Flores de lavado de tinta y acuarela

1. Líneas y flores sueltas 1: ¿ Te encanta absolutamente el look de pluma suelta y acuarela lavado florales, pero tal vez te preguntes como principiante, cuál es el mejor lugar para empezar? Tal vez te estés preguntando, ¿cuáles son las piezas obligadas de saber de información sobre pluma y tinta, sobre acuarela y en combinar estos dos medios? Para que puedas construir una base sólida para saltar desde. También cómo llegas a un punto en el que eres fácil y rápidamente capaz de crear este tipo de obras de arte completamente por tu cuenta, completamente desde cero siempre que quieras, siempre que tengas alguna tarjetas de felicitación para hacer, algunos marcadores que quieres regalar piezas personales , etcétera Si eres un artista principiante, acaba de empezar a desarrollar tus habilidades de dibujo y apenas están empezando a saltar en el mundo del lavado de pluma y acuarela o eres un artista intermedio, que acaba de empezar con combinación de estos dos medios en tu trabajo. Este curso es para ti. Mi nombre es Erica y soy artista de medios tradicionales y educadora online. Tengo más de 15 años de experiencia trabajando en campos creativos y artísticos. En primer lugar, fui diseñadora gráfica que trabajaba en agencias de publicidad. Entonces pasé muchos años trabajando como directora de arte en un entorno escolar. Durante los últimos cuatro años, he estado trabajando a tiempo completo en mi propio negocio del arte como artista profesional. Mis días giran en torno a crear arte, vender arte localmente, y ayudar a los aspirantes a artistas de todo el mundo a desarrollar sus habilidades artísticas y su voz creativa a través de mi página web, mi canal de YouTube, mi social medios de comunicación en general, y también mi sitio de membresía. Saltando a lo que vas a estar aprendiendo en este curso. Te voy a estar enseñando cómo dibujar tres flores diferentes, una flor de cono, una rosa silvestre, y un narciso desde dos perspectivas diferentes. Desde una vista superior y también una vista lateral o de perfil para que realmente puedas entender la estructura de estas flores y sus particularidades. Para que entonces seas mejor capaz de dibujar estos desde la imaginación y de cualquier perspectiva que quieras. A medida que estamos dibujando, nos vamos a centrar en simplificar estas flores en formas básicas. Que es una habilidad que te va a ayudar en el futuro, no importa lo que sea que estés tratando de dibujar. Este curso está destinado a principiantes totales. Te voy a estar llevando a través mi método en el que primero creo mi dibujo con lápiz de grafito para que pueda borrar cualquier error que necesite borrar. Luego trazamos nuestro trabajo de lápiz definiendo bordes y agregando más detalle usando pluma y tinta. Entonces, por último, traemos nuestros vibrantes lavados coloridos usando acuarela. He incluido clases en este curso en el que comparto los must know piezas clave de información que debes tener en cuenta como principiante, iniciando con pluma y tinta, iniciando con acuarela, y empezar con la combinación de estos dos medios para que puedas llegar al éxito mucho más pronto. Antes de empezar con las tres piezas finales en las que vamos a estar trabajando juntos, también comparto una clase completa en la que te dirijo a través de mi proceso de selección de color y cómo yo swatch mis diferentes colores para que sepa exactamente qué colores voy a estar usando para mis piezas finales. Por último, trabajamos en nuestras tres piezas finales juntas, una para cada flor. Una pieza de flor de cono, una pieza de rosa silvestre, y una pieza de narciso. A lo largo de este proceso, también espolvoreo en algunos debes conocer información sobre la composición que te va a ayudar a crear composiciones armoniosas, bien equilibradas, interesantes a las que mirar. Como educadora de arte, soy un gran fan de no solo compartir todo mi proceso contigo y mis técnicas, sino también rociar en el conocimiento de los fundamentos del arte y solo cosas que siempre ten en mente que sigo preguntándome a mí mismo durante todo el proceso creativo para que puedas llegar a un punto en el que estás creando obras de arte originales desde cero. Eso es lo que quiero para ti. Con todo esto dicho, sí espero que me acompañen para este curso. Estoy tan emocionado de trabajar en estos ejercicios y proyectos juntos. 2. Líneas y flores sueltas 2: Vamos a seguir adelante y empecemos con Clase Número 1 en este curso en el que voy a estar explicando información imprescindible sobre insumos que es realmente importante que entiendes para una proceso más suave y mejores resultados cuando se trata este tipo de pieza en la que estamos combinando pluma y tinta con lavados de acuarela. Yo sí quiero recordarte que cada clase individual de este curso tiene un descargable que vas a poder encontrar en la pestaña Proyectos y Recursos. Para esta primera clase, he incluido una lista de verificación de suministros para que puedas estar seguro de que tienes todo a mano que necesitas para obtener los mejores resultados. Para otras clases, vas a poder encontrar plantillas descargables, fotos de referencia que utilicé, y por supuesto, también vas a poder encontrar mis bocetos de esquema descargables para todos estos diferentes estudios florales y piezas que voy a estar creando para esta clase. De esta manera puedes descargarlos e imprimirlos y tenerlos a la mano como referencia ya que estás creando tus bocetos a mano alzada. Si quieres saltar por encima de la fase de bocetos de mano libre y saltar directamente a la pluma y la tinta y luego la acuarela se lava y no enfocarte tanto en tu dibujo a mano libre, siempre puedes transferir mis bocetos de contorno en su hoja de papel de acuarela usando papel de calco o cualquier método de transferencia que usted y salte directamente a las clases sobre pluma y tinta y acuarela. Con todo eso dicho, sigamos adelante y saltemos directamente a los suministros que me vas a ver usar en estas clases. Para empezar, estos son los suministros de dibujo que me vas a ver usar en la clase en la que voy a estar compartiendo contigo cómo dibujar un cono, una rosa silvestre, y un narciso. A pesar de que este curso está en lavados pluma y tinta y acuarela y nuestras piezas finales van a ser piezas de medios mixtos que utilizan pluma y tinta y acuarela, no puedo enfatizar la importancia de practicando tu dibujo con lápices de grafito regulares primero o junto a tu desarrollo de habilidades de pluma y tinta y acuarela suficientes. Para mí, siempre es muy importante entender la estructura de lo que es que voy a estar dibujando y poder simplificar lo que estoy mirando en formas o formas simples. Es mucho más fácil y menos intimidante estudiar primero el objeto o el sujeto a través de simples bocetos de grafito porque somos fácilmente capaces de dibujar a la ligera para borrar errores y todas estas cosas. Si fuéramos a saltar directamente al dibujo con pluma y tinta sin haber hecho ninguna práctica previa o estudiar con lápices de grafito, bueno, eso puede ser muy intimidante porque pluma y la tinta es un medio permanente, y no vas a poder borrar tus errores. no mencionar, si no usas algún tipo de foto de referencia o algo que tengas frente a ti en la vida real y nunca haces tiempo para hacer ningún estudio u observación de tu objeto o sujeto a entenderlo al menos un poco más profundamente antes de saltar a tu dibujo, entonces va a ser muy difícil llegar a niveles medio-altos de realismo porque necesitas entender, de nuevo, la estructura de lo que es que estás tratando dibujar y las características que marcan, en este caso, esa flor en particular aparte de otros tipos de flores. Un cuaderno de dibujo regular y herramientas básicas de dibujo nos van a permitir hacer esta práctica y preparar el trabajo antes de empezar con nuestras piezas finales para que el proceso final pueda ser mucho más suave los resultados finales van a ser mucho más exitosos. Después de algún tiempo practicando con dibujo y practicando específicamente con pluma y tinta después de haber desarrollado tus habilidades un poco más y te sientes mucho más seguro, entonces por todos significa que puedes saltar directamente al dibujo con pluma y tinta sin practicar primero con grafito o hacer cualquier boceto preliminar usando lápices de grafito. Pero quería hacer este curso para el principiante total que acaba de empezar, y es por eso que voy a compartir contigo cómo dibujar primero con lápiz y luego rastrear eso con bolígrafo. Honestamente, al día, incluso después de todos estos años en dibujar y crear arte, sigo en su mayor parte crear bocetos preliminares con grafito antes de entrar con pluma. Voy a estar trabajando en este cuaderno de bocetos de Strathmore, que tiene papel que tiene una superficie de diente fina, lo que significa que es bastante liso, y este papel es de 60 libras o 89 GSM en espesor o en peso. Este cuaderno de bocetos en particular tiene un tamaño de nueve por 12 pulgadas, pero puedes usar cualquier tamaño de cuaderno de bocetos que quieras. Voy a estar usando un lápiz de grado B de Faber-Castell. Por lo general, cuando creo un boceto preliminar que voy a estar moviendo a pluma y tinta con o acuarela con, me gusta usar un lápiz de dibujo HB porque un lápiz de dibujo HB tiene razón smack en el medio entre lápiz más suaves y grados de lápiz más duro. El grafito que contienen en su núcleo no es demasiado duro y no demasiado suave, lo que me permite crear un boceto de grafito muy ligero o boceto de contorno que voy a poder borra fácilmente y además que no vas a poder ver a través de eso una acuarela translúcida. No obstante, porque quiero que ustedes puedan ver lo que estoy haciendo, voy a ir un poco más suave que el HB, y voy a estar usando un lápiz B. Porque el grafito en el núcleo del lápiz B es un poco más suave que el grafito en el lápiz HB, se va a quedar un poco oscuro y vas a poder ver mi trabajo mucho más claramente. No obstante, recomendaría usar un HB o al menos asegurarme de que estés dibujando lo más ligero posible para que puedas borrar fácilmente los errores a medida que avanzas para que no rayes o daña tu papel, y también para que tu trabajo de lápiz no sea visible a través de tu pintura al final. Personalmente, no soy un gran fan de las notas de lápiz más duras. Cualquier cosa más difícil que un 2H es un poco demasiado rascador para mí. A pesar de que los grados de lápiz más duros te ayudarán a crear bocetos limpios muy ligeros, ese grafito es un poco demasiado duro y no me gusta rayar ni dañar mi papel de acuarela porque esas pequeñas abolladuras y rasguños que creas, no van a ser capaces de ser borrados, quitados o fijos. Aparte de esos insumos, también tengo dos tipos diferentes de gomas de borrar a mano. Tengo un borrador de grafito suave regular. Este es un borrador libre de polvo también de Faber-Castell, y tengo una goma de borrar amasada, que es esa cosa masticada de goma de burbuja azul que se puede ver ahora mismo en pantalla. Tener una goma de borrar amasada a mano es bastante útil porque a medida que estás dibujando, puedes cambiar su forma y borrar áreas pequeñas a las que no podrías entrar con un borrador regular. Pero muchas veces, la forma en que me gusta usarlas es después de haber terminado mi boceto preliminar, uso mi borrador amasado para hacer suaves movimientos de tocado sobre mi boceto para que sea aún más ligero y deshacerme de cualquier exceso de grafito que pudiera estar flotando alrededor en la superficie de mi papel, que sin duda puede ensuciarse o ensuciar mis colores vibrantes y voy a estar usando más tarde. Este dibujo que estoy compartiendo ahora mismo en pantalla no es un boceto de contorno que luego iba a pasar a pintar. Este es un estudio de sombreado alternativo de grafito, pero sí quería mostrarte cuánto grafito es capaz de recoger un borrador amasado si haces el tocado sobre tu dibujo, que puede ser increíblemente útil cuando estás creando tu boceto de contorno para pintar con acuarela. De esta manera, no sólo no podremos ver nuestro trabajo de lápiz o nuestro trabajo de línea a través de la pintura al final, sino que también vamos a evitar manchar cualquier grafito que hayamos dejado atrás en nuestro papel, lo que sin duda puede afectar la vitalidad de nuestra acuarela. Por último, en cuanto a mi sacapuntas, uso un pequeño sacapuntas metálico básico. Pasemos a la pluma y tinta y suministros de pintura de acuarela que recomendaría tener a mano para este proceso. Voy a estar usando papel de prensa fría de Primorsia. Este papel es de 140 libras o 300 GSM de espesor o en peso. Debido a que es prensado en frío, está texturizado. Correcto, voy a hacer un zoom para que puedas tener una mejor idea del nivel de textura en el que voy a estar trabajando. En mi anterior curso de Skillshare, hay una clase en la que comparto todo sobre los diferentes tipos de papel de acuarela que vas a poder descubrir por ahí; la prensa caliente, la prensa fría, y la áspera. Si quieres un acabado más suave y te preocupa tener que luchar contra el diente o el grano de tu papel con la punta de tu lápiz y la punta de tu bolígrafo de dibujo, entonces Recomiendo encarecidamente conseguir usted mismo prensa caliente papel acuarela. Siempre que estoy trabajando en una pieza que sólo va a ser pluma y tinta, así que no voy a estar trayendo pintura, uso algún tipo de papel de dibujo liso o voy con papel de acuarela de prensa caliente. Pero porque hoy voy a estar trayendo lavados de acuarela, me gusta mucho la forma en que se ve la acuarela en papel de acuarela de prensa fría. No obstante, si te preocupa la punta de tu lápiz o la punta de tu bolígrafo salte por encima ese diente áspero o grano de ese diente áspero o granode tu papel un poco demasiado, o si te preocupa no poder crear líneas suaves cuando estás trabajando con bolígrafo y tinta, o si te preocupa dañar la punta de tu pluma por esa textura en el papel, entonces te recomendaría ir con papel de acuarela de prensa caliente para los proyectos en este curso. Realmente no me importa tener alguna cantidad de textura en mi papel de acuarela porque el número uno, me va a ayudar a desarrollar variación de peso de línea en mi trabajo de pluma y tinta, que es algo que soy va a estar hablando más adelante en la clase sobre puntas de dibujo de pluma y tinta. No me importa que saltarse pasando por encima de ese diente de mi papel y mis líneas rompiendo aquí y allá porque esto me ayuda a crear variación de peso de línea y me ayuda a mantenerme alejado de lo grueso, mirada atrevida, consistente, pesada y contundente que a menudo está presente en páginas de libros para colorear y dibujos animados. Hablaré más de eso después. Aparte de esto, tengo suficiente habilidad desarrollada ya con pluma y tinta que no siento la necesidad de presionar muy fuerte en absoluto con mi pluma, que a menudo es la forma que las puntas de tus bolígrafos se dañan porque estás presionando demasiado fuerte en esa textura. Nuevamente, si te preocupa alguna de estas cosas, ve con prensa caliente, que es el papel de acuarela menos texturizado que vas a poder encontrar. Esto va a ser especialmente útil para ti si buscas líneas consistentes más suaves, y también si te preocupa que vayas a dañar la punta de tu pluma. En cuanto a mi pluma de dibujo, voy a estar usando un trazador de líneas de pigmento de Staedtler, y este bolígrafo que voy a usar es de 0.1 tamaño de punta. Estos trazadores de líneas de pigmento de Staedtler son súper buenos de usar en combinación con acuarela porque son permanentes e impermeables y no manchan ni sangran. Siempre que vas a estar combinando pluma y tinta con acuarela, es muy, muy importante que uses un bolígrafo que contenga tinta que sea impermeable y a prueba de manchas. También me gustan mucho los bolígrafos Micron. También funcionan muy bien en combinación con la acuarela. En cuanto a mis acuarelas que voy a estar usando, voy a estar usando mi set de Daniel Smith. Te haré saber exactamente qué colores voy a usar en la clase en la que te voy a guiar a través de cómo elegir los colores para tus diferentes flores y cómo crear tus mezclas de colores. Pasando a los otros insumos de pintura de acuarela, recomendaría tener a mano un contenedor o dos con agua limpia para esta última fase de este proceso en el que vamos a estar usando acuarela, algún tipo de toalla absorbente. Me gustan mucho estas toallas azules de la tienda de Scott que están destinadas para su uso en autos porque puedo reutilizarlas una y otra vez antes de tener que tirarlas, Pero incluso las toallas regulares de papel de cocina servirán. Tener una toalla absorbente o dos a la mano es muy importante porque estos te ayudarán a mantenerte encima del control del agua y hacer cualquier levantamiento que puedas necesitar hacer durante todo el proceso de pintura. En cuanto a mi pincel, solo voy a estar usando uno para todas estas piezas de flores, y este es un pincel redondo talla 10 de la línea Aqua Elite de Princeton. Yo recomendaría mantenerlo simple y mantenerlo limitado a la hora de elegir tus pinceles para estas piezas porque vamos a ir en agradable y rápido y mínimo. Un tamaño 10 es lo que consideraría un pincel de tamaño mediano, tal y como expliqué en ese curso de Acuarela 101. Recomiendo encarecidamente revisarlo. Cualquier cosa de un 8, un 10, o un 12, creo que lo hará bien siempre la punta sea agradable y puntiaguda, sobre todo para los tallos y las hojas en zonas más pequeñas. Eso es todo por esta primera clase en este curso. Adelante y asegúrate de tener todos tus suministros listos para funcionar. Estoy tan emocionado de compartir Clase Número 2 contigo en la que voy a estar explicando todos los proyectos en los que vamos a estar trabajando juntos en este curso, que sé que vamos a Diviértete tanto con y te vas a hacer muy bien en. Nos vemos ahí. 3. Líneas y flores sueltas 3: Oye ahí, y bienvenidos a Clase 2. Este va a ser un video de orientación en el que voy a estar explicando sobre los diferentes ejercicios que voy a estar llevando a través, así como los proyectos finales que estamos van a estar trabajando juntos, en el que vamos a estar aportando todos los conocimientos y las habilidades que hemos adquirido, y hemos practicado en las clases en este curso. Los ejercicios que comparto en todas las clases incluidas en este curso están destinados a ser trabajados en orden secuencial. No recomendaría saltar por encima de ninguno de ellos, y además si quieres pasar más tiempo en alguno de los ejercicios antes de avanzar, lo recomendaría encarecidamente. Puedes pasar a la siguiente clase tan pronto como te sientas listo, y pasar tiempo haciendo todos estos ejercicios realmente te ayudará a pasar por el proceso para tu proyecto final mucho más suavemente y llegar a mejores resultados. Vamos a seguir adelante y saltar justo adentro. Las primeras clases de este curso, Clases 3,4 y 5, están repletas de información esencial sobre dibujo con pluma y tinta, sobre pintura con acuarela, y sobre combinar pluma y tinta con lavados de acuarela. En estas clases, voy a estar compartiendo muchos ejemplos de mi propio trabajo, y voy a estar compartiendo mis consejos imprescindibles e información esencial que desearía haber sabido cuando estaba empezando con estos medios y con combinar estos medios, eso me habría ayudado a mejorar mucho más rápido. A pesar de que estas primeras clases no incluyen ejercicios prácticos, he incluido hojas de trabajo descargables, las cuales puedes descargar, imprimir, y rellenar a medida que nos estamos moviendo por la clase, para que esta información tenga mejores posibilidades de pegarse en realidad. Pasar de sus Clases 6 y 7 son ejercicios prácticos que van a servir como trabajo de práctica y preparación antes de comenzar con nuestros proyectos finales. En la Clase 6, te voy a mostrar cómo dibujar una flor de cono, una rosa silvestre, y un narciso. Voy a explicar exactamente cómo simplificar estas flores en formas básicas usando piezas clave de información que podemos tomar de fotos de referencia y cómo empezar a desarrollar tus habilidades de visualización como artista para que puedas empezar a dibujar estas flores desde diferentes ángulos y perspectivas desde la imaginación. Porque quiero mantener este curso un 100 por ciento amigable principiante primero vamos a estar dibujando estas flores usando lápices de grafito regulares, y entonces vamos a estar trayendo pluma y tinta para trazar sobre nuestro trabajo de grafito, definir bordes y agregar otros detalles. Una vez que terminemos con nuestra práctica de dibujo, te voy a llevar a través mi proceso de selección de color, que podamos saber exactamente qué colores paraque podamos saber exactamente qué coloresvamos a estar alcanzando, y cómo estamos va a estar creando nuestras diferentes mezclas de colores para nuestras piezas finales. Vamos a planificar y preparar los diferentes colores que vamos a traer para nuestra pieza de flor de cono, nuestra pieza Wild Rose, y nuestra pieza de narciso, y de ninguna manera tienes que usar los mismos colores exactos que voy a estar usando. Puedes usar lo que tengas a mano que sea similar a estos colores que estaré despreciando, o incluso cambiar los colores de tus flores por completo a algo que más te guste. Pero es muy importante que planifiques y prepares tus colores que vas a usar para que no tengas sorpresas en el camino, y puedas mantenerte alejado de crear moodiness y colores no deseados. Por último, en las Clases 8,9, y 10, vamos a estar trabajando juntos en nuestras piezas finales. Clase 8 es la pieza de flor de cono en la que vamos a estar dibujando tres flores de cono desde ángulos y perspectivas ligeramente diferentes. Esto se va a hacer usando lápiz de grafito regular primero, que vamos a pasar a definir bordes y agregar detalles usando pluma y tinta, y luego vamos a estar haciendo nuestros lavados de acuarela . En la Clase 9, vamos a estar creando nuestra pieza de rosa silvestre, y vamos a estar haciendo exactamente lo mismo. Primero vamos a estar dibujando tres rosas silvestres usando lápices de grafito regulares. Entonces vamos a estar haciendo nuestro trabajo de pluma y tinta, y luego vamos a estar haciendo nuestros lavados de acuarela. Entonces por fin, la Clase 10 va a ser la pieza de narciso. Debido a que los narcisos son más grandes, sólo vamos a estar dibujando dos narcisos y ángulos y perspectivas ligeramente diferentes. Primero usando lápices de grafito, luego pluma y tinta, y luego finalmente, vamos a estar agregando nuestro color brillante usando acuarela. En el camino, voy a estar brindando toneladas de propinas para que puedas mantener estos sueltos, divertidos, expresivos y frescos. También voy a estar brindando algunos consejos clave sobre la composición, y cómo llegar a una armonía visual y una pieza de aspecto equilibrado. En la pestaña Proyectos y Recursos, vas a poder encontrar tus hojas de trabajo rellenables, plantillas descargables, mis bocetos de esquema en caso de que quieras usarlas como referencia, o para transferir a tus hojas de papel de acuarela usando papel de calco, o estás transfiriendo el método de elección. Las fotos de referencia que utilicé y fotos de mis piezas terminadas. Eso lo va a hacer para esta clase de orientación de corte de introducción corta. Espero saltar a la siguiente clase contigo en la que voy a estar compartiendo todo sobre mis consejos imprescindibles e información para saber cuando se trata de dibujar con pluma y tinta. Nos vemos ahí. 4. Líneas y flores sueltas 4: Hey ahi y bienvenidos a esta clase en la que voy a estar compartiendo la información principal que ojalá supiera cuando estaba empezando por primera vez con dibujo de pluma y tinta, eso me hubiera ayudado a llegar mejores resultados que me encantó mucho más rápido. A pesar de que este no es un curso completo sobre el dibujo de pluma y tinta. Quería compartir con ustedes los consejos clave para que puedan tener estos en mente, avanzando en su viaje con este medio, seguir construyendo sobre estos bloques fundacionales y aunque esta información estos consejos van a ser increíblemente útiles, no importa en qué pluma y tinta dibujo o obra de arte elijas trabajar. Estaré enfatizando en los puntos clave que te ayudarán a llegar a impresionantes obras de arte cuando combinas pluma y tinta con lavados de acuarela, que es en lo que estamos trabajando en este curso. Estaré conectando todos los puntos clave que comparto con este tipo de obras de arte mixtas. Con eso dicho, sigamos adelante y saltemos directamente al punto clave Número 1. Lo primero que quiero compartir contigo es que no tengas miedo de empezar primero con lápices de grafito, en realidad te animaría a hacerlo. Esto se aplica de dos maneras diferentes. El primero es que en general, cuando estés empezando en tu viaje con el dibujo, te recomendaría que comiences con lápices regulares de dibujo de grafito, y empieces a construir estas habilidades esenciales como tus habilidades observacionales, tu coordinación mano-ojo, tu control sobre tus herramientas de dibujo, tus habilidades de medición visual, tal vez tú y tu capacidad para recrear formas de manera efectiva y empiece a construir sus conocimientos y habilidades con perspectiva de dibujo usando lápices de dibujo regulares primero antes de saltar a pluma y tinta. El motivo por el que esto es, es porque dibujar con lápices de grafito regulares es mucho menos intimidante porque se pueden borrar errores. Cuando estás dibujando con pluma y tinta tinta es permanente y no vas a poder borrarlo. Cuando empecé por primera vez con el dibujo de pluma y tinta, pude acumular mis habilidades con relativa rapidez porque ya sabía dibujar con lápiz regular. Mis habilidades básicas de dibujo ya estaban ahí. Entendí estos fundamentos esenciales del arte como la forma 3D y la perspectiva y en general, tenía una calidad de línea bastante decente ya desarrollada. La calidad de la línea es enorme y súper esencial a la hora dibujar y dibujar con bolígrafo y tinta porque se trata de trabajo de línea. Estamos poniendo líneas y marcas. Asegúrate de que cuando empieces a dibujar por primera vez, que empieces con lápices de grafito regulares o que trabajes en la construcción tus habilidades con lápices de grafito regulares junto a tu dibujo con bolígrafo y tinta. Ahora, la segunda forma en que se aplica para empezar con lápiz es, como se puede ver ahora mismo en pantalla, estoy rastreando un boceto preliminar de grafito que creé antes de cambiar a mi pluma y tinta, nunca deberías, nunca sentirte avergonzado antes de crear un boceto preliminar en grafito primero un boceto preliminar en grafitoy luego cambiar a tu pluma y tinta. Una vez que tengas más práctica en y te pongas cada vez más cómodo con un bolígrafo de dibujo, puedes agregar menos detalle usando lápiz de dibujo regular en ese boceto preliminar y crear más de ese dibujo usando pluma y tinta directamente del murciélago sin haber puesto ningún grafito debajo. Eventualmente, vas a estar simplemente colocando formas generales simples con lápiz y vas a cambiar de inmediato a tu pluma de dibujo y vas a crear todos esos medianos formas y detalles inmediato usando su pluma de dibujo. Vas a haber creado solo tus huesos desnudos, tu esqueleto con grafito, y vas a hacer todo lo demás con bolígrafo y tinta. Entonces eventualmente vas a poder acumularte para hacer todo bien del murciélago inmediato con pluma y tinta. Pero la pluma y la tinta sin duda pueden ser complicados y frustrantes para los principiantes y la mayoría de las veces es porque no han construido esas habilidades básicas de dibujo y su control sobre su medio de dibujo vía lápiz primero. Es por eso que en este curso, que está destinado para principiantes, voy a estar llevándote a través dibujar las flores con lápiz primero y luego vamos a estar definiendo bordes y agregando más detalles con bolígrafo y tinta, y luego vamos a estar borrando nuestro trabajo de lápices. Esta es la estrategia que uso al día para mi bolígrafo y lavo piezas, sobre todo cuando estoy dibujando un tema que es un poco más complejo o algo que no he dibujado demasiado mucho en el pasado. Pasando a la punta clave para el éxito Número 2, y todo esto está relacionado con la variación del peso de línea. La variación del peso de línea es esencial para entender cuando estás tratando de desarrollar tus habilidades con bolígrafo y tinta y está directamente relacionada con la calidad de la línea. A qué se refiere la variación del lenguaje es esencialmente la variación de pesos o espesores en las líneas y marcas que se crean. Cuando estamos dibujando con pluma y tinta, si el look que vamos a buscar es dinámico y fluido, queremos que nuestros dibujos sean interesantes y que tengan dimensión para ellos, tenemos que hacer uso del peso de línea variación, lo que significa que queremos que ciertas líneas o ciertas marcas sean más ligeras y de peso visual y otras líneas observaciones sean más pesadas en peso visual. O incluso dentro de una misma línea o una misma marca queremos ciertas secciones de esa marca de trazador de líneas sean más ligeras y otras secciones de esa marca de trazador de líneas sean más pesadas. Cuando seamos capaces de controlar nuestra herramienta de dibujo y cambiar y cambiar las diferentes cosas de las que voy a estar hablando a continuación, consciente, intencionalmente para llegar a los resultados y al y el efecto que buscamos, se puede decir que tenemos un cierto nivel de dominio sobre nuestra herramienta de dibujo. A través de este dominio sobre nuestra herramienta de dibujo, somos capaces de crear variación de peso de línea a través de la cual somos capaces de lograr una gran calidad de línea en nuestro trabajo. El motivo por el que es tan importante tener una variedad de pesos de línea en un dibujo o un boceto es porque si alguna vez has visto una caricatura o incluso una página de libro para colorear en la que todos los diferentes secciones, elementos, partes de la imagen están delineados por una línea negra pesada, negrita y gruesa que tiene un mismo grosor o peso consistente en todos los contornos involucrados, que conduce a mucha planitud. Una de las principales cosas con las que veo muchos principiantes luchando es que sus dibujos parecen demasiado pesados, demasiado rígidos, demasiado rígidos, demasiado rígidos, demasiadocrudos demasiado rígidos, demasiado que parecen parejos, y la mayoría de los veces es porque están tratando tener demasiado control sobre su pluma de dibujo, se están agarrando demasiado fuerte, tal vez incluso presionando demasiado, están vacilando ya que se están acostando esas líneas y marcas y están trabajando demasiado lentamente. Esto es lo que la intención de hacer todo muy perfecto pero al final, las cosas se ven un poco demasiado rígidas y demasiado pesadas, demasiado rígidas, demasiado crudas. Al trabajar con pluma y tinta, a menudo es mejor tener leve tambaleamiento, ligeras irregularidades e imperfecciones en tus líneas, pero que se vean dinámicas y fluidas. Y algo que puede ser increíblemente útil es hacer tiempo para llenar páginas enteras de libros de bocetos con diferentes tipos de líneas y marcas y garabatos simples para que puedas ponerte más cómodo con su pluma de dibujo de una manera menos abrumadora. Hay cuatro cosas clave que buscar y comenzar a analizar de primera mano a medida que estás dibujando con pluma y tinta. Eso solo o en combinación conduce a la variación del peso de la línea en tu trabajo de pluma y tinta. Si alteras estratégicamente y haces uso de estas cuatro cosas clave en tu trabajo de pluma y tinta para desarrollar peso visual menor o más pesado en tus líneas y marcas, al final tu dibujo va a ser mucho más dinámico e interesante de mirar y probablemente va a comunicar un mayor sentido de dimensión. Y al principio, cuando estás empezando, realmente quieres tener estas cuatro cosas en mente. Pero cuanto más practiques intencionalmente teniendo en mente estas cuatro cosas, más rápido vas a llegar a un punto en el que tu intuitivamente cambiando y cambiando estas cosas para llegar a piezas de mejor aspecto. Estas cuatro cosas que afectan en gran medida a tu variación de peso de línea y calidad de tu línea son el tamaño de la punta de tu bolígrafo, el ángulo con el que usas tu bolígrafo, la velocidad a la que mueves tu mano o brazo como estás usando tu bolígrafo, y la presión que estás ejerciendo sobre tu bolígrafo. Cuanto mayor sea el tamaño de punta del bolígrafo que estés usando, obviamente, más pesadas y más gruesas son las líneas y marcas que vas a crear. Cuanto más pequeño sea el tamaño de punta del bolígrafo que uses, más delgadas y ligeras serán tus líneas. Una vez que tengas un gran control sobre tu herramienta de dibujo, realmente podrías usar un mismo tamaño de punta de bolígrafo y controlar las otras tres variables y aún así llegar a un gran peso de línea variación a lo largo de su dibujo. La segunda variable que puedes usar para tu ventaja para crear una variación de peso de línea a lo largo de tu dibujo, es el ángulo en el que estás usando tu bolígrafo. Si usas tu bolígrafo a un ángulo más de 90 grados desde tu mesa plana o la superficie en la que estás dibujando, más de esa tinta va a fluir hacia abajo esa punta, haciendo que tus líneas y marcas sean más pesadas y peso visual. Considerando que si intentas usar tu bolígrafo en un ángulo más de 45 grados desde tu superficie horizontal plana en la que estás trabajando, o incluso menos que eso, un ángulo de 30 grados o en ángulo de 25 grados, menos tinta va a fluir hacia abajo esa punta a medida que estás dibujando y tus líneas van a parecer más claras y delgadas. La tercera cosa que puedes usar para tu ventaja para llegar a un dibujo que tenga una bonita variación de peso de línea en todo lo largo es cambiar y cambiar la velocidad a la que estás usando tu dibujo pluma. Si mueves tu bolígrafo más lentamente por esa página, una vez más, más tinta va a tener esa oportunidad de fluir hacia abajo y crear líneas más gruesas y pesadas más audaces. Considerando que si mueves la mano y el brazo más rápido, menos tinta va a tener oportunidad de fluir hacia abajo para cumplir con ese papel y vas a llegar a líneas de aspecto más delgado y ligero. La última variable que puedes usar para tu ventaja y empezar a controlar para que puedas llegar a una mejor variación del peso de línea es la presión que estás ejerciendo sobre tu papel. En realidad nunca ejerzco demasiada presión sobre mi pluma porque no quiero dañar nunca el papel en el que estoy trabajando. Pero además de mover tu bolígrafo más rápido y variar el ángulo, también puedes aplicar un poco más de presión sobre tu pluma para permitir que más de esa tinta fluya hacia abajo esa punta y crear más pesado líneas de aspecto más audaz donde quieras una línea más gruesa. Entonces como estás trabajando en tus ejercicios de práctica en este curso y trabajando en tus proyectos finales, cuando estamos trabajando en nuestras fases de pluma y tinta, pregúntate, dónde quiero más audaz, más pesado buscando líneas y marcas? ¿ Y dónde quiero líneas y marcas más delgadas, más ligeras? ¿ Qué tengo que hacer o turno o cambio para llegar a esos resultados? Lo último que quiero compartir como consejo clave en esta clase es que cuando estamos trabajando con pluma y tinta, estamos desarrollando valor o tono y textura simultáneamente. Esto se debe a que estamos usando líneas y marcas a diferencia de cuando estamos dibujando con lápiz de grafito a través cual somos capaces de cubrir de manera uniforme y suave una gran cantidad de papel con nuestra punta de nuestro lápiz y somos capaces de desarrollar fácilmente transiciones suaves y gradientes. Cuando estamos dibujando con pluma y tinta, estamos desarrollando diferentes tonos o valores, lo que significa áreas claras, áreas tono medio y áreas oscuras y texturas simultáneamente a través de la repetición de líneas y marcas . Si quieres desarrollar aún más tus habilidades con pluma y tinta, realmente vale la pena mirar en técnicas alternativas de sombreado y fabricación de marcas como eclosión, rayado cruzado, garabatos, punteado, líneas de contorno, etc. Para los proyectos en este curso estamos utilizando principalmente lápiz y tinta para definir contornos exteriores, definir bordes, y agregar una pequeña cantidad de detalle. Realmente no estamos buscando hacer mucho sombreado o desarrollar valores con nuestra pluma en absoluto, tal vez muy mínimamente. Pero debido a que vamos a estar trayendo acuarela y vamos a estar combinando dos medios diferentes, realmente no estamos buscando describir excesivamente con ninguno de ellos. Porque si lo hacemos, nuestra pieza va a parecer excesivamente descrita y exagerada. Voy a hablar más de esto en la clase número cinco. Pero es importante que sepas que cada vez que repites una línea o marca una y otra y otra vez, vas a estar creando una textura visual. Es importante que sepas esto porque muchas veces cuando se trabaja con pluma y tinta, porque estamos poniendo líneas y marcas, podemos crear accidentalmente una textura visual que no estábamos pretendiendo para crear. O por otro lado, simplemente puedes empezar a hacer que las cosas se vean un poco demasiado desordenadas porque estás empezando a sentar demasiadas líneas y marcas y no hay consistencia a lo largo de tu grupos. Mantén un ojo hacia fuera para eso porque no quieres empezar a hacer que una de tus flores se vea peluda porque estás repitiendo una línea una y otra vez. Basta con reflexionar sobre los tipos específicos de líneas y marcas que estás creando con tu bolígrafo antes de colocarlas y a la cantidad que estás colocando para que puedan comunicar la textura y el detalle que realmente estás buscando describir. Puedes mantenerte alejado de agregar más de lo que realmente es necesario. Eso es todo para esta clase. Si lo has logrado, enhorabuena. Estoy deseando verte en la próxima clase, que va a ser todo sobre consejos esenciales de pintura acuarela para saber que no sólo te van a ayudar a triunfar con las piezas que nosotros trabajaron juntos en este curso, pero te van a ayudar a crear grandes resultados con otras piezas de acuarela en las que puedas elegir trabajar en el futuro. Nos vemos ahí. 5. Líneas y flores sueltas 5: Oye ahí y bienvenidos a esta clase en la que voy a estar compartiendo unos consejos imprescindibles sobre pintar con acuarela. Te van a ayudar a triunfar con tus piezas finales en las que vamos a estar trabajando juntos en este curso, pero realmente también te será de ayuda si estás empezando con este medio ya que realmente aplican para cualquier tipo de pieza de acuarela en la que puedas decidir trabajar en el futuro y te ayudarán a empezar a construir una base sólida de conocimiento para saltar desde y empezar a construir en. Vamos a seguir adelante y saltar recto adentro. Lo primero que hay que entender es que la acuarela es un medio translúcido o transparente, a diferencia de medios de pintura opacos como acrílicos o aceites. Realmente no estamos buscando cubrir nuestro sustrato, que en este caso, nuestro sustrato es papel que estamos pintando con capas gruesas de pintura. Al trabajar con acuarela, buscamos incorporar ese brillo de ese papel bajo la pintura como parte de la pintura. A lo largo del proceso de pintura, seguimos alterando la consistencia de las pinturas agregando más o menos agua dependiendo de si queremos utilizar esa pintura de una manera más oscura saturada, cubriendo más papel o si queremos usar la pintura de una manera más ligera, más translúcida, que cubra una menor cantidad de papel. Si queremos usar nuestros colores de una manera más oscura y tapar más papel, simplemente agregamos más pintura y menos agua a nuestras mezclas de colores. Si queremos crear pálidos o colores más translúcidos, añadimos más agua a nuestras mezclas de colores . También podemos profundizar y oscurecer ciertas áreas trabajando en capas y capas más color en aquellas áreas que queremos oscurecer o cayendo en más color antes esa capa anterior empieza a secarse. Para resumir este punto, lo largo del proceso de pintura de acuarela, estamos cambiando constantemente y cambiando las proporciones de pintura a agua en nuestras mezclas de colores dependiendo los efectos que estamos después en ese punto en el tiempo. Punto clave número dos que quiero compartir con ustedes en cuanto a trabajar con acuarela, y esto es, suele ser mejor trabajar de luces a oscuras. Como dije antes, al trabajar con acuarela, estamos incorporando ese brillo del papel como parte de nuestra pieza. Al trabajar con acuarela, la blancura de ese papel nos va a ayudar a crear nuestros puntos destacados. Se destaca por nuestras áreas de valor más livianas, nuestros puntos destacados más brillantes. Es por ello que es súper importante planear para un resaltado formas, y mantener esas áreas protegidas y descubiertas con pintura durante todo el proceso de pintura. Un montón de artistas de la acuarela, encuentran el fluido de enmascaramiento una herramienta muy útil porque les permite mantener sus reflejos protegidos mientras son capaces de trabajar un poco más libremente, y ellos no tienes que preocuparte por encubrir esos aspectos más destacados. Cuando trabajo en capas, que suele ser cuando voy por niveles más altos de realismo con piezas de acuarela, inicialmente, entro con color muy ligero, pálido, translúcido y aguado, y me dirijo de manera incremental hacia colores más oscuros, más saturados o mezclas de colores que tienen menos agua en ellos y más pintura en ellos. Esto me da más control porque recuerda que siempre va a ser más fácil entrar y oscurecer de lo que es entrar y aclarar. Al trabajar con acuarela, los errores son muy difíciles de corregir porque una vez que ese pigmento se absorbe por ese papel, no hay vuelta a la blancura que alguna vez tuvo el papel. Para las piezas en las que vamos a estar trabajando juntos en este curso, realmente sólo vamos a entrar con una capa de acuarela. Esto se debe a que estamos manteniendo las cosas sueltas y expresivas con estas piezas florales, y también vamos a estar combinando acuarela con pluma y tinta. No queremos exagerar con ninguno de los medios. Queremos crear un buen equilibrio fresco con los dos medios, y voy a estar brindando consejos sobre cómo hacer esto en la próxima clase. No obstante, todo esto todavía aplica, y te voy a mostrar cómo hacer esto incluso en piezas más rapidas, más expresivas preparando dos mezclas de colores diferentes para cada sección de nuestra flor, una mezcla de colores más claros y una mezcla de colores más oscuros, y cayendo en ese segundo color más oscuro mientras que esa capa inicial más clara sigue mojada. punta clave de acuarela número tres va a ser, para tener cuidado de no sobrecargar tu pieza. Al pintar con este medio, es increíblemente fácil empezar a trabajar demasiado tu pintura. Esta palabra, el exceso de trabajo significa cosas diferentes para diferentes artistas. Para algunos artistas, especialmente aquellos que trabajan con estilos más expresivos, más flojos, el exceso de trabajo puede significar simplemente más de describir un tema. Para un artista que trabaja con una sola capa, que siempre está manteniendo las cosas mínimas y muy expresivas y sueltas, trabajando en cinco o seis capas diferentes e intentando describir cada una de ellas poco detalle para llegar a los más altos niveles de realismo puede ser referido como exceso de trabajo. En este caso es simplemente más de describir, pero el exceso de trabajo también puede referirse a comenzar a dañar su papel. Cuando acabamos de empezar con este medio y apenas estamos empezando a desarrollar nuestro control del agua, y no hemos entendido cómo trabajar correctamente en capas si queremos hacerlo, puede ser muy, muy fácil empezar a dañar nuestro papel e incluso empezar a hacer agujeros en él, sobre todo si estamos trabajando en papel de acuarela más delgado. La forma en que te alejas de dañar tu papel de acuarela es simplemente practicando tu control del agua, que voy a estar hablando más a continuación, y también aplicando pintura con confianza, que realmente sólo viene con el tiempo y la práctica, y abrazando los efectos irregulares orgánicos que crea la pintura acuarela. Una de las bellezas de este medio es que solo hay una cierta cantidad que puedes controlar. acuarela tiene una mente propia, y siempre van a haber ciertas cosas que no anticipaste o que te sorprenden. Muchas veces es mejor abrazar lo que sucede en el papel, permitiendo que esa pintura haga lo suyo, y dejándola sea tanto como puedas. Cuanto más intentes entrar y pelear con la pintura o “correcto o perfecto” cada cosa que suceda, más probable es que vayas a llegar a resultados con exceso de trabajo. También recuerda siempre que si estás trabajando en capas, es muy importante que permitas que esa capa anterior se seque por completo antes de comenzar con la siguiente. Consejo clave para el éxito al trabajar con acuarela número cuatro, y esto es, comience a desarrollar su control de agua. A lo largo del proceso de pintura de acuarela, tenemos que mantenernos constantemente atentos y seguir comprobando la cantidad de agua que tenemos en nuestras mezclas de colores en nuestra paleta con el fin aplicar nuestra pintura en un estado más translúcido o más saturado, dependiendo del tono y el valor que vamos a buscar. No obstante, también tenemos que prestar atención a la cantidad de agua que tenemos en nuestras cerdas de pincel porque cada vez que entramos en nuestro recipiente de agua, estamos absorbiendo el contenido de agua que estamos sacando a nuestro papel o a nuestras mezclas de colores, regándolas aún más. Si no prestamos atención a esto, podemos crear fácilmente fondos en nuestras pinturas y splotchiness porque gotea demasiada agua de nuestras cerdas de pincel, perturbando esa pintura que se está asentando en ese papel, y eso ya podría estar en medio del proceso de secado. También podemos muy rápidamente y sin saber, empezar a hacer nuestras mezclas de colores en nuestra paleta extremadamente acuosa, haciéndonos usar más pintura de la necesaria porque constantemente vamos a encuentra la necesidad de sacar más pintura de nuestra paleta a la mezcla de colores. Por último, aparte de notar cuánta agua tenemos en nuestras mezclas de colores en nuestra paleta y en nuestras cerdas de pincel, también es esencial que empecemos a prestar atención a cuán mojado está nuestro papel. acuarela siempre se va a expandir sobre papel que está mojado, y cuanto más movimiento queremos, húmedo tiene que ser el papel. Tenemos que empezar a desarrollar esa habilidad para notar los diferentes grados de humedad que un papel puede tener para llegar a los efectos que queremos cuando empezamos a colocar esa pintura sobre papel. También tenemos que notar cuando el periódico ha llegado a ese incómodo estado semi seco, porque cuando lo ha hecho, realmente no deberíamos estar haciendo más trabajo en absoluto. Esa es una forma segura de nuevo, llegando a resultados splotchy con exceso de trabajo. Recuerda seguir revisando y prestando atención a la cantidad de agua que tienes en tres áreas o cosas diferentes a lo largo de tu proceso de pintura. Una de esas son tus propias mezclas de colores, otra son tus cerdas de pincel, y otra es tu papel. Asegúrate de que el contenido de agua que tienes en estas tres áreas sea lo que necesitas para que ese punto dado en el tiempo del proceso de pintura llegue a los resultados que estás buscando. En mi curso de Acuarela 101 que compartí anteriormente aquí en Skillshare, voy mucho más en profundidad en este tema y brindo muchos ejercicios imprescindibles. Te van a ayudar a empezar a desarrollar tu control del agua. Recomiendo encarecidamente revisarlo. El último consejo clave que realmente te va a ayudar a avanzar con acuarela es mantener las cosas limpias y organizadas. Quieres asegurarte de que estás manteniendo las cosas organizadas en tu paleta de mezclas, así que por ejemplo, algo que podría ayudar podría ser mantener las mezclas de colores cálidos separadas de mezclas de colores fríos o manteniendo a los neutrales alejados colores vibrantes y simplemente asegurándose de que tus mezclas de colores no se estén entremezclando porque esto puede llevar a desaturados colores apagados, y si estás buscando el colores saturados, y eso no es absolutamente ningún problema. Pero por ejemplo, para nuestras piezas florales para este curso, realmente queremos usar colores saturados vibrantes. Pero otra cosa es que quieres asegurarte de que estés enjuagando completamente tus cerdas de pincel entre tus colores, especialmente cuando acabas de trabajar con un solo color y estás a punto para empezar a trabajar con un color muy diferente. Puedes empezar muy fácilmente a crear barro o un color no deseado si tienes un color anterior todavía en tus cerdas de pincel y te metes en un color, es decir, es complementario, lo que significa su opuesto en la rueda de color o si tienes un marrón en tus mezclas y entras en un color vibrante, puedes silenciarlo accidentalmente también. Solo ten mucho cuidado y asegúrate enjuagar por completo esas cerdas antes de empezar con un nuevo color. Por último, lo último que quieres asegurarte de mantenerte limpio es tu agua en tu contenedor. Quieres asegurarte de que lo estás vigilando para que cuando empiece a volverse turbia, lo cambies de inmediato porque esa pintura y esa murkiness en tu agua también puedan afectar tu color. A algunos artistas les gusta usar dos contenedores e incluso tres recipientes para que puedas usar uno de ellos para enjuagar tus cerdas de pincel entre colores para que la mayoría de eso la murkiness permanece en esa agua, y puedes usar tu otro recipiente de agua para sacar agua limpia a tus mezclas de colores, y para cualquier otra técnica que te requiera usar agua limpia. Pero sea cual sea el caso, ya sea que decida trabajar con un contenedor, dos contenedores, tres contenedores, o más, asegúrese de que su agua se mantenga limpia. Mantener las cosas limpias y organizadas te ayudará a llegar a colores más vibrantes en tus piezas finales. Muy bien amigo mío, felicitaciones si lo lograste a través de esta clase, me emociona verte en la siguiente en que voy a estar explicando algunos consejos clave y piezas de información que son te va a ayudar a combinar lápices y tinta y lavados de acuarela con más éxito y llegar a resultados bien equilibrados que no están sobrecargados. Nos vemos en la siguiente. 6. Líneas y flores sueltas 6: Oye ahí, amigo. Bienvenido a esta clase en la que voy a estar compartiendo para must know tips que te van a ayudar a crear piezas de pluma de aspecto impresionante, bien balanceadas y tinta y lavado de acuarela. Estas son cuatro cosas clave que siempre tengo en mi mente cuando estoy trabajando en este tipo de obras de arte que ayudaron a que mi proceso de fabricación de arte vaya mucho más suavemente y realmente me ayudó a llegar a los mejores resultados. Antes de saltar a las puntas, quiero compartir por qué la pluma y la tinta y la acuarela son una gran combinación de medios artísticos. A lo largo de mi viaje artístico, he explorado muchos medios de dibujo y pintura diferentes, y también he combinado muchos medios diferentes para crear piezas de medios mixtos. Honestamente puedo decir que de todas las combinaciones de médiums que he probado, mi absoluto favorito es la pluma y la tinta y la acuarela. El principal motivo por el que esto es, es porque estos dos médiums se complementan increíblemente bien. Podemos utilizar las fortalezas de ambos medios en combinación para crear piezas bien equilibradas que son interesantes y que tienen toneladas de nosotros mismos en ellos porque hay tantas opciones diferentes y formas de trabajar, pero sólo hay mucha oportunidad de traer más de nosotros mismos y nuestra forma de hacer las cosas a nuestro trabajo. Cuando aplicamos tinta sobre papel a través de un bolígrafo de dibujo, estamos usando un medio de dibujo. Un lápiz de dibujo permite una mayor precisión, mayor control, la capacidad de definir aristas y agregar detalles y utilizar líneas y marcar haciendo de una variedad de formas diferentes. A pesar de que realmente podemos usar cualquier color de tinta, muchas veces, usamos tinta negra en combinación con la acuarela, esta manera, permitiendo que brille la vitalidad de la acuarela. La acuarela, por otro lado, es un medio de pintura, y una de las bellezas de la acuarela es que tiene una mente propia porque estamos usando mucha agua. Somos capaces de crear estos efectos hermosos, orgánicos, menos controlados a través de lavados rápidos de color. En otras palabras, usamos nuestro medio de dibujo, en este caso, son nuestros bolígrafos de dibujo usando líneas y marcando, y usamos acuarela para pintar en áreas y formas más grandes vía lavados. Con todo lo dicho, voy a seguir adelante y compartir mis cuatro consejos principales contigo en combinar pluma y tinta con acuarela. punta número 1 es asegurarte que estás eligiendo las herramientas adecuadas. Hablé un poco de esto en la primera clase en la que estoy compartiendo mis suministros contigo que voy a estar usando a lo largo de este curso. Pero es increíblemente importante que si vas a estar combinando pluma y tinta y acuarela, que estés usando un bolígrafo que contiene tinta impermeable que no va a difuminar cuando añades pintura y agua encima de ella. Al trabajar en cualquier tipo de trabajo de arte de medios mixtos, quieres asegurarte de que a medida que estás trabajando, tus materiales y suministros reaccionarán bien entre sí durante todo el proceso. Al mismo tiempo, quieres asegurarte de que tu obra de arte, sobre todo si pasas mucho tiempo en ella, sea capaz de soportar la prueba del tiempo. Si no piensas en cómo van a reaccionar estos diferentes medios entre sí mientras estás dibujando o pintando, es probable que te sientas como si estuvieras teniendo que luchar contra el sustrato en el que estás dibujando tu pintura sobre o en contra de uno de los materiales, y todo el proceso puede resultar mucho más frustrante. Al mismo tiempo, si no pensamos en cómo estos materiales van a tener un impacto en el otro a lo largo del tiempo, después de que hayamos terminado, sin duda pueden tener un desfavorable reacción entre sí con el tiempo y hacer que la pieza se deteriore mucho más rápido. Pasando a mi segundo consejo, que te va a ayudar a crear hermosas piezas de lápiz y tinta y acuarela de lavado, y esta es para dar pensamiento a cómo vas a estar equilibrando los dos médiums antes de empezar. Como mencioné en una clase anterior, cuando vamos a estar creando una pieza de media mixta en que vamos a estar trayendo dos o más tipos diferentes de medios de dibujo o pintura para crear una misma pieza, realmente no queremos describir excesivamente con ninguna sola de ellas. Queremos dar pensamiento a lo que vamos a estar haciendo y cuánto detalle vamos a estar agregando con cada uno porque si no damos pensamiento a esto, es extremadamente fácil seguir agregando y sumando y agregando con todos tus diferentes médiums, y al final, puedes llegar a una paz que está excesivamente descrita y exagerada y tal vez hasta abrumadora de mirar. Lo que recomendaría para principiantes comiencen en sus viajes con arte en medios mixtos es siempre tomar cinco minutos antes de empezar y pregúntate cuánto trabajo y incluso qué técnicas estás planeando usar con todos tus diferentes médiums que estás pensando en traer. En este caso, por ejemplo, si estamos usando pluma y tinta y acuarela, y estos son los dos medios con los que estamos creando nuestra pieza de medios mixtos, qué porcentaje de trabajo soy va a estar haciendo con mi pluma y tinta y qué porcentaje de trabajo voy a estar haciendo con la acuarela? ¿ Va a ser 50-50? 30-70? 60-40? Respondiendo a esta pregunta y decidiendo al menos de manera general, cuánto vas a estar haciendo con cada medio y asegurándote de que estés teniendo esto en cuenta a lo largo del proceso de dibujo y/o pintura, hay una posibilidad mucho mejor que vayas a llegar a un resultado bien equilibrado que es fresco, que es expresivo, y que el espectador querrá seguir mirando. Tomando un momento antes de empezar con alguna obra de arte para hacerte este tipo de preguntas y realmente prestando atención a lo que está pasando en el proceso creativo y si esto te está ayudando no ayudarte a llegar a los resultados que quieres realmente te va a ayudar a empezar descubrirte como artista, y realmente te va a ayudar a empezar desarrollar los tuyos propios proceso creativo, que es extremadamente emocionante. Pasando a la punta clave número 3 para tener en cuenta cuando estás combinando pluma y tinta y acuarela, y esta es para pensar si vas a estar haciendo tu bolígrafo y tinta trabaje primero o su obra de acuarela primero. Ambos métodos son grandes opciones, y en última instancia va a depender de lo que más disfrutes y de lo que lleva a los efectos que más te gustan. Para mí personalmente, me gusta comenzar con un dibujo que tiene cierta cantidad de detalle ya renderizados, dependiendo de la cantidad de trabajo que voy a estar haciendo con la acuarela, yo decidir si voy a estar agregando más o menos detalle con mi bolígrafo y tinta. Pero para mí, sólo tiene sentido crear esa estructura inicial primero usando mi pluma y tinta, y luego entrar con mi acuarela. Esto me ayuda a traer un cierto nivel de realismo a mi trabajo que me gusta porque soy capaz de pasar un tiempo más largo primero creando mi boceto preliminar a lápiz, luego haciendo mi pluma y trabajo de tinta sobre ese boceto preliminar a lápiz, y soy capaz de dibujar mis formas, conseguir mis proporciones en perspectiva correcta y todo eso, lo cual es súper importante para crear niveles de realismo mediados a más altos. Una vez que tenga eso adentro, puedo ser más flojo y más expresivo a la hora de usar mi pintura. Pero otros artistas realmente disfrutan haciendo sus lavados y formas de acuarela primero, y luego traen su pluma y tinta. Esto también es impresionante. Por lo general, estos son los artistas que van por un look más abstracto , un look altamente expresivo, y buscan menos control inicialmente, y están buscando la pintura para hacer la mayoría de los parlantes. Realmente puede ser un proceso emocionante jugar primero con la pintura, ver qué pasa en el papel, y luego en base a lo que pasó, puedes tomar decisiones sobre lo que vas a estar haciendo en términos de su trabajo de línea y su marca haciendo con bolígrafo y tinta. Yo diría que es más un proceso intuitivo en general. Ese puede ser un proceso muy, muy emocionante para explorar con seguridad. Podrías preguntarte si te gusta dibujar más, o si te gusta pintar más, o si disfrutas más de un look controlado o un look menos controlado. Entonces crea una estrategia para ti mismo basada en eso. Esto es muy, muy importante. No importa qué medio sea que vayas con primero, ya sea bolígrafo y tinta o acuarela. Asegúrate de dejar que se seque por completo antes de comenzar con el siguiente medio. Si utilizas un bolígrafo impermeable a prueba de manchas y dejarás que se seque por completo antes entrar con tu acuarela, no debes manchar ni manchar. Trabajar en capas y permitir que se sequen en el medio. Pasando al último consejo que quiero compartir contigo en esta clase, y esto es para entrar con al menos una estrategia básica. Éste realmente va de la mano con los dos últimos tips. Después de que hayas decidido cuánto trabajo vas a estar haciendo con cada medio, y también qué medio va a ser primero y qué medio va a ser segundo, solo ve un poco más profundo y pregúntate, ¿qué técnicas específicas vas a estar usando con cada medio, y en qué orden estás pensando en abordar cada área? ¿ Vas a estar agregando en un fondo? ¿ Vas a estar haciendo alguna estratificación? ¿ Vas a estar usando algún lápiz y tinta alternativas de sombreado o técnicas de marcado como eclosión, rayado cruzado, garabatos, punteado, etc.? ¿ Vas a estar usando técnicas mojadas sobre mojadas o técnicas mojadas sobre secas al pintar con acuarela? Además, piensa en los colores específicos que vas a estar necesitando una para tu pieza. Tomar tiempo para seleccionar y ensayar tus colores e incluso los mezcladores de colores que vas a usar es súper importante porque el color, como lo estaré explicando en la clase número 7, va a ayudar nosotros creamos una pieza bien integrada, de aspecto armonioso. Pero lo que me gusta hacer antes empezar con una nueva pieza en la que voy a estar pasando un poco de tiempo es que me hice estas preguntas que acabo compartir contigo y me llevo algunas notas, e incluso anoto pasos para mí, 1, 2, 3, 1, 2, 5. Con lo que voy a estar empezando, y cómo estoy pensando en avanzar a través de mi proceso, y todo esto me ayuda inmensamente. Ayuda a que mi proceso vaya mucho más suavemente, y hace que sea mucho más probable que vaya a llegar a resultados que me encantan. Tomar incluso 5-10 minutos para hacer algún trabajo de planificación y preparación marca toda la diferencia en el mundo. Muy bien, amigo mío. Si lo lograste a través de esta clase, enhorabuena. Estoy tan emocionado de pasar a la siguiente clase en la que vamos a estar dibujando flores juntos. Voy a estar explicando cómo simplificar tres flores diferentes, una flor de cono, una rosa silvestre, y un narciso en formas simples, y cómo puedes empezar a trabajar en tu habilidades de visualización que posteriormente se pueden dibujar estas desde la imaginación, desde diferentes ángulos y perspectivas. No puedo esperar a trabajar en nuestro dibujo juntos. Nos vemos en la siguiente. 7. Líneas y flores sueltas 7: Oye ahí y bienvenidos a Clase Número 6 en la que voy a estar compartiendo cómo simplificar las flores en formas básicas. Nos vamos a centrar en estudiar y practicar las tres flores específicas que vamos a estar trayendo en nuestro proyecto final. Vamos a estar dibujando estas flores con grafito primero y después vamos a pasar a rastrearlas con pluma y tinta para que podamos entrar nuestra práctica con nuestros bolígrafos de dibujo. He recogido algunas fotos de referencia diferentes para cada una de las flores que necesitamos practicar para que realmente podamos estudiar y observar su estructura y características principales. Me he asegurado de compilar diferentes fotos para cada flor para que podamos verlas desde diferentes ángulos y perspectivas. Esto es importante porque vamos a ser capaces de obtener una mejor comprensión de la estructura tridimensional de cada flor y sus características específicas. Vas a poder encontrar todas estas diferentes fotos de referencia que he compilado para ti en la pestaña de proyectos y recursos para este curso. Estos ejercicios en los que vamos a estar trabajando juntos en esta clase son increíbles ya que te ayudan a desarrollar tu habilidad para simplificar lo que estás tratando de dibujar y vas para poder visualizar más fácilmente estas flores que vas a estar dibujando desde la imaginación cuando estés creando tus piezas finales. Vamos a seguir adelante y saltar recto adentro. Como pueden ver, he dividido una de las páginas de mi cuaderno de bocetos en tres secciones. Voy a estar usando uno de estos tercios para mi inefraga, otro tercio para la rosa silvestre, y otro tercio para el narciso. Voy a practicar bocetos de cada flor en dos vistas. La primera vista va a ser una vista desde arriba como si estuviéramos mirando hacia abajo a la flor y la segunda vista va a ser la vista de perfil como si estuviéramos mirando esta flor desde el lado exactamente a nivel de los ojos. Recuerda que para este ejercicio realmente se trata simplificar y visualizar formas como simples. Estas dos habilidades te van a ayudar tremendamente medida que avanzas en tus viajes de dibujo e incluso pintando. Sigamos adelante y empecemos con la inefraga. En primer lugar, quiero compartir unas fotos contigo y quiero señalar algunas características importantes y cómo visualizaría esta flor en particular. A nivel macro, cuando veo diferentes imágenes de esta flor, tengo la sensación de que si yo fuera a ver esta flor desde una vista superior mirando hacia abajo a la flor, los pétalos crearían una forma de círculo. Entonces la parte central de la flor es otro círculo más pequeño dentro de ese círculo más grande. Algo que noto, es que esa parte central de la flor le tiene mucho volumen. Se puede ver cómo realmente sale. Tiene una altura que va hacia arriba, más allá de los pétalos. Para mantener proporciones creíbles en mi boceto, también quiero tomar nota de cuánta diferencia hay en tamaño entre el círculo más pequeño creado por la parte central de la flor frente a la círculo más grande creado por los pétalos. Hay ciertas flores como por ejemplo, el girasol, tiene una enorme sección central. Existen otros tipos de flores en las que esa sección central es relativamente pequeña. Para los coneflowers, estoy notando que ese círculo central es bastante grande cuando se compara con los pétalos. Quieres notar cómo la circunferencia del círculo más grande creado por compara la circunferencia del círculo más grande creado por los pétalos con el círculo más pequeño creado por la sección central de la flor. Esto te ayudará a obtener proporciones justo en tus bocetos. Pero hay un rango en las fotos que estoy viendo, en ciertos viñedos esos pétalos son más largos lo que crea un círculo exterior más grande. En otros eflowers, los pétalos son más cortos lo que crea un círculo exterior más pequeño. Algo más que noto de esta flor en particular es cómo los pétalos están cayendo hacia abajo creando este efecto paraguas. Otro par de cosas que realmente me gusta notar porque estas son características esenciales que varían de flor a flor o planta a planta son los pétalos de las flores y la hojas de flores. Me gusta notar la forma, el tamaño, y el número aproximado de los pétalos en esta flor y también la forma y el tamaño de sus hojas. Yo diría que los pétalos de la cefalea tienen un tamaño mediano para ellos. No son demasiado cortos y no demasiado largos, y tienen puntas bastante redondeadas. En cuanto al número de los pétalos, a veces solo voy adelante y cuento los pétalos en la foto de referencia, en otras ocasiones me tomo tiempo para hacer un poco de investigación. En este caso, lo miré hacia arriba y los proyectiles tienen en cualquier lugar entre 15-20 pétalos. Lo que me di cuenta de las hojas de cono es que tienen un final puntiagudo y no son demasiado cortas y no demasiado largas. Son de tamaño mediano, diría yo, y también tienden a caer dentro de un rango. Significa que en algunas fotos que vi, las hojas se veían un poco más cortas y en otras fotos que vi, se ven un poco más largas. Ahora que nos hemos tomado tiempo para observar algunas fotos de referencia de los viñadores desde diferentes ángulos y perspectivas, sigamos adelante y empecemos con nuestros bocetos. Recuerda, todo esto se trata simplificar así que afina todos los detalles de tamaño mediano y más pequeño y concéntrate en las formas más grandes generales. El primer boceto va a ser la vista superior para el esqueleto. Por lo que vimos en esas fotos, podemos hacernos una idea bastante buena de que los pétalos crearían visualmente un círculo, y dentro de ese círculo más grande, tendríamos un círculo más pequeño creado por la sección media de esa flor. Observe cómo estoy haciendo lo mejor posible para mantener mis bocetos livianos. Esto se debe a que voy a estar borrando estas formas iniciales más adelante. Ahora, si estás teniendo problemas para dibujar círculos, no te preocupes, es cuestión de práctica. Mis círculos aún no son perfectos y llevo muchos años practicando , así que no te desanimes. Simplemente sigue practicando y vendrá a ti. El propósito de estas formas es simplemente conseguir proporciones adecuadas para estas diferentes partes de esta flor. También nos ayuda a visualizar las áreas en las que vamos a estar dibujando. No tienen que ser perfectos y los vamos a borrar más tarde. Después de haber terminado con ese boceto básico para esa vista superior de la coneflower, ahora estoy trabajando en la vista de perfil de la cóneflower. Haz algunas visualizaciones. Cierra los ojos si tienes que e imagina cómo se vería esta flor si tuvieras una delante de tu rostro y estamos mirando una desde una vista lateral o de perfil. como vimos en esas fotos de referencia, los pétalos se cayeron en este tipo de flor creando una forma de paraguas o medio círculo. También observamos que esa sección central en medio de los pétalos le tiene bastante altura. También podemos visualizar esa sección central de la flor como un segundo medio círculo más pequeño o forma de semicírculo. Se puede ver cómo lo apilé justo encima de ese semicírculo más grande justo en el medio. Ahora que tengo estas formas básicas establecidas para mí que realmente me van a ayudar con proporciones y visualizando donde todo va a estar en esta flor, ahora voy a conseguir comenzó con dibujar los pétalos y otros detalles. En esta parte del proceso, estoy trayendo a la mente lo que observé en esas fotos de referencia en cuanto a la forma de estos pedales, la cantidad aproximada de pétalos en este tipo de flor, y también la longitud de los pétalos. No hay mucho pensamiento involucrado en la longitud de los pétalos aunque porque si ya creamos ese círculo central y el círculo exterior, ese espacio me va a decir cuánto tiempo hacer los pétalos. Al dibujar estos pétalos, estoy trayendo a la mente las formas de pétalos que vi en esas fotos de referencia. Algo que me encanta hacer también es saltar alrededor toda esta sección de pétalos y crear pétalos superpuestos. En lugar de trabajar en un mostrador o en sentido antihorario y llenar mis pétalos de esa manera, estoy saltando alrededor de todo el círculo. Esto me ayuda a crear más irregularidad a lo largo de los pétalos, cual es tan importante porque no quiero que esas formas se vean demasiado organizadas o patronales. Al saltar alrededor de todo el círculo, esto también me ayuda a crear una mirada más creíble de pétalos superpuestos y agrupados. Se trata de objetos naturales orgánicos que estamos dibujando y siempre debe haber irregularidad e imperfección involucradas. Agregué en menor detalle en esa parte central de la flor y eso es suficiente para mi boceto a lápiz. Ahora es el momento de pasar a la vista de perfil. Como se puede ver, estoy dibujando los pétalos dentro de este semicírculo más grande. Para éste, voy a estar agregando un par de pétalos extra a cada lado fuera del semicírculo. Cuando estés trabajando en las vistas laterales, recuerda cómo todos los pétalos están creciendo fuera de esa sección central. A medida que los estás dibujando, recuerda que deben parecer que están todos apegados a esa zona central. Estos pétalos están cayendo hacia abajo cuando se trata de la inefraga. Al hacer mi camino hacia la izquierda y la derecha, los bordes exteriores de los pétalos se vuelven cada vez más curvados a medida que me dirijo hacia cada lado. Se puede ver cómo añadí en un par de pétalos extra fuera de ese semicírculo. Me aseguré de que esos dos pétalos fueran diferentes, y que en general no haya demasiada simetría presente a lo largo de este boceto. Si haces que algo se vea muy perfecto, o muy simétrico cuando se trata objetos orgánicos naturales, podría terminar pareciéndose más a una caricatura y este no es el estilo que soy ir a por con estas piezas. Después de terminar con los pétalos en la vista lateral de la coneflower, luego añadí en el tallo. Cuando estamos dibujando flores desde diferentes perspectivas, es importante recordar que el tallo debe alinearse con esa parte central de la flor. Una vez que terminé con mis bocetos a lápiz, era hora de hacer algún trabajo de práctica con mi bolígrafo. Es súper inteligente practicar y hacer algún trabajo de calentamiento con las herramientas que vas a usar para las piezas finales. Entonces lo que estoy haciendo aquí es que soy un trazado ligeramente sobre mi trabajo de lápiz. Me gusta pensar en este proceso más como una definición de los bordes, en lugar de esbozar. En términos generales, queremos mantenernos alejados de contornos gruesos, audaces, de aspecto pesado. El motivo por el que esto es, es porque este tipo de contornos conducen a pesadez y planitud. De nuevo a más de una mirada de caricatura. Para mantenerme alejado de esa pesadez y planitud, la mantengo en movimiento. Estoy saltando de pétalo a pétalo. Si hago un acercamiento, probablemente te vas a notar que en algunas secciones mis líneas ni siquiera se están conectando. Te vas a notar que una vez que termine con los pétalos, cuando estoy dibujando ese círculo interior para la parte central de la flor, en realidad entro y creo un borde muy irregular para ese círculo. Esto me va a ayudar a comunicar esa textura en la parte central de la flor. Por último, entro y agrego algunos mark-making para describir más a fondo la textura en la parte central. Como estoy haciendo todo mi trabajo de pluma y tinta, no estoy presionando demasiado fuerte y no dudo. Cuanto más lento muevas tu mano y cuanto más dudes, más de esa tinta va a fluir por la punta de tu pluma y esto va a llevar a líneas más pesadas, más rígidas. Si tengo imperfecciones leves, e incluso se tambalea pasando, eso está perfectamente bien. Simplemente los dejo ser, me preocupo demasiado por eso. Es preferible honestamente tener un poco de imperfección y oscilaciones pasando, pero tener líneas de aspecto más delgadas, más fluidas, más dinámicas que tengan una variación de peso de línea para ellos que a tener trabajo de línea que es muy pesado y muy marcado de aspecto y muy perfecto. Recuerde que estos son objetos naturales orgánicos después de todo. Necesitamos esa irregularidad y esa imperfección. Después de que terminé con mi pluma y tinta, dejé que todo se seque por completo por alrededor de 10-15 minutos y luego seguí adelante y borré todo mi lápiz funcionando usando mi goma de borrar de grafito suave. Como se puede ver, pude borrar todo mi trabajo de lápiz muy bien. Esto se debe a que me aseguré de dibujar muy a la ligera. Muy bien amigos, es hora de pasar a nuestros estudios de rosas silvestres. Una vez más, al igual que lo que hicimos con esa primera flor, echemos un vistazo a algunas fotos de referencia diferentes que he recogido, las que se muestran la rosa silvestre o las rosas silvestres diferentes ángulos y perspectivas, para que podamos tener una mejor comprensión de la estructura tridimensional y las principales características para este tipo de flores, que podamos informar mejor nuestro trabajo y poder sacarlos de la imaginación. Por lo que voy a repasar todos los puntos por los que pasé antes con el inefrente. Lo primero es que si estuviera mirando hacia abajo a esta flor, directamente desde arriba de la flor, tengo la sensación de que los pétalos crearían una vez más, una forma circular. Entonces tenemos esa sección interior de la flor, justo en el centro de esos pétalos. A pesar de que esta flor no tiene una estructura muy voluminosa en esa sección central, sí tiene una pistola larga y un largo estambre creciendo fuera de un punto más pequeño que está justo en el centro de la flor. Entonces volvería a visualizar esta flor inicialmente como dos círculos, un círculo más pequeño dentro de un círculo más grande, creado por los pétalos. Lo que estoy notando sobre las flores silvestres es que algunas de ellas tienen más de un color en sus pétalos. Como por ejemplo, esta que estoy compartiendo ahora mismo en pantalla, esa sección central está rodeada de un tono amarillento. Si bien la mayoría de los pétalos son rosados. Esto no quiere decir que toda esa zona rodeada por ese anillo que le tiene un tono amarillo sea la sección central de la flor. Porque ese amarillo es simplemente la porción interior de los propios pétalos. Si vemos otras flores silvestres como esta de aquí mismo, que sólo tienen un tono rosado principal lo largo de sus pétalos. Se puede ver cómo esa sección central y la estructura es en realidad bastante pequeña cuando se compara con el tamaño de los propios pétalos. Los pétalos para la rosa silvestre, puedo ver son diferentes, tienen bordes muy irregulares, sobre todo a lo largo de las secciones exteriores de esos pétalos. Aparte de esa irregularidad a lo largo de los bordes exteriores de los pétalos de rosa silvestre, otra cosa que los hace muy diferentes de pétalos de inefras es que estos pétalos son mucho más grandes y ellos son sólo cinco cuando se comparan con los 15-20 pétalos presentes en los coneflowers. Algo que también hace que estos pétalos sean diferentes de pétalos de la quinácea es que en realidad estos se están curvando. Cuando pétalos de cefalea donde curvar hacia abajo. Estaban cayendo creando ese efecto paraguas. En este caso, estos pétalos están creando más de una forma de paraguas invertida. Por último, mirando las hojas de rosas silvestres, notamos que los bordes de estas hojas son lo que se denominaría un diente. Se puede ver cómo sus bordes son puntiagudos y no lisos. Tienen forma de almendra para ellos. Son puntiagudos en la punta. Son de tamaño mediano, no demasiado corto, no demasiado largo. Lo que también estoy notando es que hay varias hojas saliendo de un solo tallo. Con esta información en mente, sigamos adelante y trabajemos en nuestros bocetos. Empecemos primero con el trabajo del lápiz. Así que en este momento estoy tumbando ese primer círculo más grande, luego voy a pasar a sumar en el círculo más pequeño para esa parte central de la flor. Aquí mismo se puede ver cómo hice ese círculo más pequeño más pequeño que el círculo más pequeño de la inefraga porque estoy tratando conseguir esas proporciones adecuadas para las flores silvestres. Esa es la vista superior simplificada muy básica. Ahora trabajemos en la vista lateral o en la vista de perfil. Lo que aprendimos de haber visto esas fotos, es que los pétalos crean esta forma de paraguas invertida. Dependiendo de lo abierta que esté la flor, puede ser más como un semicírculo completo o más como una forma de cuenco. Como lo que estoy mostrando aquí. Ese pequeño círculo que añadí en medio de esa forma de tazón es sólo una indicación de esa parte central de la flor donde va a estar creciendo la pistola y el estambre. Ahora es el momento de descomponer estas formas más grandes en formas medianas. Por lo que a partir de la vista superior aquí, notamos que las flores silvestres tienen cinco pétalos. Lo que estoy haciendo es que estoy agregando en cinco óvalos o círculos dentro de este círculo más grande para que pueda romper este círculo más grande en secciones y visualizar donde voy a estar dibujando mis diferentes pétalos. Al sumar en estos óvalos o estos círculos, puedo estar seguro de que más adelante cuando llegue el momento de dibujar mis pétalos reales, van a tener el tamaño que necesito que tengan, van a ser donde necesito que se encuentren, y van a tener justo el nivel adecuado de superposición entre ellos. Entonces hice exactamente lo mismo para la vista lateral. Por supuesto, para la vista lateral solo vemos ciertos pétalos y ciertas porciones de otros pétalos. Pero al igual que lo que hicimos con la vista lateral de los coneflowers, es muy importante tener en cuenta que todos los pétalos están creciendo fuera de esa sección central. Así que asegúrate de que a medida que estás dibujando estas formas, todas parecen que están creciendo fuera de esa sección central y parece que se están conectando en esa sección central. Observa cómo los pétalos exteriores en el borde izquierdo y el borde derecho son elipses más largos o más planos, y el borde exterior es más bien una curva, mientras que el pétalo central es más bien un óvalo regular aplastado forma. Entonces acabo de añadir en un par de pequeñas formas de pétalos asomando por detrás de estos pétalos frontales que somos capaces de ver más. Por último, con esas formas medianas añadidas, ya era hora de encenderme a mi pluma. Voy a hacer exactamente lo mismo que hice con el estudio de flores anterior. Estoy definiendo bordes, pero como vas a notar, estoy agregando más detalle, estoy agregando más detalle, haciendo que las cosas se vean un poco más irregulares, sobre todo a lo largo de los bordes exteriores de esos pétalos, y también a lo largo de los bordes exteriores de ese círculo central más pequeño. Para esta flor, se puede ver cómo he añadido algunas técnicas de marcado ahí para describir el alto estambre que están creciendo fuera de esa sección central. Pero estoy haciendo todo lo posible para mantener estos relativamente simples. Observe cómo en la vista de perfil me aseguré de que el tallo esté alineado con esa sección central de la flor. Esto es muy importante. Por último, al igual que con el primero, dejé que todo se seque por alrededor de 10-15 minutos, entré con mi suave goma de borrar de grafito para borrar todo mi trabajo de lápiz. Porque me aseguré de dibujar a la ligera, pude borrar todo muy bien. Por último, pasar al narciso. Voy a compartir cuatro fotos de narcisos contigo para que podamos observarlas y estudiar su estructura antes saltar a nuestra práctica de bocetos. Como se puede ver, esta flor tiene una estructura muy diferente a la de las dos anteriores. Esta flor tiene lo que se conoce como forma de trompeta o cono a ella justo en el medio, o a lo que me gusta referirme como forma de megáfono. Esta estructura cónica o similar a megafón está protegiendo el pistilo y el estambre en la sección central de la flor. También le tiene bastante altura, incluso más que la altura de esa estructura central en la zona de la zona central. Es casi como si fueran dos flores en una, dos estructuras separadas que están unidas. Lo que noto de los narcisos también, lo que los hace muy diferentes de otros tipos de flores es que no están mirando hacia arriba, como la mayoría de las flores, o ligeramente inclinándose hacia un lado o al otro. El tramo superior del tallo dobla para que la porción de pétalo de la flor esté completamente orientada hacia un lado o hacia otro lado. La flor no está mirando hacia arriba como con los otros dos. No obstante, si esta flor estuviera mirando hacia arriba y estuviéramos mirando hacia abajo a esta estructura, seguiríamos viendo un círculo más grande creado por los pétalos más grandes y un círculo más pequeño creado por esta forma de trompeta o megáfono. Los pétalos de esta flor son bastante diferentes a los otros dos aunque vemos seis pétalos en éste. Definitivamente son pétalos más grandes pero no tan redondos como los pétalos de la Rosa Salvaje. No les tienen mucha irregularidad a lo largo de los bordes exteriores, como lo hace la rosa silvestre. No obstante, los bordes de la forma de trompeta o megáfono son muy, muy irregulares. Se puede ver cómo los bordes exteriores de esa forma de trompeta se curvan hacia afuera. Por último, en cuanto a las hojas, también son bastante diferentes de las hojas de las flores anteriores. Estas hojas son muy largas y estrechas. Entonces, con toda esta información en mente, sigamos adelante y empecemos con nuestra práctica de bocetos para el narciso. Al comenzar con la vista superior, creo mis dos círculos. El círculo más grande creado por los pétalos, y el círculo más pequeño creado por la circunferencia de la forma de trompeta o megáfono en el medio. Al dibujar esos dos círculos, traté de tener en mente las proporciones que estaba observando. Entonces, ¿cómo se compara la circunferencia del círculo más pequeño con la circunferencia del círculo exterior? Era entonces el momento de pasar a la versión simplificada de la vista lateral para el narciso. Lo primero que hice fue visualizar cómo verían los pétalos más planos desde una vista lateral o de perfil. Entonces dibujé primero ese óvalo aplanado. Una vez que había creado esa base aplanada ovalada, luego añadí en esa forma cónica o megáfono justo en el centro. Me aseguré de que ese cono o una forma de megáfono tuviera una buena altura a él, y que cuando comparo los tamaños de estas dos partes de la flor entre sí, las proporciones tengan sentido. Ahora es el momento de dividir esta forma general más grande en formas medianas. Como vimos, los narcisos tienen seis pétalos, cuales son bastante grandes pero no tan redondos ni anchos como los pétalos de la Rosa Salvaje. Aquí mismo vas a verme añadir en seis formas ovaladas dentro de este círculo. Quiero asegurarme de que mis pétalos o ligeramente superpuestos, así que me aseguro que estos óvalos estén ligeramente conmovedores. También me vas a ver añadir en una línea extra irregular dentro de ese círculo más pequeño y esto es para que pueda empezar a visualizar donde el borde superior o el labio superior de esa trompeta forma que se está curvando hacia fuera se está moviendo hacia la vista lateral o la vista de perfil. Una vez más, se trata de un ejercicio de visualización. Tomando en cuenta todo lo que he aprendido sobre narcisos, estoy visualizando cómo vería esta flor cuando se vea desde un costado. Al igual que con las otras flores, hay ciertos pétalos y ciertas partes de la estructura que no podemos ver desde esta vista de perfil. ¿ Qué puedes ver desde esta vista lateral? ¿ Cómo cambian las formas de estos diferentes pétalos y la estructura central cuando se ven desde esta perspectiva? Con éste, soy capaz de ver al menos tres pétalos y añadí en una pequeña sección extra de los dos pétalos en la parte posterior asomando por detrás de estos pétalos en el frente. Con mis bocetos a lápiz listos, es hora de pasar a mi trabajo de pluma y tinta. Estoy empezando con la vista superior y todas las mismas cosas entran en juego que he estado compartiendo hasta ahora con las otras dos flores, me aseguro de mantenerla fluyendo, mantenerla en movimiento, se puede ver cómo realmente estoy pensando en crear esa variación de peso de línea, hay ciertas secciones en las que mis líneas ni siquiera se conectan. Estoy abrazando esas ligeras imperfecciones y oscilaciones que suceden y también empiezo a sumar con un poco de detalle extra, sobre todo en esa sección central de la flor. Empezando a pensar en las pequeñas líneas y marcas que voy a estar usando en mis piezas finales para describir el pistilo, el estambre, y la textura y las características en esa sección central. Con la vista lateral, me aseguré de añadir en el tallo alineado con esa parte central de la flor. Entonces dejé que todo se seque y seguí adelante y borré todo con mi suave goma de borrar de grafito. Apenas para terminar estos estudios, voy a añadir muy rápidamente algunas hojas para cada flor porque definitivamente quiero sumar algunas hojas en mis piezas finales. Por lo que quiero conseguir esa práctica también. Me vas a ver primer boceto en estas hojas con lápiz y una vez que las haya esbozado con lápiz, voy adelante y defino mis bordes con mi pluma y tinta. Traigo a la mente lo que recordé que cierto acerca de las hojas de la cefalea. Recuerdo que les tienen una longitud media, recuerdo que las puntas son relativamente puntiagudas y que los bordes son lisos. Vas a verme añadir en esa vena central más grande en estas hojas. En esta hoja que me estás viendo boceto en este momento, añadí en una línea extra y esto es sólo para que pueda crear esa ilusión de esta parte de esta hoja curving en, o esta hoja estando en una perspectiva ligeramente diferente a la otra hoja. Entonces somos capaces de ver un poco de la parte inferior de esa hoja. Esto es algo que puedes hacer cuando quieras crear este tipo de ilusión con cualquiera de las otras hojas también. Pasando a las hojas en la flor silvestre. Como mencioné antes, la flor silvestre tiene hojas más pequeñas que están todas unidas a un mismo tallo. También notamos que los bordes exteriores de las hojas de la flor silvestre tienen un diente para ellos. Esto es algo que realmente voy a tener que recordar cuando estoy entintando esto en. Este borde dentado puntiagudo de estas hojas es muy particular a esta flor y esto también está presente en rosas regulares. Me gusta pensar en este borde del diente como un zigzag modificado. Es muy útil antes de empezar a notar hacia dónde va el punto de ese diente para que puedas mantener esa dirección consistente en todas tus hojas. Estos “dientes” o pequeños extremos puntiagudos no van hacia la flor ni hacia el tallo principal, sino que apuntan hacia el exterior lejos de la flor. Aquí mismo voy a añadir en otra de esas secciones extra en esta hoja más baja para que pueda tener un poco de variedad en perspectiva aquí. Al sumar algunas de estas hojas en diferentes perspectivas, podemos, una vez más, mantenernos alejados de una mirada plana. Por último, estoy dibujando las hojas para el narciso, que son largas y estrechas. Estos, me imagino más como serpientes con extremos puntiagudos. Al dibujar estas formas largas, me estoy asegurando de que haya mucha variedad presente en cuanto a su longitud, en cuanto a cómo se curvan, y también añadí en este hoja más corta que se está doblando de una manera diferente. Esta variedad va a ayudar a que este boceto se vea más natural y más interesante. Amigo mío, si lo lograste a través de esta clase, enhorabuena. Si trabajaste en estos ejercicios, ahora vas a estar mucho mejor equipado y listo para trabajar en tus piezas finales. Estoy tan emocionado de pasar a la siguiente clase contigo en que vamos a estar hablando, eligiendo los diferentes colores que vamos a usar para nuestras diferentes piezas de flores, y también voy a estar hablando de cómo vamos a estar mezclando colores en nuestras piezas finales para que el proceso final pueda ser más suave y podamos llegar a mejores resultados. Gran trabajo y no puedo esperar a verte en la siguiente. 8. Líneas y flores sueltas 8: Oye ahí y bienvenidos a esta clase en la que vamos a estar trabajando en elegir los colores que vamos a usar en nuestras piezas finales. También voy a estar aportando algunas piezas clave de información que son muy importantes en cuanto a la consistencia y la cantidad de mezclas de colores. Ahora quieres asegurarte de que te prepares para ti mismo para que el proceso para tus piezas finales pueda ir mucho más suavemente y puedas llegar a mejores resultados. Soy un gran fan de planear los colores que voy a usar para una nueva pieza, y además de mantener mi esquema de color limitado. Hay un par de razones diferentes para esto. El primero es que el color es un elemento del arte que es increíblemente importante y juega un papel enorme detrás de hacer que una composición visual o una obra de arte luzca armoniosa y cohesiva. Si seleccionamos al azar colores a lo largo del proceso de pintura, especialmente como principiantes, cuando apenas estamos empezando a aprender sobre la rueda de color y la teoría del color, hay una alta probabilidad de que nuestra obra de arte va a carecer de integración. El segundo motivo por el que creo que es increíblemente importante, sobre todo para los principiantes planear sus colores si van a estar usando para una nueva pieza, es que planeando y despreciando diferentes colores y mezclas de colores que vamos a estar usando, es mucho más probable que vamos a ser capaces de mantenernos alejados de la fangosidad y de los colores no deseados. Para estas piezas finales en particular en las que estamos trabajando en este curso, queremos asegurarnos de que estamos recogiendo colores que van de la mano con lo que realmente se ven estas flores, y también queremos asegurarnos de que nuestros colores sean brillantes y animados y vibrantes. Para estas piezas en este curso, voy a estar usando mi set de acuarela Daniel Smith. Voy a empezar con el trabajo de planeación y preparación para mis colores que voy a estar usando en mi pieza de esqueleto. Decidí ir con pétalos amarillos para éste. Estoy usando mi pincel redondo talla 10, que es justo lo que me resulta cómodo cuando estoy creando estas mezclas de colores, y estoy tomando un poco de agua a la vez de mi recipiente, girando mi pincel húmedo en mi pintura y sacando un poco de pintura a la vez en esta zona de mezcla en mi paleta. Lo que quiero hacer es que quiero preparar dos colores diferentes para los pétalos de cada flor que pueda tener una bonita variación de color y también una variación en el tono a lo largo de esos pétalos. Y con tono, realmente, todo lo que quiero decir es que quiero que ciertas secciones de mis pétalos sean más claras y otras secciones sean más oscuras, y esto va para todas las y esto va para todas lasdiferentes partes de la flor también. Si la flor tiene un área central que tiene un color diferente al de los pétalos, como la quinácea y la rosa silvestre, también estaré preparando dos colores diferentes para esa zona central para que yo pueda tener esta variación en color y tono en esa zona también. Por último, cuando se trata del tallo y las hojas, también quiero preparar dos mezclas diferentes de color verde para mí. Quiero tener un verde más oscuro y un verde más claro. Al prepararme a diferentes colores para cada área, esto va a hacerlo para que pueda dar todas estas partes diferentes para estas tres flores dimensión o una sensación de luz y sombra. A pesar de que voy por un look suelto, expresivo, que no tiene niveles muy altos de realismo simplemente preparando un par de colores o variaciones diferentes del mismo color para cada zona, esto me va a ayudar a crear ese sentido de dimensión en la flor. También voy a poder jugar con el color un poco más y traer estos interesantes efectos que la acuarela permite, estas hemorragias, estas floraciones, estas transiciones entre diferentes colores. Ahora voy a hacerte saber exactamente qué colores son los que elegí para mis mezclas de colores para esta primera flor. Como dije antes, no hay necesidad de usar estos mismos colores exactos que estoy usando. Puedes usar los colores que tengas que sean más parecidos a estos, o si quieres hacer de los pétalos de tu cíclilla completamente un color diferente al mío, también puedes hacerlo totalmente. Esa primera mezcla de color naranja en mi paleta en la parte superior es una mezcla de nuevo gamboge más escarlata profundo. Amarillo más un poco de rojo porque quería crear un color naranja. El color debajo de eso es simplemente llano nuevo gamboge, que es mi amarillo que usé para mi mezcla de colores anterior, más un poco de agua. Justo debajo de eso, tengo mi mezcla verde oscuro, que es de color verde submarino llano de Daniel Smith, que es un verde oliva muy oscuro, profundo, rico. Correcto eso, creé mi mezcla de color verde claro, que es una mezcla de verde submarino más luz amarilla hansa. Al agregar ese amarillo a ese verde oscuro, pude crear un verde más claro. Por último, para esa sección central de mis coneflowers, preparé un par de marrones diferentes, y creé estos charcos de marrón en una sección separada de mi paleta de mezcla de colores porque yo no quería que estos marrones comiencen a mezclar con mis otros colores porque eso desaturaría mis otros colores, o los silenciaría hacia abajo, y como dije, quiero que mi color se mantenga agradable y brillante y vibrante para estas flores. Mi primer marrón más claro, que es un marrón rojizo, es simplemente siena quemada llana con un poco de agua añadida, y el marrón más oscuro se quemó siena más un pequeñísimo poco de tinte neutro agregado en, que parece un marrón más oscuro, chocolatey. El tinte neutro es un gris oscuro que se puede agregar a los colores para oscurecerlos. Si no tienes este color, una gran opción para reemplazarlo sería el gris de un Payne. Incluso puedes ir con un negro como el negro marfil o negro lámpara si solo tienes uno de esos. Justo aquí, solo estoy etiquetando los diferentes colores que he elegido para que pueda asegurarme de que estoy usando los colores correctos cuando por fin llega el momento de crear esas piezas finales. Es hora de pasar a elegir los colores que vamos a usar para nuestra pieza de rosas silvestres. Lo mismo exacto que mencioné para las mezclas de color de la línea inferior, ve por estas también. Queremos asegurarnos de que creamos dos colores diferentes o dos versiones diferentes de nuestro color para cada parte de la flor. Observa cuán jugosas son las mezclas de colores que me estoy preparando para mí en mi paleta. Hay una buena cantidad de pigmento y saturación de color en ellos, pero también hay una buena cantidad de agua en ellos. Se puede ver el movimiento y el flujo creado por ese contenido de agua en estos charcos en mi paleta. Esta es la consistencia que estás buscando. En mi primer curso de Skillshare titulado Acuarela 101, hablo todo de las diferentes consistencias que puedes usar pintura acuarela en que definitivamente debes conocer. Puedes consultar ese curso si quieres aprender más sobre las consistencias de pintura de acuarela. Pero ahí está la consistencia del té, ahí está la consistencia del café, ahí está la consistencia de la leche, y ahí está la consistencia de la mantequilla. Ese es esencialmente su orden de la mayoría de los líquidos o más acuosos, hasta los más gruesos y más saturados. Por qué vamos con estas mezclas de colores es algo así como un 50 por ciento de agua 50 por ciento de color, así que en algún lugar entre el café a leche como la consistencia es lo que buscas. No hay necesidad de ser súper precisos al respecto, pero sí quieres asegurarte de que las mezclas de colores en tu paladar, unos pequeños charcos que creas para ti mismo, contengan una buena cantidad de color en ellas, para que realmente solo necesitas entrar con una capa de color y un lavado rápido. Recuerda que si hay demasiada agua en tus mezclas de colores, entonces lo más probable es que no, tu color va a parecer bastante pálido en el papel. Vas a sentir la necesidad de entrar con una segunda o una tercera capa para que ese color sea más saturado y más vibrante en tu pintura, y realmente estamos tratando de entrar con solo un lavado rápido de color después de hacer nuestro trabajo de pluma y tinta. Muy importante que tenga una buena cantidad de saturación de colores en ella, pero a la vez, queremos un poco de agua en su mezcla de colores también. ¿ Por qué? Porque si no tienes una buena cantidad de agua en ella, no vas a poder cargar eficazmente tus cerdas de pincel y poder pintar rápidamente. Lo final que quiero dar como punta que te va a ayudar a trabajar de manera más efectiva en tu pieza final es que quieres asegurarte de que tengas suficiente de tus diferentes colores en tu color mezcla paleta antes de empezar con una nueva pieza, o al menos antes de empezar con una nueva área de tu pieza. El motivo por el que esto es porque nuestra pintura se va a secar rápidamente, y si no tienes suficiente mezcla de colores lista para ti en tu paleta de mezcla de colores, y tienes que crear más de esa mezcla de colores cuando estás en medio de pintar un área específica en tu flor, lo más probable es que no, te vas a quedar con un borde definido afilado alrededor la anterior forma en la que pintaste, y eso no es necesariamente lo que queremos. Queremos poder cargar un pincel y trabajar rápido y tomar más pintura de nuestra paleta y recoger exactamente donde lo dejamos para que no nos quedemos con esas extrañas marcas, líneas, y texturas. Los colores específicos que elegí para la pieza de rosas silvestres son para los pétalos, voy a estar usando rosa de quinacridona y ultramarino francés. Ese primer charco pequeño en mi paleta de mezcla es de quinacridona lisa rosa con un poco de agua en ella. La mezcla de color púrpura es quinacridona rosa más un poco de ultramarino francés y algo de agua en ella. Los marrones que preparé para mí mismo para la zona central de la flor, tengo en la otra sección de mi paleta de mezcla de colores por la misma razón que mencioné antes, no quiero estos marrones para entrar en contacto con mis otros colores porque eso los va a silenciar hacia abajo. Pero voy a estar usando ocre amarillo liso como mi marrón dorado más claro y mi marrón más oscuro va a ser siena quemada llanura. Por último, mis greens van a ser exactamente los mismos para las tres piezas de flores. Voy a estar usando verde submarino más luz amarilla hansa para mi verde más claro y verde submarino llano como mi verde más oscuro. Aquí mismo estoy una vez más tomando un segundo rápido para etiquetar todos estos colores para que pueda saber exactamente a qué llegar cuando llegue el momento de trabajar en mis piezas finales. Pasando a la selección de color para nuestra pieza final, que va a ser la pieza de narciso. Como se puede ver, tomé un segundo rápido en cambiar mi agua antes de empezar con el proceso de conmutación porque el amarillo puede ensuciarse muy fácilmente con agua turbia porque es una muy ligera y de color brillante, y quiero asegurarme de que los colores que estoy despreciando sean realidad lo que van a estar en la pieza final. Todo lo que he compartido contigo en la mezcla de colores hasta ahora en el pasado también va por éste. Me estoy asegurando de preparar dos colores diferentes para cada área de la flor. Muchas de las flores de narciso que vi tienen dos amarillos diferentes o dos colores diferentes en sus pétalos. La estructura cónica en el centro es a veces un amarillo más oscuro o incluso una naranja o un rojo anaranjado en algunas imágenes que vi. Quería preparar un amarillo y una naranja amarilla. No obstante, con narcisos, no tienen una sección central de aspecto marrón o incluso negro como lo hacen otras flores. Para éste, realmente no voy a estar preparando ningún marrones. Por último, los dos greens que creo van a ser exactamente los mismos que las otras dos flores. Por los colores en mis pétalos, me fui con luz lisa hansa amarilla para mi amarillo más claro, mi naranja amarillento más oscuro va a ser hansa luz amarilla más un poco de nuevo gamboge, y para los greens en mis hojas, voy a estar usando verde submarino más luz amarilla hansa como mi verde más claro y verde submarino liso para mi verde más oscuro. Con esto, todos terminamos con seleccionar los colores que vamos a utilizar para nuestras tres piezas finales. Recuerda todos los consejos que te proporcioné en esta clase cuando estás mezclando tus colores y a medida que te estás moviendo en tu proceso de pintura para tus tres piezas finales. Estoy tan emocionado de empezar por fin con la primera de nuestras tres piezas finales, que va a ser nuestra pieza inefránea. Si estás listo para empezar con tu primera pieza final y estás listo para poner a usar toda la información que has adquirido y las habilidades que has practicado hasta ahora, únete a yo en la siguiente clase. Ver Ver ahí. 9. Líneas y flores sueltas 9: Hola a todos, bienvenidos a la clase número 8. Por fin estamos empezando con el primero de nuestros tres bolígrafos finales y acuarela lavado piezas florales. Este primero va a ser la pieza de la flor del cono. Toda la información que he compartido con ustedes en las clases pasadas en este curso, y las habilidades que hemos practicado en las clases prácticas se va a utilizar en estas tres piezas. Aparte de eso, voy a estar compartiendo algunos consejos sobre composición. Estaré explicando sobre algunas cosas que siempre tengo en mente cada vez que estoy creando mi boceto preliminar a lápiz para que mis piezas estén asimétricamente equilibradas e interesantes de mirar. Sin mucho más preámbulos, sigamos adelante y saltemos rectos. Empecemos con la fase número 1, y vamos a estar pasando por las mismas tres fases para todas nuestras piezas finales. Para la fase número 1, nos enfocamos en crear un boceto a lápiz preliminar efectivo que sea esencialmente los huesos y la base para las siguientes dos fases. No sólo queremos dibujar también la flor del cono, usando las técnicas de simplificación y visualización que estaba compartiendo con ustedes antes, sino que también queremos asegurarnos que estamos usando nuestro espacio de dibujo efectivamente y que tanto el tamaño de los elementos que estamos dibujando, así como su disposición en el espacio, va a conducir a una composición bien equilibrada, de aspecto interesante. Quiero recordarte que dibujes lo más ligero posible en esta fase inicial para que puedas borrar errores en el camino para que tu lápiz no sea visible a través de tu bolígrafo y tinta y tu acuarela se lava al final y también para que no rayes ni dañes tu papel. Entonces desde antes de empezar con mi boceto preliminar a lápiz, visualizo lo que quiero en mi pieza final para lucir. Por lo que ya sabía que estaría agregando flores de tres conos en esta pieza. También sabía que quería que todas mis flores de cono tuvieran un ángulo u orientación ligeramente diferente en el espacio. Quería que mis flores de tres conos tuvieran ángulos o perspectivas ligeramente diferentes. Esto no sólo se vería más realista al final, sino también más interesante. Trayendo a la mente la información visual que recogí de esas fotos de referencia que compartí con ustedes en la clase anterior sobre dibujar estas tres flores y también trayendo a la mente lo sencillo formas que me ayudaron a visualizar esta flor en particular en esa clase y el método general que comparto contigo, empiezo con este proceso. Ahora, como probablemente recuerden en la clase número 6, practicamos dibujar estas tres flores desde dos vistas diferentes; mirando hacia abajo la flor desde arriba, y también desde una vista lateral o de perfil, ninguna de estas tres flores de cono se va a ver directamente perfectamente desde arriba. No obstante, al entender cómo se ve esa flor desde esa perspectiva, ahora soy capaz de distorsionar ese círculo inicial. Soy capaz de aplastarlo y convertirlo más en una forma ovalada o de elipse-como e inclinar esa forma dependiendo la perspectiva y la orientación que quiero que suceda. Esos simples dibujos de vista superior y vista de perfil que creamos al principio, nos permitieron comprender la estructura de la flor desde estas dos perspectivas. Ahora que hemos entendido esa estructura y las principales características de la flor, podemos darle un paso más allá y visualizar cómo se verían esas mismas formas si la flor tuviera un orientación ligeramente diferente en el espacio, o estaba mirando hacia fuera más a un lado que hacia el otro lado, o estaba mirando hacia abajo o hacia arriba un poco más. lo general, lo que vemos flores en la vida real, ya sea un ramo o arreglo floral, o estamos viendo flores en la naturaleza, van a tener una variedad de orientaciones. No todos ellos van a estar mirando hacia la misma dirección. Van a tener diferentes inclinaciones, etcétera quiero jugar realmente con esas orientaciones porque esto va a ayudar a que mi pieza se vea un poco más natural y realista. También quiero mantenerme alejado de la rigidez y la planitud. Dependiendo de la orientación de la flor que quería hacer realidad, fui con cualquiera el círculo, que aprendí de esa primera práctica en la que estábamos mirando hacia abajo a la flor. Si quería crear más de una vista lateral, me fui con el paraguas o la forma de semicírculo. El flor en la parte inferior, como se puede ver, es una combinación de las dos, añadí en las secciones centrales de las flores, la forma en que practicamos donde tenía sentido con esa orientación. Con eso, terminé con sentar mis formas básicas. Aparte de sentar estas formas básicas que me van a permitir pasar con más éxito a la siguiente parte de este proceso preliminar, que va a ser empezar a dibujar mis pétalos y mis tallos y mis hojas. También me aseguré de que estas formas básicas tuvieran un arreglo interesante y que los tamaños no fueran demasiado grandes ni demasiado pequeños para el tamaño del papel de acuarela en el que estoy trabajando. Como se puede ver, los coloqué en un poco de un arreglo triangular. Esto me va a ayudar a crear equilibrio asimétrico en mi pieza y va a hacer que sea más interesante mirar. No quería colocar mis flores en línea recta ni tener una sola de ellas justo en el centro. Sé que eso llevaría a mucha simetría y asimetría suele ser aburrida en una obra de arte. Siempre es útil buscar formas en las que podamos crear un equilibrio asimétrico para que la pieza pueda ser interesante de mirar. Además, esto va a ayudar a que los ojos de los espectadores sigan moviéndose y fluyendo a través de la pieza. Ahora que nuestro arreglo compositivo ha sido ordenado y se han establecido esas formas iniciales. Estoy empezando a dibujar los pétalos. Sigo dibujando lo más ligero posible, permitiendo que esa forma ovalada me guíe en cuanto a cuánto tiempo hacer esos pétalos. Estoy trayendo a la mente todo lo que compartí en esa clase pasada, recordando las particularidades sobre pétalos de flores de cono, su forma , su número aproximado, cómo se superponen, y también asegurándome de que estoy trayendo mucha irregularidad porque este es un objeto orgánico y natural después de todo. Al igual que lo que hice con mi boceto de práctica, estoy saltando alrededor del óvalo aquí y realmente no estoy agregando mis pétalos en sentido horario o antihorario, sino saltando alrededor del óvalo. De nuevo, esto me va a ayudar a crear más de una superposición natural en pétalos y mantenerme alejado de ese patrón que miras, quiero agrupar pétalos juntos de diferentes maneras y tal vez incluso hacen que ciertas secciones se vean un poco más escasas que otras. Esta vista lateral, empecé con el pétalo justo en el centro. Una vez que ese pétalo central está dentro, eso está cayendo hacia abajo en más de una posición vertical, es más fácil agregar en los pétalos de cada lado que se vuelven vez más curvados a medida que hacen su camino hacia los bordes izquierdo y derecho. Con esta flor en la parte inferior, realmente visualizo cómo se verían esta flor y sus pétalos desde esta perspectiva particular. ¿ Cómo se verían desde este ángulo estos pétalos que se están cayendo, que están todos conectados a la sección central? Vemos mucho menos de los pétalos en la parte posterior de lo que hacemos los pétalos en el frente. Debido a esto, las formas que creo para esos pétalos en la parte posterior son muy diferentes de las formas que creo para los pétalos en el frente. También se puede ver cómo añadí en esa sección central de la flor más cerca del borde superior de esa elipse inicial que al borde inferior porque eso solo tiene más sentido para esta perspectiva. Después, finalmente, era hora de sumar los tallos y las hojas. Recuerda que cuando estás agregando en tus tallos, tienen que parecer que están unidos a esa sección central de la flor. Imagínense que estén alineados. No obstante, como se puede ver, me aseguré de añadir curvas sutiles a esos tallos en lugar de simplemente crear líneas verticales perfectas que llevarían a mucha rigidez. Nuevamente, simplemente no se vería natural. Cuando llegó el momento de dibujar las hojas, también me he traído a la mente todas las características particulares para las hojas de esta flor. Recordé que las hojas de la flor del cono no son demasiado largas y no demasiado cortas. Son puntiagudos al final y tienen bordes lisos. Esta es una composición completa que estamos creando con estas tres flores. Se puede ver las áreas de pétalos como los elementos primarios o puntos focales de esta pieza y luego las hojas pueden ser consideradas como elementos secundarios. Las hojas son elementos secundarios de apoyo, por lo que a pesar de que quería asegurarme de sumar algunos adentro, no quería ir por la borda con la cantidad o colocarlas de una manera que fuera demasiado distraente. También me aseguré de jugar con la orientación de las hojas. Quería cierta variedad en los ángulos que crearon y su forma. Muy bien, pasando a la fase número dos, que va a ser la fase pluma y tinta. El objetivo con esta fase va a ser definir bordes exteriores y también sumar un poco más de detalle. Vas a verme añadir un poco más de detalle de lo que hice para mis primeros bocetos de práctica, pero aún quiero mantenerlo mínimo. No quiero ir por la borda con la cantidad de trabajo que hago con mi pluma y tinta porque voy a estar trayendo acuarela y queremos un look suelto, expresivo para estas piezas. Recuerda hacer tu mejor esfuerzo para mantenerlo en movimiento, mantenerlo fluyendo, trata de no quedarte atascado en un solo lugar, y recuerda que la variación del peso de línea es clave. Trae a la mente esas cuatro cosas que hablaba antes que contribuyen a que puedas desarrollar esta variación de peso de línea. El primero es el tamaño de punta del bolígrafo. Podrías traer un segundo tamaño de punta de bolígrafo y eso en sí mismo te ayudará a desarrollar más gruesas y líneas más delgadas. El segundo es el ángulo en el que estás usando tu bolígrafo. Puedes usarlo en una posición más de 90 grados o vertical para obtener líneas más gruesas, más audaces y más de un ángulo de 45-35 grados para líneas más delgadas y más ligeras. La tercera variable es la velocidad a la que mueve la mano y el brazo. Cuanto más rápido lo muevas, delgadas y ligeras son las líneas, y cuanto más lentamente te muevas, más gruesas y audaces y cuanto más lentamente te muevas, más gruesas y audacesserán tus líneas porque va a ser más tinta su camino por esa punta de la pluma. Por último, también está la presión que estás ejerciendo sobre el papel. Cuanto más presión, audaz sea la línea, menos presión, delgada y más ligera será la línea. Intenta combinar estas variables de diferentes maneras o explóralas individualmente. Aquí mismo, estoy agregando alguna marca en la sección central de la flor. Recordé la textura que vi en esas fotos de referencia para flores de cono y acabo de recoger un tipo de marca que pensé que me ayudaría a describirlo. Fui por formas de gota invertidas y acabo asegurarme de agregar esas marcas nuevo de una manera muy irregular, realmente haciendo todo lo posible para mantenerme alejado de cualquier look patronal u look organizado, haciendo algunos más grandes, algunos más pequeños, y pescando de diferentes maneras. También muy rápidamente añadí en algunos detalles en los propios pétalos. Estas son apenas líneas más largas, curvas que creé muy y muy rápidamente dentro de estas formas. Probablemente se pueda ver cómo esas líneas son muy delgadas en comparación con las líneas de contorno para esos pétalos. No quería que esas dos líneas compitan así que me aseguré de crear un menor peso visual en esas líneas interiores y marcas que añadí para las texturas dentro de los pétalos. Me estoy asegurando de mover el brazo y la muñeca mucho más rápido y también apenas estoy tocando la punta de mi bolígrafo a mi papel cuando estoy agregando en esas líneas que quiero hacer más livianas en peso visual. Mientras que las líneas de contorno afuera a lo largo de los bordes de los pétalos, me estoy acercando un poquito más lentamente y ejerciendo solo un poquito más de presión. Al controlar esas dos variables, es decir, la velocidad y la presión, se puede ver cómo estas líneas que estoy creando dentro de los pétalos se ven más claras y delgadas y las líneas que creo en el contorno exterior, exterior para esos pétalos lucen más gruesos y más oscuros. Este es un ejemplo de cómo estoy haciendo uso consciente de la variación del peso de línea. Sigo con cuidado pero rápidamente rastreando mi trabajo de lápiz y realmente estoy abrazando cualquier imperfecciones, tambaleo, irregularidades que puedan ocurrir en el camino. Estoy siendo cuidadoso al no rastrear ciertas secciones del tallo, sobre todo en otras pequeñas partes de hojas o pétalos que en realidad estarían encubiertos por otro elemento que está delante de ellas. Por ejemplo, esta flor en la parte inferior aquí está frente al tallo de esa flor detrás de ella por lo que tengo que tener cuidado de no rastrear esa sección del tallo de la flor detrás eso si quiero crear esa ilusión de esta flor en la parte inferior estando frente a la flor detrás de ella. Está cubriendo parcialmente ese tallo. Tenemos que tener cuidado con ese tipo de cosas porque tinta es permanente y no vamos a poder borrarla. Sólo estoy terminando con esta flor en la parte inferior y me aseguré de mantener mi línea de trabajo y mis tipos de marcas que estoy usando consistentes en todas estas flores de cono. Ya terminé todo con la pluma y la tinta. Dejé que todo se seque por alrededor de 15-20 minutos y ahora estoy tomando mi goma de borrar de grafito suave y estoy borrando todo el trabajo del lápiz. También vas a notar que me quité el polvo estas brocas de borrador con mi toalla absorbente que está completamente seca en este punto porque no quiero usar mis manos para desempolvar esto. Podemos tener aceites en nuestras manos que si se meten en nuestro papel de acuarela, puedan crear splotchiness cuando estamos pintando. Aquí mismo, noté que me perdí una pequeña sección del tallo por la flor central por lo que me aseguro agregarlo antes de avanzar. Por último, estamos pasando a la Fase Número 3, que va a ser la fase de lavados de acuarela. Ya hemos seleccionado los colores específicos que vamos a utilizar para cada pieza. Ahora se trata de asegurarnos de que tengamos una buena cantidad de estas bonitas mezclas de colores jugosas preparadas para nosotros en nuestra paleta antes de empezar. Recuerda que es muy importante que la consistencia de tus diferentes mezclas de colores va a ser útil para lo que estamos tratando de hacer hoy, que es cargar bien nuestras cerdas de pincel, y queremos poder trabajar agradable y rápido, y también que quieras asegurarte de que tengas suficientes de tus diferentes mezclas de colores listas para ti en tu paladar. Tanto la consistencia de tu pintura la cantidad de pintura tienen que tener sentido para lo que estás tratando de hacer. Estoy trabajando en preparar bonitas mezclas de colores jugosas para mí en mi área de mezcla. El primer paso, la parte superior, es la naranja que creé mezclando juntos nuevo gamboge y escarlata profundo. Justo debajo de eso, tengo llanura nueva gamboge con algo de agua en ella. Entonces tengo mis dos greens, mi verde más oscuro y verde más claro. El verde más oscuro es llano verde submarino, y el verde más claro es una mezcla de verde submarino más luz amarilla hansa. Después del otro lado de mi área de mezcla, tengo mis dos marras. El marrón más claro es la siena quemada con un poco de agua en ella, y el marrón más oscuro se queman siena más un poco de tinte neutro. Voy a estar usando mi pincel redondo talla 10 para todo. Lo primero que estoy pintando es la sección central de las flores. Como saben, hemos preparado dos colores diferentes para estas áreas centrales, el marrón más claro y el marrón más oscuro. Para todas estas diferentes partes de la flor primero estoy trabajando en el color más claro que he preparado, y luego me estoy cayendo en el color más oscuro mientras que esa capa inicial más clara sigue mojada. Esto va a crear agradables transiciones suaves entre mis colores más claros y oscuros. Porque estoy cayendo en ese color más oscuro mientras que ese color más claro inicial todavía está mojado, ese color más oscuro se expande y sangra en esa capa más clara creando agradables efectos suaves difusos. Para que esto suceda, hay que trabajar con relativa rapidez porque esa pintura va a empezar a secarse de inmediato cuando la coloques sobre papel. Si la pintura y esa primera capa se seca antes de caer en el color más oscuro, ese segundo color no se va a expandir hacia esa humedad. Estas son formas bastante pequeñas en las que estamos pintando así que tenemos que mantenernos encima del control del agua. Si entras con demasiada agua en tus cerdas de pincel o caes demasiado de cualquiera de tus colores en los que estés cayendo, puedes empezar a perder el control. Cada vez que entras en tu recipiente de agua, asegúrate de raspar suavemente las cerdas de tu pincel a lo largo de la parte superior de tu recipiente para que ese exceso de agua pueda gotear. asegura de que el tamaño del pincel que estás usando sea apropiado para estos tamaños de estas formas que estamos pintando. También sigue ayudándote con tu toalla absorbente. En el camino, vas a notar que estoy tocando constantemente la punta de mi pincel sobre mi toalla absorbente para asegurarme de que no voy a entrar con demasiada agua. Aquí mismo me estás viendo hacer algo de levantamiento. El levantamiento es una técnica muy útil. Siempre que sientas que has caído demasiado color saturado a cualquier área, o ese color más oscuro que estás cayendo en tu color más claro se está expandiendo demasiado rápido y cubriendo completamente ese color más claro anterior, puedes quitar inmediatamente ese dolor de las cerdas de tu pincel, quitar el exceso de agua tocando la punta de tus cerdas sobre tu toalla absorbente e ingresa para hacer algo de levantamiento de ese exceso de color usando tus cerdas de pincel como una esponja poco absorbente. También puedes entrar con su toalla absorbente. Mientras lo hagas rápidamente y mientras esa pintura aún esté húmeda, vas a poder levantar algo de ese exceso de color, revelando un poco más de ese color más claro por debajo y aligerando ciertas secciones que quizás accidentalmente oscureció demasiado. Levantar realmente puede ayudarte a agregar dimensión de nuevo a áreas que tal vez se vean un poco demasiado pesadas o demasiado planas. Al final del día, lo principal será crear una variedad de color y valor en todas estas diferentes partes de la flor. Después de terminar con la sección central de esas flores, estoy empezando a pintar en los pétalos. cuando empecé a pintar los pétalos, esas secciones centrales ya estaban secas. Si tus marrones no están completamente secos y empiezas a pintar en los pétalos, esos marrones pueden comenzar a sangrar en tus pétalos amarillos y en tus pétalos de naranja. Si no quieres que esto suceda, solo espera un poco más para que esas secciones de marcas centrales sequen a algunos artistas como el aspecto de ese sangrado. Depende totalmente de ti y de tus gustos. Me aseguré de quitar todo el marrón para mis cerdas de pincel antes de usar mi amarillo y mi naranja. Porque de nuevo, si tienes marrones en tus cerdas de pincel que no te quitaste, ese marrón va a empezar a filtrarse se están mezclando con estos colores más brillantes y va a silenciarlos o desaturarlos. Estamos buscando colores brillantes y vibrantes, especialmente para los pétalos. Pero el método que estoy usando para pintar en los pétalos y todas estas diferentes áreas de la flor es exactamente el mismo. Primero voy a entrar con un color más claro de los dos. En este caso es el amarillo. Si bien esa capa inicial de color más claro sigue mojada, estoy cayendo un poco del color más oscuro, que es en este caso el naranja. Estoy siendo muy irregular acerca de dónde caigo en mi naranja, pero es útil al menos reconocer qué secciones de esos pétalos serían más oscuras. Puedes caer en el segundo color en estas áreas. Quizás donde tengas pétalos superpuestos uno encima del otro, creando sombras entre sí, o simplemente tomando en cuenta la curva y la estructura de los pétalos, puedes decidir dónde caer en tu color más oscuro. Ahora, si encuentras que tu pintura se está secando demasiado rápido antes de caer en tu segundo color, algo que podría ayudarte podría ser correr tus cerdas de pincel sobre toda esa zona 2-3 tiempos con ese primer color antes de caer en el siguiente color. Esto ayudará a que la capa inicial mantenga más húmeda por un poco más de tiempo y vamos a hacer que sea mucho más probable que vayas a llegar a esos gradientes bien, suaves y difusos. Es decir, tómate un poco más pintura en ese primer color más claro. Ejecuta tus cerdas de pincel sobre esa forma 2-3 veces, y luego sigue adelante y deja caer en tu segundo color. medida que avanza por tu proceso de pintura, asegúrate de seguir notando la consistencia de tus mezclas de colores en tu paladar. Recuerda que quieres una buena cantidad de color en ellos, pero también una buena cantidad de agua en ellos. Realmente quieres jugar con la translucidez del medio. Si alguna de estas secciones de tus flores que has pintado hasta ahora luce muy pesada, muy plana, o quizás incluso muy oscura. Probablemente significa que necesitas usar un poco más de agua. Casi termino con pintar en los pétalos aquí. Después de terminar con los pétalos, voy a pasar a pintar en los tallos y las hojas. Lo mismo va para los tallos y las hojas. Voy a estar quitando todo este amarillo y naranja para mis cerdas de pincel, y luego voy a empezar primero con el verde más claro. Si bien ese verde inicial más ligero todavía está mojado, voy a seguir adelante y caer en mi verde más oscuro. Debido a que los tallos son tan estrechos, quiero asegurarme de que los pinto usar solo la punta de mi pincel. Cuando se trata de las hojas mismas, porque estas son formas más grandes, puedo presionar un poco más por el vientre de mi pincel de pintura. Algo que vas a notar es como dejo un poco pequeñitas formas de resaltado sin pintar en mis hojas. Estas formas más destacadas que realmente no planeé porque simplemente suceden orgánicamente ya que estoy moviendo mi pincel rápidamente y de diferentes maneras. Todo vuelve a esa idea que estaba compartiendo contigo en otra clase en que estamos trabajando con la acuarela, es muy importante ver cómo podemos incorporar eso brillo del papel debajo la pintura como parte de la pieza. Estoy usando ese papel para ponerme en su lugar por mis puntos culminantes. Esto me va a ayudar no sólo ampliar ese rango de valores que estoy tratando desarrollar a través del uso de diferentes colores y diferente translucidez es porque recuerda que es ese rango de valores que incorporan áreas de luz más ligeras, áreas de tono medio y áreas más oscuras que nos va a ayudar a desarrollar dimensión y cierto nivel de realismo en esta pieza suelta. Pero al incorporar ese brillo del papel, también voy a poder llegar a esa bonita mirada luminosa y brillante que es particular a este medio. Apenas terminando con los toques finales con mi verde más oscuro aquí. Con esto, voy a estar todo hecho con esta pieza floja de tinta y acuarela floral. Estoy súper emocionado de empezar con nuestra segunda pieza floral de media mixta final, que va a ser la pieza de rosas salvajes. Las técnicas y el proceso general para estas tres piezas finales va a ser exactamente lo mismo, cual es impresionante porque realmente nos da la oportunidad de perfeccionar el proceso, verdad practicar y planchar cualquier cosita con la que puedas estar luchando e incluso para que este proceso sea tuyo. Mi amigo así que una vez que estés listo, nos vemos en la siguiente clase. 10. Líneas y flores sueltas 10: Hola amigo, bienvenido de vuelta. Esta es la clase número 9 en este curso. Vamos a estar trabajando en la pluma de rosas silvestres y pieza de lavado de acuarela. Como mencioné en nuestra última clase, las técnicas y el proceso general van a ser exactamente las mismas que con la pieza de flor de cono. Por supuesto, el secado de las flores, los colores que vamos a estar usando, y la composición misma va a ser diferente. Sin mucho más preámbulos, vamos adelante y saltemos directamente a la fase número 1, que va a ser la fase preliminar de bocetos a lápiz . Quieres dibujar a la ligera, que puedas borrar tus errores en el camino, para que no veas que tu lápiz funcione a través de tu bolígrafo y tinta y tu pintura al final de este proceso. También que no rasques ni dañes tu papel. Recuerda el objetivo de esta fase inicial. Estamos sentando los huesos y las bases para todo lo que viene a continuación. Nos estamos enfocando en utilizar nuestro espacio de dibujo de manera efectiva. Queremos asegurarnos de que las formas que estamos sentando no sean demasiado grandes, que se vean estrechas en este espacio y no demasiado pequeñas que tengamos un montón de espacio negativo vacío a su alrededor. También es importante que en esta parte del proceso estemos pensando en acertar las proporciones de las flores. En otras palabras, los tamaños de estas diferentes partes de estas flores tienen que tener sentido en relación entre sí. Tomando en cuenta, por supuesto, todo lo que aprendimos sobre las rosas silvestres. También queremos asegurarnos de que estamos trayendo a la mente las formas básicas que practicamos en la clase número 6 para esta flor en particular. Que muestren perspectivas o variaciones ligeramente diferentes de las flores, para que nuestra pieza se vea interesante y le tenga un aspecto natural. También queremos pensar en arreglo compositivo. Por eso no quiero dibujar estas flores en línea recta. No quiero colocar ninguna flor en particular justo en el centro. Voy a tratar de usar aquí otro arreglo triangular, que pueda crear un equilibrio asimétrico y mantener los ojos del espectador fluyendo a través de la pieza. Una vez más me trajo a la mente las formas básicas que usé para simplificar y visualizar esta flor en particular cuando estábamos practicando dibujar estas flores inicialmente en la clase número 6. Una vez más, para la rosa silvestre, tenemos un círculo dentro de otro círculo y tenemos una forma de paraguas o semicírculo. Al igual que con la pieza de flor de cono en la que acabamos de trabajar antes, distorsioné o incliné ligeramente estas formas básicas. Para la flor superior, aplasté ese círculo y lo convierto en forma más ovalada o elipse. Pero cuando se trata de la flor en el medio, incliné un poco esa forma de paraguas. Esto es para que estas flores puedan verse un poco más naturales y pueda mantenerme alejado de la rigidez o formas que están un poco demasiado organizadas para parecer realistas. Agregué en una nueva variación de estas flores en la parte inferior. Se puede ver cómo he añadido en una forma ovalada más pequeña. Esa es la forma básica que voy a estar convirtiendo en un bulbo de rosa silvestre. Pensé que esta sería una gran adición a la pieza que agregaría variedad e interés a esta composición. Acabo de traer a la mente cómo se ven los bulbos de rosa y luego elegí una forma básica para sentar que puedo pasar a la siguiente parte de este proceso. Una vez colocadas esas formas básicas en mi área de dibujo, era hora de separarlas en formas medianas. Voy a entrar y romper este óvalo más grande en cinco óvalos más pequeños que van a estar en su lugar por los pétalos que voy a estar probando a continuación. Estoy recordando todas las características para las rosas silvestres de las que aprendí cuando observaba esas fotos de referencia. Estoy recordando la forma de esos pétalos, el tamaño de esos pétalos, y su número aproximado. Las rosas silvestres tienen cinco pétalos más grandes, muy redondeados que tienen bordes irregulares en la parte superior. En este momento estoy manteniendo las cosas súper simples. No voy a estar creando esos bordes irregulares hasta después. Justo aquí, estoy empezando a añadir un poco más de detalle al Rose Bowl. Agregué en una línea curva que esos pueden parecer pétalos separados ahí y también unas hojas. Era entonces el momento de empezar a sumar en los tallos y las hojas. Recuerda que los tallos tienen que parecer que están apegados a esa parte central de la flor. Pero al mismo tiempo se quiere agregar unas ligeras curvas que puedan mantenerse alejadas de la rigidez. Cuando llegó el momento de sumar las hojas me trajo a la mente lo que aprendí a ser verdad sobre las hojas de rosa silvestre. Recuerdo que son un poco más cortas, son puntiagudas al final, tienen bordes dentados y hay varias hojas saliendo de un mismo tallo. Voy a estar creando esos dientes bordes irregulares más adelante con mi pluma y tinta. Estoy manteniendo las cosas simples aquí. Nuevamente, se puede considerar estas hojas como elementos secundarios de apoyo. Las propias áreas de pétalos son los principales puntos focales para esta pieza. A pesar de que definitivamente sí queremos sumar algunas hojas, no queremos ir por la borda con la cantidad. Al añadir en los tallos y las hojas, observe qué elementos van a estar superpuestos o cubriendo otros elementos detrás de ellos. De esta manera, cuando estás entintando cosas, hay menos posibilidades de que estés rastreando ciertas secciones que no deberían ser visibles al final. Mis amigos. Vamos a entrar en la fase número 2, que es la fase pluma y tinta. Recuerda los objetivos para esta fase. Estamos trazando sobre nuestro trabajo de lápiz, definiendo bordes y agregando en detalle que no hemos añadido. Vas a notar, por ejemplo, que agrego en los bordes irregulares en las secciones exteriores de estos pétalos. También agrego con más detalle en la sección central de la flor donde quiero describir esa textura. Recuerdo cómo las rosas silvestres tienen la pistola y el estambre en esa sección central. Pienso en qué tipos específicos de marcas pueden ayudarme de forma rápida, fácil y de una manera mínima, describir esos elementos. Fui con líneas cortas con un bucle en la parte superior. Acabo de asegurarme de que estas pequeñas marcas que añadí en tenían mucha variación en tamaños en las orientaciones. En ocasiones el bucle era hacia la derecha, otras veces el bucle era hacia la izquierda. Algunos de ellos apuntaban a un costado, algunos de ellos apuntaban hacia abajo, etcétera Una vez que añadí en ese detalle, salí por la pieza. Al igual que con la pieza de flor de cono anterior, me aseguré de tener en mente la variación del peso de línea. Quiero mantenerme alejado de la mirada de contornos pesados, gruesos, audaces y esa página de libro para colorear tipo de caricatura de look. Lo estoy manteniendo en movimiento y lo estoy manteniendo fluyendo. Cualquier imperfecciones, oscilaciones, irregularidades que sucedan en el camino, acabo de abrazar y sigo adelante. Se puede ver cómo algunas secciones de mis líneas ni siquiera se conectan. Estoy trayendo a la mente esas cuatro variables que me van a ayudar a lograr una variación de peso de línea a lo largo de mi trabajo. Estoy usando solo un mismo bolígrafo para todas estas piezas, pero estoy cambiando y cambiando la presión que estoy ejerciendo sobre mi pluma, el ángulo con el que estoy usando mi pluma y la velocidad a la que me estoy moviendo mi mano y mi brazo. Aquí mismo me pueden ver agregando el borde del diente en esas hojas. Estoy siendo muy cuidadoso y asegurándome que esos pequeños extremos puntiagudos sean todos consistentes y apuntando hacia la misma dirección deberían estar apuntando hacia la cual está lejos de la flor. Este es un detalle desafiante a sumar para mí personalmente. Cuando se trata de este tipo de detalle, siempre me encuentro mirando hacia atrás mis fotos de referencia solo para asegurarme de que estoy agregando el detalle correctamente. Entonces, si en algún momento te resulta útil volver a mirar esas fotos de referencia, o incluso fotos extra que encuentres por ti mismo, haz tiempo para eso antes de dibujar esos detalles en. Por lo que finalmente estoy agregando en esa vena central en las hojas. Traté de hacer esa vena central un poco más ligera en peso visual que los contornos exteriores de esas hojas. Entonces después de que terminé, dejé que todo se seque por completo. Yo recomendaría permitir que pasen 10-15 minutos antes de borrar tu grafito porque puede entrar con mi borrador de grafito suave para borrar todo mi trabajo de lápiz con mucho cuidado, y luego en lugar de usar mi mano para quitar el polvo de esas brocas de borrador, seguí adelante y usé mi toalla absorbente seca que voy a usar para mi proceso de acuarela. De esta manera no consigo ningún aceite de mano en mi papel y justo aquí antes de seguir adelante, decidí sumar unas líneas extra y marcas en esos pétalos para comunicar un poco de dimensión y textura en esos pétalos. Se puede ver cómo hice lo mismo que hice con la pieza de flor de cono para esas líneas. Me aseguré de moverme rápido y ejercer una cantidad muy pequeña de presión sobre mi papel con mi bolígrafo para que esas líneas y marca se vean mucho más livianas que las líneas creando los contornos exteriores de esas formas de pétalo. Con eso estaba todo hecho con mi pluma y fase de tinta. Ahora es el momento de pasar a la fase número tres, que es la fase de lavados de acuarela. Ya hemos seleccionado los colores específicos que vamos a utilizar para esta pieza, y queremos asegurarnos de que preparemos suficientes de nuestras diferentes mezclas de colores en nuestro paladar y que el consistencias con las que las creamos van a ser adecuadas para el tipo de trabajo que estamos haciendo hoy. Por lo que queremos una buena cantidad de mezclas de colores agradables, jugosas para todos estos diferentes colores que necesitamos. Estamos buscando alrededor del 50 por ciento de agua, 50 por ciento de pigmento en estas mezclas para que podamos cargar bien o pincel bien y hacer nuestro trabajo de color en una sola capa. En la parte superior de mi área de mezcla, estoy preparando mis dos greens diferentes, mi verde más claro y mi verde más oscuro. El verde más claro es de nuevo una mezcla de verde submarino y maneja una luz amarilla. El verde más oscuro es llano verde submarino con un poco de agua en él. En la sección inferior, preparé mi morado y mi rosa. Mi morado es quinacridona rosa con algún ultramarino francés en ella y la mezcla rosa es quinacridona lisa rosa con un poco de agua. Para mis marrones, que preparé al otro lado de mi área de mezcla. Estoy usando ocre amarillo liso con un poco de agua en ella y siena quemada llanura con un poco de agua en ella. Terminando trabajando en estas mezclas de colores aquí y una vez que esté listo con todos los colores que necesito, es hora de empezar con el proceso de pintura. Voy a estar usando mi pincel redondo talla 10 para todo. Voy a empezar de nuevo con la sección central de esta flor que vemos en la parte superior, siempre trabajando de luces a oscuras. Para que como pueden ver, primero empecé con mi ocre amarillo, que es mi encendedor, marrón dorado. Pinté esa sección central en y luego mientras que esa inicial marrón más claro estaba ahí todavía mojada, me caí un poco de mi marrón más oscuro. Entonces esta es la única flor que muestra esa zona central. Así que seguí adelante y quité todo ese marrón de mis cerdas de pincel y empecé a pintar esta rosa salvaje debajo de ella. El motivo por el que salté a trabajar en esta rosa silvestre lugar de pintar en los pétalos en la parte superior de inmediato, es porque si hubiera empezado a pintar en los pétalos rosados en la parte superior, esos marrones en esa sección central que acabo de pintar siguen mojados. Podría arriesgarme a esos marrones sangrando en mis rosas y mis púrpuras. Entonces, si no quieres que ocurra ese sangrado, asegúrate de permitir que esa sección central se seque por completo antes de pintar en los pétalos. Entonces lo que estoy haciendo aquí es que primero entré con mi avión quinacridona rosa, mi color rosa, que es el más claro de los dos que estaría usando para los pétalos y mientras esa capa inicial más ligera todavía está mojado, entré en gota en algún morado aquí y allá para oscurecer ciertas secciones dentro de eso. Porque estoy cayendo en el morado mientras ese rosa inicial todavía está mojado, me estoy poniendo estas bonitas transiciones suaves, borrosas entre mis colores. Nuevamente, si estás encontrando que tu capa inicial se está secando un poco demasiado rápido y no estás obteniendo esas bonitas transiciones entre tus colores al caer en tu color más oscuro, solo gasta un un poco más largo en esa capa inicial. Ejecuta tus cerdas de pincel sobre toda esa forma usando tu color más claro dos o tres veces y esto lo hará para que esa capa inicial tome un poco más de tiempo en secarse. Para que esa sección central en la flor superior ya estaba bastante seca y podía seguir adelante y pintar en los pétalos en la parte superior. Entonces mismo proceso aquí. Yo primero estoy pintando en el rosa y luego me estoy cayendo en el morado para crear una bonita variación en color y en valor. Sigo pintando agradable y rápido y usando solo una sola capa. Estoy permitiendo que esa pintura haga lo suyo y abrazando los efectos irregulares orgánicos que ocurren al pintar con este medio. No voy a volver a ninguna zona y tratando perfeccionar nada porque eso probablemente va a aplanar todo y es mucho más probable que llegue a resultados con exceso de trabajo. Estoy cayendo en mi color más oscuro, que es mi morado de una manera muy irregular, asegurándome de que no estoy creando ningún patrón o formas de aspecto marcado con mi morado. Por supuesto, es útil visualizar dónde se superponen los pétalos uno encima del otro y creando ligeras sombras entre sí y trayendo a la mente las curvas y la estructura de los propios pétalos para que puedas caer en ese color más oscuro en las secciones donde tendría sentido que tengas alguna sombra. Dicho esto, no sólo se tiene que aplicar el morado en estas áreas de sombra porque cuando se trata de flores, hay mucha variación natural en color y valor a lo largo de sus pétalos. Así que mientras mantengas las cosas irregulares, vas a tener grandes resultados, sobre todo por el estilo de las obras de arte que iban por. Debido a que las consistencias de mis mezclas de colores en mi paleta tienen una buena cantidad de pigmento en ellas, soy capaz de aplicar suficiente color vibrante en mi papel que no siento la necesidad de entrar con un segunda capa. No obstante, hay una buena cantidad de agua en esas mezclas también para que mi pintura no se aplique de manera súper gruesa, lo que puede llevar a mucha pesadez y planitud en una pintura. Siempre queremos asegurarnos de que estamos trayendo acuarelas translucidez para crear pinturas livianas y luminosas. Así que asegúrate de que estás usando suficiente agua. Si aplicas tu pintura demasiado saturada y demasiado gruesa, eso a menudo va a llevar a pesadez y planitud. Recuerda siempre incorporar ese brillo del papel como parte de la pieza y la forma que hacemos esto es mediante el uso de los medios translucidez y desplazando la pintura a las proporciones de agua en nuestro mezclas de colores. Otra forma de hacerlo es incorporar destacados donde ese papel quede brillando a través esa pintura descubierta o sin pintar. Así que terminé de pintar las secciones de pétalos para todas estas flores y probablemente puedas contar cómo dejé pequeñas secciones pequeñitas de papel brillando y pequeñas formas aquí y allá. Esas pequeñas formas destacadas suceden forma natural ya que estaba pintando en esos pétalos y cambiando y cambiando la forma en que estaba usando mi pincel en el camino. Simplemente dejé que pasaran y los dejé ahí porque sabía que se verían como pequeños reflejos. Vas a ver que eso sucede en las hojas también. Después de terminar con los pétalos, llegó el momento de enjuagar todos esos colores para mis cerdas de pincel, y empezar con mis greens. Como se puede ver, estoy usando el mismo proceso que utilizo para la pieza de flor de cono primero pintando en el verde más claro y luego cayendo en mi verde más oscuro en ciertas secciones que quería oscurecer dentro de esa luz más grande, forma verde. Así que sólo estoy terminando con las hojas de aquí. Vas a notar que en esta sección inferior, donde tengo muchos tallos y hojas superpuestos, tengo cuidado con el orden en el que me acerco a estas formas en porque sé que el mojado la pintura puede comenzar a sangrar en nuevas formas que pinto a su lado o a su lado. Por lo que siempre puedes saltar por ahí para permitir que esa forma anterior seque y luego volver a esa zona que necesitas pintar que está justo al lado de ella. Estas formas también son relativamente pequeñas, por lo que siempre me estoy ayudando con mi toalla absorbente , pisando las cerdas de mi pincel en ella, y asegurándome de que no estoy sacando demasiado agua de mi contenedor. Recuerda que también puedes usar las cerdas limpias de tu pincel como una esponja poco absorbente cada vez que realices demasiada agua sobre tu papel. Con eso, ya terminé con esta pieza de rosas silvestres. Realmente espero que hayas disfrutado trabajando en éste y estoy emocionado de pasar a la última pieza en que vamos a estar trabajando juntos, que va a ser la pieza de narciso. Tómate tu tiempo terminando éste y practicando lo que sea que necesites practicar y te veo en la siguiente. 11. Línea y flores sueltas 11: Hola amigo. Bienvenido de nuevo a esta muy última clase que vamos a estar trabajando en nuestra última pieza juntos, que va a ser la pluma y lavar pieza narciso. Ojalá que por este punto ya estés bien familiarizado con el proceso y las técnicas que vamos a estar usando. Toda la estrategia y las fases van a ser las mismas que con el último par de piezas solamente, claro, esta vez estamos dibujando narcisos. Que es como vimos en esa clase en la que te mostré cómo dibujar los tres tipos diferentes de flores, una estructura muy diferente. Esta flor tiene características muy particulares que la hacen diferente de las otras flores que hemos dibujado hasta ahora. El dibujo va a ser diferente, los colores van a ser diferentes, y en general la composición también va a ser diferente. Trae a la mente las particularidades, las características, todo lo que aprendimos para este tipo de flor en clase Número 6 cuando compartí esas fotos de referencia contigo. Porque a pesar de que vamos por un tipo de pieza suelta relativamente simple, todavía queremos que estos parezcan narcisos. Recuerda su estructura general, recuerda su forma y tamaños, y número aproximado de sus pétalos, recuerda esa muy particular estructura de cono de trompeta o megáfono que tienen a su centros, y recuerda el tipo de hoja que tienen. Vamos a saltar directamente a la fase Número 1, que es nuestro boceto preliminar a lápiz. En esta fase, nos estamos enfocando en algunas cosas diferentes. Nos estamos enfocando en colocar estas formas básicas que nos van a permitir simplificar y visualizar las flores que vamos a estar dibujando. También nos estamos enfocando en crear gran proporción en estas flores para asegurarnos de que los tamaños y las ubicaciones de sus diferentes partes tengan sentido en relación entre sí. Un objetivo para esta fase es también utilizar nuestro espacio de dibujo de manera efectiva. Queremos asegurarnos de que estas formas preliminares que creamos para nosotros mismos sean de gran tamaño. Que no son demasiado pequeños y no demasiado grandes para que no aparezcan demasiado estrechos en esta zona de dibujo o flotando en mucho espacio vacío negativo a su alrededor. También queremos pensar en este punto de nuestro arreglo compositivo. Queremos asegurar que la ubicación de estos diferentes elementos en espacio va a ser interesante para mirar y de alguna manera equilibrada. Quiero asegurarme de que estoy dibujando a la ligera para que pueda borrar los errores para que mi trabajo de grafito no vaya a ser visible a través de mi pluma y tinta en mi acuarela al final, y para que no dañar o rascar mi papel. Ahora, para esta pieza de narciso, porque estas flores definitivamente tienen una estructura más grande, más compleja para ellos, decidí simplemente traer dos en lugar de tres. Porque acabo de traer dos, realmente no pude crear otro arreglo triangular. Decidí ir con una curva. Al igual que con las otras dos flores en esa versión simplificada en la que estábamos viendo esta flor directamente desde arriba, también la simplificamos en dos círculos básicos, un círculo más pequeño dentro de un círculo más grande. Al ser vistos desde una perspectiva lateral o en perfil, vimos esa estructura cónica o similar a megafón, y teníamos una forma ovalada muy plana debajo de ella. Al entender cómo se ve esa estructura cuando se ve directamente desde arriba y desde una perspectiva lateral o de perfil, puedo visualizar más fácilmente lo que vería esta flor en particular como cuando se ve desde otras perspectivas. Como se puede ver, estos dos narcisos excesivamente simplificados que he creado están en algún lugar entre las dos perspectivas que practicamos en esa primera clase de dibujo. Están en algún lugar entre la vista superior y la vista de perfil. Yo distorsioné esos círculos, los golpeé ligeramente y los convierto a ambos en forma más ovalada o elipse, y también los incliné para que pueda crear ese arreglo curvo. Porque en este caso estos narcisos están ligeramente inclinados hacia nosotros, tuve que abrir un poco más el óvalo superior de esa estructura cónica. En otras palabras, podemos ver en ese cono un poco más desde esta perspectiva. También me aseguré de que el narciso en la parte superior fuera un poco más grande que el narciso debajo de él. Esto me ayudaría a hacer la composición más interesante y más asimétrica. Una vez que tenían mis formas básicas adentro, era el momento de empezar a dividir estos óvalos en formas medianas. Empezamos a dibujar los pétalos. Recordé que los narcisos tienen seis pétalos, y también recordé su tamaño y su forma. Recordé que eran redondos y un poco puntiagudos al final. Tienen bordes relativamente lisos, por lo que no hay irregularidad irregular en ninguna parte. Puedes verme trabajando en dividir esta forma ovalada o elipse más grande en seis formas más pequeñas. Al dibujar estos pétalos simplificados, realmente estoy visualizando qué pétalos podría ver si estuviera viendo este narciso desde esta perspectiva y cuáles son esas formas para esos pétalos parecería, y preguntándome si estuviese viendo esta flor desde esta perspectiva, cómo esa estructura cónica justo en el centro de la flor cubriría justo en el centro de la flor cubriría esos pétalos que están más lejos lejos de mí detrás de esa pequeña estructura. ¿ Qué forma vería para esos pétalos que están más lejos y que están siendo cubiertos por otros pétalos o por esa estructura central? Recuerda cómo se curva esos pétalos y cómo están todos conectados a esa parte central de la flor. Estoy bastante contenta con las formas que creé para esos pétalos. Agregué con un poco más de detalle en la parte superior de esos conos en ambas flores. Esto es para que pueda decir dónde el labio superior de esa estructura cónica. Eso es algo que definitivamente quiero detallar cuando estoy haciendo mi trabajo de pluma y tinta. Agregarlo con lápiz primero va a facilitar ese proceso para mí. Si quieres añadir con más detalle con tu lápiz antes de empezarcon tu lápiz antes de empezar una fase de pluma y tinta, por todos los medios puedes seguir adelante y hacer eso, solo asegúrate de seguir dibujando a la ligera así luego puedas borrar tu trabajo de grafito. Después de añadir eso en, era hora de dibujar los tallos para mis flores. Para los tallos, una vez más me aseguré de que parecían que estaban unidos a la base de esa sección de pétalos. Quiero asegurarme de que empiece ese tallo justo debajo de esa sección central de la flor. Pero se puede ver cómo incorporé, una vez más, muchas curvas a esos tallos para que puedan verse mucho más naturales. No quería crear líneas perfectamente verticales ni nada por el estilo que llevaría a mucha rigidez. Por último, era hora de sumar esas hojas largas y estrechas para estos narcisos. Acabo de sumar en tres hojas y me aseguré de que algunas de ellas fueran más altas y algunas de ellas fueran más cortas y que se curvaran ligeramente de diferentes maneras. Variedad e irregularidad es clave. Es hora de comenzar con la fase Número 2, que es la fase pluma y tinta. Recuerda el objetivo para esta fase. Fue para definir aristas y agregar detalle. Al igual que con las dos últimas piezas, quieres realmente crear variación de peso de línea en tu trabajo y asegurarte de que lo estás manteniendo en movimiento, manteniéndola fluyendo. Abrazar cualquier oscilación, cualquier imperfecciones, cualquier irregularidad que ocurra en el camino mientras estás rastreando tu trabajo de lápiz. Puedes seguir adelante y sumar más irregularidad y trabajo de detalle. Por ejemplo aquí mismo, puedes verme agregando bordes más irregulares a lo largo de la parte superior de esa estructura cónica o similar a megafón. También estoy agregando en el pistilo y el estambre, los tipos de líneas o marcas que agrego para el pistilo y el estambre son muy similares a los que usé para la rosa silvestre. Estas son líneas con un pequeño bucle en la parte superior. Aquí mismo decido añadir también en un poco más de detalle dentro de los pétalos agregando algunas líneas muy irregulares. Al igual que lo que hice con las dos últimas flores. Esas líneas que agrego para textura y dimensión dentro de los pétalos son mucho más ligeras en peso visual que las líneas que creé para los contornos exteriores de esos pétalos. Hice que se vean mucho más ligeros y delgados simplemente moviendo mi mano y brazo mucho más rápido y ejerciendo menos presión sobre mi pluma mientras dibujaba esas líneas y marcas. Aquí mismo me vas a ver rotar mi papel de acuarela para que mejor pueda hacer mi trabajo de tinta en este narciso de fondo. Observe cómo estoy manteniendo mi linework y mi marcaje consistente a lo largo de toda esta pieza. Es decir, si me comprometo con tipos específicos de líneas o marcas, me aseguro de usar esas líneas y marcas específicas para ambas flores. Esto es importante para que todas estas diferentes secciones de esta pieza se vean bien integradas. Simplemente haciendo mi rastreo sobre estas hojas largas y estrechas. Con esto voy a estar todo hecho con mi trabajo de pluma y tinta. Por último, era hora de dejar que todo se seque por completo para que luego pudiera borrar todo mi trabajo de lápiz. Te recomendaría permitir que tu tinta se seque por alrededor de 15-20 minutos antes de hacer cualquier borrado. También trata de no desempolvar esas brocas de borrador con la mano. Te sugeriría usar una toalla de papel de cocina normal o si tu toalla absorbente que usas para tu pintura de acuarela está seca, puedes usar eso también. Si usas tu mano, aceites que tienes en tu piel pueden meterte en tu papel de acuarela y esto puede crear splotchiness más adelante cuando estés pintando. Así que solo ten cuidado con eso. Por fin es hora de hacer nuestra pintura acuarela para esta pieza final de narciso. Ya hemos seleccionado los colores que vamos a usar para éste. Al igual que con las dos últimas piezas, es muy importante que creemos una buena cantidad de bonitas mezclas de colores jugosas para nosotros antes de empezar con el proceso de pintura. Recuerda que la consistencia y la cantidad de tus mezclas de colores en tu paladar tienen que ser justo antes de empezar a pintar para que puedas cargar bien tu pincel y trabajar rápidamente. Todavía usando mi pincel redondo talla 10, estoy preparando estas mezclas de colores para mí. Sólo voy a estar necesitando cuatro mezclas de colores diferentes para esta pieza de narcisos. Aquí mismo comenzando en la parte inferior, este color de aspecto naranja es Hansa amarillo claro y un poco de nuevo gamboge. Justo encima de ella tengo luz amarilla Hansa llanura con un poco de agua en ella. Los dos greens en la parte superior son los dos greens que he estado usando todo el tiempo. Mi verde más oscuro es llano verde submarino con un poco de agua en él. El verde más claro es verde submarino más un poco de luz amarilla Hansa añadida en. Estos narcisos no tienen un color pardusco para esa zona central. Esa estructura cónica central, voy a estar pintando con un color amarillo, naranja. Los pétalos a su alrededor se van a pintar en primer lugar con el amarillo y luego voy a estar cayendo un poco de la naranja amarilla. Después de pintar esa sección central de aquí mismo, estoy haciendo un poco de elevación. Quité toda esa naranja para mis cerdas de pincel. Quité el exceso de agua al golpear las cerdas con mi pincel en mi toalla absorbente. Entré y usé mis cerdas como una pequeña esponja absorbente para recoger algún exceso de pigmento. Yo también estoy haciendo eso aquí mismo. El levantamiento es una gran técnica cada vez que sientes que has oscurecido demasiado una sección o quieres desarrollar valores más ligeros, más translúcidos en un área. Siempre puedes entrar y hacer tu levantamiento con unas cerdas limpias y ligeramente húmedas de tu pincel o incluso entrar con tu toalla absorbente y levantar algo de ese exceso de pintura para revelan un poco más de ese papel debajo. Esto agregará dimensión de nuevo a esa área. Después de haber pintado en esas secciones centrales más naranja-ish para estos narcisos, ahora estoy pintando en los pétalos a su alrededor. Al igual que con las últimas flores, entraré primero con mi color más claro, creando esa capa inicial más ligera. Si bien esa capa inicial más clara sigue mojada, cago en mi segundo color más oscuro para oscurecer secciones más pequeñas dentro esa forma más grande y más clara. Una vez más estoy visualizando donde estos pétalos estarían creando un poco de sombra unos sobre otros y cayendo ese color más oscuro en esas áreas. Asegúrate de caer en tu segundo color de una manera muy irregular. Si esa capa inicial más ligera comienza a secarse demasiado rápido, recuerda pasar un poco más pintura en esa primera capa más ligera. Ejecuta tus cerdas de pincel sobre toda esa forma dos o tres veces. Esto hará que esa capa inicial de seca un poco más lentamente para que para cuando caigas en tu segundo color, ese segundo color se disipe suavemente en el amarillo debajo de él, creando transiciones agradables, suaves, borrosas. Si ese color inicial se seca sobre ti, esos efectos no van a suceder. Haz todo lo posible para caer ese segundo color con confianza y no y empieces a mover la pintura ese segundo color con confianza y noentresy empieces a mover la pinturadespués de que haya sido colocada sobre papel. Trata de abrazar los efectos orgánicos irregulares que crea la acuarela y no vayas a mover tu pintura alrededor a menos que realmente tengas que hacerlo. Siempre que sí entro a hacer un poco de movimiento y ablandamiento de color que he colocado sobre papel, lo hago muy suavemente y muy mínimamente. Sólo estoy terminando pintando los pétalos aquí. Por último, estoy pintando en las hojas con mis verdes. Primero entré con un verde más claro y mientras que ese verde inicial más claro todavía estaba mojado, caí en un poco de verde oscuro donde quería crear un poco de efecto de sombra. Por ejemplo, justo debajo esa estructura grande de pétalos, agrego en un poco de verde oscuro y también donde los tallos y las hojas se superponen uno encima del otro. Tengo mucho cuidado al simplemente entrar con la punta de mi pincel en esas zonas muy estrechas. Incluso cuando estoy pintando las hojas, me estoy asegurando de correr las cerdas de mi pincel sobre estas formas dos o tres veces antes caer en mi verde más oscuro para que pueda asegurarme de que el el verde más oscuro se disipará y desenfocará y creará gradientes en ese verde más claro. Pero trabajar rápidamente también es muy importante. Esto es algo que prometo que vendrás a ti con práctica a lo largo del tiempo. Con eso, ya he terminado con este bolígrafo de narciso y pieza de lavado de acuarela. Realmente espero que hayas disfrutado trabajando en estas tres piezas conmigo y también haciendo los estudios que hicimos antes. Espero que aprendas algo nuevo y que uses este conocimiento y estas habilidades que has adquirido para crear grandes obras de arte propias. Si trabajaste en estos estudios y estas piezas a mi lado, asegúrate de compartir tu trabajo aquí en la comunidad. Me encantaría verlo. Enhorabuena por hacerlo a través esta clase y verte en el último video. 12. Líneas y flores sueltas 12: Muchas gracias por acompañarme en este curso. Realmente espero que hayas disfrutado trabajando en estos ejercicios y proyectos conmigo y espero que hayas aprendido tidbits especiales que puedes guardar en tu bolsa de herramientas y aplicar y pensar en el futuro con cualquier tipo de obra de arte en la que puedas elegir trabajar. No olvides compartir ninguno de los trabajos que hiciste para este curso en la pestaña de proyectos aquí en Skillshare. No puedo esperar a ver tu trabajo. Escucharme y seguir haciendo tiempo para mis pasiones e intereses es algo que es increíblemente importante para mí. Quiero animarlos a que continúen en su camino artístico, a seguir desarrollando sus habilidades artísticas y su voz artística. De verdad creo que si te llaman al arte, es por una razón. Nunca dejes a un lado esa enorme parte de ti mismo e ignora eso. Sigue persiguiendo esos intereses cualquier manera que puedas, prometo que no te arrepentirás. Si te gustó este curso, no te olvides de seguirme aquí en Skillshare porque tengo muchos cursos nuevos que estoy súper emocionado de compartir. Si estás en redes sociales, puedes seguirme en Instagram donde comparto mensajes inspiradores y útiles, así como detrás de escena fotos y noticias, y por supuesto, sígueme en YouTube. Vas a poder encontrar toneladas de videos útiles en mi canal, incluyendo tutoriales, incluyendo videos de consejos, y muchas otras cosas. Muchas gracias una vez más por acompañarme en este curso. Les deseo toneladas de progreso y también disfrute avanzando en su viaje artístico y nos vemos pronto. Adiós.