Transcripciones
1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Scott Baker y empecé en la
industria cinematográfica en 2009, trabajando en grandes
películas y programas de televisión, mientras también dirigía
mis propios cortometrajes, documentales y videos musicales. Si has tomado alguna de mis otras clases
que bienvenido de nuevo. Si esta es tu primera vez, entonces es genial tenerte. En esta clase. Vamos a bucear justo en, comenzando con una mirada más
profunda a algunos de los ajustes
y herramientas más avanzados que ofrecen
las cámaras. Porque si queremos sacar
el máximo provecho de nuestra cámara, necesitamos
entender completamente cosas como leer un histograma o
qué es el rango dinámico. A partir de ahí, aprenderemos sobre los diferentes tipos
de filtros de lentes que pueden crear looks interesantes y ayudarnos en situaciones de
iluminación difíciles, especialmente
filtros de densidad neutra y polarizadores. Y después de eso, pasaremos tiempo expandiendo nuestro
conocimiento de iluminación. Cosas como condiciones de poca luz o la diferencia entre la luz
dura y suave, también aprenderán a hacerlo con un kit de iluminación mínimo o
nulo. El material en esta
clase proviene de mi experiencia práctica
en la industria. Y está diseñado con diagramas y gráficos
fáciles de seguir. Videos tutoriales explicando
no solo cómo hacer las cosas, sino por qué las hacemos. Y lo mejor de todo, aprenderás de
ejemplos de la vida real e irás detrás escena conmigo para ver exactamente cómo se crearon estas
películas. Entonces, sin más
hablar, comencemos.
2. ¿Qué es el rango dinámico?: Probablemente hayas escuchado a
muchos fotógrafos, cineastas y
entusiastas de las cámaras en general hablar de rango
dinámico. Si no estás seguro de
qué es exactamente eso,
es la diferencia entre los tonos
más oscuros y los más claros de la imagen. No obstante, la mayoría de las veces cuando la gente está
hablando de ello, se están refiriendo al rango dinámico
máximo una cámara es capaz de hacer. En términos claros, qué tan bien sensor de
una cámara
puede capturar la luz. Más específicamente, qué tan bien una cámara puede
capturar los detalles en las sombras y reflejos de
una imagen al mismo tiempo. El rango dinámico se
mide en paradas, y el ojo humano puede
ver hasta 24 paradas. Si bien la mayoría de las cámaras solo tienen
un rango de aproximadamente 12 a 14. Es por ello que podemos mirar una
escena o paisaje y ver un cielo azul soleado así
como todos los detalles
en primer plano. Si el primer plano
son edificios o personas. Pero cuando tratamos de capturar
la misma escena en cámara, tenemos que exponer
adecuadamente el cielo, lo que significa perder detalle en las
sombras del primer plano, o bien exponemos el primer plano y perdemos
detalles en el cielo. Por lo tanto, las cámaras que tienen un rango dinámico más grande son
más versátiles porque son mejores en la
grabación de imágenes que tienen un mayor contraste entre
la luz y la oscuridad. ¿ Por qué es importante esto? Porque al entender
qué es el rango dinámico, el
rango dinámico específico de nuestra cámara, podemos trabajar dentro de estos
límites para asegurarnos capturar el mejor
metraje e imágenes posibles. rango dinámico puede ser
diferente de la
cámara a la cámara porque está determinado
por el sensor de la cámara. Las cámaras DSLR y sin espejo tienden a tener rangos dinámicos
más altos que las cámaras
compactas o teléfonos. Y una de las principales razones
es el tamaño del sensor. Debido a que cuanto más grande sea
el sensor, más información
puede grabar, lo que resulta en un
mejor rango dinámico.
3. Liderar un histograma... Es bastante fácil: En primer lugar, un
histograma es un gráfico que representa los
píxeles de una imagen. El lado izquierdo del gráfico representa a los negros
u áreas oscuras, y el lado derecho representa los blancos o las áreas brillantes. Y la sección media
representa los tonos medios. 0 es igual a negro puro y
255 es igual a blanco puro. Una rápida mirada a un histograma puede decirnos si nuestro
metraje está debajo, sobre o bien expuesto. En un escenario perfecto, el gráfico debe tocar los bordes izquierdo y derecho
del histograma, pero no
derrama el sitio. El gráfico también debe tener
un bonito arco en el centro. Un histograma que
se parece a esto indicaría una imagen
bien expuesta. El arco es la parte
importante a observar si se desplaza hacia un lado
u otro. Eso está bien. En este ejemplo, podemos ver que se
desplaza hacia la izquierda, pero todavía hay blanco
y negro a lo largo del borde. Lo mismo con esta imagen, que se desplaza hacia la derecha, pero aún tiene blanco y
negro a lo largo del borde. Todo esto significa
que los tonos medios de la imagen son o bien un poco más
oscuros o un poco más brillantes, pero aún adecuadamente expuestos. Cuando el arco se desplaza demasiado hacia un lado y no
toca el otro borde. Ahí es cuando tenemos problemas. En este ejemplo,
hay una gran brecha en el lado izquierdo y su
borde es completamente blanco, lo que indica que la imagen
carece de negro, lo que significa que la imagen
va a ser demasiado brillante. Este ejemplo es lo contrario. Hay una gran brecha en el lado derecho y el
borde es completamente blanco, lo que indica que a la imagen
le falta ningún blanco a su vez, lo que
significa que va
a ser demasiado oscura. También podemos ver
lo que se llama picos, que tocarán el borde
superior del gráfico. Esto también se llama recorte. Si esto sucede, significa
que ha habido una pérdida de detalle y las áreas recortadas suelen ser muy difíciles de recuperar, sobre todo en lo
más destacado de una imagen. Cuando esto sucede, necesitamos
hacer ajustes a nuestra configuración o a la composición de la imagen para bajar
este pico. Otra forma de ayudarnos a ver exactamente qué partes
de la imagen están sobreexpuestas mediante el uso de un ajuste
llamado Pekín o cebras. Esta configuración hará que
cualquier área sobreexpuesta de la imagen parpadeará o mostrará un
patrón de rayas en blanco y negro al previsualizar la toma en la pantalla de la cámara
o en un monitor externo. De ahí el nombre cebra.
4. Balance de blanco y temperatura del color: Antes de discutir la creación nuestros propios ajustes de
balance de blancos personalizados, primero
necesitamos entender la temperatura
del color. La temperatura del color se mide en grados Kelvin y
representada por la letra k Esta escala va de alrededor de
2 mil a 13,000. K siendo la luz más débil y 11 mil k siendo
el más fuerte. Piensa en 2 mil kelvin
siendo representado por una vela con tonos
rojos cálidos y anaranjados. Y a medida que sube la temperatura, el color de la luz
pasa a través del espectro de colores hacia tonos
azules y blancos. 11 mil K, que es básicamente el sol y
será de color blanco puro. En lugar de ajustar siempre la configuración del balance de
blancos. ¿ Por qué no dejar que el balance de
blancos auto haga su trabajo? Si la iluminación en la escena
es consistente en todo, entonces esto puede funcionar. Pero el balance de blancos auto
luchará cuando haya múltiples fuentes de luz que tienen diferencias
significativas de temperatura y se mezclan entre sí. Por ejemplo, una habitación con luces
fluorescentes, que desprenden un tono verde. Pero también hay luz del día
entrando por las ventanas que
tienen un tono azul. Si esto sucede, el balance de
blancos automático
tratará de corregir para
ambos y termina
cayendo en algún lugar
del medio y no dando un equilibrio adecuado
para ninguna fuente de luz. Si nos encontramos
en una situación donde balance de blancos
auto o los
otros presets no funcionan. Entonces tendremos que equilibrar manualmente
la cámara en WIP nosotros mismos. Lo demostraré
en mi Sony DSLR. Así que ten en cuenta que los menús
pueden verse un poco diferentes, pero el proceso
sigue siendo el mismo. Y en realidad es mucho
más fácil de lo que piensas. Una vez que la escena está encendida
y lista para filmar. Entra en la configuración del menú
y selecciona el balance de blancos. Luego desplázate para
encontrar los ajustes preestablecidos personalizados. En algunas cámaras, es
posible que tenga que seleccionar primero
el Preset Personalizado
y luego establecer su saldo. Para esta cámara Sony seleccionaré la opción set. El siguiente paso es
establecer el balance de blancos. Y para esto, recomiendo encarecidamente recoger un conjunto de estas tarjetas de balance de
blancos. Hay pequeños y de bajo costo. Si no tienes estas tarjetas, un trozo de
papel blanco también puede funcionar. O encuentra un color neutro en
la escena, como el gris. Toma una foto para ver el resultado. A continuación, seleccione el
preset personalizado para guardarlo bajo. Entonces podemos elegir qué ajuste
personalizado queremos usar. Lo estableceremos a la
configuración personalizada número uno. Entonces si entramos en el menú, vemos que uno personalizado está configurado 3200 K. Después de hacer eso, si no estás del todo
contento con el resultado, siéntete libre de
experimentar eligiendo diferentes tonos para establecer
el balance de blancos a. Pero manténgase dentro del espectro blanco
y negro. Usar un objeto que sea
azul o rojo cambiará dramáticamente el look de una
manera muy antinatural. Eso es porque la cámara
pensará que la luz en la escena es toda
roja o toda azul. Y lo corregiremos
al equilibrarlo con el color opuesto
en la rueda de color.
5. Vignettes / Aberrations / patrón X: Antes de empezar a
aprender sobre los diferentes tipos de
filtros y cómo usarlos. Quiero primero discutir algunos
términos técnicos que harán que las siguientes lecciones sean
más fáciles de entender. El primero que discutiremos, posible
que ya hayan oído hablar
de él se llama viñeteo. viñeteo es cuando
las esquinas de una imagen se oscurecen más que
el resto de la imagen. Este es un efecto popular que
puede haber usado en Instagram. Y tal vez crees que esto
podría ser un look interesante. Pero si esto ocurre
al filmar, será
imposible
arreglarlo en la edición. La única opción será
recortar la foto o el metraje. No obstante, como has
visto en Instagram, es extremadamente fácil
agregar este efecto. Lo mejor es evitar
que esto suceda con el
metraje original o las fotos. También es más
probable que ocurra viñeteado cuando se usan variables y Ds o cuando se usan NDA
en una lente gran angular. O sobre todo si haces
una combinación de ambos. Podría sonar genial, pero el patrón X
no es algo que alguna vez quisiste aparecer en
tu metraje o en tus fotos. Sabrás que tienes este
problema porque verás un área oscurecida en forma de
X justo al otro lado de la
mitad de la imagen. Este patrón suele ser
causado por la rotación un filtro ND variable más allá de
su ajuste máximo. El uso de una variable y D con una lente gran angular también puede aumentar las posibilidades
de que esto suceda. Pero ajustando
la distancia focal y o su posición
al sujeto. Estas son dos formas de arreglar esto. Si no funciona, entonces tendrás que
reducir el ajuste ND. Otra cosa de la que tener
cuidado al usar filtros es el apilamiento. Los filtros de apilamiento es cuando se agregan más de un filtro a
la lente al mismo tiempo. Un ejemplo, agregar
múltiples filtros ND o combinar un
filtro macro con un polarizador. Aunque puede ser
muy útil resolver situaciones de iluminación
difíciles o crear algunos looks realmente
interesantes. Apilar demasiados filtros obliga la luz a pasar por
más elementos de vidrio, lo que puede reducir la
calidad de la imagen a través
de la pérdida de nitidez u otras
aberraciones en la imagen. Otro término que escucharás en las siguientes lecciones es la aberración
cromática, también conocida como flecos de color. Este tipo de distorsión crea un contorno colorido a lo largo los bordes de los objetos
en nuestra imagen. Por lo general aparece donde hay alto contraste entre objetos
claros y oscuros. Un ejemplo, al ser un objeto oscuro con un cielo brillante
como fondo, usar lentes de mayor calidad es la mejor manera de prevenirlo. Pero también podemos
evitar esto mediante el uso longitudes focales
más altas
y aperturas más altas.
6. Filtros UV y su nuevo propósito: El propósito de un filtro UV es bloquear la luz ultravioleta. Antiguos stocks de películas fotográficas, somos muy sensibles
a la luz UV. Y si no
utilizaras el filtro, tus fotos
terminarían con una neblina azul. No obstante, las existencias de películas modernas y los sensores
digitales simplemente
ya no son tan sensibles a la luz
UV. En cambio, estos filtros
han recogido un uso secundario para proteger el vidrio sensible de
nuestras lentes del polvo, suciedad, el agua y los arañazos. Algunos cineastas
y fotógrafos prefieren no usarlos porque la capa añadida de
vidrio puede causar una reducción muy mínima
en la nitidez de la imagen. Y la
llamarada ocasional de la lente o fantasma. Si sientes lo mismo y eliges filmar
sin filtro UV, solo tienes que tener cuidado extra
con tus lentes para evitar cualquier cosa que pueda
entrar en contacto con ellas. Pero eso no significa que no
debas tenerlos
a la mano para
agregarlos rápidamente en caso de que te encuentres en un escenario donde pueda
haber escombros, suciedad, lluvia, arena,
o cualquier otra cosa volando alrededor que posiblemente podrían entrar en
contacto con la lente. Por ejemplo, cuando estoy
filmando conciertos en vivo, siempre
tengo un filtro encendido. Pero para ambientes controlados
como una entrevista, voy a quitar el filtro.
7. Polarizadores, por qué son esencial: Aproximadamente cada
programa tiene herramientas para ajustar fácilmente la
saturación y el contraste. Algunos incluso tienen herramientas de novatado D, pero ninguna hasta ahora tiene la capacidad de fijarlo
efectivamente,
reflejos o bengalas de lente. Entonces, si no quieres que los
aparezcan en tu metraje, es importante
tener las herramientas adecuadas. Y un filtro polarizador
es una de esas herramientas. Cuando se trata de reflejos, resplandor, Hayes y luz
dispersa. polarizadores pueden reducir
su presencia e incluso eliminarlos si no
son demasiado fuertes. Otro efecto que
tienen y algo que realmente me gusta como preferencia
personal, es que potencian la
saturación y el contraste. polarizadores son más útiles
al filmar agua, nieve a través de vidrio o cualquier
otra superficie reflectante. Me gusta especialmente
usarlos al filmar afuera y quiero capturar
hermosas imágenes del cielo o el agua. Observe cómo saca
más detalle en las nubes. Y impulsa la
saturación del cielo. Pudiendo controlar mejor la fuerza de los
reflejos desde el agua, somos capaces de ver más detalles. Y de nuevo, ese impulso de saturación hace que el metraje
se vea mucho mejor. En primer lugar, tenemos que
entender cómo funcionan. Por favor sea paciente ya que estoy a
punto de ponerme un poco nerdy, pero confía en mí, vale la pena. Las luces luminosas se reflejan en
diferentes direcciones cuando golpea superficies irregulares. polarizador funciona al impedir algunas de esas luces
entren en tu lente y solo permitiendo que la luz entre desde
ciertas direcciones. Y debido a esto, también
está permitiendo que
entre menos luz. Combina estos dos factores y también
afectará los colores. Pero, ¿cómo hace esto el filtro? Bueno, estos filtros
tienen una codificación dicroica. Significado dicroico que muestra
diferentes colores cuando se ve desde
diferentes direcciones. Esta codificación se
compone de moléculas que se alinean hacia arriba
en una dirección. Debido a que el filtro está construido con dos
capas de vidrio, fueron capaces de girar el filtro mientras está
unido a nuestra lente. Y cuando hacemos esto, cambia la dirección
de las líneas en la codificación de los
filtros. A su vez, bloqueando la luz
desde diferentes direcciones. A medida que rotamos el filtro, podemos ver cómo cambia la
imagen. Usando un filtro polarizador. No podemos simplemente atornillarlo y
pensar que estamos listos para ir con cada nuevo disparo
o cambio de iluminación, tendremos que ajustar
el filtro hasta que
encontremos ese punto dulce
que funciona mejor. polarizadores son una
herramienta muy útil para tener en tu kit. Si aún no tienes uno, recomiendo encarecidamente
conseguir uno de ahí. Diviértete probándolo. La mejor manera de aprender y obtener una comprensión práctica es
salir a fotografiar
paisajes, preferiblemente en días soleados. Toma el mismo ancho de la foto, el filtro, y sin el
filtro para ver la diferencia. Así como lo he hecho
por esta lección.
8. Filtros ND y cómo nivelan tus habilidades: Filtros de densidad neutra, o más comúnmente conocidos
como filtros ND. Su propósito es reducir
la cantidad de luz entra en la cámara sin
afectar los colores, contraste o la nitidez
de la imagen. Son como gafas de sol
para nuestra lente, pero no gafas de sol de lujo que cambiaron el
color de las cosas, ahí la palabra neutral. Bueno, los filtros ND están
etiquetados de muchas maneras. El más común es
el número final, a menudo escrito como n D2
y D4 ocho y así sucesivamente. Un filtro AND2 permite la mitad
de toda la luz a través de él. Un filtro MD4 permite una cuarta parte de toda la
luz a través de él. Y un NDA ocho
permite
pasar una octava de toda la luz y así sucesivamente. Podemos ver en este gráfico, cada n d stop
corta la cantidad de luz a la mitad de la
anterior parada de Andy. Por cada n d luz de parada se reduce en una f-stop
en nuestra apertura. Significado si agregamos un MD4 que reducirá
la luz en dos paradas. Uno, vemos que la imagen
se pone mucho más oscura. Lo que hace es que nos permite abrir nuestra apertura por dos paradas de 5.612 a 2.8. Vemos ahí tenemos
exactamente la misma exposición, pero una
profundidad de campo ligeramente más baja. O si la
velocidad de obturación se establece en 250, podemos bajarla a 60 para
obtener la misma exposición. Ahora si ajustamos nuestro
filtro ND por dos paradas, podemos ver que se pone
sustancialmente más oscuro. Con base en ese medidor de
exposición intermitente, sabemos que está subexpuesto. Pero lo que esto nos permite hacer es ajustar nuestra velocidad de obturación de 250 abajo dos paradas a 60. Lo cual una vez más nos da
esa misma buena exposición. Y en este caso,
ahora también estamos duplicando nuestra velocidad de fotogramas de acuerdo con la regla del obturador de
180 grados. Ahora es posible que hayas notado que
al ajustar la velocidad del obturador, bajé
más de dos ajustes. Veremos que de 250 va a doscientos ciento sesenta ciento
veinticinco. No obstante, cada una de
estas configuraciones
no cuenta como parada completa. La parada completa es doble. Si vas a subir o a la mitad
si vas a bajar, por eso en este caso, pasando de 250 a
125 cuenta como one-stop. Y de 125 a
60 es otra parada. Los filtros Nd son más útiles
en condiciones brillantes. Cuando queremos tener una profundidad de campo
poco profunda,
igualar nuestra velocidad de obturación a
la velocidad de fotogramas o para
capturar el desenfoque de movimiento. Pero no podemos
hacerlo porque la luz, la mayoría de las veces el sol es
demasiado brillante y
hará que las imágenes de las
fotos queden sobreexpuestas. Si cambiamos los ajustes
para obtener una buena exposición, perdemos el efecto deseado. Por ejemplo, queremos
una profundidad de campo poco profunda para separar nuestro
sujeto del fondo. Pero es demasiado brillante
y ya
tenemos el ISO tan
bajo como puede ir. Entonces o usamos una velocidad de obturación realmente
alta, que puede hacer que el
metraje parezca entrecortado, o usamos una apertura más alta. Pero esto significa que perdemos esa
poca profundidad de campo. Al agregar un filtro ND, que reduce la
cantidad de luz. Nos permite bajar la
apertura o la velocidad de obturación para lograr el look que queremos sin sobreexponer
el metraje. Para los fotógrafos, esto
afecta la velocidad de obturación. El mejor ejemplo
es mover agua. Si elevamos la
velocidad del obturador para obtener una buena exposición, se pierde
el desenfoque de movimiento. Pero con un filtro ND agregado, podemos bajar la
velocidad de obturación y capturar desenfoque de
movimiento mientras aún exponemos
adecuadamente la imagen, dando al agua ese desenfoque suave.
9. Los datos variables NDs y gradados: Ahora que entendemos
cómo funcionan los filtros ND, por qué los usamos, y cómo usarlos. Echemos un
vistazo rápido a dos tipos diferentes, comenzando con filtros de gradiente. filtro ND degradado,
también llamado a, G y D, es bastante simple. Este filtro
pasa de la luz a la oscuridad y a menudo se
usa para equilibrar la exposición en una
imagen que contiene alto contraste entre secciones
brillantes y oscuras. Ejemplo perfecto de esto es un cielo brillante y un primer plano
oscuro. Al hacer coincidir la transición
del filtro
al horizonte o dondequiera que ocurra el
duro cambio de luz, equilibra mejor la
exposición de la imagen general. Cuando se trata de gradientes. La mayoría de la gente prefiere
un filtro cuadrado porque es más fácil
ajustar el área de transición. Y eso se debe a que el filtro es más grande que el
diámetro de la lente. El segundo tipo es un filtro ND
variable. Estos son muy
populares porque nos
dan la capacidad de
elegir con precisión la intensidad del
filtro simplemente
girando el anillo exterior
dos ajustes diferentes. El ajuste máximo y
mínimo y D cambiará
dependiendo del tipo de filtro. Pero la variedad de dos paradas a ocho paradas es
la más popular. La ventaja del filtro ND
variable es
que es como tener múltiples
Andy adheridos a la vez. Por ejemplo, un ND dos a cinco
nos permite cambiar entre cuatro niveles de densidad
neutra en cuestión de segundos simplemente
girando el anillo. Ser capaz de hacer
estos ajustes rápidamente es perfectamente
al filmar conciertos, bodas u otros eventos en vivo. Pero como cualquier pieza de equipo, incluso algo tan impresionante
como una ND variable, sí tiene sus desventajas
por el diseño. A medida que rotamos al
máximo y al ajuste, a veces
podemos obtener ese patrón
X del que hablamos. El otro tema es
con el viñeteo. Tanto el viñeteado como
el patrón X son
problemas que se pueden solucionar
marcando el ND,
retrocediendo problemas que se pueden solucionar
marcando el ND, un poco, y luego ajustando los otros
ajustes de nuestra cámara para compensar con el fin de
seguir consiguiendo un buena exposición. La otra opción, que
es lo que he hecho, se compran dos filtros. Uno que es un N d2, cinco, y el segundo que es
un NDC seis a nueve. Ir con dos filtros no
eliminará estos temas al 100%, pero sí
los reduce significativamente. A la hora de elegir qué tipo de filtro ND
es el mejor para ti. Realmente
depende de qué tipo de cineasta o
fotógrafo seas. Para cineastas de eventos en vivo, sugiero variable y Ds, que van desde dos a nueve. Si estás filmando
videos musicales, películas narrativas o documentales, te sugiero un conjunto de filtros cuadrados
con una configuración de Mapbox. Fotógrafos. Yo iría
con Andes variables. O si haces larga exposición
y fotografía de cielo nocturno, entonces el extremo superior D's en el rango de 32 a
ciento diez cientos. Esos te ayudarán a capturar mejor
esos impresionantes cielos nocturnos. Cualquiera que sea el tipo de filtros ND
que decidas son los mejores para ti. Una cosa es segura que hay una pieza
de equipo muy importante para tener un entender
con el fin de llevar
tu filmación y fotografía
al siguiente nivel.
10. Macro filtros y veamos más cerca: Antes de entrar en detalle
sobre los filtros macro, echemos un
vistazo rápido a la lente. Verás que en el anillo de
enfoque de cada lente, hay una
distancia mínima de enfoque en un extremo. Y el otro extremo
suele ser un símbolo del infinito. Como sabemos, cuanto menor sea
la distancia focal, más cerca podemos estar un sujeto y seguir
siendo capaces de conseguir enfoque. Este 85 milímetros tiene
una distancia mínima de 1.1 metros o unos 3.5 pies. Considerando que el 35 milímetros tiene una distancia mínima de enfoque de 0.7 en metros o alrededor de un pie. Si el sujeto está más cerca la lente que la
distancia mínima indicada, será
imposible enfocarse. La distancia focal mínima
en un milimetro de 35 milímetros es de un pie o 0.3 metros. Como vemos aquí con mi mano. Si tratamos de enfocarme en mis
dedos, es imposible. Trae el filtro macro. Esencialmente lo que hace un filtro
macro es reducir la distancia focal de las lentes, a su vez, reduciendo la distancia
mínima de enfoque. Estos filtros están disponibles en una gama de agua
llamada dioptrías. Si usas gafas, podrías reconocer este término porque también se usa para
describir la cantidad de aumento
positivo o negativo que se necesita para las correcciones de I. Pero debido
a que queremos amplificar la imagen, los filtros
macro sólo se
describen en números positivos, como más uno
más dos más cuatro, yendo todo el camino
hasta más diez. Cuanto mayor sea el número,
más aumento. También podemos apilar estos números para aumentar
el aumento. Pero recuerda, a medida que la luz
pasa por más vidrio, la calidad de la imagen
comenzará a disminuir. También vale la pena mencionar que al usar un filtro macro, no
podremos
enfocarnos al infinito. Los filtros macro se
construyen de dos maneras. Elemento único y elemento
doble. Los filtros de elemento único son
significativamente más baratos, pero también producen imágenes
de menor calidad. Muy a menudo, esta menor calidad resulta en menos nitidez
a lo largo de los bordes de una imagen. O como aberración cromática a lo largo de los bordes de los
elementos dentro de la imagen. Si encuentras que esto está sucediendo, lo general se puede evitar
mediante el uso de una abertura más alta. Pero si quieres tener plena libertad con tu
lente y la abertura, entonces un filtro de doble elemento es lo que necesitas en estos filtros. El segundo elemento está
realmente diseñado para corregir los defectos
del primer elemento. Estos filtros
también pueden ser
referidos como filtros acromáticos. Con todo el trabajo de primer plano, la profundidad de campo
reducirá cuanto más cerca
esté la cámara al sujeto. Con algunos filtros macro, incluso
se puede reducir a unos
pocos milímetros. En este caso, es probable que
quieras usar un trípode o ajustar tu apertura para
aumentar la profundidad de campo. Calidad. La lente macro
puede ser costosa. Pero si eres fotógrafo
y la macro fotografía es tu nicho o haces
cinematografía de productos para cosas
como joyas o comida, entonces vale la pena invertir
en una lente macro de especialidad. Pero si no está en tu presupuesto o no es algo
que usarás a menudo. Que los filtros macro pueden ser
la mejor opción para ti.
11. Formas de filtro, Sizes, y anillos.. ¡Oh My!: Al comprar filtros,
también notarás que vienen en dos formas,
cuadradas y circulares. Al principio, esto puede no
parecer una gran diferencia, pero hay ventajas
y desventajas para ambos. Echemos un vistazo. Los filtros cuadrados se
deslizan hacia un adaptador que se adhiere
al extremo de la lente. Y son geniales porque se
pueden usar en cualquier lente independientemente de su tamaño. También se pueden apilar fácilmente. Debido a que los filtros cuadrados son más anchos que el
diámetro de la lente, hay significativamente
menos posibilidades de viñetear o ese patrón X. No obstante, son más frágiles. Tarda más tiempo en configurarse, ocupa más espacio, y hay menos opciones hora de comprar
variable y Ds. Los filtros circulares
son más duraderos. Ocupan menos espacio y
son rápidos y fáciles de configurar. Y tienen muchas
opciones a la hora de elegir
variable y Ds. No obstante, son
más susceptibles a aberraciones como el
patrón X y el viñeteo. Y debido a que vienen
en tamaños específicos, los únicos se ajustan a las lentes
con el diámetro correspondiente. No obstante, los anillos elevadores
y
bajistas pueden resolver fácilmente este problema. Si optas por ir
con filtros circulares, entonces mi sugerencia es
comprar los filtros más grandes porque siempre se pueden usar en lentes de menor diámetro. Si utilizas las filas escalonadas. tanto que si ponemos un
filtro más pequeño en una lente más grande, si la diferencia es demasiado, el filtro cortará
las esquinas de la imagen. ¿ Cuáles son estos anillos que he mencionado
ahora unas cuantas veces. Bueno, básicamente son
solo adaptadores que nos permiten unir
unos filtros circulares, dos lentes con
diferentes diámetros al usar estos anillos. El primer número es el que
se atornilla en la lente, y el segundo número se
atornilla en el filtro. Cada filtro indicará el diámetro en algún lugar
a lo largo de su marco. Y para encontrar el
diámetro de tu lente, mayoría lo tendrá
impreso en el interior de la tapa de la lente o en
algún lugar de la lente. Y está representado
por este símbolo. La configuración que tengo es un ejemplo perfecto de lo que
acabo de describir. Tengo una variable
ND de dos a cinco, y su diámetro
es de 82 milímetros, pero la lente es 77. En este caso, tengo que
usar un
anillo de paso arriba porque el
primer número coincide con el diámetro de la lente de 77 y el segundo número coincide con
el filtro en 82. Significa que estoy intensificando una talla. Si la diferencia en diámetros no se puede igualar con un anillo, entonces tendrás que
usar varios anillos. Por lo que lo mejor es
comprar un conjunto entero, sobre todo porque no
son tan caros.
12. Cómo conseguir buena exposición: En primer lugar, ¿por qué
se llama exposición? Es porque cada vez que se abre
el obturador, el sensor de la cámara está
siendo expuesto a la luz. Y para saber qué es una imagen
adecuadamente expuesta, primero
necesitamos entender qué causa subexposición,
sobreexposición. Y debemos ser
capaces de reconocerlo. Una imagen subexpuesta se produce cuando no hay suficiente luz
golpea el sensor de la cámara, lo que resulta en que la imagen se
vea oscura. Cuando esto suceda,
los detalles se perderán en las sombras y las áreas
más oscuras de la imagen. Y a menudo puede hacer
que sea difícil separar el primer plano
del fondo. Una forma fácil de crear una imagen
subexpuesta es
mediante el uso de una alta velocidad de obturación
y una alta apertura juntos. Una
imagen sobreexpuesta ocurre cuando demasiada luz golpea el sensor
y parece lavada. Si bien es más fácil ver el fondo y el primer plano, detalles de la imagen aún se
mezclan y pueden perderse en
los aspectos más destacados de la imagen. Una forma fácil de hacer que
esto suceda es usar una apertura baja y una baja velocidad de obturación cuando se
encuentre en condiciones brillantes. Ahora que
entendemos a esos dos, echemos un vistazo a una imagen
adecuadamente expuesta, que básicamente está encontrando un buen equilibrio entre
los otros dos. No es demasiado brillante
y no es demasiado oscuro. Hay dos formas rápidas de
comprobar esto en tu cámara. En primer lugar es mediante
el uso del medidor de exposición. Si el mercado está demasiado
lejos a la derecha, significa que la imagen
estará sobreexpuesta. Demasiado lejos a la izquierda. Será subexpuesta y
0 siendo el punto óptimo. Pero eso no significa
que siempre tenga que
ser exactamente a 0. Con la mayoría de las cámaras,
siempre y cuando estés dentro de este rango, la imagen tendrá
buena exposición. Pero si el medidor está parpadeando, entonces definitivamente has
ido demasiado lejos a un lado y ya sea sobreexpuesta
o subexpuesta la imagen. El segundo camino es
mirando el histograma. Como sabemos, los tres ajustes
que deciden nuestra exposición, nuestra apertura,
velocidad de obturación, e ISO. Apertura controla
cuánta luz es. Dejar entrar. Un número de f-stop más pequeño equivale apertura de iris
más grande,
lo que significa más luz. Un número F-stop más grande
significa menos luz. La velocidad del obturador controla
cuánto tiempo se deja entrar la luz. Se mide en
fracciones de segundo. Por lo que un ajuste más pequeño
como 130,
significa que el obturador está abierto por más
tiempo, lo que permite más luz. Y un número mayor, como 1 500, estamos dejando menos luz. Iso es lo sensible que es el sensor de la
cámara a la luz. Un número menor
significa que es menos sensible y
necesitará más luz. Y un número mayor
significa que es más sensible y necesitará menos luz para obtener una imagen
debidamente expuesta. Dos
cosas importantes para recordar. En primer lugar, esa luz solar natural es el tipo de luz más fuerte. Y segundo, cuanto más alto sea
el ISO, más grano, también conocido como
ruido podría tener la imagen. Dependiendo de las condiciones
de
iluminación de la ubicación en la que
estemos filmando. Tendremos que ajustar
estos tres ajustes en diferentes combinaciones
para lograr la exposición deseada. Pero antes de empezar a
jugar con ajustes, encontremos un buen punto de
partida. Para ello, primero debemos
seleccionar nuestra velocidad de fotogramas. Para este ejemplo,
seleccionaremos 24 fotogramas por segundo, que es la frecuencia de
fotogramas común utilizada para el cine. A continuación, elegimos
la velocidad de obturación. Y si seguimos la regla de obturación de 180
grados, debemos seleccionar una velocidad de obturación que sea el doble de nuestra velocidad de fotogramas. Elegimos 24 fotogramas por segundo. Y como no hay 48
frames por segundo opción, podemos elegir 50 y
eso va a hacer muy bien. Entonces para la mejor calidad, queremos elegir nuestras
cámaras base ISO, para mi cámara eso es 200. Pero cada marca y modelo
puede ser diferente. Así que averigua cuál es la base ISO de tu
cámara y
configúrela en consecuencia. Por último, elegimos
nuestra apertura y
elegimos un entorno basado en la profundidad de campo que queremos. Ahora las posibilidades de
seguir estos pasos y el metraje siendo exactamente
lo que queremos son bastante pequeñas. Entonces a partir de aquí, debemos evaluar cada situación y decidir
qué ajustes
podemos hacer que
nos den la mejor calidad de imagen así
como el look deseado
que queremos que tenga la toma.
13. Unos pocos ejemplos de exposición: Por ejemplo, estamos filmando un deporte de ritmo rápido afuera
y no queremos Motion Blur. En primer lugar, tendremos que
ajustar la velocidad de obturación más alta para eliminar
ese desenfoque de movimiento. Y si es un día soleado, tendremos mucha luz. También podemos utilizar una abertura
más alta, lo que también aumentará
la profundidad de campo. Si aún es demasiado brillante, entonces podemos agregar un filtro ND. Ahora, ¿y si queremos
más profundidad de campo? Entonces necesitamos
aumentar nuestra apertura. Pero a medida que hacemos esto, la imagen se vuelve más oscura. Entonces para arreglar esto, primero
eliminaríamos el
filtro ND si lo hubiéramos aplicado. Y luego podemos ajustar la sensibilidad
ISO si es necesario, al
tiempo que tratamos de mantenerla lo
más cerca posible de nuestra
ISO base. Si estamos filmando deportes
por la noche y no
queremos desenfoque de movimiento, habrá que abrir la abertura
bajando el f-stop, lo que reducirá
la profundidad de campo. Si no queremos que la profundidad de campo sea demasiado
pequeña y estrecha, entonces es posible que tengamos que aumentar la sensibilidad ISO si
todavía no hay suficiente luz. Pero y si estamos filmando música en
vivo en un ambiente oscuro, entonces tal vez un poco de
desenfoque de movimiento está bien tener. En este caso, podemos
bajar la velocidad del obturador en lugar de ajustar el
ISO o la abertura. Para conciertos,
también existe la posibilidad de añadir más luz para ayudar a
lograr una mejor exposición. Ahora imagina que estamos filmando
una entrevista dentro y usando luces prácticas en lugar de afuera usando la luz solar, entonces tendremos mucha
menos luz que afuera. Pero ahora tenemos más
control sobre la luz. Y debido a que hay
muy poco movimiento, no
tenemos que
preocuparnos por el desenfoque de movimiento. Y ahora podemos reducir
nuestra velocidad de obturación
al ajuste más bajo posible en
función de nuestra velocidad de fotogramas. En este caso, una velocidad
de obturación de 50 fotogramas por segundo. Después de eso, elegiremos la abertura adecuada para darnos la profundidad
de campo que queremos. Y por último, si es necesario, podemos ajustar el ISO. Como se puede ver, hay combinaciones
aparentemente interminables que
podemos usar para
exponer adecuadamente nuestro metraje. Simplemente depende de lo que
estamos filmando y del look queremos lograr que determine cómo hemos
establecido nuestra apertura, velocidad de
obturación y nuestra ISO.
14. Tocar en escenarios de extrema intensidad: Cuando
nos encontramos filmando en escenarios
con poca luz
como conciertos en interiores, recepciones de
bodas, o
simplemente filmar por la noche. Como acabamos de aprender, corremos el riesgo de que las imágenes
queden subexpuestas. Sabemos que tener
suficiente luz golpeando el sensor de la cámara es lo
más importante. Cuando nos encontramos en escenarios
extremadamente oscuros, necesitamos permitir que entre tanta luz en la cámara como sea posible. Y hay formas de hacerlo, en lugar de simplemente
aumentar el ISO realmente alto, haciendo que nuestras imágenes
se vean granuladas y ruidosas. Una vez más, sigue la regla de obturación de
180 grados y establece la
velocidad de obturación al menos duplicar la velocidad de fotogramas
o superior
dependiendo de la acción y nivel de desenfoque de movimiento con el
que te sientas cómodo. Para conciertos de rock and roll, no
queremos ponerlo demasiado
bajo por el desenfoque de movimiento. Pero por algo de ritmo más lento, puede funcionar bien porque hay muy
poco movimiento. Pero en escenarios de
luces extremadamente bajas lo más probable es que desee que la velocidad de obturación sea tan baja
como pueda ir acuerdo con la regla de obturación de 180
grados. Si es una decisión
entre un poco de desenfoque de movimiento o
estar subexpuesto. Tomaré el
poco de desenfoque de movimiento. Es posible que te sientas de manera diferente
y eso está bien mientras entiendas la
decisión que estás tomando y por qué la estás tomando. A continuación, queremos
abrir la abertura
tanto como sea necesario o
tanto como sea posible. Recuerde, cuanto menor sea
el número de apertura, menor será la profundidad
de campo que
tendrá si la profundidad de campo
se vuelve demasiado superficial. Una forma de equilibrar esto es
mediante el uso de una distancia focal más baja, lo que nos da tomas más amplias y aumenta la
profundidad de campo. Tenga en cuenta que
las lentes prime pueden lograr aberturas
más grandes de
1.8 e incluso 1.4, que las lentes de zoom no pueden hacer. Si encuentras que estás filmando en escenarios
con poca luz a menudo, te
recomiendo encarecidamente conseguir una lente prime de 24
milímetros o 35 milímetros. O si puedes conseguir ambos. Si está utilizando una
lente de zoom en estos escenarios, entonces es mejor mantener la distancia focal lo más
amplia posible. No sólo proporcionará
más profundidad de campo, como acabamos de mencionar, sino
que lo que es más importante, permitirá la lente utilice el ajuste de
apertura más grande que tiene. Si estás filmando en interiores, mira si hay alguna fuente de luz que puedas configurar cerca, como Windows o lámparas
existentes que
puedes agregar a la toma. Si dispara
al aire libre por la noche, haga uso de farolas, luces de automóviles, edificios, e incluso la luz de la luna. Siempre y cuando tenga sentido que estas fuentes de luz
estén en el tiro, según la historia
que estás contando. Si tienes un kit de iluminación a tu disposición y un dp talentoso, entonces no hay razón por la que tu
metraje deba estar alguna vez bajo o sobreexpuesto a menos que
sigas que sea así. Si no tienes un kit de iluminación porque
estás filmando sobre la marcha, o tienes un presupuesto muy pequeño, entonces estas son dos cosas que
debes tener contigo en cada sesión que pueden
marcar una gran diferencia. Un kit de 51 reflector, que le permite rebotar, bloquear, o difusar la luz. Y el segundo es una pequeña
luz de bolsillo con temperatura
de color ajustable. Es perfecto para
agregar luz de relleno a áreas oscuras y fondos, o en áreas pequeñas en las que las luces
más grandes no pueden
caber, como los vehículos. Todo lo que estamos haciendo aquí,
instalando esta pequeña
luz de bolsillo justo a lo largo del salpicadero
detrás del volante. Puede caber en
un pequeño punto tan pequeño. Y esto es todo lo que necesitamos
para conseguir ese poco
de luz añadido para iluminar el
sujeto dentro del vehículo. Si también matamos las
luces del vehículo. Ahora, este es el resultado.
15. Tocar en escenarios brillantes: En el otro extremo
del espectro, dejar entrar demasiada luz también
puede causarnos problemas. Cuando esto sucede, el
metraje queda sobreexpuesto. También se puede referir como ser soplado o lavado. Esto suele suceder al
filmar al aire libre en días soleados, sobre todo si estamos filmando cerca del agua o en la nieve por
lo reflectantes que son. En ocasiones, ajustar nuestros
tres ajustes de exposición puede resolver esto si se trata de
una imagen de bajo contraste. Lo que significa que todo en el
marco es de un
color más claro y
no hay sombras duras. En cuanto haya un mayor contraste
con los objetos más oscuros, verás que cuando
estén adecuadamente expuestos, el fondo pierde detalle
porque es demasiado brillante. Y si exponemos adecuadamente el
fondo, entonces nuestro sujeto
pierde detalle porque son demasiado oscuros
o siluetados. ¿ Cómo resolvemos este problema? En primer lugar, queremos dejar caer el
ISO a la base de cámaras ISO. Después de eso, podemos elegir una alta velocidad de obturación
o una apertura más alta, o una combinación de ambos. Si aún no podemos
lograr el tiro que queremos después de ajustar
estos ajustes, entonces tendremos que usar
algunas herramientas externas. como aprendimos en
la sección de filtros, sabemos que podemos
añadir un polarizador para
ayudar a sacar los detalles
y colores del cielo. También podemos utilizar filtros ND, que nos permitirán
abrir la abertura y lograr menor profundidad de campo si
queremos desenfocar o suavizar
el fondo. También hay algunas cosas muy
simples y económicas que podemos hacer para manipular
la luz misma, como usar nuestro reflector 51. Usando el lado blanco, podemos rebotar luz
sobre sujetos para eliminar o suavizar las sombras. El lado plateado puede
añadir más luz, mientras que el lado dorado crea
una luz ámbar cálida. El difusor suaviza la Luz Duro y la extiende de
manera más uniforme sobre el sujeto. Y el lado negro
bloqueará cualquier luz no deseada. La idea de rebotar, bloquear y
difuminar la luz es
ayudar a equilibrar
la luz en la imagen para que sea más pareja porque
un menor contraste hace que sea más fácil obtener
una exposición equilibrada. Otras cosas a tener en cuenta
son donde posicionamos la cámara y el sujeto
en relación al sol. No tengas el sujeto
frente al sol. Esto quita profundidad
del tiro y el sujeto
termina buscando plano. También puede causar que
constantemente entrecerrar y parpadear. Al filmar contra el sol. Tenga en cuenta su longitud focal. El uso de lentes más anchas son más
susceptibles a las bengalas de lente Si bien tener un
disparo más apretado puede ayudar a reducirlos. Al decidir cómo exponer
mejor el metraje. Elige siempre el
punto más brillante del rostro de la persona para exponer adecuadamente y usar
eso como punto de partida. Lo mejor es tener el foco principal del
tiro adecuadamente expuesto. Los espectadores
nos perdonarán o ni siquiera cuenta si hay algunas partes
subexpuestas. Pero definitivamente
notarán si hay una mancha blanca que distrae o
resplandor en la cara de la persona. Filmar en zonas sombreadas
siempre es otra opción. No obstante, dependiendo del
contenido de lo que estés filmando, puede
que no funcione, pero vale la pena considerarlo como otra o como última opción. Otra pauta general a
recordar es que si estás atascado entre tener por encima o subexpuesta
parte de la imagen. Siempre es mejor tener un primer plano subexpuesto luego un fondo sobreexpuesto. Y eso se debe a
que
el fondo suele ocupar más
del marco. Ahí lo tienes. Qué puede causar sobreexposición
y cómo podemos trabajar torno a ella para asegurarnos de que aún
obtengamos metraje de alta calidad. Incluso cuando no tenemos el lujo de un kit de iluminación
completo.
16. 3 - Iluminación de puntos: Primero comenzaremos
con la luz clave, que es la fuente principal
que las luces están sujetas. Y la luz de relleno se utiliza
para equilibrar la iluminación de la luz clave ablandando o eliminando cualquier sombra
en el sujeto, seguida de la luz de fondo, que ayuda a separar
al sujeto de los antecedentes
para lograr esta configuración. Veamos este diagrama. La luz clave se coloca
frente a un sujeto y apaga a un costado a unos 45 grados
aproximadamente, brilla directamente sobre el tema. Si filmar afuera con luz
natural que el sol
será nuestra luz clave. La luz de relleno reflejará la luz clave y también
brillará sobre el tema, pero no es tan brillante. Y si estás usando solo luz
natural que usar un reflector para rebotar la
luz funciona como una luz de relleno. Y la luz de fondo se
coloca detrás del sujeto, señalándolo allí de nuevo para crear un borde de luz a su alrededor. Esto ayuda a
separarlos del fondo. Para ir un paso más allá, podemos convertirlo en una configuración de
cuatro puntos
agregando una cuarta luz para
iluminar el fondo, lo que agrega más
profundidad al disparo. La configuración de tres puntos es
ideal para entrevistas, pero no es una regla obligatoria, especialmente cuando se filma una película
narrativa o un video musical. Al filmar
entrevistas, siempre es una buena idea tener en cuenta
esta técnica, pero siéntete libre de ser
creativo y hacer ajustes para encontrar
el look que deseas.
17. Iluminación de frente vs.: Al encender un sujeto
usando iluminación frontal, proporciona una imagen muy
limpia y clara, pero a menudo proporciona muy poco carácter
o emoción al tiro. A menudo se usa para entrevistas
deportivas, vlogs y noticieros, o incluso
para crear cursos en línea. Ciertamente tiene su tiempo
y lugar dentro del cine. Pero en general, crea composiciones
bastante aburridas. Si estás iluminando desde
el frente y quieres añadir un poco más de profundidad
y vida al tiro. Entonces considere iluminar
el sujeto en un ángulo un poco más desde el lateral. Incluso puedes jugar
con la iluminación desde un ángulo alto o bajo. La retroiluminación, por otro lado, es una manera fantástica de
hacer que tu metraje vea más cinematográfico
ya que puede agregar profundidad, contraste, y darle más sensación al
tiro. Esto es especialmente útil a la
hora de filmar al aire libre, y no tienes
un kit de iluminación. Ve cómo simplemente
cambiar cómo
golpea la luz al sujeto puede cambiar
drásticamente el look. Mi punto principal es que está perfectamente bien tener sombras. De hecho, lo animo. Tener un rango de luz
añade profundidad a nuestros disparos. Considerando que cuanto más luz añada, halaga nuestra imagen puede
llegar a ser igual que un noticiero. Cuando estás
configurando tus tomas. Ten esto en cuenta. Si estás filmando un blog
o posiblemente una entrevista, ve con la iluminación frontal para un tiro limpio si quieres. Pero si quieres que tus
tomas se vean más cinematográficas y creen profundidad
y sombras y emoción, entonces la retroiluminación
es la técnica que querrás usar.
18. Iluminación dura con energía: Al decidir cómo
iluminar una escena, generalmente
hay dos tipos de iluminación en los que trabajamos dentro. Luz dura y luz suave. Y luego por supuesto, los muchos grados intermedios, esencialmente la luz dura y suave es solo la manipulación
de las sombras. La iluminación
dura crea sombras y líneas duras. A menudo es una luz
direccional muy brillante que deja poca o ninguna transición entre los reflejos
y las sombras. Y por lo general crea un alto
contraste dentro de la imagen. Hard Light se
utiliza a menudo para enfatizar algo dentro del marco y llamar la atención del
público. Puede crear un sentido de oposición, dificultad
y tensión. A menudo se usa para villanos y es un elemento básico en el género cinematográfico. Puede intensificar escenas, crear un sentido de poder, o representar dos fuerzas opuestas, ya sean personas o ideas. Cuando se trata de
crear luz dura, se puede usar
casi cualquier
fuente de luz siempre y cuando sea
lo suficientemente fuerte y el sol, como sabemos, sea la fuente
más fuerte. La clave es no utilizar ninguna
difusión en las luces. En cambio, podemos usar
banderas para bloquear y dar forma a la luz u otras
cosas a nuestra disposición, como cortinas gruesas, persianas, o cualquier otro material que la
luz no pueda penetrar. La otra cosa que
debemos hacer o no es usar demasiadas luces porque
sin las sombras, la luz
dura no puede existir. Al crear luz dura. Lo que no se puede ver es tan importante como
lo que se puede ver. En el otro extremo
del espectro, tenemos una iluminación suave. Y notarás
que cuando se encienden escenas y personajes de esta manera, iluminan más uniformemente y las sombras no tienen líneas
definitivas. En cambio, podemos ver una transición más gradual
entre luz y sombra. Y las sombras
no son necesariamente negras. La iluminación suave básicamente crea
una imagen de menor contraste. Realmente buenos ejemplos de esto son la fotografía de producto y
moda. Y siempre se usa para entrevistas porque
como público, queremos ver claramente el tema
y sus emociones. También se usa a menudo
para escenas románticas en común ya que crea un
ambiente más relajado en un ambiente optimista. Cuando el clima está nublado. Ese es el ejemplo
perfecto de la naturaleza de iluminación
suave porque las nubes actúan como un difusor para el sol. Podemos copiar esta técnica con nuestro propio equipo cuando
queremos crear luz suave. El uso de la difusión puede suavizar y extender una fuente de luz
dura. Ya sea que sea el Sol, nuestras luces de película o
cualquier luz práctica. O otra técnica es
usar reflectores para rebotar la luz sobre las sombras para
ayudar a suavizarlas o eliminarlas. En el siguiente videoclip
musical, verás ejemplos de ambas técnicas
utilizadas hasta el extremo. Y rebotamos de ida
y vuelta entre ellos para ayudar a enfatizar
el tema del asalto. Esto
19. Banda en banda... Ten en cuenta de las barras negras: ¿ Alguna vez has oído hablar del término banding o tal vez del
término persiana enrollable? Si no has oído hablar
de ninguno de esos, tal vez hayas visto que esto suceda a tu metraje
en algún momento. Cuando estamos filmando sobre la marcha y confiando en las ubicaciones, fuentes de
luz. Este es un tema con el
que puede encontrarse. Lo primero que debe
saber es que esto nunca sucederá al
usar luz natural. Sólo la luz artificial
puede causar esto. Pero no todas las luces. Ciertos tipos de luces
envían la luz en ondas, igual que una señal de radio. En lugar de una luz que se mueve
a un nivel consistente, las olas hacen que tenga intensidades ligeramente
diferentes. Pero debido a que esto está
sucediendo tan rápido, nuestros ojos no lo notan. Nuestra cámara sin embargo, sí
nota estas diferencias. Eso es porque cada vez que
la cámara graba un fotograma, toma una foto de
ese momento exacto. Y cuando hace esto, las cámaras escanean el sensor línea por línea para grabar la luz que está golpeando el sensor. Pero al mismo tiempo que
esto está sucediendo, la intensidad de la luz está cambiando a medida que la onda
golpea el sensor, haciendo que partes del marco sean ligeramente más oscuras. Con esa pequeña lección de ciencia, ¿cómo nos deshacemos de esto? Bueno, el primer paso es
revisar la configuración de la cámara. Si eres Norteamérica, tu cámara debe
estar configurada en NTSC. Y si estás en Europa, se debe fijar a PAL, amigo. En otros lugares del mundo. Tendrás que
investigar qué sistema usa
tu país y
establecerlo en consecuencia. Si bien esta no es una solución
100% garantizada, sí ayuda porque ahora
la cámara está ajustada a la frecuencia adecuada de la iluminación que se usa en
diferentes partes del mundo. Si eso no resuelve
el problema que hay algunas otras
cosas que podemos hacer. Si tenemos un
kit de iluminación y tenemos acceso a las luces que
están causando el problema. Podemos reemplazar las bombillas o podemos usar nuestras
propias luces en su lugar. Si eso no es posible. Porque estamos filmando sobre la marcha o en un presupuesto bajo y
no tenemos un kit de iluminación, entonces mira si es posible
eliminar la luz que
está causando la banda. Nuestra tercera opción es
ajustar la velocidad del obturador e intentar igualar la frecuencia de las luces lo mejor
posible. Este es en realidad un buen ejemplo
de cómo funciona el desenfoque de movimiento. Dependiendo de la velocidad de obturación, se incrementa
o disminuye
la cantidad de
onda de luz que golpea el sensor, lo que hace que las
barras estén más definidas o menos definidas. También afecta el número
de barras que vemos. Observe que a medida que aumentamos
la velocidad de obturación , aparecen
más barras, y
están más definidas. Cuando bajamos la velocidad de obturación, permitiendo una exposición más larga, capturamos más movimiento
de las luces ligeras, lo que hace que las barras se vuelvan más suaves
y menos frecuentes
a medida
que se mezclan, esencialmente creando desenfoque de
movimiento. También puede notar que
ciertas fuentes de luz, aunque no
causan bandas a todo
el fotograma de la cámara, crean un parpadeo. Esto es común con televisores y
otros tipos de pantallas. Y eso se debe a que fuentes de
luz como estas no emiten luz en las olas. En cambio, se encienden
y apagan extremadamente rápido. Tan rápido que una vez más, nuestros ojos no lo recogen. Nuestra cámara, sin embargo, es capaz de
captar esto
porque cuando graba un fotograma, a veces la luz estará
encendida y a veces se apagará, provocando ese parpadeo que
aparece en nuestro metraje. En estas situaciones, es mejor
y más fácil simplemente
apagarlo o pantalla verde para que puedas
agregarle video en post-producción.
20. Lens Flares y Ghosting (no el tipo de citas: Las bengalas de lente son definitivamente
algo que todos hemos tenido pop-up en nuestro
metraje o nuestras fotos. Ya sea que hayamos querido decir para ello o no. Por lo general, pero no siempre, fantasma sucede también. Si no estás familiarizado
con el término fantasma, es un tipo de destello de lente
que crea anillos de luz. Se ve similar a las
ondulaciones en el agua. A algunos de nosotros nos puede gustar el efecto, y para algunos de nosotros nos
puede volver locos porque puede crear un resplandor y reducir el contraste agregando una
neblina a la imagen. Te gusten o no, vale la
pena entender qué les
causa y
cómo evitarlos. Si queremos hacer eso. Esto se produce cuando la luz
golpea el vidrio de cierta manera. Y nuestras lentes están
llenas de vidrio. Y este vidrio está destinado
a doblar la luz y dirigido al
sensor de la cámara para crear una imagen. Pero debido a que el vidrio también
es reflectante, cuando una fuente de luz fuerte, como el sol entra en la lente, la luz también puede
rebotar en otros elementos de la cámara. Y cuando una racha de luz
rebota de cierta manera, eso es lo que crea
una llamarada de lente. Con ese conocimiento,
tiene sentido que cuanto más
elementos de vidrio en una lente, mayor será
la posibilidad
de obtener bengalas de lente. Significa lentes de zoom, son más susceptibles que las lentes prime. En primer lugar, como mencionamos, usar lentes prime
ayudará porque tienen
menos elementos de vidrio. Utilizando un parasol, que están diseñados para limitar
cómo la luz golpea la lente. Esta es una forma rápida y fácil de
reducir o eliminar las bengalas de lente. Y hay tres
formas de capuchas de lente. Redondo, que es el más común y de uso frecuente para lentes teleobjetivo
estándar. Luego están las campanas de pétalos y lentes
cuadradas. Ambos se utilizan para lentes de
gran angular porque su forma está diseñada específicamente para evitar que la campana corte los
bordes de la imagen. Sé que esto puede parecer contra-intuitivo
porque estamos agregando una capa extra de vidrio. Pero puedes obtener
filtros uv
y D y polarizador que están diseñados con un recubrimiento especial que
reduce las bengalas. Incluso un ligero
cambio en el ángulo puede reducir o incluso
eliminar el problema. El uso de aberturas inferiores que dejan entrar más luz también puede ayudar. Porque con aberturas más altas, el haz de luz que
pasa por la lente está
más concentrado. Cuanto más concentrada sea
la luz, más distintivas se vuelven
las bengalas. Piénsalo como un centro de atención
frente a un reflector. Si hay suciedad, polvo u
otras partículas en la lente, eso es sólo más cosas para que
la luz rebote. Me encanta u odiarlo.
Las bengalas de lente y el
fantasma siempre serán un elemento del cine
y la fotografía. Pero ahora ya sabes cómo funciona y qué puedes hacer para trabajar
con él o trabajar en torno a ella.
21. Conclusión: Hemos llegado al
final de esta clase, y espero que la hayas disfrutado y tomaremos lo
que has aprendido aquí sobre iluminación y ajustes de
cámara relacionados para evolucionar como cineasta
y continuar practicando y perfecciona tus habilidades y asegúrate de compartir tu
trabajo aquí en Skillshare, así
como revisión hepática. Bueno o malo. Me ayuda a crear mejores
clases en el futuro. Muchas gracias
por acompañarme y
les deseo todo lo mejor
con su realización cinematográfica.
Scott Baker, Filmmaker
