Ilustración gouache: pinta una escena de tu película favorita

1. Introducción: Me encantan las películas y los programas de televisión. Son emocionantes e inspiradores y son la forma perfecta de practicar el trabajo narrativo y de ilustración. Durante el último año, comencé a hacer mis propias pinturas a partir de mis películas y programas de televisión favoritos. Me pareció que esto era una forma realmente gratificante, interesante y emocionante de practicar técnicas de gouache e ilustración. Hola, soy Madison Moore. Soy escritor, creador, e ilustrador. También dirijo una tienda en línea bajo el nombre The Girl And The Lamb. Llevo unos cinco años usando el gouache como mi medio primario. Pero también me gusta tomar un enfoque mediático realmente mixto para la ilustración, lo que significa que uso técnicas digitales, marcadores de acuarela, lápices de colores, pasteles, cualquier cosa en todo mi trabajo. Tengo ojo para la narrativa en todo lo que estoy haciendo y me encanta usar colores brillantes. Estudié Bellas Artes en la universidad, pero realmente no encontré mi nicho hasta que empecé a trabajar en ilustración. También soy fabricante, lo que significa que me gusta trabajar con textiles y cerámicas. Me encantan mis cuadernos de bocetos y casi todas mis ideas empiezan por ahí. También estoy muy involucrado en el mundo del libro infantil. Tengo dos libros que se publican en el próximo par de años, y también soy editor. En esta clase, vas a aprender a hacer una ilustración completa de principio a fin. Doy la bienvenida a todos los niveles de habilidad para unirse a mí. Ya sea que sea la primera vez que recoges gouache, o que seas un ilustrador experimentado, nos moveremos juntos paso a paso mientras exploramos por qué las escenas de películas son los temas perfectos para la práctica. Cubriremos una visión general de gouache, cómo enfrentar la página en blanco y dibujar un boceto en bruto, cómo refinar tu boceto en bruto y, por último, cómo unir todo en una sola ilustración final. El proyecto de clase estará creando esa ilustración final, pero también realmente valoré el proceso. Te voy a animar a publicar fotos de tu trabajo en diferentes etapas, y nos meteremos en eso un poco más después. Una de las mejores partes de este proyecto es que puedes repetirlo tantas veces como quieras, pero hay muchas películas como quieras y siempre va a ser una práctica increíble. Estarás trabajando en ambiente, iluminación, carácter, emociones, relaciones, fondos, cosas que son todas altamente transferibles sin importar la ilustración que quieras estar haciendo en el futuro. La gente se conectará con tu trabajo si ya tienen una conexión con la película de la que estás pintando. Pinté una escena de Judas y el Mesías Negro, y la actriz principal de la película vio el cuadro, me envió un mensaje en Instagram e incluso llegué a enviarle una huella. Fue una manera tan emocionante de saber que la gente se conectaba con mi trabajo. He tenido respuestas igualmente excitables de otras personas que disfrutaron de las películas que he pintado. Una gran parte de hacer arte es tomar decisiones. Llegas a decidir cada pequeño detalle de tu ilustración. Esto es parte de la magia de hacer arte, pero también puede ser realmente abrumador. En esta clase voy a hacertodo lo posible para mover las cosas paso a paso, pieza por pieza, para que fácilmente puedas seguirte y llegar hasta ese último cuadro de pitido todo lo posible para mover las cosas paso a paso, pieza por pieza, para que fácilmente puedas seguirte y llegar hasta completo sin frustración alguna, y sé que te va a encantar esa pieza final. Estoy tan contenta de que estés aquí. Gracias por acompañarme y empecemos. 2. El proyecto de clase: Estoy muy emocionado de presentar nuestro proyecto para esta clase. Vas a estar haciendo una ilustración basada en un gorro de pantalla de película que tú mismo seleccionas. Pero quiero mencionar que el proceso es súper importante para mí. Para tener éxito en esta clase, debes valorar cada paso, cada lección tanto como valoras ese proyecto final. Para incentivar esto, nuestro proyecto tiene unos pasos diferentes que debes seguir antes de llegar a esa pieza final. En primer lugar, puedes publicar tu gorro de pantalla final después de que lo seleccionemos juntos. Eso es como la imagen real de la película o del programa de televisión, fin de simplemente mostrar a la gente por dónde estás empezando y desde qué estás trabajando. Entonces tu primer paso oficial del proyecto va a ser publicar tu boceto aproximado tras la lección número 6. Publicar un boceto en bruto es solo un gran punto de partida y alienta a otras personas a trabajar más allá de su miedo a la página en blanco, que hablaremos más adelante. También te da solo una base para mostrar lo lejos que llegas desde tu boceto en bruto hasta tu dibujo de líneas, hasta tu ilustración final. Relacionado con eso, tu segunda parte de tu proyecto va a ser publicar tu dibujo final de línea, que va a venir después de la lección 8. Eso va a ser después de que hayamos trabajado en nuestro boceto en bruto hasta que sea exactamente como queremos representar la escena, y vas a publicar ese dibujo de línea para mostrar realmente tu progreso y mostrar tu imagen antes, antes de añadir cualquier color. Por último, vas a publicar esa ilustración final de sangría completa de la que vas a estar tan orgulloso y estoy tan emocionado de ver. A medida que sigas en cada lección, va a quedar muy claro cuándo necesitas publicar los pasos de tus proyectos, y estoy tan emocionado de ir por este viaje contigo. Gracias por estar aquí y empecemos. 3. Materiales y herramientas: Hola, Empecemos a hablar de materiales. Como saben, esta clase se va a centrar en el gouache, pero una de las grandes partes de este proyecto es que se me puede hacer en cualquier material incluso digitalmente. Te voy a mostrar cómo me gusta trabajar, pero te animo a usar las herramientas que prefieras a la hora de hacer este proyecto. En primer lugar hablemos de papel. Vas a necesitar algún papel de boceto que no sientas ninguna presión para usar algo que sea realmente de poca clave solo para nuestros bocetos básicos. Voy a estar usando mi cuaderno de bocetos, que tiene papel blanco de 65 libras, pero incluso puedes usar papel de impresora para esta etapa. Entonces vas a necesitar un poco de papel de acuarela. Me gusta usar Arches prensa caliente papel acuarela. Creo que el papel de acuarela es mejor que el papel de medio mixto para gouache, pero el papel de medios mixtos también definitivamente funciona. Me gusta el papel de prensa caliente porque solo tiene un poco menos de textura, que prefiero. Entonces vas a necesitar algún papel de calco para nuestro proceso de boceto y una caja de luz. El papel de rastreo está realmente ampliamente disponible. Si no tienes una caja de luz, incluso puedes usar algo igual que una ventana brillante, pero vamos a necesitar cosas que puedas poner uno encima del otro, y estas dos herramientas son las que me pareció mejor. También puedes usar Procreate si te gusta trabajar digitalmente. También entonces uso una pequeña cinta washi porque gusta pegarme los bordes de mi pintura cuando empiezo a pintar. Pero eso obviamente no es un requisito. Es sólo algo que me gusta hacer para mantener el cuadro un poco más limpio. Entonces cuando nos metamos en la pintura real, vas a necesitar gouache. Me gusta usar tanto gouache acrílico como gouache tradicional. El gouache acrílico no se volverá a mojar después de que se seque donde el gouache tradicional lo hará. También solo tienen un look ligeramente diferente cuando se han secado y hablaremos de eso un poco más en la siguiente lección. Mi marca preferida es Holbein. Lo uso tanto para gouache acrílico como tradicional. Simplemente creo que es realmente genial, pero también es una marca muy cara. No hay necesidad de usar eso si esta es tu primera vez usando gouache o si solo estás tratando de hacer o practicar la pintura. Cuando estoy pintando en mi cuaderno de bocetos, suelo usar arteza gouache, que es una marca de principiante genial, amigable con el precio y realmente funciona muy bien y hay una gran variedad de colores. Ahí empezaría si eres principiante y me verás usando eso un poco también cuando lleguemos a la siguiente lección. Entonces vas a necesitar pinceles de pintura. Me gusta usar pinceles de pintura recién escogidos individualmente que he reunido a lo largo de los años sin marca especial, pero uso unos pinceles de detalle redondo diferentes y luego unos shaders angulados y redondos. También tengo un pincel de acuarela más grande que me gusta usar para lavados pero realmente cualquier tipo de pincel o cualquier cepillo que estés cómodo usando va a funcionar bien. Ahí no se necesita nada específico. Por último, vas a necesitar sólo un frasco de agua. En realidad uso dos frascos porque me gusta mantener un poco más claro uno de los frascos de agua para seguir usando en el gouache. También vas a necesitar una toalla de papel o algo para limpiar tu pincel y una paleta. Me gusta usar una paleta que no tiene divisiones porque prefiero simplemente mezclar todos los colores juntos. Me permite obtener una paleta de colores más armoniosa dentro de una sola pintura. También prefiero usar paletas de cerámica, pero la que voy a usar hoy es de plástico y eso está totalmente bien. Sólo algo para mezclar tu pintura. Por último, me gusta usar un montón de diferentes materiales tradicionales encima de mi gouache al final solo por textura y detalle. Primeramente eso son lápices de colores. Utilizo mayormente Prismacolor, y también tengo un par de prismacolors muy delgados los cuales tienen plomo un poco más duro y son realmente buenos para detalles en caras y cosas así. También tengo un par lápices de colores Luminance son un poco más caros así que solo tengo unos pocos colores, pero tienen una textura realmente bonita y se pueden utilizar de diversas maneras. Por último, tengo algunos crayones de cera solubles en agua Caran d'Ache. Estos son realmente geniales para usar encima de literalmente cualquier material porque simplemente se sientan encima de todo y se pueden usar en seco o se pueden usar en húmedo. Simplemente tienen una textura realmente única en ambos sentidos. Me encanta usarlo y creo que es solo una gran cosita suplementaria para agregar al final. Obviamente no se requiere ninguna de esas últimas cosas, pero me vas a ver usándolas y creo que al final agregan algo realmente especial a mi trabajo. Eso es todo lo que vas a necesitar. Adelante y recoge tus suministros y empecemos a hablar de gouache. 4. Descripción general del gouache: Ahora que hemos reunido nuestros materiales, vamos a empezar a hablar de gouache. Gouache es mi medio favorito para pintar y sólo vamos a discutir algunos fundamentos, cosas que he aprendido y darle una visión básica. A mí me gusta pensar en el gouache como algo que está un poco entre la pintura acrílica y la pintura de color agua. Es soluble en agua, lo que significa que puedes agregarle agua para cambiar su consistencia. La consistencia es algo que vamos a revisar muy de cerca porque creo que es la clave para averiguar cómo usar el gouache, y usarlo de una manera que te guste y que te convenga. Básicamente puedes seguir agregando agua al gouache. Cuanto más añadas, más transparente y delgada será, y actuará un poco más como una acuarela. O puedes usar una recta fuera del tubo y va a ser más gruesa y más opaca y tal vez se asemeje un poco más como un acrílico, pero se seca muy mate y eso se lo agradezco. Como mencioné, el gouache tradicional después de que se seque, puedes agregarle agua de nuevo y seguir usándola. Si secas el gouache tradicional en una paleta, agregas agua y puedes seguir usándola sin problema, cual es genial porque entonces no tienes que desperdiciar ninguna pintura. Pero también es algo un poco a tener en cuenta porque, si lo pones en tu pintura y luego vuelves con un pincel mojado, y otro color o simplemente un pincel mojado en general, empezarás a recoger ese color de nuevo fuera de la página . Gouache acrílico cuando lo pones y cuando se seca, no se reactiva, por lo que no puedes agregarle agua para que vuelva a funcionar. Lo que sea que se seque en tu paleta, se ha ido, ya no puedes usarlo. Pero cualquier cosa que pongas en la página será permanente lo cual es bonito, sobre todo creo que cuando estás trabajando con colores realmente oscuros. Esas son las dos diferencias principales. También se secan un poco diferente. Se ven un poco diferentes, se comportan un poco diferentes, pero la principal diferencia es justo cómo reaccionan al agua. Hola, este es VoiceOver Madison en el escritorio aquí para realmente empezar a usar gouache. Tenemos estas tres variedades de las que hablamos. Todo el acrílico Bain, todo el tradicional Bain, y el tradicional Arteza, y voy a pasar y usar cada uno. Todos son colores similares para que podamos compararlos fácilmente, y vamos a hablar mucho de consistencia y agua y todo así. Directamente del tubo, gouache acrílico es un poco más delgado que los otros dos que te darás cuenta, pero básicamente voy a empezar directamente del tubo, poner una muestra hacia abajo y luego voy a añadir poco más agua para que podamos ver qué tan diferente se puede usar la pintura con sólo la adición de agua. Para la primera muestra como dije, eso fue directamente del tubo. Esta segunda muestra, sumergí mi cepillo una vez en el agua. Tan solo un chapuzón rápido que permitió que unas gotas se mezclaran con la pintura y luego pongo una segunda muestra. Nuevamente, sumerjo el pincel, pongo la tercera muestra y así sucesivamente y así sucesivamente. Solo estoy agregando un pequeño pincel vale agua cada vez, que son solo unas gotas, no es mucho y luego para la muestra final, estoy agregando tanta agua como pueda sin perder el color, así que es tan delgada como absolutamente posible. Ni siquiera lo sumergí de nuevo en la pintura la paleta y luego voy a despejar mi pincel y volverlo a hacer con las otras dos marcas. Prefiero usar el gouache alrededor de esa segunda consistencia. Sólo después de haber sumergido el cepillo una vez en el agua. Esto no es absoluto. Dependiendo de lo que esté pintando, usaré diferentes consistencias. Por ejemplo, a veces me gusta empezar con un gouache lo que significa que usaré una capa realmente delgada de un color solo para que esté pintando de un color en lugar de pintar del papel blanco, o a veces si necesito algo para sentirse completamente opaco, usaré la pintura directamente del tubo. Pero mi opacidad preferida y mi textura preferida viene con sólo esa inmersión en el agua. Obviamente, tendrás que meterte con esta proporción dependiendo de la cantidad de pintura que estés usando. Creo que el uno dip funciona bien con solo una pequeña dollop de pintura, pero si estás pintando un área más grande y necesitas mucho de un color, obviamente tendrás que usar un poco más de agua para llegar a esa misma consistencia. Ya se puede decir que el gouache acrílico tiene un aspecto un poco más mate incluso que el gouache tradicional por lo que me gusta, pero los tres tienen un tono mate similar y todos reaccionan de la misma manera al agua mientras están mojados. Ya verás aquí que puedo agregar la misma cantidad de agua a las tres marcas y estoy obteniendo la misma textura y la misma opacidad. Como puedes ver aquí, las pinturas siguen mojadas y puedes ver lo hermosa que es la variedad que puedes obtener de gouache. Entonces cuando está seco, se puede ver lo mate que es y se puede empezar a ver alguna de la diferencia entre el lavado tradicional y el acrílico, sobre todo que el lavado tradicional es mucho más grueso fuera del tubo. Por último al final de esta lección, ahora que tenemos las muestras secas en diferentes consistencias, solo quiero mostrarles algunos de los experimentos que se pueden hacer con el estratificación y con diferentes materiales. Porque el gouache es opaco cuando sale del tubo, puedes ponerlo encima de cualquier cosa y seguirá apareciendo. Puedes ponerlo encima de gouache húmedo, puedes ponerlo encima de gouache seco, puedes mezclar juntos en la página, y solo hay tanto que puedes hacer. Por ejemplo, aquí, pongo gouache mucho más grueso sobre algo del gouache más delgado en la parte inferior y ahora voy a añadir lápiz de color. Lápiz de color va por encima de cualquier consistencia de gouache. Si es una consistencia más gruesa, a veces el plomo podría cavar en la pintura, así que eso es algo de lo que tener cuidado, pero funciona súper, súper bien juntos. Creo que si estás planeando usar lápices de colores o cualquier otro de los suministros extra de los que hablé, realmente valdría la pena para ti también hacer un gráfico de muestras como este y hacer un poco de experimentar con los materiales juntos antes de llegar a esa ilustración final. Sólo porque saber cómo funciona tu medio a lo mejor de tu capacidad va a dar sus frutos cuando sea el momento de armar todo. De nuevo, creo que a estos pasteles de cera les va bien con gouache porque puedes mojarlos y conseguir que se mezclen con el gouache, porque el gouache tradicional despertará cuando empiece a agregar agua a los pasteles de cera, también le va a agregar agua al gouache y tal vez algo de ese azul y ese rosa se mezclarán. Entonces por otro lado, sobre el lado acrílico, eso sólo se va a quedar exactamente como lo pongo abajo, que podría ser lo que lo estés buscando dependiendo de lo que estés pintando. Ahora podemos echar un vistazo un poco más de cerca a esto y solo ver cuán bellamente pueden mezclarse todos estos materiales. Espero que este haya sido un resumen útil y es hora de elegir nuestro gorro de pantalla. 5. Elige tu screencap: Ahora, es el momento de seleccionar una película o programa de televisión para ilustrar. Esta es una de las partes más emocionantes porque hay tantas opciones que puedes elegir. Pero quizá quieras considerar algunas cosas como tu pasión. Quieres elegir algo que te haya gustado ver para que disfrutes de pintar a partir de él. A lo mejor sólo te ha encantado esta película para siempre, tal vez sea tu favorita, o tal vez simplemente realmente te encantó el diseño de personajes o el diseño de escenografía, algo así, esas son todas grandes razones para elegir una película. También se quiere considerar el género y el tono de la película. Si estás eligiendo algo aterrador o dramático, probablemente vas a estar usando colores más oscuros o malhumorados a diferencia de algo que es un romance o una comedia. Asegúrate de tener en cuenta qué tono quieres que tenga tu pintura y eliges una película en consecuencia. También es muy posible hacer animación o acción en vivo. Es un poco de una experiencia diferente, pero ambas son geniales y he hecho ambas. Eso es algo que también puedes tener en cuenta un poco. He decidido que voy a pintar del Reino Moonrise de Wes Anderson. Es una película que he amado desde el bachillerato. Es realmente divertido. Ya he hecho una gorra de pantalla de la película y me he emocionado hacer otra. Quiero hablar un poco de intención y también de los niveles de habilidad. Ahora que tienes una película, necesitas pensar un poco más en qué escena, qué gorro de pantalla individual real quieres estar pintando. Si es una película que conoces muy bien, tal vez ya te estás imaginando la escena. Pero realmente, lo que me gusta hacer y cómo me gusta elegir está basado en lo que quiero hacer ese día. Si estoy haciendo este cuadro para practicar, entonces voy a estar eligiendo algo diferente a si estoy haciendo este cuadro para llenar mi portafolio. Cualquiera que sea tu razón para hacer este cuadro, haz que sea una consideración ya que empezamos a seleccionar el tapón de pantalla. También querrás pensar en tu nivel de habilidad. Si esta es tu primera vez que usas gouache, quizás no quieras escoger la escena más complicada que tiene 10 personajes, está en un fondo complicado, etc. Quizás solo quieras elegir algo que tenga un principal punto focal y eso es un poco más sencillo. Relacionado, si de verdad quieres trabajar en la emoción, entonces tal vez vas a escoger algo que sea un cierre de uno o dos rostros del personaje. Pero si quieres trabajar en medio ambiente, tal vez escojas un tiro ancho que tenga mucho fondo. De verdad, solo puedes adaptar esto a cualquiera que sea tu intención y solo necesitas tomarte un momento ahora para establecer eso. Pensando en mis intenciones aquí, quiero pintar algo que va a ser visualmente llamativo y emocionante para atraer a la gente a esta clase. También quiero escoger algo que es retrata las relaciones. Yo quiero que muestre que más de un personaje está interactuando juntos para que pueda practicar ese lenguaje visual en la cara de alguien. También quiero escoger algo que va a tener mucho detalle porque la atención al detalle es algo en lo que he estado trabajando mucho en mi práctica. Esas son mis intenciones ahora mismo y nos vamos a pasar a la computadora, y te voy a mostrar cómo puedes encontrar un gorro de pantalla además de seleccionar el mío propio. También quiero mencionar que si tu objetivo para este ejercicio es traspasar tus límites, entonces te animo totalmente a que elijas un gorro de pantalla más complicado. Solo quiero que te tomes un momento y te asegures de que sepas cuáles son tus metas e intenciones para que estés feliz y satisfecho con tu proyecto final. Encontrar un gorro de pantalla podría llevar algún tiempo, pero es bastante sencillo. Por un lado, si tienes acceso a la película que elegiste, puedes volver a verla y buscar posibles candidatos, que significa pausar y tomar capturas de pantalla para tu referencia. Todas o la mayoría de las películas tienen todos sus marcos publicados en línea. Yo sólo voy a buscarlo. Después usando un sitio de hospedaje de fotos, voy a vadear a través de marcos para encontrar lo que quiero usar. Algunos de estos sitios solo tienen destacados, algunas de las películas mejores fotogramas, y algunas de ellas tienen cada fotograma de toda la película. Ayuda y es más eficiente si tienes un buen sentido de cómo progresa la película para que puedas saltarte adelante a la parte en la que estás pensando. Pero si olvidas la película o quieres considerar todas tus opciones, puedes ir por las escenas fotograma a fotograma, justo lo que tengas tiempo para ella y lo que prefieras hacer. Este es el tapón de pantalla que recogí. Tenía en mente esta escena porque viene después del clímax de la película. Creo que tiene un aire majestuoso y triunfante al que me gustaría tratar de captar en mi cuadro. Creo que también sólo va a ser un montón de diversión para trabajar. Siéntete libre de publicar el gorro de pantalla que elegiste en el tablero de proyectos si quieres, solo para empezar eso. Ahora vamos a empezar a hablar de nuestro boceto áspero. 6. Boceto aproximado: Oficialmente vamos a estar iniciando ahora nuestra ilustración con un boceto en bruto. En ocasiones esta puede ser la parte más aterradora. Estás frente a una página en blanco. No estás seguro de cómo va a salir el dibujo. Podrían estar nerviosos. Utilizo un proceso de bosquejo que me permite deshacerme de todo ese miedo y de toda esa ansiedad. Creo que a veces nos presionamos para que las cosas sean perfectas la primera vez y eso es totalmente innecesario. Con el proceso de bocetos que vamos a utilizar hoy, vas a poder hacer múltiples versiones o iteraciones de tu boceto hasta que sea exactamente como tú quieres que sea haciendo pequeñas mejoras cada vez en lugar de esperar que lo haga bien y sea perfecto de inmediato. El modo de empezar esto es solo con un boceto en bruto. A veces llamo a esto un boceto feo. Básicamente, todo lo que tienes que hacer es poner algunas formas. Simplemente pon algunas marcas en la página que indiquen cómo se ve tu gorro de pantalla. No tiene por qué tener caras, no tiene que tener ningún detalle, puede ser solo las formas geométricas más ásperas si quieres. Si te sientes realmente nervioso, solo te recomiendo ir lo más suelto posible. Porque ya he hecho algunos screencaps antes, creo que me voy a sacar un poco más en mi boceto rudo, pero todavía va a ser tan básico. Simplemente va a estar bajando marcas en la página. Vamos a pasar a la mesa y empezar eso. Estoy dibujando mi boceto en mi cuaderno de bocetos como hablamos en la sección de materiales. Aquí se puede ver el screencap que escogí. Voy a estar mirándolo todo el tiempo. Yo quiero hacer algunas cosas que me van a animar sólo a mantenerlo áspero. Por una parte, estoy dibujando con un lápiz realmente diminuto. Esta es una cosa extraña y peculiar que hago a veces, pero si tengo un lápiz pequeño, simplemente no tengo tanto control sobre cómo se ve cada línea, y me anima solo a ser rápido y rápido y suelto, que es lo que quiero para este boceto. Ya puedes ver, me gusta empezar con un poco de fondo. Así es como siempre trabajo. Pinto desde atrás hacia adelante, dibujo desde atrás hacia adelante y así es donde empecé. Ahí es donde me verás empezar más tarde cuando estemos pintando. Entonces voy a tratar de sólo incluir las formas básicas de cada figura. Esta es una escena complicada. Tenemos antecedentes, tenemos gente en el medio terreno y después tenemos a las dos personas en primer plano. Algo que va a ser importante aquí es la escala y asegurarse de que haya una definición clara entre cada persona. De verdad sólo quiero empezar con esos cuerpos porque eso es lo que va a ser la parte más complicada. No estoy haciendo ninguna evaluación sobre si estoy haciendo un buen trabajo o un mal trabajo o si lo estoy haciendo bien o mal, solo estoy poniendo cada forma en el marco que veo. Me siento muy bien con este boceto suelto. Tiene mucho carácter, es un punto de partida perfecto, y sólo tardé unos 10 minutos en hacerlo y no tuve que estresarme para nada. Eso es lo que yo quiero que hagas tú también. Entonces seguiremos adelante y avanzaremos con el refinamiento de este boceto en bruto. Este boceto en bruto es la primera parte oficial de nuestro proyecto de clase. Me encantaría que lo escanearas o tomaras una foto y la compartieras en la galería del proyecto. Sé que esto podría ser un poco nervioso, compartir algo que está tan inconcluso y tan incompleto, pero creo que va a animar a otros y ayudar otras personas a superar ese mismo miedo de la página en blanco, y me encantaría verlo. También nos ayuda a ver avances desde donde empezamos hasta donde terminamos. Adelante y publica tu boceto en bruto en la galería del proyecto, y empezaremos a iterar hacia nuestro dibujo final de línea. 7. Dibujo iterativo: Ahora vamos a estar refinando nuestro boceto en bruto con dibujo iterativo como mencioné. Se trata de un proceso bastante lento que permite realizar pequeños cambios, una cosa a la vez con el fin de pasar de un boceto en bruto a un boceto final. Me encanta usar esto, me está quitando tanta presión, y cada vez que estoy haciendo la ilustración final, empiezo a usar el dibujo iterativo. Aquí es donde tu papel pergamino y tu caja de luz van a ser muy útil. Vas a tomar tu boceto en bruto de la última lección y vas a poner tu pedazo de papel de calco justo encima de él. A mí me gusta bajar la mía o recortarla a la página sólo para asegurarme de que no se va a mover. Entonces voy a usar un lápiz. Puedes usar exactamente el mismo lápiz con el que dibujaste o un pequeño truco es usar un lápiz que tenga colores ligeramente diferentes que puedas decir qué capa estás trabajando un poco más fácilmente. Entonces solo vas a empezar a dibujar encima y vas a estar haciendo cambios para cosas que no se veían bien en el primer boceto en bruto, que, si estás haciendo un boceto áspero como te sugerí, va a ser básicamente todo. Vas a tener que refinar todas tus formas, vas a tener que añadir detalles, vas a tener que reelaborar la composición. Va a haber mucho que cambiar, pero lo grandioso de esto es que ya tienes una base debajo, no estás trabajando de la nada y puedes cambiar tan poco o tantas cosas como quieras cada vez. Esta es mi segunda iteración del boceto en bruto. Se puede ver que estoy echando cabezas un poco más. Yo estoy cambiando ligeramente parte de la disposición de los cuerpos. En relación al fondo, empiezo a agregar algunos detalles que dejé fuera del boceto en bruto y solo estoy tratando de ver un poco más concretamente cómo funcionan las cosas juntas. Probablemente no voy a conseguir todas las proporciones bien en esta segunda ronda pero voy a asegurarme de que todos tengan cara y voy a poner un poco más de trabajo en esas expresiones. Voy a agregar detalles para la ropa, que para mi escena en particular es una parte realmente grande de la imagen. También voy a empezar a trabajar en los puntos complicados, como donde están tomados de la mano, donde los rostros de diferentes personas son tangenciales entre sí. Voy a empezar a trabajar en esas cosas que me dieron mucho miedo cuando primero miraba el gorro de pantalla, pero eso se siente un poco más fácil ahora que tengo algunas marcas abajo en la página y no estoy trabajando de nada. Me estoy dando solo un segundo. Este es un proceso intuitivo. Creo que sobre todo en esta segunda ronda, no deberías sentirte como, necesito cambiar exactamente esta cosa. Debería ser más un refinamiento intuitivo basado en lo que sabes que no funciona o es demasiado áspero para poder contar desde el primer boceto. Entonces ahora que tengo esa segunda iteración hecha, sólo voy a comparar las dos y puedo decir lo que he mejorado. Se puede ver que sólo mis líneas son un poco más claras, lo que hace más fácil decir lo que está bien y lo que está mal. Me he asegurado de incluir la forma de cabeza y cuerpo más realista de todos, pero también puedo decir que Susie, el personaje femenino de la izquierda, su cabeza es demasiado grande, así que cuando empiezo mi tercera iteración, eso es algo en lo que voy a trabajar. Voy a hacer el mismo proceso. Voy a tomar otra pieza de papel de calco justo encima de mi segundo dibujo y luego voy a agarrar otra ventaja de color diferente otra vez y simplemente empezar a dibujar encima otra vez, esta vez con algunas cosas más específicas en mente, como disminuir el tamaño de la cabeza de Susie y redibujar sus caras, así que me gusta cómo se ven, etc. Me salté adelante aquí ya que es el mismo proceso, pero se puede ver que he empezado a hacer que todo sea más proporcional y eso fue lo que encontré fue el mayor problema para mi segunda iteración. Entonces basta con añadir en detalle, que es honestamente la parte más divertida. Se puede ver cómo paso de la segunda iteración a la tercera iteración, y cómo antes de eso había empezado en el boceto en bruto. Apenas se puede ver pieza por pieza, me acerqué más a la imagen final. Sólo me tomó tres iteraciones esta vez. A veces podría tomar seis. Deberías tomar tantos como necesites hasta que estés contento con tu boceto. Siguiente lección vamos a trasladar a nuestro papel de acuarela. 8. Arte de la línea final: Esta lección es realmente simple. Vas a agarrar tu caja de luz, una pieza de tu papel de acuarela, y tu dibujo final de la sesión de dibujo iterativa. Sólo los vas a alinear. posible que quieras grabarlo para que no se mueva. Entonces vas a encender la caja de luz y dibujar tu boceto, justo en tu bonito papel. Me gusta usar un color que se va a alinear bien con los colores de la pintura final. Simplemente me gusta moverme despacio para que me asegure que cada línea se vea bien y esté ordenada y es fácil de seguir cuando empiezo a pintar. Entonces también puedes simplemente echar un vistazo a los avances que has hecho. Este es un momento realmente emocionante donde se puede decir, hey, aquí está mi boceto áspero con el que empecé y lo hice en cinco minutos. Aquí está mi segunda iteración donde hice las cosas un poco mejor. Aquí está mi tercera iteración donde me sentí realmente confiada y lo suficientemente buena como para seguir adelante y mover mi dibujo a mi papel de acuarela. Entonces aquí está mi boceto final en mi trabajo final, listo para ser pintado. Se puede ver que también agregué un borde de cinta de lavado, como mencioné al principio, que voy a tener bordes limpios alrededor de mi pintura cuando esté terminada. Este es también el momento de publicar la parte 2 de su proyecto. Por favor, publique su dibujo final de línea en su papel de acuarela en la galería de proyectos para que podamos ver cómo se ve su dibujo antes de comenzar con el color. Adelante y empecemos a pintar. 9. Pintar el fondo: Ahora ya estamos listos para empezar a pintar por fin y vamos a empezar con el fondo. Siempre pinto de atrás hacia adelante para que como estoy estratiendo más pintura en la parte superior, sea imitando el orden real de las cosas en la escena. Voy a empezar con el bosque al fondo y la iglesia al fondo y luego me moveré hacia el frente dos figuras, Susie y Sam. Se puede ver aquí hice un lavado transparente realmente, realmente ligero para todo el fondo. No siempre hago esto, pero es una buena manera de asegurarme de que todo el color se va a llenar si quiero que el fondo se sienta un poco borroso o un poco menos específico. Eso ayuda a que destaque el primer plano. Al igual que hablamos en nuestra lección de gouache, acabo de añadir mucha agua al gouache por lo que está a plena saturación con el agua. Entonces lo puse muy flojo sobre todas las manchas que tienen ese fondo de color verde o marrón. No tienes que ser muy exacto cuando haces esto. Simplemente puede llenar ese espacio porque se va a cubrir más tarde con gouache más grueso, más opaco. Entonces como mencioné, porque este es el fondo, no quiero que se sienta tan importante como el primer plano, así que no voy a ser tan detallada ni exacta con el fondo como lo estoy con el primer plano. Al estar pintando estos arbustos, no voy a pintar hojas individuales, sólo voy a dar una sensación de iluminación, un sentido de perspectiva con diferentes colores, diferentes tonos de verde. Pero cuando llego a las cifras reales, quiero asegurarme de que esos arbustos nunca compitan con las cifras. Esto puede ser un equilibrio complicado de alcanzar. Es algo que es un poco indefinido. Pero encontré que hacer el lavado ayuda porque me permite dejar algo de ello como esa mirada indistinta, más transparente, que luego sacará la vista hacia adelante al primer plano cuando llegue. Como puedes ver, también siempre estoy dejando la mezcla de pintura en pantallas, así que solo puedes ver cómo siempre estoy construyendo colores juntos. Esto va a ser algo que es importante a lo largo de toda esta pintura. Traté de usar siempre los colores que están en la paleta para que todo se sienta muy armonioso. Por ejemplo, estoy usando mucho del marrón sepia oscuro como mi tono más oscuro a diferencia de un negro. Si necesito oscurecer un color, podría usar esa sepia a diferencia del negro y entonces todo está tonificado por el mismo tono más oscuro. De manera similar con la luz, he estado aligerando cosas con un beige claro. En lugar de usar el blanco para todo, si uso ese beige claro, entonces las cosas se sentirán como si estuvieran en la misma familia de colores. Nuevamente, no hay una ciencia exacta a eso, pero tener el palet sin ninguna división realmente fomenta esta cohesión de colores porque solo puedo juntar todo a medida que paso y necesito más tonos. Yo también, como ven aquí, cuando hice mis bocetos, no pinté ninguna rama. Pero cuando empecé a pintar aquí, pensé que las ramas serían una adición realmente agradable, así que decidí agregarlas. Eso es algo que puedes tener en cuenta. Siempre puedes desviarte de tu boceto original si ves una oportunidad para mejorar tu pintura. Creo que esto hizo que el bosque se viera mucho más realista y me alegro mucho de haberlo hecho, pesar de que no es algo que originalmente planeé. La otra cosa es que traté de asegurarme de que mi color no sea completamente plano. Se puede ver que estoy usando un par de tonos de este marrón para pintar el suelo en contraposición a sólo usar un tono plano de marrón para todo el suelo. Esto solo ayudará a darle a tu pintura un poco de dimensión e intereses porque en la vida real. 10. Pintar el primer plano: Es hora de empezar a pintar el primer plano, y aquí tomo el mismo enfoque. Al igual que mencioné antes, quiero pintar cosas que son lo más bajo capas. En este caso sería la piel para un personaje, y luego pintar encima, que todo se sienta encima de la piel, el pelo, la ropa, etc, así que primero voy a pintar la piel. También puedes ver que no estoy trabajando en un solo personaje a la vez. Me muevo a través de todos los personajes a la vez basado en los colores que estoy usando. Por ejemplo, todos tienen tonos de piel muy similares y así solo voy a seguir trabajando con ese tono de piel en mi paleta. No quiero que se seque. No quiero tener que remezclarlo, así que voy a hacer todo lo que necesite de ese color primero. Esto también es un realmente relevante aquí porque todos los Boy Scouts de fondo llevan el mismo atuendo de color. Ya verás que los pinto todos, todas las salidas al mismo tiempo en lugar de pintar un Boy Scout entero. Esto también me da la oportunidad de dejar que las cosas de la página sequen y la pintura de la paleta se mantenga húmeda. También se puede ver, como mencioné antes, que cuando repaso las caras con gouache, no es una capa completamente opaca y aún se pueden ver mis marcas de lápiz, lo cual será bueno cuando quiera finalizar esos espacios. También pinto sombras a medida que voy, y esto es porque, nuevo, la paleta de colores. Encuentro que la forma más fácil de pintar sombras es tomar tu color básico, el color que utilicé para la piel aquí, por ejemplo, agregarle un poco de tu tono más oscuro, así que le agregué un poco de mi marrón sepia y luego voy directamente y empieza a añadir las sombras justo después de pintar la capa más plana. Si espero, tendré que volver a mezclar el color del tono de piel y luego tratar de hacer la sombra fuera de él, lo que simplemente hace las cosas mucho más difíciles. Si lo hago como voy, tengo acceso a ese color ya y puedo hacer un color de sombra muy cohesivo para que coincida, y lo mismo con el rubor, me gusta agregar un poco de rubor a manos y mejillas y orejas y cosas así, y la forma más fácil de hacer eso es usar mi color de piel existente, agregar un poco de rosa, etc. Hará que todo se sienta simplemente muy armonioso cuanto más puedas seguir trabajando desde los mismos colores. También quieres asegurarte de que estás eligiendo colores lo suficientemente distintos que cada objeto de la escena va a destacar. Esto es un poco complicado en esta escena porque todos los Boy Scouts llevan el mismo color, uniforme marrón, y también es un color que no es tan diferente de su color de piel. Tenía que asegurarme de mezclar el color exacto correcto que se sentía en la familia de colores, pero eso no iba a mezclarse con su piel o el fondo o entre sí, y eso es algo que puede ser un poco complicado, pero estudiar tu escena realmente de cerca puede ser una buena manera de simplemente asegurarte de que estás en el camino correcto allí. También me enfoqué en los Boy Scouts de fondo primero porque como dije, me estoy moviendo hacia mi frente dos personajes al final del cuadro. Estoy mirando mi foto de referencia todo este tiempo. No estoy haciendo esto a ciegas y una de las cosas bonitas este proyecto es que tu esquema de color está establecido para ti de alguna manera. Por supuesto, aún tienes que mezclar los colores y hay opciones de color que hacer, pero en general la paleta que estás usando la dicta tu escena. Deberías mantenerlo totalmente cerca de ti, debes usarlo como punto de referencia, deberías estar refiriéndote a ello, y te puede ayudar a asegurarte de que estás haciendo una mirada cohesiva para todo lo que pasa en la pintura. Este cuadro también fue muy divertido porque acababa de tener tantos detalles. Me gusta mucho pintar personajes. Al principio me sentí muy intimidado por la forma en que todos los diferentes personajes se superponen. Pero cuanto más trabajé en ello, más pude solo ver cómo color, qué va a ayudar a que cada personaje destaque, y cómo iba a poder llegar a agregar pequeños detalles divertidos como todas las insignias en su chaquetas para solo asegurarse de que cada persona tuviera mucha personalidad fuera solo las expresiones en sus rostros. También puedes ver que estoy cubriendo completamente la capa de lavado transparente que hice al principio. Está totalmente bien si lo metes en un lugar donde originalmente no se pretende que sea como está en el fondo de las piernas de Sam aquí. Simplemente lo encubres con tu gouache opaco y no es absolutamente ningún problema. También se puede ver que lo estoy llevando a través de esa misma actitud de sombra. Estoy mezclando colores como están en la paleta y luego agregando esas líneas oscuras a medida que voy en lugar de tratar de agregarlas todas al final. También quiero mencionar que hacer una gran ilustración completa como esta puede ser un proceso realmente lento. No deberías estar corriendo y si necesitas tomar descansos, te animo totalmente a hacerlo cuando llegues a un buen punto de parada. Obviamente no quieres parar cuando queda una tonelada de pintura mojada en tu paleta, pero con tantos detalles, tantas partes diferentes por hacer, esto puede tardar horas. Creo que lo real justo el proceso de pintura para este cuadro me llevó unas cuatro horas. Obviamente, está acelerado en este video. Si no tienes cuatro horas para dedicarte al cuadro en una sola sesión, eso está totalmente bien, y debes tomarte un descanso, vuelve a ello, y sigues usando esa misma paleta y mirando esos mismos colores y no deberías tener demasiado de un problema simplemente volver a ese mismo surco. También puedes optar por hacer ligeras variaciones de color de tu escena si lo deseas. También podrías optar por hacer grandes variaciones de color si quieres, pero obviamente eso hará que tu escena sea un poco menos reconocible. Pero por ejemplo, cambié el color de la maleta que este scout de la derecha está sosteniendo. Simplemente pensé que en la escena es un poco más oscura, pero pensé que destacaría y tendría un poco más de sentido en mi pintura si fuera un amarillo más claro, así que eso es lo que decidí hacerlo, y puedes tomar totalmente esas elecciones como más te convenga. Lo que funciona en tu pintura no siempre va a ser exactamente lo que funcionó en la escena de la película. También decidí usar más de un azul marino oscuro que un negro para algunos de los detalles como las correas de la mochila. Yo sólo pensé que eso seguiría empujando a estos personajes en primer plano ya que sí usaba un poco de negro en la iglesia, y no quería que se desvanecieran en esa misma materia de espacio oscuro en la que estaban las iglesias. Acabo de mezclar un poco de azul prusiano con un poco de negro, y eso es lo que terminé usando para mi tono más oscuro. Se puede ver que cuando se está haciendo la pintura que no tiene muchos colores oscuros, algo así como azul oscuro o marrón oscuro van a leer tanto negro como lo hace el negro real, y eso puede ser un bonito truco para asegurarte de que tu pintura nunca se vea demasiado oscura. También quieres traer la cohesión entre tus personajes tanto como sea posible. Dejé que Sam destaque por tener su uniforme un poco más verde y luego hasta decidido en la escena real, pero luego los junto a todos haciendo de todos sus parches colores similares, para que aún entienda que todos son parte de la misma tropa, y hay pequeñas elecciones con color y cosas así que puedes hacer. Eso solo asegurará que tu escena se sienta cohesiva y la narrativa de tu historia continúe. También puedes ver que decidí pintar a Susie último. Yo hice esto porque Susie tiene un esquema de color completamente diferente al resto de los personajes, y así que simplemente no tenía sentido para mí empezar a mezclar sus colores cuando no los iba a usar en ningún otro lugar. Lo que hice por ella, es sólo trabajar en ella de una sola vez en contraposición al resto de los personajes. Pero ella era divertida de pintar porque tenía un color tan diferente y yo estaba deseando tomar eso a lo largo de todo el proceso. Su chaqueta en esta gorra verde es muy, muy texturizada. Una cosa que hice aquí es después de poner la capa plana, hice un color ligeramente más oscuro, más rojo y luego uso un cepillo de cerdas que tengo. Tiene cerdas apenas un poco más largas y utilizo una versión más gruesa del gouache que es mi consistencia regular y acabo de usar ese cepillo de cerdas para bajar esta textura aquí y esto ayuda a imitar lo el tejido parece un poco en lugar de tenerla solo tiene un atuendo rosa muy plano. Entonces uso un poco de rosa aún más oscuro para darle alguna definición. Pero agregar textura con gouache, o incluso más tarde cuando usamos más materiales de medios mixtos, siempre es una manera realmente buena de asegurarnos de que nada en tu pintura se vea demasiado plano. Por último, también hay sólo algunos colores que son un poco complicados en gouache, y el magenta es uno de ellos. Susie lleva un sombrero magenta muy rosa, y tuve que hacer algunas capas diferentes de ese color sólo porque es un color duro para hacer opaco. Si hay algo que no está buscando exactamente cómo quieres que lo haga, una de las mejores cosas del gouache es que puedes ponerlo en capas una y otra vez. Creo que hasta terminé haciendo tres capas del sombrero, y puedes hacerlo totalmente con lo que necesites siempre que algo te esté mirando un poquito. Aquí se ve la pintura final antes empezar a añadir mi lápiz de color y otros detalles de medios mixtos, que es en lo que vamos a meternos en la siguiente lección. 11. Detalles y textura: Ahora, es hora de empezar a agregar algunos otros detalles en diferentes materiales de medios mixtos. Eso va a ser principalmente lápiz de color. Encontré que mi lápiz muy delgado Prismacolor marrón oscuro terminó siendo la herramienta perfecta para este cuadro. Justo como recordatorio, ese es un lápiz de color que tiene una ventaja un poco más dura y así puedo conseguir una línea realmente delgada y simplemente no molesto. Eso es perfecto porque eso es en lo que estoy pensando para estas adiciones. No quiero tener nada que vaya a ser disruptivo o arrollador. Yo solo soy de agregar líneas y detalles y texturas que van a complementar lo que ya he hecho con la pintura. No quiero que dibuje foco de lo que ya he hecho. Siento que mi cabeza se esté sumergiendo un poco dentro y fuera de este marco. Obviamente necesitaba inclinarme un poco más cerca para llegar a algunos de estos rasgos faciales. Se puede ver también que podría notar lugares donde necesito volver a entrar con pintura. Por ejemplo, realmente no pude oscurecerme lo suficiente en los ojos de Susie no sentí, así que agregué algo de pintura ahí para asegurarme de que fuera el tono correcto. También me olvidé de pintar el mapache en los bolsillos de Sam, así que volví a entrar y pinté eso. Pero en general, esto es sólo una fase de limpieza. ¿ En qué quiero que el espectador esté enfocado? ¿ Qué detalles me faltaba con la pintura? ¿ Dónde se ve algo demasiado plano y necesita tener textura? Esto es todo en lo que estoy pensando en esta etapa y realmente es solo limpiar todo, hacer todo pulido. Ya puedes ver utilicé un poco de pastel de cera para agregar aún más textura a los paños de Susie como hablamos con la pintura. Entonces también quería agregar algo de textura a los árboles porque simplemente se sentían un poco planas y monolíticas en el fondo. Esto también es solo un poquito en instinto. ¿ Dónde se siente que faltan las cosas y ahí es cuando tienes la oportunidad de sumar. Como dije, no quiero hacer nada que le quite la pintura. Definitivamente puedes exagerar esto. Trata de limitarte un poco. Simplemente haz lo que hay que hacer y luego sal de ahí porque apuesto a que tu Gouache se ve realmente genial por sí solo. En la siguiente lección sólo vamos a hablar de cómo presentar tu pieza final y todo lo que hemos terminado en esta clase y ya casi hemos terminado. 12. Presenta la ilustración final: Eso es todo. Enhorabuena, has completado esta clase y completado una ilustración de plomo completo de una escena de cine. Ahora es momento de presentar su trabajo. Te recomendaría antes de guardar todos tus suministros, poniendo un laico plano. Si organizas todos tus suministros alrededor de tu pintura y luego solo tomas una instantánea rápida, esto es genial para las redes sociales. gente le encanta ver cómo hiciste lo que hiciste, y esto da un pequeño ojeo a ese proceso. Pero también te recomendaría que te hagas un escaneo. mí me gusta hacer un escaneo si tienes acceso a un escáner sólo porque consigue captar cada detalle, y si algo le pasa a tu pintura física, seguirás teniendo ese registro. Estoy tan contenta con mi pintura. Esta también es la Parte 3 de nuestro proyecto, la parte final de nuestro proyecto es que publiques una imagen de tu pintura y simplemente finalmente envolverás todo, muéstranos todos los avances que hiciste. Por favor, publique su ilustración final en el tablero del producto. No puedo esperar a verlo. En esta clase, cubrimos algunos enfoques mentales de la ilustración, entre ellos enfrentar un miedo a la página en blanco, quitarnos presión para ser perfectos en el primer intento, y establecer una intención antes de empezar a pintar. También cubrimos algunas técnicas de ilustración desde encontrar el enfoque de consistencia correcto, hasta cómo refinar un boceto en bruto, y finalmente, cómo armar todo y crear una ilustración como textura completa en detalle en la vida y simplemente poner todo lo que hemos aprendido en un solo lugar. He realizado más de 20 ilustraciones de películas. Me divierto tanto haciéndolo cada vez. Están todos aquí en este cuaderno, y he hecho videos de proceso para casi todos estos. Vincularé los videos de proceso a mi proyecto por si quieres ver más pintura en acción. También enlazaré las fotos fijas para estas en caso de que quieras verlas con un poco más de detalle. Publica regularmente en Instagram y pujo al menos una vez al mes en YouTube. Si me estás buscando, ahí es donde me encontrarás. De verdad espero que hayas disfrutado de esta clase. Gracias por estar aquí. Te veré la próxima vez.