Gradación de color para cinematografía: la visión, el arte y la ciencia | Dandan Liu | Skillshare
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Gradación de color para cinematografía: la visión, el arte y la ciencia

teacher avatar Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción del curso

      2:10

    • 2.

      Materiales para la clase

      0:39

    • 3.

      Ver matices en los colores

      1:45

    • 4.

      Ejercicio para entrenar los ojos

      5:54

    • 5.

      Narración y gradación del color

      1:16

    • 6.

      La ciencia de la gradación del color

      0:27

    • 7.

      El orden de las operaciones

      0:58

    • 8.

      Paso uno: Corrección del color

      6:22

    • 9.

      Paso dos: Unificar las tomas

      5:29

    • 10.

      Paso tres: Tonos de piel

      4:05

    • 11.

      Paso cuatro: Gradación del color

      4:36

    • 12.

      Ejemplo estilizado

      6:43

    • 13.

      Paso cinco: Pulir y exportar

      2:44

    • 14.

      Narración y ejemplos de los colores

      3:53

    • 15.

      Extra: El vectorscopio

      3:01

    • 16.

      Conclusión del curso

      1:22

    • 17.

      Emocionantes actualizaciones

      0:20

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

16.499

Estudiantes

42

Proyectos

Acerca de esta clase

La gradación del color ha sido el secreto mejor guardado de la cinematografía.

¿Cómo cambiar sutilmente tus colores para que nos adentremos en tu narración?

¿Cómo puede la gradación del color transformar tu metraje en una obra de arte?

Si bien hay muchos cursos que te enseñan a usar el software de gradación del color, ninguno aborda de forma completa el proceso ágil y creativo de la gradación del color profesional.

Este curso te muestra cómo abordar el arte y la ciencia de la gradación del color en la cinematografía. El curso se divide en tres partes: ver el color, usar el color para narrar, y aplicar un proceso técnico de 5 pasos para traducir tu visión a una realidad, usando Adobe Premiere Pro Lumetri Color.

Al final de este curso, tendrás todos los conocimientos y la hoja de ruta completa que necesitas para desarrollar tu sensibilidad para la gradación del color y aplicar un estilo a tu película.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Dandan Liu

Filmmaker | Contemplative Creative

Top Teacher

Hi there! I'm Dandan, an Emmy award-winning filmmaker and contemplative creative living in Italy.

As a self-taught filmmaker, I love foraging for unique stories around the world that illuminate the interconnections among us. I started making films while on a 4 year journey living in monasteries around the world. One film led to the next, and after persevering for many years, I found myself working full time on film crews and streaming my films on Roku, Apple TV, museums, trains, and airplanes.

My highest work is helping others craft an authentic, creative, and mindful life- your unique work of art. I believe that knowing who you truly are is the foundation for flourishing in every area of life. So, I founded Unravel, a playful journey of self discovery, which has... Ver perfil completo

Level: All Levels

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Transcripciones

1. Introducción del curso: Hola a todos. Como probablemente ya sabrán, mi nombre es Dandan y soy un cineasta profesional cuyo trabajo enfatiza la cinematografía y la narración profunda. En mi propio viaje cinematográfico, el mayor misterio que había que aprender fue la gradación del color. Incluso como alguien que trabaja como profesional en la industria, la gradación del color es un mundo tan secreto. ¿ Cómo se hacen imágenes que se vean así? A pesar de que hay muchos cursos por ahí que te enseñarán las técnicas de usar software de gradación de color, como DaVinci Resolve y Adobe Premier Pro, actualmente no hay cursos que te enseñen manera integral el arte y el proceso creativo de la gradación del color. Cómo ver sutiles cambios de color y usarlos para servir a tu historia para que tu película sea más cinematográfica y poderosa. Este curso abrirá el mundo secreto y te enseñará tanto el arte como la ciencia de la graduación del color para el cine. En primer lugar, entrenaremos a nuestros ojos para ver el color de maneras sutiles. Entonces, daremos un paso atrás y veremos cómo puedes usar el color intencionalmente para servir tu historia. Por último, repasaremos las técnicas donde te enseñaré un método profesional integral que puedes usar con Adobe Premier Pro para traducir tu mirada contemplada a tu película. Al final de este curso, tendrás todos los conocimientos y una hoja de ruta completa necesaria para colorear tu película y tendrás otra poderosa herramienta en tu kit de herramientas de cine para elaborar películas hermosas y fuertes. Empecemos. 2. Materiales para la clase: Para esta clase necesitarás algunas cosas. En primer lugar, necesitarás descargar una aplicación de prueba gratuita de VSCO en tu teléfono, que básicamente es una versión artística más extendida de Instagram. Necesitarás una toma de fotos durante el día con parches de blanco y negro. Por la parte técnica, estaré demostrando con el panel de geometría Adobe Premiere Pro, que la mayoría de ustedes probablemente tengan. Pero todos estos principios se pueden aplicar a cualquier software de nivelación de color como Davinci Resolve. 3. Ver matices en los colores: Parte 1, viendo el color. El primer paso para cualquier buena calificación de color, es entrenar el ojo para ver sutiles cambios de color en tu imagen. En lugar de simplemente ponerle un lavado de todo color a toda tu imagen, que se verá raro. Tendrás que distinguir entre poner color en los reflejos, medios tonos y sombras de tu imagen. Hablemos de esos. Si miras toda la exposición, o el rango de brillo de tu imagen, resaltados representan las partes que son las más brillantes, medios tonos son las partes que están en el medio, y las sombras son las partes que son las más oscuras. En la clasificación del color, específicamente se retocan los colores, el contraste, y la saturación, de estas tres áreas diferentes para obtener un aspecto específico. Si utilizas filtros [inaudibles], o Instagram, básicamente son plantillas de calificación de color que designan ciertos colores, niveles de contraste y niveles de saturación, y los reflejos, medios tonos y sombras. Por ejemplo, el clásico look Hollywood, tiene reflejos anaranjados, y sombras azuladas. Ver las sutiles diferencias de color es sin duda la parte más compleja de la clasificación del color, y una que toma tiempo para desarrollarse. No obstante, creé este ejercicio para patear tu entrenamiento ocular. 4. Ejercicio para entrenar los ojos: Para este ejercicio, necesitarás una prueba gratuita de VSCO descargada como aplicación en tu teléfono. También necesitarás la foto que elijas, filmada durante el día con niveles de exposición normales y manchas blancas y negras en la imagen, como ésta con la que estaré demostrando. Una vez que hayas descargado la app VSCO y tengas tu foto elegida, abre la app en tu teléfono e importa tu foto presionando el icono más a la derecha, haciendo clic en la foto y pulsando Importar. A continuación, asegúrate de que una sola foto esté resaltada y abre el espacio de trabajo del filtro haciendo clic en este icono en la parte inferior. Ahora mismo deberías estar en la vista de foto única pero si no lo es, puedes cambiarla haciendo clic en el pequeño icono polaroid de la izquierda y golpear el que tiene las múltiples rejillas. Ahora verás tu foto aplicada con todos estos diferentes tipos de filtros. Si te desplazas hacia abajo, verás que hay muchos, muchos y en realidad están codificados por colores por familias de filtros, que tienen características similares. Por ejemplo, los KP's en lila aquí, todos pertenecen a una familia de filtros. Elige uno que se vea un poco estilizado y haz clic en “Guardar. Guárdalo en tu rollo de cámara. Haga esto por un mínimo de cuatro filtros que son diferentes entre sí. Ahora, puedes abrir tu rollo de cámara, que tendrá tu foto original y estás recientemente guardada versiones de esta foto con los filtros aplicados. Haga clic en uno y observe lo que le está pasando a la imagen desde el original. Con cada filtro, hazte estas preguntas: número 1, qué está pasando con los aspectos más destacados, número 2, qué está pasando con los medios tonos, número 3, qué está pasando con las sombras, número 4, qué está pasando con el niveles de contraste de la imagen y número 5, ¿qué está pasando con los niveles de saturación de la imagen? He guardado cuatro versiones diferentes de esta foto, cada una con un filtro diferente y las compararemos lado a lado repasando nuestras preguntas principales. Para el primer ejemplo, como se puede ver, los reflejos se vuelven magenta y las sombras se vuelven azules. Cuanto más oscura es la sombra, más oscuro se vuelve el azul. Los medios tonos están en un tono más claro de azul. Los niveles de saturación parecen ser más intensos y el contraste parece que se mantiene en niveles similares. Con el segundo ejemplo, aquí los reflejos, sombras, y medios tonos parecen haber permanecido igual. Han disminuido los niveles de saturación, lo que le da a la imagen original un lavado sepia. El nivel de contraste parece haberse reducido también. Versión número 3. Aquí los reflejos y medios tonos parecen que se han mantenido del mismo tono. Las sombras se han ido más en la dirección azul. Los niveles de saturación han aumentado claramente y los niveles de contraste también han aumentado. Versión número cuatro. Al instante, puedes sentir que la imagen se siente más fría. Los aspectos más destacados se han convertido en una máquina de escribir, como se puede ver en el abrigo del perro. Los medios tonos tomaron un tinte verde y las sombras son más verdes. La saturación ha aumentado un poco y los niveles de contraste son similares. Aquí hay dos comparaciones de bonos. Versión número 5. Los aspectos más destacados han tomado un tono naranja. Los medios tonos también tomaron un tono naranja y las sombras parecen que se han mantenido similares. Se han incrementado los niveles de saturación y el contraste parece que también ha aumentado ligeramente. A primera vista, la imagen se siente más fría. parecer, los reflejos de la gama fresca han tomado más de un tono azul, mientras que los reflejos que están en la gama naranja parecen haber mantenido su calidez. Los medios tonos parecen haber tomado un tono azul, mientras que las sombras parecen haberse movido en dirección violeta. Se han incrementado los niveles de saturación y los niveles de contraste también han aumentado ligeramente. No te preocupes si no estás seguro de lo que está sucediendo específicamente en tu imagen. Esta habilidad lleva tiempo desarrollarse y se desarrollará aún más a medida que realmente te involucres en el proceso de clasificación del color que abordaremos más adelante. Por ahora, solo es importante que reconozcas las diferencias entre los reflejos, medios tonos y sombras. Si una imagen es de bajo contraste, neutro o alto contraste, y si una imagen tiene baja saturación, saturación normal o alta saturación. 5. Narración y gradación del color: Ahora que hemos preparado el ojo para detectar las partes importantes de la clasificación del color en una imagen, hablemos de cómo podemos usar la gradación del color para servir a una historia. Antes de comenzar a calificar de color, pregúntate qué estado de ánimo, temas emocionales o tonos psicológicos te gustaría realzar en tu historia a través de la clasificación de color. Construye un lookbook de imágenes fijas a partir de películas que son similares a tus visiones y mira críticamente sus opciones de clasificación de color. Por ejemplo, ¿quieres que tu película tenga una sensación clásica de éxito de taquilla con azulado, sombras y reflejos naranjas? ¿ Quieres que tenga un resumen vintage, sensación nostálgica con colores cálidos y bajo contraste? ¿ Quieres que tenga negros punchantes y alto contraste? ¿ Quieres que tenga una sensación silenciada con bajo contraste, negros lechosos y baja saturación? ¿ Quieres que luzca natural? Pensar en estas intenciones es crítico porque actuarán como la brújula guía ya que en realidad profundizarás en el proceso de gradación del color más adelante. 6. La ciencia de la gradación del color: Por lo que ahora viene la parte técnica del proceso de nivelación de color, donde te mostraré un método de cinco pasos que puedes usar para traducir tu visión en realidad. Para este proceso, estaré demostrando con Adobe Premiere Pro y todos los pasos se ubicarán en el panel de color lumetri. 7. El orden de las operaciones: El mayor error que he visto en los cineastas, es que tienden a arrojar alrededor de la calificación de color al azafar, marcando en el look a medida que van, lo que suele dar como resultado una nota demasiado cocida. Esto es análogo a ponerse demasiado maquillaje, que se ve falso, y resta la atención de los espectadores a tu historia. Para evitar esto, les voy a presentar a todos un orden de operaciones en cinco pasos para la gradación de color, que se ve así. Número 1, color correcto, número 2, color de coincidencia, número 3, skintones fijos, número 4, agregar estilo visual, y número 5, pulir. 8. Paso uno: Corrección del color: Para demostrar el paso 1 con corrección de color, traje dos tomas en secuencia del doc de Nicky con las que tuve muchos problemas en cuanto a corrección de color. Como se puede ver, el primer disparo está muy subexpuesto. En realidad fue tomada en una cámara diferente a la mía por un operador de cámara B desde arriba. Esta toma luego entra en ésta, que como puedes ver también está subexpuesta. Para configurar nuestra interfaz de color, vamos a utilizar el panel Lumetri Color. En primer lugar, puedes encontrar esto yendo a “Effects”, y escribiendo Lumetri Color, luego arrastrando este efecto a los clips que son problemáticos, que en este caso son ambos. Después de haber arrastrado el efecto a tu clip, luego ve al espacio de trabajo Color. Como puedes ver, es solo mucho más propicio para cualquier trabajo de color. Tienes aquí el panel Lumetri Color, y aquí tienes corrección básica, que debería parecerse a cualquier interfaz de edición de fotos encuentres en tu teléfono o en Adobe Photoshop. Aquí puedes sumar mucho, que abordaremos en un paso posterior. Aquí tienes tu Balance de Blancos, y aquí podrás abordar la exposición, contraste general, el resaltado, las sombras, los niveles de negros y blancos, y también la saturación. Esta la vamos a estar usando bastante extensamente, así como las Ruedas de Color. Como se puede ver, esto se afina más al descomponer el color y los niveles luminosos o los niveles de exposición de las Sombras, Mediotonos y Destacados. Estos dos paneles son lo que más vamos a utilizar, pero tocaré a los otros a medida que avanzamos. Llevemos los disparos de vuelta a una línea de base natural. Voy a volver a mi panel de corrección básica y empezar con este clip. Como se puede ver, está muy subexpuesto y se mostró en un perfil de imagen plana. Si disparaste en un perfil de imagen plana, el primer paso es traer de vuelta los niveles de contraste elevando los niveles de negro. Eso parece un buen nivel consciente basal. Ahora vamos a traer también de vuelta la exposición. Ahora que hemos vuelto a traer el nivel de contraste, y hemos ajustado la exposición, ahora tratemos con el balance de blancos. Si tus blancos se ven un poco apagados, lo que puedes hacer es hacer clic en este selector de “Balance de blancos” y hacer clic en una mancha blanca de tu imagen, y el software se calibrará automáticamente para cualquier problema evidente de balance de blancos. Por lo general esto funciona como un encanto. A menudo, sin embargo, cuando haces el selector de balance de blancos, puede sobreempujar tus colores en ciertas direcciones que no parecen bastante naturales. Cuando veo este clip, sin embargo, el balance de blancos todavía no se ve del todo bien. Si encuentras que este es el caso, este es un momento para jugar. En primer lugar, prueba con la corrección básica, que afectará por igual tanto a los Highlights, Midtones, como a las sombras. Recomiendo ajustar la temperatura, y empujarla en la dirección opuesta al color fundido. O si eso no funciona, entonces trabajar con el tinte. Si eso no funciona, entonces querrás entrar a las Ruedas de Color y jugar con éstas hasta que tus colores se vean más naturales; que es lo que voy a hacer. Yo quiero empujarlo en la dirección más amarilla que en realidad se ve bastante bien. Pero como puedes ver, las sombras todavía se ven realmente azules, y los negros, no se ven negros. Lo que voy a hacer es ir a mi Color Wheels y emparejar y trabajar con las Sombras, Destacados, y los Midtones hasta que pueda conseguir un palé parejo más natural. En primer lugar, veamos las Sombras. mí me parecen muy azules, así que los voy a empujar en la dirección opuesta, en la dirección naranja. Como puedes ver, ahora los negros se ven más negros. Esta barra lateral que ves a la izquierda es en realidad los valores luminosos, por lo que afecta los niveles de brillo. Aquí, encuentro que las sombras siguen un poco demasiado brillantes, y quiero bajarlas un poco, así que sólo voy a bajarlas un poco. Como puedes ver, es un cambio muy sutil, pero ahora los negros se ven más negros. Ese parece un punto de partida mucho mejor. Si lo comparo con cómo se veía antes, así se veía antes y ahora sólo se ve mucho mejor. Para recapitular, primero trajimos los niveles de contraste de nuestro perfil de imagen plana, luego ajustamos la exposición, y luego ajustamos el balance de blancos. Ahora, voy a colorear corregir la segunda imagen que como puedes ver también se ve muy oscura. Esto no se filmó en un perfil de imagen plana, así que solo voy a seguir adelante y subir los niveles de exposición hasta que el brillo se vea bien, así. También juguemos con el selector de Balance de Blancos. Ahí vamos. 9. Paso dos: Unificar las tomas: Una vez que has mirado a través de los disparos individuales y los has corregido en cuanto a color y exposición, ahora quieres mirar los disparos en relación a toda la secuencia y asegurarte de que no haya tiros que se estén rompiendo el sentido de continuidad en cuanto al color y la exposición. En otras palabras, quieres asegurarte de que todas las tomas parezcan que todas fueron filmadas en un solo entorno, desde una cámara de tu secuencia. Aquí tenemos el disparo de Mickey. Ella termina su partido, y como puedes ver, estos dos tiros realmente no coinciden. Este es mucho más cálido, y luego salta a éste y éste es mucho más fresco, y Se siente como si fueran disparados en dos cámaras diferentes. Trabajemos en emparejar estos tiros. Cuando haces coincidir tomas, quieres elegir uno como imagen de referencia. Por lo general, eliges tu toma más ancha porque tiene mucha más información de color y establece el ajuste. Voy a volver a esta toma más ancha, y una herramienta útil es una ventana de referencia, que jalará todavía de la toma, que puedes usar para comparar ya que estás calificando el color de la otra toma. Para ello, vaya a “Ventana” y haga clic en “Monitor de referencia”. Como puedes ver ahora, tienes una referencia muy útil para usar ya que estás ajustando el color de la otra toma. El comparativo lado a lado muestra que son muy diferentes. Lo primero que estoy notando es que este tiro es mucho más fresco. Yo sólo voy a calentar eso un toque así. Como puedes ver, ya está igualando mucho más de lo que antes. Ahora, estoy notando que los negros en esta imagen, los negros en el tiro ancho se ven muy diferentes a los negros en este tiro. Los negros en el tiro ancho siguen pareciendo que tienen un tinte azul. En realidad prefiero si los negros se ven verdaderamente negros. Voy a volver atrás y voy a jugar con las sombras y reducir la iluminancia. Este tiro también se ve un poco más saturado. Voy a ir a mi Saturación y sólo voy a reducirla aquí. Sigue jugando con los ajustes a saber, los del panel Corrección básica y los del Color Wheels & Match, hasta que creas una sensación de continuidad que es creíble a medida que cortas entre estos dos tiros. Ahí vamos. Eso coincide bastante bien. Con el emparejamiento de tiro, no es necesario que coincida exactamente con el color de disparo a disparo. Simplemente quieres asegurarte de que sea lo suficientemente continuo para que no notemos un corte jarring. No obstante, es realmente importante que coincidas con los niveles negros realmente bien. Para demostrar por qué, voy a cambiar los niveles negros de este tiro para que los negros sean un poco más lechosos. Como puedes ver, cuando salto de esta toma a esta toma, es bastante jarring, y parece que los disparos fueron tomados de ambientes completamente diferentes. De verdad quieres asegurarte de estar atento a la continuidad de tus niveles de negro. 10. Paso tres: Tonos de piel: Después de haber creado una línea de base neutral y todos tus disparos coinciden en la secuencia, ahora es el momento de ajustar los tonos de piel. Los tonos de piel son el área en tu imagen que realmente quieres tener cuidado porque si los tonos de piel están apagados entonces toda tu imagen se verá apagada. Aquí tengo una foto de entrevista y vamos a revisar para ver si es el tono de piel es normal. Para comprobar si tus tonos de piel están en el rango natural, existe una herramienta muy útil llamada el vectorscopio que te ayudará a ver dónde necesitas empujar estos colores en tus tonos de piel si necesitan algún ajuste. Para ello, primero abre tus alcances de lumetri y si no lo encuentras aquí, puedes ir a ventana y encenderlo haciendo clic en los alcances de lumetri. Asegúrate de que el vectorscopio YUV esté encendido y debería abrir una gráfica que se vea así. Este es básicamente un mapa de todos los valores de color en tu imagen. Para dejar eso claro, por ejemplo, si empujo la temperatura hacia abajo hasta el rango azul, se puede decir que los valores de color en la imagen se han movido todos hacia el cuadrante azul en el espectroscopio. De igual manera, si lo muevo hacia la gama naranja, mira lo que pasa. Los colores están cambiando en tiempo real y avanzando hacia el cuadrante naranja. Para los tonos de piel, lo que realmente es fascinante es que no importa cuál sea tu etnia, todos los tonos de piel se encuentran en esta línea entre el cuadrante amarillo y el rojo llamado línea de la carne. Tendrás que revisar para ver si el tono de piel en tu imagen yace en esa línea. Para ello, ve a tus controles de efecto y bajo opacidad crea una pequeña máscara que contendrá una muestra de tu tono de piel. Después mira tus alcances lumetri y puedes ver que ha aislado los valores de color del área enmascarada. Como se puede ver en este muestreo los colores de la piel son un poco demasiado en la gama amarilla y realmente no golpean el cuadrante rojo. Lo que voy a hacer es empujar un poco más los colores en la dirección spread yendo al panel de color lumetri y yendo a llantas de color y partido. Debido a que los tonos de piel son tonos medios, para evitar afectar a los otros colores de mi imagen, voy a empujar un poco los tonos medios en la dirección roja hasta que los valores en el vectorscopio se encuentran en la carne o en la línea de tono de piel. Así. Ahí vamos. Simplemente tomó un cambio muy pequeño y ahora cuando vuelvo y me quito esta máscara, se puede ver que la piel se ve mucho mejor como lo hace toda la imagen. Esto fue antes y esto fue después. Adelante y revisa tus tonos de piel y ajustarlos según sea necesario y te veré en el siguiente paso donde realmente empezaremos a jugar con color para construir un look específico. 11. Paso cuatro: Gradación del color: Ahora que tienes tu grado base y tu tono de piel aceite en jaque, tienes muy buena base para empezar a jugar con el color y usarlo para realzar ciertos estados de ánimo y tonos de tu historia. Para acercarse a la gradación del color, hay una manera fácil, y una forma más compleja. El camino fácil es encontrar mucho o mesa de búsqueda en línea, que es básicamente una fórmula de gradación de color que puedes aplicar de inmediato, que te dará un aspecto específico. Ahí afuera hay tonos de diseños libres. Si vas por esta ruta, definitivamente tómate tiempo para mirar a través, y ve los diferentes estados de ánimo, y estilos disponibles por ahí. Una vez que descargas mucho, es muy sencillo subir. En tu panel de color geométrico, solo tienes que ir a “Input Lut” y luego “Browse” y luego elegir uno y ver cómo cambia el look, y la sensación de tu imagen. No obstante, debido a que se trata de un curso de gradación de color, te recomiendo que primero intentes jugar con unos parámetros de color diferentes, especialmente los colores, y los tonos medios, los reflejos, y las sombras para crear un estilo mientras también entrenando tu ojo para recoger estos matices. Por ejemplo, aquí tengo la toma de apertura del Mickey Dark. Lo que me gusta hacer primero es tener en cuenta el estado de ánimo que me gustaría realzar. Esto ya es bastante realista, pero me gustaría que te sintieras un poco más soñador como si hubieras entrado en el pasado, y me gusta que se sienta un poco más misterioso también. Lo que me gusta hacer es abrir las ruedas de color y emparejar. Una buena regla de oro es incorporar contraste de color, que es cuando hay colores en los lados opuestos de la rueda de color presentes en tu imagen. Por ejemplo, podría empujar colores opuestos en las luces y sombras. Por ejemplo, como se ve en el clásico look de Hollywood donde empujan azulado en las sombras y naranja y los reflejos. Aquí voy a jugar y voy a empujar un poco de azul en mis sombras y ver qué hace eso. Enfriar. Como se puede ver por el original, ya se ve tan diferente. Para mí esto le da una sensación de ensueño, que es lo que busco. Ahora, permítanme tratar de empujar los aspectos más destacados en la dirección opuesta. Yo lo empujaré en dirección naranja, ver qué hace eso. A mí me gusta cómo eso le saca la cara un poco más que en la anterior. También saca el rojo en su delineador de ojos y en sus labios. Ahora juguemos con los negros un poco y veamos qué hace eso. Si levanto un poco a los negros, así, añade un toque de surrealismo, que es lo que me gusta. Como puedes ver, cuando calificas el color, solo haces estos cambios muy sutiles a tu imagen para ver si la tira en una dirección que realce lo suministrado o la sensación que vas tras. A medida que juegues, verás que tus ojos comenzarán a captar las diferencias entre los reflejos, las sombras y los tonos medios. A medida que juegues, notarás que la clasificación del color realmente es un arte de matiz. Adelante y empieza a jugar con tu clasificación de color. Si tienes un look de referencia, tira de eso hacia arriba y trata de ajustar tus propios colores, niveles de contraste, y saturación de tu imagen para que coincida con el look que vas tras. 12. Ejemplo estilizado: Para otro ejemplo, voy a utilizar una referencia más estilizada de una de las películas de Wes Anderson. He sacado la referencia aquí como pueden ver. Voy a tratar de emparejar esta toma que tengo del granjero con la clasificación de color de esta imagen de referencia. Empecemos con la corrección básica, y como pueden ver, está realmente subexpuesta, así que voy a aumentar la exposición. Al comparar los dos, se puede decir que en la imagen de referencia hay muchos más tonos amarillos, sobre todo en los reflejos como se puede ver en el cielo. Este es más fresco y éste tiene un velo amarillo sobre él. Ahora sólo voy a estar jugando con todas las herramientas que hemos mirado todas listas, hasta que estas dos imágenes coincidan. En primer lugar, voy a abordar la temperatura y calentarla un cabello. Como puedes ver, calentarla realmente no hizo mucho, porque esta imagen al calentarse, es un poco más en el lado magenta que en el lado amarillo. En realidad voy a traerlo de vuelta, y jugar con las ruedas de color y partido. Primero voy a abordar los aspectos más destacados, porque eso es lo más obvio para mí, y lo voy a empujar así en la dirección amarilla . Entonces pueden decir que los tonos medios y las sombras también se empujan en la dirección amarilla. Voy a jugar y ver si eso trae un partido más cercano. Estamos llegando ahí. Como puedes decir ahora, los aspectos más destacados en el cielo son casi lo mismo. Pero el de la imagen de referencia parece ser un poco más frío. Vamos a volver a la Corrección Básica, y sólo voy a moverla hacia abajo un poco así. Como puedes ver ahora, el cielo coincide bastante bien. Después vuelve a las ruedas de color y emparejar y ahora intenta igualar un poco más la hierba. Las sombras parecen un poco más oscuras, así que la voy a empujar hacia abajo, y parece que hay un poco de contraste. Los aspectos más destacados parecen ser un poco más pronunciados, así que lo voy a reventar, la exposición un poco, y ahí vamos. Como se puede ver, el proceso es muy similar. En primer lugar tienes que hacerte todas las preguntas que hemos estado haciendo. Cuál es la diferencia entre mi toma y la toma de referencia en cuanto a los colores en los reflejos, y tonos sombras, los niveles de contraste y los niveles de saturación. Después hay que jugar con la corrección básica y las ruedas de color y partido hasta conseguir un buen partido. Estos dos que considero son un buen partido. No obstante, si quieres llevar un pelo un poco más allá, veo aquí en la imagen de referencia que los resalta que hay un poco de matices rojos para ellos. Porque ya me gusta donde ya están mis reflejos, y no quiero afectar las otras partes de la imagen, ahora es un buen momento para usar las curvas. Las curvas son una forma para que te pongas muy precisa. Como se puede ver, las curvas, hay cuatro tipos. Uno es el nivel de luminancia. Esta es tu exposición básica, y la forma en que lees esta curva es que el punto cero aquí son negros. Estas son las sombras que la parte media los medios tonos y la parte superior son los reflejos, mientras que el punto arriba en la esquina aquí representa el blanco puro. Por ejemplo, si agrego un punto aquí y muevo la parte inferior, como se puede ver, sólo está afectando los niveles de negro y está elevando el negro. Los negros se están volviendo menos oscuros y obtienes menos contraste. Usarías esta curva de luminancia, si quisieras modificar la exposición o los niveles de brillo de áreas muy específicas de tu imagen. Después tienes aquí la curva roja que afecta la cantidad de rojo en las sombras, mindtones y reflejos. Esto es en realidad lo que quiero usar un poco para agregar un toque de rojo a los reflejos. Voy a añadir un punto aquí y aquí, sólo para que no afecte las sombras y los medios tonos. Yo sólo voy a añadir un poco de rojo a los aspectos más destacados, no por mucho. Ahí vamos. Ahora mismo, veo que los colores coinciden realmente bien después de hacer ese cambio, y podrías hacer lo mismo con los canales verde y azul también. 13. Paso cinco: Pulir y exportar: Ahora quieres pasar por todos tus tiros los cuales han sido coloreados, graduados y estilizados. Al igual que en el paso dos, quieres asegurarte de que estén cohesionados dentro de la secuencia. Ajusta cualquier disparo que rompa la continuidad. Si encuentras que todo es cohesivo. Ahora es el momento de agregar un grano de película si lo deseas. Para aquellos que no saben qué es el grano de película, es agregar un poco de detalle de grano a la textura de tu imagen para que emule el stock de película más que digital. Si te interesa esto, te mostraré cómo. Para ello, puedes descargar un grano de película en vivo o usar un plug-in para Adobe Premier llamado film convert. Si has descargado film convert, entonces deberías encontrarlo en tu panel de efectos. Aquí vamos. Añádalo al clip. Después, para trabajar con film convert y tu panel de controles de afectos, el film convert pro workspace debería estar ahí. Como puedes ver, hay muchas cosas que puedes hacer. Aquí, hay todas estas acciones de cine de las que puedes elegir. Como puedes ver aquí, ya está agregando algo de grano y puedes controlar muchas cosas como la cantidad de grano. 100 por ciento es para el 200 por ciento, realmente se puede ver y saber solo se ve como ruido ahora. Agregar grano también puede ser una forma fantástica de crear un elemento de encuadernación que crea más cohesión para todos tus disparos. Entonces, una vez que hayas terminado, es hora de exportar. Ya que Vimeo y YouTube son notoriamente conocidos por tener kodaks que comprimen tu metraje por lo que pierde mucha información de color. Te recomiendo exportar tu metraje con Apple ProRes HQ, que es un tamaño de archivo más grande o es un componente más ligero, Apple ProRes LT. Esto conservará más información de color que el estándar.h64. 14. Narración y ejemplos de los colores: La clasificación del color es muy subjetiva, y es difícil decir que si empujas los colores en esta dirección, entonces creará estos matices emocionales para tu historia. Realmente se reduce a probar algunos esquemas de gradación de color y ver si eso se ajusta a tu historia en particular. No obstante, para ayudarte a conseguir algunas ideas, encontré un fantástico tutorial por el borde, que proporciona una visión realmente genial de algunos de los esquemas de gradación de color que se encuentran en las películas de hoy. Algunos críticos de cine creen que muchas veces se puede echar un vistazo al tratamiento del color de las películas, y al instante contar su género. Colores desaturados para películas apocalípticas, tonos azules fríos para horrores, verdes fluorescentes para ciencia ficción, tonos amarillos para película basada en un desierto; tonos rojos saturados y vibrantes para comedias y para todo lo demás épico, azul y naranja. Drama, azul y naranja. Bio, azul y naranja. ¿ A qué emoción están los cineastas tratando de llevarnos hacia este par de colores opuestos, y a cada otro tratamiento de color para ese asunto? Considera el anillo de humor, los tonos de emoji o incluso la fotografía de aura, como la música en un elevador, o el color de la sala de espera de un médico tiene el poder influir en cómo nos sentimos sin siquiera darnos cuenta. Los directores de cine han explotado la conexión de color durante décadas. De hecho, hay un libro de reglas de emociones que siguen los coloristas, las personas que manipulan los colores del cine. Nuestra respuesta al color varía dependiendo de la cultura y los contextos. Pero aquí hay algunos ejemplos de aplicaciones emocionales familiares del color. clasificación del color es el proceso de aplicar el malentendido del color y su poder al alterar y realzar el color de la emoción, más imagen fija, ya sea electrónicamente, foto-químicamente o digitalmente. De vuelta en el día, los cineastas solo podían lograr un look estilizado si se comprometían a usar filtros, o si gastaban una tonelada de dinero en efectivo para alterar colores específicos, cuadro por cuadro. Ya has visto que es una vida maravillosa, pero ¿has visto que es una vida maravillosa en color? Ahora que todo se dispara digitalmente, clasificación del color es menos costosa, más accesible y flexible. “ O Brother Where Art Thou” fue la primera película en ser totalmente digitalmente calificada a color. El relato tuvo lugar durante la Gran Depresión por lo que el director de fotografía, Roger Deakins aplicó un cálido tono sepia a toda la película para hacernos sentir como si estuviéramos en una Sucia Thirties. Desde entonces, la clasificación digital del color se ha convertido en una práctica estándar para los cineastas y una tendencia de gradación de color que parece estar tomando el control de Hollywood es el azul y el naranja. Hay muchas teorías por ahí pero una teoría líder es que este tratamiento de color hace estallar a los actores contra el fondo. En la rueda de color, los tonos de piel están principalmente en la gama naranja, y el color complementario del naranja es el azul. Entonces cuando llevas tu tono naranja al actor y luego todo lo demás en la gama de colores opuesta, este contraste te deja con el look de Hollywood. Ahora que entiendes los conceptos básicos de la clasificación del color y algunos de sus usos más comunes, puedes probar por ti mismo usando una variedad de apps fáciles de usar, como la app VideoGrade para iOS. Decidimos probar estas teorías de gradación de color con algunas de nuestras propias imágenes. Escogimos una toma y le dimos diferentes tratamientos para explorar cuánto podríamos cambiar el estado de ánimo de la escena. Sé tú el juez. Por supuesto, no es tan importante saber manipular color como lo es saber cómo el color puede manipularte. 15. Extra: El vectorscopio: A modo de lección extra, quería repasar un alcance más que pudiera ayudarte a detectar los valores de color de tu imagen de manera más cuantitativa en lugar de simplemente depender de tu ojo. Ya hemos abordado este ámbito vectorial, y ahora quiero mostrarles algo más que podría ser útil llamado el Desfile RGB. Como puedes ver, tienes rojo, verde y azul. Todos los colores digitales se componen de una mezcla de estos tres colores, rojo, verde y azul. Esta gráfica te muestra la cantidad de cada color en los canales rojo, verde y azul, con cero que representa negro puro y 255 que representa blanco puro. Esto es especialmente útil cuando estás equilibrando el blanco, porque si las cosas están adecuadamente equilibradas en blanco, tus canales rojo, verde y azul deberían tener un aspecto más o menos igual. Por ejemplo, si empujaba el azul hacia la imagen, se puede ver que el canal azul subió. Eso te daría una indicación de que necesitarías normalizar la imagen bajando este canal para que todos sean similares. De igual forma, esto puede ser increíblemente útil para que detectes niveles de negro. Recuerda, realmente quieres asegurarte de que tus niveles de negro coincidan todos en los tiros en una secuencia, y mira lo que pasa cuando aplasto a los negros. ¿ Viste eso? Después los canales tocan cero, y eso significa que hay negro puro en la imagen. Si utilizas este desfile a medida que vas de disparo a disparo, puedes monitorear si la línea de fondo de estos tres canales se encuentran aproximadamente en la misma posición. Por otro lado, 255 representa el blanco puro, así que si sobreexpongo mi imagen, se puede ver que los canales rojo, verde y azul están recortados en 100 y esto significa que tu imagen tiene áreas sobrevoladas donde hay última información digital. Además de equilibrar el blanco y emparejar los niveles negros, usar este desfile también puede ayudarte a ver lo que está pasando en una imagen de referencia que elijas, mirar es proporción de rojo, verde y azul, y ver si puede replicar eso a tu propia imagen. 16. Conclusión del curso: [ MÚSICA] Enhorabuena por terminar este curso. Espero que por ahora sientas que tienes nuevos superpoderes viendo, y se necesita una hoja de ruta clara para colorear tu película para potenciar aún más tu historia. Esta habilidad tomará tiempo para desarrollarse. Pero si sigues practicando y siguiendo este método, pronto podrás ver matices y color y exposición y controlarlos para expandir tu kit de herramientas creativo. Por favor, publique una versión antes y después de un tobogán de su película en la página de proyectos de clase para que podamos ver qué look creó e inspirarse. Si tienes alguna pregunta restante, por favor ponlas en la página de discusión ya que estoy aquí para apoyarte e invitarte a revisar mis otros cursos, como mi popular curso de arte de revisión, cual presenta un poderoso método de seis pasos para arreglar los puntos débiles comunes de tu película, construyendo su claridad, impulso y poder. Muchas gracias por tomarte tu tiempo conmigo, y feliz gradación de color. [ MÚSICA] 17. Emocionantes actualizaciones: Si te gusta este curso, te invito a inscribirte a mi newsletter donde comparto emocionantes actualizaciones, insights de alto valor e inspiración curada. Enlace en la página de mi instructor del curso.