Transcripciones
1. Overview Edit: Hola amigos míos, bienvenidos
a mis fundamentos de videografía y curso de
cine, que son instructores todos los
jóvenes de sangre Williams. Y en el discurso estaré
discutiendo composición, color,
exposición, iluminación, software de
edición, cámara, y equipo de audio
y consejos de grabación. Pero antes de
comenzar este curso, asegúrese de responder el
cuestionario en consecuencia. Y también estar al pendiente de cuestionarios al final
de una sección que te
dará para ver si
realmente captas la información
que estoy enseñando. Muy bien, Y por cierto, asegúrate de dejarme una reseña
y también calificar este curso. Ya sabes, la ruta soda. Sabré que si este curso, esto en realidad te está
ayudando o no. Ahora, comencemos el curso.
2. exposicion: Entonces primero lo primero
vamos a hablar de ISO. Entonces básicamente lo que es ISO, la
sensibilidad de las cámaras a la luz. Y cuanto menor sea la ISO, más oscura y nítida va a ser
tu imagen. A mayor el ISO,
más brillante y ruidoso, o denotar ruidoso va a ser tu
imagen, que se llama
ruido digital o grano. Y entonces, sí, te va a ayudar a
compensar la falta de iluminación, pero va a
tener un costo y tus imágenes salen con
mucho ruido digital. Y no hay forma de que puedas arreglar esto en postproducción. Entonces, lo que te
aconsejaría hagas es disparar a
la apertura más baja, no a la apertura más baja, al
ISO más bajo para una imagen más nítida. Y quieres asegurarte de que tu iluminación esté a
punto para que puedas evitar tener que
subir la ISO tan alta para compensar la
falta de iluminación. Entonces como puedes ver
con las imágenes, cuanto más brillante
vayas con el ISO, más grano
es y el tiro y simplemente no va
a quedar agradable. Va a parecer
amateurish y muy, muy, muy poco profesional. Y cuando empiezas a reservar
clientes y ellos empezaron a ver todo eso es ruido
digital e imagen. Ellos van a estar
menos que contentos. Por lo tanto, desea
asegurarse de obtener su
iluminación en el punto desde el principio antes de
comenzar a encender la ISO. Porque sé que es muy tentador porque la imagen se está volviendo cada vez
más brillante y más brillante, pero tu imagen va
a recibir hola granulada. Así que asegúrate de evitarlo
a toda costa. Bien, así que
lo siguiente de lo que vamos a hablar es de apertura. Y básicamente lo que es es una abertura en la lente en la
que
pasa la luz para golpear el sensor. La apertura se mide en f-stops, como se puede ver en el gráfico. Entonces, cuanto menor sea el f-stop, mayor será
la apertura
y mayor será la apertura, eso significa que se puede
permitir que más luz golpee el sensor. Pero como puedes ver, medida que obtienes f-stops más altos, hace una apertura más pequeña, lo que significa que menos luz
golpea el sensor. Y así cuando estás filmando al aire libre por la noche,
que es un consejo profesional ahí, te
voy a decir es
que necesitas disparar a la apertura más baja. No se sabe. ¿ Por qué escribí la apertura
más baja? Ni siquiera sé
por qué escribí eso. Eso es un errata. Pero de todos modos, ya
sabes, quieres asegurarte
de disparar
al f-stop más bajo que puedas, que
puedas permitir que más luz paraque
puedas permitir que más luzgolpee el sensor para que no
tengas que estar arrancando el
ISO como yo hablé. Porque esto, junto con ISO y obturación y la velocidad
de fotogramas afectan su exposición. Entonces eso es más
como un
cuadrado de exposición que como un triángulo de
exposición. Y también una cosa a tener en cuenta con tu apertura es que cuanto mayor sea
la abertura, más superficial, la
profundidad de campo. Y esto básicamente significa que tu tema va
a estar en foco, mientras que todo lo demás en el fondo
va a quedar borroso. Mientras que si tienes
una abertura más pequeña, eso significa que vas a tener una profundidad de campo profunda, que significa que
cada cosa dentro del marco
va a estar enfocada. Entonces quieres
tener esto en mente. Y también otra cosa
importante a tener en cuenta que afecta la exposición
es la velocidad de obturación. velocidad
de obturación es el tiempo que una película o sensor
digital dentro de la
cámara se expone a la luz. Cuando un obturador de cámara está abierto, el obturador a través de cámaras
sirve para dos propósitos para cambiar el brillo de tu imagen y congelar la acción
de la acción de desenfoque. Y como puedes ver
en las imágenes, cuanto menor sea
la velocidad de obturación, más desenfoque de movimiento
tendrás dentro de tu toma. Y también va a
alegrar tu imagen. Pero cuanto mayor sea la velocidad de
obturación, más descenso se congela en un tono más oscuro obtendrá
tu imagen. Y entonces debes tener
esto en cuenta en pocas palabras,
una velocidad de obturación más baja
creará desenfoque de movimiento, y una mayor velocidad de obturación
congelará tu acción. Y también otra cosa
que a tener en cuenta que afecta tu exposición es la fotogramas de
tus cámaras en la
que estás filmando. Y la velocidad de fotogramas es la
frecuencia a la que aparecen imágenes
consecutivas en una pantalla. Y se mide una velocidad de fotogramas
en fotogramas por segundo o FPS, modo que cuando estés
pasando por tus
cámaras, ajustes de cámaras,
vas a estar viendo los diferentes tipos de opciones de resolución
y su velocidad de fotogramas. Entonces vas a ver luz solar
diez ADP, Veinticuatro p, o como diez ADP, ATP o ADP seis dp. Y básicamente lo que
aunque significa 243060 p es los fotogramas por segundo
o su velocidad de fotogramas. Soda,
las velocidades de fotogramas más comunes son 24 FPS, 30 FPS, 60 FPS
y 120 FPS, que es un estándar NTSC, que significa comité estándar de
televisión nacional, y es la transmisión
estándar para Norteamérica. Al igual que países como Estados
Unidos de América, Canadá, y creo que México tiene que NTSC Recording Standard. O si vives en países europeos, australianos o asiáticos. Y tu
estándar de transmisión va a ser PAL o Phase Alternate Line, que filma a 25 FPS, 30 FPS y 50 FPS. Si intentas filmar en el estándar PAL en
América y viceversa. Tu video o película va a verse muy turbia y distorsionada. Entonces quieres asegurarte que si vives
en Norteamérica, filmes a 24 FPS y 306120. Así que evita tener problemas
más adelante en la posproducción. Un consejo profesional aquí es que
para obtener un movimiento suave
en tu video, quieres asegurarte de que tu velocidad de obturación
se
duplique tu velocidad de fotogramas. Entonces estás filmando a
24 fotogramas por segundo. Necesitas poner tu velocidad de
obturación en 148 de segundo o
150 de segundo. Porque sé que
muchas cámaras,
sobre todo esas cámaras de nivel de entrada, solo van más bajas a 1
quinta y no a 148. Así que tenlo en mente. No te asustes. Si
no ves el 148. Si estás filmando a 30 FPS, quieres filmar
a 160 de segundo. Y con tu velocidad de obturación, si estás filmando a
60 fotogramas por segundo, quieres
asegurarte de subir tu velocidad de obturación a
120º de segundo. Y notaré
bono ahí también. Si estás filmando a 240 FPS
, asegúrate de filmar a
1 480 de segundo. Creo que eso es lo que es. Si filmas el 120 de
segundo, si sientes Mel, 120 FPS,
quieres asegurarte de que filmaste
a uno sobre 40 es de segundo. Así que ten en cuenta, no importa a
qué velocidad de fotogramas filmes, debes asegurarte de
que tu velocidad de obturación sea exactamente el doble de
tu velocidad de fotogramas para crear un movimiento suave. Porque otro, en otras palabras, va a crear
ese movimiento entrecortado en tu toma y
no quieres eso. Y así 24 FPS es prácticamente el estándar de la industria para
camarógrafos y cineastas. Y esta es la
velocidad de fotogramas que se graba en la mayoría de las películas de
Hollywood. Y esto se considera
el look cinematográfico. Y una razón por la que mayoría de los cineastas
y camarógrafos filman a esta velocidad de fotogramas en
particular. Porque las películas, el stock de
películas en ese entonces no eran baratas. Y los proyectores
reproducen películas a 24 FBS Independientemente de la
velocidad de fotogramas en la que grabaste. Entonces tiene sentido que
filmes en esta velocidad de fotogramas. Y porque es rentable, y la mayoría de los proyectores filman eso,
esa velocidad de fotogramas, filman esa
velocidad de fotogramas en particular en ese momento. Y creo que en las salas de
cine que siguen filmando en los 24 FPS. Fps del que quiero hablar
es de 30 fotogramas por segundo. Y esto es más común para la
televisión y las transmisiones que funcionan para streaming porque
introduce ese movimiento suave. Hablando de movimiento suave, si quieres una
emoción suave en tus videos, quieres usar esta velocidad de fotogramas. Y sí, puedes usar esto
para filmar tus películas también. A pesar de que
no es el estándar, puedes seguir adelante y
romper las reglas de todos modos y filmar a esta velocidad de fotogramas en
particular. No hay reglas establecidas y el
mundo de la tuberculosis y el cine, pero ten en cuenta
que si te estás preguntando cómo
rayos que estos programas de
televisión y
transmisiones deportivas y
noticiosas como
tales, movimiento suave. Es porque
están filmando a
esta velocidad de
fotogramas en particular aquí mismo. Por último, pero no menos importante, 2060 o más
cuadros por segundo. Y nuevamente, esto se usa en trabajo
televisivo con noticieros, transmisiones
deportivas, telenovelas como El
Joven y el Inquieto, que sigue pasando hasta el día de hoy que se está filmando
desde que era pequeño. Hombre que se muestra
yendo, yendo genial. Pero de todos modos, no
venimos aquí a hablar eso cuando
hablamos de 2060 FPS. Entonces los programas de entrevistas se filman en esto y las transmisiones en vivo se
filman a esta velocidad de fotogramas Entonces, si alguna vez has
visto un video en vivo en, digamos como Instagram o Facebook Live o
YouTube o Twitch. Está filmando a 30
o 60 FPS. Y así se utilizan velocidades de fotogramas de 60 FPS o superiores
para grabar videos en cámara lenta. Entonces, si te estás preguntando cómo esos cineastas
obtienen esos disparos sedosos y
suaves a cámara lenta, más probable es que estén filmando
y al menos 60 fotogramas por segundo o más para
que puedan lograr
esamirada a cámara lenta. Entonces, si estás buscando
implementar más trabajo en cámara lenta en
tus videos y películas, definitivamente
quieres
considerar filmar a 60 FPS o superior. Ni siquiera pienses en
intentar hacer
cámara lenta a 30 fotogramas por segundo o 24
porque solo va a parecer todo raro e
incómodo y esas cosas. Entonces, sí, eso es prácticamente todo para esta sección del curso. Y en la siguiente sección, voy a estar hablando composición
o iluminación. Así que estén atentos.
3. Composición: En el primer disparo que se
quiere tener en cuenta es el tiro largo extremo, que también se conoce el
conocido como un tiro extremo ancho y
un disparo establecedor. Entonces, básicamente, el propósito
de esta toma es
mostrar al sujeto desde la
distancia y estableciendo, ahí el nombre
que establece el disparo, donde tiene
lugar la escena. En esta toma. Solo hay que tener en cuenta que
el personaje
no tiene que mostrarse
en una toma en absoluto. Y en muchas
producciones hollywoodense e incluso independientes, ese personaje no se muestra
en la toma en este caso. Y una posibilidad remota, que
también se conoce como un plano ancho, es que muestra el
tema de arriba a abajo y se puede ver
al personaje con
más claridad que un tiro largo
extremo. Y la escena sigue siendo más
dominante que un sujeto. No obstante, a pesar de que el
sujeto se muestra más en la toma y la toma pone al sujeto en
una escena junto. Y otro tipo de disparo a tener en cuenta se llama el tiro completo. En los cuatro fotogramas, el personaje de pies a cabeza, mientras que en un sujeto
llena más del marco. Pero sin embargo, la escena sigue siendo, el más dominante es
aún más dominante en una toma misma
que en un personaje. Y esta toma enfatiza la
acción y movimiento por debajo visto más en el
sujeto, en el disparo. Y un tiro medio-largo es un
cruce entre un tiro completo y un tiro medio y básicamente se muestra el tema para bien. Al igual que con el señor
que se muestra en la fotografía. En una toma de vaquero fue una toma que fue acuñada de películas
occidentales. Y esta toma fue la más
utilizada en los westerns mientras que fueron populares desde los
cuarenta
hasta alrededor de los sesenta
y setenta. Y este encuadre, y
éste está enmarcando al sujeto desde la mitad de los muslos hasta la
escopeta enfundió su disparo, especialmente durante
esas
escenas de enfrentamiento de armas en esas películas occidentales e incluso en los videojuegos occidentales. Y un tiro mediano enmarca al
sujeto de la cintura para arriba. Y esta es una de
las tomas más comunes ven en las películas
porque se enfoca en un tema a la vez que muestra el entorno
al mismo tiempo. Entonces vas a estar viendo esto. Y la mayoría de Hollywood y producciones
independientes. Y un primer plano medio es el más utilizado en
las transmisiones de noticias. Entonces, si ves una transmisión de
noticias, vas a estar
viendo este tipo de composición la mayor parte
del tiempo y básicamente son fotogramas como tema desde la mitad del pecho
hasta la parte superior de la cabeza. Y una toma de primer plano. Esta toma realmente resalta la profundidad de campo de la
que estaba hablando. Entonces, cuando estás filmando a
una apertura más baja, una menor, conozco una apertura mayor, pero un F-stop más bajo va
a mostrar esta poca profundidad, el campo donde el
fondo está borroso, donde como sujeto
está el foco principal. Y básicamente una toma de primer plano es que la mayor parte del marco se llena
con la cabeza del sujeto. Y su toma es realmente utilizada para mostrar las emociones del
personaje y también para mostrar lo que es más
importante en la escena. Entonces con eso
dicho, quieres ser,
quieres usar unas tomas de
primer plano muy,
muy escasamente para mostrar solo lo que es más importante en la escena y lo que va
a agregar valor a la tienda. Y no solo estás
usando primeros planos, solo usa primeros planos a menos que esa sea una elección
estilística por tu parte. Por supuesto, no estoy aquí
para decirte qué hacer porque van a ser tus videos y películas
al final del día, realmente no
hay reglas en
video o película alguna. Para que puedas seguir adelante
y romper todas estas reglas si así lo eliges. Y un primer plano extremo
pone énfasis en un área específica de un sujeto
como el ojo se muestra aquí. Entonces definitivamente quieres
usar primeros planos extremos. Y esto no es
más que una sugerencia. Esto no es ley, es mostrar a los
sujetos emociones en sus ojos a donde
los ves aparecer y esas cosas. Y una
toma de ángulo alto es un campamento es cuando la cámara se inclina
hacia abajo hacia el sujeto. Y esto es principalmente para
demostrar que el personaje es débil y pasivo
y extremadamente, extremadamente asustado de
lo que les espera. Y una toma de ángulo bajo
es una toma que inclina hacia arriba hacia el sujeto, lo que significa que si
vas a usar una toma de ángulo bajo, básicamente
estás
mostrando a la audiencia que el sujeto es muy potentes y cómodos en su propia piel y listos
para asumir un reto. Entonces, usa este tipo de composición de tomas para demostrar que el tema es
muy, muy poderoso. En un ángulo holandés, también conocido como
el ángulo cantón es un disparo que se inclina
sobre su acceso de rol, lo que significa que la
línea del horizonte no se nivela. Y una toma se utiliza para
crear una sensación de malestar en el personaje o para mostrar a una facilidad y para crear una facilidad
en el público también. O para demostrar que el
tema está drogado o borracho. Por lo que más comúnmente tendrás
CDs en películas de terror o escenas donde el personaje es extremadamente, extremadamente
incómodo. Y, uh, una de las tomas
más comunes para las escenas de
diálogo son las tomas sobre
los hombros. Y por encima del hombro
disparado ya que un sujeto es disparado por detrás del
hombro de otro sujeto, ahí el nombre sobre
el tiro de hombro que muestra al otro sujeto
en un plano medio de primer plano. O en este caso,
ves a Harry Potter y un primer plano desde sobre los hombros de
Voldemort. Y enfatizó las conexiones
entre el personaje más que una sensación de aislamiento
que provocan los disparos individuales. Y a vista de pájaro tímida. Serás más comúnmente
CDs en las películas de Hitchcock. O si estás viendo como
digamos una película de acción, verás un disparo bastante a
vista de pájaro. Y este disparo es superado
desde un tope, se toma aquí
desde la distancia. Y el público
obtiene una visión más amplia del entorno
en
el que se mueve el sujeto y revela los elementos fuera de
la conciencia de los personajes. Y la única manera de
lograr este tipo de tiro es ya sea en una grúa o un helicóptero porque de manera
anal vas y haces esto a pie.
Simplementeno hay manera. Un
tiro de punto de vista es básicamente solo que se dispara desde el punto de vista del
personaje. Y esto estimula al
público a decir lo mismo desde la perspectiva del
personaje. Ejemplos de esto es el
personaje que mira a través binoculares a la deriva dentro
y fuera de la conciencia. Están caminando o están
despertando de un sueño profundo. Y luego establecer
tiro como un asco es muy similar a un tiro largo
extremo. Y suele ser la primera
toma en la escena o la película para establecer la
ubicación en el entorno. Y establecer tomas
le da una idea a una audiencia. Ya sabes, eso es un
errata ahí mismo. Y luego el lunes, esto le da al público una idea del
estado de ánimo y una hora del día de la escena y el
establecimiento de tomas tienden a ser
tiros largos extremos o planos largos. Así que definitivamente quieres
usar tomas de establecimiento
a tu favor para darle a la audiencia una idea de dónde estás viendo tiene lugar. En una toma de dos es básicamente sólo que dos sujetos
dentro del mismo fotograma. Esta toma se
usa comúnmente entre entrevistas, o también puedes usarla en escenas de
diálogo. Pero solo hay que tener en cuenta
que este tipo de composición o toma se
utiliza en las entrevistas. Y un corte en toma es básicamente un primer plano de lo que ya hay
en la escena para ponerse. ¿ Sabes que el
editor corta en una toma en particular
que está en la escena, ahí el nombre cut and shot? Puedes empatar en esta toma
con la
toma de punto de vista para mostrar al público lo que
está mirando el personaje. Digamos que el personaje
busca no avisarle a alguien
corriendo hacia él. Vamos a ver
un corte en la toma de alguien corriendo hacia ese personaje y
el personaje, podemos volver al
personaje enloqueciendo y ellos pueden decidir
correr ellos mismos también. Simplemente echando eso por
ahí como ejemplo. Y por último pero no menos importante, para terminar
esta conferencia son los planos recortados. Entonces esto es exactamente
lo contrario de un corte y disparo. Entonces, una toma recortada está
mostrando algo más que mostrar algo
que no sea el tema que está
lejos de la escena principal. Y a este corte le sigue un
corte de vuelta al primer disparo. Y puedes usar esto en la edición solo como un consejo profesional
para evitar cortes de salto. Así que una toma recortada es la mejor
efectiva cuando estás mostrando lo que no es el
tema en la escena principal. Así que eso prácticamente cierra
esta sección del curso. Entonces ojalá que
ustedes hayan aprendido mucho. Si ustedes tienen alguna
pregunta que hacerme,
asegúrese de enviarme un correo electrónico a
ocho producciones de leche en gmail.com y
asegúrese de calificar y revisar este podcast,
no este podcast. Asegúrese de calificar y revisar este curso hasta el momento para que
pueda obtener una retroalimentación clara sobre qué es lo que está funcionando y en qué es lo que
necesito trabajar cuando cree todos
mis cursos en el futuro. Sé lo que es una línea de enfoque. Bien, te veré
en la siguiente sección.
4. Iluminación 2: Entonces, ante todo, ¿por qué es importante la iluminación
en primer lugar? Bueno, por una cosa es segura es que la iluminación
puede hacer o deshacer tu calidad de imagen y una mala
iluminación dará como resultado una imagen granulada u oscura como resultado de
que tengas una manivela, tu ISO, como hablé en el aspecto
de exposición de este curso. Y establece el ánimo de la película y establece
una película de género. Y una buena iluminación aumenta
la nitidez de tu imagen. Entonces, si quieres, si
te estás preguntando cómo esos directores de fotografía
y camarógrafos tienen imágenes crujientes. Su iluminación estaba en el punto, y la mala iluminación hará que el proceso de edición sea
largo o innecesario. Si un disparo no es utilizable, tendrás que programar
tiempo para volver a disparar, lo que
te va a costar más dinero con tu presupuesto y perder el
tiempo a largo plazo. Y así el primer aspecto
de la iluminación ahora del
que quería hablar
es la iluminación natural. Y la iluminación natural
es básicamente iluminación que
viene del sol, que es bastante
autoexplicativa. Puedes filmar al aire libre o en interiores junto a una ventana para
obtener iluminación natural. Pero sin embargo, las desventajas de la luz
natural es que depende de las condiciones climáticas y cambia constantemente, sobre todo si vives
aquí en Houston donde yo vivo, el clima cambia como ropa interior y la
iluminación natural es muy inestable, así
que quieres tenerlo en cuenta la próxima vez. Quieres empezar a
filmar al aire libre. Y un consejo profesional para obtener imágenes
muy cinematográficas con luz
natural es
filmar a la hora dorada, que es entre las
cuatro PM y las 730 PM. Y va a dar a tus imágenes esa iluminación suave y
va a hacer que tus imágenes se vean tan, así que, así que vayan chicos guapos, te
estoy diciendo filmar
a la hora dorada. Y te sugiero que si
tienes una cámara
encendida, deseas tener tu teléfono
inteligente en ti. Entonces aquí no hay excusas. Ve a filmar a la hora dorada y verás de lo
que estoy hablando. El siguiente tipo de
iluminación del que quería
hablar es la iluminación de estudio, que también se conoce como iluminación
artificial. Esta configuración de iluminación se
logra mediante el uso de luces LED, prácticas, luces de cara abierta, luces fluorescentes y
amigos todas las luces. Y una ventaja de esto es que
puedes controlar qué tan brillantes son
tus luces. Te buena posición a
ellos donde necesites,
para lograr el aspecto que deseas, cambia el color, la temperatura, y no tienes que
preocuparte por el clima porque la iluminación
es muy, muy, muy constante y se
puede filmar esto en días de mal tiempo
o días de buen tiempo. Pero las desventajas de ello es,
es que había que comprar
o alquilar las luces para utilizarlas y el equipo de iluminación. Seamos sinceros, es
muy caro. Entonces te va a
lastimar los bolsillos al principio. Pero puedes preguntarle a un
amigo de la industria si puedes pedir prestadas algunas luces. Y aquí es donde entra en juego el
networking. Si te falta dinero en
efectivo e incluso puedes permitirte como esos pequeños veinticinco dólares
baratos. Luces led. Simplemente dale a uno de tus amigos
cineastas y pídeles que
tomen prestadas sus luces
y será más que probable que te las
dejen prestadas. Y esta es la configuración de iluminación más
básica que debes dominar y
tener en tu bolsillo trasero. Si nada más, es el sistema de iluminación de
tres puntos. Y el sistema de
iluminación de tres puntos es un método de iluminación que todo camarógrafo
y cineasta debe, debe, debe dominar
de nada más. Y esta iluminación, porque configuración
de
iluminación consiste en la luz clave, que está aquí, la luz de relleno, y luego
tienes tu luz de fondo. Y ten en cuenta que tu luz
clave es tufuente
de luz principalmás brillante fuente
de luz principal que va a
iluminar tu sujeto. Y entonces una luz de relleno
está más o menos
ahí solo para rellenar las
sombras para tu sujeto. Y luego la luz de fondo aquí
mismo se usa para hacer que tu sujeto salga
del fondo y cree una toma
más tridimensional. Y entonces aquí mismo
tienes iluminación de bajo perfil, que también se conoce como iluminación
de alto contraste. Y como pueden ver, la fuente de
luz
viene del lado izquierdo del rostro
del sujeto, que es la luz clave. Esa configuración de iluminación
se usa para crear sombras
fuertes y para
crear un estado de ánimo dramático. Y las películas más comunes en las que se
utiliza
esta configuración de iluminación como películas de drama, películas de
terror,
películas de acción y thrillers. Entonces, si planeas hacer
películas en cualquiera de estos géneros, quieres usar iluminación de alto
contraste para transmitir tu punto de vista. Y por último pero no menos importante, la iluminación
de teclas altas. Y esto se conoce como iluminación de
bajo contraste. Mientras que tienes una luz clave, una luz de relleno, y a veces
incluso una luz de cabello, como puedes ver en los poros, parte de esta parte
de la fotografía está haciendo que un sujeto salga
del de fondo y se ven
bonitas y bien iluminadas. Esto se usa, como dije, tanto la luz clave nuestra luz de relleno que es conjunto de
iluminación se usa
para mostrar felicidad, optimismo y alegría
en el personaje. Y esto se
usa más comúnmente en películas de comedia, películas
infantiles, deportes,
radiodifusión, una entrevista. Entonces, si quieres hacer más contenido amigable para
niños y contenido
más optimista, definitivamente
quieres usar iluminación de
bajo contraste para
realmente transmitir tu punto de vista. Entonces con eso dicho, eso es todo para esta conferencia. Y así, si estás disfrutando de
este curso hasta el momento
, asegúrate de seguir adelante y
entrar en la siguiente conferencia. La siguiente conferencia. Bien, entonces te veré.
5. Color: Bien, entonces lo primero es lo primero, tenemos que hablar de
balance de blancos porque esto es muy importante y quieres
escuchar esto de cerca. balance de blancos es el
balance de color en una cámara digital. Y obtienes el
balance de blancos adecuado al hacer clic en la parte más ancha de la
imagen en una tarjeta gris, puedes ajustar el balance de
blancos y configuración de
tu cámara en tu
luz y en tus luces. Si tus luces sí tienen esa característica porque
hay algunas luces, especialmente las luces de gama
alta, más específicamente a donde
puedes ajustar la temperatura de
color. Y de veras, de veras, verdad recomiendo que ajustes tus ajustes de balance de blancos en cámara y en tus luces, soda. No tendrás que hacer ninguna fijación y publicación de
balance de blancos. Se quiere salir
del hábito de cotizar
siempre entre comillas,
fijación e impulso. Y así
obtienes, ajustas tu
balance de blancos
mirando tus
ajustes de balance de blancos en una cámara. Y observe que cuanto más cálida sea
la temperatura de color, menor será el nodo, más cálido es el color, menor es la temperatura, mayor es
la temperatura,
los colores más fríos. Entonces, si estás filmando
al aire libre y la luz del sol, entonces quieres ponerlo en esta puesta de balance de blancos
con el sol sobre él. Y más específicamente,
se llama luz del día. Entonces esto de aquí es para
luz, luces fluorescentes. Entonces, si estás filmando
en un entorno donde tiene muchas luces fluorescentes,
debes asegurarte
de debes asegurarte poner tu ajuste de
balance de blancos en esto para obtener la lectura más precisa en tu cámara. Si estás disparando
con prácticas. Más específicamente las luces
incandescentes, que es la mayoría de tus
bombillas van a estar en el interior que
quieres poner tus ajustes de
balance de blancos en este ícono de aquí mismo, para que puede ajustar sus
ajustes de balance de blancos en consecuencia. Esto de aquí
significa sombra, y este de aquí es si estás filmando
en un día nublado, así que quieres
ajustar la
configuración del balance de blancos de
acuerdo con la iluminación y el
clima en sus entornos. Lo siguiente de lo que vamos a
hablar es de la teoría del color. Y esto es muy, muy genial. Y la razón por la que estoy enseñando teoría del
color y
este curso es porque color es una de las
herramientas más subutilizadas y la realización de películas. Ya sabes, mucha
gente pone énfasis
en la configuración de la cámara y en la
iluminación y exposición. Y, ya sabes, la
distancia focal de la lente y una profundidad
de campo de la toma. Pero no hay suficiente gente que
preste atención al color y el color es una de esas otras herramientas
que puedes usar para afectar
realmente a tu audiencia. Y el color es una poderosa
herramienta en la narración junto a
la composición de iluminación y todas esas otras cosas buenas. Entonces el primer color abajo del
que quiero hablar es el rojo. Y el color rojo se
asocia básicamente con el amor, la
pasión, la sangre, la guerra, la
ira y la rabia. Y el rojo también se asocia con supervivencia y aprovecha
nuestros instintos primarios, lo que explica por qué
muchos restaurantes usan el
rojo en su esquema de color porque el rojo está asociado
con la supervivencia. Pero como dije, bueno, no dije esto,
pero solo digo ahora es que
prácticamente puedes usar el color para significar cualquier color para significar cualquier color para significar cualquier
cosa en tus películas. Y solo ten en cuenta
que esto no está escrito en piedra y que
no tienes que seguir estas reglas particulares entre
comillas entre comillas. Puedes usar estos colores como
quieras. Pero solo te estoy contando
el panorama general de lo que
significan estos colores en la corriente principal. Y el color amarillo, ya sabes, obviamente está asociado con sol y la felicidad
y la alegría y el optimismo. Pero si reconoces esos
pequeños colores amarillos opacos, representan
precaución y enfermedad. Entonces si alguna vez te gusta, ya sabes, esta instancia que ves
en un piso mojado firmado, el color es como un poco
así, amarillento opaco. Algunos de ellos pueden
ser de color amarillo brillante. Después otro. Y otra forma de
amarillear puede representar. Otra forma de
amarillear representa la enfermedad es por el hecho de que cuando estás
etiquetando desechos tóxicos y
peligrosos todavía se usa un poco como
un amarillo más oscuro. Por lo que sí quieres tenerlo
en cuenta en caso de que quieras
usar el amarillo y tus colores en tu paleta
de colores de tu película. Y también otra cosa a tener en cuenta es que están
usando esquema de color
monocromático y monocromático aquí mismo, donde pasan de así
realmente opaco, pardusco, amarillo
feo a esto luz amarilla muy brillante y
prístina. Tenemos una oportunidad aquí mismo. Y como paleta de colores se corresponde con esta
escena con Natalie Portman. Y otro color que se usa más comúnmente en las películas
como el color azul. Y sí, me sorprendió
mucho cuando azul significaba muchas cosas buenas como sabiduría,
lealtad, libertad, confianza, imaginación tienen en la
fe y estabilidad porque el azul está naturalmente asociado con
depresión y estar de humor sombrío,
también conocido como sentirse azul. Y obviamente demasiado azul puede causar estrés, melancolía
y negatividad. Pero como dije, aquí no se
trata de ningún papel
específico. Para que puedas usar los colores y cualquier forma creativa en tus películas y
videos a la manera propia. Así que solo tenlo en mente. Y también el color verde, que representa la naturaleza, el crecimiento, la fertilidad, la
esperanza segura y la renovación. Pero el otro lado
del verde es que representa la codicia
porque el dinero, porque el dinero es el
color verde, ¿verdad? Y luego te pusieron celos
y luego te dieron toda
la parte de la envidia
donde tienes ese dicho tu verde con envidia. Y entonces también representa la
enfermedad por el vómito. Y ves esas caricaturas
donde un personaje de dibujos animados está enfermo y tienen este color verdoso
en la cara, ¿verdad? Y así esa es otra
forma en la que puedes usar el grano. Y luego ahora voy a ahondar en colores complementarios. Entonces espero que ustedes
se estén poniendo al día aquí. Espero que ustedes no sean Scatterbrain por lo
rápido que me estoy moviendo. Pero generalmente sí me muevo rápido. Esa es la forma en que ruedo. Pero de todos modos, está de vuelta en el tema. Por lo que
los colores complementarios
son colores que son lados opuestos de la rueda de
colores como ves, como el rojo es opuesto al
verde y al
azul como lo opuesto al naranja y los amarillos opuestos al morado. Y sí quieres
tener esto en mente. Si planeas combinar
diferentes colores como este es solo uno de los
esquemas de color que
puedes usar aquí mismo, particularmente en
otro esquema de color que puedes usar a
tu favor en tus películas y videos
son colores análogos. Los colores análogos son básicamente tres colores que están uno al
lado del otro
en una rueda de dientes. Y estos colores tienen una sensación armoniosa de relleno porque están agrupados uno al
lado del otro. Y luego por último pero no menos importante, tienes tu esquema de
color monocromático, que es básicamente un
color en diferentes tonalidades, intenso, como este rojo. Va desde rojo oscuro hasta
que me gusta esto. Este rojo pálido de aquí mismo. Ni siquiera sé qué es eso. Supongo que ese es el color salmón
o probablemente sea este. No lo sé. Pero estas pero ten en cuenta, estas son solo herramientas, chicos que puedes usar
en tu cinturón de herramientas. No hay reglas particulares y cómo se puede utilizar
colonia de película. Puedes usarlo a tu
manera creativa. Simplemente sigue tu intuición y lo que sea
que te parezca correcto, solo usa eso. Bien. Entonces eso
es más o menos para esta sección de los fundamentos del curso de realización cinematográfica
y videografía. Y ahora estamos pasando
a la siguiente sección.
6. Software de edición: Entonces para quienes lo hacen absolutamente positivamente no tienen dinero para comprar ningún software de edición. Tus opciones aquí mismo, obviamente
hay
más que estas dos opciones, pero solo por el bien
de tu tiempo de disfraces, solo
voy a
enumerar dos a la vez. Entonces como la primera
opción gratuita es iMovie. Y ya sabes, los pros de iMovie es que
obviamente es gratis. O sea, ¿a quién no le gusta gratis? Pero otra cosa es, es como, a diferencia de otros softwares gratuitos de
edición de video, no tiene marca de agua,
lo cual es una gran cosa, y es fácil de usar y
no hay prueba gratuita para
que compres cualquier cosa. Pero el contenido principal tengo con esto que realmente no
me gusta es que solo está disponible
en las computadoras Mac, Mac. Y también está
despojado de muchas características
clave para los softwares de video
pro, pro. Tener n ya que esto es
especialmente cierto para las personas que están realmente acostumbradas a usar
algo como Final Cut, Adobe Premiere o incluso Sony
Vegas para el caso. De repente
les gusta usar iMovie. Se sentirá como una
gran decepción para ellos porque es como muy, es como una
versión despojada de Final Cut. Básicamente. Obviamente me
decepcionó la falta de
características en él también, porque estoy muy acostumbrada a usar Adobe Premiere y
Final Cut Pro X. Y cuando comencé a
usarlo, me sentí como una gran degradación. De muchas maneras podemos
entrar y hablar de eso. Vinimos aquí a hablar
del software libre en general. Y otra opción gratuita, que también es otra opción
poderosa de poderosa alternativa
si no tienes una Mac es Da Vinci Resolve. Y las ventajas de
DaVinci Resolve es que es un software de
edición muy potente que tiene potentes herramientas de gradación de color
y herramientas de corrección
de color ahí dentro. Y tiene muchas de las características
pro que los softwares
de edición gratuita no tienen. Las interfaces intuitivas para
que las personas puedan aprender fácilmente. Y está repleto
de muchos eventos. Funciones de video, como dije, que los editores Pro pueden usar. Entonces, si eres un editor
profesional, pero no tienes el
presupuesto para poder
pagar algo
como Final Cut Pro X o Adobe Premiere Pro. Definitivamente puedes seguir adelante y usar la resolución Vinci
porque tiene muchas características profesionales y es
compatible con los formatos de entrada más comunes. Cuenta con un gran
soporte técnico y está disponible en Windows,
Linux y Mac. No sé por qué no agregué Linux ahí por alguna razón. Pero si eres dueño de un Linux, no te molestes, no te asustes. Aún puedes usar
Da Vinci Resolve. Pero como con todos los pros, también
hay algunas
desventajas, obviamente refresco. Una de las desventajas es, es que
necesitas una computadora lo suficientemente potente. Y si no tienes por lo
menos de ocho a 16
gigabytes de RAM. Y si no tienes
una GPU Dan lo suficientemente alta, tu computadora va
a estar luchando por usar Vinci Resolve y no podrá
aprovechar
este software de edición de video de otro modo increíble. Y una versión gratuita solo emite
hasta ultra HD e inferiores. Entonces en otras palabras, si tienes una
plataforma de cámara y un zapato para K, pero estás atado
de dinero en efectivo y no puedes comprar ningún software de edición de video y quieres usar
el Vinci Resolve. Solo debes saber que no vas a
poder usar para k Porque como ultra HD es como 1440
P, si puedo recordar. Y luego por encima de eso como como 2k, a1 es tres k
y para k. y ya sabes, ya sabes, y agregar texto es
complicado y entonces no podrás agregar muchos efectos V
porque es gratis y, uh, los títulos serán difíciles si tu computadora puede manejarlo. Entonces, sí, si tienes una
computadora de gama baja que agregar textos, efectos visuales, y títulos
va a ser muy, muy difícil para ti. Eso es lo que quería decir. Y luego también algunas
otras opciones gratuitas puedes considerar su atajo. Sé desolado,
otra opción popular. Escuché esa opción
desde distintas áreas. Y vamos a terminar los
pros obviamente es
que está disponible en
múltiples plataformas. Windows, Macs y Mac y Linux kernel digo max
es altamente personalizable. No hay marcas de agua y
tu video y también si te preguntas si hay
marcas de agua resueltas
individualmente. No. No hay marcas de agua
y red alguna. Y tienes edición ilimitada de pistas de video
y audio. Pero los contras que encontré es
que es menos intuitivo que la mayoría de las aplicaciones, son muy pocas las transiciones
y
no hay soporte de video 360 o 3D. Entonces, si estás buscando
hacer video 360 y 3D y algunas cosas 3D que atajo no
es para ti y para mí, y desde mi experiencia, he usado atajo
para mí es simplemente muy torpe y realmente no me
gusta el interfaz, Así que personalmente no
recomendaría a Shaka, pero es una
opción disponible para ti si estás atado de
efectivo, como dije. Entonces otra opción gratuita que
tienes es la luz funciona. Y otro profesional es, nuevamente, está disponible en
Windows, Mac y Linux. Y no requiere tanta potencia informática
para incluso ejecutar el software. Y creo que la última
vez que lo comprobé. Requiere como dos
gigabytes de RAM. Entonces, si tienes una
computadora que tiene cuatro gigabytes de RAM adentro, tu computadora será
suficiente con software. Y los tutoriales son de
fácil acceso
al propio software en
cuanto a la edición de video. Y tiene todas las campanas y
silbatos
esenciales que necesitan
los editores de video, tanto profesionales como aficionados. Pero la única con sobre
los softwares que
debes registrar primero y luego es solo una versión de prueba
gratuita. Entonces, si no buscas
invertir en trabajos ligeros a largo plazo, no
recomendaría
usar el software. Y ahora vamos a
pasar a los mitos aquí, que está entre el software gratuito y el software
profesional y profesional. Entonces, si eres como un tweeter y tendrías un
poco de dinero para gastar. Voy a buscar invertir
en película o nueve que pueda. Y obvio. Y honestamente, ya que es un $60 como yo
personalmente invertiría en
un software muy a ti, si te queda
un
poquito de dinero después de pagar tus
facturas y demás. Una de las ventajas es
que puedes
sumar hasta 100 pistas de video
y audio. Tiene una interfaz
intuitiva simple de usar como herramientas de gradación de color
incorporadas, renderizado
rápido de video,
lo cual es una ventaja. Considerando si tienes un plazo
ajustado para un cliente, ese
renderizado rápido de video va a ser muy útil. Y tiene un montón de
presets para plantillas, efectos de
video, elementos, elementos de
pantalla dividida, etcétera. Y es un precio asequible con licencia de
por vida como aparece aquí. Son solo 60 dólares, así que
pagas los 60 dólares una vez
y es tuyo para siempre. Y es muy fácil de usar. Así que realmente hicieron esto
pensando en el consumidor. Y un contras es que
no tiene trabajo de seguimiento de movimiento. Lamentablemente, los fotogramas clave son gratuitos. Soy herramienta de enmascaramiento. Entonces, si quieres hacer un trabajo de
video que
requiera esas herramientas, entonces tristemente siente que más
nueve no es para ti. No obstante, si tienes, si tienes mucho dinero
para gastar y porque
conseguimos el software profesional, sabes, sé que ustedes
probablemente han estado esperando este porque estos son
los más opciones populares. Entonces mi favorito personal,
Final Cut Pro X, me encanta usar este software, es uno de los softwares
que he usado cuando empecé a cortar videos por
primera vez. Y sólo cuesta
como 299991 tiempo. Y así, obviamente, eso es
un profesional porque
pagas una tarifa única y
una vez que la pagas, la licencia es tuya
para siempre y luego obtienes actualizaciones
gratuitas de por vida. Y tiene una línea de tiempo magnética. Y a algunas personas les
resulta una molestia. Pero a mí, me gusta. Pero de todos modos, seguir adelante. Y cuenta con grandes herramientas de
organización. Es compatible con 360 y B son video como tiempos de
renderizado muy rápidos. Entonces como dije, si
tienes algo de dinero para gastar y
tienes una computadora Mac, definitivamente
recomendaría invertir en Final Cut Pro X porque
soy tiempos de renderizado rápidos. Y guarda tu proyecto automáticamente sin tener
que
presionar Comando o Control
S en tu computadora. Pero en este caso, como
solo está disponible Mac, presionarás
Command S para guardarlo, pero realmente no
necesitas hacerlo en Final Cut Pro X porque
automáticamente guarda tu trabajo el momento en que arrojó todas sus imágenes y
archivos e imágenes del Sur y lo que sea que necesite usar
dentro del propio software. Y eso es lo que realmente
me atrajo de la plataforma final Cut
Pro X. Y también pre renderiza tu video y tu
línea de tiempo automáticamente. Pero la con, la
corriente obviamente es que solo está disponible en Mac. Entonces tienes que desembolsar mucho dinero a
Apple, ante todo. Y entonces tienes que
bifurcar otros
300 dólares si quieres. El software Final Cut Pro X. Y no tiene función de
colaboración. La línea de tiempo magnética dice que
algunos editores de video son, es como un enorme
inconveniente y molestia. Pero realmente
depende de ti como editor. Y necesitas el software
compresor Apple si
quieres toda la gama
de formatos de exportación. Y adivinaste que
sí cuesta dinero, así que tienes que bifurcar más de cuatro, más de otros 50 dólares, y
solo es exclusivo para Mac. Entonces, sí, si quieres
invertir en Final Cut Pro X, vas a tener que
gastar realmente bastante
dinero en sus opciones. Entonces, sí, solo
tenlo en cuenta. Y luego otra opción popular, obviamente es Adobe Premiere Pro, que se habla mucho en la comunidad cinematográfica y
videográfica. Y el costo de la misma
es de 2999 mensuales. Así que ten en cuenta
que si quieres invertir en Adobe Premiere Pro, se
trata de un servicio
basado en suscripción. Así que vas a estar
bifurcando más de dinero al mes es más o menos como si
estuvieras alquilando el software. Y una prosa que tiene es
que tiene una interfaz responsive, responsive
como soporte VR, está integrada con todas las apps de Adobe y
crearemos una Creative Cloud. Entonces si necesitas estarlo, si necesitas intercambiar tu trabajo entre mis aplicaciones como Photoshop,
Audition, After
Effects, Lightroom. Todo está integrado a la
perfección para que puedas
transferir cosas, no hay problema. Y permite, permitiendo un
flujo de trabajo fluido debido a eso. Y tiene una función de
colaboración para ser utilizada entre los miembros de
tu equipo. Entonces, si tienes, si tú y tu equipo están
trabajando en la edición de un proyecto, puedes intercambiar archivos
entre ellos sin problemas. Y sí, lo adivinaste, funciona en múltiples plataformas como Windows, Linux y Mac. Pero una de las desventajas es
que está basada en suscripción. Entonces vas a estar teniendo vas
a tener que pagar 292099 al mes solo por el software Adobe Premiere
Pro solo. Pero si quieres,
toda la Creative Cloud te
va a costar
50 dólares al mes. Así que tenlo en mente. Asegúrese de tener
sus finanzas a punto antes de
obtener este software. Y se necesita una computadora bastante
potente para poder manejar
el software
porque sí ocupa mucho espacio
y necesita mucha RAM. Y otro tipo que son realmente, realmente me pone de los nervios
es que los tiempos de render son extremadamente lentos y simplemente no
me gusta eso. Eso no me gusta para nada. Tampoco me gusta la prerendering
manual tuviste
que
hacer en una línea de tiempo. Entonces, en otras palabras, ingresas tu metraje
en la línea de tiempo, vas
a tener que prerendering si
haces incluso los
más mínimos cambios, vas a tener que
volver a renderizar todo tu video, que va a
tomar mucho de tu tiempo, que es como es horrible. Y tenías que recordar
presionar Comando o Control S en tu teclado
para poder guardar tu trabajo. Y Adobe es conocido, sabe que
Adobe Premiere Pro
se bloquea en momentos aleatorios. A mí me pasó una vez. Entonces te voy a contar una
instancia a donde estaba en mi clase de videoarte y
estaba cortando un video para ello. Estaba como un 99% hecho y estaba a punto de
exportar a ese chico malo. Bueno, ¿qué sabes? Adobe Premiere optó por estrellarse. Y luego tuve que comenzar por el medio donde la
guardé por última vez. Y tuve que
rehacer prácticamente todo a partir de ese momento, pero recuerdo
guardarlo de todos modos, al
menos un poquito no tener que empezar
totalmente de nuevo. Así que tenlo en cuenta, chicos, si invierten en su software y su computadora no es
particularmente poderosa, es propensa a chocar mucho, así que recuerden guardar
su trabajo, bien. Entonces, sí, eso es prácticamente todo para esta sección del curso. Y ahora vamos a pasar
a la siguiente sección.
7. Engranaje de cámara: Yo como la primera opción
popular de la que
vamos a hablar es DSLR. Y si no estás familiarizado
con lo que significa DSLR, básicamente
significa cámara réflex digital de
un solo
objetivo. Estas cámaras, me
utilizan principalmente para la fotografía. Pero en 2008,
fabricantes de cámaras como canon, que realmente comenzaron de esta manera, comenzaron a agregar la
característica de video de dos cámaras, lo que provocó la
revolución DSLR alrededor de 2008, lo que provocó que muchos cineastas y camarógrafos para comenzar a usar DSLR para comenzar a
grabar videos. Y los YouTubers en cineastas y
blogueros
independientes utilizan este tipo de
cámara todo el tiempo también. Nuestros proyectos. Y lo pros es que
tienes muchos lentes
para elegir,
lo cual es una característica práctica que las DSLR tienen como lentes
intercambiables. Entonces tienes múltiples lentes para múltiples looks que
quieres lograr. Y se puede crear
una mirada de poca profundidad de campo en un barato. Porque, ya sabes,
esta cámara tiene un sensor
bastante grande, uno grande. Como dije, de gran tamaño censal. Graba video de alta calidad
hasta diez ADP por lo menos. Y tienes un
control más creativo sobre tu imagen con todos los pequeños diales e interruptores y las
lentes que tienes. Entonces quieres tenerlo en
cuenta cuando quieras invertir
en, en una DSLR. Pero cuáles son los
contras que realmente es lamentable es que solo graba hasta 20 minutos
de video para en full HD. Cámara, el audio es
muy horrendo. Si buscas
grabar videos con esto, invertiría en un par de
micrófonos y una grabadora de sonido. Si yo fuera tú. Y la mayoría de las DSLR no tienen pantallas abatibles. Entonces tú para que puedas ver la pantalla con precisión y condiciones climáticas
brillantes, ¿verdad? Y eso es una molestia para cuando
estás filmando al aire libre. Si tu cámara no tiene
una pantalla LCD abatible, entonces va a ser muy
difícil ver si tu toma está enfocada correctamente
expuesta y todo ese jazz. Y tendrás que comprar lentes
extra a lo largo del tiempo. Y eso obviamente
va a sumar. Entonces, si inviertes en DSLR, solo debes saber que vas
a estar bifurcando mucho de tu dinero cuando estés
usando este tipo de cámara. El enfoque automático es terrible
en la mayoría de las cámaras DSLR, pero nosotros los cánones, ya sabes, el enfoque automático bastante nítido. Pero incluso entonces,
realmente no confiaría en el enfoque automático. Estaré enfocándome en el
enfoque manual y todo eso. Y una profundidad de campo poco profunda
se convierte en una forma de molestar que estás filmando eventos en vivo donde mucha
gente se mueve. Sí. Entonces no
recomendaría comprar este tipo de cámara si te
estás enfocando en filmar eventos, invertiría en una videocámara
porque esas cámaras son más adecuadas para eventos de calzado. Mientras que las DSLR son más o menos para la película de por vida y el trabajo de
bloqueo porque se requiere para tomar diferentes tomas y
diferentes tomas. Hablando de un
cuarto de cámara,
estas, estas cámaras
se utilizan principalmente para video y dato divertido, esta fue una de las
primeras cámaras de video que he usado
para grabar video. Esta es una de las
primeras cámaras en las que grabé un video en la clase de
periodismo televisivo. Entonces esta cámara está trayendo de
vuelta muchos recuerdos. Pero de todos modos, sigamos adelante. Los pros de una
cámara es que es liviana como mucho
más
tiempo de grabación para que puedas
grabar prácticamente al
contenido de tu corazón con una videocámara. Y la lente adjunta es una macro de
50 a 70 milímetros, lente de aumento de
50 a 70 veces. Entonces, si realmente quieres
empezar a acercar
objetos u objetos desde lejos, puedes hacerlo con
videocámaras porque pueden acercar
muy, muy lejos. Y tengo una
prohibición de tasa de bits más alta quise poner hombre, no
sé cómo
puse diez, pero sí, tiene una tasa de bits más alta
que las cámaras réflex digitales como pantalla abatible para
que veas si tu toma es adecuadamente
expuesto o no. Cuenta con un pequeño sensor lo que
facilita el enfoque. El enfoque automático está muy afilado en el punto con
este tipo de cámaras. Entonces, si quieres usar el enfoque automático, entonces las videocámaras
son el camino a seguir. Y tiene increíbles controles
automáticos
así como la entrada de audio del
micrófono y los auriculares. Tiene una salida HDMI para
que te guste, si quieres ver
tu metraje en tu, como tu HDTV, eres
más que bienvenido a hacerlo. Y las videocámaras son generalmente
más fáciles de usar que las
DSLR porque no tienes que jugar con muchas
campanas y silbatos. Pero los contras es que
tienes poco
control creativo sobre tu imagen. Entonces, si buscas obtener diferentes tipos
de suerte, que son, que son videos, entonces no
recomendaría
invertir en un cuarto de cámara. No estoy diciendo
que no puedas usar videocámaras con el rodaje de
películas porque puedes. Pero solo debes saber que tus opciones
son limitadas en cuanto los tipos de look que
vas a tener, qué imágenes. Y estos generalmente tampoco son
buenos en condiciones de poca luz. Tiene una lente fija, lo que significa que la
lente que te
metes en ella es lo que prácticamente obtienes
y tienes que usarla. El video está fuertemente comprimido. Tiene velocidades de fotogramas
y modos de grabación limitados. Y las imágenes fijas
realmente se ven embarradas. Entonces, si también estás buscando
tomar imágenes fijas, definitivamente no buscaría invertir
en una
videocámara, pero como dije, si estás buscando hacer más de filmar eventos y seminarios, luego videocámaras o
tu camino a seguir. Evitaría las DSLR. Entonces tienes tus cámaras de apuntar
y disparar. Estas cámaras son un clásico
y sé que muchos YouTubers usan este tipo de
cámaras para bloquear y cosas. Y estas cámaras han
existido desde 1994, lo cual es un dato divertido. Una de las ventajas es que
es muy compacta, lo que significa que la puedes meter en tu bolsillo o en tu
bolso
y en ti, y no
ocupa mucho espacio. Y no hace
ruido al disparar. Y es más barato que las DSLR, las funciones automáticas
son de primera categoría. Y alguna característica de por qué dije inflamable,
me refería decir flipper, tanto pantalla LCD como
una contras es que es pequeño tamaño del sensor
significa que
va a tener una
menor calidad de imagen. Y terminan las DSLR e incluso las cámaras
sin espejo, tiene un rango ISO limitado. Entonces, si estás buscando tener una cámara a donde
puedas subir el ISO de 0 y disparar
o no, tu camino a seguir. El retraso del obturador es horrible. Carece de ajustes manuales. Y claro, al
igual que la videocámara, tiene una lente fija. Pero con eso dicho, si no tienes absolutamente ningún dinero, estás completamente arruinado en este momento y no puedes permitirte
ninguna de estas opciones, entonces puedes usar
tu teléfono inteligente. Lo adivinaste, usa
tu smartphone. Y así más o menos con esto, prácticamente no tienes
excusas para no filmar video porque lo pros es
que es de fácil acceso, es fácil de usar porque, quiero decir, hemos estado usando teléfonos inteligentes
desde entonces, como la secundaria. Es muy compacto, es
rentable porque todos tienen uno
es rápido de configurar. Y los smartphones han
mejorado con su
calidad de imagen a lo largo de los años. Pero los contras de
reconocer qué es esto,
es una duración de la batería más corta. El almacenamiento es una molestia
porque la mayoría de las opciones de teléfono vienen con 64128 gigs
y 256 gigabytes. Pero si tienes un Samsung, entonces el almacenamiento es actualizable a donde puedes
poner una tarjeta SD externa. Pero si tu
usuario de iPhone como yo soy, entonces
vas a tener que pagar más o menos a Apple, ya
sabes, dólares extra por almacenamiento extra porque las baterías no son extraíbles. ¿ Y por qué dije baterías? Ya sabes, la tarjeta SD
no es realmente tan extraíble
y el almacenamiento que
prácticamente obtienes con los iPhones
es que está bastante arreglado
y tenías que desembolsar dinero extra si
quieres actualizar el
almacenamiento interno de tu iPhone. Y la aplicación de cámara de stock realmente
carece de personalización, que significa que tienes que comprar aplicaciones de
terceros para
poder usar tu cámara. Pero si tienes un Samsung o
algún tipo de teléfono Android, entonces las cámaras de stock
son prácticamente viene con campanas y
silbatos adicionales desde el principio. Y tiene un bajo rendimiento
con poca luz en algunas cámaras de teléfonos inteligentes. Obviamente, algunos
teléfonos inteligentes han mejorado mucho en la grabación
con poca luz. Y tiene una lente fija, lo que significa que tienes que comprar lentes
externos para la cámara de
tu smartphone si quieres, como grabar video por tiempo, pero no me imagino
que necesitarías ya que vas a estar
hablando con la cámara, con la cámara frontal. Y más específicamente
con si todo lo demás falla, solo usa tu
smartphone y conoce, y conoce que
vas a tener sacrificar algunas de ellas fotos y memes y
música en tu teléfono. Pero si realmente quieres que
tu carrera despegue, tienes que empezar en alguna parte. Entonces con eso dicho, eso cierra esta sección en
video y ahora este curso. Y ahora vamos a pasar
a la siguiente sección.
8. Equipo de audio: primero es lo primero,
vamos a
hablar de grabación de audio. Un solo sistema de grabación significa que el audio se
captura directamente en la cámara y graba
con la imagen al mismo tiempo
que puedes ver aquí con el micrófono enchufado directamente
enla cámara. Esto quiere decir que el
audio no tiene que
ser azotado en la posproducción. Pero la calidad del sonido
no es tan buena como grabación de
doble sistema
porque desde mi experiencia, el sonido de la
cámara suena muy, muy tinny. Y eso
no me gusta. Y otra, y hablando
de doble sistema de grabación, básicamente
significa que
grabas tu audio por separado. Una grabadora de audio de algún tipo. Y esto significa que sí
tienes que
llevar más equipo y
hundir el impulso sonoro, pero tendrás una calidad de sonido mucho
mejor en tu video o n o película. Esto es ideal ya que la mayor parte del audio en cámara es horrible y si tu cámara no tiene fin, tu cámara no tiene un puerto de
micrófono incorporado en ella. Este es el
método de grabación estándar y películas de todos modos, como puedes ver aquí mismo, tienes al operador de boom
enchufando el micrófono a algún tipo de grabadora de sonido y luego tienes tu
cámara aquí . Y para un correcto hundimiento, quieres
asegurarte de tener una pizarra. Y si no
tienes uno, solo usa tus manos para aplaudir soda ya que pensar sonido y
publicaciones es más fácil. Y algunos consejos de grabación de audio
es asegurarse grabar audio entre 12
negativos y 20 decibelios negativos. Porque eso significa que
tu sonido no va a ser demasiado silencioso y sin embargo
no va a ser demasiado alto. Si tu sonido golpea
ese punto de 0 decibelios, entonces tu señal
se considera caliente. Entonces
quieres asegurarte de no empezar a grabar a 0 decibelios porque entonces tu sonido empieza a recortar y no
puedes arreglarlo en post. Mientras que si grabas entre 12
negativos y 20 decibelios negativos, vas a tener
mucho espacio libre y post para poder aumentar tu volumen de tu audio. Y con filmar al aire libre, asegúrate de usar un
gato muerto o parabrisas en tu micrófono para reducir la
renta, el volante, el volante. Al grabar
en interiores se asegura apagar el aire acondicionado, sistema de
juego licuadora
refrigerador en cualquier otro aparato
ruidoso en general, para que obtenga grabaciones de
audio más limpias y grabar en una
habitación tranquila que puedas encontrar. Asegúrate de que se
asegure de tratar tus paredes con
paneles acústicos a la deuda y la reverberación y poner el micrófono lo más cerca
que puedas sentar a un sujeto o sujetos sin conseguir
el micrófono y una toma. Y si no sigues estos consejos de grabación de audio y tu audio suena terrible, entonces vas
a tener que hacer algo como ADR. Adr significa Reemplazo de
Diálogo Automatizado. Y este es un proceso donde
actuar para constituir un estudio, volver
a grabar su diálogo para,
para mejorar la calidad de audio, lo que también se conoce como
doblaje de sus líneas. Y esto se requiere que si tu audio que
grabaste inicio es inutilizable, puedes evitar este
paso si prestas mucha atención a tu
audio la primera vez. Y esto lleva mucho tiempo
y drena tu presupuesto. Y te recomiendo que realmente, realmente, realmente te tomes
el tiempo extra, incluso si eso significa
pasar más tiempo en el set para asegurarte de que
tu audio esté a punto que
puedas salvarte
de tener que este dolor de cabeza y tener un auto arriba tus actores y
actrices como, Oye, mira, voy a necesitar que vuelvas a entrar y
volver a grabar tus líneas. Y si resulta que están
ocupados y no pueden lograrlo, entonces estás bastante jodido. Así que realmente, realmente,
realmente, realmente,
realmente espero que le
prestes mucha atención a tu audio y
realmente te asegures de
que esté nítido y
limpio la primera vez. que puedas evitar este paso
infiel de inmediato. A toda costa. Evítalo porque la
ADR es innecesaria. No te pongas este tipo de ****
en ti mismo. No lo hagas. Bien. Entonces ahora vamos a llegar
al equipo de audio, nena. Entonces el primer tipo de
micrófono que ves
casi platea de filmación como micrófono de
escopeta. Y se trata de un
micrófono direccional que debe apuntar directamente al
sujeto para obtener el mejor sonido. Y este micrófono de
celda negra de ruido ambiental, ya que es un micrófono direccional. Escopeta mikes tubos enlace. micrófonos de escopeta son dos, longitud afecta el patrón de
captación. Entonces, los micrófonos de escopeta, los tubos más
cortos tienen un
patrón de captación de ángulo más amplio mientras que los tubos
más largos tienen patrones de Entonces como esto es bastante largo, va a tener un patrón de captación más
estrecho, que va a ser,
lo que va a oscurecer la mayor parte de tu ruido de
fondo. Y estos suelen ser utilizados en sets de
película por los operadores de boom. Y si estás filmando al aire libre, quieres asegurarte de poner un gato muerto en uno de estos chicos
malos están cortados. El viento alborotando el ruido del viento. Y otro tipo popular
de micrófono que se usa en los sets de películas y videos
son los micrófonos lavalier. Los micrófonos lavalier, también conocidos como micrófonos de solapa, son pequeños micrófonos que se
sujetan en la ropa de una
persona, como se puede ver con este clip. Y captan la voz
de los sujetos sin importar en qué
dirección se dirijan. Entonces, si vuelven lado a lado y dan la
vuelta y vueltas y vueltas. Todavía se puede
escuchar la voz con claridad. Y un consejo profesional con
estos micrófonos es asegurarse de deslizar
el micrófono debajo la camisa y
sujetarlo
al cuello para ocultar el micrófono fuera de vista y reducir el volante de la
ropa. lo general, se utilizan en
las transmisiones de noticias en entrevistas. Por último, pero no menos importante, tienes que tener una grabación de
sonido si quieres hacer grabación de doble
sistema. Y tascam es una marca
popular dentro de la comunidad
cinematográfica independiente. Y estos te permiten
tener el control total
de tu sonido con todas las diferentes perillas y campanas y silbatos
y todo. Usted enchufa su micrófono
a la toma de 3.5 milímetros o a
una conexión XLR. Y un sonido grabado los operadores de slash
boom tendrán estos apegados a sus
desechos cuando estén en un set de producción de película o video. Entonces con eso dicho, eso concluye este curso. Espero que a ustedes les haya
gustado mucho este curso. Y si lo hiciste,
asegúrate de seguir adelante y dar este curso
de cinco estrellas o tasa de lo que
quieras y asegúrate dar este curso a
revisión para que sepa en qué necesito trabajar
y saber lo que está funcionando en este curso para poder aplicarlo a mis futuros cursos que
voy a estar poniendo en Udemy. Y si tienes alguna
duda que hacerme, no tengas miedo de enviarme un correo electrónico a una comida producciones en gmail.com. Se deletreó con las producciones
MIL en minúsculas número ocho en gmail.com. Así que envíeme un correo electrónico con
cualquier duda que tengas y estaré
encantado de interactuar contigo. Pero como siempre,
espero que ustedes usen este conocimiento a su
favor para que
puedan seguir adelante y hacer videos y películas que
sean realmente, muy buenos. Y por último pero no menos importante, la única forma en que
vas a mejorar en video es la práctica, práctica, práctica, práctica,
práctica, práctica, y hacer algo más de
práctica. Bien. No basta con comprar este curso y pasar por
todas las conferencias. En realidad tienes que
practicar. ¿Bien? Así que la paz entra y sale con las vibraciones
más altas y
les deseo mucha suerte en
sus carreras cinematográficas.
Evan Youngblood-Williams
