Información básica sobre Bokeh: una guía para a apertura y estilización de tu profundidad de campo | Indeana Underhill | Skillshare
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Información básica sobre Bokeh: una guía para a apertura y estilización de tu profundidad de campo

teacher avatar Indeana Underhill, Cinematographer & Photographer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción a Bokeh

      1:35

    • 2.

      Guías de preguntas

      6:26

    • 3.

      Conceptos de fotografía

      3:43

    • 4.

      Comparación de longitudes focales

      8:44

    • 5.

      La F Word

      12:23

    • 6.

      Enfoque

      2:40

    • 7.

      Lentes de vintage y Bokeh

      9:17

    • 8.

      Comprar lentes

      4:45

    • 9.

      Envoltura

      0:43

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

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Estudiantes

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Proyectos

Acerca de esta clase

Una vez que tengas los principios de la fotografía en mente, es importante aprender cómo podemos aplicar la teoría a nuestro trabajo propio. Muchos de nosotros blurred queremos poder crear un hermoso fondo de foco, o de foco, también lo conocido como una profundidad de campo de campo y bokeh. Pero, ¿cómo creamos y cómo le do de ello?

Como todo de la iluminación a la composición, se toman opciones. ¿Qué opciones estamos tomando cuando elegimos nuestros lentes y f-stops? Queremos que nuestro sujeto out del fondo, de compressing el fondo con una profundidad de campo profunda? ¿O queremos que el sujeto esté de su fondo con más centrado?

¡Prueba y rodaje es la única forma de descubrir! Así que únete a de modo para aprender cómo podemos tomar las elecciones adecuadas para nuestro propio aspecto.

En esta clase, miramos lo siguiente:

  • Una descripción general de la exposición y los principios de la fotografía
  • Crear tu propio aspecto en la cámara
  • Elegir lentes para mejorar y cambiar la profundidad de campo
  • El control que tenemos sobre la compresión de la lente y su relación con nuestro f/parada y la exposición
  • Elegir fondos adecuados para maximizar la profundidad de campo
  • Cómo hacer experimenten con lentes vintage

¡Sé creativo, audaz y toma fotos geniales!

Para más de mis clases de fotografía que van de principios principiantes hasta el desarrollo intermedio:

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Modo automático a manual: las 3 cosas que necesitas saber

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Lentes 101: rodar con primes

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Lentes 101: creatividad con lentes vde y filtros de DIY.

https://skl.sh/2sDSnDSneV

Próximos pasos

Filtros de lente: empujar tus imágenes de bodos

https://skl.sh/2HTUJYZ

Opción de lentes avanzada: edición de la cámara

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Para más de mi trabajo, puedes ver mi instagram o sitio web.

www.instagram.com/indejones

www.indeanaunderhill.com

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Indeana Underhill

Cinematographer & Photographer

Profesor(a)

Indeana is a Canadian cinematographer based in Los Angeles. She is an Associate Member of the CSC, a member of the ASC MITC Lens Committee and a graduate of American Film Institute's Cinematography Conservatory Class of 2020. 

With over 35 credits, she has worked professionally in South Korea, Greece, Spain, Scotland, Argentina, Qatar, Egypt, Canada & the US. Her background in photography has enabled her to continue to tell diverse stories through her lens.

Website:

www.indeanaunderhill.com

Instagram:

https://www.instagram.com/imunderhill/

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Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción a Bokeh: Hola, me llamo Indiana y soy fotógrafo canadiense de viajes y estilo de vida. En los últimos cuatro años, he estado constantemente en movimiento, en movimiento y viajando a más de 28 países. A través de eso, he desarrollado mi propia perspectiva única en fotografía, una de las cosas más importantes es crear tu propia perspectiva, pero lleva un tiempo y se necesita mucha práctica para aprenderlas. Existen algunas maneras diferentes de acercarse a tu propia perspectiva en la fotografía y la forma de descubrirlo. En esta clase vamos a estar viendo la relación entre Aperture y Bokeh. Vamos a estar aprendiendo algunas cosas en esta clase. En primer lugar, estaremos empezando con esa pirámide y los principios de la fotografía y una visión rápida. Estaremos mirando un lado de esa pirámide y eso es apertura y cómo eso afecta, cuánto se tira en el fondo, qué está en foco, qué está fuera de foco, y por cuánto. Bokeh controla el fondo y se hace a través de la medición de un F-stop. Vamos a estar tomando un enfoque práctico a través de dos ejercicios diferentes; uno con la lente vintage, y otro cambiando entre longitudes focales. Mirando la compresión de lentes, F-Stop, y el entorno general. ¿ Cómo podemos sacar el máximo provecho de nuestra abertura? ¿ Cómo podemos controlarlo y cuáles son algunas técnicas para ser creativos? Espero que te unas a mí en esta clase sobre Bokeh 101, cómo usar la abertura para crear tu propio look artístico. Gracias. 2. Guías de preguntas: Una de las cosas más importantes para empezar antes de mirar la teoría es quiénes somos como fotógrafo. lo mejor estás empezando o tal vez acabas de cambiar al modo manual de automático. Es importante que conozcamos la foto que estamos tomando. La composición, cuando se trata de ella, es sumamente importante. Tu profundidad de campo debería complementar eso. Cuando estamos configurando un marco, es importante saber cómo es nuestro marco y luego cómo evaluamos a partir de ahí la profundidad de campo y la mirada que buscamos. Tener estos looks específicos y únicos lleva tiempo construir. Es posible que tengas una idea en la cabeza, pero al igual que una pintura, es imposible hacerlo sin las herramientas adecuadas. Tenemos nuestra cámara aquí y tenemos una lente encendida, y tenemos la capacidad de cambiar al modo manual. Mucha gente encuentra el modo manual muy intimidante porque automático es automático. Es fácil de encender y es fácil empezar a tomar fotos. No obstante, una vez que hayas cambiado a manual y obtienes los tres principios de la fotografía: apertura, velocidad de obturación e ISO, podrás encender rápidamente la cámara, configurarla y disparar. Por qué digo que todo el mundo tiene que aprender manual es por supuesto, porque entonces has aprendido lo que realmente está pasando en cámara cuando tomas una foto, pero también aprendes cómo podemos ser creativos con la exposición. Automático es un inconveniente porque nos expone. La mayoría de las formas de arte, fotografía, cine, pintura, dibujo, todas tienen que ver con nuestra percepción de la luz y cómo comunicamos eso para crear profundidad. No obstante en modos automáticos, no pudimos exponer por nosotros mismos. Lo que pasa es donde esté el foco, lo mide para nosotros y no pudimos jugar a menos que estemos rodando en Raph para post, lo que nos da el espectro a todo color, pero somos incapaces de jugar en cámara. El único beneficio de automático para mí empezar fue la composición y el encuadre, y crear marcos que me gustaron y descubrirlo yo mismo. Porque es realmente difícil crear nuestro look. Queremos probar y queremos experimentar. Entonces si apenas estás empezando en la fotografía, sí, ten en cuenta estos principios, pero asegúrate de tener una idea clara de tu ojo artístico, y cómo estás usando eso para tu propio look. El consejo más grande que he recibido en fotografía es que es importante mirar a quién admiras dentro del mundo del arte pero también es importante no copiar su look, inspirarte y tomar elementos para luego construir sobre eso con tu propio look. lo mejor te encantaría disparar desde la cadera y en gran angular porque eso lo hizo tu fotógrafo favorito. Pero, ¿cómo podemos hacer que eso sea único a nuestro propio estilo? ¿ Cómo podemos jugar con ese concepto y crear algo completamente nuevo? Ahí surge nuestra mirada y por eso necesitamos conocer las herramientas que esto nos proporciona. Porque sí, alguien te dirá: “En qué cámaras estás disparando, eso es increíble”. Pero al final, se trata de la persona detrás de la cámara y ese eres tú. Algunas preguntas que queremos hacernos principalmente es, ¿estamos listos para cambiar a manual? De no ser así, ¿estamos listos para tomar la teoría y mirar cuando estamos filmando un automático, por qué podría estar haciendo esas cosas? ¿ Cuál es la mirada que buscamos? ¿ A qué admiras y a quién admiras? ¿ Dónde tomas la inspiración y cómo percibes la luz? Creo que te beneficia cuando estamos viendo la exposición a sí, toma esta herramienta, toma esta teoría. Pero a veces no tendrás la cámara encima, pero eso no significa que no puedas practicar. Crear profundidad en entornos reales, por supuesto, es tridimensional. ¿ Cómo imitamos eso en cámara? Ya sea que estés de compras o vayas a comer, o estás caminando por la ciudad o por los suburbios, es importante estar atento a cómo capturaría eso? ¿ Cómo es la luz? ¿ Qué siento de esa luz? Es duro, es suave. ¿ Cómo capturaría eso? Después de trabajar en cine y fotografía desde hace casi media década, he creado una mentalidad de que cada vez que entro a un lugar, conozco el mejor asiento para sentarme, si es un restaurante para la iluminación. Veo la sobrecarga, veo las sombras, y veo el estado de ánimo. Dependiendo de eso, sé dónde voy a ser más feliz y sé cómo puedo usar esa luz. Si quiero hacer un laico plano y tomar un tiro de fotografía sobre la cima, comida encantadora. Por ejemplo, cada vez que entro a un restaurante, siempre estoy mirando la iluminación. Es solo pasivo en este punto, pero estoy notando dónde estarían las duras sombras en mi cara, donde están las luces suaves más bellas y la reflexión que viene de todo eso. De anécdota graciosa en el cumpleaños de mi madre, intentábamos tomar una foto juntos, pero estábamos sentados justo debajo de la horrible y dura iluminación. Todas las fotos salían muy oscuras en sus ojos debajo de nuestra nariz y nuestra barbilla, pero realmente brillantes en nuestra frente y mejillas. ¿ Cómo consigo una foto encantadora con mi madre? Bueno, tomé el menú y como fotógrafo, y como cineasta, le pedí a mi padre que lo levantara por encima de nuestra cabeza. Ya que era un menú blanco, todavía nos dieron un poco del rebote de la mesa de respaldo sobre nosotros. Se deshizo de esas duras sombras. Por lo que nuestro iPhone fue capaz de exponer adecuadamente y tuvimos una mejor foto. Es cosas raras como esas, que cuando te vuelves más activo en tu propia fotografía, aunque no tengas esto, estás notando luz y profundidad. ¿ Cómo tomamos esa historia o cómo tomamos esos ejemplos? ¿ Cómo creamos profundidad de campo? Primero necesitamos empezar a mirar los principios de fotografía, apertura, velocidad de obturación, e ISO. El único modo de hacerlo es disparando práctico. Salgamos afuera y empecemos a disparar. 3. Conceptos de fotografía: Acaba de caer la lluvia, lo que significa que es un escenario perfecto para disparar afuera. Vamos a estar hablando de una visión general de los principios manuales automáticos de la fotografía. Realmente vamos a hacer uno a uno para ver la profundidad de campo y cómo afecta nuestra imagen. Como dije, es la forma perfecta de tener un look estilizado y desarrollar tu propio look como fotógrafo. hoy vamos a estar trabajando con un modelo que tenemos aquí, y vamos a estar buscando ejemplos prácticos de diferentes lentes que queremos usar y los modos en la cámara que queremos usar. A lo largo de esta lección, veamos la relación entre dos cosas, la exposición y la lente. Esas son las dos cosas que te van a permitir cambiar cualquier cosa en cámara. Esas son las dos cosas que te permitirán colaborar, para crear tu propio look. Empecemos mirando nuestros principios de la fotografía, lo primero que es obligatorio al empezar a mirar la profundidad de campo es nuestro triángulo de exposición, y si no estás familiarizado con eso, he hecho un clase completa, pero hagamos lo básico ahora mismo. Los tres conceptos básicos que debes aprender antes de mirar únicamente en profundidad de campo es la velocidad de obturación, ISO y apertura. Apertura obviamente controla lo superficial que es tu profundidad de campo, cuánto está enfocado, lo que estamos viendo. Pero además, tenemos que mirar el triángulo, tenemos que mirar los otros dos lados, y eso es ISO y velocidad de obturación. La velocidad de obturación es una fórmula que tiene que ver con el tiempo, por lo que es por segundo o porcentaje de segundo. Eso muestra 1 sobre 50, 1 sobre 100, un segundo 30 segundos. Normalmente se agota a unos 8 mil cuadros por segundo, pero tiene que ver con el tiempo. El enfoque tiene que ver con la distancia, ISO tiene que ver con la sensibilidad. Cuando tengas un sensor de cámara, notarás que obtendrás ruido a diferentes niveles en tu cámara cuando estés jugando con ISO. ISO está creando luz que no está ahí, está impulsando la sensibilidad de tu cámara en tu sensor, lo que significa que estás viendo más píxeles, más sensible se pone el sensor. Si empezara en una ISO 160, que es el punto de partida recomendado en una marca 5D III, no verías nada más que una imagen limpia, pero cuando estás disparando a algo como un 8,000, tal vez estás filmando a una banda en puertas y está súper oscuro y quieres elevar esas sombras y negros, verás todo este ruido. Puede ser algo que quieras en tu imagen, pero la mayoría de las veces, quieres mantener ISO lo más bajo posible para asegurarte de que la calidad de imagen sea perfecta para la edición. La velocidad del obturador tiene que lidiar con el tiempo, y son fracciones de segundos o segundos en sí, así es como obtienes la fotografía de lapso de tiempo. Si tuviste 30 segundos, puedes conseguir la astrofotografía o las luces en la calle a medida que pasan los autos, cuando ves esas famosas fotos de la ciudad, donde solo son luces y no ves los autos, eso es un obturador más largo velocidad, más rápida que sea, permite capturar cualquier movimiento a una velocidad más alta, pero normalmente sería borrosa. Ahora, un consejo cuando estás disparando por velocidad de obturación es, si estás haciendo de mano para fotografía de retrato, como estoy a punto de hacerlo con mi modelo, quieres disparar en un mínimo de 1 sobre 100, porque por debajo de eso será borrosa. Ese es el punto de partida ideal, pero si puedes ir un poco más alto, eso es genial. Ahora son estas tres cosas, apertura, sobre las que vamos a estar aprendiendo, velocidad de obturación e ISO. Se atarán a la exposición y a los niveles de exposición que quieras. Nada volado de los reflejos y nada demasiado oscuro para las sombras. Queremos mantenerlo en un 18 por ciento de gris, lo que significa una exposición adecuada. Empecemos y veamos cómo podemos trabajar con un modelo para demostrar mejor la apertura y profundidad de campo. 4. Comparación de longitudes focales: Ahora vamos a estar viendo la compresión de lentes y cómo eso varía nuestra profundidad de campo en bokeh. Recuerda bokeh es lo que se echa por atrás. Esas podrían ser las formas de las hojas arrojadas fuera de foco y lo arrojadas que están o que pueden ser luces y de noche, que veremos algunas. En primer lugar, tenemos nuestros 50. Ya has visto lo que eso hace. Ya has visto nuestra compresión. Vamos a tomar exactamente la misma foto, mismo marco, diferente lente. Ahora, hemos cambiado a un 85 y este es un lente de cine canon 85 que abre hasta 1, 3. Cuando digo que abran, recuerden que es un F1.3. Bajamos, vamos a parar a un 2.8. Lo mismo. Vamos a hacer el mismo marco. Voy a mirar la parte trasera de mi cámara y ver qué era ese marco y tomaremos tres fotos exactamente en el mismo ángulo y marco. Entonces 85, voy a tirar atrás, foco está en Ferris por supuesto y tomemos esas fotos. Si miro la parte trasera de mi cámara, ese era nuestro marco. De verdad estoy teniendo que tirar hacia atrás aquí. Tengo que enfocarme manualmente. Vamos a conseguir eso. Lo hemos guardado en un 28, recuerda eso. Vamos a hacer ese primer retrato donde nos estamos acercando. Vamos a hacer un tiro medio. Nuestro medio tiro debe estar más atrás pero por ahí yap perfecta misma pose yap exactamente. Eran manuales así que solo soy perfecto. Genial, ahora, esa pose final, que fue un primer plano. Una vez más, voy a tener que tirar hacia atrás algunos en un 85, una lente más larga, lo que significa que vamos a tener que estar más atrás. Incluso para ese primer plano, volvamos a mí primero, barbilla un poco, yap perfecto. Si vuelvo a mirar mi marco, necesitamos imitar eso. Voy a entrar aquí, girando el barril hasta el final, perfecto. Lo guardamos en 2, 8, ahora vamos a comparar. Recuerda nuestra lente de 50 milímetros y son 85 milímetros. Tenemos nuestra lente de 85 milímetros y nuestro tiro de primer plano, que es sólo la cabeza y los hombros de la Ferris, está completamente tirado del fondo, eso está en un 2, 8 recordar. Cuando lo comparamos con el 50, tenemos más en foco. Podemos ver las formas de las hojas detrás de él. No obstante, cuando volteamos entre los años 50, podemos ver una vez más que hay una profundidad de campo más baja. Podemos ver que en el 85 es más superficial, pesar de que tenemos la misma configuración que un 50. Aquí es cuando tu look creativo vuelve a la fotografía porque no sólo por supuesto, estamos componiendo la imagen y eligiendo nuestros ajustes sino que ahora podemos mirar nuestras lentes. Esa es la otra parte de la ecuación. Tenemos exposición, que es apertura misma. Pero una vez que hemos establecido eso, tenemos lentes. Qué es importante para nuestra composición y luego también lo que es importante para la profundidad de campo que queremos invocar. Una de mis primeras clases, tuve que lidiar con lentes 101, compresión de lentes. Cómo elegimos las lentes. El estudio que hicimos con un modelo al final, encontramos que cuanto más larga era la lente, más retrocedieron sus caras y como la compresión, más lejos nos llega el fondo. No vemos tanta distancia cuando estamos en una lente más larga. Ahora con Ferris, incluso podemos ver en estas fotos de comparación cuánto cambia su rostro, la forma de la misma. Si tenemos una lente más ancha, la cara se extiende fuera de ella. Si tenemos una lente más larga, se colapsan. Es por ello que en la fotografía de moda, normalmente empezaría en 85 milímetro y subiría desde ahí así que un 85 es un lente de retrato realmente hermoso solo para tu FYI. Ahora, lo he cambiado un poco y vamos a conseguir un marco diferente. Podemos mirar la profundidad de lo que está frente a nosotros y lo que hay detrás. Aquí es cuando podemos ponernos creativos. Yo sólo voy a abrir para divertirme e ir a un dos en lugar de un dos ocho. Hagamos unas fotos de Ferris aquí y vamos a acercarnos, vayamos muy lejos en este 85 y echemos un vistazo y lo compararemos con un 24 y 50. Recuerda dónde están a las dos, lo vamos a mantener a un dos. Está bien. Ferris, por favor quédate ahí. Cruzemos los brazos a la cadera, sí perfecto, sí exactamente. Hagamos eso. Miremos hacia abajo tus manos mientras haces eso. Ajustar un anillo, tal vez. Perfecto. Genial. Esa es una profundidad de campo muy agradable, poco profunda pero como en realidad está bajo esa hoja todavía está un poco enfocado. Genial. Continuar. Yo sólo voy a conseguir algo en primer plano para que podamos ver cómo se difumina dependiente de nuestro enfoque. Voy a conseguir algo realmente en el marco. Perfecto. Sí, mirando hacia abajo tu mano. Mirándome a mí. Bien. Podemos ver al mirar esta imagen, que es realmente emocionante, de primer plano y de fondo. primer plano obviamente significa que está más cerca de nuestra cámara, que como sabemos, cuanto más nos acercamos a algo en una profundidad de campo más superficial, más fuera de foco está. Como dije, cuanto más larga sea la lente, más profundidad de campo, más cerca te acercas, más profundidad de campo. Si ponemos algo justo delante de la lente, en una lente más larga, algo que está frente al sujeto en el que estamos tratando de enfocarnos, va a estar muy fuera de foco. Si miramos esta foto que acabo de tomar, se puede ver que las hojas de palma detrás de él están un poco fuera de foco porque está parado justo frente a ellas. Pero lo contrario con estas partes al frente casi no están en el tiro. No se puede decir lo que son. No se puede decir de qué forma son. Pero sabes que hay algo entre nosotros y él y esa es esta parte. Entonces todo está fuera de foco detrás también. Hagamos un tiro más cercano. A ver, ¿a dónde lo queremos mover? Vamos a ángulo bajo solo para conseguir esto y ver cómo se ve en realidad. Ferris, si das un paso hacia mí. Genial. Así como así y un paso por aquí en el arbusto. Sí, exactamente. Ahora voy a ir a ángulo bajo porque esto, aunque parece que a la misma distancia para ti, me imagino que en realidad está saliendo un poco. Probemos con un ángulo bajo. No sé lo halagador que será eso, pero estamos en un 85 así que vamos a ver. Ahora, como dije, en 85 va a ser realmente genial para las características. Porque se está poniendo un poco oscuro, lo voy a impulsar a un ISO de 2,000 y mantenerlo en un dos. Perfecto. Mira hacia abajo tus manos. Perfecto. Genial. Como podemos ver, también hay una ligera diferencia en la profundidad del campo. Pero si voy a disparar como ejemplo a través de estas hojas ahora, perfecto. En realidad tenemos si podemos ver múltiples palmas detrás de él. Veamos cómo se ve esa profundidad. Estamos en sus ojos tirando manualmente. Estamos en ello dos. Toma unos cuantos tiros. Mira esa profundidad. Tenemos una hoja de palma justo detrás de él. Eso es realmente interesante, podemos ver que esta planta, Está cambiando en profundidad porque está más cerca de nosotros o más lejos. Entonces podemos ver la palma justo detrás de él ligeramente enfocada y todo lo demás distancia sabia está fuera de foco. Es interesante porque ahora estamos permitiendo que las formas tomen parte de nuestra imagen. Estamos eligiendo qué formas están estas hojas en base a dónde estamos poniendo nuestro tema y estamos eligiendo qué tan fuera de foco están esas hojas y ese fondo. Estamos consiguiendo una gran forma detrás de su cabeza cuando estamos más cerca. Pero una vez más, como pueden ver, más lejos estamos, más está enfocado. 5. La F Word: Tengo mi modelo aquí conmigo hoy Ferris, actualmente estamos en El Cairo como decían. Ferris está mayormente involucrada en la actuación, pero hoy le he hecho mi modelo, y vamos a estar probando profundidad de campo en él. Para la fotografía de retrato, porque estamos un poco más de cerca, es mucho más fácil examinar profundidad de campo. Porque como punta, más cerca te acerques a un tema sin importar qué lente, más superficial se pone la profundidad de campo, larga es la lente más superficial se pone. Eso tiene que lidiar con nuestra expresión de lente de la relación de la que estaba hablando, pero la primera parte es la exposición. Sabemos brevemente acerca de la velocidad de obturación e ISO. Entonces la tercera pared ahí en el triángulo es la apertura. apertura es el ingrediente clave para comparar la profundidad de campo y cómo están fuera de foco las cosas en segundo plano. Estoy disparando en mi lente 1.4 de 50 milímetros, en un 5D Mark III, y lo tengo por supuesto en Modo Manual. Siempre estoy filmando en manual, porque me permite obtener la exposición que quiero. La cámara en automático te va a decir algo diferente, basado en el nivel de luz general. No obstante, ¿cómo tomamos ese nivel de luz y luego compensamos, basado en stop? He cambiado a manual y voy a empezar una ISO 160, y eso es porque el menor. Nuevamente mantenemos nuestro ISO cuanto mejor sea la calidad de imagen. No quiero tocar ISO a menos que tenga que hacerlo y así estamos empezando por ISO 160, entonces vamos a empezar con un 2A en este lente y luego compensar con mi velocidad de obturación para asegurarme de que esté expuesto como yo quiero que esté. Tienes que equilibrar estos tres muros para conseguir la imagen adecuada que quieras. Mantén bajo ISO, si no necesitas nada que ver con el tiempo y esa fórmula, usa la velocidad de obturación como tu compensación de exposición por lo que es tu f-stop. Estoy empezando por un 2A, que es un f-stop realmente bonito porque en la mayoría de las lentes están hechas para empezar en 2A, no un cuatro o un 5.6. ¿ Algunos mínimos? Sí, en lentes más anchos o en clave de arranque son un cuatro, pero si puedes conseguir una lente por lo que es mínimo 2A, eso te dará la mejor profundidad de campo sin que esté completamente fuera de foco y suave incluso cuando diga que está enfocada. Vamos a tomar un ejemplo de un 2A, y luego pasaremos a un cuatro y un 5.6, iremos incremental en las paradas de un f-stop y veremos exactamente cómo podemos compararlos. Ferris, sólo voy a revisar dos veces. Porque ahora se está oscureciendo, voy a impulsar hasta un ISO de 3.20. Entonces eso me da una buena cantidad de luz. No he perdido mis sombras y los reflejos no están recortando y así mis tonos medios son perfectos. Vamos a darle una pista a esto. Ferris sólo se va a meter las manos en los bolsillos. Vamos a hacer una pose muy básica, y él sólo va a mirar a la cámara. Cerrar sonrisa. Perfecto. Eso estuvo bien, nos vamos a poner un poco más si nos volteamos hacia un lado de esta manera. Yo he cambiado para nosotros a esta posición porque realmente quiero mostrarles lo que está pasando en nuestros antecedentes. Tenemos esta hermosa planta frondosa. Con el fin de mostrarte cómo se ve esa profundidad de campo y qué tan fuera de foco está en segundo plano. Yo quiero que sea algo de una buena distancia, pero al mismo tiempo suficiente que en esta imagen en un 2A. Vas a poder ver, qué está fuera de foco y cuánto está en foco de Ferris. Vamos a tomar otra foto. Sí. Perfecto. Genial. Estoy ajustando mi enfoque mientras me muevo con ese medio clic, perfecto, exactamente es así. Genial, así que como puedes ver en el 2A, está bastante fuera de foco. Tu apertura, al igual que la velocidad de obturación tiene una medida, y eso se llama f-stop. Entonces f-stop, permite ver cuánta luz se está dejando entrar a la cámara. Un número mayor f-stop como un 22, que normalmente es un máximo en una lente, significa que va a ser un iris cerrado, por lo que obviamente se está llevando menos luz. Un amplio abierto como lo llamamos lente, significa que estamos en un f-stop más bajo. Eso puede ser un 1.2 por ejemplo, en este lente, este 50 milímetros 1.4, estoy disparando a un 2.8 actualmente sobre el mínimo es 1.4. Eso es más o menos una lente de rango medio. Si se vuelven más caros, baja es el f-stop. Cada lente tiene, como dije se detiene en ella. Va de un 1.2, 1.4, 1.8, 2.8,4 ,5.6 ,8 ,16 ,22. Tu iris está más cerrado o más abierto, o menor el número, cuanto más abierto, más luz entra, mayor es el número, más cerca, menos luz. Pero la forma en que lo cambias, es cuanto menor sea el número nuevamente significa que cuanto más profundidad de campo sea. Cuanto más luz dejes entrar con apertura, menor será el f-stop, más superficial será la profundidad de campo. No obstante, cuando vayas a algo así como un F8 o un F16 o un F22, podrás ver que sí, nos estamos poniendo más en foco, pero tenemos que compensar de nuevo con esa velocidad de obturación o esa ISO para conseguir el exposición adecuada. Vamos a rodar en un 2.8, y tengo a Ferris con un poco de hojas verdes al fondo, que es un color perfecto, justo en El Cairo. Vamos a estar viendo esa diferencia de color entre este hermoso azul y ese verde y podrás ver la separación. Estamos disparando en un 50, así que ten eso en cuenta, ese es un rango medio entre un ancho y es teleobjetivo el cual estará probando. Veamos en un 50 cómo se ve esa compresión. ¿ Lo mismo? Sí, poco más bajo en la barbilla, ¿mentón más bajo? Sí, perfecto. Sí, nos llevaremos otro, genial. Podrás ver que las hojas verdes están fuera de foco y Ferris está perfectamente enfocada. El más superficial que obtenemos si bajamos a un 1.4 lo que significa que estamos dejando entrar mucha luz. Tendré que compensar. Ahora, porque tengo más luz en la cámara, puedo deshacerme de ese 320 ISO y bajar a un 160, lo que significa que los píxeles no son tan sensibles, por lo que tenemos una mejor calidad de imagen. Mantén bajo el ISO si puedes, y aún sé lo que va a ser brillante, porque solo bajé dos paradas en ISO. Voy a tener velocidad de obturación y porque no estoy haciendo nada con basada en el tiempo como una hoja en movimiento o él corriendo y no necesito captar eso. No me importa la velocidad de obturación. Voy a echar un vistazo, en la parte trasera de mi cámara, lo volado que está, y veo que se trata de una ventanilla única volada. Entonces sólo voy a voltear a una velocidad de obturación 160. Estamos en un 1.4 f-stop, un 160 en velocidad de obturación, que es uno sobre un 160, y un ISO 160 también. Veamos qué hace un 1.4, en lugar de 2A en este lente de 50 milímetros. Misma posición por favor, sí, perfecto. Genial. Como podemos ver aquí, está completamente borroso en la parte de atrás, y tenemos un muy bonito paso el campo. Mucha gente cuando empiecen a conseguir lentes nuevas, disparará de par en par abierto a pruebas completamente con eso se ve así, así que un look tan hermoso que estamos recibiendo. Poder filmar esto en cámara, a veces es difícil, porque actualmente estoy filmando con un 1.4 y quiero que Ferris esté en foco. No obstante, si hacemos zoom hacia arriba, podemos ver que los bordes de su cabello, porque eso tan superficial está fuera de foco. ¿Yo quiero eso? Yo sólo quiero la mitad de su cara y el enfoque. Entonces a eso es a lo que nuestro público que realmente se siente atraído, ¿ o quiero todo enfocado? Si lo hago, necesito detenerme. Cuanto mayor sea el número, menos luz obtenemos. A lo mejor sí me gusta ese 2.8, pero vamos a probar un cuatro. Vamos por el lado opuesto. Estamos deteniendo tres paradas, así que tres niveles y esos incrementos. Nos vamos a volver a tomar la misma foto, pero estoy disparando en manual, así que voy a tener que cambiar de nuevo mi configuración. Ahora cuando te acostumbras a esto, es realmente rápido, todo lo que hago normalmente ahora es encender mi cámara, averiguar qué estilo quiero, es base de velocidad de obturación, es base de apertura, nunca es base ISO, a menos que tenga que serlo. Entonces a partir de ahí recompensaré. Sé si lo muevo dos paradas de esta manera voy dos paradas ISO, o dos paradas velocidades de obturación. Estamos en un cuatro, lo que significa que hemos bajado tres paradas, y así vamos a tener nuestra ISO. Voy a subir de nuevo hasta 320, y voy a revisar en la parte trasera de mi cámara. Eso sigue un poco oscuro. Voy a bajar a un 125 en velocidad de obturación, así que uno sobre un 125. Entonces voy a elevar mi ISO a un 640. Si miramos eso, estamos en un buen nivel ahora mismo. Decir cerrar, por favor. Perfecto. Genial. Como podemos ver, todavía podemos conseguir ahora un poco más de forma en el fondo. A lo mejor sabemos lo que hay detrás de él en comparación con otros 1.4. Pero vemos que todo en su cara, y su cabello está enfocado. Es así como podemos mirar el estilo, y cuánta profundidad de campo queremos y la mirada artística detrás de él. Hemos mirado cómo se ven las paradas y cuánta luz vamos dejando entrar dependiendo de ellas. Hemos mostrado 1.4, 2.8 y cuatro. Pero ahora quiero mirar a distancia. ¿ Qué aspecto tiene si nos quedamos en un 2.8, el punto dulce, y vamos hacia Ferris, y regresamos de Ferris. Sí va a cambiar nuestro marco. Pero para este enfoque, queremos ver lo superficial que se pone esa profundidad de campo, cuanto más nos acercamos a él. Vamos a volver a un 2.8. Vamos a ir a una ISO 320, y vamos a mantenerla en un 125, en velocidad de obturación. Yo quiero un poco más de luz, así que sólo voy a ir a 400 ISO. Vamos a acercarnos un poco más, mi enfoque mínimo, que se puede encontrar en la parte frontal de la lente, es de 0.45 metros o un pie y medio, así que puede que solo esté como mínimo, pero vamos a revisar. Se inicia una buena práctica al mínimo, y ver dónde se enfocan los ojos. podemos ver sólo moviéndonos de ida y vuelta con eso se ve así. Ahora, que sepamos que podemos ir mínimo con él, tomemos esa foto. Voy a mudarme, voy a mudarme. Estamos en un 2.8, y podemos ver que todo está fuera de foco. Ahora bien, si se queda donde está, y luego vuelvo un poco. Tengo enfoque automático en, centrémonos en su ojo y luego re-enmarcar. Esa es siempre la forma perfecta de enfocarse. Medio clic en el ojo, re-enmarcar un poco, medio click para asegurarse de que está ahí y perfecto. Sí. Genial. Misma todo, misma configuración, misma lente incluso, pero era nuestra distancia. Ahora, estamos eligiendo con nuestro cuerpo, nuestra profundidad de campo, y cómo vamos a cambiar eso. Sí, el encuadre es diferente, pero podemos ver exactamente que 2.8, cambia mucho dependiendo de la distancia. Tenemos que empezar a mirar esa distancia, lente y f-stop. Cuánta luz estamos dejando entrar a la cámara, qué distancia estamos del sujeto y cómo se ve nuestra distancia focal. Hagamos una final, donde voy a salir de cuadro porque realmente voy a volver. Ferris va a hacer lo mismo, y yo voy a tirar hacia atrás y vamos a ver. Desde más distancia. Sí. Genial. Sí. En esta imagen podemos ver sí, está tirada un poco por la parte de atrás. Pero todavía estamos consiguiendo un agradable [inaudible], porque vemos las formas y el entorno de donde está. Pero el foco sigue atraído a su encantadora cara. 6. Enfoque: Voy a cambiar a un 50 aquí, y vamos a abrir a un dos otra vez, y vamos a conseguir unos cuantos de los mismos tiros. Vamos a jugar con él, pero podrás ver la diferencia en lo que está delante de nuestro sujeto y lo que hay detrás [inaudible], y cómo, aunque estamos en un dos, cambiamos con nuestras lentes por lo que la compresión va a ser diferente, nuestros antecedentes se van a separar un poco más, y más va a estar en foco. Hagamos un poco más lejos, hagamos un poco de cerca, y los resultados. Está bien. Mismo tipo de marco, quiero un 50, enfocándose de nuevo en sus ojos. Perfecto. Sí. Entonces voy a hacer el rodaje a través, centrándome de nuevo en él. Como puedes ver, está más lejos que el 85 por lo que habrá menos distorsión frente a la lente. Aquí vamos a disparar el tiro inferior. Una vez más, está más lejos porque estamos en una lente más ancha que la 85. Entonces sólo vamos a hacer la recta en una derecha al lado de la cámara, así que intenta conseguir esa profundidad. ¿ Podemos dar un paso así, por favor? Sí. Perfecto. Genial. A pesar de que todavía estamos en un dos, qué tan diferente es el enfoque en segundo plano versus el primer plano frente a sus rasgos, cuánto están enfocados. Ese es un ejemplo de compresión de lentes y cómo eso altera tu profundidad de campo. Cuanto más cerca te muevas, una vez más, más superficial será la profundidad del campo. Cuanto más larga sea la lente, más profundidad del campo. Si eres [inaudible] que quieres ramo realmente superficial en la parte de atrás, entonces lo que queremos hacer es quizá ir en una lente más larga, en una 85 o 100 o en la lente 70-200. Nos maximizamos al 200, y luego no conseguimos forma detrás de él, pero obtenemos ese color y obtenemos la luz. Si queremos un poco más ancho pero tal vez ligeramente tirado, ve a un 35 o un 50, elige tu distancia, elige tu marco, y prueba qué f-stop te gusta. A lo mejor es un bidireccional, tal vez sea un 1/4, o tal vez sea un 16, donde podamos conseguir todo en su entorno. Es brillante cuando podemos cambiar nuestro f-stop por el medio ambiente y alterar por completo nuestra percepción de cómo se toma esa fotografía. Si vamos más someros, desconocíamos el fondo, pero si vamos en un 16 o incluso un 22, todo está enfocado. Cambia por completo el aspecto de cada foto para nuestro público. Los pone en contexto o los tira fuera de él, y esa es la belleza de la profundidad de campo. 7. Lentes de vintage y Bokeh: Entonces ahora solo por diversión, quería sacar una de mis lentes vintage, que es la Helios 44-2. Esto se hizo en la URSS y tiene lo que llamamos defecto de lente, a pesar de que esa es la razón entera por la que lo compramos hoy en día. Puedes comprarlo por unos 15 dólares y es una lente de 58 milímetros, una f2. Produce un bokeh increíble en el fondo, por lo que es famoso, como dije. Es porque las cuchillas de apertura vienen para formar un tamaño diferente, lo que significa que tu bokeh en el fondo también tiene una forma diferente. Entonces echemos un vistazo. Traeremos nuestro modelo y tomaremos algunas fotos diferentes y podrás ver cómo podemos ponernos creativos con diferentes lentes más allá de la compresión de lentes. Genial. Traigamos a nuestro modelo. Entonces hemos vuelto a traer a Ferris y vamos a estar viendo qué ajustes empiezo. Por lo que automáticamente encendí mi cámara y estamos a plena luz del día. No es ideal porque tenemos cielos azules, significa que es luz solar dura y luego sombras realmente oscuras. El mejor momento para rodar es cuando está nublado si estás haciendo fotografía de retrato o durante la hora dorada, por supuesto, así que amanecer, puesta del sol. Por lo que encendí mi cámara automáticamente. Voy a 160 ISO para mantenerlo absolutamente lo más bajo posible, porque como hablamos, menor sea la ISO, mejor será la calidad de imagen. Cuando estás rodando en Raw es perfecto porque más adelante vas a querer jugar con eso. Entonces estamos en una ISO 160. De nuevo, no me importan las velocidades de cómo estamos tomando la foto. Me importa que haya pasado uno más de 125 de segundo porque quiero sujetarlo de la mano y no quiero que se borre. Actualmente, es en 1000, así que uno, una milésima de segundo que está capturando. Con esto, se oscurecerá porque la menor cantidad de tiempo que dejemos entrar la luz, por supuesto, más oscura es. Entonces sé que quiero en esta lente porque funciona perfectamente en un 2-8. Entonces puse lo más bajo como un f2 así que cuando vayamos a un 2-8, vamos a conseguir esa distancia y profundidad de campo perfectas detrás de nuestro modelo aquí, y podremos ver cómo lo rodea el bokeh y llama la atención hacia el público automáticamente. Entonces lo tengo en 1000, ISO 160, y 2-8. Ahora esta es una lente manual, por supuesto, así que tenemos que tomarnos nuestro tiempo porque es vidrio vintage, lo que significa que es más suave. Entonces hagamos una toma de prueba. Genial. Ya podemos empezar a ver que detrás de él aquí con nuestros antecedentes se está consiguiendo un bokeh remolino, lo que significa que automáticamente una vez más, nuestro ojo se dirige hacia él. Es hermoso cuando somos capaces de jugar con textura y distancia con este lente. Por lo que obviamente esto está a su lado, estará más enfocado. Estos están atrás y luego incluso tenemos otra capa aquí. Entonces con eso, somos capaces de encontrar profundidad dentro de nuestras imágenes además de nuestra luz. Así que ten eso en cuenta cuando estés disparando con algo como esto. Intentemos eso otra vez. Quitemos las gafas de sol. Perfecto. Genial. Ahora vamos a intentar disparar realmente con una distancia aquí. Entonces este tipo, obviamente, va a estar sobreexpuesto. Barbilla abajo un poco. Mirando hacia la distancia. Genial. Lo bueno de las lentes manuales es que sientes que tienes un control completo. Por supuesto que estamos grabando en manual, pero además con una lente manual, realmente somos capaces de ver cómo se siente eso y es una gran cosa poder operar tu propia cámara así. Intentemos dar medio paso adelante. Hagamos más distancia detrás de él. Entonces porque estoy en una profundidad de campo poco profunda, va a ser un tirón muy fino entre lo que está enfocado y lo que no. Por ejemplo, ahora porque lo he jalado hacia adelante, tenemos un poco más de separación entre la primera capa aquí. Entonces vamos a ver cómo se ve eso. Tan lindo. Enfrentémonos así. Sí, exactamente. Inclina la barbilla hacia arriba porque queremos ver un poco más la luz en tu cara. Ahora nos estamos centrando en eso. Entonces si bajo a 640th de segundo, eso es 640th de segundo, realidad voy a filmar cuál es mi punto de vista cuando estoy sacando esta foto. Para que puedas ver. Entonces voy a grabar realmente lo que estamos viendo en cámara. He bajado a uno más de 160 de segundo. Se puede ver lo fino que está ese tirón de enfoque en su profundidad de campo. Por lo que hay que tener mucho cuidado para asegurarnos de que sus ojos estén enfocados. Entonces cuando hacemos eso, puede ver ya de fondo cómo cambia ese bokeh en función la distancia de distancia y cómo se está arremolinando específicamente en el lado izquierdo con las flores. Entonces tomemos esa foto. Genial. Yo sólo voy a ir un poco más oscuro, la pausa. Yo puedo subir los niveles en su cara. Nosotros sólo queremos deshacernos de todas esas sombras, claro. Perfecto. Hagamos un retrato así. Vuelve a dar medio paso adelante. Perfecto. Pongamos esos niveles ahí dentro. Algo realmente divertido, si retrocedemos aquí, Ferris, si solo entras y tal vez te metes justo en esto aquí. Sí, y tú te enfrentas a mí. Enfréntame de esta manera. Perfecto. Sí, perfecto. Voy a ir en mínimo, que en realidad es de 0.5 metros. Entonces vamos a ver. A ver si conseguimos mucho espacio atrás. Vamos a cambiar 2.7. Sí. Perfecto. Estamos un poco brillantes, así que quiero enfrentarlo lejos de la luz por un segundo. Entonces Ferris, ¿puedes por favor pasar por aquí? He cambiado un poco la posición de Ferris porque es genial. Vamos a jugar realmente con esto. Por lo que este es un gran ejemplo de cómo nuestro entorno realmente puede realzar nuestras fotos. Por lo que conocemos los remolinos; tenemos un bokeh remolino. Entonces en la parte de atrás en realidad, tenemos sucursales que están viniendo. Entonces veamos cómo podemos ponernos creativos aquí. Seguimos en un 2-8 en esta lente, fueron 500 de segundo ahora mismo. Entonces probemos esto. Voy a tratar de estar en un 0.8 metros para enfocar, así que vamos a ver a dónde nos trae eso. Genial. Voy a retroceder sólo un poco. Probemos un poco de profundidad aquí. Perfecto. Mucho mejor. Vas a mirar justo a la cámara. Sí, perfecto. Mantén esos ojos. Sí. El motivo por el que estoy haciendo este ángulo es porque realmente queremos esas ramas en la parte de atrás y me encanta ese look. No sé qué piensan ustedes, pero creo que eso es fantástico. Entonces si echamos un vistazo, mira lo bien que está este tirón de enfoque. Eso apenas lo está moviendo. Pero mira esa profundidad. Mira esa profundidad. Es hermoso. Ese es sólo un ejemplo de cómo realmente podemos jugar con nuestras lentes. Sí, tenemos compresión de lentes, pero es importante, sobre todo con lentes vintage, que son muy divertidas para jugar, que el cristal interior también sea vintage. Cambiará el resplandor, cambiará la profundidad de campo, y la interacción con la distancia probablemente también cambie. Entonces es importante, pero sí, estamos prestando atención a la distancia focal. Nuevamente, cuanto más larga sea la lente, más compresión, el fondo viene hacia ti, las características faciales retroceden un poco. Cuanto más ancha sea la lente, menos profundidad de campo y los rasgos faciales salen de ella. Por lo que es importante realmente investigar y observar lo que está funcionando sobre estas lentes vintage y cómo puedes ser creativo con tu profundidad de campo y las formas. Entonces ese es un gran ejemplo de cómo una lente vintage puede ayudarte a sacar tu profundidad de campo. 8. Comprar lentes: Ya hemos mirado la exposición y la compresión de lentes en un entorno práctico. Ahora es importante mirar qué lentes realmente necesitamos en nuestra bolsa para empezar. Saber qué lente es empezar, lo mejor te ayudará a comenzar a desarrollar tu propio conjunto de habilidades. Hemos mirado un 50 y luego 85, dos de mis longitudes focales favoritas. Pero ya has podido ver cómo se ve esa profundidad de campo en una distancia focal más larga versus una media. ¿ Qué es importante para nosotros para nuestro look? como dije antes, es más importante que tengas tu tema dentro del ambiente, todo en foco? O es más importante para ti tener una profundidad de campo poco profunda detrás de tu sujeto para tirar todo y simplemente tener el foco en ellos. A pesar de que quizá quieras hacer ambas cosas, tenemos que ver con qué podemos empezar, el presupuesto que tenemos y hacer de las cosas una prioridad? ¿ Qué aspecto tiene eso? Como dije, un 15,85 son dos de mis longitudes focales favoritas. Normalmente un kit de cámara puede venir con un 18 a 55 o de 24 a 105, o con algún objetivo de zoom de largo alcance. Es donde conseguirías una lente de primer nivel. Recuerda que los primos son de longitud focal fija y los zooms tienen múltiples longitudes focales. Empezarán en un ancho y luego irán al teleobjetivo o al [inaudible]. Empecé con un 18 a 55, y un 50 milímetros, 1.8 lentes fantásticas que realmente me hicieron empezar, porque en ese momento no sabía que una distancia focal más larga, tenía alguna diferencia en comparación con un molino de 50 o un 24 molino. En realidad no me estaba poniendo tan creativo como pude tener con mi propio estilo. Fue sólo hasta más tarde que aprendí que cuanto más larga sea la distancia focal, esta profundidad más superficial del campo, el enfoque de la lección pero más presionan las características con compresión de lente. En mi experiencia, comenzaría con definitivamente ese 50 milímetros 1.8. Es una lente hermosa, con un gran perfil de color, y es muy económica. Son alrededor de 50 a 75 dólares, y siempre me encanta acostumbrarme a las cosas, así que es una gran lente para empezar porque tiene ese f-stop bajo en un 1.8. Si recordamos cuanto menor sea el f-stop, más luz entrante. Pero a su vez, para la creatividad, lo más superficial, la profundidad del campo. El 50, es poco más de lo que ve el ojo humano por lo que es una lente de retrato muy real. También con esa prima, esa lente de 50 milímetros, es importante, creo que tener un zoom ya sea un 18 a 135, o un 24 a 105. Empezar con una lente todo alrededor que puedes llevar contigo de vacaciones y no tienes que preocuparte por cambiarla, te ayuda a conseguir práctica al empezar a mirar esto y enmarcarlo. Normalmente en los lentes de zoom, cuanto más baratos sean, mayor será el inicio de la f-stop. En las lentes de arranque muy principiante, el 18 al 55, por ejemplo, tiene un rango de un 4 a un 5.6. Eso significa que a medida que acercas, la distancia focal aumenta en realidad, por lo que no estás diciendo a una profundidad de campo poco profunda cuando entras. Pero eso está bien porque con la compresión de Lens, seguirá siendo más superficial cuando vayas a un 105 frente a un 24. Pero si estás mirando algo en el medio, veamos primero cuál es tu composición y look. ¿ Cuál es el entorno en el que mayormente vas a estar rodando? Tener el rango más amplio para longitudes focales dentro de un zoom es beneficioso para descubrir tu propio look. Un 24 a 105, o un zoom específico que cubra ese rango, es genial. Muchas de las lentes de arranque, tendrán un rango, lo que significa que cuanto más acerques, mayor es el f-stop mínimo, por lo que nunca es continuo en toda la lente. El motivo por el que los lentes de zoom en realidad iniciaron un F-stop más alto y no van a un punto como un 50 milímetro, es porque es una lente más larga. medida que entra la luz, pierdes paradas de luz hasta que golpea tu sensor. Creo que un prime y un zoom son la fórmula perfecta para empezar a construir y desarrollar tu propio look, descubriendo qué profundidad de campo puede hacer. A 50 milímetros 1.8, mantiene tu profundidad de campo baja, te permite jugar con enfoque mínimo, creo que es un 0.45 metros, y luego te permite también cambiar al zoom para jugar entre un 24,50,85, y finalmente un 100 milímetros. Puedes explorarlo fácilmente o puedes llevártelo contigo. Se trata de una lente todo alrededor y todavía le permite obtener esa profundidad de campo cuando lo desee. Te imaginas a ti mismo y lo que planeas estar haciendo durante tus primeros meses o años en fotografía, y mira cómo vas a estar construyendo tu propio conjunto de lentes. Es importante tenerlo en cuenta porque la fotografía es cara. Queremos asegurarnos de que estamos invirtiendo en el engranaje adecuado para nuestro look. 9. Envoltura: Eso ha sido Bokeh 101, espero que hayas aprendido no sólo sobre los recordatorios de los principios de la fotografía y el triángulo de exposición, apertura, ISO y velocidad de obturación, sino el enfoque en la apertura misma y cómo que la expresión entre apertura y Bokeh están relacionadas. Debe ser una decisión que estamos tomando para controlar esa creatividad y tener nuestro propio estilo dentro de nuestras fotografías. Si tiene alguna pregunta, por favor comente a continuación, y si desea algún comentario sobre sus fotos relativas a la profundidad de campo o cualquier otra cosa, no dude en publicarlas en proyectos. Para más de mis clases que tratan con conjuntos de habilidades básicas a intermedias, visita mi página de perfil de profesor, y espero que hayas disfrutado del Bokeh 101. Gracias.