Ilustración creativa: una introducción al arte de fantasía | Ira Marcks | Skillshare
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Ilustración creativa: una introducción al arte de fantasía

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:35

    • 2.

      Descripción de la clase

      2:22

    • 3.

      Observación de arte de fantasía

      4:26

    • 4.

      Momento de descubrimiento (parte 1)

      6:56

    • 5.

      Momento de descubrimiento (parte 2)

      6:25

    • 6.

      Bocetos con Adobe Fresco

      8:46

    • 7.

      Bocetos: exploración de la percepción

      2:57

    • 8.

      Bocetos: desarrollo de conceptos (parte 1)

      7:28

    • 9.

      Bocetos: desarrollo de conceptos (parte 2)

      7:38

    • 10.

      Del concepto a la composición

      6:49

    • 11.

      Bocetos de los detalles

      5:16

    • 12.

      Entintado con Fresco

      4:20

    • 13.

      Entintado de los personajes

      3:18

    • 14.

      Entintado del ambiente

      4:09

    • 15.

      Coloreado de los personajes

      5:45

    • 16.

      Fondo, sombras y resaltado

      7:05

    • 17.

      Pinceles y efectos de Fresco

      6:03

    • 18.

      ¡Resúmelo!

      3:40

    • 19.

      Haz aún más con Fresco

      0:40

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

1706

Estudiantes

34

Proyectos

Acerca de esta clase

Una introducción a la ilustración de fantasía y creación de otros mundos.

Si eres un artista visual que busca divertirse y ampliar su estilo, no existe mejor lugar para comenzar que la ilustración de fantasía. En esta clase, me acompañarás en un recorrido paso a paso a través de la creación de una ilustración inspirada en la fantasía. Compartiré las inspiraciones detrás de mi trabajo, el papel de la narración en mi proceso de creación de bocetos, y cómo crear paletas de colores y texturas significativas. Trabajaré en Adobe Fresco, pero puedes usar cualquier herramienta artística que quieras, digital o tradicional.

Juntos exploraremos lo siguiente:

  • Narración visual para el arte de fantasía
  • Mis herramientas y consejos acerca de la ilustración
  • Conceptos básicos de Adobe -Fresco
  • Mis pinceles y efectos favoritos de Fresco
  • Explorar y compartir tu trabajo

La clase está diseñada para artistas, ilustradores y entusiastas de todos los niveles, así que puedes seguir las herramientas de ilustración que son adecuadas para ti.

Al finalizar, crearás tu propia ilustración de fantasía en color inspirada en el tema narrativo “momento de descubrimiento”, y podemos usar la charla de la clase y las secciones de proyectos para colaborar, compartir comentarios e inspirarnos.

¡Me alegra tanto que me acompañes en esta aventura y me encantaría ver lo que creas!

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Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Transcripciones

1. Introducción: Oye, mi nombre es Ira Marcks. Soy dibujante del estado de Nueva York. Mis ilustraciones y cómics, todo se trata de explorar otros mundos. A mí me gusta crear imágenes que te hagan curioso sobre lo que realmente estás mirando. Mucho de mi trabajo está realmente inspirado los extraños personajes en extraños mundos del arte de fantasía. Me encantan los colores y texturas que este estilo de narración realmente saca en un artista visual. hoy te voy a llevar paso a paso por el proceso creativo detrás de una de mis ilustraciones de estilo fantasía. Esta clase es mirar mi proceso completo comenzando con mis primeras inspiraciones en el arte del libro de fantasía, luego veremos mi proceso de bocetos y la forma en que desarrollo conceptos para una ilustración. A continuación, veremos mis herramientas digitales favoritas y completaremos eso con algunos consejos sobre cómo creo paletas de colores y texturas significativas, y vibraciones que establecen el estado de humor en mi arte final. Espero que al seguir, aprendas a trabajar con tu aplicación de dibujo favorita, para convertir un boceto rápido en una ilustración a todo color que parece que acaba de caer de un libro de fantasía perdido y olvidado. Apagemos el mundo real por solo un rato y empecemos a explorar otros mundos. Ilustración de fantasía. 2. Descripción de la clase: Bienvenidos a la clase, gracias por venir. Antes de empezar, voy a dar una breve visión general de qué esperar de este curso. Si eres nuevo en mi canal de Skillshare, tal vez encuentres mi estilo de enseñanza un poco único. Ahora, vengo a ello con un proceso de tres etapas. En primer lugar, me gusta presentar algún contexto para lo que es el proyecto y los temas que lo rodean. Después de eso, pasamos al concepto del Arte, que significa también la composición y la narrativa incorporada en él. Después creamos la ilustración final. No nos limitamos a saltar directo al dibujo. En los primeros capítulos de otros mundos, te estaré presentando mi relación personal e inspiración para crear arte de fantasía. Ya que considero el arte de fantasía una forma de arte narrativo, estaremos usando un tema inspirado en la historia para guiar nuestro proyecto de clase. Mantén los ojos y oídos abiertos para la frase “Momento de Descubrimiento”. Después de eso, saltaremos directo a crear bocetos en Adobe Fresco. Puedes unirte a mí con Adobe fresco, u otra aplicación de dibujo, o con un lápiz y papel. Está bien. Cualesquiera que sean las herramientas que quieras usar, aún podrás seguir junto con mi proceso creativo. Estoy muy influenciado por los principios del arte gráfico, y te estaré mostrando cómo los uso en una composición para jugar con la percepción de los espectadores, así como involucrarlos con la narrativa simple. Para mí, bosquejar es el viaje que tomamos para encontrar un significado para nuestra imagen final, y es mi parte favorita de todo el proceso creativo realmente. El apartado final de la clase está enfocado a convertir nuestros bocetos conceptuales en una imagen final utilizando las herramientas digitales o las herramientas tradicionales que tenemos a mano. Si por primera vez trabajas en Fresco, eso es totalmente genial. Sin experiencia previa, aprenderás las herramientas básicas para hacer bocetos, entintado, colorear y crear efectos en esta aplicación realmente genial. Ahora, espero que esta clase te inspire a crear una ilustración propia. Terminaremos todo el asunto finalizando nuestro arte, exportándolo, y publicándolo en la página del proyecto estudiantil de Skillshare. Esa es esta clase en pocas palabras, empecemos. 3. Observación de arte de fantasía: Hacer arte de fantasía es todo sobre plano con percepción. Al menos así es como lo pienso yo. Cuando estoy haciendo una ilustración, mi objetivo es crear algo que llame la atención pero que no revele su verdadero yo de inmediato. Quiero que mi arte tenga un divertido atractivo instantáneo, pero también te dé la oportunidad de mirar un poco más profundo y descubrir la historia detrás de la imagen. Nuestros objetivos como artistas provienen de la influencia temprana en la relación con diferentes formas. Mi obra está fuertemente inspirada en el arte narrativo, imágenes de libros, e historias. Me gustan las historias sobre personajes cuya visión del mundo se desafía cuando se encuentran en situaciones surrealistas. Para mí, hay dos etapas distintas para desarrollar una interesante ilustración basada en narrativa. En primer lugar, ahí está el concepto. El modo en que un artista utiliza los principios visuales para crear una composición. El modo en que los elementos artísticos básicos como forma, la línea, la forma, el color se unen para crear un todo unificado. Las elecciones que hago influyen en cómo se percibe el arte final a nivel emocional y conceptual. Sobre la base del concepto, construyo la obra final. En el arte final, empiezo con un boceto. Construyo la composición, refino detalles de carácter y ambientación en mi mente y en papel. Encima del boceto viene mi búsqueda del estilo, la forma en que tinta, y uso el color, y la línea, y la textura para crear una imagen final. Creo que el trabajo de un ilustrador es presentar a su público una idea de una manera divertida y atractiva. Para ello, el ilustrador necesita involucrar la imaginación de su público. El arte de fantasía, una de mis mayores influencias, utiliza lo poco familiar para llamar nuestra atención. Una vez que estamos ahí, se conecta con nosotros a nivel emocional. Creo que esta combinación de emocionalidad e imágenes surrealistas es lo que hace que el arte de fantasía sea tan cool. Mis primeras experiencias con esta forma de narrativa visual provienen de portadas de libros, tapa blanda interesantes que encontré en las esquinas traseras de las bibliotecas, o en el $ bin de la librería usada. Cosas creadas por maestros ilustradores que reciben descuento es lowbrow, simplemente porque están apegadas a una industria comercial de mercado masivo pero hay tanto que aprender del arte del libro que no necesariamente vas a conseguir desde una clase de historia del arte tradicional o una visita a un museo. Entonces, ¿qué hace que funcionen estas cubiertas y por qué las encuentro inspiradoras? Bueno, en primer lugar, cada uno de ellos sirve un propósito distinto, y eso es despertar la imaginación. Creo que esa es una noble persecución. Estas portadas de libros nos hacen preguntar, ¿qué es este lugar donde mirando? ¿ Quiénes son estos personajes? ¿ Qué peligros les esperan? ¿ Cómo van a salir con vida de esta situación? Cada una de estas composiciones fue cuidadosamente planeada por un ilustrador para dar pistas sobre personajes, escenarios, medio ambiente, aspectos culturales de este mundo imaginario, esperanzas y sueños y temores que conforman los temas de esta historia. Al evocar preguntas interesantes, la ilustración nos está llevando a la historia antes de que incluso abriéramos la portada del libro. Todos los dibujos que estoy compartiendo aquí están inspirados en momentos narrativos, muchos de los cuales se sienten universales, sacados de arquetipos de historia y tropos. Una vez que te hagas pensar como un ilustrador, podrás traducir cualquier tipo de momento de historia. Por el bien de esta clase, nos vamos a centrar en un momento de historia en particular que es muy común a la construcción del mundo de fantasía y la narrativa. Yo llamo a estas partes de una historia, “El momento del descubrimiento”. 4. Momento de descubrimiento (parte 1): ¿ Qué es un momento de descubrimiento? A primera vista, es una ilustración que muestra un personaje encontrándose con algo, una persona, un lugar, o una cosa, que los saca de su realidad familiar y los coloca en una situación fantástica. Ahora, para mirar un poco más profundo, un momento de descubrimiento es un encuentro de una vez en la vida que lleva a un personaje en un viaje que va a cambiar fundamentalmente cómo los ve el mundo y cómo se ven a sí mismos. Un momento de descubrimiento es algo para bien o para mal, se podía dar la vuelta atrás. Por ejemplo, en la leyenda del Rey Arturo es cuando el joven escudero Arturo saca de la piedra la legendaria espada y toma su lugar como el legítimo rey de Gran Bretaña. Arthur descubrió que no es el chico perdedor que siempre se creía ser. Es especial, y ahora que todo el mundo lo sabe, no hay vuelta atrás. En el Mago de Oz, el momento de descubrimiento es cuando la casa de Dorothy aterriza en la Malvada Bruja del Oriente. De repente, Dorothy no es solo una niña del Medio Oeste de América, es una heroína. A partir de aquí, un personaje debe ahora abrazar su papel en la historia en la que han entrado. Un momento de descubrimiento es emocionante porque es el comienzo de una aventura. Veamos un poco más profundamente cómo los ilustradores a lo largo de la historia, han creado momentos de descubrimiento y cómo su punto en historia influye en su simbolismo y mensaje artístico. Miraremos la forma en que cada composición guía nuestra percepción de la imagen final. Ahora, el Renacimiento tuvo tal impacto en la narración occidental. Es muy fácil encontrar ilustraciones e imágenes o tapices en este caso que nos den momentos icónicos de descubrimiento que vemos repetidos y otra vez en narrativas hasta nuestros días. The Unicorn is Found es un hermoso tapiz de un artista desconocido o un grupo de artistas, y fue el primero de una serie de tapices narrativos de los Países Bajos que datan de finales del siglo XV. En El Unicornio se encuentra, vemos a un grupo de nobles fuera cazando a lo largo límites de la leñosa del campo francés cuando de repente descubren un legendario unicornio. Encontremos el simbolismo en esta pieza. Ahora, la imagen fue creada por artistas que vivían antes de la era de la exploración y el descubrimiento científico. Para ellos, gran parte del mundo fuera de sus muros de castillo era un misterio total y absoluto. Para muchos europeos del siglo XV, el unicornio fue un símbolo del desierto virgen. Fue algo intacto por la humanidad. Un ser puro y elegante con el poder de purificar el agua venenosa y sanar a los enfermos. El agua limpia fue un problema gigante en el siglo XV. Este tapiz pregunta, ¿qué significa descubrir un símbolo de esperanza vagando por el bosque justo fuera del reino. Echemos un vistazo a la composición. Para entender las elecciones compositivas que se toman en este tapiz, puede ser útil romper la escena. Empecemos camino de fondo en la línea del horizonte, podemos ver que está muy alto en la página, lo que nos da la sensación de que estamos mirando hacia abajo en esta escena. El fondo a la izquierda, tenemos el castillo, una pista de dónde vinieron estos personajes. El castillo representa su realidad familiar, y aquí en primer plano al fondo de la imagen, tenemos su descubrimiento, que en este caso es el unicornio que está encantando las aguas de la fuente en el centro del tapiz. Se podría decir que esta escena tiene un sentimiento muy etapático. Es muy teatral con los personajes todos en una línea frente a nosotros, el público. No es muy dinámico y si bien se lee con claridad, es muy rígido. Es casi como si estuviéramos viendo a un montón de niños en su primera jugada. Pero hey, este era el siglo XV y los ilustradores y creadores de imágenes aún tenían mucho que aprender sobre cómo involucrar a un público con su narración visual. Esta es una ilustración de las páginas de la novela de Julio Verne, Viaje al Centro de la Tierra. Este momento de descubrimiento nos dice que hay más en este mundo de lo que podemos ver. Ahora, hemos saltado adelante con esta imagen hasta mediados del 1800, y encontramos que la ciencia ha crecido a pasos agigantados y campos científicos de descubrimiento como la geología y la botánica realmente han captado la imaginación de la gente. Estamos cavando bajo esos muros del reino y viajando por debajo de la superficie para conocer los orígenes de nuestro mundo. Julio Verne era claramente un fan de la ciencia y en este clásico de 1864 de ciencia ficción, sigue al profesor Lidenbrock y a sus compañeros mientras entran en el cráter islandés con la esperanza de descubrir una ruta al centro de la Tierra. Vemos personajes mientras entran una vasta cueva subterránea y descubren un bosque de hongos gigantes. Este momento de descubrimiento habla a la cultura de la época a través de su simbolismo. Muestra cómo los narradores de esta época estaban utilizando obras de geología y botánica y ciencia para despertar la imaginación de su público que ya se estaría preguntando sobre los mismos temas e ideas. relevancia cultural puede hacer que sea mucho más fácil involucrarse con tu público y llevarlos a una aventura fantástica. De Neuville era un Ilustrador muy conocido en su momento, y sus técnicas compositivas siguen influyendo en los ilustradores modernos. Eran mucho más dinámicos que lo que estábamos viendo en los años 1500 y siglos antes. Son más cinemáticos, en cierto modo, la línea del horizonte es mucho menor en esta escena, lo que permite que la ilustración exprese la escala de los champiñones. Este mundo se siente masivo y para crear un sentido del contexto, estamos colocados detrás de los personajes. Vemos sus diminutas siluetas aquí en medio de la imagen. Muchos momentos de descubrimiento utilizan una sensación de asombro y escala y vastedad y contraste de tamaño para introducirnos en un mundo desconocido. En el siguiente capítulo, veremos dos ejemplos más. 5. Momento de descubrimiento (parte 2): Esta es la portada de una edición reciente del libro infantil, “El jardín secreto”, ilustrada por Inga Moore en 2008. Pero la historia en sí es mucho más antigua. “ El Jardín Secreto” se ambiciona durante el último brote de cólera en Estados Unidos en 1910. El relato sigue a una niña huérfana llamada Mary, que ha perdido a su familia ante la pandemia demasiado real, y descendencia para vivir con su rico tío en Misselthwaite Manor. A raíz de su problemático pasado, donde todos los que María conoce han muerto. María se vuelve grosera y amarga en su nuevo entorno. Pero una serie de ocurrencias mágicas la llevan a descubrir un jardín secreto. Es aquí donde María encuentra un nuevo propósito mientras comienza a sanar las plantas en su interior, y luego ella misma y luego a sus amigas. El Jardín Secreto no es una historia que se diga claramente en un reino de fantasía o ciencia ficción, como las otras dos obras que hemos visto. Pero el simbolismo de mundos ocultos, y poderes curativos mágicos encontrados en la naturaleza se presentan aquí de la misma manera, haciendo que esta historia no sea demasiado diferente a las que hemos mirado. Se trata de una historia de fantasía en la forma en que ofrece un poco de escapismo en un punto oscuro de la historia estadounidense. Ahora veamos la composición del artista. Escogí esta versión de la portada del libro porque el artista, Moore, realmente captó la sensación que se obtiene al leer esta historia para mí de todos modos. Ahí hay una alegría que viene de imaginarse rodeado de muros de vegetación corriendo por este laberinto, la sombra y el sonido de las hojas por encima, y brillantes y coloridos lechos de flores mirándote hacia arriba. Perspectiva es bastante útil a la hora crear arte de fantasía porque te da una sensación de profundidad, y te permite añadir más elementos visuales a la escena, y un mayor nivel de detalle. El modo en que el ilustrador compone esta escena nos permite descubrir el jardín junto con María. Una sensación de profundidad y detalles ocultos y paletas de colores contrastantes como el verde, y el rojo que vemos aquí son todos trucos utilizados por el ilustrador para construir un mundo de fantasía. El que los hace fantásticos es lo que representan a la historia. Por ejemplo, el vibrante pájaro rojo aquí no es sólo un aspecto de la naturaleza es el personaje que lleva a María a su momento de descubrimiento. Se la introduce al jardín. Estos personajes guía, como este pájaro o como Gandalf en “El Señor de los Anillos”, son tropos de cuentos que vemos en el arte de fantasía. El “Jardín Secreto” puede estar ambientado en un mundo real, pero su sentido de asombro está definitivamente en el reino de lo fantástico. Esta es una ilustración del libro de Shaun Tans, “La llegada” de 2006. Se trata de una historia sobre un inmigrante que busca una vida mejor para su esposa e hijo en un país desconocido. Vemos un barco llegando a un puerto. Esto se parece a Metrópolis desde una dimensión paralela. De tan solo esta imagen. No es difícil entender que la historia de Shaun Tan es una alegoría para la experiencia de un inmigrante. Utiliza el simbolismo de una manera realmente única al reemplazar familiar con elementos de construcción del mundo de fantasía que tienen una geometría muy primitiva. Podemos entender cómo debe ser llegar a algún lugar por primera vez. Estar fascinado por animales de forma peculiar, vagando entre edificios extraños, y arquitectura, y estar confundido por las formas de un lenguaje desconocido. Esta es verdaderamente una historia sobre la percepción cultural. Para comunicarse con un público sin usar palabras, un Illustrator tiene que encontrar formas inteligentes de mezclar y combinar elementos y principios visuales. En esta ilustración, Shaun Tan nos está ayudando a descubrir que estar en algún lugar nuevo significa que no puedes dar por sentado ninguna de las cosas que sabes sobre el mundo. Hay mucho que pensar en una composición de Shaun Tan. Claramente está inspirándose en los clásicos ilustradores de aventuras de fantasía. Está utilizando un sentido de habilidad y puntos de vista dramáticos. Pero Shaun Tan también aporta un sentido gráfico muy primitivo a sus composiciones. Envuelve a sus personajes humanos con geometrías poco convencionales inspiradas en lo abstracto, y artistas surrealistas del siglo XX. Este momento de descubrimiento es tan atractivo porque es el comienzo de un viaje, y a lo que significa encontrar un lugar en algún lugar donde simplemente no parezcas encajar. En cada uno de estos cuatro ejemplos, vemos personajes cuyas creencias son desafiadas por ocurrencias mágicas. El cuento que está a punto de suceder va a mostrar cómo cambian y crecen. El momento del descubrimiento es la primera mirada a esa historia en curso. Ahora me gustaría que hicieras una lista de tus momentos favoritos descubrimiento a partir de las historias memorables de tu vida. Una vez que tengas tu lista, piensa en las imágenes del libro o de la película, o en la escena de video juego que representa ese momento de descubrimiento. Detrás de esa imagen se encuentra un artista o grupo de artistas a los que se les encomendó la visualización de esa escena. Cada una de esas imágenes está utilizando elementos y principios compositivos para influir en la percepción del público, y comunicar una idea. Solo hay unos cuantos principios visuales que pueden ayudarnos a lograr este efecto en nuestro propio trabajo. Saquemos nuestras herramientas de dibujo y exploremos lo inexplorado. 6. Bocetos con Adobe Fresco: Este capítulo es una rápida introducción a las herramientas que necesitarás en Adobe Fresco para bosquejar junto a mí. Si estás usando otro programa de dibujo, como Photoshop o Procreate, quédate de todos modos, la mayoría de estos consejos se pueden aplicar a los tres. Voy a empezar haciendo clic en el botón Inicio en la esquina superior izquierda y configurando un nuevo documento. Voy a hacer clic en lienzo de dibujo original, que es de 3600 pixels por 3600 pixels. Cuando estoy haciendo un boceto solo por diversión o para una clase, a menudo trabajo en formato cuadrado. El único motivo de eso es que es fácil de compartir en redes sociales, y a veces un paisaje o retrato realmente influye en mi composición de formas que realmente no me gustan. Voy a mantenerlo cuadrado. Treinta seiscientos por 3600 píxeles es una buena resolución si algún día planeas imprimir esta imagen, eso significa que podrías imprimirla, y se verá bonita y nítida de hasta 11 por 11 pulgadas. Más pequeño que eso, todavía se puede obtener una huella decente de ella. Pero si lo encoges demasiado, tu imagen se va a pixelar y luego está atascada en forma digital por el resto de su vida, lo cual puede ser triste. Por lo que 3600 por 3600 funciona bien para mí. Ya estoy en Fresco. Tengo esta bonita opción aquí para ajustar mi vista. Voy a alejarme sólo para que podamos ver toda la página. Sólo voy a revisar un par de las herramientas básicas que necesitaré para bosquejar. En el lado derecho tenemos el menú Capas. La capa blanca es el fondo, y voy a dibujar en la capa de tablero de ajedrez. Tablero de ajedrez representa una transparencia. Nunca dibujo directamente sobre el fondo porque entonces mi línea trabaja y esbozo y todo está fijo al papel de fondo, que significa que no puedo moverlo por la página. A menudo cuando estoy dibujando, me gusta tomar los elementos que he dibujado y cambiarlos, poner pequeñas notas en la esquina, y si estoy dibujando en el fondo, no puedo hacer eso. Siempre estoy trabajando en una capa transparente. En el lado izquierdo, voy a hacer clic en los pinceles de píxel, y aquí tienes todo tipo de opciones, por ahora todo lo que necesitamos saber es el boceto. Tenemos lápiz y bolígrafo. Voy a usar un lápiz. Junto a eso ves esta pequeña estrella, que te permite poner la herramienta actual en tu sección favorita. Ahora cuando voy a los pinceles de píxel, está justo ahí y puedo seleccionar la herramienta más fácil. Ahora bajemos aquí a ajustes. Esa es esta cajita gris. En primer lugar, hablemos del tamaño del pincel. Te darás cuenta de que lo tengo fijado en 40, lo que me da una línea que se ve así. Ese es el lado, y ese es el punto. Ya ves. Ese es un ajuste para un pincel que es mucho más grande que el predeterminado. A lo mejor el defecto es más como un 10. De hecho, es mucho más grande de lo que logras con el lápiz a menos que tuvieras un lápiz realmente aburrido con el que estabas trabajando. Cuando estoy dibujando, me gusta tener la opción de rellenar formas realmente rápidamente y tener un sentido de la relación del espacio positivo y negativo. Eso es algo que realmente no puedes hacer cuando tu dibujo a mano libre. Así que aprovecha si estás trabajando digitalmente. Si tengo un pequeño lápiz flaco, digamos que esta es mi página y quiero experimentar con una forma de triángulo grande. A lo mejor representa un antiguo templo alienígena. Puedo obtener el contorno, pero no puedo llenarlo fácil y rápidamente sin crear como una gran textura masiva, que de todos modos es súper distraer. Entonces dale una oportunidad. Ajusta tu lápiz a algo así como 40, y mira si te gusta tener tanta variedad en tu línea. Si no tienes confianza en usar un lápiz, baja probablemente mejor para ti. Pero puedo obtener muchos efectos diferentes simplemente cambiando mi mano de poca manera. Debajo de eso, acabamos de obtener el ajuste para el flujo. Si tu flujo es realmente bajo, tu lápiz va a ser ligero. Eso está bien. Estamos dibujando un lápiz ligero puede ser bueno. Pero hagamos otra capa aquí. Si configuras tu flujo hasta todo el camino, tienes potencial para presionar hacia abajo y conseguir una línea realmente dura. Entonces digamos que estás dibujando como un poco de cara alienígena y estás trabajando aquí los detalles. Te conformas con algunos elementos que realmente te gustan y solo quieres definirlos un poco más. Si tienes tu flujo configurado hasta el final, ahora puedes presionar hacia abajo más fuerte y hacer que algunas de esas líneas exploten y tener una idea de cómo podría verse en su etapa final de tinta sin cambiar a otra herramienta. Si tienes tu conjunto de flujo más bajo, no puedes conseguir esas duras líneas oscuras. Por lo que de nuevo, el flujo simplemente te da más variedad con la herramienta actual con la que estás trabajando. Voy a volver a ponerlo alto. Debajo de eso, tienes suavizado. Ahora sólo veamos los extremos. Si estás suavizando esto todo el camino, tienes una suerte muy natural en línea que refleja tu gesto real. Eso probablemente sea un poco grumoso en el camino. Pero si tienes tu set de suavizado hasta arriba, el equipo toma el control y hace que tu línea funcione un poco más elegante. El problema con eso sin embargo, es que la línea empieza a arrastrar. Te darás cuenta, que personalmente me parece extremadamente distraído cuando solo estoy dibujando y tratando de elaborar ideas. No quiero estar tratando de trabajar un pensamiento y tener mi línea de arrastre y tener que esperar a que se ponga al día. Es sólo una fracción de segundo, pero ese tiempo realmente suma. Si estás tratando de elaborar un concepto como el tiempo que me lleva sólo esbozar algo así como estrellas en el cielo. Si estás suavizando está todo el camino, puedo hacer este tipo de cosas mucho más rápido. Cuanto más rápido puedas sacar una idea de tu cabeza y sobre papel, mejor en esta etapa. Si sí quieres un poco de control por computadora, tal vez establece que estás suavizando como 30 por ciento para que puedas conseguir líneas más limpias, más largas si así te gusta trabajar, pero no te recomendaría configurarlo demasiado lejos. Va a ralentizar tu proceso. A continuación, tenemos ajustes de pincel. No voy a cambiar realmente ninguna de esas cosas. Los únicos ajustes que he cambiado realmente son mi tamaño, mi flujo y mi suavizado. La única otra herramienta que podría usar en esta etapa de bocetos es mi herramienta de transformación. Entonces de nuevo, dibujando en una capa en blanco cuando agarro mi herramienta de transformación, una herramienta común en cualquier programa de dibujo. Ahora puedo mover esos elementos de forma independiente y voltearlos y rotarlos según necesite. Me encanta aprovechar las capas incluso cuando estoy dibujando y simplemente arrojar pequeños pensamientos a una esquina y simplemente hacer una nueva capa y crear formas y formas. Entonces solo los lanzo, veo cómo funcionan con otros elementos. Rara vez fundo capas o incluso las elimino. Guardo todo alrededor por si acaso lo necesito. Así que aprovecha tus capas, usa tu herramienta de transformación y consigue tu lápiz donde te guste. Ahora empezaremos a bosquejar para nuestro proyecto final. 7. Bocetos: exploración de la percepción: Hagamos una recapitulación rápida de nuestra definición de un momento de descubrimiento. Ahí está lo que mostramos al público, un personaje que se encuentra con una persona, lugar o cosa que los lleva de una realidad familiar a una ronda la fantasía. Pero luego también está lo que sabemos de la historia. Un personaje en un viaje único en la vida, haciendo un encuentro que cambiará cómo los ve el mundo y cómo se ven a sí mismos. Si puedes liderar con un concepto fuerte, tu imagen final no tendrá que hacer tanto lifting pesado. El mensaje se conectará aunque no tengas muchas habilidades de fantasía como ilustrador. Pero para despertar la imaginación y evocar preguntas con tu momento de descubrimiento, tienes que entender una cosa importante la percepción humana y es que siempre estamos buscando sentido en un dibujo. Estamos tomando las formas y formas y colores y texturas dentro un espacio definido y llegamos a un todo unificado en nuestra mente. Esa es la razón por la que vemos caras en puntos y guiones aleatorios. Preferimos respuestas en nuestras imágenes. No podemos evitar ver el todo unificado incluso en la composición más sencilla. Esta es la letra A. Nadie mira esto y ve tres triángulos y un trapecio. Ahora esta teoría en la forma en que percibimos un todo unificado en un dibujo se conoce como el principio Gestalt. Bueno, de hecho son seis principios diferentes. Ahí hay continuación, cierre, similitud, proximidad, simetría, y relación figura tierra. Todos estos principios hablan de nuestra búsqueda de sentido en las imágenes que vemos. Estamos dispuestos a seguir una línea curva alrededor de una página porque queremos entender su camino y su resolución, dónde estaba y dónde terminó. Buscamos patrones en un dibujo y llenamos huecos e información con nuestra imaginación si una imagen se siente incompleta. De hecho, es una especie de locura que nuestra imaginación esté dispuesta a hacer todo ese trabajo. Por eso la presión es realmente del ilustrador si sabes explotar estos principios y de hecho, realmente creo que los principios de Gestalt son una gran herramienta para la narración de historias de fantasía. Vamos a pasar por cada uno de ellos. Aprende un poco sobre cómo funcionan y esboza algunos momentos de descubrimiento en el camino. Esperemos que al final de este ejercicio, todos tengamos un montón de bocetos conceptuales de momento de descubrimiento y uno que sea lo suficientemente bueno para convertirse en una ilustración final. 8. Bocetos: desarrollo de conceptos (parte 1): El primer principio con el que quiero jugar es la similitud. Es uno fácil de entender. La similitud es la forma en que percibimos los elementos como parte de un grupo. Por ejemplo, una serie de personas triangulares se sienten unificadas por su forma. Podrían literalmente ser una familia. Se puede implicar similitud usando forma. Puedes hacerlo con talla, así que hay algunos niños y aquí hay dos padres. Entonces por supuesto lo puedes hacer con color. Hermano y hermana, compañera. Estos dos están enamorados. Se pueden crear similitudes dentro de un grupo de todo tipo de niveles de complejidad. Llevemos eso un paso más allá y digamos, bueno ahora qué pasa cuando colocamos una anomalía en el grupo. Triángulo, triángulo. De hecho, tenemos toda una colonia de triángulos y de pronto llega un círculo. Ahora tienes una historia. Mucho artistas fantásticos enraizados en ideas como un artefacto legendario, un ser único, una criatura mítica, una ocurrencia singular que interrumpe el patrón de la vida normal. La presencia única crea un sentido de expectativa. Es probable que este sea el protagonista al que estamos siguiendo, pero ¿esta cosa singular es algo bueno para el sistema o es algo malo para el sistema? Fantasía y ciencia ficción ama a ese extraño en un extraño trope terrestre. Es una forma de explorar relaciones con esperanza y miedo. Por ejemplo, podemos ir aún más lejos con esto. Podemos bosquejar a un humano emocional que acaba de llegar a un mundo de telépatas inemocionales. Ondas cerebrales. Este personaje es la anomalía en el sistema. Este es el momento de descubrimiento para ambos grupos y a partir de ahí podemos especular sobre lo que podría suceder a continuación. Esta vez veamos la proximidad. La proximidad sigue similitud y que hace que las cosas se relacionen. Ocurre cuando se colocan elementos de cualquier tipo dentro de una cercanía entre sí. tanto que la similitud se centra en los propios objetos, proximidad se trata de los límites. El intento detrás de la disposición de las cosas. La cercanía implica una fuerza exterior. Estas formas parecen estar bajo dominio militar. Por lo tanto, la proximidad implica una fuerza de poder. Aquí te dejamos un poco de agua dada proximidad por las inéditas orillas del río. Ya que estamos hablando de arte de fantasía, veamos la proximidad como una fuerza sobrenatural. Aquí está, digamos dos magos. Ahora digamos que el mago número dos tiene más poder que el mago uno. Usa la proximidad para mostrar su control de sus talentos mágicos. mago número uno está flotando un montón de formas alrededor en el espacio, pero no tienen relación entre sí, por lo que no parece que esté en control de sus talentos. Pero mago número dos, si tomamos el mismo tipo de formas aleatorias y planeamos las cosas un poco más cuidadosamente, vamos a limpiar algunas cosas a lo largo de los bordes aquí. A veces quitar es tan importante como agregar. Ahora mago número dos tiene un claro control sobre sus poderes, donde el mago número uno no lo hace. Supongo que el mago número dos es el elegido y tiene que luchar contra el malvado Rey Lagarto que se ha apoderado del mundo magico. Buena suerte mago número dos. Aquí estamos viendo que la proximidad puede ser impulsada por el carácter. Incluso podemos usarlo para mostrar relaciones emocionales. Digamos que tenemos un gran dragón fresco, que parece muy aterrador y mortal. ¿ Alguien puede controlar posiblemente a esta bestia? Añadamos otra capa, y dibujemos a una joven. Tomemos nuestra herramienta de transformación y la moveamos. Si está por aquí, realmente no tiene cercanía con la bestia, está de pie sola, enfrentándola , mirándola. Pero si la ponemos frente a la criatura así, ahora parecen tener alguna relación, y podemos jugar con eso. Si ella está de pie sobre su cabeza, tienen una relación juguetona. Si está parada aquí frente a la criatura, claramente el monstruo no la va a atacar y eso evoca la pregunta, ¿cómo se conocen estos dos? ¿ Por qué el monstruo no es violento con ella? ¿ Tiene alguna conexión telepática? ¿Quién sabe? Ondas cerebrales, ondas cerebrales. Proximidad. En el siguiente capítulo veremos la simetría, la continuación y el cierre. 9. Bocetos: desarrollo de conceptos (parte 2): Echemos un vistazo a la simetría a continuación. simetría ocurre cuando una forma se refleja en otra parte de la composición. Lo obvio está aquí, una mariposa es simétrica. La simetría es algo por lo que nos sentimos atraídos. Pero no se trata solo de ser bella. Es más que eso. Se trata de apelar y su relación con nuestro sentido de la visión. La simetría puede sentirse tranquila, puede sentirse natural, puede sentirse elegante, y puede sentirse poderosa. Siempre me ha gustado mucho ese poema de William Blake, el Tyger Tyger, quemando uno brillante. Básicamente dice que ¿cómo puede algo tan hermoso y tan simétrico atraparnos sólo para amenazarnos? Eso es lo que quiero decir con simetría es más que belleza. Es atractivo, y la apelación también puede ser un señuelo peligroso. simetría implica que hay dos lados de algo, y ambos se requieren para ver el conjunto. La simetría puede ser reflexiva así, reflejada sobre una línea, pero también puede ser radial. Eso significa que gira alrededor de una forma circular. La simetría radial abre las cosas porque las dos formas se sienten unificadas y algo reflectantes. Pero también hay más en la relación. Están atados juntos. Tienen sentido del movimiento y podemos ver un aspecto de orden y caos en juego. Si queremos contar una historia con simetría, vamos a crear, digamos agua, una superficie reflectante. Esta es nuestra línea de simetría. Digamos que una joven se acerca al estanque mágico, y luego en él ve un reflejo de sí misma. Ahora tenemos un momento de descubrimiento. Hemos planteado una pregunta para que este personaje responda. Ya has visto mucho el tropo gemelo malvado en el trabajo de fantasía. Es muy provocador porque tienes que imaginarte estar conectado a algo, ser atraído por algo familiar a pesar de saber que es un problema. continuación se produce cuando el ojo se ve obligado a moverse por un objeto y continuar hacia otro. Digamos que tenemos un planeta desértico sin vida, y tenemos un explorador en un viaje. Tu ojo sigue el suelo y luego viaja hacia arriba hacia el personaje. El principio de continuación es tan fuerte. Podemos romper el flujo del pasado y aún así estar seguros de que el espectador puede seguir la historia. Vamos a cortarle esta parte. Eso son algunas espiras y peñaladas rocosas al paisaje. Todavía somos capaces de seguir el camino del personaje sin pensar demasiado en ello. La continuación puede presentar una sensación de movimiento y un paso del tiempo en una imagen fija. El largo de una línea determina la duración y duración del viaje. Cuanto más larga sea la línea, más tiempo pasa. Nuestro ojo busca un principio y un fin a una idea. Pero en el arte de fantasía podemos jugar con las expectativas y usar este principio para atrapar al espectador en un bucle, haciendo que cuestionen las reglas de la realidad, espacio, el tiempo, la física, de lo que quieras hablar. Sorpresa Soy un gran fan de M.C. Escher, y se trata de jugar con nuestras expectativas de continuación, y eso es lo que hace que su arte sea tan cool. El cierre es una variación en la continuación. Pide al espectador que siga no sólo un camino visual, sino que utilice todas las pistas proporcionadas para llegar a una conclusión mayoritariamente autodeterminada. Aquí hay un hoyo. Se puede evocar la necesidad de cierre de un espectador dibujando una parte de algo que implica un agujero, como un brazo. Este poco de detalle pide al público que utilice su imaginación para completar un concepto incompleto. Aquí está la cosa. Evocar la imaginación de un espectador es la habilidad más poderosa que un ilustrador puede desarrollar. Pero no es fácil hacerlo bien. Tienes que presentar un caso convincente para el público incluso se moleste en seguir tu idea. Este brazo no es muy convincente. Usar una sensación de miedo podría ser mucho más convincente. De hecho es la mejor manera de llamar la atención de alguien. ¿ Y si usamos un gran monstruo aterrador tiránico, goteando con otro lodo salvajemente? El asunto desde más allá es un tropo popular de fantasía y terror utilizado para atraer la imaginación de un público a lugares más allá de la comprensión. Para ser francos, lugares más allá de donde el ilustrador podría incluso ir por su cuenta. abstracción es otra forma de evocar el cierre. Cuanto menos digas, mejor. Una silueta puede ser más impactante que una imagen totalmente renderizada simplemente por lo que no muestra y nuestras mentes necesitan llenar los vacíos. Eso es cierre. Retención de información y presentación de preguntas es cómo juega un ilustrador con una percepción de espectadores. Ahora volvamos a través de nuestros bocetos, veamos cuáles realmente se adaptan al concepto del momento del descubrimiento, y escojamos uno para nuestro proyecto final. 10. Del concepto a la composición: Una buena composición debe leer desde la distancia. Entonces mientras estoy navegando por estos y decidiendo cuál escoger, voy a pensar en un par de cosas. En primer lugar, quiero que mi narrativa para mi momento de descubrimiento sea más impulsada por los personajes. Me conecto más con el Jardín Secreto, tipo de historia que con un viaje al centro de la Tierra, que se trata más de la ciencia y teoría y sentido de asombro de la época donde se trata mucho un jardín secreto los personajes y sus experiencias. Este lee muy bien por sí solo. Es bastante sencillo. Casi se puede obtener el mensaje sin ningún texto o yo explicando qué es. Este equilibrio entre el bien y el mal, algo que ves y arte de fantasía, cosas como Star Wars, ves mucho el conflicto del bien y del mal. Pero hay mucho que puedes hacer con qué tipos de personajes utilizas para mostrar esta relación de equilibrio en contraste. Volvamos a saltar al fresco y empecemos un nuevo documento, 3600 por 3600. Alejemos un poco aquí, voy a agarrar mi lápiz de bocetos y lo voy a escalar hacia abajo solo para tocar. En cada capa, voy a exponer algunos de los conceptos básicos de la composición. En primer lugar esta idea del estanque. Vamos a llenarlo para que sea una forma. No voy a hacer un círculo perfecto, quiero que se sienta un poco orgánico. Añadamos otra capa, y aquí voy a poner a mi personaje principal. Por alguna razón, lo primero que viene a la mente con esto es que el personaje parecía infantil. Entonces vayamos con un niño pequeño, y la única manera que realmente necesito distinguir eso ahora mismo es con las proporciones del cuerpo, sobre todo si tienes una caricatura con estilo como yo. Cuando estás dibujando a un niño, por lo general su cabeza es un poco más de tamaño. Ese es el único factor definitorio, y van a estar arrodillados. Entonces ahí están los dedos de los pies así, aquí están las piernas dobladas detrás de ellos, y voy a poner sus brazos abajo en el suelo así, aquí hay un poco de pelo. Voy a darles un poco de una silueta distintiva. Voy a resolver los detalles de este personaje un poco más tarde, pero quiero que aspectos de ellos se sientan únicos. Entonces cuando refleje el personaje en el estanque, puedo crear una variación de aspecto más siniestro sobre esto. Por lo que en el arte de dibujos animados, generalmente formas como la clásica forma del cuerpo de Mickey Mouse es suave y amigable. En tanto que una forma triangular se siente un poco más agresiva. Esta es tu forma de héroe, esa es tu forma de villano si quieres ser completamente simple con ella. Entonces si este es el carácter de orden y entonces el agua es el carácter caótico. Este personaje va a tener los bordes del software a su diseño. Aviso de nuevo, esto no se trata de hacer correcta la anatomía. Se trata de usar las formas adecuadas para el proyecto. Observe que accidentalmente dibujé algo de este personaje en esta capa, tienes que tener cuidado con tus capas porque pierdo un poco de ese detalle. Entonces sólo voy a borrar algo de esto. El genial con el fresco es que obtienes este pequeño botón de acceso directo que cambia tu pincel a una goma de borrar. Voy a duplicar esta capa, y luego voy a usar mi herramienta de transformación aquí, y voy a poner este personaje y el agua. Aquí es donde realmente se puede ver el beneficio de poner elementos en diferentes capas. Voy a seguir cambiando estas cosas hasta que la composición se sienta bien. Permítanme agregar primero en mis antecedentes. Entonces tengo un niño pequeño, ¿cuál sería un buen escenario para un niño? Eso podría estar en su recámara, pero supongo que no tendrías un estanque en tu recámara, así que están fuera seguro. Podrían estar en la escuela, tal vez sea receso en esta chicas en el patio de recreo, y la idea es que caminara hasta el borde del patio de recreo, vio este estanque, tal vez se sienta aislada de sus compañeros. Entonces está vagando sola, ve el estanque, y en el estanque es un reflejo de sí misma y se da cuenta de que es una versión alterna. Entonces echamos un vistazo a cómo se ve ese mundo. Detrás de ella, voy a poner el patio de recreo. Supongo que lo bonito de un patio de recreo es que se siente algo impulsado por el diseño del mundo de fantasía. Tienes estas pequeñas torres y hay un tobogán, cuerda, escalera. El diseño de un patio de recreo se presta a contar historias porque es un lugar para los niños ejerzan su imaginación, funciona perfectamente. Voy a dejar que eso se siente ahí mismo, y ahora me voy a desplazar a estos elementos alrededor como si sus apoyos y personajes en un escenario. Entonces quiero que mis antecedentes se sientan por aquí, mi línea de horizonte está baja. A mí me gusta solapar elementos visuales, pero voy a centrar un poco más este personaje. A lo mejor escalarla solo un poco para que sea más una presencia en la composición. Vamos a clonar esto y voltearlo, y los turistas dejan eso en segundo plano. Voy a aligerar esta capa, voy a abrir esto, que son las propiedades de la capa, aligerar un poco eso, y sólo voy a fusionar todos estos juntos. Ahora no puedo pensarlo de más. 11. Bocetos de los detalles: Ahora podrías estar contento con tu versión del boceto. Para mí, hago un boceto encima del boceto, solo para aflojar un poco todo el asunto. Por lo que ahora voy a desarrollar un poco más la personalidad de estos personajes para encontrar algo del paisaje y el escenario. Voy a reducir mi pincel un poco y tal vez cambiar el suavizado sólo un poco. Quiero apuntar la cara de este personaje al otro personaje y para hacer eso, realmente tienes que empezar con la nariz del personaje. A lo mejor le daremos a este personaje un par de gafas para ayudar a definir sus ojos. Enfatiquemos un poco estos. Parecen ser ella definiendo el comercio visual en este punto como personaje. No tiene mucha personalidad. A lo mejor es niña de primer o segundo grado, una soltera. Tiene una gran imaginación. Yo quiero que parezca que se inclina un poco sobre el agua. Entonces voy a empujar el cuerpo hacia atrás, poner los brazos hacia adelante así y sólo voy a borrar un par de líneas callejeros. Entonces tuve una sensación de lo que se está superponiendo, dónde. El genial de los dibujos animados es que es realmente fácil hacer que los personajes sean muy expresivos. Entonces aprovecha eso. Entonces ahí está lo anterior, la chica del agua. Añadamos otra capa para el fondo. Vamos a trabajar el personaje secundario antes de pasar al escenario. Voy a dar la vuelta a todo esto. Este personaje se va a asemejar a este personaje, pero ser un poco más puntiagudo y más agresivo. Entonces tal vez empecemos con la nariz puntiaguda. Tiene una sonrisita amenazante, posiblemente dientes de vampiro. Simplemente corta el mismo peinado más o menos. A lo mejor señala sólo un poco, una especie de demonio Elvista . Este personaje, tal vez tenga un poco más de agencia en su mundo. Entonces tal vez su atuendo solo se siente un poco más formal. Al igual que podrían ser realeza en sus tierras. A lo mejor están a cargo de algo y eso es parte del sorteo para este personaje. Apagemos esa capa y echemos un vistazo a estos personajes. Creo que eso es un contraste suficientemente bueno. Ambos tienen una sensación amigable con los niños, que es un estilo que me gusta, pero se puede ver la diferencia en ellos. El parque infantil del mundo real debería sentirse más suave y amigable y entonces esta oscura realidad alternativa podría ser más castillo inspirar como más rocosa. Aquí está nuestro elemento de fondo. Podemos decir que este es el medio suelo y entonces el verdadero primer plano va a ser esta línea del agua. Bueno, vamos a ver aquí. Definamos el filo de los bancos. A lo mejor por aquí vemos algunas rocas y pasto asomándose. Como estaba diciendo con la ilustración secreta del dibujo, parte de la ley de esa composición es la forma utiliza la perspectiva de un solo punto para llevarte a lo mismo. Tanto de esa historia se trata de sumergirse en el jardín. Para que puedas añadir elementos visuales para dibujarte en la composición. Tanto del arte de fantasía al que me refería antes hace eso, la línea en la que en el armario se cubre con la perspectiva de un solo punto, algunas de las tapas del libro desde el principio, te estaba mostrando cómo los personajes en primer plano, y te empujan al diseño con algunos elementos visuales como pequeños. Podría incluso agregar algunas ondas al agua. A lo mejor se cruzan con este personaje para que no logremos una lectura completa sobre ellos. Están en una realidad alterna en la que aún no hemos entrado. Este es solo el momento del descubrimiento. Ahora, lo bonito aquí otra vez es que tengo estas cosas en diferentes capas, así que puedo cambiar un poco a este personaje hacia abajo. De verdad la quiero a orillas del río y voy a empujar este látigo de personaje también. Reducirla un poco. Cuando paso a mi etapa de coloración y entintado, puedo crear algunos efectos visuales que hacen que esto parezca un reflejo y hagan que esto parezca el mundo real. Entonces eso es todo por la etapa de bocetos. Pasemos a la obra final. 12. Entintado con Fresco: Hablemos de los tipos de pinceles que tenemos a nuestra disposición aquí en fresco.Probablemente tengas algo similar en tu programa de dibujo si estás usando algo diferente. Voy a empezar ajustando la Opacidad de esta capa, bajándola a cerca del 30 por ciento. Voy a tinta con negro. Si mi boceto también es negro, va a ser difícil distinguir las líneas. Voy a hacer una nueva capa para practicar. Saltemos a la cara de este personaje y probemos nuestras opciones de pincel. Pixel Brush consiguió todo tipo de herramientas de entintado. Me voy a pegar con el bolígrafo belga Comics, que simula un bolígrafo de punta tradicional. Algo que es muy popular en el arte tradicional de la mano y del cómic. Lo genial del fresco es que es realmente bueno simular herramientas tradicionales de dibujo a mano libre. Por lo que tienes algunas opciones de tinta geniales. Voy a golpear la estrellita ahí y ahora tengo mi bolígrafo belga de Comics en mis favoritos. Estoy manteniendo la tinta negra, estoy manteniendo el tamaño de mi pincel a unos 30, y estoy ajustando el Smoothing apenas a unos 20. Entonces hay un poco de control. No hay fricción en la forma en que hay fricción de papel cuando estás dibujando tradicionalmente. Necesito un poco de Smoothing. De lo contrario, mi bolígrafo se mueve más rápido de lo que esperaba como alguien que está tan acostumbrado a dibujar tradicionalmente. Con un poco de suavizado, tengo más control. Si pongo esto todo el camino hacia abajo, es sólo un poco demasiado dispersa. Por lo que solo un poco de suavizado ayuda. Con el pincel de píxeles obtienes un bonito efecto de entintado de aspecto tradicional. Si has entintado con puntas antes de que tengan un punto de metal así como las estás moviendo a través del papel, están cortando a través de la pulpa del papel de eso. Lo que le da hasta una línea limpia un poco de rejilla en los bordes que la tinta se desangra. Esta herramienta de entintado simula eso. A mí me gusta este plumín. Tiene un poco de humanidad en ella, está suelta, hay mucha textura. Si tienes un buen control de la mano o te gusta un look descuidado este plumín, el pincel belga Comics, va a funcionar para ti. Pero si quieres un efecto más limpio, puedes o bien subir el Suavizado. Pero de nuevo, aún tienes este ruido de píxel. Probemos los Pinceles Vectores, que son un par de herramientas aquí abajo. Voy a bajar esto un poco porque esta línea tiene un efecto totalmente diferente. Se trata de una obra de arte de herramienta Vector. No es hacer pixel art. Está haciendo alguna línea basada en algoritmos. El beneficio de eso es que se puede escalar infinitamente. Ya ves no importa lo lejos que acerque, la tinta conserva su efecto nítido. De hecho, echa un vistazo. Cuando hago zoom en los píxeles, se puede ver la cuadrícula del píxel aquí. Puedo dibujar dentro de un solo píxel con esta herramienta Vector. Si te gusta el detalle y te encanta el trabajo de línea de punto de aguja limpia, lisa, esta es la herramienta para ti. A mí sí me gusta este efecto. Pero para este proyecto quiero mantener las cosas un poco más sueltas. Yo quiero que se asemeje a una ilustración de mano libre más tradicional. No quiero tanto control sobre la línea. Eso es hermoso. 13. Entintado de los personajes: Voy a saltar de nuevo a mi pincel belga y voy a empezar a entintar a mis personajes. Voy a empezar con la protagonista de mi historia, esta jovencita. Porque tengo tanta confianza en la composición de mi boceto. Pensar realmente libera mi toma de decisiones. Yo sólo puedo entrar aquí y divertirme un poco trabajando con estilo. Yo inclino un poco mi dibujo, así puedo conseguir alguna bonita curvatura en mi línea, y voy a trabajar con bastante rapidez porque el entintado se ve mejor cuando está suelto. A menos que realmente lo vuele en una línea, no voy a redibujar. Cuando estás dibujando simplemente el pelo es cuando son tus oportunidades para definir realmente un personaje, y su personalidad a través de sólo un visual. Así que pasé un poco de tiempo trabajando en los detalles del cabello. En este caso, es extra importante porque representa parte de su silueta contra la que quiero jugar en la versión malvada, caótica de su personaje. Yo le voy a dar mangas cortas. Ella está en un patio de recreo. Yo quería tener un look más casual sobre ella. Algo contra lo que también puedo jugar en el otro personaje. Incluso la ha puesto en un par de pantalones cortos de veraneo. Ahí vamos. Ahí está nuestro personaje principal. Crea a nuestro antagonista. Si bien este personaje es redondo y más suave, este personaje va a ser un poco más puntiagudo. Debe tener reflejados sus aspectos, tendrá apenas un poco de variación que le suma algo de riqueza a la historia. Entonces justo fuera del bate y vamos a hacer una nariz más puntiaguda. Nuevamente, puntiagudos se siente más villano y peligroso. Sus ojos parecen felices, pero también tienen un poco de punto para ellos también. En realidad voy a dejar fuera los dientes y sólo darle un poco de una sonrisa retorciosa si sí tiene dientes de vampiro. Todavía no sabemos de ellos. Ahora los brazos, este personaje no está en mangas cortas. A lo mejor es una joven princesa o incluso una joven reina del castillo. Tenemos la sensación de que ella tiene más de un disfraz formal. Ahí vamos. Tenemos dos versiones opuestas del mismo personaje. 14. Entintado del ambiente: Saltemos a los elementos de fondo. Voy a dar la vuelta a esto y empezar con el patio de recreo. No quiero agregar demasiado detalle a los elementos de fondo. Detalle llama la atención. Los personajes principales deben mantener nuestra atención. Esto es solo sabor extra para la historia. Voy a mantener la línea bastante simple, como para el techo, sólo voy a hacer un par de pequeñas vieiras. Yo sólo voy a establecer el marco básico. El patio de recreo es muy geométrico. Esperemos que tenga solo detalle suficiente para que sepas lo que es sin llamar demasiada atención sobre él. ¿ De acuerdo? Ahora, para el castillo de aquí, va a tener el tipo de efecto opuesto. El silueta va a ser similar como el conjunto de columpios se refleja en el volcán. El elemento principal de diapositiva es el castillo pero el trabajo de línea es sólo un poco más amenazador. Casi como una criatura. El humo del volcán es un efecto atmosférico. No lo voy a tinta, lo voy a dejar por etapas de coloración y mi capítulo de efectos de fantasía para mi capítulo de efectos de fantasía mostrarte algunas más de las opciones de herramientas geniales que tenemos con este programa. Veo una oportunidad para crear un rostro aquí y por supuesto, siempre queremos meternos con la percepción de los espectadores. Hagámoslo. Esa clase de cosa de cráneo gris castillo pasando. Tenemos a los personajes principales, los elementos de fondo, y ahora vamos a trabajar en primer plano aquí. Nuevamente, estos elementos sirven un propósito en la composición. Los pastos y las rocas están diseñados para enmarcar al personaje y llevarnos a esta escena. la misma manera que la ilustración del jardín secreto nos atrajo con una especie de perspectiva de un solo punto. Estos elementos visuales nos van a empujar al diseño. Vamos a añadirlos a una nueva capa. Empieza por traer algunas de estas rocas. Las rocas están esparcidas por la orilla. Ahora, aquí mismo, hay una oportunidad de crear demasiada tensión. Al igual que si hacemos demasiado trabajo de línea aquí que dibuja la mirada directamente a esas intersecciones de línea. Eso no es bueno. Queremos que la atención se mantenga en la cara del personaje y no queremos obstruir esta conexión. Ahora vamos a hacer un poco con el pasto. Podría tinta todas estas individualmente pero de nuevo, eso podría ser demasiado detalle. Entonces sólo voy a hacer más de un esbozo. Es pedacitos de hierba nos van a mostrar el borde del agua. Necesitamos sólo un poquito pero de nuevo, no queremos intersecarnos demasiado aquí. Está bien, estoy bastante contenta con ello. Este es nuestro arte básico de línea, no mucho contraste aquí aún aparte de los ojos. En la etapa de coloración, voy a pensar en cómo puedo empujar la historia hacia adelante, mostrar las similitudes y los tipos de personalidad opuestos, después de eso crearía algunos efectos visuales en el agua, separando el mundo de fantasía aquí del mundo real. 15. Coloreado de los personajes: Antes de empezar a colorear, quiero asegurarme de que mis capas estén todas en orden. Aquí puedes ver que he puesto todas mis capas en una carpeta. En Fresco, puedes hacer eso agarrando una capa y arrastrándola encima de otra capa. Ahora están todos recogidos. Puedes cambiarlos y ponerlos en orden si es necesario. Tienes una función similar en Photoshop o Procreate o cualquier otra herramienta de dibujo digital. Ahora que esos están agrupados, puedo crear una nueva capa para empezar mis colores base. Mis colores base solo van a ser muestras de color sólido que establecen la paleta de colores. Posteriormente, añadiré textura en efectos encima de eso porque Fresco tiene algunas opciones de pincel de textura bastante dulce. Por ahora, solo estoy agarrando mi pincel de píxeles, y puedes ver en mi sección favorita, agregué la Pluma cómica clásica. Lo encontré en tinta, Classic Comic Pluma. Echemos un vistazo a por qué es un buen ajuste solo para un pincel de color base. Tiene una opacidad sólida, lo que significa que puedo ponerla en capas, sin crear variación en el color. Tiene un poco de textura en su borde, lo cual es agradable para darle un poco de campo dibujado a mano. Además funciona como mi punta o un pincel y que cuanto más duro presiono hacia abajo, más ancha es la línea. Por lo que hace que sea fácil colorear en todo un solo gesto sin cambiar mis herramientas. Voy a empezar por colorear los principales atributos del personaje en orden. Primero me voy a centrar en el cabello del personaje. No quiero ir demasiado vibrante porque quería sentir que está en el mundo real y el otro personaje en el agua será vibrante en otro mundano. Voy a escoger un morado, pero va a ser una especie de grisáceo púrpura, por lo que se siente más a tierra. Yo sólo voy a poner ese color base. Ahora, para crear una paleta de colores icónica, me gusta trabajar con esta teoría llamada teoría triádica del color. Es algo de lo que hablo en mi clase, Mundo del color. Esa es una buena manera de crear una paleta, una paleta sencilla y refinada que hace que tu personaje sea muy distinguible porque los colores están todos en alto contraste entre sí. Ahora voy a crear un tono de piel para este personaje. Los tonos de piel se basan justo por aquí en la zona naranja-rojiza. No vayas al amarillo porque te vas a poner tonalidades de piel muy aburridas, como fangosas y no te vayas demasiado lejos en verde amarillento porque entonces vas a conseguir una especie de extraños colores oliva. Empieza con esta zona. Después sólo tienes que cambiar hasta obtener un tono de piel que te guste. A continuación, voy a añadir algunos de los detalles. Echemos un vistazo al cabello aquí. Tengo este bonito morado y un cumplido al morado es amarillo. Entonces hagamos que sus pequeñas corbatas de pelo de color amarillo brillante. Quiero que los ojos destaquen del tono de piel. Voy a usar un azul claro, muy pálido. Entonces tenemos una sensación del vidrio, pero no queremos demasiado color en ellos. Ahora vamos a hacer sus zapatos. A lo mejor ella tiene algo divertido de rojo brillante converse. A este chico le encanta el rojo. Voy a usar un rosa realmente pálido para el calcetín. Ahí hay un chico de aspecto bastante realista. Yo sólo voy a pasar y retocar algunos de estos colores. En Fresco si sostienes con el dedo, obtienes la herramienta cuentagotas para que puedas probar tus colores. Voy a probar el rojo de la camisa, toqué eso, y sólo limpiar un par de manchas en la piel y el cabello. Ahora cuando voy a colorear a mi personaje en el agua, quiero que se sienta más sobrenatural. Entonces voy a usar colores realmente vibrantes con ella. Nuestros colores cálidos están por encima del agua y nuestros colores fríos van a estar por debajo. A ver. Empecemos con su tono de piel. Voy a ir con una especie de sombra de verde. Uno de mis esquemas de color favoritos en el arte de fantasía es el morado y el verde. Eso es algo que fue popular en los años 70, arte de color para la construcción mundial como el diseño de monstruos o la atmósfera planetaria. Los colores sobrenaturales y el arte de fantasía suelen tener mucho verde y morado. Aquí vamos. 16. Fondo, sombras y resaltado: Seamos creativos con nuestro enfoque del color en el fondo. Por supuesto, existe la opción de simplemente agarrar la herramienta de cubo de pintura, llenarla con un solo clic, creando este gran bloque de color sólido. Esa no es la peor idea del mundo, pero a veces una solución fácil como esa nos distrae de nuestras otras opciones posibles. Si bien la página en sí es una plaza, dentro de esa plaza, existe la oportunidad de usar la forma para jugar con la experiencia de los espectadores de la escena. Una de mis mayores influencias a la hora de la composición es el Movimiento Modernista de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Fue una era de experimentación, sobre todo dentro de las artes del libro. Algunos de los artistas más interesantes de la época, estaban integrando el color y la textura del propio papel en su composición impresa. Aquí te dejamos una ilustración de uno de mis ilustradores favoritos, Aubrey Beardsley. su composición se muestra al mago, Merlín, atrapado en un portal tallado en el propio libro. Ahora, piensa en cómo este estilo de encuadre cambia tu percepción de la escena. Hablo más de ilustración Art Nouveau y experimentación gráfica en mi clase, ilustración por diseño. Si ese es un tema en el que estás, echa un vistazo. Pero este enfoque de la composición y el mundo de las artes del libro siguen apareciendo en la fantasía y la Ciencia ficción es estática, sobre todo en los '60 y '70. Mira la forma en que el espacio negativo, el color en forma dentro de estos fondos cambian nuestra relación con la escena. Aporta un poco de surrealismo a una ilustración, y es una técnica que puede o no haber notado que sucede en algunas de las ilustraciones mías que compartí antes. Voy a poner esa técnica a utilizar en esta escena también creando un portal para que observemos a estos personajes en su momento de descubrimiento. Al agregar este sencillo elemento gráfico, todo mi enfoque para colorear esta escena está realmente cambiado. En lugar de simplemente definir el cielo y el suelo aplicando una línea de horizonte, voy a crear un lavado nebuloso de transición detrás de los personajes. Para conseguir ese efecto, voy a necesitar hacer algunos gestos amplios con mi pincel. Porque no quiero preocuparme por salir de los bordes de este marco que he creado, voy a bloquear la transparencia de esta capa. Cuando bloqueas la transparencia, evitas que el color se filtre fuera del rango de píxeles que ya has creado. Los píxeles transparentes seguirán siendo transparentes. A continuación voy a mis pinceles de píxel y seleccionando el pincel redondo suave gradiente. Tiene un efecto de aerógrafo. Voy a pasar de la luz del día a la hierba, al agua, al cielo nocturno de este mundo imaginario. Sin agregar la forma a mi marco, no me hubiera ocurrido esta idea así que, dale una oportunidad en tu composición. A continuación, voy a definir algunos de estos simples elementos de fondo, usando el mismo enfoque que utilicé en mis colores base sobre mi personaje. Estoy agarrando mi clásico plumín cómico y usando un esquema de colores ligeramente más opaco y los elementos de fondo, para que no distraigan de mi personaje. Para ayudar a que estos elementos se mezclen con mi fondo, voy a establecer su propiedad de capa para oscurecer y bajar la opacidad a alrededor del 60 por ciento. Parecen sentarse encima del fondo, pero también se integran con ese esquema de color. Voy a dar la vuelta al dibujo y hacer lo mismo por el castillo. Voy a subir a la superficie y añadir un poco de verde opaco a la materia vegetal y un poco de gris a las rocas. Ahora que tengo toda mi escena coloreada, voy a empezar a crear efectos atmosféricos para aportar un poco de realismo al diseño. Antes de agregar sombra y resaltar, voy a fusionar mis capas de color base todo el camino hacia abajo y detenerme justo antes de llegar a mi fondo. Voy a dejar eso por separado, si acaso quiero mover algunas cosas o aplicar diferentes texturas y efectos a los personajes y al fondo. En una carpeta nueva, voy a crear una nueva capa y ponerla por encima de mis colores base. Voy a añadir sombra y resaltar. En primer lugar, tengo que decidir dónde están mis fuentes de luz. Digamos que está sobre el hombro izquierdo de la niña en el patio de recreo. Mi acercamiento general a la sombra es escoger un color morado profundo. Asegúrate de que estás en una nueva capa. Establezca esa propiedad de capa para quemar color. Te darás cuenta cuando estires el color, interactúa con los colores debajo de él. este momento, la opacidad es demasiado alta en esta capa. Voy a ponerlo a unos 30, y ahora se mezcla de una manera más sutil. Esta es una forma rápida de crear sombra sin saltar a través de un montón de colores. Debido a que el sol está detrás de la niña, mis sombras son muy prominentes, sobre todo en la materia vegetal. Este es un momento importante para crear algún contraste fuerte en tu diseño. Mejora el estado de ánimo y hace que tu ilustración sea más atractiva en general. Las sombras también son agregan un poco de textura a la composición, algo en lo que entraremos más adelante a medida que añadimos efectos visuales en el siguiente capítulo. Esta ilustración no requiere muchos aspectos destacados, pero todavía voy a pasar por el proceso. Voy a hacer una nueva capa, y esta vez voy a establecer mis propiedades de capa para aligerar. Una vez que creo todos los aspectos destacados que posiblemente podría querer, paso y evalúo cuáles realmente quiero conservar. Voy a agarrar mi borrador, establecer el flujo realmente bajo para que sea suave y noquear parte de la intensidad de algunos de estos reflejos. No quiero una mirada completamente plástica en estos personajes y elementos de ajuste. Estoy contento con la ilustración hasta este punto, pero todavía se siente un poco limpio. Quiero crear más de un sentido de ambiente y agregar algo de textura para darle más carácter a la ilustración y empujar el sentido de un mundo de fantasía y este entorno submarino. Nos meteremos en eso en el próximo capítulo. 17. Pinceles y efectos de Fresco: Toda la textura y efectos que quiero añadir a la escena necesita restringirse al marco tambaleante. Entonces para hacer eso, voy a crear una máscara. Ahora, no hay herramienta de varita mágica como en Photoshop para seleccionar blanco y construir una máscara desde. Entonces lo que tengo que hacer es que voy a clonar la capa de fondo. Entonces voy a enmascarar el contenido de la capa y eso crea una máscara basada en esa capa, que se puede deslizar de ida y vuelta entre la máscara en la capa real. Voy a usar el borrador, y primero apagaré esta otra capa, y borraré esa capa. Desbloquea la transparencia ahora todo lo que ponga aquí va a acatar esa máscara. Significado que puedo crear efectos y así sucesivamente que sólo se ven en este telón de fondo. Déjame crear otro de estos y guardarlo para más tarde. Algo con lo que estoy ansioso por jugar en Fresco es la herramienta de pincel en vivo. Construyeron este gran motor de pinceles para simular efectos de acuarela. De vuelta cuando trabajaba tradicionalmente, usaba la acuarela exclusivamente. Es mi medio favorito para pintar, pero no ha habido un buen equivalente digital para la acuarela, algo que permita que el pigmento fluya a través del agua y de forma natural. Pero esta cosa se acerca bastante, así que vamos a probar por encima de la capa de fondo. Agarremos un tono de azul y ajustemos la mezcla para multiplicarse. Veamos cómo se ve esto. Echemos un vistazo a los ajustes aquí por un segundo. Se puede ajustar la cantidad de agua en el cepillo así como el tamaño del Pincel y el flujo. Menos flujo, menos pigmento. Voy a bajar un poco el flujo, y voy a subir la vía navegable. Se puede ver que se obtiene esta bonita sangría estilo acuarela. Ahora puedes cambiar la opacidad del color hacia abajo a transparente y obtener un bonito desvanecimiento. Voy a hacer el mismo efecto en el cielo por encima de la chica. Vamos a volver a clonar esta capa, así que tengo otra. Este va a ser de un color. El imperfecto de la acuarela es su atributo más cool. Pero a veces terminas con un poco más de lo que esperabas, eso es demasiada naranja. Un pequeño truco en Fresco que podrías hacer, que es un atajo y procreate similar, deshacer de dos dedos, rehacer de tres dedos. Voy a mantener ese acento ahí, es un bonito poco extraño en el diseño. Muy bien a continuación, encima de todo, quiero crear una sensación de cristalería por encima del agua. Entonces intentémoslo, el pincel de acuarela, encima de todo. Los efectos son una parte importante del arte de fantasía. Es una forma de tomar la realidad y darle la vuelta de cabeza. Pero tiene que acatar algunos lineamientos. Pueden ser colores extraños, pero tienen que sentirse como cosas que hemos visto en el mundo real. De lo contrario, la realidad que estamos creando, no se siente como si pudiera existir. A continuación, quiero agregar un poco de textura al mundo sobre el suelo. Voy a hacer una nueva capa, configurarla para que se multiplique, agarrar y tener un color púrpura. Probemos salpicar. 18. ¡Resúmelo!: Ahí lo tienes, mi ilustración final. Espero que estés ahí afuera trabajando en un dibujo propio, y si lo eres eso significa que pronto lo estarás publicando en la sección de proyecto de clase. Si estás trabajando con Fresco, aquí te explicamos cómo vas a exportar tu trabajo para publicar. Con tu proyecto final abierto, haz clic en “Publicar y exportar” en la esquina superior derecha de la barra de menús. El menú Compartir aparecerá, haz clic en “Exportar como”, dale un nombre a tu proyecto. Cambia el formato a JPEG, si no está ya ahí. Establezca su calidad en alta y golpee “Export”. Ahora exporta el archivo simplemente haciendo clic en “Guardar imagen” y agregándolo a tu app de tablets Photo. Para que puedas acceder directamente a él o enviarlo a un servicio basado en la nube como Google Drive o Gmail. Si estás usando otra aplicación de dibujo, el proceso probablemente sea bastante similar. Si estás trabajando tradicionalmente, toma algunas fotos de lo que estás trabajando. Además, si pudieras coleccionar parte de tu proceso creativo, eso significa bocetos, notas sobre inspiración y cómo llegaste al arte final. Creo que esas cosas son realmente importantes, y la participación estudiantil enriquece mis clases de una manera que nunca podría hacer yo sola. Entonces realmente sí significa mucho cada vez que veo nuevos proyectos aparecen en mis clases. Por supuesto, una vez que publiques un proyecto, también te compartiré mis pensamientos sobre tu trabajo. Reviso la sección de proyecto de clase al menos algunas veces a la semana. Espero que hayas disfrutado de mi clase de otros mundos. Si quieres aprender más conmigo, bueno estás de suerte. Tengo más de diez clases más en mi página de compartir habilidades, ahora mismo. Si quieres aprender más sobre el arte de fantasía, echa vistazo a mi clase Dibujo Mundos imaginarios. Es una verdadera inmersión profunda en crear arte conceptual e ilustrar un escenario evocador para una historia. Si eres un World Builder, realmente te gustará mi clase de crear Fantasy Maps. En él hacemos un mapa de estilo medieval realmente único inspirado en las aventuras de la vida real de la infancia. Si eres fan del Señor de los Anillos, esta es la clase para ti. Si eres un ilustrador que busca subir de nivel tus habilidades, echa un vistazo a mi clase Ilustración Por Diseño. Se trata de una estructura núcleo realmente única inspirada en los artistas gráficos del movimiento art nouveau, que tiene una influencia que ya mencioné brevemente en esta clase, fíjate. Ahora si tienes curiosidad por probar suerte en hacer cómics y caricaturas, echa vistazo a la guía de mi principiante para dibujar cómics. Es un curso muy divertido de dos horas sobre mi tema favorito, y para ayudarte a desarrollar tus habilidades de caricatura para hacer mejores cómics, también tengo algunas clases sobre dibujar mejores expresiones de dibujos animados y lenguaje corporal impone. Es todo un paquete curricular sobre cómics básicamente, echa un vistazo. Si te gusta lo que hago, puedes apoyarme más en mi página de Patreon. Tendrás acceso a Sneak Peeks, y cosas en las que estoy trabajando actualmente. Posts de proceso más largos y dos proyectos que tengo en desarrollo y detrás de bambalinas mira ilustraciones que he compartido a través de mi Instagram. Es algo genial. Espero que realmente hayas disfrutado de esta clase. Me encanta hacer estos cursos. Gracias por vigilarlos. Comparte una opinión, di algunas cosas lindas si quieres, y espero verte la próxima vez. Adiós. 19. Haz aún más con Fresco: