Iluminación para Videógrafos: crear un look profesional sin luces caras | Scott Baker | Skillshare
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Iluminación para Videógrafos: crear un look profesional sin luces caras

teacher avatar Scott Baker, Filmmaker

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:45

    • 2.

      ¿Qué es el rango dinámico?

      2:25

    • 3.

      Leyendo un Histogram... Es bastante fácil

      2:50

    • 4.

      Balance de blancos

      4:13

    • 5.

      Vignettes / Aberraciones

      3:23

    • 6.

      Filtros UV y su nuevo propósito

      1:41

    • 7.

      Polarizadores, por qué son esenciales

      4:09

    • 8.

      Filtros ND y cómo nivelan tus habilidades

      5:13

    • 9.

      ND variables

      4:31

    • 10.

      Macro filtros, echemos un vistazo más cercano

      4:12

    • 11.

      Filtrar formas, tamaños y anillos... ¡Oh mi!

      3:22

    • 12.

      Obtención de buena exposición

      5:19

    • 13.

      Algunos ejemplos de exposiciones

      2:53

    • 14.

      Disparos en escenarios extremadamente oscuros

      4:59

    • 15.

      Disparos en escenarios extremadamente brillantes

      4:59

    • 16.

      3 - iluminación de puntos

      2:05

    • 17.

      Iluminación delantera contra trasera

      2:15

    • 18.

      Iluminación dura vs suave

      4:35

    • 19.

      Banding... Cuidado con las Barras Negras

      4:23

    • 20.

      Ghosting y llamaradas de lentes (no el tipo de citas

      4:04

    • 21.

      Conclusión

      0:28

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

173

Estudiantes

3

Proyectos

Acerca de esta clase

Únete al cineasta Scott Baker para una introducción profunda en la iluminación para cine, fotografía y Videografía y cómo hacerlo con un kit de iluminación mínimo o ningún (por ejemplo, luz solar y luces existentes) Si quieres darle a tus películas un aspecto más profesional y creativo, esta es la base para entender cómo usar la luz para crear ese sentimiento cinematográfico.

¿Qué voy a aprender?

  • Ajustes de la cámara: temperatura de color, balance de blancos, histogramas
  • Filtros de lentes: polarizadores, END, rayos UV y cómo resuelven problemas y crean capturas convincentes
  • Técnicas de iluminación3 puntos de configuración, iluminación dura vs suave, utilizando Reflectors, y más

ESTARÁS LISTO PARA FILMAR:

  • En condiciones extremadamente oscuras
  • Eventos en vivo cuando no tienes el control de la iluminación
  • Con un equipo de iluminación

¿Para quién es esta clase?

Ya seas un aspirante a Cinematographer, vlogger o un videógrafo principiante, esta clase es para todos. Y no importa si estás usando una cámara de gama alta o tu teléfono, estas técnicas todavía funcionan y pueden hacerse con luces regulares utilizadas en la vida cotidiana (incluido el sol). Hay algún equipo que voy a recomendar, pero incluso esos son baratos.

Para asegurarse de que entiendas a fondo el material que hay muchos diagramas, tutoriales y ejemplos de la vida real. Todo diseñado para que termines de esta clase sintiéndose seguro y emocionado de usar los conocimientos y habilidades que has aprendido para llevar tu cine al siguiente nivel.

Para aprender más sobre las emociones de la iluminación (y otras maneras de conectarse con tu público) echa un vistazo a esta clase...

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Scott Baker

Filmmaker

Profesor(a)

After graduating from film school in 2008 I dove straight into the Toronto film industry Directing and Producing a variety of projects such as music videos and short films that have screened at festivals such as Tribeca and Toronto International Shorts. In between projects I also work on big budget film and television such as Suicide Squad and The Boys.

When not on set I'm on the road working with bands, shooting documentaries, and creating other independent projects. Even while traveling for vacation I can't seem to put my camera down, because when you're passionate about something it becomes second nature.

 

Website: www.scott-baker.ca 

Email: 21.bakers.creative@gmail.com

Instagram: https://www.instag... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Scott Baker y empecé en la industria cinematográfica en 2009, trabajando en grandes películas y programas de televisión, mientras también dirigía mis propios cortometrajes, documentales y videos musicales. Si has tomado alguna de mis otras clases que bienvenido de nuevo. Si esta es tu primera vez, entonces es genial tenerte. En esta clase. Vamos a bucear justo en, comenzando con una mirada más profunda a algunos de los ajustes y herramientas más avanzados que ofrecen las cámaras. Porque si queremos sacar el máximo provecho de nuestra cámara, necesitamos entender completamente cosas como leer un histograma o qué es el rango dinámico. A partir de ahí, aprenderemos sobre los diferentes tipos de filtros de lentes que pueden crear looks interesantes y ayudarnos en situaciones de iluminación difíciles, especialmente filtros de densidad neutra y polarizadores. Y después de eso, pasaremos tiempo expandiendo nuestro conocimiento de iluminación. Cosas como condiciones de poca luz o la diferencia entre la luz dura y suave, también aprenderán a hacerlo con un kit de iluminación mínimo o nulo. El material en esta clase proviene de mi experiencia práctica en la industria. Y está diseñado con diagramas y gráficos fáciles de seguir. Videos tutoriales explicando no solo cómo hacer las cosas, sino por qué las hacemos. Y lo mejor de todo, aprenderás de ejemplos de la vida real e irás detrás escena conmigo para ver exactamente cómo se crearon estas películas. Entonces, sin más hablar, comencemos. 2. ¿Qué es el rango dinámico?: Probablemente hayas escuchado a muchos fotógrafos, cineastas y entusiastas de las cámaras en general hablar de rango dinámico. Si no estás seguro de qué es exactamente eso, es la diferencia entre los tonos más oscuros y los más claros de la imagen. No obstante, la mayoría de las veces cuando la gente está hablando de ello, se están refiriendo al rango dinámico máximo una cámara es capaz de hacer. En términos claros, qué tan bien sensor de una cámara puede capturar la luz. Más específicamente, qué tan bien una cámara puede capturar los detalles en las sombras y reflejos de una imagen al mismo tiempo. El rango dinámico se mide en paradas, y el ojo humano puede ver hasta 24 paradas. Si bien la mayoría de las cámaras solo tienen un rango de aproximadamente 12 a 14. Es por ello que podemos mirar una escena o paisaje y ver un cielo azul soleado así como todos los detalles en primer plano. Si el primer plano son edificios o personas. Pero cuando tratamos de capturar la misma escena en cámara, tenemos que exponer adecuadamente el cielo, lo que significa perder detalle en las sombras del primer plano, o bien exponemos el primer plano y perdemos detalles en el cielo. Por lo tanto, las cámaras que tienen un rango dinámico más grande son más versátiles porque son mejores en la grabación de imágenes que tienen un mayor contraste entre la luz y la oscuridad. ¿ Por qué es importante esto? Porque al entender qué es el rango dinámico, el rango dinámico específico de nuestra cámara, podemos trabajar dentro de estos límites para asegurarnos capturar el mejor metraje e imágenes posibles. rango dinámico puede ser diferente de la cámara a la cámara porque está determinado por el sensor de la cámara. Las cámaras DSLR y sin espejo tienden a tener rangos dinámicos más altos que las cámaras compactas o teléfonos. Y una de las principales razones es el tamaño del sensor. Debido a que cuanto más grande sea el sensor, más información puede grabar, lo que resulta en un mejor rango dinámico. 3. Liderar un histograma... Es bastante fácil: En primer lugar, un histograma es un gráfico que representa los píxeles de una imagen. El lado izquierdo del gráfico representa a los negros u áreas oscuras, y el lado derecho representa los blancos o las áreas brillantes. Y la sección media representa los tonos medios. 0 es igual a negro puro y 255 es igual a blanco puro. Una rápida mirada a un histograma puede decirnos si nuestro metraje está debajo, sobre o bien expuesto. En un escenario perfecto, el gráfico debe tocar los bordes izquierdo y derecho del histograma, pero no derrama el sitio. El gráfico también debe tener un bonito arco en el centro. Un histograma que se parece a esto indicaría una imagen bien expuesta. El arco es la parte importante a observar si se desplaza hacia un lado u otro. Eso está bien. En este ejemplo, podemos ver que se desplaza hacia la izquierda, pero todavía hay blanco y negro a lo largo del borde. Lo mismo con esta imagen, que se desplaza hacia la derecha, pero aún tiene blanco y negro a lo largo del borde. Todo esto significa que los tonos medios de la imagen son o bien un poco más oscuros o un poco más brillantes, pero aún adecuadamente expuestos. Cuando el arco se desplaza demasiado hacia un lado y no toca el otro borde. Ahí es cuando tenemos problemas. En este ejemplo, hay una gran brecha en el lado izquierdo y su borde es completamente blanco, lo que indica que la imagen carece de negro, lo que significa que la imagen va a ser demasiado brillante. Este ejemplo es lo contrario. Hay una gran brecha en el lado derecho y el borde es completamente blanco, lo que indica que a la imagen le falta ningún blanco a su vez, lo que significa que va a ser demasiado oscura. También podemos ver lo que se llama picos, que tocarán el borde superior del gráfico. Esto también se llama recorte. Si esto sucede, significa que ha habido una pérdida de detalle y las áreas recortadas suelen ser muy difíciles de recuperar, sobre todo en lo más destacado de una imagen. Cuando esto sucede, necesitamos hacer ajustes a nuestra configuración o a la composición de la imagen para bajar este pico. Otra forma de ayudarnos a ver exactamente qué partes de la imagen están sobreexpuestas mediante el uso de un ajuste llamado Pekín o cebras. Esta configuración hará que cualquier área sobreexpuesta de la imagen parpadeará o mostrará un patrón de rayas en blanco y negro al previsualizar la toma en la pantalla de la cámara o en un monitor externo. De ahí el nombre cebra. 4. Balance de blanco y temperatura del color: Antes de discutir la creación nuestros propios ajustes de balance de blancos personalizados, primero necesitamos entender la temperatura del color. La temperatura del color se mide en grados Kelvin y representada por la letra k Esta escala va de alrededor de 2 mil a 13,000. K siendo la luz más débil y 11 mil k siendo el más fuerte. Piensa en 2 mil kelvin siendo representado por una vela con tonos rojos cálidos y anaranjados. Y a medida que sube la temperatura, el color de la luz pasa a través del espectro de colores hacia tonos azules y blancos. 11 mil K, que es básicamente el sol y será de color blanco puro. En lugar de ajustar siempre la configuración del balance de blancos. ¿ Por qué no dejar que el balance de blancos auto haga su trabajo? Si la iluminación en la escena es consistente en todo, entonces esto puede funcionar. Pero el balance de blancos auto luchará cuando haya múltiples fuentes de luz que tienen diferencias significativas de temperatura y se mezclan entre sí. Por ejemplo, una habitación con luces fluorescentes, que desprenden un tono verde. Pero también hay luz del día entrando por las ventanas que tienen un tono azul. Si esto sucede, el balance de blancos automático tratará de corregir para ambos y termina cayendo en algún lugar del medio y no dando un equilibrio adecuado para ninguna fuente de luz. Si nos encontramos en una situación donde balance de blancos auto o los otros presets no funcionan. Entonces tendremos que equilibrar manualmente la cámara en WIP nosotros mismos. Lo demostraré en mi Sony DSLR. Así que ten en cuenta que los menús pueden verse un poco diferentes, pero el proceso sigue siendo el mismo. Y en realidad es mucho más fácil de lo que piensas. Una vez que la escena está encendida y lista para filmar. Entra en la configuración del menú y selecciona el balance de blancos. Luego desplázate para encontrar los ajustes preestablecidos personalizados. En algunas cámaras, es posible que tenga que seleccionar primero el Preset Personalizado y luego establecer su saldo. Para esta cámara Sony seleccionaré la opción set. El siguiente paso es establecer el balance de blancos. Y para esto, recomiendo encarecidamente recoger un conjunto de estas tarjetas de balance de blancos. Hay pequeños y de bajo costo. Si no tienes estas tarjetas, un trozo de papel blanco también puede funcionar. O encuentra un color neutro en la escena, como el gris. Toma una foto para ver el resultado. A continuación, seleccione el preset personalizado para guardarlo bajo. Entonces podemos elegir qué ajuste personalizado queremos usar. Lo estableceremos a la configuración personalizada número uno. Entonces si entramos en el menú, vemos que uno personalizado está configurado 3200 K. Después de hacer eso, si no estás del todo contento con el resultado, siéntete libre de experimentar eligiendo diferentes tonos para establecer el balance de blancos a. Pero manténgase dentro del espectro blanco y negro. Usar un objeto que sea azul o rojo cambiará dramáticamente el look de una manera muy antinatural. Eso es porque la cámara pensará que la luz en la escena es toda roja o toda azul. Y lo corregiremos al equilibrarlo con el color opuesto en la rueda de color. 5. Vignettes / Aberrations / patrón X: Antes de empezar a aprender sobre los diferentes tipos de filtros y cómo usarlos. Quiero primero discutir algunos términos técnicos que harán que las siguientes lecciones sean más fáciles de entender. El primero que discutiremos, posible que ya hayan oído hablar de él se llama viñeteo. viñeteo es cuando las esquinas de una imagen se oscurecen más que el resto de la imagen. Este es un efecto popular que puede haber usado en Instagram. Y tal vez crees que esto podría ser un look interesante. Pero si esto ocurre al filmar, será imposible arreglarlo en la edición. La única opción será recortar la foto o el metraje. No obstante, como has visto en Instagram, es extremadamente fácil agregar este efecto. Lo mejor es evitar que esto suceda con el metraje original o las fotos. También es más probable que ocurra viñeteado cuando se usan variables y Ds o cuando se usan NDA en una lente gran angular. O sobre todo si haces una combinación de ambos. Podría sonar genial, pero el patrón X no es algo que alguna vez quisiste aparecer en tu metraje o en tus fotos. Sabrás que tienes este problema porque verás un área oscurecida en forma de X justo al otro lado de la mitad de la imagen. Este patrón suele ser causado por la rotación un filtro ND variable más allá de su ajuste máximo. El uso de una variable y D con una lente gran angular también puede aumentar las posibilidades de que esto suceda. Pero ajustando la distancia focal y o su posición al sujeto. Estas son dos formas de arreglar esto. Si no funciona, entonces tendrás que reducir el ajuste ND. Otra cosa de la que tener cuidado al usar filtros es el apilamiento. Los filtros de apilamiento es cuando se agregan más de un filtro a la lente al mismo tiempo. Un ejemplo, agregar múltiples filtros ND o combinar un filtro macro con un polarizador. Aunque puede ser muy útil resolver situaciones de iluminación difíciles o crear algunos looks realmente interesantes. Apilar demasiados filtros obliga la luz a pasar por más elementos de vidrio, lo que puede reducir la calidad de la imagen a través de la pérdida de nitidez u otras aberraciones en la imagen. Otro término que escucharás en las siguientes lecciones es la aberración cromática, también conocida como flecos de color. Este tipo de distorsión crea un contorno colorido a lo largo los bordes de los objetos en nuestra imagen. Por lo general aparece donde hay alto contraste entre objetos claros y oscuros. Un ejemplo, al ser un objeto oscuro con un cielo brillante como fondo, usar lentes de mayor calidad es la mejor manera de prevenirlo. Pero también podemos evitar esto mediante el uso longitudes focales más altas y aperturas más altas. 6. Filtros UV y su nuevo propósito: El propósito de un filtro UV es bloquear la luz ultravioleta. Antiguos stocks de películas fotográficas, somos muy sensibles a la luz UV. Y si no utilizaras el filtro, tus fotos terminarían con una neblina azul. No obstante, las existencias de películas modernas y los sensores digitales simplemente ya no son tan sensibles a la luz UV. En cambio, estos filtros han recogido un uso secundario para proteger el vidrio sensible de nuestras lentes del polvo, suciedad, el agua y los arañazos. Algunos cineastas y fotógrafos prefieren no usarlos porque la capa añadida de vidrio puede causar una reducción muy mínima en la nitidez de la imagen. Y la llamarada ocasional de la lente o fantasma. Si sientes lo mismo y eliges filmar sin filtro UV, solo tienes que tener cuidado extra con tus lentes para evitar cualquier cosa que pueda entrar en contacto con ellas. Pero eso no significa que no debas tenerlos a la mano para agregarlos rápidamente en caso de que te encuentres en un escenario donde pueda haber escombros, suciedad, lluvia, arena, o cualquier otra cosa volando alrededor que posiblemente podrían entrar en contacto con la lente. Por ejemplo, cuando estoy filmando conciertos en vivo, siempre tengo un filtro encendido. Pero para ambientes controlados como una entrevista, voy a quitar el filtro. 7. Polarizadores, por qué son esencial: Aproximadamente cada programa tiene herramientas para ajustar fácilmente la saturación y el contraste. Algunos incluso tienen herramientas de novatado D, pero ninguna hasta ahora tiene la capacidad de fijarlo efectivamente, reflejos o bengalas de lente. Entonces, si no quieres que los aparezcan en tu metraje, es importante tener las herramientas adecuadas. Y un filtro polarizador es una de esas herramientas. Cuando se trata de reflejos, resplandor, Hayes y luz dispersa. polarizadores pueden reducir su presencia e incluso eliminarlos si no son demasiado fuertes. Otro efecto que tienen y algo que realmente me gusta como preferencia personal, es que potencian la saturación y el contraste. polarizadores son más útiles al filmar agua, nieve a través de vidrio o cualquier otra superficie reflectante. Me gusta especialmente usarlos al filmar afuera y quiero capturar hermosas imágenes del cielo o el agua. Observe cómo saca más detalle en las nubes. Y impulsa la saturación del cielo. Pudiendo controlar mejor la fuerza de los reflejos desde el agua, somos capaces de ver más detalles. Y de nuevo, ese impulso de saturación hace que el metraje se vea mucho mejor. En primer lugar, tenemos que entender cómo funcionan. Por favor sea paciente ya que estoy a punto de ponerme un poco nerdy, pero confía en mí, vale la pena. Las luces luminosas se reflejan en diferentes direcciones cuando golpea superficies irregulares. polarizador funciona al impedir algunas de esas luces entren en tu lente y solo permitiendo que la luz entre desde ciertas direcciones. Y debido a esto, también está permitiendo que entre menos luz. Combina estos dos factores y también afectará los colores. Pero, ¿cómo hace esto el filtro? Bueno, estos filtros tienen una codificación dicroica. Significado dicroico que muestra diferentes colores cuando se ve desde diferentes direcciones. Esta codificación se compone de moléculas que se alinean hacia arriba en una dirección. Debido a que el filtro está construido con dos capas de vidrio, fueron capaces de girar el filtro mientras está unido a nuestra lente. Y cuando hacemos esto, cambia la dirección de las líneas en la codificación de los filtros. A su vez, bloqueando la luz desde diferentes direcciones. A medida que rotamos el filtro, podemos ver cómo cambia la imagen. Usando un filtro polarizador. No podemos simplemente atornillarlo y pensar que estamos listos para ir con cada nuevo disparo o cambio de iluminación, tendremos que ajustar el filtro hasta que encontremos ese punto dulce que funciona mejor. polarizadores son una herramienta muy útil para tener en tu kit. Si aún no tienes uno, recomiendo encarecidamente conseguir uno de ahí. Diviértete probándolo. La mejor manera de aprender y obtener una comprensión práctica es salir a fotografiar paisajes, preferiblemente en días soleados. Toma el mismo ancho de la foto, el filtro, y sin el filtro para ver la diferencia. Así como lo he hecho por esta lección. 8. Filtros ND y cómo nivelan tus habilidades: Filtros de densidad neutra, o más comúnmente conocidos como filtros ND. Su propósito es reducir la cantidad de luz entra en la cámara sin afectar los colores, contraste o la nitidez de la imagen. Son como gafas de sol para nuestra lente, pero no gafas de sol de lujo que cambiaron el color de las cosas, ahí la palabra neutral. Bueno, los filtros ND están etiquetados de muchas maneras. El más común es el número final, a menudo escrito como n D2 y D4 ocho y así sucesivamente. Un filtro AND2 permite la mitad de toda la luz a través de él. Un filtro MD4 permite una cuarta parte de toda la luz a través de él. Y un NDA ocho permite pasar una octava de toda la luz y así sucesivamente. Podemos ver en este gráfico, cada n d stop corta la cantidad de luz a la mitad de la anterior parada de Andy. Por cada n d luz de parada se reduce en una f-stop en nuestra apertura. Significado si agregamos un MD4 que reducirá la luz en dos paradas. Uno, vemos que la imagen se pone mucho más oscura. Lo que hace es que nos permite abrir nuestra apertura por dos paradas de 5.612 a 2.8. Vemos ahí tenemos exactamente la misma exposición, pero una profundidad de campo ligeramente más baja. O si la velocidad de obturación se establece en 250, podemos bajarla a 60 para obtener la misma exposición. Ahora si ajustamos nuestro filtro ND por dos paradas, podemos ver que se pone sustancialmente más oscuro. Con base en ese medidor de exposición intermitente, sabemos que está subexpuesto. Pero lo que esto nos permite hacer es ajustar nuestra velocidad de obturación de 250 abajo dos paradas a 60. Lo cual una vez más nos da esa misma buena exposición. Y en este caso, ahora también estamos duplicando nuestra velocidad de fotogramas de acuerdo con la regla del obturador de 180 grados. Ahora es posible que hayas notado que al ajustar la velocidad del obturador, bajé más de dos ajustes. Veremos que de 250 va a doscientos ciento sesenta ciento veinticinco. No obstante, cada una de estas configuraciones no cuenta como parada completa. La parada completa es doble. Si vas a subir o a la mitad si vas a bajar, por eso en este caso, pasando de 250 a 125 cuenta como one-stop. Y de 125 a 60 es otra parada. Los filtros Nd son más útiles en condiciones brillantes. Cuando queremos tener una profundidad de campo poco profunda, igualar nuestra velocidad de obturación a la velocidad de fotogramas o para capturar el desenfoque de movimiento. Pero no podemos hacerlo porque la luz, la mayoría de las veces el sol es demasiado brillante y hará que las imágenes de las fotos queden sobreexpuestas. Si cambiamos los ajustes para obtener una buena exposición, perdemos el efecto deseado. Por ejemplo, queremos una profundidad de campo poco profunda para separar nuestro sujeto del fondo. Pero es demasiado brillante y ya tenemos el ISO tan bajo como puede ir. Entonces o usamos una velocidad de obturación realmente alta, que puede hacer que el metraje parezca entrecortado, o usamos una apertura más alta. Pero esto significa que perdemos esa poca profundidad de campo. Al agregar un filtro ND, que reduce la cantidad de luz. Nos permite bajar la apertura o la velocidad de obturación para lograr el look que queremos sin sobreexponer el metraje. Para los fotógrafos, esto afecta la velocidad de obturación. El mejor ejemplo es mover agua. Si elevamos la velocidad del obturador para obtener una buena exposición, se pierde el desenfoque de movimiento. Pero con un filtro ND agregado, podemos bajar la velocidad de obturación y capturar desenfoque de movimiento mientras aún exponemos adecuadamente la imagen, dando al agua ese desenfoque suave. 9. Los datos variables NDs y gradados: Ahora que entendemos cómo funcionan los filtros ND, por qué los usamos, y cómo usarlos. Echemos un vistazo rápido a dos tipos diferentes, comenzando con filtros de gradiente. filtro ND degradado, también llamado a, G y D, es bastante simple. Este filtro pasa de la luz a la oscuridad y a menudo se usa para equilibrar la exposición en una imagen que contiene alto contraste entre secciones brillantes y oscuras. Ejemplo perfecto de esto es un cielo brillante y un primer plano oscuro. Al hacer coincidir la transición del filtro al horizonte o dondequiera que ocurra el duro cambio de luz, equilibra mejor la exposición de la imagen general. Cuando se trata de gradientes. La mayoría de la gente prefiere un filtro cuadrado porque es más fácil ajustar el área de transición. Y eso se debe a que el filtro es más grande que el diámetro de la lente. El segundo tipo es un filtro ND variable. Estos son muy populares porque nos dan la capacidad de elegir con precisión la intensidad del filtro simplemente girando el anillo exterior dos ajustes diferentes. El ajuste máximo y mínimo y D cambiará dependiendo del tipo de filtro. Pero la variedad de dos paradas a ocho paradas es la más popular. La ventaja del filtro ND variable es que es como tener múltiples Andy adheridos a la vez. Por ejemplo, un ND dos a cinco nos permite cambiar entre cuatro niveles de densidad neutra en cuestión de segundos simplemente girando el anillo. Ser capaz de hacer estos ajustes rápidamente es perfectamente al filmar conciertos, bodas u otros eventos en vivo. Pero como cualquier pieza de equipo, incluso algo tan impresionante como una ND variable, sí tiene sus desventajas por el diseño. A medida que rotamos al máximo y al ajuste, a veces podemos obtener ese patrón X del que hablamos. El otro tema es con el viñeteo. Tanto el viñeteado como el patrón X son problemas que se pueden solucionar marcando el ND, retrocediendo problemas que se pueden solucionar marcando el ND, un poco, y luego ajustando los otros ajustes de nuestra cámara para compensar con el fin de seguir consiguiendo un buena exposición. La otra opción, que es lo que he hecho, se compran dos filtros. Uno que es un N d2, cinco, y el segundo que es un NDC seis a nueve. Ir con dos filtros no eliminará estos temas al 100%, pero sí los reduce significativamente. A la hora de elegir qué tipo de filtro ND es el mejor para ti. Realmente depende de qué tipo de cineasta o fotógrafo seas. Para cineastas de eventos en vivo, sugiero variable y Ds, que van desde dos a nueve. Si estás filmando videos musicales, películas narrativas o documentales, te sugiero un conjunto de filtros cuadrados con una configuración de Mapbox. Fotógrafos. Yo iría con Andes variables. O si haces larga exposición y fotografía de cielo nocturno, entonces el extremo superior D's en el rango de 32 a ciento diez cientos. Esos te ayudarán a capturar mejor esos impresionantes cielos nocturnos. Cualquiera que sea el tipo de filtros ND que decidas son los mejores para ti. Una cosa es segura que hay una pieza de equipo muy importante para tener un entender con el fin de llevar tu filmación y fotografía al siguiente nivel. 10. Macro filtros y veamos más cerca: Antes de entrar en detalle sobre los filtros macro, echemos un vistazo rápido a la lente. Verás que en el anillo de enfoque de cada lente, hay una distancia mínima de enfoque en un extremo. Y el otro extremo suele ser un símbolo del infinito. Como sabemos, cuanto menor sea la distancia focal, más cerca podemos estar un sujeto y seguir siendo capaces de conseguir enfoque. Este 85 milímetros tiene una distancia mínima de 1.1 metros o unos 3.5 pies. Considerando que el 35 milímetros tiene una distancia mínima de enfoque de 0.7 en metros o alrededor de un pie. Si el sujeto está más cerca la lente que la distancia mínima indicada, será imposible enfocarse. La distancia focal mínima en un milimetro de 35 milímetros es de un pie o 0.3 metros. Como vemos aquí con mi mano. Si tratamos de enfocarme en mis dedos, es imposible. Trae el filtro macro. Esencialmente lo que hace un filtro macro es reducir la distancia focal de las lentes, a su vez, reduciendo la distancia mínima de enfoque. Estos filtros están disponibles en una gama de agua llamada dioptrías. Si usas gafas, podrías reconocer este término porque también se usa para describir la cantidad de aumento positivo o negativo que se necesita para las correcciones de I. Pero debido a que queremos amplificar la imagen, los filtros macro sólo se describen en números positivos, como más uno más dos más cuatro, yendo todo el camino hasta más diez. Cuanto mayor sea el número, más aumento. También podemos apilar estos números para aumentar el aumento. Pero recuerda, a medida que la luz pasa por más vidrio, la calidad de la imagen comenzará a disminuir. También vale la pena mencionar que al usar un filtro macro, no podremos enfocarnos al infinito. Los filtros macro se construyen de dos maneras. Elemento único y elemento doble. Los filtros de elemento único son significativamente más baratos, pero también producen imágenes de menor calidad. Muy a menudo, esta menor calidad resulta en menos nitidez a lo largo de los bordes de una imagen. O como aberración cromática a lo largo de los bordes de los elementos dentro de la imagen. Si encuentras que esto está sucediendo, lo general se puede evitar mediante el uso de una abertura más alta. Pero si quieres tener plena libertad con tu lente y la abertura, entonces un filtro de doble elemento es lo que necesitas en estos filtros. El segundo elemento está realmente diseñado para corregir los defectos del primer elemento. Estos filtros también pueden ser referidos como filtros acromáticos. Con todo el trabajo de primer plano, la profundidad de campo reducirá cuanto más cerca esté la cámara al sujeto. Con algunos filtros macro, incluso se puede reducir a unos pocos milímetros. En este caso, es probable que quieras usar un trípode o ajustar tu apertura para aumentar la profundidad de campo. Calidad. La lente macro puede ser costosa. Pero si eres fotógrafo y la macro fotografía es tu nicho o haces cinematografía de productos para cosas como joyas o comida, entonces vale la pena invertir en una lente macro de especialidad. Pero si no está en tu presupuesto o no es algo que usarás a menudo. Que los filtros macro pueden ser la mejor opción para ti. 11. Formas de filtro, Sizes, y anillos.. ¡Oh My!: Al comprar filtros, también notarás que vienen en dos formas, cuadradas y circulares. Al principio, esto puede no parecer una gran diferencia, pero hay ventajas y desventajas para ambos. Echemos un vistazo. Los filtros cuadrados se deslizan hacia un adaptador que se adhiere al extremo de la lente. Y son geniales porque se pueden usar en cualquier lente independientemente de su tamaño. También se pueden apilar fácilmente. Debido a que los filtros cuadrados son más anchos que el diámetro de la lente, hay significativamente menos posibilidades de viñetear o ese patrón X. No obstante, son más frágiles. Tarda más tiempo en configurarse, ocupa más espacio, y hay menos opciones hora de comprar variable y Ds. Los filtros circulares son más duraderos. Ocupan menos espacio y son rápidos y fáciles de configurar. Y tienen muchas opciones a la hora de elegir variable y Ds. No obstante, son más susceptibles a aberraciones como el patrón X y el viñeteo. Y debido a que vienen en tamaños específicos, los únicos se ajustan a las lentes con el diámetro correspondiente. No obstante, los anillos elevadores y bajistas pueden resolver fácilmente este problema. Si optas por ir con filtros circulares, entonces mi sugerencia es comprar los filtros más grandes porque siempre se pueden usar en lentes de menor diámetro. Si utilizas las filas escalonadas. tanto que si ponemos un filtro más pequeño en una lente más grande, si la diferencia es demasiado, el filtro cortará las esquinas de la imagen. ¿ Cuáles son estos anillos que he mencionado ahora unas cuantas veces. Bueno, básicamente son solo adaptadores que nos permiten unir unos filtros circulares, dos lentes con diferentes diámetros al usar estos anillos. El primer número es el que se atornilla en la lente, y el segundo número se atornilla en el filtro. Cada filtro indicará el diámetro en algún lugar a lo largo de su marco. Y para encontrar el diámetro de tu lente, mayoría lo tendrá impreso en el interior de la tapa de la lente o en algún lugar de la lente. Y está representado por este símbolo. La configuración que tengo es un ejemplo perfecto de lo que acabo de describir. Tengo una variable ND de dos a cinco, y su diámetro es de 82 milímetros, pero la lente es 77. En este caso, tengo que usar un anillo de paso arriba porque el primer número coincide con el diámetro de la lente de 77 y el segundo número coincide con el filtro en 82. Significa que estoy intensificando una talla. Si la diferencia en diámetros no se puede igualar con un anillo, entonces tendrás que usar varios anillos. Por lo que lo mejor es comprar un conjunto entero, sobre todo porque no son tan caros. 12. Cómo conseguir buena exposición: En primer lugar, ¿por qué se llama exposición? Es porque cada vez que se abre el obturador, el sensor de la cámara está siendo expuesto a la luz. Y para saber qué es una imagen adecuadamente expuesta, primero necesitamos entender qué causa subexposición, sobreexposición. Y debemos ser capaces de reconocerlo. Una imagen subexpuesta se produce cuando no hay suficiente luz golpea el sensor de la cámara, lo que resulta en que la imagen se vea oscura. Cuando esto suceda, los detalles se perderán en las sombras y las áreas más oscuras de la imagen. Y a menudo puede hacer que sea difícil separar el primer plano del fondo. Una forma fácil de crear una imagen subexpuesta es mediante el uso de una alta velocidad de obturación y una alta apertura juntos. Una imagen sobreexpuesta ocurre cuando demasiada luz golpea el sensor y parece lavada. Si bien es más fácil ver el fondo y el primer plano, detalles de la imagen aún se mezclan y pueden perderse en los aspectos más destacados de la imagen. Una forma fácil de hacer que esto suceda es usar una apertura baja y una baja velocidad de obturación cuando se encuentre en condiciones brillantes. Ahora que entendemos a esos dos, echemos un vistazo a una imagen adecuadamente expuesta, que básicamente está encontrando un buen equilibrio entre los otros dos. No es demasiado brillante y no es demasiado oscuro. Hay dos formas rápidas de comprobar esto en tu cámara. En primer lugar es mediante el uso del medidor de exposición. Si el mercado está demasiado lejos a la derecha, significa que la imagen estará sobreexpuesta. Demasiado lejos a la izquierda. Será subexpuesta y 0 siendo el punto óptimo. Pero eso no significa que siempre tenga que ser exactamente a 0. Con la mayoría de las cámaras, siempre y cuando estés dentro de este rango, la imagen tendrá buena exposición. Pero si el medidor está parpadeando, entonces definitivamente has ido demasiado lejos a un lado y ya sea sobreexpuesta o subexpuesta la imagen. El segundo camino es mirando el histograma. Como sabemos, los tres ajustes que deciden nuestra exposición, nuestra apertura, velocidad de obturación, e ISO. Apertura controla cuánta luz es. Dejar entrar. Un número de f-stop más pequeño equivale apertura de iris más grande, lo que significa más luz. Un número F-stop más grande significa menos luz. La velocidad del obturador controla cuánto tiempo se deja entrar la luz. Se mide en fracciones de segundo. Por lo que un ajuste más pequeño como 130, significa que el obturador está abierto por más tiempo, lo que permite más luz. Y un número mayor, como 1 500, estamos dejando menos luz. Iso es lo sensible que es el sensor de la cámara a la luz. Un número menor significa que es menos sensible y necesitará más luz. Y un número mayor significa que es más sensible y necesitará menos luz para obtener una imagen debidamente expuesta. Dos cosas importantes para recordar. En primer lugar, esa luz solar natural es el tipo de luz más fuerte. Y segundo, cuanto más alto sea el ISO, más grano, también conocido como ruido podría tener la imagen. Dependiendo de las condiciones de iluminación de la ubicación en la que estemos filmando. Tendremos que ajustar estos tres ajustes en diferentes combinaciones para lograr la exposición deseada. Pero antes de empezar a jugar con ajustes, encontremos un buen punto de partida. Para ello, primero debemos seleccionar nuestra velocidad de fotogramas. Para este ejemplo, seleccionaremos 24 fotogramas por segundo, que es la frecuencia de fotogramas común utilizada para el cine. A continuación, elegimos la velocidad de obturación. Y si seguimos la regla de obturación de 180 grados, debemos seleccionar una velocidad de obturación que sea el doble de nuestra velocidad de fotogramas. Elegimos 24 fotogramas por segundo. Y como no hay 48 frames por segundo opción, podemos elegir 50 y eso va a hacer muy bien. Entonces para la mejor calidad, queremos elegir nuestras cámaras base ISO, para mi cámara eso es 200. Pero cada marca y modelo puede ser diferente. Así que averigua cuál es la base ISO de tu cámara y configúrela en consecuencia. Por último, elegimos nuestra apertura y elegimos un entorno basado en la profundidad de campo que queremos. Ahora las posibilidades de seguir estos pasos y el metraje siendo exactamente lo que queremos son bastante pequeñas. Entonces a partir de aquí, debemos evaluar cada situación y decidir qué ajustes podemos hacer que nos den la mejor calidad de imagen así como el look deseado que queremos que tenga la toma. 13. Unos pocos ejemplos de exposición: Por ejemplo, estamos filmando un deporte de ritmo rápido afuera y no queremos Motion Blur. En primer lugar, tendremos que ajustar la velocidad de obturación más alta para eliminar ese desenfoque de movimiento. Y si es un día soleado, tendremos mucha luz. También podemos utilizar una abertura más alta, lo que también aumentará la profundidad de campo. Si aún es demasiado brillante, entonces podemos agregar un filtro ND. Ahora, ¿y si queremos más profundidad de campo? Entonces necesitamos aumentar nuestra apertura. Pero a medida que hacemos esto, la imagen se vuelve más oscura. Entonces para arreglar esto, primero eliminaríamos el filtro ND si lo hubiéramos aplicado. Y luego podemos ajustar la sensibilidad ISO si es necesario, al tiempo que tratamos de mantenerla lo más cerca posible de nuestra ISO base. Si estamos filmando deportes por la noche y no queremos desenfoque de movimiento, habrá que abrir la abertura bajando el f-stop, lo que reducirá la profundidad de campo. Si no queremos que la profundidad de campo sea demasiado pequeña y estrecha, entonces es posible que tengamos que aumentar la sensibilidad ISO si todavía no hay suficiente luz. Pero y si estamos filmando música en vivo en un ambiente oscuro, entonces tal vez un poco de desenfoque de movimiento está bien tener. En este caso, podemos bajar la velocidad del obturador en lugar de ajustar el ISO o la abertura. Para conciertos, también existe la posibilidad de añadir más luz para ayudar a lograr una mejor exposición. Ahora imagina que estamos filmando una entrevista dentro y usando luces prácticas en lugar de afuera usando la luz solar, entonces tendremos mucha menos luz que afuera. Pero ahora tenemos más control sobre la luz. Y debido a que hay muy poco movimiento, no tenemos que preocuparnos por el desenfoque de movimiento. Y ahora podemos reducir nuestra velocidad de obturación al ajuste más bajo posible en función de nuestra velocidad de fotogramas. En este caso, una velocidad de obturación de 50 fotogramas por segundo. Después de eso, elegiremos la abertura adecuada para darnos la profundidad de campo que queremos. Y por último, si es necesario, podemos ajustar el ISO. Como se puede ver, hay combinaciones aparentemente interminables que podemos usar para exponer adecuadamente nuestro metraje. Simplemente depende de lo que estamos filmando y del look queremos lograr que determine cómo hemos establecido nuestra apertura, velocidad de obturación y nuestra ISO. 14. Tocar en escenarios de extrema intensidad: Cuando nos encontramos filmando en escenarios con poca luz como conciertos en interiores, recepciones de bodas, o simplemente filmar por la noche. Como acabamos de aprender, corremos el riesgo de que las imágenes queden subexpuestas. Sabemos que tener suficiente luz golpeando el sensor de la cámara es lo más importante. Cuando nos encontramos en escenarios extremadamente oscuros, necesitamos permitir que entre tanta luz en la cámara como sea posible. Y hay formas de hacerlo, en lugar de simplemente aumentar el ISO realmente alto, haciendo que nuestras imágenes se vean granuladas y ruidosas. Una vez más, sigue la regla de obturación de 180 grados y establece la velocidad de obturación al menos duplicar la velocidad de fotogramas o superior dependiendo de la acción y nivel de desenfoque de movimiento con el que te sientas cómodo. Para conciertos de rock and roll, no queremos ponerlo demasiado bajo por el desenfoque de movimiento. Pero por algo de ritmo más lento, puede funcionar bien porque hay muy poco movimiento. Pero en escenarios de luces extremadamente bajas lo más probable es que desee que la velocidad de obturación sea tan baja como pueda ir acuerdo con la regla de obturación de 180 grados. Si es una decisión entre un poco de desenfoque de movimiento o estar subexpuesto. Tomaré el poco de desenfoque de movimiento. Es posible que te sientas de manera diferente y eso está bien mientras entiendas la decisión que estás tomando y por qué la estás tomando. A continuación, queremos abrir la abertura tanto como sea necesario o tanto como sea posible. Recuerde, cuanto menor sea el número de apertura, menor será la profundidad de campo que tendrá si la profundidad de campo se vuelve demasiado superficial. Una forma de equilibrar esto es mediante el uso de una distancia focal más baja, lo que nos da tomas más amplias y aumenta la profundidad de campo. Tenga en cuenta que las lentes prime pueden lograr aberturas más grandes de 1.8 e incluso 1.4, que las lentes de zoom no pueden hacer. Si encuentras que estás filmando en escenarios con poca luz a menudo, te recomiendo encarecidamente conseguir una lente prime de 24 milímetros o 35 milímetros. O si puedes conseguir ambos. Si está utilizando una lente de zoom en estos escenarios, entonces es mejor mantener la distancia focal lo más amplia posible. No sólo proporcionará más profundidad de campo, como acabamos de mencionar, sino que lo que es más importante, permitirá la lente utilice el ajuste de apertura más grande que tiene. Si estás filmando en interiores, mira si hay alguna fuente de luz que puedas configurar cerca, como Windows o lámparas existentes que puedes agregar a la toma. Si dispara al aire libre por la noche, haga uso de farolas, luces de automóviles, edificios, e incluso la luz de la luna. Siempre y cuando tenga sentido que estas fuentes de luz estén en el tiro, según la historia que estás contando. Si tienes un kit de iluminación a tu disposición y un dp talentoso, entonces no hay razón por la que tu metraje deba estar alguna vez bajo o sobreexpuesto a menos que sigas que sea así. Si no tienes un kit de iluminación porque estás filmando sobre la marcha, o tienes un presupuesto muy pequeño, entonces estas son dos cosas que debes tener contigo en cada sesión que pueden marcar una gran diferencia. Un kit de 51 reflector, que le permite rebotar, bloquear, o difusar la luz. Y el segundo es una pequeña luz de bolsillo con temperatura de color ajustable. Es perfecto para agregar luz de relleno a áreas oscuras y fondos, o en áreas pequeñas en las que las luces más grandes no pueden caber, como los vehículos. Todo lo que estamos haciendo aquí, instalando esta pequeña luz de bolsillo justo a lo largo del salpicadero detrás del volante. Puede caber en un pequeño punto tan pequeño. Y esto es todo lo que necesitamos para conseguir ese poco de luz añadido para iluminar el sujeto dentro del vehículo. Si también matamos las luces del vehículo. Ahora, este es el resultado. 15. Tocar en escenarios brillantes: En el otro extremo del espectro, dejar entrar demasiada luz también puede causarnos problemas. Cuando esto sucede, el metraje queda sobreexpuesto. También se puede referir como ser soplado o lavado. Esto suele suceder al filmar al aire libre en días soleados, sobre todo si estamos filmando cerca del agua o en la nieve por lo reflectantes que son. En ocasiones, ajustar nuestros tres ajustes de exposición puede resolver esto si se trata de una imagen de bajo contraste. Lo que significa que todo en el marco es de un color más claro y no hay sombras duras. En cuanto haya un mayor contraste con los objetos más oscuros, verás que cuando estén adecuadamente expuestos, el fondo pierde detalle porque es demasiado brillante. Y si exponemos adecuadamente el fondo, entonces nuestro sujeto pierde detalle porque son demasiado oscuros o siluetados. ¿ Cómo resolvemos este problema? En primer lugar, queremos dejar caer el ISO a la base de cámaras ISO. Después de eso, podemos elegir una alta velocidad de obturación o una apertura más alta, o una combinación de ambos. Si aún no podemos lograr el tiro que queremos después de ajustar estos ajustes, entonces tendremos que usar algunas herramientas externas. como aprendimos en la sección de filtros, sabemos que podemos añadir un polarizador para ayudar a sacar los detalles y colores del cielo. También podemos utilizar filtros ND, que nos permitirán abrir la abertura y lograr menor profundidad de campo si queremos desenfocar o suavizar el fondo. También hay algunas cosas muy simples y económicas que podemos hacer para manipular la luz misma, como usar nuestro reflector 51. Usando el lado blanco, podemos rebotar luz sobre sujetos para eliminar o suavizar las sombras. El lado plateado puede añadir más luz, mientras que el lado dorado crea una luz ámbar cálida. El difusor suaviza la Luz Duro y la extiende de manera más uniforme sobre el sujeto. Y el lado negro bloqueará cualquier luz no deseada. La idea de rebotar, bloquear y difuminar la luz es ayudar a equilibrar la luz en la imagen para que sea más pareja porque un menor contraste hace que sea más fácil obtener una exposición equilibrada. Otras cosas a tener en cuenta son donde posicionamos la cámara y el sujeto en relación al sol. No tengas el sujeto frente al sol. Esto quita profundidad del tiro y el sujeto termina buscando plano. También puede causar que constantemente entrecerrar y parpadear. Al filmar contra el sol. Tenga en cuenta su longitud focal. El uso de lentes más anchas son más susceptibles a las bengalas de lente Si bien tener un disparo más apretado puede ayudar a reducirlos. Al decidir cómo exponer mejor el metraje. Elige siempre el punto más brillante del rostro de la persona para exponer adecuadamente y usar eso como punto de partida. Lo mejor es tener el foco principal del tiro adecuadamente expuesto. Los espectadores nos perdonarán o ni siquiera cuenta si hay algunas partes subexpuestas. Pero definitivamente notarán si hay una mancha blanca que distrae o resplandor en la cara de la persona. Filmar en zonas sombreadas siempre es otra opción. No obstante, dependiendo del contenido de lo que estés filmando, puede que no funcione, pero vale la pena considerarlo como otra o como última opción. Otra pauta general a recordar es que si estás atascado entre tener por encima o subexpuesta parte de la imagen. Siempre es mejor tener un primer plano subexpuesto luego un fondo sobreexpuesto. Y eso se debe a que el fondo suele ocupar más del marco. Ahí lo tienes. Qué puede causar sobreexposición y cómo podemos trabajar torno a ella para asegurarnos de que aún obtengamos metraje de alta calidad. Incluso cuando no tenemos el lujo de un kit de iluminación completo. 16. 3 - Iluminación de puntos: Primero comenzaremos con la luz clave, que es la fuente principal que las luces están sujetas. Y la luz de relleno se utiliza para equilibrar la iluminación de la luz clave ablandando o eliminando cualquier sombra en el sujeto, seguida de la luz de fondo, que ayuda a separar al sujeto de los antecedentes para lograr esta configuración. Veamos este diagrama. La luz clave se coloca frente a un sujeto y apaga a un costado a unos 45 grados aproximadamente, brilla directamente sobre el tema. Si filmar afuera con luz natural que el sol será nuestra luz clave. La luz de relleno reflejará la luz clave y también brillará sobre el tema, pero no es tan brillante. Y si estás usando solo luz natural que usar un reflector para rebotar la luz funciona como una luz de relleno. Y la luz de fondo se coloca detrás del sujeto, señalándolo allí de nuevo para crear un borde de luz a su alrededor. Esto ayuda a separarlos del fondo. Para ir un paso más allá, podemos convertirlo en una configuración de cuatro puntos agregando una cuarta luz para iluminar el fondo, lo que agrega más profundidad al disparo. La configuración de tres puntos es ideal para entrevistas, pero no es una regla obligatoria, especialmente cuando se filma una película narrativa o un video musical. Al filmar entrevistas, siempre es una buena idea tener en cuenta esta técnica, pero siéntete libre de ser creativo y hacer ajustes para encontrar el look que deseas. 17. Iluminación de frente vs.: Al encender un sujeto usando iluminación frontal, proporciona una imagen muy limpia y clara, pero a menudo proporciona muy poco carácter o emoción al tiro. A menudo se usa para entrevistas deportivas, vlogs y noticieros, o incluso para crear cursos en línea. Ciertamente tiene su tiempo y lugar dentro del cine. Pero en general, crea composiciones bastante aburridas. Si estás iluminando desde el frente y quieres añadir un poco más de profundidad y vida al tiro. Entonces considere iluminar el sujeto en un ángulo un poco más desde el lateral. Incluso puedes jugar con la iluminación desde un ángulo alto o bajo. La retroiluminación, por otro lado, es una manera fantástica de hacer que tu metraje vea más cinematográfico ya que puede agregar profundidad, contraste, y darle más sensación al tiro. Esto es especialmente útil a la hora de filmar al aire libre, y no tienes un kit de iluminación. Ve cómo simplemente cambiar cómo golpea la luz al sujeto puede cambiar drásticamente el look. Mi punto principal es que está perfectamente bien tener sombras. De hecho, lo animo. Tener un rango de luz añade profundidad a nuestros disparos. Considerando que cuanto más luz añada, halaga nuestra imagen puede llegar a ser igual que un noticiero. Cuando estás configurando tus tomas. Ten esto en cuenta. Si estás filmando un blog o posiblemente una entrevista, ve con la iluminación frontal para un tiro limpio si quieres. Pero si quieres que tus tomas se vean más cinematográficas y creen profundidad y sombras y emoción, entonces la retroiluminación es la técnica que querrás usar. 18. Iluminación dura con energía: Al decidir cómo iluminar una escena, generalmente hay dos tipos de iluminación en los que trabajamos dentro. Luz dura y luz suave. Y luego por supuesto, los muchos grados intermedios, esencialmente la luz dura y suave es solo la manipulación de las sombras. La iluminación dura crea sombras y líneas duras. A menudo es una luz direccional muy brillante que deja poca o ninguna transición entre los reflejos y las sombras. Y por lo general crea un alto contraste dentro de la imagen. Hard Light se utiliza a menudo para enfatizar algo dentro del marco y llamar la atención del público. Puede crear un sentido de oposición, dificultad y tensión. A menudo se usa para villanos y es un elemento básico en el género cinematográfico. Puede intensificar escenas, crear un sentido de poder, o representar dos fuerzas opuestas, ya sean personas o ideas. Cuando se trata de crear luz dura, se puede usar casi cualquier fuente de luz siempre y cuando sea lo suficientemente fuerte y el sol, como sabemos, sea la fuente más fuerte. La clave es no utilizar ninguna difusión en las luces. En cambio, podemos usar banderas para bloquear y dar forma a la luz u otras cosas a nuestra disposición, como cortinas gruesas, persianas, o cualquier otro material que la luz no pueda penetrar. La otra cosa que debemos hacer o no es usar demasiadas luces porque sin las sombras, la luz dura no puede existir. Al crear luz dura. Lo que no se puede ver es tan importante como lo que se puede ver. En el otro extremo del espectro, tenemos una iluminación suave. Y notarás que cuando se encienden escenas y personajes de esta manera, iluminan más uniformemente y las sombras no tienen líneas definitivas. En cambio, podemos ver una transición más gradual entre luz y sombra. Y las sombras no son necesariamente negras. La iluminación suave básicamente crea una imagen de menor contraste. Realmente buenos ejemplos de esto son la fotografía de producto y moda. Y siempre se usa para entrevistas porque como público, queremos ver claramente el tema y sus emociones. También se usa a menudo para escenas románticas en común ya que crea un ambiente más relajado en un ambiente optimista. Cuando el clima está nublado. Ese es el ejemplo perfecto de la naturaleza de iluminación suave porque las nubes actúan como un difusor para el sol. Podemos copiar esta técnica con nuestro propio equipo cuando queremos crear luz suave. El uso de la difusión puede suavizar y extender una fuente de luz dura. Ya sea que sea el Sol, nuestras luces de película o cualquier luz práctica. O otra técnica es usar reflectores para rebotar la luz sobre las sombras para ayudar a suavizarlas o eliminarlas. En el siguiente videoclip musical, verás ejemplos de ambas técnicas utilizadas hasta el extremo. Y rebotamos de ida y vuelta entre ellos para ayudar a enfatizar el tema del asalto. Esto 19. Banda en banda... Ten en cuenta de las barras negras: ¿ Alguna vez has oído hablar del término banding o tal vez del término persiana enrollable? Si no has oído hablar de ninguno de esos, tal vez hayas visto que esto suceda a tu metraje en algún momento. Cuando estamos filmando sobre la marcha y confiando en las ubicaciones, fuentes de luz. Este es un tema con el que puede encontrarse. Lo primero que debe saber es que esto nunca sucederá al usar luz natural. Sólo la luz artificial puede causar esto. Pero no todas las luces. Ciertos tipos de luces envían la luz en ondas, igual que una señal de radio. En lugar de una luz que se mueve a un nivel consistente, las olas hacen que tenga intensidades ligeramente diferentes. Pero debido a que esto está sucediendo tan rápido, nuestros ojos no lo notan. Nuestra cámara sin embargo, sí nota estas diferencias. Eso es porque cada vez que la cámara graba un fotograma, toma una foto de ese momento exacto. Y cuando hace esto, las cámaras escanean el sensor línea por línea para grabar la luz que está golpeando el sensor. Pero al mismo tiempo que esto está sucediendo, la intensidad de la luz está cambiando a medida que la onda golpea el sensor, haciendo que partes del marco sean ligeramente más oscuras. Con esa pequeña lección de ciencia, ¿cómo nos deshacemos de esto? Bueno, el primer paso es revisar la configuración de la cámara. Si eres Norteamérica, tu cámara debe estar configurada en NTSC. Y si estás en Europa, se debe fijar a PAL, amigo. En otros lugares del mundo. Tendrás que investigar qué sistema usa tu país y establecerlo en consecuencia. Si bien esta no es una solución 100% garantizada, sí ayuda porque ahora la cámara está ajustada a la frecuencia adecuada de la iluminación que se usa en diferentes partes del mundo. Si eso no resuelve el problema que hay algunas otras cosas que podemos hacer. Si tenemos un kit de iluminación y tenemos acceso a las luces que están causando el problema. Podemos reemplazar las bombillas o podemos usar nuestras propias luces en su lugar. Si eso no es posible. Porque estamos filmando sobre la marcha o en un presupuesto bajo y no tenemos un kit de iluminación, entonces mira si es posible eliminar la luz que está causando la banda. Nuestra tercera opción es ajustar la velocidad del obturador e intentar igualar la frecuencia de las luces lo mejor posible. Este es en realidad un buen ejemplo de cómo funciona el desenfoque de movimiento. Dependiendo de la velocidad de obturación, se incrementa o disminuye la cantidad de onda de luz que golpea el sensor, lo que hace que las barras estén más definidas o menos definidas. También afecta el número de barras que vemos. Observe que a medida que aumentamos la velocidad de obturación , aparecen más barras, y están más definidas. Cuando bajamos la velocidad de obturación, permitiendo una exposición más larga, capturamos más movimiento de las luces ligeras, lo que hace que las barras se vuelvan más suaves y menos frecuentes a medida que se mezclan, esencialmente creando desenfoque de movimiento. También puede notar que ciertas fuentes de luz, aunque no causan bandas a todo el fotograma de la cámara, crean un parpadeo. Esto es común con televisores y otros tipos de pantallas. Y eso se debe a que fuentes de luz como estas no emiten luz en las olas. En cambio, se encienden y apagan extremadamente rápido. Tan rápido que una vez más, nuestros ojos no lo recogen. Nuestra cámara, sin embargo, es capaz de captar esto porque cuando graba un fotograma, a veces la luz estará encendida y a veces se apagará, provocando ese parpadeo que aparece en nuestro metraje. En estas situaciones, es mejor y más fácil simplemente apagarlo o pantalla verde para que puedas agregarle video en post-producción. 20. Lens Flares y Ghosting (no el tipo de citas: Las bengalas de lente son definitivamente algo que todos hemos tenido pop-up en nuestro metraje o nuestras fotos. Ya sea que hayamos querido decir para ello o no. Por lo general, pero no siempre, fantasma sucede también. Si no estás familiarizado con el término fantasma, es un tipo de destello de lente que crea anillos de luz. Se ve similar a las ondulaciones en el agua. A algunos de nosotros nos puede gustar el efecto, y para algunos de nosotros nos puede volver locos porque puede crear un resplandor y reducir el contraste agregando una neblina a la imagen. Te gusten o no, vale la pena entender qué les causa y cómo evitarlos. Si queremos hacer eso. Esto se produce cuando la luz golpea el vidrio de cierta manera. Y nuestras lentes están llenas de vidrio. Y este vidrio está destinado a doblar la luz y dirigido al sensor de la cámara para crear una imagen. Pero debido a que el vidrio también es reflectante, cuando una fuente de luz fuerte, como el sol entra en la lente, la luz también puede rebotar en otros elementos de la cámara. Y cuando una racha de luz rebota de cierta manera, eso es lo que crea una llamarada de lente. Con ese conocimiento, tiene sentido que cuanto más elementos de vidrio en una lente, mayor será la posibilidad de obtener bengalas de lente. Significa lentes de zoom, son más susceptibles que las lentes prime. En primer lugar, como mencionamos, usar lentes prime ayudará porque tienen menos elementos de vidrio. Utilizando un parasol, que están diseñados para limitar cómo la luz golpea la lente. Esta es una forma rápida y fácil de reducir o eliminar las bengalas de lente. Y hay tres formas de capuchas de lente. Redondo, que es el más común y de uso frecuente para lentes teleobjetivo estándar. Luego están las campanas de pétalos y lentes cuadradas. Ambos se utilizan para lentes de gran angular porque su forma está diseñada específicamente para evitar que la campana corte los bordes de la imagen. Sé que esto puede parecer contra-intuitivo porque estamos agregando una capa extra de vidrio. Pero puedes obtener filtros uv y D y polarizador que están diseñados con un recubrimiento especial que reduce las bengalas. Incluso un ligero cambio en el ángulo puede reducir o incluso eliminar el problema. El uso de aberturas inferiores que dejan entrar más luz también puede ayudar. Porque con aberturas más altas, el haz de luz que pasa por la lente está más concentrado. Cuanto más concentrada sea la luz, más distintivas se vuelven las bengalas. Piénsalo como un centro de atención frente a un reflector. Si hay suciedad, polvo u otras partículas en la lente, eso es sólo más cosas para que la luz rebote. Me encanta u odiarlo. Las bengalas de lente y el fantasma siempre serán un elemento del cine y la fotografía. Pero ahora ya sabes cómo funciona y qué puedes hacer para trabajar con él o trabajar en torno a ella. 21. Conclusión: Hemos llegado al final de esta clase, y espero que la hayas disfrutado y tomaremos lo que has aprendido aquí sobre iluminación y ajustes de cámara relacionados para evolucionar como cineasta y continuar practicando y perfecciona tus habilidades y asegúrate de compartir tu trabajo aquí en Skillshare, así como revisión hepática. Bueno o malo. Me ayuda a crear mejores clases en el futuro. Muchas gracias por acompañarme y les deseo todo lo mejor con su realización cinematográfica.