Hilma af Klint: comprensión de arte abstracto

1. Introducción a Hilma af Klint: Sé que el arte abstracto puede ser difícil de seguir. Las intenciones son muchas veces oscurecidas. Los trazos y formas pueden ver mi automático, y la mayoría de los casos, artistas abstractos en la historia del arte han preferido ser o producir una comprensión personal de la obra de arte. En lugar de rendimientos en una interpretación completa. Los artistas de los que vamos a hablar hoy precedieron a todos los demás artistas conocidos públicamente, hombres o mujeres, en la creación de formas a partir de la imaginación, abstracción y la conexión con una obra celeste superior. Por favor, toma en consideración que cualquier análisis que hagas hoy durante esta lección no debe hacerse con tu frijol cerebral. Nos tomaremos un minuto para entrar en un estado mental diferente donde nuestro espíritu e incluso nuestra alma se dedica a la comprensión. 2. Las pinturas para el templo y el nacimiento de un artista: Película que he reclamado, nació en Estocolmo, Suecia el 26 de octubre de 1862. De cuatro a cinco hijos. Comenzó el arte en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo y conoció su partida a través de pinturas convencionales de paisajes y otros temas naturalistas. Trabajar en un estilo similar o de manera post-impresionista. Pero detrás de las escenas, ella estaba creando un gran cuerpo de la obra de su vida. Tan diferente a lo aceptado por la academia y público en general que optó por no tenerlo expuesto hasta 20 años después de su muerte, dejando más de mil obras en una 125 cuadernos a su sobrino, Erica limpió. Ella le instruyó que ni siquiera abriera las cajas de su arte abstracto hasta 20 años después de su muerte a finales de la década de 1960. Tenemos que considerarles que ella creó trabajo para un futuro en el que su propio presente se hubiera ido hace mucho tiempo. De hecho, en 1970, toda su colección fue ofrecida a la Moderna como regalo, y éstos se negaron. Pero volviendo en el tiempo a sus primeras creaciones, se sabe que habrá limpiado, siempre estuvo interesado en perseguir artes. Pero fue en 1880 cuando un terrible incidente cambia el curso de su vida. Muere su Mina, su hermana menor. Su Mina tenía diez años, sabrá que estaba a punto de cumplir 18 días después. Y esto probablemente hizo que sus intereses en el mundo superior fueran verdaderamente urgentes e importantes. A medida que empezaste a tratar de canalizar fuerzas superiores y recibir mensaje del más allá de manera positiva tratando de conectar con su Mina. Después de abandonar el lenguaje naturalista figurativo, humano af Klint asume que existe una dimensión espiritual en la existencia. Quiere visibilizar contextos que existen más allá de lo que el ojo puede ver. Al igual que otros de sus contemporáneos, está muy influenciada por las corrientes espirituales de su tiempo, particularmente su pureza. Algunos teístas, Sophie y antroposofía. Pero para ella, no sólo es un movimiento, es parte de su naturaleza. Quienes conocieron a los artistas la describen como plateada, reservada, incluso templada, y amistosa. No era propensa a arrebatos emocionales. Todo está pensado y calculado. Sus pinturas y dibujos se encuentran con un aura de dimensiones invisibles que existen más allá del mundo físico. Es conexión desde nuestra realidad con el espíritu de los clientes. Yo he limpiado, creído que todo conocimiento nos permite acceder a lo divino. En eso coincido en que nos abre no a los fenómenos, sino a lo espiritual y lo sublime, ese plano. Por lo que para ampliar su conciencia con el fin obtener una perspectiva más amplia sobre lo que percibimos como realidad, la conciencia sigue siendo uno de los misterios más profundos de nuestro tiempo, es sujeto aún se explora en neurología , psicología y física cuántica. Como parte de su práctica espiritual en Clint meditada, se convirtió en vegetariana. Y estudié tres horas del creacionismo antipirético. Sus puntajes de CI, que buscaban cerrar la brecha hacia realidades espirituales más profundas a través de la atención enfocada en la intuición, la meditación y otros medios después de enviar la conciencia humana normal. la serie de evolución, por ejemplo, también se le conoce como una serie estelar de siete puntas, que en la tradición cristiana existe como símbolo de protección. Los siete puntos de la estrella se refieren a la perfección de Dios, y al mismo tiempo a los siete días de la creación. Amar este periodo, fuerza, parodia, parodia, memoria y paz. Entonces sí, su trabajo es todo sobre la evolución de la conciencia. Se puede pensar, ¿cómo se une todo esto? Ciencia y religión, calculando, y al mismo tiempo, escuchando voces y visiones internas. Los límites entre estos dos dominios suelen ser más borrosos de lo que nos gusta pensar. Y ylab limpiado tuvo que luchar contra las creencias mal informadas de las convenciones científicas de su tiempo. Por ejemplo, creció en una época en la que hombres de ciencia publicaron ensayos sobre cómo educación superior enfermaba a las mujeres, afirmando que podría causar daño a los nervios y que a menudo conduce a la muerte por agotamiento. Estas señoras y señores ocurrieron menos de 150 años. No es historia antigua. Durante un periodo de diez años, he limpiado, reunido semanalmente con otras cuatro mujeres conocidas como el pulgar. Los cinco, llevan a cabo sendas y entrenan su capacidad para acceder o canalizar niveles superiores de conciencia a través contacto con los guías espirituales conocidos como los maestros. Lo hicieron a través de la práctica del dibujo automático, una perforación con lo buscado, con la creencia de que los espíritus podían controlar la mano del artista para enviar mensajes a través del arte. El compilador grupal trabaja en la realización de un libro para el cual creó más de 1200 pinturas y 100 textos. Estas reuniones fueron meticulosamente grabadas por escrito, describiendo cómo las mujeres se turnaron para manejar la pluma. Pero la autoría individual no era importante y rara vez se indicaba en los dibujos. Nos cuentan todo el conocimiento que no es del censo. Ninguno del intelecto. Nada del corazón, pero es una propiedad que pertenece exclusivamente a los aspectos más profundos de tu ser, el conocimiento de tu espíritu. Un verdadero polímata. Ella era extremadamente conocedora de las ciencias y las matemáticas a mediados de la década de 1880. Censo. Y las mujeres es Espíritu es ****. Los grupos fueron refugios seguros para la experimentación femenina dentro del mundo político y artístico dominado por los hombres. Más allá de la noción de genio individual, africanos decidieron trabajar constantemente dentro de la empresa colectiva de estas mujeres, practicando formas alternativas de conocimiento que persistieron y sustituyeron a la normasdel mundo del arte de nuestro tiempo. Otros contemporáneos de ella también se dedicaban a especulaciones frías, pero carecían del método científico, rigor y la especificidad de los atletas. Aquí, hay una autoconciencia superior y estación intelectualmente que podríamos querer tener en cuenta para avanzar. Muchas de las obras que veremos en esta lección. En particular, dosis hechas de 1906 a 1915 forman parte de su mayor cuerpo de trabajo. Una asignación específica que recibió durante un sello durante este periodo es alguna sesión. Y con mucho gusto aceptaría que los otros artistas del grupo no estuvieran dispuestos a aceptar este encargo. Warrant at gleaned, la intensidad de este tipo de compromiso espiritual podría llevarla a la locura. Aceptó de todos modos, y se embarcó en su ciclo mayor, las pinturas para el templo, que finalmente comprendieron un 193 obras en muchas teorías. Incluso después de terminar la comisión, trabajó arduamente para entender un significado más profundo incrustado en estos trabajos. Ella incluso diseña el templo que sostendría esta exposición. Ella lo imaginó como una ronda blanca, un team-building espiral moviéndose hacia arriba, dejando las piezas para hablar por sí mismas. Creo que sabrá que habría estado muy feliz de asistir a la Sexta División Guggenheim de su trabajo. La artista describió cómo pintó la serie como un medio para las formas, colores y composiciones que le llegaron. A pesar de que percibe que estas obras fluyen a través de su mano guiada, había aplicado en gran medida todas sus habilidades en el proceso. La de Schubert metódica y secuencialmente en serie. Dividiendo esta serie temática y formalmente y enfocándose con cada grupo de pinturas en diferentes aspectos de la evolución cósmica y humana. En la serie caos primordial, por ejemplo, se dedicó a la idea de la creación del mundo físico. Contestando a la pregunta, ¿de dónde viene todo? Esta secuencia primaria investiga apropiadamente el origen y la esencia primordial del universo. En todas sus manifestaciones, vemos elementos de lo femenino como Deep Blue, el ojo, el óvalo, y las espirales. Y lo masculino, como el amarillo y el anzuelo. Cuando los dos colores se combinan, crean una pantalla armoniosa, lo que implica que el matrimonio de polaridad es una espiritualmente importante. Estas obras están llenas de la energía de la creación, símbolos de fertilidad y renacimiento. Para el crítico de arte, Mark Hudson, el uso del simbolismo por parte de los artistas hace que el mundo se sienta más cercano en este periodo, demasiado posterior surrealismo que al arte abstracto per se. Limpia abstracciones no abandona la realidad, sino que la enfatiza transmitiendo en nuevas frecuencias con las que nosotros como televidentes podríamos necesitar alinear antes de juzgar con demasiada dureza. Africanos describen esta obra y su relación con los espíritus de diversas maneras. Una de las series pintadas en 1907, dijo, los cuadros fueron pintados directamente a través de mí sin ningún dibujo preliminar y con gran fuerza. No tenía ni idea de lo que se suponía que representaran las pinturas. Sin embargo, trabajé de manera rápida y segura sin cambiar una sola pincelada. No obstante, en otra descripción de alrededor de la misma época, estos puristas tuvieron menos control directo. No se dio el caso de que un quiera obedecer ciegamente a los altos señores de los misterios. Eso, que yo iba a imaginar que siempre estaban de pie a mi lado. Estas descripciones cambiaron más drásticamente después de que af Klint pausara el proyecto en 1908 para cuidar a su madre ciega. Cuando retomó el proyecto en 1912, ya no describió sus procesos, algunos externos su periodo actuando a través de ella. En cambio, dijo que estaba recibiendo y luego interpretando mensajes, otorgándose así control más subjetivo sobre el proceso. Si bien no hay un significado singular, obtenemos un sentido de valentía en Indagación Artística y éxtasis de la autotrascendencia mística, y la alegría de sentirnos conectados a la propia creación. Toda la secuencia puede entenderse tal vez como f reivindica la búsqueda de una unidad original, una unidad básica que ella creía que existía en la creación del mundo. Turno sostenido esta integridad se ha perdido desde entonces, dando paso a un mundo de polaridades, bien y el mal, las mujeres y los hombres, la materia y el espíritu. Ella vio que estas academias se habían convertido en la principal de toda la vida. Las diferentes series dentro de las pinturas para el templo trataron individualmente de conciliar estas visiones, cada una con su propia escala, estética y tema, mientras que al mismo tiempo revelaba sus múltiples influencias desde la época en que pintó. No Sería un poco de los antecedentes que hemos conseguido en lecciones anteriores. Y para poner las cosas en contexto. Esta fue la obra artística que se estaba produciendo como pináculo del Arte Moderno. En 1907, las vanguardias, Picasso, matisse, Chagall, Malevich, el cúbito af Klint, en comparación con estos maestros, tenían absolutamente ningún apoyo institucional, ningún mecenas que lucharan por ella en el arte mercado. Esto hace que su predicamento sea bastante diferente a la de una de sus compañeras más célebres. Pensemos una vez más la carrera de los Matisse o de un Picasso. Qué habrían sido sin todos los coleccionistas, las galerías, los críticos, los directores de museos, todos amándolos y animándolos. Imagina a af Klint pintando sus enormes lienzos en el piso de su estudio sobre grandes hojas de papel luego pegadas a Canvas. Tantos años antes Jackson ******* intente la misma conexión con conciencia alterada y creando estas obras maestras simbólicas y sensacionales. Entonces tener la visión de entender que el mundo no estaba listo para su arte, no lo entendería, o no tenía manera de comprender la enormidad de su indagación artística para irse un cuerpo radical de trabajo sobre precedentes en su uso del color, escala y la composición, que esperaba que las audiencias futuras pudieran ser más capaces de detectar y decodificar. Todo justo en la esperanza. En 1911, los clanes de matemáticas del talón se unen a la asociación sueca de artistas femeninas. Esta Asociación se estableció para apoyar a artistas femeninas con el fin de obtener más comisiones, más exposiciones, y más atención en general. He limpiado, fungido como secretaria por un tiempo, solo exhibiendo su trabajo académico con ellos, pero deja el trabajo poco después. No viaja a Suiza e intenta convencer a Rudolf Steiner, filósofo austriaco y entonces líder de la sociedad ética de los teístas en Alemania para que muestre su obra. Este esfuerzo también fue en vano, pues ya había visitado su estudio en Estocolmo y se quedó absolutamente indiferente. Los africanos tuvieron respuesta de entrenadores de refrescos a su trabajo porque ella lo admiraba como uno de los líderes espirituales más destacados de la época. No obstante, Steiner no entendió el mensaje de nuestra obra y cuestionó su forma de pintar y su papel místico medio. Esto fue una gran decepción para nuestro artista que en su momento se agotó a raíz de crear la primera porción de las pinturas para el templo. Piezas que son a la vez modalidad para como antigua Mandela y pieza de música dinámica cambiante. Como hemos visto en las últimas imágenes, diez más grandes son verdaderamente ilimitadas, completamente inafectadas por ningún concepto de lugar y tiempo. A través de diez campus, vemos formas arremolinadas en suaves colores pastel, interactuando rítmicamente con letras cursivas, palpitando alrededor de pétalos, ovarios. Flores, espirales, en definitiva, una exploración del ciclo vital humano desde infancia y juventud hasta la edad adulta y la vejez. Pintó como si se moviera efectivamente por una fuerza superior extremadamente rápido. Los diez de los diez más grandes, estamos terminados entre octubre y diciembre de 1907. Especialmente notable considerando su escala. En cualquier caso, el objeto es conseguir que el espectador se embellece en su estado de ánimo emocional de la pintura. Pasar, contemplar y caer metafóricamente en la obra y ser absorbido en su atmósfera. El hecho de que muchas pinturas abstractas como las limpias sean tan grandes no es casualidad. Es más fácil lograr este efecto cuando los campos de trabajo, su campo visual. A lo largo de su vida, he limpiado, tomado notas copiosas. Ella se acercó a rodar de una familia de oficiales navales y cartógrafos náuticos. Por lo que se acercó a su práctica artística con el mismo rigor estructural. Después de completar las pinturas para templo, los artistas trataron de obtener metódicamente una visión general de su obra y su posible significado. En este periodo de una investigadora científica, editó y reorganizó sus primeros nodos, creó un diccionario de los símbolos que aparecían en sus pinturas y cataloga todas las obras de las pinturas el templo en una cartera portátil. El atleta lo entendió todo como un proyecto unificado. Es testimonio del hecho de que ella creía que su trabajo tenía un propósito superior. En la serie Evolution. Muy diferente a la más grande. Existe una mayor interacción de polaridades, masculinas o femeninas, luz y oscuridad, bien y mal. Composicionalmente, esta obra trata de encontrar un equilibrio en espejo horizontal y vertical casco de exploración de Klint, ya que alineado con los temas de su noción de evolución como proceso espiritual, extendiéndose más allá la perspectiva biológica del desarrollo humano. Eso con la publicación de evolución de Darwin de la especie 50 años antes había ganado notoriedad generalizada. De esta manera, la serie se hace eco de una búsqueda científica de la época para una comprensión más profunda de la evolución y el lugar en el mundo. En este lienzo de la serie de evolución, la historia de la creación se refiere aún más a través de la presencia de Adán y Eva. La pareja o se burló dos grandes serpientes negras haciendo referencia a esta serpiente en el Jardín del Edén. El décimo a los humanos a comer el fruto prohibido del árbol del conocimiento. Muchos espermatozoides y actos de equilibrio muestran al espectador que el hombre y una mujer están en proceso de reproducción física, así como la unión espiritual. La abstracción y la figuración coexisten y se representan sin jerarquía. Esta serie termina la primera parte de las pinturas para el templo. 3. Hilma como medio: Antes de que su trabajo saliera a la luz, se creía que la clave DNS de silicio era la primera en crear pinturas puramente abstractas. Pero la mitad limpia es anterior tanto al calor como a otros contemporáneos famosos, como Piet Mondrian y calcio y Malevich por varios años. De hecho, fue en 1935 el pintor ruso escribió una carta a su galerista neoyorquino reclamando la autoría del primer cuadro abstracto. Funcionó pintado en 1911. Dijo, sin lugar a dudas, esta es una primera pintura abstracta en el mundo. Se trata, en otras palabras, de una pintura histórica. Tan seguro de sí mismo. No hay evidencia de que glándula app y condensada se hayan encontrado alguna vez. Pero sí mostraron su trabajo en la misma exposición en Malmo, Suecia, en 1914. He afirmado que se incluyó en la sección sueca. Y a pesar de que ya estaba haciendo arte abstracto, esta época, exhibió una pintura de paisaje más tradicional. trabajo abstracto condensado se presentó en la sección rusa. Si nos sumergimos en profundidad en el concepto y las intenciones de todos estos artistas masculinos en el cambio de siglo. Como seguramente lo haremos en lecciones futuras. Veremos que en af Klint no fue el único movido por energías esotéricas o espirituales y naturaleza humana contiene la clave de la playa de Mondrian Malibú. Todos estamos influenciados por movimientos espirituales contemporáneos como la antroposofía de acetofenona para decirlo a Tristán, el mundo físico y las limitaciones del arte representacional. De todas las artes, la pintura abstracta es la más difícil. Exige que sepas dibujar bien, que tengas una mayor sensibilidad para la composición, para los colores. Y que UP un verdadero poeta. Este último es esencial. ¿ Crees que Clint cubrió estos requisitos? Aparte de la importancia de su pintura, Wassily Kandinsky es una institución artística también para la historia TO work, compuesta por numerosos ensayos de indudable valor. Una de Kandinsky es grandes publicaciones fue de su espiritual en el arte, nacido en 1912. Como crítica al arte de su tiempo. También tuvo una importancia incuestionable para la Escuela Bauhaus, donde no sólo impartió diseño básico y teoría avanzada, sino también clases de pintura abstracta en las que desarrolló ampliamente extensivamente sus teorías sobre color y la psicología del color y la forma. Cuando la humana af Klint reanudó su trabajo sobre las pinturas para el templo en 1912, abstracción se volvió más de naturaleza geométrica y los cmos cristianos se hicieron cada vez más pronunciados. Trabajando el artista fue contando contacto con planos superiores de conciencia, pero se animó a interpretar un mensaje espiritual con mayor libertad. El cisne número uno, retratos para volar en cisnes en blanco y negro, imagen de espejo Ying Yang. Los pájaros están unidos por el toque de un ala y por el encuentro de sus picos, divididos por una línea horizontal. Break es un lienzo esto en dos secciones donde se encuentran fuerzas opuestas a oscuras iluminadas, vida y muerte. En el espíritu del antiguo simbolismo chino, la imagen revela cómo las fuerzas aparentemente contrarias son, hecho complementarias, con el cisne representando también un símbolo alquímico del cambio. Sin embargo, hay un sentido de antagonismo en la obra que expresa cómo esta unión también puede ser una lucha, especialmente entre humanos. Eventualmente figurativo Gibbs camino a abstracción en un espectro más completo de color. En el trabajo final en serie, el par pantano regresa, unificado en el centro, entrelazado, pero distintos desequilibrios como Papa masculino y femenino. En una composición visual, patrón y el ritmo se expresan generalmente mostrando consistencia con los colores en las líneas. Por ejemplo, colocar una espiral hará que el ojo se mueva de una unidad paralela a la otra, y luego al espacio intermedio. La repetición de elementos crea movimientos del tamaño del espectador y por lo tanto, puede hacer que la obra se sienta activa. Puede que haya limpiado a Swan ejemplifica la representación visual del ritmo utilizando el color y la simetría. Existe un significado a la recurrencia regular de la naturaleza cíclica en esta serie. Habla de ello, frecuencia y periodicidad del mundo. Hay un timing en escala humana, en sonidos musicales y silencios. En una lengua hablada y poesía. Al final, un lenguaje común de patrones y geometría. En todos los casos, vemos a af Klint reemplazando la realidad percibida por la ciencia, color natural con el color simbólico y la representación con la abstracción. Surge una nueva forma expresiva. Pero la mayor parte de su trabajo tan regulatorio como pueda parecer, nos deja con más preguntas que respuestas sobre cómo se construye el universo. Sólo me puedo imaginar todas las críticas que tuvo que soportar. A pesar de que el público obstinado en el mundo del arte expresará un rechazo total hacia sus creaciones. Helene, cineasta digital alemana, argumenta, es más fácil convertir a una mujer en una loca que el cambio nuestra historia para acomodarla. Todavía vemos a una mujer que es espiritual como salario mientras celebramos un artista masculino espiritual como genios. Pero se nos dio una oportunidad excepcional. Aquí. Nosotros somos el futuro. Somos esos televidentes que estaba esperando. Qué tan preparado un abrir nuestro trigo para recibir tu mensaje. Después de tomar un descanso de cuatro años de las pinturas para el proyecto del templo, he limpiado limpio, más control sobre lo que pintó. Todas estas piezas finales datan de ese periodo. El imaginario se volvió más geométrico y más conectado a la iconografía cristiana. Tal vez inspirado por Harris estudio del arte religioso cristiano en Italia. Mirando hacia atrás a una edad de oro anterior y hacia adelante a otra, la pintura trae a la mente un templo egipcio, que sacando un gran desarrollo de inteligencia intuitiva, fue construido en línea con el sol naciente y poniente. La pirámide es un triángulo equilátero dividido en secciones de bloques de construcción arco iris con Irán de todos los discos añadiendo más estabilidad a medida que pi1 abajo del centro, el sol se levanta por encima. Y todas las formas saturadas de alto color están puestas contra el negro hacia atrás. Cada uno de estos más amplio espectro de colores tiene un significado simbólico dentro de su teoría espiritual, esofágica y antroposofía. Además, el triángulo es un símbolo antiguo que apunta hacia la iluminación, conectando el mundo material y el espiritual. Human af Klint entendía los tres poderosos retablos como la esencia de las pinturas para el templo. Esta obra capturó las dos direcciones de una evolución espiritual. La ascensión del mundo material de vuelta a la unidad. El triángulo que representa a la humanidad que llega hacia el cielo, que es el viaje subyacente de toda vida espiritual. Y la disensión de la unidad divina hacia la diversidad del mundo material, el triángulo invertido. En la tercera y última pintura, una pequeña estrella de seis puntas dentro del círculo dorado más grande es un símbolo esotérico para el universo. La verdad es que nadie pintó así en su momento. Combinaciones de colores notables, formatos monumentales y formas que son a la vez orgánicas y otras mundanas. Curar se mueve libremente sin limitaciones de una escala o técnica. Saltando de los lienzos de subvención que acabamos de ver a una serie de piezas experimentales muy pequeñas. La serie de participio de 1916 es una secuencia numerada de 144 obras sobre papel que se dividen en grupos, luego dividirla una vez más en múltiples partes. El título de la serie puede referirse a la leyenda artúrica en que partes de todos los Caballeros de la Mesa Redonda participan en la búsqueda de la leyenda del Santo Grial en sí. Estas pinturas representan una búsqueda conocimiento espiritual a través diversos niveles de conciencia. La imagen se explota con gradaciones cromáticas de color como obra del artista a través de diferentes permutaciones formales para desarrollar un ritmo visual en la serie general. Pequeños símbolos crípticos están inscritos en todas partes, igual que la dirección de marcado Schwartz sueca. Ahora que hacia abajo, de eso hacia adelante, hacia atrás, golpeas hacia afuera y hacia adentro. viaje de paquetería también refleja el propio proceso del artista. En viaje hacia adentro ella ha emprendido aceptando, completando, y tratando entender las pinturas para templo. Se ha sugerido que he afirmado resumir espiritualmente, es una de las razones por las que sus obras no se toman en serio. Pero la verdad es que esto fue causado en su mayoría por su condición femenina. Ella trabajaba en un momento a las mujeres no se les permitía ser creativas, cuando no se suponía que hicieran cosas nuevas y radicales. Tomemos por ejemplo, esta comparación a la izquierda, una pieza de la serie de partículas creada en 1916 versus toda la malla al cuadrado creado por Joseph Albert en la década de 1960, 46 años después, pero un impacto mucho mayor. Enla serie. El árbol del conocimiento aquí puede haber limpiado mapas los diferentes planos espirituales de existencia fin de representar esta complejidad del ser, la conexión entre la Tierra y lo divino, he limpiado utilizan vectores para mapear el movimiento de fuerzas a través espacio en un estilo que recuerda a los diagramas científicos. Fue parte de su esfuerzo por traducir el mundo tridimensional en un plano bidimensional. En árbol del conocimiento, los artistas regresaron al tema del principio del mundo, pero lo abordan desde una perspectiva cristiana mucho más explícita con su detalle y renderizado ordenado, líneas curvas, paleta de colores y motivos dibujados de la naturaleza. Los campus recuerdan patrones art nouveau, que eran muy populares en su momento. Literalmente fue la comunidad científica interesada en cómo Wong captura y registra a través instrumentación, las realidades científicas. Pero las personas que estaban interesadas en el Reino Unido llamaban reinos espiritualistas. También nos interesa la salud a través interacción y la empatía minimalistas y clarividentes. Uno podría registrar parte de este fenómeno también. Muchas de estas obras se caracterizan por un modismo geométrico. Y tanto en el análisis como en el nivel macro cósmico y macro cósmico de la naturaleza pasando por un proceso de desarrollo y moviéndose siempre hacia la unidad. Emf limpia su cosmos espiritual, se está expandiendo cada vez más. Ya cubre altas vibraciones, frijoles más altos, chakras. Entonces fuerzas, espíritus elementales, guardianes de la naturaleza, ángeles, y tantos otros frijoles. Gira siempre en torno a la idea de una unión de opuestos. Y aunque vemos símbolos para diferentes religiones mundiales y árbol de conocimiento número cinco, se remonta principalmente a una fuente budista. Ya que no podemos olvidar que una de sus voces más profundas es una de Ananda, discípulo favorito budista. De todo eso está más allá de nuestro entendimiento más inmediato. He limpiado, explorado otro aspecto de la vida que no puede ser percibido por el ojo humano. El mundo de los átomos y su energía. Ciencia popular en su momento. Aunque los trabajos en la serie cuentan con representaciones de un átomo. Una grande en la parte inferior derecha, que representa la energía de un átomo físico. Y uno más pequeño en la parte superior izquierda, que representa el átomo en un plano auténtico o metafísico. El descubrimiento de los átomos. Por lo que la partícula pesa electromagnetismo, rayos X , etc, fueron vistos como prueba de una realidad invisible más allá del mundo perceptible. Para los atletas, los átomos y así los humanos eran entidades espirituales conectadas al centro del universo. Y ella estaba emocionada de explorar como muchos de los pensadores de su tiempo y observar una dimensión fuera de nuestra existencia más básica. Visto desde una perspectiva de constante asombro. Por supuesto, nada son sistemas básicos de red. A lo largo de su vida, la vida humana, Glenn tuvo un profundo interés por la naturaleza y la botánica. Sus primeros estudios botánicos, hasta las acuarelas tardías transmiten que el zapato no sólo es un observador agudo, sino que también poseía una mente analítica, que podría aplicar en aquí esfuerzo para perciben aspectos de la existencia más allá de lo visible. Sus estudios revelan cómo se forma continuamente entre un enfoque naturalista, dos diagramas de la esencia espiritual del sujeto botánico. En su investigación sistemática, candelabros, propiedades, las plantas reflexionan sobre su alegría, humildad, devoción e intento de conectar. No sólo para contemplar. Su imaginería está llena de símbolos, letras, palabras, donde los símbolos son como puertas hacia otra dimensión. Para la vida humana recogida, toda su obra se trataba transmitir el mensaje se dispara. Para arrojar luz sobre los mayores temas existenciales. Sería inútil traducir símbolos y letras en términos definidos e inequívocos. Siempre deben verse en relación con todo el contexto. En sus cuadernos, intenta esclarecer los complejos significados de los diversos signos. Aquí hay algunas explicaciones generales. El caracol o una espiral representa desarrollo o evolución. Los islotes y el anzuelo que sopla de amarillo, y el lirio y las hileras representan feminidad y masculinidad, respectivamente. W significa materia, mientras que usted representa espíritu. La forma de almendra que surge cuando dos círculos se superponen se llama piezas vesículas. Y es un símbolo antiguo para el desarrollo hacia la unidad y la terminación. Este representa el TBL en muchas mitologías y destaca por completarse en una tradición alquímica. La vida humana afirma que el debut internacional fue la década de 1860. Esta exposición de arte fundamental en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. La exposición marcó el inicio de H'll nafcillin es un reconocimiento internacional. Desde entonces, su trabajo ha estado exhibiendo numerosas exposiciones en los países nórdicos, Europa y Estados Unidos. Desde que su retrospectiva al modernismo se desarrolla en Estocolmo en 2013, interés por la artista sueca ha aumentado en todo el mundo. Sus obras pueden entenderse como artefactos para captar los significados mismos de la abstracción, las relaciones entre ramas de diferentes tipos de conocimiento y la naturaleza de la invención. La pregunta es, ¿cómo las usamos y reflexionamos sobre ellas hoy en nuestro panorama artístico actual? Debido a que se sienten tan frescos, podríamos sentirnos tentados a juzgarlos a través del lente de abstracción contemporánea y otra meditación. También podríamos juzgarlos a través del lente de la contención y ecuanimidad que mostró al mantener su arte mayormente privado. Estas humildes piezas, por ejemplo, sugieren cómo af Klint fue enmarcada durante su vida. Y artistas entrenando la tradición clásica y tratando de estar a la altura de nuestras expectativas. A partir de 1935, vítores citados en Lund nueve años después, después haber celebrado su 80 cumpleaños, Él va nafcilina para regresar a Estocolmo donde dijo que la cabeza de su calcio recoger Glenn en Casa judía tras un accidente de tránsito, vida humana limpia, murió en el otoño de 1944, H, casi 82. Ciertamente ha entendido las implicaciones de hacer una obra de arte que no representara visualmente nada con cabello diferenciado de otros modernistas insider. Decisión de mantener su trabajo más prospectivo fuera del mercado. El herpes se nos ofrece en múltiples dimensiones para ser visto a través tantos filtros interpretativos diferentes. Definitivamente significarán algo diferente para aquellos de nosotros interesados en la ciencia, las matemáticas, la lingüística, el modernismo, el feminismo, el color, política, y la historia de la estética en general. Especificó en su trabajo exploratorio debe entenderse como un solo compañero. Y quisiera invitarlos a descifrar con su dominio central de estas formas de arte altamente espirituales y subjetivas. Gracias de nuevo por acompañarme en esta lección de historia del arte. Gracias desde el fondo de mi corazón por apoyar este canal. Por favor deje sus preguntas o comentarios a continuación. Me encantaría involucrarme y discutir todo sobre este maravilloso artistas. Nos vemos la próxima vez. 4. Proyecto de clase, ¡gracias!: Las matemáticas limpian, los capitalistas están llenos de por qué es caliente o trazos automáticos, formas que fueron canalizadas directamente a través de ella desde una conciencia superior. Después de ver atentamente las lecciones, descargue el documento aquí abajo e indique el significado de las imágenes presentadas. Recuerda, si es necesario, regresa y vuelve a ver las lecciones. Espero que esta clase sea pagadora tu curiosidad por el arte abstracto. Gracias por ver y hasta la próxima vez.