Fundamentos de la fotografía de estudio: tomas de belleza, moda y naturaleza muerta

1. Introducción: ¿ Alguna vez te has preguntado cómo podrías mejorar tu iluminación? Mi nombre es Jose Carvajal. Soy fotógrafo de belleza, moda, y naturaleza muerta, y también ocasional diseñador 3D con sede en Sevilla, España. Llevo cuatro años trabajando como fotógrafo profesional, publicando en revistas como TWH, Nylon, L'Officiel, o Neo2. También he trabajado para grandes empresas como Mango y Adobe. En esta clase, Studio Photography: Lighting Setupps for Beauty, Fashion, and Still Life, te voy a llevar a través de todos los pasos para realzar tu fotografía entendiendo cómo funciona la luz en diferentes ambientes. Con la ayuda de algunos ejercicios y asignaciones que hice, vas a aprender a utilizar la iluminación y la creatividad de una manera inteligente para llegar a los conceptos más interesantes, y cómo filtrarlos para crear una pieza de trabajo sobresaliente. Además, te mostraré mi proceso para conseguir las imágenes más nítidas y refinadas para construir una cartera increíble y conseguir trabajos comerciales con ella. Trabajaremos en un tablero de humor, usaremos diferentes modificadores de luz, aprenderemos a trabajar con modelos y maquilladores, y cómo editar nuestras imágenes a la perfección. Ya sea principiante o profesional, si quieres mejorar tu creatividad en técnicas de iluminación, esta clase es para ti. Espero que todos disfruten de esta clase. Nos vemos por ahí. 2. Orientación de la clase: hoy vamos a aprender a usar luces estroboscópicas para hacer que nuestros disparos sean más malhumorados, dramáticos, y darles un aspecto más profesional. Esto es absolutamente esencial si quieres construir tu carrera como fotógrafo, ya sea que quieras centrar tu trabajo en torno a la industria de la moda, la naturaleza muerta, el retrato, o la fotografía de belleza. En primer lugar, trabajaremos a través de algunas de mis principales referencias artísticas, así como de libros que consideré esenciales. Después de eso, te mostraré algunos ejercicios creativos para entrenar tu ojo y potenciar tu productividad a la hora de crear nuevos proyectos. También voy a explicar, cómo entiendo la creatividad y cómo podemos aplicar nuestros conocimientos de iluminación a esa área. El segundo encargo será la confección de un tablero de humor. ¿ Cómo buscamos referencias? ¿ Cómo organizamos todas nuestras ideas? También te enseñaré a usar aplicaciones como Shot Designer, para construir configuraciones de iluminación esquemáticas e incluirlas en nuestros moodboards. Entonces explicaré cómo funciona la luz. Nos sumergiremos en profundidad explicando luz dura y difusa, diferentes fuentes de luz artificiales, el equipo básico, la Ley de Cuadrado Inverso, y los fundamentos de una luz estroboscópica. Te llevaré a través de todas las configuraciones esenciales para la belleza, moda, y la naturaleza muerta, como la clamshell, la luz clave y la luz de llanta, los trucos detrás de la fotografía de producto o cómo utilizar un medidor de luz. Todo lo que necesitas para dar un paso adelante. Si estás listo, entrémonos en ello. ¡Nos vemos! 3. Equipo: En esta lección, vamos a cubrir las necesidades de equipo que tendremos para nuestro proyecto de tiro. El principal equipo que nos va a permitir expresar nuestra creatividad es la cámara. Si eres principiante, no te preocupes por los megapíxeles ni por las especificaciones secundarias. Recoge la cámara con la que te sientas más cómodo. La opción más accesible es una cámara reflex, y puedes encontrar cámaras realmente bonitas incluso en el mercado de segunda mano, si necesitas ahorrar un poco. Para las lentes, las más comunes para la fotografía de moda son las lentes teleobjetivo como este de 100mm de Canon, que me encanta absolutamente, porque puedo usar su macro característica en mis trabajos de belleza. En fin, si quieres ser un poco más creativo y experimental, siempre puedes probar lentes más anchas, como el Nifty Fifty, el 40mm, o incluso un 28mm. Para los tiroteos en estudio y las configuraciones de iluminación donde vas a hacer, los estroboscópicas serán indispensables. Hay un montón de opciones asequibles, siendo mi favorita y más usada, la SK400 de Godox. Lo que debes mirar es que la potencia del estroboscópico sea 400, el mínimo requerido para lo que vamos a hacer. Y por favor, no olvides usar un trípode agradable y robusto para sostener tus estroboscópicas. La gente tiende a pasar por esto, pero tener un buen trípode es una de las mejores maneras de cuidar nuestros estroboscosos. Además, debes tener un par de tarjetas de memoria y un reflector 5 en 1, que te permitirá rebotar la luz con diferentes texturas y colores. Al ser algún equipo opcional, puedes tener un cable de conexión para disparar y ver tus fotos en un monitor externo o en tu portátil. También puedes tener un medidor de luz para hacer algunas correcciones en campo más rápido. Siempre ten en cuenta que para empezar, no necesitas el equipo más caro. Con cosas asequibles y combinando eso con la comprensión de la luz y cómo funciona, ya tendrás grandes resultados. Para la siguiente lección, les diré cuáles son mis principales referencias y analizaremos cómo usan las luces. ¡Vámonos! 4. Busca por la inspiración: En esta lección, vamos a explorar el trabajo de las personas creativas que admiro, así como de fotógrafos, artistas 3D, diseñadores gráficos, y artistas conceptuales. Es absolutamente necesario tener referentes en el sector creativo y no sólo fotógrafos. Porque este será el punto de partida de conocernos a nosotros mismos, qué queremos hacer, y a quién estaremos mirando, para que podamos empezar a desarrollar nuestra carrera. Creo que el concepto es un aspecto muy importante para empezar a contar historias a través de nuestras imágenes y evolucionar como artistas. Por ejemplo, me encanta cómo Eugenio Recuenco crea un mundo único y toda una historia en cada cuadro, y el ojo pictórico que tiene proporciona a sus conceptos una poderosa visión. Tiende a usar luz continua y composiciones con mucho diseño de escenografía, lo que mantiene cada imagen interesante y te hará mirar cada parte de ella durante horas. Su fondo de Bellas Artes es bastante notable así como su particular manera de contar historias. En su Proyecto 365, filmó una imagen por cada día del año, manteniendo un concepto básico pero cambiando la historia dentro de ella. Esta vez, solo usa un conjunto específico para cada fotografía. Tres muros y una ventana. Mira cómo lo cambia todo configurando nuevas ideas y probando nuevas luces, nuevos colores, posiciones de cámara, o incluso trabajando con espacio negativo. Para mí, es el ejemplo perfecto de tener una idea básica como punto de partida y llevarla realmente lejos. En cuanto a los artistas de retratos y belleza, podría mencionar iconos como Peter Lindbergh o Helmut Newton. Pero para mí, Cecil Beaton es un absoluto imperdible. Beaton solía disparar a personajes famosos, pero de una manera más íntima y sensible. Quería normalizarlos con estos impresionantes retratos. También debes seguir nuevos talentos como Agata Serge, Cho Gi Seok, Zhong Lin, Elizaveta Porodina, y Anna Rudzit para ver qué es tendencia en este momento y cómo la moda, belleza y la creatividad han evolucionado en el tiempo. Elizaveta crea nuevas situaciones llenas de color, saturación, utilería, y mezclando diferentes materiales para hacer una imaginería soñadora y poderosa, que le queda mucho a Man Ray. También, en una pequeña nota para la naturaleza muerta, echa un vistazo al trabajo de Roberto Greco, un fotógrafo increíble y sensible que se preocupa inmensamente por la composición, color y la delicadeza. Siempre busco nuevos medios de expresión artística, como 3D y diseño gráfico. Uno de mis favoritos es Peter Tarka, quien desarrolla bellas composiciones conceptuales con las paletas de colores más limpias. Además, este libro fue una revelación para mí en cuanto a textura y uso del color. Cuenta con una gran cantidad de artistas increíbles con perspectivas creativas únicas. un vistazo, si te interesa ver nuevas formas e ideas hermosas. A modo de pro tip, diría que te mantengas fuera de tu zona de confort, sobre todo si no eres principiante. Esto te ayudará a entrenar tu ojo en otras disciplinas y tal vez esto te haga probar nuevas situaciones visuales. Para mí, la creatividad es el filtro de nuestras ideas y tenemos que trabajar sin parar en ello. Además de eso, cambiar tus principales referentes y estar en un proceso de búsqueda constante te mantendrá despierto con muchas ideas fluyendo. Ahora para esta lección, quiero agregar un poco de asignación, definiendo un concepto a través de la creatividad. Tienes que elegir entre las ideas del dolor, felicidad y la esperanza, y rodar una foto de cada una, evitando en blanco y negro para el dolor, gente riendo por la felicidad, o el uso del verde para la esperanza. Evitar los clichés te hará poner más esfuerzo en conseguir los mejores resultados. En la siguiente lección, definiremos el moodboard para nuestro proyecto final. ¡Sígueme! 5. Hacer nuestro moodboard: En esta lección, te guiaré por el proceso de hacer un moodboard consistente. Teniendo en cuenta todas las referencias, es hora de echar un vistazo a Pinterest y buscar el tipo de imágenes que quisiéramos rodar para nuestro proyecto final. Un moodboard es un documento o guía donde estaremos agregando cada idea que consideramos interesante para nuestro rodaje, por lo que tenemos todo más claro. Es una parte fundamental del proceso de preproducción y te recomendaría que te acostumbres a hacerlo por cada rodaje. Voy a estar recogiendo algunas imágenes y haciendo mi propio tablero de humor para la sesión de moda, y la sesión de belleza, y la sesión de bodegones. El pro tip sobre el uso de Pinterest está haciendo que nuestra búsqueda sea lo más específica posible para que podamos filtrar los resultados y obtener las imágenes lo más cerca que tengamos en mente. En mi caso, quería rodar algún maquillaje colorido y juguetón, que contrasta con la piel pecosa, y también colocó un par de retratos y referencias de moda. Además, se puede ver el tablero de humor que creé para la sesión de bodegones para esta clase. Para la sesión de moda, quería ir por un look contrastado, con retratos cercanos en blanco y negro y jugar más con diferentes poses en lugar de enfocarme en prendas excéntricas. Dicho esto, para las referencias de retratos, fui a la “Serie Pecas” de Agata Serge, que funcionan como un gran estudio de pose y es ideal para aprender alguna dirección de modelo y procesamiento de color. En su caso, en su mayoría utiliza luz natural. Pero recuerda, estas son solo referencias para poses y tomas. Trata de buscar poses interesantes buscando ese tema específico y abre tu mente. La variedad es lo que te hará destacar. Lo que más le gusta de Pinterest es que puedes buscar contenido relacionado en cada imagen que elijas y es bastante fácil de organizar con tableros y alfileres, que puedes poner en privado por si no quieres cualquiera que los vea. El mejor consejo que puedo darte aquí es buscar hojas de contacto con diferentes posando y actuando. Esto va a crear una biblioteca mental de opciones para elegir cuando estás en una sesión. Créeme, eso es realmente útil si te quedas ideas o si el modelo no es demasiado experimentado. Como fotógrafos, es nuestra responsabilidad saber dirigir a alguien. Será mejor para el estado de ánimo del rodaje si replicas las poses que tienes en mente, o si muestras la referencia al modelo. Este fue mi último tablero de humor para la sesión de moda. Como mencioné antes, mi idea para la sesión de belleza fue jugar con el contraste entre algunas paletas pastel y las pecas de la modelo que teníamos. El maquillador y yo trabajamos juntos para llegar más fácil al resultado final antes del día del rodaje. Asegúrate de organizar correctamente los diferentes looks. No es necesario que se hagan en el mismo orden que pones en tu moodboard porque algunos productos de maquillaje podrían ser más difíciles de despegar, y esos deben aplicarse el último. ¡ No quieres pasar horas y horas en Photoshop! Acostúmbrate a hacer tus moodboards de belleza con tu maquillador. Ahí resolverá cualquier duda que tengas. Si quieres seguir el camino de la fotografía de belleza, tienes que aprender sobre productos, texturas, y aplicaciones en la piel y el cabello. Este fue mi moodboard para la sesión de belleza. Para mis tomas de vida muerta, quería ir a una imagen de producto clásica con una botella de perfume. Yo quería conseguir una toma de humor con una bonita luz de fondo para agregar algunos tonos de color extra, que podrían agregar más especia y dimensión. Trata de establecer tu tono de vida muerta antes de que estés en el rodaje real porque como verás más adelante, es un género fotográfico muy técnico, que no acepta demasiados cambios porque un pequeño movimiento te puede hacer volver a empezar todo. Además, busca referencias interesantes e intenta anotar la configuración de iluminación una vez que hayas aprendido un poco al respecto, y descubre nuevas formas de configurar tus luces. Este era mi tablero de humor para la sesión de bodegones. Este es un ejemplo de un tablero de humor profesional que hice para disparar con una modelo. Como pueden ver, preparé un documento externo para enviarlo al equipo y a la agencia para planearlo todo. y he empezado a explicar mi concepto para el rodaje, que era sobre marcas de nacimiento, cicatrices, y lo que sea que nos haga únicos y especiales. Después hice una paleta de colores en el sitio web de Coolors, que permite explorar posibilidades y definir mejor todo. Por supuesto, aquí tenemos algunos tiros y referencias actuantes. Yo quería ir juguetona ya que la modelo también es una excelente actriz y ella podría meterse en cualquier estado de ánimo que le dijera. Esta fue la modelo con la que rodamos, Cecilia. En este caso, ya que sabía quién iba a ser la modelo, pinté sobre un retrato de ella con lápices de acuarela y diseñé algunas miradas para enviarlas al maquillador, para que pudiéramos tener clara nuestra dirección creativa. Dos de mis tres propuestas lo hicieron para el rodaje final, como se puede ver en estos ejemplos. El editorial se publicó en L'Officiel. Planear todo te hará tener éxito. Como tarea, tendrás que preparar un moodboard con un concepto brevemente explicado propio, 3-4 líneas, un máximo de 10 imágenes para describir visualmente tu idea, y una descripción de ti mismo con tu portafolio o fondo. Ahora ya estás listo para aprender los tipos de iluminación que usaremos. ¡Vamos! 6. Conocer nuestra luz: En esta lección, comprenderás las diferencias entre la luz natural y la artificial. Mantendremos nuestra atención en la luz artificial y veremos luces continuas y estroboscópicas. A pesar de que pueda sonar obvio, las fuentes de luz artificiales son todo lo que no provienen de un entorno natural como el Sol o lo que sea que refleje su luz. Un estroboscópico es una fuente de luz que contiene la energía en un tubo de flash. Siempre que activamos el mando a distancia, libera toda esta energía en una sola descarga, y eso es a lo que comúnmente nos referimos como “el flash”. Podemos limitar la cantidad de potencia en el panel flash de nuestra luz para poder utilizarlos con F-stop variables. Para marcar las principales diferencias entre luces estroboscópicas y luz continua es que la potencia estroboscópica se condensa en una sola descarga de flash mientras que su luz de modelado solo funciona como una orientación de la posición. Pero no es sólo tan potente como una fuente continua dedicada. Por otro lado, las luces continuas tienen un haz de luz constante el cual a veces es modificado por reguladores. Ejemplos de estos últimos pueden ser lámparas HMI, Fluorescentes, LEDs, o Fresnel. forma independiente, todas estas fuentes de luz pueden ser duras o difusas, lo que viene determinado por la suavidad de la transición entre los reflejos y las sombras. Cuando la transición no muestra luces intermedias y mucho contraste, estamos hablando de una luz dura. Por ejemplo, mira los puntos de luz más altos aquí en Laura. Los más destacados se van a concentrar en la frente, la nariz, y la barbilla. Si observas cómo cae la luz sobre este punto, encontrarás las duras sombras que hacen de esta una imagen realmente contrastada. Pero si vemos un gradiente con reflejos, luces intermedias, y sombras más suaves, tenemos una luz difusa. Aquí en Kayla, vemos algo totalmente diferente. El tránsito es mucho más suave, aunque tenemos una luz de borde duro en su mandíbula. Vuelve a mirar las sombras y medios tonos bajo su nariz y su mejilla, y compara esa suavidad con el impacto más duro de la luz de llanta que mencioné antes. Esto puede afectar el resultado de nuestras imágenes, haciéndolas realmente contrastia o realmente más suaves. Dependerá de qué queramos lograr. Tenemos que sumar a esto la Ley de Cuadrado Inverso, que es una ley física que determina la caída o la diferencia en iluminación si movemos la fuente más cerca o más lejos del objeto. Si lo alejamos del sujeto, conseguiremos una mejor transición entre los reflejos y las sombras, mientras que si lo acercamos, obtendremos una luz más dura, aumentando el contraste. Recuerda ajustar la abertura, cada vez que mueves la luz más o más cerca de los sujetos. Podemos modificar la percepción y el efecto de la luz moviéndola alrededor del eje horizontal o vertical. De esta forma, podemos lograr resultados más intensos y dramáticos, y lo más importante, con volumen y tridimensionalidad. Este es un ejemplo de una luz de llanta, que consiste en mover la fuente en el eje horizontal para retroiluminar los bordes del sujeto. Se utiliza como pateador, una delgada línea de un resaltado en una sombra profunda para dar volumen. Si movemos la luz a una posición lateral, obtendremos una luz lateral, que tiene más presencia que un pateador pero crea un bello contraste para las formas. Este emparejado con otro en el lado opuesto es muy utilizado para la fotografía deportiva. Colocar la luz arriba creará un efecto misterioso y suspenso, que es bastante genial para alguna fotografía de moda más oscura o para añadirla al cabello claro si estás disparando belleza. Si dijiste tu luz totalmente frente a tus sujetos, perderás el contraste, pero tendrás un look más suave, y si escoges el modificador correcto, por ejemplo, un paraguas grande, puedes encender el toda la escena con sólo esta luz. Es perfecto para fotografía de moda o sesiones de prueba. Una posición de ángulo bajo ciertamente no es muy común como una configuración de una sola luz debido a su aspecto más duro. Pero puedes combinarlo con la configuración básica de belleza para hacer el efecto clamshell, que llenará de luz las bolsas de ojos y otras sombras no deseadas. Ahora, les voy a mostrar algunos ejemplos de mi propio portafolio. Aquí, se puede ver en los ojos de Amanda, la posición frontal de la luz. Como se puede ver, no está demasiado contrastado porque me gusta el look suave y quería sentir el trabajo de maquillaje consistentemente. Aquí, combino dos fuentes de luz frontales, pero una de ellas está un poco por encima de la cabeza de Axinia, suficiente para iluminar su hermoso cabello y no perder un look limpio por su impresionante piel. Con Jasmijn, mezclé tres montajes básicos. El frontal, pero un poco por encima de su cabeza, el pateador, al rebotar dos luces contra el fondo para tener una potente luz de llanta en ambos lados, y la configuración de ángulo bajo con un reflector. Se ve encantadora, ¿no? En este editorial, quería mucho contraste usando solo una luz. Fue un disparo de vibra oscura así que coloqué un estroboscópico encima de los modelos. Tienes que estudiar qué estado de ánimo quieres dar a tus tiroteos poder resolver la situación de no saber qué configuración es mejor para ti. Esto es un proceso de prueba y error, pero practica y lo harás más fácil cada vez que dispares. A continuación, te mostraré cuáles son los modificadores de luz, y cuáles de ellos son más útiles para la moda, belleza y la fotografía de la naturaleza muerta. ¡Nos vemos ahí! 7. Modificadores de luz: Los modificadores de luz serán la especia que agregaremos a nuestra luz para definir la intención y el estado de ánimo que queremos dar a nuestras imágenes. Lo esencial serán las softboxes y los octaboxes, que proyectan una luz suave y difusa, similar a la luz natural filtrada a través de una ventana. Es realmente útil para retratos o un tiro de bodegón más pictórico. El cuadro de tira es un modificador que parece un softbox regular, pero es más estrecho. Por lo que su propósito principal es usarla para definir una bonita luz de llanta y agregar esa línea de resaltado en una sombra pura. Podemos tener un efecto similar rebotando la luz contra el fondo, por ejemplo, con el siguiente modificador, el reflector parabólico. Nos dará un rayo de luz duro, y bien utilizado, puede imitar el efecto de la luz solar. Produce alto contraste, el cual puede disminuir mediante el uso de materiales de difusión. Ahora uno de mis favoritos absolutos, los paraguas. Los paraguas son uno de los modificadores más asequibles, polivalentes, y fáciles de transportar y montar que jamás encontrarás en un mercado. Se utilizan para la moda, belleza, comercial, y alguna fotografía de naturaleza muerta, excepto la fotografía de producto con productos muy reflectantes. Estos pueden tener material reflectante plateado o blanco, lo que hará que la luz sea más dura o más suave respectivamente. Podrás encontrar los más grandes por muy baratos, y puedes usarlos como modificador más resolutivo para casi cualquier tipo de trabajo. Distribuye la luz de una manera muy consistente y hermosa. Esta es la razón principal por la que me encanta tanto este. Si quieres ir un poco más específico sobre la fotografía de belleza, el Beauty Dish va a ser tu mejor amigo. Es un modificador bastante difícil de domar, pero cuando sabes usarlo, se ve increíble. Se trata de un modificador de círculo completo el cual contiene un pequeño plato metálico en su interior que se coloca frente a la fuente de luz. Por lo que funciona como una gorila ligera, distribuyendo la luz bellamente y dándole a esa belleza un look comercial que todos queremos en estas imágenes. Es más duro que el paraguas, pero más suave que los reflectores parabólicos. Y mi recomendación personal es usar una de 70cm con cubierta blanca en su interior. Un modificador poco curioso es este snoot. Tiene una construcción tubular que hace que la luz se concentre en un punto específico de un objeto. El snoot produce un haz de luz duro, que puede estar aún más enfocado con una rejilla. Y es comúnmente utilizado para el producto y en la fotografía de bodegones. Para una nota más comercial, es imposible no mencionar los scrims, que son grandes superficies cuadradas con material difusor, y son perfectas para mantener una luz suave pero contrastada sin perder consistencia. Por último, los accesorios más comunes son las rejillas de panal, que concentran la luz fundida sobre el sujeto, materiales difusores, bouncers en diferentes versiones, o filtros de color. Se pueden utilizar hábilmente para ser creativos y experimentales, y harán más fácil definir nuestra intención de iluminación, o incluso tener una luz de firma en nuestro trabajo. Cuando queremos diseñar nuestras configuraciones, la mejor herramienta para ello es la app Shot Designer. Vamos a hacer todas nuestras configuraciones con él a partir de ahora. Shot Designer es una app utilizada en su mayoría por cineastas y Directores de Fotografía para liderar a sus equipos fácilmente y tener todo organizado en cuanto a equipamiento e iluminación. Te recomiendo encarecidamente el uso de la misma porque hará que tu trabajo más rápido ya que ya lo has planeado todo antes de ir al rodaje, y puedes desarrollar alternativas si una configuración no funciona. Siempre que establezcamos una nueva escena, tendremos dos modelos por defecto, y podrás eliminarlos o agregar más haciendo clic en la opción Añadir carácter. También puedes crear tantas cámaras como necesites en la pestaña Añadir cámara. Puedes Agregar Props si vas a tener algún diseño de set y quieres decidirte más rápido, o si tienes que disparar dentro de una habitación donde no puedes mover nada dentro de ella. Puedes crear tus propios espacios agregando conjuntos. Complementario a la pestaña Props, esto te ayudará a colocar las luces con mayor precisión e incluso definir los modificadores que quieras usar dependiendo del tamaño del conjunto. El tabulador más importante, Añadir iluminación. Aquí verás una gran variedad de modificadores que pueden renombrarse y redimensionarse como cualquier otro elemento de Shot Designer. Puedes ponerlo todo cerca de la perfección. Te sugiero que agregues anotaciones y etiquetas para decir la diferencia entre modificadores, conjuntos o caracteres. Teniendo claras nuestras referencias y modificadores de luz, ahora es el momento de revisar las configuraciones de iluminación. ¡Vámonos! 8. Iluminación para la fotografía de la moda: En esta lección, cubriremos las principales configuraciones para Fotografía de Moda. En primer lugar, verás cómo hice mi preproducción en Shot Designer. Te mostraré dos configuraciones. Empezaré a añadir el modelo. Quién debería estar a dos metros del telón de fondo. Esto es importante, sobre todo para la siguiente configuración. Entonces añadiré un Octabox como mi luz clave en un ángulo de 45 grados desde el modelo y un poco por encima de su cabeza, con el estroboscópico apuntando hacia ella. Usa un Octabox grande si tienes uno alrededor y esto cubrirá todas tus necesidades, ya sea que estés disparando retratos cercanos o haciendo una sesión de prueba, lo que requerirá tomas más anchas. Por supuesto, poner un difusor en el Octabox porque queremos hacer contraste, pero al mismo tiempo, no queremos una luz realmente dura. En el lado opuesto del Octa, coloque otro estroboscópico pero cambie el modificador a una caja de tira para definir la silueta del modelo. Esta es una configuración de luz muy común porque se puede agregar volumen fácilmente y es un tipo de retrato que podría ser utilizado por las agencias para tener los libros de sus modelos más completos. Tu trabajo no estará solo enfocado en iluminar la escena, tienes que dirigir un modelo y utilizar tus referencias para obtener los mejores resultados posibles. No tengas miedo de pedirle a la modelo que replique ciertas poses, pero asegúrate de que se sienta cómoda con el trabajo que ambos están haciendo. Siempre hay oportunidad de cambiarlo todo en caso de que a alguien del equipo no le gusten las fotos y es preferible hacerlo en lugar de sentirse incómodo o con situaciones tensas. ¡ Siempre escucha a tu equipo! Cuando se trata de dirigir un modelo, nuestras referencias visuales nos ayudarán a ir en una dirección más interesante y podemos replicar esas poses por nosotros mismos para que el modelo pueda entender lo que queremos. posicionamiento de las manos y hacer que el look sea más intenso bajando la barbilla es clave para tener las mejores tomas para esto. Podríamos intentar poner la barbilla para que tengamos una actitud más desafiante, y eso es muy común en la fotografía de moda. Para hacer una recapitulación, trabaje con el Octabox como luz clave y colóquelo en un ángulo de 45 grados con respecto al modelo. Usa una caja de tira para tener una hermosa luz de llanta. No te olvides de dirigir y trabajar en equipo. Para la segunda configuración, solo usaremos una luz y un modificador, mi encantador paraguas blanco. Colócala detrás de ti y por encima de la cabeza de la modelo, pero no haciendo una configuración aérea y siéntete libre de disparar. Será la configuración más fácil que conformaremos hoy. Si experimentas con él, puedes aplicar los conocimientos de lecciones anteriores. Recuerda la Ley de Cuadrado Inverso, si quieres ganar contraste con este modificador suave, coloca la luz más cerca del modelo. Pero si también quieres encender el fondo, colóquelo más allá. Si estás trabajando en un estudio y está provisto de un soporte de luz de pluma, úsalo para mover la luz fácilmente. Si tienes la oportunidad usa un medidor de luz para aprender a hacer mediciones rápidas en campo para cambiar la configuración de tu cámara si hay algo malo o para ajustar la potencia del estroboscópico. Un medidor de luz es una herramienta que recibe luz y dependiendo de la configuración que tenga en su cámara, calculará la exposición correcta, dándole un valor de apertura. Mi recomendación es que lo configure al modo flash si está trabajando en un estudio, configure su cámara a 1/200 y 160 ISO y trate de lograr alrededor de f/8 a f/16, lo cual será perfecto para las configuraciones de moda y belleza. Recuerda, un paraguas blanco es la mejor y más asequible opción para empezar a disparar fotografía de moda. Usa un medidor de luz para asegurarte de que estás usando la potencia y los ajustes adecuados. Establezca todo en al menos 1/160 y 160 ISO. Por moda y belleza, intenta disparar entre f/8 y f/16. Aquí tienes algunos ejemplos de los resultados de mi sesión. Aquí comienza la primera parte del proyecto de clase principal. Tienes que hacer una sesión de moda, probando una de las dos configuraciones que enseñé. Y luego entregar una imagen en JPEG. Practica estas configuraciones y cuando te sientas listo, inicia la siguiente lección donde estaré cubriendo un par de configuraciones para fotografía de belleza. ¡Nos vemos ahí! 9. Iluminación para la fotografía de la belleza: En esta lección, cubriremos las principales configuraciones para Fotografía de Belleza. Esta es mi escena en Shot Designer para el primer look de belleza. Empezamos a construirlo creando el modelo y la cámara, mi 7D con la lente macro de 100mm. Después de eso, iremos a la pestaña de iluminación y seleccionaremos el Softbox, que se renombrará como Beauty Dish. Lo escalaremos y especificaremos la dimensión del modificador, en este caso, 40cm. Añadiré una luz PAR, que se renombrará como reflector parabólico. Echará la luz contra el fondo. El propósito de este reflector parabólico es soplar el telón de fondo con luz, obteniendo una luz de borde hermosa y suave y un fondo limpio. Puedes agregar otro para llenar un poco más la escena. También agregué un par de V-Flats, acaso quisiera tener más contraste con sus lados negros o llenarlo con más luz usando los lados blancos. Recuerda: el Beauty Dish debe estar siempre por encima de la cabeza del modelo y del fotógrafo. Podríamos tener una o dos estroboscópicas soplando el fondo a casi plena potencia para crear una luz de llanta en la cabeza y el cuerpo de la modelo. Podemos tener V-Flats opcionales para generar más contraste o rebotar un poco más de luz. Por último, la cámara debe estar un poco bajo el look del modelo. El primer disparo de cada look es nuestra guía para ver si hay algo que corregir. Tenemos que ser extremadamente cuidadosos con cada detalle. Tenemos que confiar en nuestro equipo y tener la suficiente confianza para decir o preguntar si necesitan echar un segundo vistazo al maquillaje, lo que reducirá mucho la cantidad de trabajo de posproducción. En cuanto a dirección del modelo y, posicionamiento de la cámara, tenemos que estar un poco por debajo de los ojos del modelo. Si bien siempre debe estar mirando directamente a la cámara o diciéndole que se levante la barbilla. Al usar el Beauty Dish, intenta posicionarlo tan cerca como el diámetro de las marcas modificadoras. Porque si lo instalamos demasiado lejos, no tendremos el look de belleza. Podrás poner un reflector plateado o blanco debajo del cuerpo del modelo, cual llenará de luz, las bolsas para los ojos y tendremos el look comercial clásico de belleza. A esto también se le conoce como el clamshell. Estos fueron mis resultados para este primer look, como se puede ver, el izquierdo fue disparado justo con la luz dura del plato de belleza y el correcto con lo parabólico y la belleza combinadas. También usé mi reflector de plata, para hacer ese efecto de clamshell en este. La forma perfecta de liderar a un equipo en una sesión de belleza es tener referencias visuales de ojos claros y diferentes looks de maquillaje. El siguiente es uno de mis configuraciones favoritas usando el paraguas plateado. Esta vez hay que cuidar la distancia entre el modelo, el fondo, y la luz. Si el modelo está demasiado cerca del fondo, podríamos generar un resultado plano con casi ningún contraste. Queremos volumen, por lo que separemos el modelo y el fondo. Pondremos el paraguas no solo por encima de nuestras cabezas, sino también apuntando al cuerpo de la modelo como si estuvieras intentando cubrirlo. Esto hará una luz más envolvente con un resultado muy consistente. Para hacer un poco de recapitulación, usa tu paraguas apuntando al modelo para cubrir todo el conjunto con luz. Establezca la distancia adecuada entre el fondo, modelo y la estroboscópica. También puedes añadir un reflector u otro estroboscópico para hacer el efecto clamshell, así como V-Flats. Dile al modelo que se levante la barbilla y trata de recortar con tu lente para hacer un poderoso primer plano. Estos fueron mis resultados usando el paraguas y haciendo equipo con un artista creativo de maquillaje para desarrollar un resultado hermoso, y usando solo una fuente de luz con un paraguas grande. Impresionante, ¿verdad? Tienes que entrenar mucho tu ojo para ser capaz de hacer estos primeros planos extremos. Pero recuerda, la práctica hace un maestro. Si la modelo tiene la cabeza demasiado baja, tendrás demasiado contraste general y ella no tendrá la luz reflejada en sus ojos. Decirle que se levante va a ser una dirección frecuente si se empieza a disparar fotografía de belleza. Ahora es tu turno de intentar disparar un look de belleza. Trabaja con un maquillador y una modelo y experimenta con una de las configuraciones que cubrí. Siempre que te sientas listo, sígueme a la siguiente lección, construiremos una configuración de iluminación para una Naturaleza muerta. ¡Vamos! 10. Iluminación para la fotografía de bodega: Esta lección va a ser sobre cómo podemos crear una toma con 7-8 fuentes de luz, pero solo con una o dos luces estroboscópicas. Sígueme y verás el truco de ello. Este es el resultado que obtuve de mi imagen de naturaleza muerta, y esta es la configuración. Como puedes ver, hay muchas fuentes de luz, pero en realidad no necesitamos estas muchas estroboscópicas. El truco es tener claro el look que queremos, y empezar a encontrar la posición para nuestro producto. Después de eso tenemos que rodar un cuadro sin casi ninguna luz, lo más oscuro que podamos. Entonces comenzaremos a agregar diferentes fuentes, luces clave, luces llanta, potenciadores de detalle, haces sutiles, una luz para el telón de fondo... Tendremos alrededor de 5-7 fotos, dependiendo de cuántas luces queramos, y las vamos a meter todas en Photoshop. Entonces va a haber un pequeño retoque apilable para mezclar todas estas luces en una sola imagen. Claramente, esta es la más dura de todas las configuraciones que estamos cubriendo hoy. Esto requiere ser preciso y cuidadoso, ¡ así que vamos a entrar en ello! En primer lugar, te recomendaría que montes tu botella y una tabla reflectante en un trípode robusto. Encuentra la altura y la colocación final de la botella, y luego usa un poco de un material adhesivo como Blu-Tack para pegar el objeto al tablero. No queremos que se mueva en absoluto. Una vez que hayamos hecho esto coloca la cámara, intenta ponerla a la misma altura que la botella, al menos para empezar, y fija tu posición en un trípode. Ten cuidado con moverlo una vez que esté configurado también, ya que mencioné que vamos a apilar algunas fotos en post. Ahora la parte divertida, iluminando la escena. Coloca un fondo con un cartón negro y detrás él coloca un estroboscópico con un Softbox rectangular. El cartón no va a funcionar sólo como telón de fondo pero también va a funcionar como bandera. En fotografía y cinematografía una bandera es un objeto que bloquea luz y eso es precisamente lo que vamos a hacer con el estroboscópico detrás de ella. ¿ Por qué? Porque de esta manera dividiremos esta luz trasera en dos hermosas luces de llanta. Te recomiendo usar un control remoto del obturador o el temporizador interno de la cámara para evitar todos los movimientos posibles o sacudidas que pudieras hacer accidentalmente. Una vez que hayas disparado a éste, aléjate el cartón negro y vuelve a disparar. ¿ Alguna vez has hecho una máscara en Photoshop? Esta es la forma manual de hacerlo y esto facilitará el retoque, y el proceso de apilamiento porque vamos a procesar la imagen sin comprometer el resto de la misma. Una vez que hayamos resuelto esto, pasemos a las otras fuentes. El siguiente sería nuestra luz clave, que es un estroboscópica con el Softbox que usamos antes pero en un ángulo de 45 grados con respecto al objeto, cubriendo su altura, intenta disparar cubriendo parte del Softbox con otra bandera si quieres conseguir una luz pareja dependiendo de la botella. En este caso, necesitaba eso, así que cubrí diferentes áreas para ver cuál funciona mejor. Ya tenemos tres fotos, vamos por la siguiente. Coloca otro estroboscópico al lado opuesto de la luz clave y usando una caja Strip, vamos a encender un poco más de la botella y sobre todo la tapa. Como puedes ver, estamos iluminando los objetos de forma individual y podemos hacerlo con una sola luz pero recuerda siempre ser precisos para que nuestro truco funcione mejor. Cuatro fotos hechas, vamos con la quinta. Como puedes ver, no podemos ver el logotipo, pero usando el mismo estroboscópico con un snoot vamos a resolver este problema. Un snoot es un modificador que concentra la luz en una parte específica, y lo señalaremos directamente al logotipo de la marca. Pero como se puede ver, no obtenemos todo cubierto de la misma manera. ¿ Cómo arreglamos esto entonces? Toma un trozo de cartón blanco y colócala debajo del logo. Dispara tantas veces como necesites mover el cartón hacia arriba y hacia abajo para obtener toda esta parte cubierta de luz, sé paciente y lo tendrás. Y la sexta y última imagen: Coloca un estroboscópica debajo del trípode, que sostiene la botella, y usando el reflector parabólico señalándolo al fondo. Esto creará una viga como las que tenemos en nuestras referencias y podemos convertirla en cualquier color que queramos. ¡ A lo mejor deberíamos probar un bonito morado en él! Usé una rejilla en ella para concentrar un poco más la luz pero esto no es totalmente necesario. Para hacer un poco de recapitulación, primer lugar, ser paciente y no se apresure. Esto es muy técnico, pero estoy seguro que serás capaz de obtener un resultado increíble. Sé delicado moviéndose alrededor de la cámara o de la base del objeto. Prueba diferentes modificadores, experimenta con ángulos de cámara, y lo más importante, ¡no tengas miedo de las estroboscópicas! Banderas y tablas de rebote van a ser tus mejores amigos aquí. Para el proceso de retoque, seleccioné mis tomas favoritas, las exporté y las metí a Photoshop. El clave para esto es usar las máscaras, invertirlas y pintar sobre la imagen base que desee. Por lo que paso a paso, estarás agregando más fuentes de luz a tu imagen. Para el logotipo que he reemplazado, el que se encendió con el snoot creando una máscara con la Herramienta Pluma (P). Hice una máscara de recorte lo más refinada que pude con solo seleccionarla, invertirla, y al instante obteniendo el logotipo que quería. ¿ Recuerdas la imagen de máscara manual? Aquí viene. Una vez que hayamos resuelto la iluminación del logotipo, podemos seleccionar y refinar nuestra imagen utilizando la herramienta Selección rápida de Photoshop pulsando “W”. Crea una máscara a partir de ella y reemplaza las máscaras invertidas en el resto de las imágenes. Con la herramienta Pincel, limpia algunos bordes y detalles que quieras borrar. Por cierto, al enmascarar la botella no te olvides de hacer el mismo trabajo en su reflexión. último pero no menos importante, quiero voltear a morado el haz de luz en el fondo. Creo que puede crear un bello contraste. Con el Ajuste Selectivo de Color podemos convertir este gris en un potente morado enmascarando el haz de luz. Aquí tienes de nuevo los resultados. Como puedes ver, también filmé una con un ángulo de cámara diferente. Espero que te gusten mucho! Ahora es tu turno, practica esta configuración con algo que tienes alrededor y crea una hermosa escena componiendo capas de luz. En la siguiente lección, veremos cómo trabajar en color y realzar el aspecto de nuestro trabajo. ¡Vamos! 11. Colorear nuestras fotos: Esta lección cubrirá mi proceso de preparación de las imágenes en Capture One para tener la edición de color más cercana para el resultado final. Lo que prefiero ajustar al principio son los parámetros de exposición. Los puedes encontrar en la pestaña Exposición de Capture One. Dentro de ella, veremos una gran cantidad de controles como Exposición, Contraste, Brillo, y Saturación. Con la Exposición, sobreexpondremos o subexpondremos nuestra imagen si necesitamos compensar nuestro disparo inicial. El contraste aumentará o disminuirá la transición entre reflejos y sombras. Si lo tiramos hacia abajo, obtendremos más luces medias y lavaremos un poco las sombras. Pero si lo tiramos hacia arriba, tendremos reflejos y sombras más fuertes. El Brillo aumentará la potencia de los reflejos, pero ten cuidado, aumentar el Brillo no es lo mismo que aumentar la Exposición. Cuando aumentamos la Exposición, estamos modificando la intensidad general de iluminación, pero con el Brillo, solo estamos ajustando los reflejos. Una imagen brillante no es lo mismo que una sobreexpuesta. La saturación definirá la señal de color final de nuestra imagen. Si lo disminuimos por debajo de cero, la imagen perderá color. Si alcanzamos valores superiores a cero, nuestra señal de color será una más fuerte, más vívida. Todos estos controles deben modificarse a la ligera. Capture One tiene la ventaja de dejarte cambiar cualquier cosa haciendo correcciones sutiles, así que intenta no sobreeditar. Tenemos que cuidar nuestras técnicas de iluminación, pero también debemos hacer lo mismo con nuestro proceso de coloración. En la Tab Alto Rango Dinámico, podremos editar la intensidad de los reflejos y sombras de una parte específica de nuestra imagen, así como los tonos blanco y negro. Con la Claridad, puedes suavizar la textura de la piel al usar un valor negativo. Bueno, mejorará algunos detalles si le das un valor positivo. Es especialmente útil para pecas, cejas, cabello, y otras texturas interesantes. A continuación encontraremos el parámetro Estructura, que definirá un poco más las líneas de las formas dentro de nuestra imagen. Funciona similar a un Filtro de Paso Alto. Para modificar los tonos claros y de color, tendremos las Curvas y los Niveles. Pero el que prefiero usar es el control de curva. Yo estoy acostumbrado y me resulta más fácil. Se pueden disminuir los tonos de color dominantes para corregir su imagen general. Si, por ejemplo, se ve más verde o rojizo de lo que debería ser, entonces modifique la exposición en los controles Color y Luma. Experimenta con él y encuentra tu manera de trabajar con ellos. Sugiero comenzar por hacer estas clásicas correcciones en forma de S, que normalmente funciona bastante bien. En la pestaña Color, encontraremos Ajustes de Balance de Blancos en caso de que quieras refinarlo un poco más, y las Ruedas de Color, que pueden afectarte de manera general con el Control Maestro, pero también se pueden dividir en tres ruedas; Sombras, tonos medios, y Highlights. De esta forma podrás teñir con color los diferentes tipos de luz de tu imagen. Una de mis configuraciones de color preferidas es el control blanco y negro, que permite cambiar la intensidad de cada tono de color individualmente, bajando, o aumentando su potencia de luz. Puedes crear un fuerte contraste de blancos y negros con estos, y es realmente divertido hacerlo. Además, puedes dividir tonos en la parte superior junto a ella. Que cambian el color de las luces y sombras con los paneles de tonalidad y saturación. Por último, un truco divertido que siempre me gusta mostrar. Puedes cambiar de color usando una máscara selectiva, y créanme, esto es bastante impresionante. Vaya a la pestaña Capas y cree una Nueva Capa de Ajuste Vacío. Después pulsa “B” para seleccionar el pincel y pintar donde quieras cambiar el color. Si no puedes ver nada, pulsa “M” para mostrar la máscara que has pintado. Como verás, no necesitamos pintar de la misma forma exacta, pero podemos pedirle a Capture One que lo haga. Ve a la capa en la que estás trabajando, haz clic derecho sobre ella y selecciona “Refinar máscara”, y se adaptará a la forma sobre la que has pintado. Entonces, estás listo para jugar con cualquier cambio de color o luz. Genial, ¿no? Ahora, para exportar la imagen, asegúrate de haber seleccionado la receta correcta, configurando la salida en TIFF, 16 bit, y 300 PPI. Haga clic derecho en las imágenes que queremos exportar, presione, “Exportar variantes” y voilà. Con algunos pequeños toques, tendremos nuestra imagen lista para exportar. Al usar Photoshop para la belleza y la moda, podemos encontrarnos en un par de situaciones que necesitamos arreglar. Por belleza, tal vez necesitemos borrar un par de espinillas o algún cabello que no debería estar ahí. Para las espinillas, me gusta usar la Herramienta Parche. Lo puedes encontrar presionando “J.” Si alternas las opciones de esta herramienta, encontrarás mi primera opción a la hora de borrar cosas delgadas. El pincel de curación de manchas herramienta. Recuerda, no retoques demasiado. Lo mejor que se puede hacer es simplemente borrar las cosas temporales y no modificar el modelo a un punto exagerado. Para situaciones como la que vemos en esta imagen, podemos borrar los modificadores del fondo con la misma Herramienta Patch y agregar las piezas de fondo que necesitamos con la herramienta de sello clon. Si deseas tener un proceso de clonación perfecto, utiliza la Herramienta Pluma para seleccionar dónde quieres trabajar. Cada vez que utilices la Herramienta Clon Stamp, solo afectará esa área. Experimenta con el color y comparte tus ediciones aquí con nosotros. En la siguiente lección, estaremos terminando y haciendo un pequeño recapitulación antes de que empieces a hacer tu proyecto. ¡Ven conmigo! 12. Reflexiones finales: ¡ Enhorabuena por terminar la clase! Espero que lo hayas encontrado interesante y hayas aprendido mucho. Para hacer un pequeño recapitulación, cubrimos cómo buscar las mejores referencias artísticas, cómo crear un tablero de humor, y cómo iluminar diferentes escenas, teniendo en cuenta las diferencias esenciales entre luz dura y difusa, luces continuas y estroboscópicas, y cómo funcionan los modificadores. Además, creamos tres cuadros; uno para la moda, otro para la belleza, y el último, una composición de naturaleza muerta. Estoy muy emocionado de ver lo que has hecho. No olvides compartir tu trabajo aquí y en redes sociales, y etiquetarme para que pueda pasar por lo que hiciste, y hacerte saber lo que pienso. La fotografía es un poco de éxito y falta, pero estoy seguro que encontrarás tu camino si tienes todo claro. En fin, si tienes alguna pregunta, siéntete libre de dejarlas abajo. Gracias por asistir a esta clase, y espero volver a verlos a todos pronto! ¡Adiós!