es opuesto. Entonces en este caso, estoy usando un rosa que contiene un poco de un elenco azulado. Por lo que es un rosa más fresco, pesar de que es un muy vibrante. Y estoy usando un verde oscuro fresco, esa pintura que se ve negruzco es en realidad un azul-verde muy oscuro. Estoy usando una versión mucho más ligera, más cálida del rosa en forma de este color melocotón. Por lo que se trata de un rosa que contiene unos favores de poco amarillo. Además, estoy usando un Leaf Green que favorece el amarillo sobre el azul. Esta es también una versión más ligera del color. Entonces en el caso de estas pinturas, cuando un color es más claro, sí tiende a contener un poco de blanco. Por lo que estos colores más claros son en realidad versiones ligeramente pastel de sus contrapartes más oscuras. Voy a empezar por crear una serie de casitas donde estoy consiguiendo que estas pinturas dialogen entre sí. Por lo que empezaré con mi verde claro y oscuro. Y básicamente lo que estoy practicando es solo hacer una transición convincente y al menos algo suavizada entre mis colores oscuros y claros. Ya verás que trabajo de oscuridad a luz. Y que trabajo la pintura juntos a través del área de transición con el pincel solo un poquito. No, ni una cantidad enorme. Voy a repetir este proceso con mis otros dos colores correspondientes. Podría ser más fresco, más oscuro, rosa más intenso, y mi rosa más pastel, más claro y más cálido. Y una vez más, estoy trabajando la pintura a través de un área de transición. Quiero empezar con mi color oscuro. Transición por grados de valor y temperatura de color y color de frío a cálido. Y completar mi pequeño cuadrado de prueba mi área de prueba con una versión más o menos pura de mi color más claro. Recomiendo encarecidamente practicar esto varias veces y hacer una de estas tiras de prueba en una página de prueba como esta, que se ha dividido en cuatro áreas de pruebas. Por lo que es importante entender las propiedades de estas pinturas en su forma más pura, pero también es muy valioso trabajar con mezclas y silenciarlo mezclas de estos colores. Entonces en este caso, lo soy. Experimentando con una mezcla de mi verde cálido y mi rosa cálido. Y empiezo por crear el área de transición entre estos colores y agregarlo a mi página en lugar de ninguno de los dos colores. Estoy agregando el color oscuro a mi cuadrado de pruebas con su área de transición a un lado. Y estoy agregando una versión pura de mi color claro al otro lado. Ahora estoy mezclando estas áreas de transición donde los diferentes colores carnes. Y verás que crea una transición convincente y suave entre estos dos colores opuestos. Estoy haciendo lo mismo usando mis versiones más frías de mis colores, comenzando con una mezcla de los dos en el medio y agregando cada color en su forma pura a un lado u otro. Te darás cuenta de que limpio mi pincel a fondo entre el cambio de un color a su opuesto en forma pura. Y luego me limpio otra vez el cepillo antes de trabajar juntas estas zonas transitorias. El pincel limpio realmente permite que parte del color puro permanezca estancada e intacta dentro del alcance de estos pequeños cuadrados. Y notarás que hay áreas de puro verde oscuro y rosa caliente puro que dejo intactas por el pincel mientras trabajo juntas mis áreas de color. Definitivamente practica esto un poco. De verdad vale la pena tener un buen control sobre cómo hacer que esas transiciones sucedan físicamente. Ahora estoy mezclando diferentes proporciones de cada color con su opuesto. Entonces en este caso, estoy agregando mi rosa caliente a mi verde oscuro. Estos son colores opuestos. Por lo que los colores que resultan se van a silenciar y algo citar, sin comillas, fangosos. Pero este no es realmente el punto. El punto es si estos colores son atractivos, objetivos Li, El punto de este ejercicio es entender cuánto de un color se necesita agregar a un color para poder cambiar completamente la naturaleza de ese color. Verás que este verde realmente se desplaza hacia el rosa con bastante rapidez. Y el rosa empieza a alegrarse bastante rápido. Esto parece probable que ocurra debido a la intensidad de ese color rosa. Cuando un color es muy intenso y saturado, tiende a monopolizar la paleta con bastante rapidez. Entonces si quiero agregar algo de este rosa caliente a un color en mi paleta para solo influir ligeramente en él. Te puedes imaginar que no necesitas sumar mucho de ello. Esta serie de tiras de prueba es realmente una oportunidad para que juegues y experimentes. Trata de entender lo que hacen tus colores cuando los mezclas con su opuesto en cantidades crecientes. Esto realmente no es muy diferente a cómo manejamos nuestra pintura cuando estábamos pintando en blanco y negro. Date la oportunidad de jugar y experimentar en unas estacas bajas, arenas baratas y simples como un cuaderno de bocetos de bajo costo o un trozo de papel rayado. No es importante pintar todo sobre Canvas y tratar todo como si fuera necesario exhibirlo. De igual manera, encuentro que la presión para expresarme o expresar algo significativo o profundo con cada sesión de pintura que hago puede crear un poquito de una situación de alta presión. Me encanta pintar de forma expresiva. No hay nada de malo en eso, pero a veces basta con estar en el momento y solo ver qué harán tus colores bajo diferentes circunstancias. Justifica el esfuerzo de pintura que estás poniendo y te enseñará mucho sobre cómo manejar tu pintura para que puedas usar estas nuevas técnicas de una manera más expresiva y más significativa más adelante. Por lo que estoy combinando mi cálido rosa claro con mi azul o verde en pequeñas cantidades crecientes y cantidades decrecientes. Y estoy comparando mis resultados en este experimento. Los resultados a continuación de la misma. Observe la diferencia entre estos dos tipos de greens. Uno, cálido y fresco, y su influencia en mi cálido, rosa de color melocotón. Todas estas diferentes versiones de pH, beige puede verde claro, podrían ser relevantes en una situación paisajística. Por lo que es realmente bonito ensayar la pintura, muestra, Es mezclas y ver cuántas cosas diferentes puedes conseguir que haga. No tienes que ensayar. Se puede seguir experimentando con hacer transiciones. Y recomiendo encarecidamente hacer más de una página como esta. Descubre cuántos tipos diferentes de pruebas y experimentos puedes hacer. Tan solo tómate tu tiempo y paga con atención para que te des cuenta de lo que sucede bajo diferentes circunstancias. Puedes tomar notas si sientes que vas a perder la pista de tus mezclas. Ahora estoy agregando mi rosa más fresco a mi verde cálido. Y ya verás que consigo una interesante e intensa gama de verdes de olivo y de Oliver Brown's. Estos también podrían ser muy útiles en una situación paisajística. Permita que su primera capa se seque y luego considere volver a entrar y experimentar con agregar más pintura a su capa de pintura de impulsión para ver qué sucede. Entonces si agrego rosado cálido justo recto a estos greens, hay un contraste muy fuerte entre la primera capa y la segunda. Y esto puede ser útil en ciertas situaciones. Pero es una muy buena idea acostumbrarse a crear mezclas de color que tengan una estrecha relación de contraste con el color debajo de ellas o junto a ellas. Esto es realmente útil en tus detalles de pintura dentro de una sombra. Al igual que las hojas en los árboles. Por lo que el rosa que sale directamente del tubo es un poco intenso en un caso. Pero si me muevo a un más rosa debajo de la pintura, esa pintura casi recta se vuelve más apropiada como una coincidencia de color. Esto crea un detalle cálido y ligero en la parte superior de esa superficie bronceada. También puedo usar un color más fresco para crear un detalle cálido encima de ese bronceado debajo de la pintura. Y en este caso, experimento agregando solo un poco de verde a mi tinte rosa a color bronceado. Juega con diferentes mezclas y diferentes proporciones dentro de tu mezcla. Para averiguar formas en que podrías pintar detalles como hojas en árboles y arbustos. Experimenta con tus cálidos emparejamientos de colores y experimenta con tu enfriador o emparejamientos de colores también. En este caso, quería idear una forma sutil de que pudiera agregar dimensión a un área más sombría. Entonces al agregar un poco de ese pH, mis mezclas más oscuras, el blanco dentro del melocotón hace que esa pintura sea un poco más opaca y un poco más. Estoy ajustando un poco ese color para crear lado con un poco más de una relación cool, y un lado con una relación un poco más cálida. De nuevo, juega con diferentes tipos y temperaturas de colores y ve si puedes conseguir que esas marcas interactúen con debajo de la superficie pintada, debajo de ella de una manera que sea interesante o tenga algún potencial visual, o crea una textura que te gusta mirar. Tómese media hora a la vez o una hora a la vez para simplemente experimentar así. Estás creando un catálogo de marcas, una especie de diccionario visual personal. Y si tomas notas y tratas de recordar cómo llegaste a las soluciones a problemas a los que has llegado. Empezarás a aprender y memorizar muchos enfoques diferentes para conseguir que tus colores interactúen de nuevas maneras. No hay reglas duras y rápidas, que pueden ser un poco desalentadoras, pero también puede ser muy liberadora. De verdad sólo tienes que jugar y ver qué harán los diferentes colores en relación entre sí. Intenta mantener tus mezclas en estas primeras etapas de tu experimentación de pintura para que consten de dos colores a la vez. Generalmente, está bien agregar tres colores juntos. Pero entre más te apegas, a, más podrás entender cómo llegaste al color que estás pintando maneras. Y cuanto más podrás revertir ese color en el futuro. Yo sí los animo a tomar notas. Es muy fácil perder la noción de lo que hiciste y cómo conseguiste cierto resultado. Y es muy útil saber cómo llegaste a un resultado para que lo puedas realizar ingeniería inversa e incluirlo un trabajo más detallado y más complejo más adelante. No olvides divertirte un poco cuando hagas esto. El color es inherentemente divertido para pasar tiempo con. Y es realmente útil usar los colores que te atraen, ver hasta dónde puedes empujarlos y qué van a hacer. Una vez que hayas completado algunas páginas de estudio de color y muestras de color, como ésta. Toma tu antigua muestra de valor, particularmente la escala donde cada valor está separado por una línea distinta. Y tómate el tiempo para tratar de aprender a igualar el valor de la báscula con un color en particular que has creado. Es realmente útil pasar algún tiempo haciendo esto. Y sólo para empezar a acostumbrarse a la idea de emparejar un color con un valor correspondiente. Lo que estás tratando de hacer es emparejar tu color con su valor correspondiente. Para que si tomaras una foto en blanco y negro del color y las escalas de valor por completo, sabrías dónde desaparece ese color contra un valor similar. Es solo un buen hábito pasar algún tiempo atentándose cuenta estas relaciones y volviéndose más cómodo identificando estas relaciones. Cuanto más experimentes así, mejor conseguirás detectar estas importantes relaciones de color y valiosas en las selvas de una pintura terminada. 13. Vamos a explorar el fondo: Cuando pintamos en pinturas opacas como estos acrílicos, ayuda a pintar sobre un fondo que está tintado en un color de rango medio. En este video, vamos a echar un vistazo cómo funciona nuestro color elegido en diferentes situaciones. Hará algunos experimentos en diferentes colores de fondo. Para elegir están bajo pintura en relación a nuestra paleta. Tengo un cálido bajo pintura, un color neutro y sin pintar Lona y Lona que se ha pintado un fresco color de fondo contra todos estos diferentes telones de fondo. Voy a usar exactamente los mismos colores de la pintura rosa. Por lo que estoy agregando algunas versiones diferentes de rosa a mi paleta. Entonces tengo una especie de polvorienta pagando, una especie de rosa fluorescente, ish beige, rosa y especie de color rubor. Y todos estos rosados y supongo que tipo de colores rosados adyacentes están premezclados y listos para ir. Además de estos colores, voy a agregar blanco a mi paleta. Y debido a que el verde es lo opuesto al rosa, voy a añadir un verde claro azulado a mi paleta. Y usaré esto para alterar algunos de mis colores premezclados un poco hacia lo neutro y alejado de lo brillante. Y voy a añadir una versión cálida del color complementario u opuesto, que es verde. Entonces el verde aguamarina que he agregado hasta ahora a mi paleta es una versión. Este verde amarillento es de hecho más cálido porque hay más de una presencia amarilla en este color, luego hay una presencia azul. Entonces cuando combine mi rosa sería estos greens opuestos, cada uno se comportará de una manera ligeramente diferente. Y explorar el efecto del color opuesto en tu color elegido es parte de lo que tienes la oportunidad de explorar dentro de este mini-proyecto. Entonces para empezar, lo que voy a estar haciendo es agregar mi pintura a mi lienzo y hacer una serie de marcas o gestos son maniobras como quieras pensar en eso. Y voy a hacer más o menos lo mismo con el mismo color en este mismo lugar a través de estos cuatro lienzos consistentemente. Entonces cuando hago esto, debería hacerse evidente con bastante rapidez que la forma en que se siente este color y la forma en que nuestros ojos interpretan la calidez o frescura de este color está muy, muy influenciada por el color que está al lado de ese color. El rosa adquiere una característica ligeramente diferente cuando se superpone a todos estos distintos fondos. Y esta es una de las cosas más importantes y más profundas en la pintura. Y para mí, considero este tipo de exploración de estas sutiles y tipo de relaciones etéreas entre colores. Considero que esto es algo que es una obra en curso. Eso es lo que siempre soy aburrido cuando pinto. Nunca he llegado al punto en que siento que he clavado este entendimiento. Siempre hay algo que aprender probando una paleta de colores y poniendo colores uno al lado del otro y viendo lo que sucede. Entonces este siguiente gesto que he hecho en mi paleta es el resultado de la mitad de ese rubor rosa que utilicé para la primera marca, combinado con 50% blanco. Entonces es 50-50 entre el blanco y el primer color que pongo abajo. Ahora estoy usando mi cuchillo paleta para solo usar algo de este polvoriento, tipo de rosa rosado directamente del tubo. Y simplemente aplicándolo en una gruesa marca angulada a cada área correspondiente a cada uno de estos lienzos. Ya ves cómo se siente tanto más cálido y rosier. Y se siente mucho más enterrado igual y una especie de azulado y saturado cuando lo miras en el oro versus en el blanco. Entonces esas sutiles influencias del color que está al lado del color con el que pintas. En el color con el que acabas de pintar. Eso es algo que aprenderás a predecir un poco mejor con experiencia a lo largo del tiempo. Pero también es la aventura. Y creo que si alguna vez lo entendí totalmente y fuera capaz de anticipar lo que pasaría cada vez que mezcle un color juntos y cada vez que pongo un color abajo sobre un fondo de color específico, creo que la pintura lo haría perder mucho de su misterio y es aventura para mí si realmente siempre supe lo que iba a pasar. Por lo que pruebas como esta son realmente importantes. Desempeñan un papel importante. Este color es una versión neutralizada de ese rosa que acabo de utilizar para hacer la marca angular. Y lo he neutralizado sumando una cantidad decente. Yo diría que alrededor de un tercio de ese azul aguamarina hacia la parte posterior de mi paleta. Y esto da como resultado este silenciado, suavizado, tipo de color rosa púrpura. Basta con notar lo diferente que es eso. El característico de ese color es tan diferente en la pieza respaldada en oro versus los guisantes azules del acto BE. Y sin embargo. Yo diría que la forma en que sale esa pintura es similar en la pieza trasera dorada y la pieza respaldada gris. En ambas instancias, se nota la forma en que la Marca que acabo de hacer especie de se esconde un poco contra el valor del color de fondo. Entonces eso es algo que es realmente importante para entender cómo la elección del color realmente puede afectar la forma en que algo salta y contraste de lente versus tener un bajo nivel de contraste muy similar con el color contextual que lo rodea. Ahora he mezclado algo de esa aqua neutralizante junto con algo de mi blanco y un poco de mi rosa rubor para hacer esta base con bisagras rosa muy neutralizada. Este color se ve bastante fresco contra los telones de fondo más fríos del blanco y el azul. Y toma un poco, creo un poco de un amarillo más cálido o echado contra el oro y contra el telón de fondo neutro. No tienes que usar rosa para este proceso. Puedes usar el color que quieras usar, y luego una versión fresca y cálida del contrario de ese color. Y voy a incluir en el PDF lo que considero tipo de las elecciones más comunes y tipo de obvias que puedes hacer. Entonces si quieres usar un emparejamiento diferente de colores, puedes ir en tu propia dirección con eso, eso está bien. Y te animo a explorar tu color en un proceso similar a la forma en que lo estoy haciendo aquí. También necesitarás algún tipo de neutro, algún tipo de cool, y algún tipo de cálido para tus colores de fondo, así como un lienzo imprimado blanco sin pintar. Quería cambiar un poco mi marca, así que estoy agregando pintura y luego rodando mi Breyer sobre ella. En el interés de hacer algo que sea divertido de mirar. Yo soy, me gusta variar la marca. Me gusta variar la forma en que hago la marca, y me gusta variar el tamaño del elemento en el lienzo. Entonces en última instancia mi plan es hacer nueve de estos pequeños gestos o parches o muestreos. Y para que estas nueve cosas funcionen razonablemente bien desde un punto de vista compositivo y visual en estos lienzos. Ahora, sin duda puedes quedarte con estas pinturas, pero lo que recomiendo hacer con este tipo de lienzos de estudio de bajo costo es hacer tus pinturas de prueba y documentarlas, fotografiarlas juntas en una formación de cuádruple como esta. Y luego puedes seguir adelante. Se puede pintar sobre ellos con un color diferente de debajo de la pintura o con gesto blanco. Y puedes seguir reutilizando esa superficie de estudio al menos varias veces más. Y creando un poco de enjambre de este tipo de marcas rosas calientes, casi fluorescentes. Por eso quería ver lo diferente que se comporta ese rosa intenso contra todos estos diferentes telones de fondo. Obtienes la idea, diviértete con esto y disfruta algo de tu mezcla. Asegúrate de que ambos microfonos solo un poco de blanco en tu color para aclarar el valor. Y también experimenta mezclando algunos de los colores complementarios u opuestos a tu color. Ve hasta dónde puedes empujarlo agregando ese color opositor casi hasta el punto en que cambia el color y propina la balanza hacia el otro lado. verás que a la 1, he inclinado la balanza demasiado lejos al verde, y termino con un verde mutante real en mi paleta en lugar del rosa. Si eso sucede, solo sigue agregando parte de tu color original a la mezcla y podrás recambiar ese equilibrio para que tengas otra versión de tu color principal que hayas elegido para explorar. Este tipo de pasta de dientes D rosa se ve tan radicalmente diferente a través de estas superficies. Casi se ve ceniza blanca y realmente se ve muy lavada contra la superficie neutra. Pero contra las otras superficies le tiene una intensidad muy luminosa, eso no. Entonces lo que quiero explorar es una gama de versiones frías, neutralizadas, y cálidas del color que me interesa investigar en este ejercicio. Aquí verás de qué hablaba antes. Esto realmente inclina las escalas hacia el Graeme Y tengo que trabajar un poco para empujarlo de nuevo al rosa y al espectro. Pero si encuentras que agregas demasiado de tu color neutralizante son de cortesía, solo sigue agregando parte del color anterior a la mezcla y eventualmente inclinará las escalas de nuevo en equilibrio. Y aquí, tengo, como, creo que hasta donde puedo alejarme de ser rosado mientras todavía podría ser rosado. Rosa proximal adyacente suficiente que esta especie de beige arenoso juega bien en mi lienzo, tiene sentido conceptual en mi lienzo y me enseña aún un poco más sobre mi elegido y color y su comportamiento con estos diferentes tipos de telones de fondo y estos diferentes colores de telón de fondo. Por lo que espero que esto realmente aclare el papel de un debajo de la pintura. 14. Warmup de pinos Whimsical: Es hora de crear un estudio abstracto y simplificado que nos enseñe las relaciones de color, temperatura y color en relación con el paisaje. Divida tu lienzo en nueve partes iguales y bocea en una imagen paisajística extremadamente simplificada, mucho como lo hicimos en nuestro estudio abstracto en blanco y negro simplificado. Se puede ver que estoy usando una versión offset de la regla de tercios para llegar a un pequeño arreglo razonablemente agradable de estas representaciones triangulares de pino. Y estoy sumando algunas áreas de terreno desigual, así como algunas áreas de terreno plano a la composición en el cielo. Puse un poco de línea solo para sugerir un poco de variación de color y demarcación dentro del cielo. No es un solo color plano uniforme en esta instancia. El conocimiento que vamos a abordar aquí es acumulativo. Todo lo que aprendiste sobre blanco y negro y estructura de valor sigue aplicándose aquí, así como alguna nueva información. Porque tenemos un montón de piezas móviles para hacer un seguimiento. Realmente no hay necesidad de complicar esto con árboles complicados o detalles en nuestras pinturas. Por lo que mantener las cosas lo más simples y geométricas posible realmente te ayudará a tener éxito en este estudio. Ahora voy a añadir un poco de blanco y un poco de negro a mi paleta. Y voy a añadir versiones cálidas de mi color, que está pagando, y su opuesto, que es verde. Notarás que el rosa cálido tiende a ser melocotón. Tiene un elenco anaranjado y un carácter naranjado. El verde cálido tiende a ser una primavera amarillenta comer verde. Favorece el amarillo, que es de un color cálido sobre el azul, que es fresco. Ahora agrego una versión cool de mi color y su opuesto. En este caso, un verde azul profundo y un rosa caliente pero ligeramente púrpura. Este rosa caliente tiene un subtono ligeramente morado, y esto le da un carácter más fresco que el otro rosa en mi paladar. Recuerde que también vamos a trabajar manera acumulativa en relación al conocimiento del valor. Entonces como sabemos, el valor más ligero en un paisaje es el cielo, generalmente hacia el horizonte. Esta es también la parte más cálida del cielo. Entonces empiezo con una versión ligera de mi color más cálido, que es mi tinte melocotón, rosa. Y estoy calentando este color de luz que he caído justo abajo hacia el horizonte. A medida que viajas desde el horizonte hasta la cima de tu campo de visión, el cielo se vuelve más fresco en la naturaleza y se profundiza en valor. Entonces estoy creando una situación en la que ambas cosas ocurren progresivamente medida que nuestra mirada viaja desde el horizonte para enfriar, mi color ligeramente. He añadido sólo un toque de mi color más azulado en mi paleta. Este color más azulado es ese verde oscuro, así que agrego apenas un poquito de él a mi cálido color claro. Y ves que cambia la característica del color, pero no cambia significativamente el valor agregando un poco más de ese color. A medida que trabajo mi camino hacia arriba, ahora he cambiado tanto el color como el valor. Yo he inclinado ese color lejos de ser rosa. Y ahora se clasifica como algún tipo de verde azulado claro. A medida que este color se mueve hacia arriba desde el horizonte, también se profundiza y se oscurece ligeramente. Por lo que hay un cambio en el valor y un cambio en la temperatura del color, así como un cambio en la intensidad del color. Ya verás que he reservado el azul más profundo como el color más oscuro, no sólo para la banda superior del cielo, sino para una presencia desigual que sugiere un poco de cobertura de nubes. Nos sombrea de la luz del sol y solo forma un poco de un color más profundo en medio de este lienzo. Tan solo un poco de desnivel en nuestra aplicación puede sugerir la idea de nubes, profundidad, y espacio. Utilizo mi pincel para hacer que estos colores dialogen un poquito para que las transiciones de un color a otro o no tan duras. El siguiente área de valor más ligero en un paisaje, como recuerdan, es el suelo plano que refleja directamente el cielo. A medida que creamos este área de valor más ligero, necesitamos tener en cuenta las transiciones de color que ahora contiene. La parte trasera del suelo plano va a subir aquí un poco más azul que la porción más cercana. Y también va a aparecer un poco lavada. Creo un verde azul claro y luego reduzco parte de la intensidad del color agregando un poco de negro. Y aplico la versión de este color que no se ha tendido con negro frente a la versión que tiene. Adicionalmente, para el primer plano, suelo plano, mezcle en un poquito minúsculo de rojo o rosa. Esto calienta un poco el color. Y verás que el color cálido avanza visualmente hacia el espectador. Si bien la versión lavada, más azul del color se aleja visualmente del espectador. También podrán recordar que el siguiente grupo de valores más oscuro, el tercer grupo de valores más oscuro, es retomado por terreno desigual. En el fondo. Esto parecerá un poco más azulado y un poco más lavado en comparación con más adelante en terreno desigual. Agrego un poco de azul a mi verde, así como un poco de blanco y negro para ajustar el valor y para lavar algo de la intensidad del color. Este es el color que uso para la mayoría de las colinas distantes en este cuadro. Se nota que el valor es considerablemente más oscuro que el del suelo plano, que es como debe ser. Hay algunas subidas más cercanas en el suelo. Y para estos, agrego un poco más de mi color verde puro, tanto un poco más de la versión amarillenta como un poco más del azul-verde. Quiero que este color sea un poco más frío que el color de primer plano, pero también un poco más oscuro en valor. Se puede ver que aunque el valor de estas Colinas de media distancia es muy cercano al de los cerros de distancia trasera. El color más cálido permite que estos avancen hacia nosotros, y por lo tanto se sientan más adelante de los cerros en el fondo. Ahora también recordarás que la estructura de valor más oscura se asigna a estructuras verticales como los demás objetos de nuestra pintura. Cuanto más cerca esté el objeto, más intenso es el color, y más cálido es el color. He decidido que estos pinos son un poco azul-verde. Por lo que la versión más cálida y más intensa de color de ese color se va a asignar al árbol que se sienta más cerca del espectador. Estoy usando una versión casi pura del azul-verde en mi paleta. Este es un verde fresco, pero es un color agradable, intenso y rico. Los otros árboles se sientan un poco atrás de éste. Por lo tanto, hay más ambiente entre nosotros. Y los propios árboles indican esto. Añado un poco de negro y un poco de blanco al color que usé en el árbol más cercano. Esto gris un poco el color, simplemente lavándolo sin afectar demasiado el valor. Quiero mantener el valor cerca del valor del árbol en primer plano. Pero quizá un poco más ligero y un poco lavado. Notarás el efecto que esto tiene en estos árboles, ya que parecen ser algo más distantes que el árbol en primer plano. Para indicar que el árbol más lejano aún está un poco más alejado, agrego un poco más blanco y un poco más negro al color que estoy usando en mis otros dos árboles. Al mismo tiempo que hago esto, necesito tener cuidado para que el valor de este árbol siga siendo algo más oscuro que las colinas detrás de él. No quiero asignar esos y valor idéntico porque eso rompe la estructura de valores que ya he discutido en el estudio en blanco y negro. Y esa es esta estructura de valor que da nuestra pintura y lógica subyacente. Como verás, el color, el color, la temperatura y el valor están trabajando juntos. No son cosas en las que realmente soy capaz de pensar completamente independientemente el uno del otro. Es por ello que mantenemos nuestras imágenes bastante simples. Porque hay muchas consideraciones diferentes a tener en cuenta a la hora de pensar en el color y la temperatura del color. Hay algunas pautas adicionales dentro de las formas que pueden ser útiles para tener en cuenta y las repasaré ahora. Las sombras proyectadas por un objeto son frescas en luz cálida y luz cálida y fría. Esta luz es predominantemente rosa, así que estoy usando un color de sombra más fresco. Creo una versión más fría del color del suelo para poner detrás del objeto lejos de la dirección de la luz indicada. Observe que cambié tanto el valor como la intensidad de este color mientras agrego una sombra a este árbol más alejado. El vínculo es más entre el suelo y la sombra que entre el árbol y la sombra que proyecta. El valor de la sombra tiene que ser ligeramente más ligero que el objeto que la está lanzando. Los árboles tienden a ser más ligeros y cálidos en la parte superior que en la inferior. En general. Esto suele ser causado por una luz cálida. Entonces si tu luz tiene una casta fresca, puede que tengas que ajustar un poco esto. Y estoy trabajando para crear un valor que sea muy similar a lo que ya he pintado con respecto a estos árboles. Pero sólo calentando un poco ese color agregándole mi amarillo o verde. Verás que esto empieza a formar un poco de dimensión en estas formas. Hago las zonas de transición entre mi color principal y mi color resaltado un poco desiguales para que las transiciones no sean del todo tan abruptas. Cuando hago esto, capa el color encima del color en lugar de tratar de mezclar todo perfectamente. Dado que los árboles son un poco más claros y cálidos en la parte superior, son un poco más fríos y más oscuros en la parte inferior donde se proyectan sombras debajo de las ramas. Si tu árbol está sobre un tronco visible, ayuda a acercar la parte superior del tronco a esta zona de sombra, un poco más fría y oscura. Y el fondo mismo de tu árbol en realidad sólo un poco más caliente y luz más ligera vendrá a través de esas ramas en el fondo del árbol. Y esto indica un poco de esa dimensión y un poco de ese resaltado. Puedo agregar algunas de estas dimensiones más frescas y oscuras al lado del árbol que está más alejado de mi fuente de luz. Y esto le da a mis árboles un poco de forma dimensional. El último elemento que me gusta agregar es un poquito de un punto culminante cálido en algún lugar donde el sol atrapa el suelo plano y los objetos que se pegan hacia él. No tienes que añadir este punto culminante, pero siempre es divertido, creo, caer en ese poco extra de color brillante. Y realmente ayuda a tu pintura pop. Dale a esto una prueba tú mismo. Haz tus imágenes muy sencillas y muy factibles. Incluiré los mapas de valor, color y temperatura de color en tu PDF, así como algunas composiciones adicionales sugeridas y bocetos preliminares. Puedes usar esos recursos para seguir y estructurar un bonito y caprichoso estudio como este. Espero ver lo que creas. 15. COMPARTE TU PROGRESO: Gran parte de esta clase está efectivamente dedicada a explorar los fundamentos del color y comenzar esa relación a largo plazo con investigar el color. Ahora es tu turno. Es hora de abrir tu pestaña de proyectos y subir cualquier trabajo que sea pertinente al color relacionado con esta clase. Este es el momento para que subas tus mini pinturas resultantes de nuestros experimentos con debajo de la pintura. Así como tus muestreas. Experimentos con hacer transiciones entre un color y el siguiente. Y experimentos en yuxtaposición, estratificación y apilamiento de color. Tus compañeros estudiantes estarán junto para ofrecer estímulo y retroalimentación. Y yo mismo no puedo esperar a ver qué has hecho. Este es también el momento perfecto para subir tus caprichosos y abstractos estudios de color inspirados en mi pintura altamente estilizada de pinos. Entre tu comprensión del valor y la composición, así como del color, ahora estás completamente listo para asumir el reto de tu primera pintura paisajística. 16. Pintura de paisajes en la pintura en la: Enhorabuena a todos. A través de los últimos ejercicios y pinturas de práctica divertidas, ahora has ganado las habilidades y el dominio de conceptos que necesitas para pintar una impresionante pintura paisajística. Es hora de sintetizar todo lo que hemos aprendido y llevar nuestra visión desde su boceto esquelético en miniatura hasta su estado terminado totalmente realizado. Te resultará más fácil de lo que nunca hubieras anticipado. Ahora que tienes lo que se necesita. Para iniciar nuestro proyecto, vamos a bosquejar información tomada de nuestro favorito de nuestros bocetos en miniatura. Y transferiremos esta imagen a un panel doce por 12 o cuadrado de Lienzo. También he cebado mi panel cuadrado con Óxido amarillo. Por lo que un buen valor medio, color cálido es mi recomendado debajo de la pintura para tu imagen. Al igual que con las piezas de práctica, estoy dibujando en mi información de una manera muy suelta y esquemática. No me preocupa cómo se ven estos objetos en particular. Por mucho que me preocupa su colocación y colocar mis objetos dentro de una regla de tercios forma receptiva que funcionará de manera composicional. Estoy dibujando con un Karen dash neo color soluble en agua a crayón. Y sí recomiendo hacer esto en una luz o medio de valor. Una vez que haya determinado la colocación de objetos en mi imagen, voy a configurar mi paleta para pintar en mi grupo de valor más ligero. Estaré pintando esto de una manera que sea sensible al hecho de que es el valor más ligero dentro de mi pieza, pero también de una manera que configure la progresión del color y la progresión de la temperatura del color. Entonces estoy bajando un color cálido de luz, mi rosa melocotón, así como un poco de blanco. Para aligerar aún más el valor. He montado una versión neutralizada opuesta de ese color, en este caso, un gris muy verdoso. Y ese es el color que voy a estar usando para la mayoría del cielo en esta pieza. Además de estos dos colores para la progresión de mi cielo, estoy agregando un poco de blanco y un poco de negro. Esto me ayudará a ajustar la profundidad de valor ya que estoy pintando el cielo. También estoy agregando un neutro cálido que se relaciona un poco con mi rosa melocotón. Este es un beige algo rosado. Entonces tengo un neutro cálido que existe un poco en medio, la calidez más brillante de mi rosa y el verde blanco y gris. Todos estos transitarán muy bien de uno a otro, ya que el valor más ligero en esta pieza va a suceder en el horizonte y el color más cálido va a suceder en el horizonte con relación al resto del cielo. Puedo poner en una versión muy ligera, cálida de mi color principal, rosa abajo en el horizonte. Conforme empiezo a pintar en el cielo por encima del horizonte y trabajo mi camino hasta la cima del campo de visión del espectador. Arriba en la parte superior del lienzo. Puedo agregar pedacitos de mi color fresco progresivamente. Entonces apilar pedacitos de ese verde gris en mi pintura mientras mezco el color y empiezo a agregar un poco más de información mientras trabajaba mi camino por el cielo. Ves que este color es muy similar en valor al color en el horizonte, pero es diferente en la temperatura del color. Es más tranquilo, más fresco, y más gris afuera, más cerca del gran verde. Ya que mi imagen se lleva a cabo un poco más tarde en el día, empiezo a profundizar más el valor del cielo mientras trabajo mi pintura hacia arriba hacia el margen superior de mi panel. Hay algunas nubes dibujadas en mi cielo y por ahora, decido dejarlas en blanco y vacías. Puedo abordar el color, temperatura y el valor que necesitan ser más adelante en mi proceso de pintura. La parte muy alta del cielo contiene tanto el valor más profundo Y el color más fresco. El negro tiene un efecto de profundización y enfriamiento sobre el color. Se va a interpretar la neutralización del negro como un poco más fría que la neutralización calentada de migrar verde. Cuando pintamos, trabajamos de lo general a lo específico que hemos bloqueado en nuestro grupo uno valores en el cielo. El segundo problema que necesitamos abordar es el área de segundo valor más ligero. Cuando pintamos de esta manera general, esto nos deja espacio para retocar las cosas más adelante en capas posteriores. El propósito de nuestra primera capa es solo para conseguir en su lugar la estructura general básica de nuestra pintura. Para pintar el plano de suelo que se inclina hacia el cielo en una orientación horizontal. Estoy agregando verdes tanto calientes como fríos a mi paleta. El valor exacto no es tan importante porque puedo ajustar el valor de la pintura como necesito. Añadiré un rosa medio, cálido a mi paleta, así como un rosa fresco, intenso. Ambos se van a utilizar para modular los colores que agrego y cambiar la temperatura de color en las instancias donde se necesita calentar. A este tipo de pintura generalizada se le conoce con frecuencia como bloqueo en. Por lo que sigo bloqueando en mi plano terrestre. Empiezo con el segmento más ligero, más fresco, el plano de tierra, que es el suelo que está más alejado del espectador. Mi suelo va a ser verde, pero quiero amortiguar la intensidad de esta vía verde significativa así como mantenerlo en el lado fresco. Creo un valor de luz a medio de verde gris para poner hacia la parte posterior de mi plano de tierra. Como ven, esto se ve muy gris en el panel, pero lo ajustaremos como necesitemos. A medida que nos movemos hacia el espectador, podemos agregar algunos más acordados para intensificar un poco el color. Verás que aclara, calienta e ilumina a medida que nos acercamos al espectador. Notarás un borde duro entre mi primer color y mi segundo. Y ahora mismo, este es exactamente el tipo de cosas que no importa mucho. Podemos ajustar cosas como bordes, el tipo de marca que estamos haciendo, texturas. Todas esas cosas se pueden cambiar en capas posteriores. Ahora mismo, quiero hacer un seguimiento del valor y la temperatura que necesito para pintar. Para calentar este verde, agrego un poco de rosa, que es el color opuesto al verde. Y por lo tanto, mi verde calentado sigue un poco en el lado silenciado. Esto está bien por ahora. Me da una pauta a seguir mientras sigo pintando. Posteriormente. Añado un poco más de rosa y un poco de negro para profundizar y calentar este color de manera significativa hacia el primer plano. El terreno más cercano al espectador va a ser significativamente más profundo y valor pero más cálido que el suelo que está más lejos del espectador. Yo quiero que esta zona sea sombra de luz solar. Y así para inventar un color de sombra viable, vacilo entre el verde. Rosa fresco y un poco de negro para llegar a un pitido, neutralizado pero aún más cálido color de sombra. No tiene que ser un color cálido, simplemente tiene que ser más cálido en relación con los colores detrás de él. Esto hace que esta pequeña área en primer plano se pop realmente más cerca de nosotros que todos los colores en el fondo. Ahora he logrado bloquear y el plano de tierra y el avión del cielo. Ahora necesito bloquear en el terreno desigual de mis distantes colinas. Esto presenta un poco de un reto de valor. Necesito que el valor sea un poco más ligero que el primer plano. Porque el ambiente y sus efectos en las colinas Más lejos de nosotros versus el terreno ligeramente angulado hacia nosotros. Ese diferencial se va a expresar por las colinas distantes siendo un poco más ligeras en valor. No obstante, las colinas distantes también necesitan ser ligeramente más oscuras en valor que el suelo directamente frente a ellas, ya que refleja el cielo de manera más directa. Creo un bonito gris medio frío para los infiernos lejanos. Y puedo ajustar este color más adelante y cambiar algunos de los valores dentro de la estructura más adelante. Por ahora, creo que es una relación razonable entre las colinas distantes y la zona sombreada en primer plano. Por lo que los tres primeros grupos de valores, 123, han sido bloqueados todos. Ahora es el momento de pintar las verticales que están cerca de nosotros, los árboles en primer plano. Estos van a ocupar el valor más profundo, más oscuro en mi lienzo en un todo. Sí quiero crear un valor oscuro que aún no sea el valor más oscuro absoluto que pueda hacer, porque puede que necesite sombrear algunas áreas dentro de estas formas. La luz al final del día es cálida como sugiere el rosa en mi horizonte. Por lo que mi área sombreada será fresca en relación a las áreas cálidas en mi pintura. He creado un verde muy neutralizado, gris afuera, pero el subtono en la base para este color sigue siendo mi pintura verde azul profundo. Esto le da a estos árboles un aspecto fresco y sombrío en general. Continúo mi valor oscuro en un área sombreada detrás de cada árbol, mirando al sol lejos del espectador. Por lo que arrojaron un poco de sombra hacia nosotros. Al conectar la sombra con los árboles un poco visualmente. Evita que se sientan como si acabaran caer algunos alegremente en la parte superior del suelo. Comienza a insinuar la idea de una relación transitoria entre el tronco y el suelo y un poco de follaje que llega hacia el árbol. Los bordes en la naturaleza no son duros y limpios. Por lo que armar esa relación me va a ayudar a seguir con esa ilusión mientras sigo mi pintura. Ahora hemos bloqueado en nuestra primera capa por completo. Considera tomar una foto rápida de tu pintura con tu cámara. A veces mirar a través de mi visor en mi teléfono me hace un poco distanciada de mi pieza y soy capaz de ver cosas que funcionan y ver cosas que podrían no estar funcionando. Este es un buen momento para ajustar cualquier valor que realmente no siga la estructura de valores que hemos trazado en nuestros mapas hasta ahora. 17. Pintura de paisajes en desarrollo de la imagen: Si el proceso de bloqueo en nuestra pintura se parece mucho a usar un mapa, entonces el proceso de pintar encima de ese bloqueado en capa es como tener una buena conversación con tus compañeros de viaje. Es un ida y vuelta y un intercambio y un intercambio entre colores y las temperaturas de esos colores. Tómese el tiempo para disfrutar de esta parte del proceso y definitivamente verla como un ida y vuelta. A medida que pintas, puedes cubrir ciertas cosas. Pero por todo lo que pierdes, ganarás algo más de valor. Podemos usar la estructura subyacente de nuestro bloque y para decidir qué debe suceder a continuación. A menudo, me gusta descifrar algunas de las formas principales en primer plano. Las cosas en este cuadro que realmente van a captar la atención de nuestros espectadores. Y en cierto sentido, más importaba. Los árboles, como mencioné en nuestro estudio de color, tienden a ser un poco más calientes en la parte superior y un poco más fríos en la parte inferior. Adicionalmente, nuestra fuente de luz viene hacia nosotros desde encima del cerro. Entonces la forma en que se encienden estos árboles va a ser alrededor de sus bordes. El lado que enfrenta al espectador está parcialmente en sombra. Dondequiera que los árboles estén un poco más cálidos y coloreados, empieza a darles un poco de dimensionalidad. El ligero calentamiento de este color usando mi rosa caliente está provocando que estas capas salten hacia adelante hacia el espectador. Esto le da a estos árboles un poco de sensibilidad tridimensional. Concentra la versión Pincus más cálida de estos colores hacia los bordes que la pintura deriva de la luz solar que llega sobre las colinas. Poco a poco agrego más de este rosa a mis áreas destacadas y lo aplico al suelo también. Todas las partes del cuadro que se enfrentan los letreros van a coger un poco de este cálido resplandor rosado. Observe que no agrego el rosa a mi pintura, pero lo mezcle con los otros colores relacionados. Poco a poco empiezo a colarme en esta idea de Pinckney, en lugar de acercarme de cabeza. Si solo pusiera reflejos rosados en estos árboles, ese rosa saltaría realmente hacia adelante hasta el punto en que parece estar flotando y desconectado de los objetos. Al combinar ese rosa con el color base verde oscuro con el que se forman esos árboles, relaciona esos reflejos con el objeto en el que se sientan. Ahora agrego más verde oscuro a la pintura para enfriarla de nuevo y trabajo algunos pedacitos de resaltado hacia la parte posterior de mis árboles. A pesar de que estas áreas están sombreadas, deben estar cercanas en valor a las partes más cálidas del árbol hacia arriba hacia la cima. La sombra los hace más oscuros, más hacia la base que hacia la parte superior. Y ahora puedo mezclar algunos de estos diferentes greens juntos para que la transición entre sombra y luz no sea tan dura y no tan rápida. Ya mis árboles están empezando a tomar un poco de forma tridimensional satisfactoriamente. Y esto se debe principalmente a pequeños ajustes en temperatura del color a través de la adición de un color cálido y de cortesía. He completado el primer ajuste en mi pintura, y ahora busco hacer otros ajustes en otras áreas. Algo a lo que quiero llamar la atención es el tamaño del pincel. En mi primera capa, utilicé un pincel plano de media pulgada para todas las superficies pintadas. Así que hice grandes trazos que cubrían mucha área a la vez. Y pinté de manera imprecisa en los árboles de primer plano, usé un cepillo redondo más grande, un número diez o 12 redondo. Por lo que eso me dio la capacidad de cubrir más área, pero algo menos y algo más específica de lo que hice en mi primer pase. Para meterse en estas zonas más estrechas a media distancia de mi, mi terreno plano. Y para empezar a crear algunos resaltes de valor aún más ligeros en esta área que sugiere que es planitud más. Estoy usando un cepillo aún más pequeño, probablemente alrededor de ocho o seis pinceles. El color del suelo plano y se pone más caliente a medida que se acerca a nosotros. Pero también se vuelve más brillante y más intenso a medida que se acerca a nosotros. Por lo que realmente estoy tratando de capas en algunas versiones más brillantes, más intensas y puras de mi color de cobertura de suelo principal. A medida que trabajo mi camino de regreso al fondo y a la distancia, estoy agregando versiones más frescas y ligeras de ese resaltado, llevando esa idea de nuevo a la distancia un poco. Pero como se aclara, se lee como más atrás de lo que sería si fuera más oscuro en valor y más brillante en color, las cosas se lavan, iluminan a medida que se alejan de nosotros. Por lo que introducimos más azul o más grado o esos colores, haciéndolos más frescos. Cuando capas color, no vas a capas de color hasta que hayas cubierto cada rastro del color base en el que inicialmente bloqueaste. Estás estratiendo libremente y estás estratiendo de una manera imperfecta. Es mejor hacerlo. Ponga algunas capas hacia abajo sobre la superficie y luego camina. Incluso dejando tu estratificación en un estado algo imperfecto. Siempre puedes afinar tus decisiones y afinar la información más adelante. Estas colinas no son planas, asomándose hacia nosotros como escenario bidimensional. parte superior hay superficies redondas y planas que captan la luz directamente. Por lo que las colinas son una combinación de suelo angulado en un valor más oscuro, pero también versiones ligeramente aligeradas de ese color de suelo angulado. Y eso es lo que estoy cayendo en mi pintura aquí. Para crear este color resaltado, en su mayoría he calentado una versión del color principal del infierno. Y donde el sol atrapa más estos artículos. Estoy creando una versión aún más cálida, algo más punchier de ese color. Por lo que los cerros quedan atrapados por este punto culminante bastante intenso, cálido. Y eso es lo que estoy tratando de presentar aquí. Algunos de estos reflejos realmente cálidos donde ese último poquito de sol atrapa los diversos puntos donde mi paisaje se pega o las texturas se pegan para cumplir con esa luz solar. A media distancia. Utilizo mi rosa fresco para calentar ese ya amarillo, verde y así es como llego a esa distancia media, especie de color marrón resaltado. Añado un poco de esa pintura a mi color de árbol, mi tricolor más cálido. Y traigo esa idea a las copas de los árboles. Algunos de estos trazos y gestos más iluminados, de valor más ligero realmente dan la idea de que el sol está atrapando los bordes de las hojas y los bordes de diversos objetos en el paisaje. El hijo atrapa muchas áreas diferentes dentro de la pintura, pero interactúa con ese color un poco diferente. Y todas esas instancias, las sombras proyectadas por mis árboles van a estar un poco en el lado largo y alto contraste porque el sol está tan bajo en el cielo. Pinto las áreas entre los árboles sombras un poco de un valor más ligero. Se puede ver que por capas de ida y vuelta, mediante la creación de diferentes áreas fragmentadas de color cálido y fresco, puedo empezar a aplanar un poco la zona en la que los árboles se sientan un poco. También decido llevar algo de esa sensibilidad rosada muy cálida a los extremos mismos de las hojas en mis ramas. Esto hace eco del color rosa en los cerros y la distancia. Al traer pequeñas instancias del mismo color a diferentes contextos a través de mi Canvas. Puedo guiar el ojo del espectador alrededor. Gravitamos hacia colores cálidos e intensos para que puedas llevar a tu espectador hacia y alrededor de tu composición creando áreas que deben conectar visualmente. El siguiente área de preocupación en mi pintura son mis nubes. Empiezo bloqueando en una versión del color cielo que le tiene un poco más de intensidad de color. Está cerca de valor al cielo que lo rodea. Esto es algo con lo que puedo experimentar, ajustar y cambiar. A medida que sigo experimentando con la coincidencia de colores y combinaciones de colores en mi lienzo. Al jugar y explorar las posibilidades, tengo un par de cosas en mente. Una es que las nubes se están iluminando desde abajo, por lo que van a ocurrir estructuras más cálidas y ligeras en la superficie inferior de la nube en lugar de en la parte superior. También se están iluminando las nubes por detrás y el sol es cálido. En esta instancia, necesito experimentar un poco con versiones cálidas y frescas de un color de valor ligeramente más profundo para representar las superficies de las nubes que están más cercanas al espectador. Estas son las zonas más sombrías en mis nubes. Voy de ida y vuelta agregando un poco de rosa a mi verde con el fin de mostrar esta calidez y crear esa zona sombreada. Y si bien quiero que este color sea cálido en general, necesito pensar en el axioma de tener luz cálida y sombra fresca. Volviendo de ida y vuelta entre rosa, gris, verde y blanco. Realmente puedo ajustar el color y probar diferentes colores para capas en esta parte de mi pintura. Observe que la suavidad de mis bordes no se crea tanto a través de la mezcla, sino a través de mantener mi color cerca en contraste con los colores que hay al lado. Hay una diferencia de contraste muy baja entre una parte de mis nubes y la siguiente. Si te intimidan las nubes y su forma semisólida, entonces es perfectamente aceptable dejarlas fuera de tu composición. Para crear algún interés en el cielo, puedes crear algunas áreas donde la transición entre tus bandas de progresión de color podría ser un poco más dura o más aparente versus suave y mezclada. Yo sí los animo a que empiecen a pintar en la práctica de las nubes más pronto que tarde. Están bien y te dan mucha latitud para diferentes formas de manejar tu dolor y diferentes formas de experimentar con bajos contrastes en color. Pongo un punto culminante en la parte inferior de mis nubes para mostrar dónde el Sol realmente atrapa sus superficies. Miro lo que tengo y evalúo. Y siento que al cielo le falta un poco de complejidad de color y transición de color. El cielo tiende a ser más brillante, más azulado, más intenso arriba en la parte superior de la imagen. Por lo que decido mezclar algo de mi azul-verde en mi dolor y crear un valor ligeramente más oscuro. Coloco este valor más oscuro por encima de mi línea de nubes. Y siento que esto realmente le da a la pintura una especie de profundidad. Puede que no sea la lógica perfecta del realismo en acción, pero hay una lógica a esta profundización del color, sí se siente más equilibrada con algunos de los verdes oscuros en los árboles en mi primer plano. Mi imagen va de algo que es un poco de fondo pesado a algo que se siente un poco más equilibrado. El espectador se siente un poco más cómodamente contenido. Cuando miran esta imagen. Esto demuestra un poco la parte que juega la evaluación en nuestro proceso de pintura. Y también demuestra lo valiosa que puede ser a veces la voluntad de cambiar de dirección espontáneamente. 18. Pintura de paisajes perfumando la imagen: Después de tu segunda capa, es hora de centrar tu atención en los detalles. Usaremos un pincel más pequeño y trazos de pintura más afinados para agregar detalle y especificidad a nuestra pintura. Tan solo un poco de capas extra encima de nuestras capas anteriores produce grandes resultados. Ahora tenemos una idea más detallada de nuestra pintura. Y a partir de este punto, lo que realmente estás haciendo es simplemente agregar detalle, restando cualquier exceso de detalle que pueda haberse arrastrado a tu imagen. Y el proceso es realmente uno de edición y refinamiento. Entonces usando las pautas que he establecido con las imágenes que he pintado hasta ahora. Puedo elaborar un poco en algunas de estas ideas. Sigo volviendo a la idea de una conversación entre colores. Este cálido verde se convierte un poco en una declaración que conduce a los reflejos rosados calientes en los mismos bordes de mis árboles. Pregúntate si esas áreas son de color plano y sin rotura se beneficiaría con un poco más de detalle e información. Pregúntate si son una declaración que necesita un poco de elaboración en ella, y esa es tu respuesta. Eso te ayudará a decidir qué hacer. No creo que haya ni un solo cuadro que he hecho en donde no he terminado agregando más detalle o más elaboración en alguna parte de ella de lo necesario. Y no creo que haya ni un solo cuadro que he hecho en el que no he tenido que retroceder de una determinada decisión que he tomado en algún momento. Noté que las áreas de sombra de estos árboles carecían de un poco de frescura y un poco de intensidad de color. Los oscuros en estos árboles son bastante cálidos. Yo quería enfriarlos un poco. Por lo que agregué algo de un verde más brillante, más saturado y ligeramente más azulado detrás de las sombras inmediatas. No creo que esto sea del todo un mal impulso, pero no estoy seguro de que haya sido necesariamente pintado de la manera más efectiva aquí. Eso está bien. Nuestra pintura artesanal se cubre maravillosamente. Esta es una de las principales razones por las que me siento fuertemente por comenzar con un material como este. En zonas donde encontré que había un poco demasiado detalle y un poco demasiado contraste entre las hojas resaltadas y las sombras que proyectan. Entro y creo algunas formas más grandes con menos transiciones entre ellas. Esos árboles no están exactamente donde quiero que estén, pero no necesito arreglar todo completamente en el primer intento. Es mejor detener lo que estás haciendo y pasar a otra parte de tu pintura, ajustándola de acuerdo a los valores que ya has estructurado. El muy top band del cielo en este cuadro parecía un poco desprovisto de color. Este cuadro, tiene una paleta silenciada en general. Pero no quiero silenciar las cosas hasta el punto en que no hay paga ni ningún tipo de golosinas visuales para el espectador. Por esta razón, agregué más de un azul-verde e intensifiqué el color un poco hacia arriba hacia la cima del cielo. Si bien esta no es la representación más realista, sí creo que hace que esta imagen funcione. A la luz de ese valor nuevo, ligeramente más ligero. Necesitaba ajustar algunas de mis sombras y reflejos dentro de mis nubes. Te darás cuenta de que no pinto sobre todo lo que hice. Simplemente agrego un poco de información a lo que tengo. Y en este caso, usé un pincel un poco más grande. Y al mantener mis aplicaciones de pintura algo grandes y algo atrevidas, hecho ablandé la forma considerablemente quitando parte del detalle y el contraste entre un color y el siguiente. También decidí sacar algo de la calidez y el color de mi horizonte, simplemente elevando la línea de esa transición y dándome una excusa para poner unos reflejos más coloridos en mi cielo. Detener lo que estás haciendo. Poner tu pintura verticalmente y pararse atrás de ella unos cinco o diez pies es algo que no puedo recalcar la importancia de lo suficiente. Es increíblemente útil en varios intervalos voy a hacer esto. Otra cosa que haré para evaluar lo que estoy mirando y lo está haciendo mi trabajo es que tomaré fotos regularmente. Hay un factor de distanciamiento cuando tomas una foto de tu pintura que realmente te ayuda a verla de manera unificada para que puedas realizar ajustes y correcciones que beneficien a la imagen en general. Sabía que necesitaba oscurecer algunas de las zonas de sombra y profundizarlas. Una vez más, esto es un poco más oscuro y un poco más cálido de lo que realmente quería ir, así que necesito ajustar este color un poco. Tu pintura es un proceso de hacer una marca y luego responder a la marca, hacer otra marca, y luego llegar con otra respuesta a esa marca. Sigo volviendo a la conversación que voy a metáfora porque creo que es tan apta para este proceso. Quería mostrar este segmento donde lucho un poco con esto porque quiero dejar claro que cuando pinto, tiendo a empujar un poco las cosas. Sería más fácil, creo, dejar esto como estaba y posiblemente evitar tropezar con algunos de mis problemas de temperatura de color aparecen en el frente. Pero sí creo que a veces dada la opción de probar algo y tener que volver a pintarlo frente a no haberlo probado en absoluto. Creo que la lección más valiosa existe para nosotros al hacerlo y tener que deshacerla. También es importante no poner toda la presión en cada pintura que hagas. Yo quiero hablar un poco del concepto de ejercer presión sobre una pintura. No la presión sobre nosotros mismos, sino la presión sobre el trabajo. Y lo que quiero decir con esto es que a veces pienso que los pintores prematuramente decidirán que quieren pintar cierta imagen y decidir en sus cabezas y avanzar en qué quieren que se vea. Y un poco antes sus habilidades realmente se han puesto al día para hacer todas las diferentes cosas que quieren lograr. Se meterán en una situación en la que pintan el cuadro. Y hay tantos temas y retos encuentran en el camino que tienen que ser retrocedidos y pintados. Que desarrollarán una relación realmente intensa, de muy largo plazo y algo frustrante con ese trabajo. Entonces eventualmente, sí, se va a pintar y es hermoso y no necesariamente se ven todas esas luchas. Pero siento que el valor de ese tipo de pintura es una cosa. Y es algo que creo que todos tenemos como especie de fantasía ideal artístico alimentado a nosotros. Esa es una especie de la narrativa. Los artistas luchan con su trabajo, ¿verdad? Y empujan a través y lo terminan pase lo que pase. Y ahora es una obra maestra. Fuera de esa narrativa. Creo que es mucho más valioso hacer 51 horas bien, pinturas. Entonces es hacer 15, nuestra buena pintura, la 51 hora. Está bien. Las pinturas aportan tanto más a mi cuerpo de conocimiento que las obras de diez horas o 30 horas o 100 horas. Esas obras son realmente solo un campo de pruebas para sintetizar todas las cosas que aprendí haciendo algunas pinturas bien. Así que configura esos temporizadores y no te preocupes por ello. Y a veces ser realmente, realmente malo para ti mismo y pon el temporizador y terminas después de una hora, te guste o no. Siento que hay algunas lecciones realmente, realmente valiosas en eso. Especialmente si eres principiante y buscas hacer crecer una práctica y hacer crecer un conjunto de habilidades y desarrollarte. Eso sólo ha sido realmente importante para mi desarrollo. Entonces quería hablar de eso porque no creo que esas 5 horas tipo de bien. Las pinturas son súper visibles. No son del tipo de cosas en las que pienso, creo que a los no artistas y a los artistas principiantes se les enseña realmente a identificar un trabajo así y a entender el papel que desempeña. Tiendo a pensar en algo, ver algo en mi trabajo, y luego decido abordarlo. Y mi filosofía es ir por ello y si no funciona, entonces ajustar. Como que entiendes eso desde ver esto y estar a lo largo de este viaje hasta este punto. Entonces lo que noté cuando miré esto y evalué fue que el área de sombra se había vuelto algo caliente versus fresco. Entonces sentí que quería corregir la falta de frescura en la parte trasera de esos árboles, el espectador frente a parte de esos árboles. Entonces cuando digo de vuelta, me refiero a la espalda al Sol afecta la, la parte de este árbol que vemos. Conceptualiza que están de vuelta como otros mirando hacia la distancia. Entonces sentí que la sombra había perdido el mandato de ser luz fría y cálida. Y también sentí que estos árboles al frente, nos falta un poco de intensidad de color que deberían tener, incluso en la sombra, incluso en la sombra, que las cosas cercanas a nosotros son más coloridas que las cosas más alejadas. Y como que perdí esa filosofía mientras pintaba éstas. Entonces para corregir. Entré y mezclé un azul influenciado pero un verde ligeramente más brillante para jugar y simplemente trabajar en algunas de estas, estas masas. Y de alguna manera siento que esto fue exitoso y de alguna manera menos exitoso. Pero sí pasé algún tiempo sólo tipo de problema-resolviendo ese problema. Ver si podía hacer transiciones entre mis oscuras cálidas y mis oscuras frescas que se sintieron satisfactorias. Estas sombras son algo más cálidas de lo que me gustaría que fueran. Y la temperatura del color sí importa aquí. Pero más importante es el valor. Entonces esta oscura realmente profunda es, en mi opinión, solo un poco demasiado oscura introduciendo solo un toque de mi tricolor principal de nuevo en la mezcla de ese negro oscuro y color de sombra, soy capaz de conseguir un gris que golpea un oscuro más apropiado para que la forma transitoria entre la sombra y el objeto que proyecta la sombra, esa transición se vuelva un poco más suave, un poco más convincente, y un poco más satisfactoria. Esta es una fase más analítica de la pintura. Nuevamente, para volver a esa metáfora conversacional, este es el momento de asegurarte de que estás escuchando. Asegúrate de que estás poniendo esa obra contra la pared y pie para que estés en una relación con ella, no solo como el pintor y el autor de la obra, sino también como espectador. Tomar el tiempo para mirar lo que estás haciendo realmente vale la pena. Notarás áreas que podrían mejorarse. Sentí que el árbol en el medio se inclinaba un poco demasiado lejos, y quería darle un poco más de información a la izquierda para contrarrestar que se inclina por lo menos un poco. Una cálida sombra a la izquierda donde el sol no está golpeando directamente el artículo, pero brillando a través de las hojas que están retroiluminadas realmente ha ayudado a que estas se vuelvan más dimensionales y simplemente se conviertan en una bonita área de paga visual. No es un color brillante, pero es un color cálido. Y creo que ese pequeño ajuste realmente hace la luz parezca más real de lo que lo hizo sin ella. Observe lo sencillo y ajuste que es. En realidad no es mucho esfuerzo y no mucho detalle y especificidad en él. La especificidad está realmente en el color exacto que utilicé. Último. A mí me gusta añadir un poco de punto caliente a media distancia de suelo plano. Entonces en algún lugar donde mi color se pone su más cálido. Encuentro que esto agrega un poco de dimensión a la obra. Y realmente refuerza la idea de que estos árboles son tipos de personajes que se alejan de nosotros y miran hacia la distancia como si efectivamente estuvieran en una forma de diálogo entre sí. Es hora de echar un vistazo más, dar un paso atrás, evaluar, y darse cuenta de que de hecho, en realidad hemos terminado. Ahora es tu turno. Repasa los ejercicios, prueba algunas imágenes preliminares de estudio para obtener uso para valorar la sensación de la pintura y los diferentes enfoques al color. A continuación, seleccione un color. Crear agrupaciones de ese color y su opuesto. Agrega blanco y negro. Y adelante y dale una imagen como esta, un intento. Recuerda, puedes hacer esto una y otra vez tantas veces como quieras y divertirte lo más posible haciéndolo. Toma notas de las cosas que notarás en la pintura. Los colores que te gustan, las relaciones de color que te intrigaron. El modo en que te gusta pintar el tema. Formas y patrones a los que te encuentras gravitan sin pensarlo demasiado duro, guarda tu mentalidad analítica. Para la tercera etapa de capa, medida que empiezas a agregar detalles y evaluar la estructura general de tu trabajo. Cuando das un paso atrás. Sé que disfrutarás creando pinturas como estas una y otra vez. Y solo quiero que sepas lo emocionado que estoy ahora mismo para darte la bienvenida a la oportunidad para la diversión, la investigación y el disfrute de toda una vida en la pintura paisajística. 19. Para terminar: Enhorabuena a todos. Con tu nuevo conjunto de habilidades, podrás publicar una hermosa imagen de paisaje terminada 12 por 12 bajo la pestaña Proyectos de la página de la clase. Realmente espero ver todas tus creaciones. Yo sólo quería dar las gracias una vez más. Te has unido a mí en una clase bastante extensa y hemos cubierto muchas habilidades diferentes, muchas métricas nuevas y muchas diferentes conceptos clave nuevos. Por lo que ojalá, todas estas cosas te sirvan y sirvan muy bien a tu trabajo. Si tiene alguna pregunta, si hay algo que necesite aclaración, favor de publicar al efecto en la pestaña de discusiones. Estaré monitoreándolo y buscaré sus preguntas y cualquier punto o puedo entrar y aclarar cualquier cosa que pudiera resultar un poco confuso más adelante. Espero que esto te haya parecido valioso y si te ha gustado esta clase, por favor considera dejar una reseña en ese sentido. Realmente ayuda al canal y me ayuda. Si quieres asegurarte de no perderte ninguna nueva clase o contenido nuevo ya que se agregan al canal, por favor asegúrate de hacer clic en el botón siguiente y te agregarán para que recibas notificaciones. Me lo he pasado muy bien pintando con ustedes hoy y espero volver a pintar con ustedes. Hasta entonces, cuídate, mantente seguro, sé buenos el uno con el otro, y pásalos muy bien pintando.