Transcripciones
1. Introducción: ¿ Quieres hacer un trabajo más consistente y hacer tu marca única en el mundo del arte y el diseño, mucha práctica creativa es solo prueba y error. Pero con unas pocas herramientas, puedes hacer un trabajo más consistente que refleje tu estilo personal. Bienvenido a encontrar tu perspectiva creativa, donde desmitificaré los elementos básicos del arte
y el diseño para que puedas comprenderlos fácilmente, y descubrir cómo quieres usar esos elementos para hacer tu propia obra única. Soy Carolyn, diseñadora e ilustradora que fue a la escuela de
arte y sigue aprendiendo sobre arte y diseño todos los días. De hecho hice mi propio catálogo creativo para mí porque encontré que necesitaba una herramienta me ayudara
a guiar y ayudara a definir mi estilo creativo. Pensé que podría usar eso para hacer una receta o una fórmula para mi trabajo creativo, lo que realmente me ha ayudado a enfocarme. Puedo recurrir a mi fórmula y eso ayudará a restringir mis pensamientos y realmente me animará a empujarme y hacer algo interesante y único. A lo largo de esta clase, te guiaré por el proceso de encontrar tu perspectiva creativa y unos sencillos pasos. Primero aprenderemos algo de vocabulario para describir lo que disfrutas intuitivamente del arte, pero quizá no tengas palabras para ello ahora. Aprenderemos los siete elementos del arte y el diseño. A continuación, utilizaremos esos elementos y vocabulario para analizar las obras de arte. Después, recolectaremos referencias de lo que nos gusta dentro esos siete elementos y tomaremos algunas notas en nuestro catálogo creativo. Por último, elegirás algunos elementos de arte y diseño para explorar en una nueva pieza de trabajo. Al final de la clase, podrás aprovechar tu intuición estética y transformarla en parte de tu propio proceso creativo. Empecemos viendo los elementos del arte y el diseño e iniciando tu catálogo creativo. Estarás haciendo un trabajo más consistente en tu propio estilo único en poco tiempo.
2. Proyecto: tu catálogo creativo: En esta clase, tu proyecto será hacer un catálogo creativo que sea completamente único, lleno de imágenes que quieras emular en tu propio trabajo. Tu catálogo constará de siete tableros de Pinterest que actuarán como una ubicación central para que
agregues constantemente imágenes a las que te atraen de tus artistas favoritos, diseñadores, fotos que has tomado en tu vida diaria y incluso imágenes de tu propio trabajo o bocetos. Tu catálogo también contendrá notas sobre por qué seleccionaste tus imágenes y palabras clave que sugieren cómo puedes usarlas en tu propio trabajo. A pesar de que te estaré enseñando un conjunto básico de vocabulario para usar en tu catálogo creativo, será crucial aprender de otros estudiantes y ampliar juntos nuestro vocabulario creativo. Asegúrate de publicar tus tableros y
notas de Pinterest en la galería de proyectos después de cada lección. De esa forma ampliaremos
juntos nuestro vocabulario creativo e inspiraremos mutuamente en cada paso del proceso. Después de hacer tu catálogo, harás una nueva obra de arte basada en tres secciones de tu catálogo creativo o tres elementos de Arte y Diseño. Empecemos en nuestro catálogo creativo. Si aún no tienes una cuenta de Pinterest, consigue una de esas porque ahí es donde estaremos
configurando nuestra porción de imagen de nuestro catálogo creativo. Después descarga la hoja de trabajo de notas del catálogo creativo los recursos
del proyecto para que estés listo para tomar notas sobre tus imágenes a medida que las atravesamos. A continuación, vamos a empezar a aprender los elementos del arte y el diseño, empezando por la composición.
3. Haz un boceto de miniatura: Tomemos un breve descanso y veamos cómo hacer bocetos en miniatura. Por lo que puedes hacer referencia a los que se encuentran en la sección de notas de tu catálogo creativo. La persona visual y los bocetos a menudo significan más para mí que palabras. Si quieres crear bocetos como estos, por favor hazlo. Yo animaría mucho y aquí te dejamos algunos consejos sobre cómo puedes hacerlos. Entonces cuando estás creando tu boceto de miniaturas, realmente solo quieres empezar por crear una forma básica por lo general un rectángulo, que comunica la forma de la pieza en general, y luego dibujaremos dentro de eso. Entonces, ¿cómo se ve el Lienzo? Por lo general es un rectángulo o un cuadrado. Por lo que yo sólo empezaría por conseguir una regla o simplemente la mano libre. Dibujando la forma básica de la pieza. Nuevamente, no tiene que ser perfecto por ningún medio, y luego vas a encontrar el tema de esto y empezar dibujando eso entonces, porque quieres empezar con un poco de detalle y luego hacer así
más grande de lo que se suponía que iba a ser y estropear toda la proporción de la pieza. Simplemente me centraría primero en las líneas más grandes, y así voy a dividir el lienzo, similar a cómo se divide en la obra misma. Entonces estoy haciendo esto, ya que estoy viendo el trabajo. En esta pieza está en mi Tablero de Texturas en mi catálogo creativo. En mi miniatura, realmente me voy a centrar en esa textura. Entonces aquí vamos, empezando a resaltar las partes que me gustan de esto. Esta es una composición bastante complicada. Por lo que realmente solo estoy simplificando para los fines de hacer notas. Entonces ahora que tengo los principales componentes, que serían la estructura de las líneas generales segmentando esta composición, voy a entrar y dibujar esas pequeñas texturas que disfruto. Creo que este patrón en la pared que revela el chapoteo trasero de la cocina es realmente interesante y tiene este bonito movimiento, que es algo que me podría llevar conmigo. Podría agregar una textura similar y una de mis propias obras, y ahora que la he simplificado sólo a estas pequeñas líneas, realmente
puedo hacerlo mío. Esto no va a parecerse a la obra original porque no debería parecerse a la obra original. Ahora que tienes tu boceto en miniatura dibujado, me gusta usar solo un color más negro, bastante neutro para esto. Ahora, puedes entrar con un color más brillante y realmente hacer notas sobre lo que específicamente te gusta de esto. Por lo que mencioné antes cuando empecé a dibujar esto, que me gustó la composición de cuadrícula de segmento. Realmente noté este aspecto a la obra porque lo dibujé. Cuando dibujas algo, realmente lo entiendes. Normalmente haría sólo una grilla. Entonces si fuera una composición bastante centrada como el sujeto estaba justo en el medio, señalaría eso dibujando una línea recta a través y luego una línea recta a través de aquí solo para demostrar que es realmente, todo se cruza y juntándose en el medio, y el camino de la composición está en el medio, o algo estaba aquí, entonces yo haría un no y una línea que estaba apagado centrado. Sólo para otra vez, señalarlo y resaltar si eso me gustó o no. Creo que lo bueno también es que el cerebro de diseñador en mí salga. Podría hacer apuntes sobre lo que me gusta de esto. Entonces pon palabras a estos diferentes patrones. Tal vez una variedad o patrón, o son texturas superpuestas. Por lo que las miniaturas no son duras en absoluto. Puedes hacerlos lo que quieras hacerlos, siempre y cuando los entiendas y entiendas lo que quieres
traer contigo a tu propio trabajo a partir de obras que existen. Es como tomar notas en un libro. Por lo que no quieres resaltar y anotar todo
el libro porque eso derrotaría el propósito de tomar notas. Solo quieres escoger esas líneas,
o frases, o palabras que significan algo para ti. Entonces de esa manera cuando estás mirando hacia atrás al libro, solo
recuerdas esos grandes conceptos. Entonces esto es exactamente lo que queremos hacer en los bocetos en miniatura y en la sección de notas de tu catálogo creativo. A continuación, seguiremos aprendiendo sobre los demás elementos de Arte y Diseño.
4. Composición: Empecemos a hacer tu catálogo creativo dividiéndolo en secciones de acuerdo a los elementos del arte y el diseño. Vamos a empezar con la composición, luego aprender sobre los otros seis elementos en lecciones posteriores. Realmente queremos descomponer cada elemento de arte y diseño porque son los bloques de construcción de nuestro InDesign. Una vez que entendemos cómo podemos usarlos y cómo los artistas que admiramos los usaron, entonces podemos recuperar ese conocimiento,
tomar notas de lo que nos gustaría y cómo queremos acercarnos a ese elemento y llevarlo a nuestro propio trabajo y formar un perspectiva creativa muy única, voz o estilo o como quieras llamarlo, y hacer un trabajo más consistente que realmente refleje cómo ves el mundo del arte y el diseño. Aprendamos más sobre la composición. Es posible que te hayas topado con estos términos en tus clases de arte y diseño, pero es genial simplemente revisarlos, y realmente recordar el núcleo de lo que compone el arte y el diseño. La composición es la disposición de los elementos individuales dentro de una obra que forman un todo unificado. Para desglosar un poco más la composición, es útil mirar el equilibrio, el movimiento,
la unidad, la variedad, la proporción y la alineación. equilibrio es el peso visual de una composición. Podría estar centrado, por ejemplo, podría estar apagado centrado e inquietante. Realmente quieres mirar la regla de los tercios, y una cuadrícula visual en tu mente al buscar equilibrio y simplemente mirar realmente a lo que tus ojos dibujaron primero a lo que ocupa mucho de la composición. Siguiente es el movimiento o cómo se mueve el ojo a lo largo de la composición. Nuevamente, mirando lo que primero dibuja tu ojo y luego a dónde se mueve a continuación. Siguiente es la unidad; diferentes elementos de la composición que están dispuestos para que se conecten. Esto podría ser una conexión visual que literalmente está sucediendo en la obra de arte. Por ejemplo, líneas dibujadas para conectarse entre sí, o podría ser una conexión implícita, donde, por ejemplo, tu ojo podría moverse de una forma a otra y unir a las dos de ellas. A continuación se presenta la variedad, lo contrario de la unidad, donde se disponen diferentes elementos de la composición para que se desconecten, enfatizando aquellos elementos que no están conectados. A continuación se presenta la proporción o escala, que es la relación de tamaño de los elementos en la composición. Esto podría ser realista, esto podría ser abstracto y dramático. Alineación es el posicionamiento de elementos de una composición que conecta elementos. Esto va de la mano de la unidad, donde ciertos elementos podrían no estar literalmente encima uno del otro o uno al lado del otro, sino porque forman esa línea implícita, se conectan entre sí. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos de composición, empecemos la sección de composición de tu catálogo. Empieza por recolectar imágenes que ilustren cómo quieres usar la composición en tu propio trabajo. Aquí te presentamos algunos consejos sobre cómo elegir imágenes para la composición. Busca a tu artista favorito y observa cómo usan la composición o recurren a los maestros de la composición como Caravaggio, Renoir, Georgia O'Keeffe, y Degas. Acuérdate de acreditar siempre a los artistas. Cuando encuentres a un artista que le guste tal vez los google y lea su página de Wikipedia o lea su sitio web en la historia. De esa manera realmente puedes entender tal vez algo que influyó en su idea de composición o en el elemento del diseño artístico. Por ejemplo, fue Degas fue uno de los primeros artistas que comenzó a trabajar con la fotografía, por lo que realmente le dio una interesante perspectiva sobre la composición. Podrías encontrar algo interesante sobre la forma en que el artista que te gusta se acerca a ese elemento, y tal vez puedas mantener una mentalidad similar. Busca esos géneros que te gusten. Busca obras de arte y los géneros que te interesan, como la pintura o la pintura de paisaje o la fotografía de paisaje. Desde ahí puedes ver cómo otros artistas de los géneros que te gustan están tratando la composición. Después de que tengas algunas imágenes en tu tablero de Pinterest, llevaremos a la siguiente parada y las analizaremos o las diseccionaremos, y tomaremos notas sobre cómo quieres usar la composición.
5. Analizar la composición: Aquí te dejamos algunas cosas a tener en cuenta al analizar tus imágenes para la composición. Uno, donde se dibuja tu ojo primero. Dos, cómo se colocan los elementos para unir, enfatizar, o crear movimiento. Tres, ¿están equilibrados los elementos? Veamos un ejemplo y analicemos una imagen juntos, utilizando nuestros conceptos básicos de la lección anterior y nuestras preguntas. Se trata de un cuadro de uno de mis artistas favoritos Degas. Creo que es realmente interesante en composición porque está casi dividida por la mitad, y se enfoca en un ángulo extraño que normalmente no verías. Dónde está nuestro ojo primero dibujado, mi ojo como probablemente primero dibujado para ser cabezas porque son tan oscuras y están ocupando tanto espacio en la parte inferior mitad la composición, pero también la bailarina ligera y su vestido arriba ellos dibuja mi ojo. ¿ Cómo se colocan los elementos para unir, enfatizar, o crear movimiento? Como dije, la composición está dividida en,
casi en mitad de la composición, y es la línea escénica la que la está dividiendo,
por lo que realmente enfatiza a los hombres de la orquesta porque son tan grandes, sobre todo comparados a las bailarinas, y las bailarinas, bueno, una de ellas está mirando hacia abajo casi al foso de la orquesta, pero las caras de los hombres en la parte inferior son tan grandes, como casi tan grandes como todo
el cuerpo de toda la bailarina en comparación con su cabeza más pequeña. Eso parece un poco menos importante, y está más enfocada en representar a la orquesta. ¿ Están equilibrados los elementos? Yo diría que están bastante equilibrados. Como dije antes, la composición está dividida por la mitad, así que sí se equilibran entre sí, pero el hombre de la orquesta de abajo es tan oscuro y tan pesado, se
siente justo que ahí en la parte inferior de la composición, pero sigue siendo bastante pesado y ocupa mucho peso visual, así que diría que tal vez es un poco más pesado en la parte inferior que en la parte superior. Ahora que hemos mirado esa pieza de ejemplo, aquí hay algunas imágenes de mi catálogo creativo, y voy a recorrer qué tan intuitivamente analizar estas imágenes a medida que las encuentro y como estoy haciendo notas sobre ellas. Algo además del tablero de Pinterest, personalmente
me gusta hacer solo para ser más visual como hacer bocetos en
miniatura para que pueda dibujarlos y averiguar realmente qué es lo que me gusta de esta pieza específica. Diseccionemos un par de mis imágenes. Vamos a primera pieza por 100 y t es de esta mujer que está sentada mucho de la composición y primero dibujada a su cara, y luego está este movimiento realmente bonito remolino, y arriba y abajo su espalda, y luego arriba y alrededor su brazo, así que hay este movimiento de remolino que tienes y esa es probablemente mi parte favorita de esta pieza es el movimiento dinámico, solo en la composición solo. A mí me gusta que esté bastante centrado, pero es un poco superior pesado. Si lo dividimos en esta regla de tercios grilla, y luego hay un poco más de peso en este lado derecho solo por el color, por lo que en general es proporciones bastante equilibradas y realistas y lo escalonado, y si realmente entrecerran los ojos y mira, ves estas encantadora forma en forma, que es otro elemento de nuestro diseño del que hablaremos más adelante, pero estos elementos nunca están aislados, siempre
trabajan juntas, por lo que las formas hacen un muy buen trabajo de comunicando esta composición dinámica de forma directa. Echemos un vistazo a una ilustración de la alcaldesa Coleman que forma parte de sus niñas en la serie de césped, así que al principio, realmente
reconozco estas piernas que casi están en forma de Y con este cuerpo, y quizá no reconozcas que es una niña al nacer, porque no puedes ver tu cara ni nada, así que me gusta que sea una perspectiva realmente dinámica y única de una figura, y está bastante centrada y la composición también, que es algo que también me gusta. Aquí hay un enfoque cinematográfico realmente interesante, casi narrativo de la composición. Aquí tenemos este marco que se desvanece y realmente presenta esta figura que está en el centro de la composición. Mis ojos primero se dibujaron hacia él, y luego miré hacia abajo e imagino su línea de visión, y luego me muevo hacia arriba mirando alrededor de su escoba, notando que le gusta. Tiene una bonita casa de fuego en un bonito departamento tal vez, y luego tiene un gato, así que realmente aprendemos de él a través de esta composición, y luego notamos, estos bonitos patrones que son simplemente realmente sutiles que conforman este marco de ventana para que nos fijemos. Se trata de una composición muy equilibrada, muy centrada que es muy fuerte y realmente apenas da un paso atrás y establece el escenario para contar la historia. Ahora tenemos una composición que está un poco desequilibrada, así que tenemos a esta niña o niño, y lo son, se asumirá con un padre, pero el padre en realidad está recortado. El foco está realmente en el niño, y luego están mirando, por supuesto, a los pasteles de esta ventana. Otra vez con trazar la línea de visión. Tu ojo primero se mueve desde el niño hasta la ventana. Echemos un vistazo a lo centrado que está esto. nuevo, realmente creo que la composición como un poco más pesada en el lado derecho, pero es bastante equilibrada en general, pero realmente inclinada hacia el lado derecho, y luego tenemos un cartel de Toulouse Lautrec. Me encantó el movimiento diagonal dinámico en esto. Mi primera cosa que miro es otra vez, una cara. Como humanos, creo que estamos programados para detectar de inmediato las caras, y luego mi ojo se mueve a estos elementos más oscuros, y realmente disfruto de nuevo este movimiento diagonal y la composición, así que la figura, el sujeto mismo está en la diagonal, y luego el tipo está imitando su dirección diagonal, y luego sus manos están todas apuntando hacia ella de esta manera dinámica. Ahí está este increíble movimiento de como tal vez ella se está alejando de las manos y las manos se le acercan, y luego hay otros detalles de confeti en el fondo que se desvanecen, pero tal vez le den una sensación de dónde están, y si estamos
viendo cómo esto se divide en la regla de tercios, vemos que su rostro está bastante centrado, pero un poco apagado, y entonces estas manos están realmente de este lado izquierdo, pero sí terminan arriba equilibrándose con la figura que solo está de este lado derecho, así que es una composición bastante equilibrada, pero creo que es un poco más de fondo pesado y del lado derecho pesado, pero crea este movimiento increíble para tu ojo, que termina siendo muy interesante, y cuenta una historia. Ahora, que hemos mirado unas cuantas imágenes relacionadas con la composición y algunos ejemplos. Voy a sacar mi hoja de trabajo de sección de notas de catálogo creativo y anotar algunas notas, ahora que he mirado a través de algunas imágenes. Poner palabras a tus catálogos, las imágenes realmente te ayudarán a definir cómo quieres usarlas en tu propio trabajo. Entonces mientras hablaba de mis imágenes, las descompuso, las analizaba, tomaba notas con mis bocetos en miniatura. Voy a hacer algunas notas sobre lo que me gusta. En estas imágenes. mejor un tema consistente todos estos están centrados, todos estos son diagonales, esa cosa, y de esa manera puedo notar que más adelante cuando realmente estoy haciendo trabajo, y eso me guiará en cómo hacer mi propia obra de arte. Dije que me gusta la composición centrada, tal vez un poco fuera centrada. También me gustó un movimiento de narración de historias, así que estas pueden ser palabras o pueden ser frases, me refiero a cualquier cosa siempre y cuando reconozcas lo que
significan y puedas darles sentido después una vez que realmente estés trabajando. Ahora puedo usar estas palabras clave en mi trabajo más adelante. A continuación, seguiremos aprendiendo sobre los demás elementos de nuestro diseño.
6. Espacio: Ahora que hemos mirado nuestro primer elemento de nuestra composición de InDesign. Pasemos a nuestro segundo, el espacio. espacio son las distancias o áreas alrededor, entre y dentro de los componentes de una pieza. Cuando miramos piezas de trabajo para el espacio, es bueno revisar algunos términos diferentes como espacio positivo versus negativo, espacio cerrado versus espacio abierto, profundidad y dimensión. espacio positivo es el foco o tema principal en la obra. Si bien el espacio negativo es el espacio vacío alrededor del sujeto. espacio abierto en el arte tridimensional son las partes abiertas o relativamente vacías de la obra. espacio cerrado en el arte 3D son las áreas llenas o sólidas de la obra. Cuando hablamos de profundidad en relación con el espacio, estamos hablando de la aparente distancia de frente a atrás o de cerca a lejos en una obra de arte. Esto a menudo se describe como la relación de fondo versus primer plano o profundidad de campo en la fotografía. Puedes tener una amplia profundidad de campo, lo
que significa que parece que hay mucha distancia entre lo que está más cerca de ti, el primer plano, y lo que está más lejos de ti, el fondo. También puedes tener una profundidad de campo poco profunda, lo
que significa que parece que no hay mucha distancia entre ese primer plano y el fondo. Podemos pensar en la dimensión en el espacio como una medida de extensión espacial en una dirección, altura, anchura o profundidad. Dos dimensiones puede ser una forma de describir una pieza de trabajo. Eso significa que solo tiene las dimensiones de altura y ancho, por lo que es plano. O podemos llamar a una obra tridimensional, teniendo dimensiones de altura, anchura y profundidad. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos para el espacio, empecemos la sección de espacio de tu catálogo creativo. Empieza por recolectar imágenes que ilustren cómo quieres usar el espacio en tu propio trabajo. A continuación te presentamos algunos consejos sobre dónde puedes empezar. Vuelve a los maestros del espacio, como M. C. Escher, Saul Bass, Salvador Dalí, Thomas Cole, Ansel Adams, David Turnley, y Henry Moore. También puedes buscar campos de arte y movimientos que te gusten. Observe campos específicos del arte como la pintura o la fotografía y mire movimientos específicos del arte como el surrealismo o el modernismo. Después de que tengas algunas imágenes en tu tablero de Pinterest, daremos el siguiente paso y las analizaremos o las diseccionaremos para usarlas en tu trabajo más adelante. Estas son algunas cosas a tener en cuenta al analizar imágenes para el espacio. Uno, identificar los espacios positivos y negativos. ¿ Acaso uno prevalece al otro? Dos, ¿la profundidad y la dimensión son realistas, anchas o 3D, o abstractas, superficiales en 2D? Tres, ¿sugiere el espacio movimiento o un significado adicional a la obra? Analicemos una imagen juntos usando nuestras preguntas y conceptos básicos del espacio. Probablemente has visto a este famoso, trabajo de
M. C. Escher. Es una mirada realmente interesante al espacio positivo y negativo. Empecemos ahí, identifiquemos los espacios positivos y negativos. Esta pieza es realmente interesante porque los espacios negativos y positivos casi cambian. Al principio se puede ver el espacio positivo son los pájaros volando, son negros, y luego el cielo detrás de ellos es blanco. Ese sería el espacio negativo. Una vez que llegas a la mitad del fondo, cambia y los peces están en ese espacio blanco. Eso se convierte en el espacio positivo y el negro detrás del pez se convierte en el espacio negativo. Es un juego realmente inteligente en el espacio negativo, positivo y justo cómo diferentes personas interpretan los negativos positivos o cómo puede cambiar con el tiempo. ¿ Acaso uno prevalece al otro? Yo diría que no, son muy equilibradas y sí cambian dependiendo dónde estés mirando en la pieza o cómo se mueve tu ojo a través de ella. ¿ Es realista o abstracta la profundidad y la dimensión? Yo diría que la profundidad y dimensión es muy abstracta. El pez y los pájaros son muy planos. Tienen un poco de sombreado sobre ellos, pero definitivamente no se ve como un pez 3D que puedas sostener en tu mano. El fondo es también, solo blanco liso o negro liso. No hay indicio de que en realidad haya agua debajo de los peces, o en realidad haya un cielo con nubes detrás de los pájaros. ¿ Este espacio sugiere movimiento o agrega significado? Como mencioné antes, creo que aquí hay un bonito movimiento porque es un patrón muy predecible que, los peces y las aves se están moviendo. Es realmente un descubrimiento divertido cuando tu ojo se mueve
de arriba a abajo y el espacio cambia. Aquí te dejamos algunas imágenes de mi catálogo y pasaré por muy rápido cómo analizo esto de manera más intuitiva en mi propia práctica. En esta ilustración, me gusta mucho la planitud de la misma. Todo parece muy superficial en la profundidad. Estos árboles están todos en el mismo nivel. No hay algo que desaparezca en la distancia. Ellos sí tienen una variación de tamaño, pero no es lo suficientemente consistente a donde este árbol
de fondo podría ser realmente pequeño en comparación con un enorme árbol en primer plano, todo se saca en este patrón de árboles que son todos, un árbol grande aquí, un árbol pequeño aquí. Realmente no tiene sentido espacialmente que se trate de una representación realista de un paisaje. El espacio en blanco en el fondo es claramente el espacio negativo, mientras que los árboles están en primer plano y representan el espacio positivo. Creo que en general hay pocos movimientos espacialmente a lo largo de esta pieza. Sólo porque como mencioné antes, no
hay movimiento desde el primer plano hasta el fondo con tu ojo. Todo está en ese mismo campo. Eso permite que tu ojo se centre realmente en los árboles. El fondo es solo blanco. No hay nada que mirar ahí fuera. Puedes notar todas estas ilustraciones de arbolito realmente dulces. La siguiente pieza que elegí agregar a mi tabla espaciadora fue esta ilustración realmente interesante llamada sobras y tiene esta extrema planitud. Al igual que mencioné en el último trabajo, existe este espacio negativo claro que es blanco o espacio en blanco y que permite
que los elementos coloreados del espacio realmente avancen hasta el primer plano. Pero está esta profundidad realmente interesante que entra en juego con estos diferentes elementos sombreados. Hay algunos colores primarios que se utilizan que realmente salen al primer plano de esta pintura pero a veces se desdibujan. Puede haber este blanco pero en el medio son realmente ligeras, y son zonas realmente oscuras, hay este gris que sale y que se suma a la profundidad, que agrega dimensión. Se puede decir que estas áreas más oscuras se supone que representan una sombra. Estas áreas más amplias de su cuerpo y su sombrero se supone que representan a un sujeto que se está acercando al primer plano. La tercera pieza que elegí es habitación roja. Tiene evidente planitud a la
misma, similar a las dos piezas anteriores que he mirado. Realmente no ofrece mucha dimensión porque como lo que mencioné con los árboles, no
hay movimiento realmente diciéndote nada de que esto sea una sala real en la que puedes mudarte, que puedes volver a entrar porque estos elementos todos se presentan de manera tan plana. Los colores también realmente se mezclan, sobre todo en la pared y la mesa que saca esa planitud, por ejemplo, esta pared, si realmente estuviera en una habitación, probablemente
debería tener un color más oscuro porque es más atrás en el espacio. O podría tener un color más claro, pero definitivamente sería más diferente que el color de la mesa y eso es un poco confuso espacialmente pero reúne esta abstracencia realmente agradable que realmente como personalmente. Entonces eso hace que tu ojo se centre más en estos elementos que en el hecho de que esto podría o no ser una habitación real. Tu ojo puede moverse libremente. Nada es realmente más importante que la otra cosa. Puedes pasar algún tiempo solo explorando uniformemente los elementos de esta composición. Creo de nuevo, este es un trabajo realmente interesante del espacio positivo que entra con el espacio negativo para comunicar algo más fuerte. De inmediato veo lo que está ocupando más espacio de la composición, estos autos. Ese va a ser nuestro espacio positivo. Entonces esta área blanca del fondo es obviamente nuestro espacio negativo. El fondo blanco entra para romper el espacio positivo en ciertos puntos. Creo que esto es realmente indicativo del tipo de impresión que podrían haber estado usando de nuevo en este momento. A lo mejor están con un presupuesto ajustado, por ejemplo, y sólo pueden imprimir un color. Este uso del espacio positivo y negativo sería realmente importante para maquillar casi un tercer color con solo tu color, ese es tu papel, y luego tu color ese es tu tema. Aquí hay casi este tercer color. Pero de todos modos, para que tal vez sea la razón por la que este espacio negativo se come en el espacio positivo. También simplemente realmente comunica efectivamente este objeto o estos dos autos volviendo al espacio. Si bien esta es una imagen bastante plana en general, solo
hay ese color, y todo lo que es este color está en el mismo campo. Ahí está este aspecto de dimensión y profundidad que entra porque todo se mueve hacia esta esquina superior. Porque se encoge, eso sugiere que está volviendo al espacio como lo que mencioné con los árboles antes. Lo que esté en la parte de atrás sería más pequeño que lo que esté en el frente. El tipo está incluido en esto, que es algo que realmente me gusta personalmente. Toda esta composición se mueve unida y creo que eso es realmente inteligente. Ahora que hemos mirado algunas imágenes, pasemos a nuestro siguiente paso y escribamos notas en nuestra hoja de trabajo de notas. He sido consistente en todos mis dibujos, ilustraciones, pinturas que miré fue esta planitud, que también creó una abstractancia. Voy a hacer notas a ambos, hice una relación dinámica en primer plano, fondo o positiva, negativa espacial. Sugerencias de profundidad. No creo que en general me guste mucha profundidad. No me gusta que sea súper realista o no quiero al menos enfocarme en esa profundidad y realismo. Yo quiero enfocarme más en cosas como el color, así que debo mantener esta planitud para enfocarme en otras cosas y elevar esas otras cosas y casi olvidarme del espacio. Hemos aprendido los conceptos centrales del espacio. Hemos recopilado y analizado imágenes para el espacio. Tomamos algunas notas en unas hojas de trabajo de notas. Pasemos a nuestra siguiente lección, que cubrirá la forma.
7. Forma: Ahora que hemos cubierto nuestros dos primeros elementos, la composición y el espacio, vamos a nuestra tercera forma. El formulario o condición en la que existe o aparece un objeto es la forma. Lo cual suena muy técnico. Vamos a dividirlo en unos términos más simplificados. Tenemos forma geométrica, forma orgánica,
dimensión, y forma a considerar mientras estamos analizando para la forma. La forma geométrica se define en las matemáticas y tienen nombres comunes. Por ejemplo, círculos o cuadrados, y lo opuesto a geométricas serían formas orgánicas, por lo que las formas sin nombres, sin definir ángulos ni estándares. Eso sugiere la naturaleza. Dimensión en relación con la forma habla de cómo una forma puede ser bidimensional, solo mostrando longitud y anchura o podría ser tridimensional con reflejos y sombras que muestran más profundidad. La forma es una forma en 3 dimensiones. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos para la forma, empecemos la sección de formas de tu catálogo. Recoge las imágenes que ilustran cómo quieres usar la forma en tu propio trabajo. presentamos algunos consejos sobre cómo recolectar imágenes si necesitas un punto de partida. Descubre cómo tus artistas favoritos usan la forma o recurren a los maestros como Mondrian, Le Corbusier, Kandinsky, Gauguin, Kara Walker, Claes Oldenburg, y Paul Klee. También puedes simplemente buscar tus formas favoritas que ya disfrutes y que funcionen. Después de haber recopilado algunas imágenes en tu tablero de Pinterest, iremos al siguiente paso que es analizar esas imágenes para sacar lo que es que quieres llevar contigo en tu propio proceso. Estas son algunas cosas a considerar a la hora de analizar imágenes para la forma. Uno, identificar las formas principales. ¿ Son geométricos u orgánicos? Dos, ¿los límites de la forma están definidos por líneas, valores, colores o texturas? Tres, ¿las formas son realistas o expresivas? Complejo o simplificado? Analicemos una imagen juntos usando nuestras preguntas y conceptos básicos, porque estos son imagen realmente divertida de un pastel y trozos de pastel. Hablemos de las formas e identifíquelas. Al principio vemos un montón de círculos en el pastel y en los platos distribuidos uniformemente. Después hay un montón de triángulos y prisma rectangular en las rebanadas. En general las formas son bastante geométricas. ¿ Cómo se definen los límites de las formas? Hay algunos pedacitos de contornos, pero también hay sombras. Se trata de una representación de torta de aspecto bastante realista. ¿ Las formas son realistas o expresivas, complejas o simplificadas? Creo que en general el tono de esta pieza es bastante simplificado, pero en cuanto a la forma, creo que es bastante realista. Se ve como lo que te imaginas un pastel y sus rebanadas luciendo. No creo que nada sea demasiado abstracto aquí, pero en general sí se ve bastante simplificado. Las formas se repiten a lo largo de toda la composición que crea este bonito ritmo. Me gusta mucho ese ritmo y creo que es una técnica que quizá podría usar en mi propio trabajo. Aquí te dejamos algunas imágenes de mi catálogo y hablaré a través cómo analizo de manera más intuitiva estas en mi propio proceso creativo. Esta primera ilustración de Paul Rand, es una representación de aspecto muy abstracto de unos cuantos animales. Enseguida reconozco que esto probablemente sea gato y que tal vez este es un perro. Pero en realidad no es así como se ven un gato o un perro en la vida real. Están muy cuadradas. Tienen una forma muy geométrica. Bueno, sólo algo que me gusta y que trae una cualidad abstracta juguetona para aprender. Las formas son muy planas y son simplemente bloques de color, lo que representa de nuevo esa simplicidad y abstracción que me gusta. A continuación tenemos una ilustración de la leche. Me encanta la mezcla de las formas más geométricas con los cartones más orgánicos de la leche. De nuevo, esto ejemplifica la abstracción y simplificación. Ya ves que las sombras son solo formas. En realidad habría más profundidades representadas en esto. Habría más de un sombreado claro, por ejemplo. Entonces esto es sólo una forma simplificada. A mí me gusta que sea solo esta forma simplificada y no necesitas toda esta información extra. Entonces las formas simplemente enfatizan la forma de los cartones de leche en general. Simplemente hay tantas pequeñas formas dentro de la forma más grande, rotas por el repentino rectángulo casi en medio de la composición. A continuación se presenta este maravilloso dibujo de un jarrón. Eso es de nuevo super simplificado. Es realmente solo este jarrón en forma orgánica con por supuesto estas hojas de forma orgánica. Después está esta mesa redonda y círculos redondos y una fruta redonda que todos enfatizan el círculo o como la calidad redonda. Me encanta cuando diferentes formas hacen eco de las otras formas dentro de la composición. Esta es una ilustración concepto realmente divertida de un castillo. Esto por supuesto, tiene esas pequeñas formas dentro de las formas dentro de las formas dentro de las formas. Eso podría simplemente continuar una y otra vez. Este super orgánico, super juguetón. Ninguna de estas líneas y formas son perfectas. Me encanta esta interpretación súper simple, pero realmente lúdica y divertida del castillo. Entonces última tenemos estas ilustraciones de mujeres que están en trajes de baño. Nuevamente, esto es lo suficientemente realista para donde es como el cuerpo de una mujer. Al igual que nosotros, no hubo extremos de auto, pero están abstraídos y súper simplificados. Este es realmente menos sobre los rellenos y las formas, realmente sólo se llenan sus trajes de baño. En realidad se trata de que estas líneas se unan para hacer un óvalo o hacer un triángulo. Simplemente esta simplificación es algo que realmente me encanta y sé que realmente quiero emular en mi propio trabajo. Creo que estas pocas imágenes que elegí hicieron un muy buen trabajo de ilustrar algunas maneras diferentes para que yo hiciera eso. Ahora que hemos mirado algunas imágenes, volvamos de nuevo a nuestra hoja de trabajo. Definitivamente dije un millón de veces que me gusta la forma imperfecta. Formas dentro de las formas es algo que acabo de decir mucho. Simplificado. También se puede decir que es la tercera vez que escribo en mi sección de notas, y definitivamente he dicho algo en el sentido de simplificado, imperfecto y abstracto un millón de veces. Ya sé que esa debería ser la dirección que voy en mi propio estilo. Voy a escribir obvio. Porque a veces en la vida real, no
ves inmediatamente formas dentro de las formas cuando miras un objeto. Pero en mi obra de arte, realmente
quiero sacarme y divertirme con esas formas interactuando, tal vez solo dentro de un objeto. Hemos cubierto los conceptos básicos de forma, recopilado y analizado imágenes, y hemos escrito algunas notas sobre la forma y cómo queremos usar en nuestro propio trabajo. Pasemos a nuestra siguiente línea de lecciones.
8. Línea: Ahora estamos listos para el siguiente elemento de Arte y Diseño, que es línea. Vamos a repasar qué línea significa y algunos términos que se relacionan con ella que nos ayudarán a describir línea a usar en nuestro propio trabajo. Línea es un camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio. Estas son algunas palabras con las que puedes describir línea, horizontal, vertical, diagonal, curva, calidad de línea y contorno. En un nivel básico, las líneas pueden ser horizontales, lo que sugiere paisaje o espacio o descanso. También puede haber líneas verticales que sugieran altura, espiritualidad, o poder. También puede haber líneas diagonales que sugieran movimiento, y una pieza de trabajo. Hay líneas curvas, que sugieren una energía o tal vez una calma o suavidad, o naturaleza, similar a las formas orgánicas. calidad de línea se puede utilizar para describir la naturaleza de una línea creada por una herramienta o una técnica. La calidad de línea puede describirse como delgada, gruesa, variada, recta ,
curvada, zigzag, corta, larga, cruzada o discontinua, entre muchas otras. contorno es el borde aparente de un objeto. El esquema no suele existir en el mundo real, pero es a menudo como la gente interpreta los objetos en el arte. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos para línea, empecemos la sección de líneas de su catálogo. Empieza a recolectar imágenes que ilustren cómo quieres usar la línea. Si no estás seguro, aquí te damos algunos consejos sobre cómo elegir imágenes para tu sección de línea de tu catálogo creativo. Una de las cosas más fáciles que puedes hacer es buscar artistas
famosos que sean conocidos por su gran uso de la línea. Leonardo Da Vinci, Henri Matisse, Jackson Pollock, Pablo Picasso, y la pintura de lavado de tinta o el arte chino son todos grandes ejemplos de formas únicas de usar la línea. También puedes buscar las herramientas y medios que sepas que te gustan. Busca arte que utilice las herramientas y medios que crean el tipo de línea que te gusta. Si te gusta el dibujo a lápiz, por ejemplo, entonces busca ilustraciones a lápiz, o si sabes que te gusta la pintura, entonces mira hacia arriba, pinturas. Después de que hayas reunido unas cuantas imágenes en tu línea, tablero de
Pinterest para tu catálogo creativo, vamos a dar el siguiente paso y analizar esas imágenes para que podamos diseccionarlas y averiguar cómo queremos usar esas en nuestro propio trabajo. A continuación te indicamos algunas cosas a considerar cuando estás mirando tus imágenes para la línea. Uno, identificar las líneas, ¿cuál es su dirección y calidad? Dos, ¿la línea lleva tu ojo alrededor de la composición? ¿ Las líneas hacen una forma o agregan significado? Tres, ¿la línea es obvia, sugiriendo sencillez y juguetón, o las líneas son sutiles sugiriendo la realidad? Analicemos una imagen juntos para revisar esas preguntas y ver cómo podemos usar nuestros conceptos básicos para describir una imagen. Aquí tenemos una imagen realmente poderosa de Pablo Picasso. Identifiquemos las líneas y
hablemos de cuál es su dirección y cuál es su calidad. Se trata de una pintura muy dinámica con en realidad muchas líneas. Son en su mayoría, los describiría como un esquema. Son bastante sólidos y oscuros en su mayor parte. Su dirección está por todo el lugar, que es lo que hace de este cuadro tan interesante y dinámico. Hay líneas que se mueven juntas y orgánicamente por la página en el pelo de esta mujer. Pero también hay triángulos muy geométricos y jarrantes en medio de su cara, lo cual es perturbador porque sabes que no hay triángulos
aleatorios y formas geométricas extrañas en medio de tu cara. Ya sabes que esta es una pieza abstracta. Ya sabes que es un poco preocupante. ¿ La línea lidera tu ojo alrededor de la composición? ¿ Las líneas hacen una forma o agregan significado? Como acabábamos de decir, existe este movimiento realmente dinámico alrededor de toda la composición porque la línea sólida y audaz te lleva por toda la composición. Es como esta montaña rusa de una línea, y eso crea ese movimiento realmente dinámico. Como mencioné antes, las molestas formas geométricas que están en medio de la cara añaden un significado o una historia de que algo claramente no está justo aquí. Si incluso miramos el título de la pieza, 'The Lloweping Woman', ese uso de línea geométrica en medio de la fase orgánica realmente enfatiza que está llorando, hay algo mal y también el espectador quizá debería sentirse molesto como bien. ¿ La línea es obvia sugiriendo sencillez y alegría? ¿ O es sutil la línea, sugiriendo realidad? Como señalé casi de inmediato, esta línea es claramente un esbozo. No está destinado a ser realista y definitivamente no es sutil. No lo llamaría juguetón en esta instancia, pero creo que es muy obvio y enfatiza la destrucción y la cara. Ahora que hemos analizado juntos el Picasso, una
vez que tengas algunas imágenes, quiero que te hagas esas preguntas y uses nuestros conceptos básicos para describir tus propias imágenes. Te voy a mostrar algunos ejemplos de imágenes en mi catálogo creativo que pasaré por mi análisis y cómo
escojo de manera más intuitiva lo que quiero anotar en mi catálogo creativo. Estas líneas son realmente expresivas y curvas y orgánicas a lo largo de toda la pieza, que es algo que me gusta mucho. Hay mucho movimiento en toda la pieza porque hay tal variación en todas estas líneas que te mueven fácilmente a través de las plantas, e incluso hacia abajo en el jarrón. Realmente toda la acción está sucediendo en las flores y las plantas, porque el contorno del jarrón es justo eso, un contorno. Esta mitad inferior es super simplificada y no muy interesante de mirar. Me encanta la cualidad juguetona de esto y solo la cualidad bocante de las líneas. Esta siguiente pieza, me encanta por los contornos de esta mujer, de su rostro. Nuevamente, calidad imperfecta de la figura. Me encanta cómo el sujeto, la mujer en el medio es súper orgánica y curvilínea en sus líneas y en qué está sentada y este verdor en el fondo, enfatiza su curvidez. pieza hay muy pocas líneas geométricas o horizontales rectas. Pero sí me gusta cómo hay un uso sutil de esta cuadrícula en el fondo, que aparece un poco más geométrica y hecha por el hombre mientras ella sólo está sentada frente a ella. Me encanta cómo la curvatura de los elementos a
su alrededor enfatiza la curvidad de este tema o de la mujer. Nuestra siguiente pieza es una ilustración conceptual realmente hermosa. Escogí este para Line porque tiene tanta línea en ella. Están estas líneas sutiles en el fondo, rompiendo el espacio y dividiendo las diferentes figuras en primer plano. También hay un buen uso de la línea en la ropa de las figuras. Después hay un uso diferente, más sutil de Line en el fondo, con estos bailarines dando vueltas. Estas líneas son un poco más diagonales. Entonces hay líneas realmente apretadas en zonas más oscuras. Después hay más líneas remolinadas, para representar diferentes instrumentos y diferentes componentes de la composición. Creo que hay una muy buena variedad de trabajo de línea en esto. En cada una de estas líneas se están comunicando una cosa diferente y pensar que hace que la pieza sea muy juguetona en general. Estas líneas también agregan una cantidad realmente agradable de textura a la paz y comunican una agradable dimensionalidad. Este boceto de algunos higos es realmente agradable y expresivo. Me encanta lo apresuradas que se ven estas líneas. Realmente se ve hecho a mano y no es perfecto de nuevo, pero comunica lo que se supone que debe comunicar. Es muy juguetón y tiene mucho movimiento. Casi se puede imaginar a los artistas, garabateando su pluma para hacer esto, lo cual es realmente divertido. Entonces nuestra última imagen es una representación divertida realmente abstracta de una cara. Me encanta cómo la línea es bastante recta. Pero entonces de repente hay estas curvas realmente bonitas que te ayudan a moverte, y casi juntar todo el asunto para que puedas decir que es una cara. Esto es realmente juguetón y un poco más geométrico y simplificado que las otras piezas que te he mostrado. Pero creo que es un uso realmente simple, agradable de Line para comunicar exactamente lo que quieres comunicar con poca información. Ahora que hemos mirado un puñado de imágenes, volvamos a nuestra hoja de trabajo de notas para completar el último paso en esta sección de nuestro catálogo, que es escribir notas. En general me gustó mucho la variación en el trabajo de línea. A mí me gustan las líneas para comunicar algo. Entonces sí me gusta el uso del esquema, que de nuevo se remonta a esos conceptos abstractos que me gustan. Creo que el esquema representa la simplificación. Me gusta el trabajo de línea que crea una forma. Al igual que esa pieza conceptual con un montón de figuras en ella creo que fue un uso realmente agradable de la línea, creando cosas como un instrumento o como el pelo de alguien. Eso es un poco más interesante que sólo tener una forma ahí. Todos terminamos de repasar los conceptos básicos, las definiciones, y el análisis de línea. Pasemos a nuestra siguiente sección, que es el color.
9. Color: Hablemos de nuestro quinto elemento de arte y diseño, color. color es el tono percibido de un objeto. Podemos describir el color en unos cuantos términos diferentes, matiz, valor, saturación,
contraste, esquema de color de una pieza de trabajo, o el estado de ánimo y el significado que viene con el color dentro de una pieza de trabajo. tono es el color, por ejemplo, el rojo. Algunas categorías básicas de tonos son los colores primarios, los colores
secundarios y los colores terciarios. Valor del color es la ligereza u oscuridad. Por ejemplo, el rosa es una versión más ligera del rojo mientras que el granate es una versión más oscura del rojo. saturación es la intensidad del color, por ejemplo, pasteles que son más claros en intensidad, y los colores primarios que son súper intensos. contraste es la separación de valores entre dos o más colores. Por ejemplo, si el amarillo, que es más claro en valor, está al lado del azul, que es más oscuro en valor, eso va a aparecer muy separado. Esquema de colores es la combinación de colores utilizados en una obra. Hay un montón de diferentes tipos de esquemas de color de los que podemos hablar, pero solo mencionaré los esquemas de color principales que comúnmente se discuten, monocromáticos, análogos, complementarios, split-complementarios, triádicos, neutros, pastel, silenciado, cálido, fresco, claro y oscuro. Puedes usar cualquiera de estos términos para ayudarte a describir lo que te gusta en una combinación de colores. Entonces, hay estado de ánimo y significado, cuando un color evoca una emoción y o asociaciones culturales dentro de una obra. Por ejemplo, los colores oscuros a menudo pueden sentirse preocupantes, blanco a menudo puede representar inocencia y cultura, y el rojo puede asociarse con la marca Coca-Cola. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos y descriptores básicos de color, empecemos la sección de color de tu catálogo. Recoge imágenes que ilustren cómo quieres usar el color en tu propio trabajo. A continuación te presentamos algunos consejos sobre cómo empezar a recolectar tus imágenes para el color. Si una imagen no salta inmediatamente a tu mente para tu tablero, siempre
puedes recurrir a los maestros. Busca artistas como Henri Matisse, Cezanne, Monet, mira el Pop Art, mira el Periodo Azul de Picasso, busca la obra de Mark Rothko, o Helen Frankenthaler, o Josef Albers era realmente grande en teoría del color. Si sabes a qué colores te atraen y gravitas hacia, los colores look up son combinaciones de colores que crean el tipo de arte que te gusta. Adobe Color es un gran recurso. Es una app y un sitio web. Puedes hacer tus propios esquemas de color, o si necesitas algo de inspiración, puedes buscar en su biblioteca de esquemas de color. Después de que recojas algunas imágenes en tu tablero de Pinterest, vamos a pasar al paso de análisis y extraer de qué
se trata esas imágenes que quieres llevar contigo a tu propio trabajo. Algunas de las preguntas que puedes considerar al mirar tus imágenes y analizarlas en busca de color son: Una, ¿qué colores o tonalidades ves? Dos, ¿cómo describirías los colores y el esquema de color en la obra de arte? Tres, ¿qué humor evoca el esquema de color? ¿ Los colores agregan significado? Analicemos rápidamente solo una imagen juntos antes de empezar en tu propio catálogo creativo. Esta es una hermosa imagen brillante de Henri Matisse. Empezaremos con qué colores o tonalidades ves. Definitivamente veo una variedad de tonalidades. Usando nuestros conceptos básicos que aprendimos antes, veo un color morado azulado silenciado, definitivamente
hay rojo, hay amarillo muy saturado, hay este color rosa claro en su vestido, hay naranja, y luego hay también un color verde bastante saturado. ¿ Cómo describirías los colores y el esquema de colores? Describiría esto como un esquema de color muy saturado. Ahí está ese color azul púrpura apagado, pero generalmente los rojos, los amarillos, las naranjas, e incluso el verde están muy saturados. Creo que, en general, es un esquema de color bastante equilibrado. Podría incluso inclinarse un poco hacia el calor, pero creo que el verde hace un buen trabajo de equilibrar los colores más cálidos. Yo no diría que sea claro u oscuro. Está, de nuevo, equilibrado con algunos de los colores más oscuros del fondo y los colores más claros en primer plano. El figura es bastante ligero y luego la base es bastante ligera. ¿ De qué humor evoca el esquema de color? ¿ Los colores agregan significado? Para mí, los colores evocan esta cualidad lúdica. Sabemos que, de manera realista, la habitación de la escena probablemente no se vea tan brillante y tan colorida, pero el artista tomó algunas libertades e hizo esta pintura arcoíris. No sé si esto realmente evoca un significado, pero podría interpretarlo como un escenario onírico. Una vez que tengas algunas imágenes en tu tablero de Pinterest para el color, te animaría mucho a usar estas preguntas y nuestros conceptos básicos para analizar las imágenes. Hablaré a través de mi proceso de cómo extraigo y disecciona las imágenes para el color. Esta primera es solo una pintura súper simple en un cuaderno de bocetos, pero me encanta cómo es tan simple y solo bloques de color. Los colores son bastante silenciados en general, pero existe esta variedad realmente divertida en colores. Puedo ver que hay negro, azul, este color salmón, un rosa más oscuro,
un rosa más claro, un color oliva,
un color azulado, un color morado más oscuro,
y luego un color anaranjado de aspecto oxidado, que lo hace más divertido y juguetón. Esta siguiente imagen me gusta mucho porque es tan brillante y colorido. Los colores aquí están todos muy saturados. Parece que alguien tal vez solo usó los colores justo fuera de la caja de crayón, y no los diluyeron en absoluto, por lo que son súper brillantes y saturados. Tenemos este color rojo meñky que ocupa la mayoría de la composición y crea una cara, que es realmente impresionante, y obviamente no su color real de pelo o color de piel, pero es realmente divertido y expresivo. Después la tenemos sosteniendo unas flores o plantas azules y verdes, que es un contraste realmente bonito con el color rojo y casi este color de cortesía. Entonces, su mano tiene realmente gran mezcla tanto del azul, que está comunicando casi una sombra, de la rosácea, que está comunicando su piel. Esta siguiente ilustración de un león es realmente divertida porque en realidad son solo dos colores, amarillo y azul, pero se superponen en el proceso de impresión, por lo que crean un verde donde se superponen, lo cual es realmente divertido, y expresivo, y juguetón. Esta pintura realmente hermosa de una mujer tiene tantos colores en ella y es casi como un arco iris. Están bastante saturados aunque poco tonificados y silenciados. Obviamente no son una expresión realista de cómo se ve esta mujer en la vida real, pero es una representación realmente hermosa de la mujer y súper expresiva. Este melón me gusta mucho porque sólo tiene un par de colores, el morado, el amarillo, el azul oscuro, y luego algunos rosados y morados que se juntan en el interior del melón. Nuevamente, esto es súper simplificado y realmente solo tiene un par de colores, pero sí se mezclan en ciertos puntos, lo cual es realmente hermoso. En lugar de ser su propia raya púrpura separada o círculo rosado, sí
se juntan un poco sublimes. Ahora que hemos mirado un puñado de imágenes, es hora de que mires tus imágenes, veas lo que quieres sacar y usar en tu propio trabajo creativo. Podemos hacerlo fácilmente dando nuestro siguiente paso en esta sección de nuestro catálogo, que es anotar algunas notas en nuestra hoja de trabajo de notas. Saturado. Entonces, noté que realmente gravitaba hacia esquemas de
color que incluían quizá cuatro colores por lo menos, tres o cuatro colores, supongo que diría, y luego hasta tal vez 10 colores. Eso, de nuevo, va a ayudar a guiar mi esquema de color tomando decisiones cuando voy a pintar o dibujado en el futuro. Superposición, mezcla colores como en la fruta, superposición como en el león, cómo realmente puedes usar dos colores, pero puedes mezclarlos de diferentes maneras para crear sutiles colores diferentes que todos juntos porque en realidad son solo los dos colores. Voy a agregar abstracto aquí otra vez, sólo porque tenía algunos retratos que eran súper coloridos y no necesariamente representaban de
manera realista a las mujeres que están siendo retratadas. Supongo que realmente no gravito hacia un color específico, pero podría apuntar rojo aquí o naranja. Ahora que hemos terminado con nuestros conceptos básicos, nuestro análisis, y nuestra sección de notas de color, pasemos a nuestra siguiente sección de nuestro catálogo creativo, que es la textura.
10. Textura: Hablemos de textura o sexto elemento de arte y diseño. La textura es la sensación visual de una pieza. Esta textura puede ser real o implícita. Quieres pensar en los materiales,
las herramientas y las técnicas que están todas detrás de esa textura. Cuando hablamos de materiales en relación con la textura, estamos hablando del campo visual creado por los materiales utilizados para realizar el trabajo. Por ejemplo, un lienzo o metal. Cuando pensamos en herramientas en relación a la textura. Estamos hablando del campo visual que se crea por las herramientas utilizadas para hacer el trabajo. Por ejemplo, un pincel plano o un pincel de abanico en la pintura. También puedes pensar en las técnicas. El sentimiento visual creado por técnicas o procesos utilizados para hacer el trabajo. Por ejemplo, una técnica tipo pincel seco o
una técnica de eclosión cruzada y todas ellas crean diferentes texturas. Ahora que hemos cubierto los conceptos básicos de la textura, empecemos a recopilar imágenes que ilustren cómo quieres usar la textura en tu catálogo creativo. Inicia tu tablero de Pinterest y empieza a buscar cualquier imagen que refleje la forma en que podrías querer usar la textura en tu propio trabajo. Estos son algunos consejos para que empieces a escoger imágenes para tu tablero de texturas. Vuelva a los maestros. Algunos artistas que son conocidos por su uso de textura son Vincent van Gogh, Robert Rauschenberg, Andy Goldsworthy y artistas del movimiento Realismo. También busca los medios de comunicación que disfrutes. Busca los materiales, procesos y herramientas que crean el tipo de arte que te gusta. Después de haber recogido algunas imágenes, vas a entrar en el siguiente paso que es el análisis de tu tablero de texturas. Algunas cosas a considerar al analizar tus imágenes para la textura son una; describir cómo se siente la pieza de trabajo, dos, ¿qué materiales, herramientas y técnicas crees que contribuyen a la textura? También podrías saber qué herramientas, materiales y técnicas usan los artistas si haces alguna investigación más sobre la imagen. Tres, ¿la textura es sugestiva de algo en el mundo, un periodo de tiempo o de una cultura? ¿ Hay más contextos detrás del trabajo y la textura que podrías incorporar en tu propio proceso? Aquí te dejamos una imagen de ejemplo que vamos a analizar juntos para reiterar nuestros conceptos básicos y mostrar cómo
puedes llevar estos conceptos básicos contigo a tu propio proceso. Seguro que todo el mundo está familiarizado con este cuadro, Noche
estrellada de Vincent van Gogh. Uno, describe cómo se siente la pieza de trabajo. Para mí, este trabajo se siente lleno de baches tal vez y remolino. Una textura implícita sería esta mundanalidad porque sabemos que la pintura en realidad no está arremolinando. Son solo los efectos que obtienes del movimiento en las líneas y la forma. Entonces la textura real parece que la pintura podría realmente construirse en la superficie del Lienzo, por lo que esa es una textura real con baches. ¿ Qué materiales, herramientas y técnicas crees que contribuyen a la textura? Se trata de una pintura al óleo. Sabemos con certeza que Van Gogh utilizó esta técnica de impasto, por
eso se ve lleno de baches. Construyó la pintura en la superficie del Lienzo para lograr un look en capas. Estoy asumiendo con impasto, probablemente
usó como un cuchillo de palet o algo así como en un Lienzo, así que si quisiera crear una obra que se viera así, lo guardaría en el fondo de mi mente, la técnica del impasto, Lienzo, pintura al óleo. ¿ La textura es sugestiva de algo en el mundo, un periodo de tiempo o de una cultura? Esto definitivamente es sugestivo de algo en el mundo. Es lo que se titula, una noche estrellada. Pero es un poco abstracto porque una noche estrellada no se ve exactamente así. Hay algo de espacio de interpretación que usó van Gogh. Entonces también sabemos porque sabemos la fecha en que se creó esta pieza, que ésta fue parte del movimiento post-impresionismo en el arte moderno. Nuevamente, si nos interesa crear una obra como esta, podríamos investigar más sobre artista moderno o Arte Post-Impresionismo. Ahora pasaré por algunos ejemplos de piezas de trabajo que tengo en mi propio catálogo creativo para textura. Estoy mirando esta maravillosa pieza con tal vez una madre y su hijo. A lo mejor es una impresión o simplemente una pieza de trabajo digital. Se ve bastante suave en general, pero me encanta el uso de las muchas texturas a lo largo de esta pieza. Hay un poco de textura de línea en el cielo, general el cielo se ve bastante liso y plano. Pero entonces ese fondo se ve más lejos que este fondo porque están separados por estas dos texturas diferentes creadas por estas líneas moviéndose a lo largo. Entonces estas líneas golpean esta forma, que tiene otra textura con aún más de estas líneas, pero están más llenas en crear una textura diferente. Después está esta textura a cuadros que viene en crear otro elemento en la pieza. Después está este banco plano, que es un poco no interesante y solo una forma sencilla. Entonces están todas estas hojas simplemente planas que entran que son planas como el manojo y no súper interesantes, pero hacen un muy buen trabajo de romper todas estas otras texturas. Entonces tienes pequeños detalles como las rayas en sus piernas. Creo que esto es realmente interesante para mí porque hay una variación de texturas recién creadas con estas formas simples y esta pieza. Siguiente pieza ya está marcada un poco. Pero esto es impresión de linóculo. De nuevo, aquí solo hay un color y es solo una tinta. Realmente tienes que crear profundidad y dimensión en una pieza cuando solo tienes una tinta de color a través de diferentes texturas. Aquí se utilizan varias técnicas diferentes. No soy una impresora de pantalla, así que no conozco los términos técnicos para ellos, pero hay esta textura realmente bonita que tenemos aquí en el fondo de muchas de estas formas que se juntan. Después está esta textura más
susurradora, más suelta aquí abajo en el gabinete. Después hay otra textura de cheques en esta toalla separa del horno que es más oscuro y más lleno aquí abajo. Después están las diferentes herramientas de cocina que están separadas por sus propias texturas. Las líneas se aflojan en algunas partes como
aquí abajo en el gabinete y luego más apretadas otras partes
aquí arriba en la esquina y que comunica las diferentes formas y diferentes objetos que están en esta composición única. Me gusta mucho esta variedad de texturas usando la textura para comunicar profundidad y contar una historia dentro de esta composición. A continuación tenemos a este gato rascador loco. Parece que esto fue creado con tinta. A veces puede verse bastante suave cuando la tinta se distribuye más uniformemente y se distribuye más completamente en estas partes más oscuras en su mayoría y luego se ve rascadora cuando se está cayendo de los contornos que se crearon. Parece como si alguien creara este contorno del gato y luego quisieran expresar esta ira en la cara del gato y realmente empujar esa ira y expresión de sentimiento enloqueciendo con esta tinta. Creo que este es un trabajo realmente genial de comunicar el estado de ánimo de este gato y tal vez la ira. A lo mejor había una técnica de pincel seco utilizada para crear estos arañazos y lucir tan poco sin pulir y sin terminar, pero eso hace un muy buen trabajo de comunicar un significado más profundo. Esta siguiente imagen de tijeras se siente realmente áspera y casi cacharrar como. Me encanta lo boscoso y abierto y se mueve que se siente. A lo mejor esta era una textura creada por un crayón. Se siente realmente garabateado, lo cual es divertido. Todavía se puede decir de qué se trata. Obviamente es un par de tijeras y una mano, pero simplificado. Es realmente sólo señalar el contorno básico de la forma de la mano y la forma más grande de las tijeras, pero comunicando esa forma de una manera realmente expresiva con la celeridad de las marcas. Esas marcas sugieren movimiento y puedes volver a sentir el crayón moviéndose y verlo. Después de tomar un minuto para mirar todas mis imágenes o tal vez solo mis imágenes favoritas. Voy a pasar al último paso en esta sección de nuestro catálogo creativo escribiendo notas o construyendo mi fórmula creativa en mi hoja de trabajo de notas. Voy a decir variada, porque me gusta esa variedad en texturas para contar una historia y ayudar a separar objetos. También voy a escribir que los objetos separados slash componentes. Voy a escribir decorativo, porque muchas de las obras que acabo de mostrar la textura realmente no comunicaban mucho. Por ejemplo, era una textura rayada comunicando corteza en un árbol. Fue como ese movimiento rápido, expresando enojo o simplemente garabatos para maquillar un par de tijeras. Debería decir simplificado y herramientas y materiales porque no era un medio realmente mixto de lo que estaba sacando en mi catálogo. Fue sólo un linóculo. Era un medio, una herramienta y material utilizado para crear eso, pero dentro de esa herramienta o material, había una variedad de textura recién creada por esa herramienta o material simple. Ahora que hemos cubierto algunos conceptos básicos y definiciones de textura, recogido algunas de nuestras imágenes en nuestra sección de texturas de nuestro catálogo creativo, analizarlas y tomamos algunas notas, es momento de pasar a nuestra última sección, que es materia.
11. Tema: De esa manera, estamos en nuestro último elemento de arte y diseño, materia. tema no es en realidad técnicamente un elemento de arte y diseño, pero realmente me gusta tenerlo como sección en mi catálogo creativo porque, tema es enorme, es
lo que dibujas, es
lo que fotografías. tema es el enfoque visual o narrativo de una obra de arte. Averigua qué quieres comunicar a través de tu trabajo, porque ese va a ser el corazón de tu trabajo. Entonces ahora es el momento de que recojas algunas imágenes para tu tema tablero de Pinterest y luego anotes algunas notas en la última sección de tu hoja de trabajo de notas. ¿ Qué te gusta dibujar, disparar, filmar, pintar, diseñar, bordar, lo que sea que hagas. ¿ Cómo están retratando otros artistas esos temas o narrativas? Eso te ayudará a avanzar y elaborar tu propia historia. ¿ Qué quieres decir con tu arte? Es realmente importante tener un mensaje claro en tu arte. No quieres que la gente no entienda lo que
intentas decir o pensar que estás diciendo lo contrario. Necesitas usar tus herramientas visuales para poder comunicarte claramente con tu público. Ahora, veamos algunos ejemplos de lo que hay en mi tema tablero de Pinterest. Entonces tengo este retrato realmente divertido de esta mujer, me encanta sólo la composición general de esto, y cómo no es solo esta cara en un atuendo típico, es esto realmente divertido fuera de ella con un montón de estas burbujas encima, y luego, encima de su cabeza, están estas flores para zona de resumen, y tal vez simplemente le gustan las flores y pensé que,
esa era una manera muy divertida y lúdica de tal vez comunicar algo sobre ella. A lo mejor es jardinera y estas son sus flores, y solo están sobre su cabeza por alguna razón. Tengo otro color abstracto bloqueado, pintura en forma
fresca de dos mujeres en trajes de baño. Me encanta lo abstracto pero sencillo que es esto. Me encanta cómo hay estas pequeñas formas dentro de las formas. Es casi como un rompecabezas que se une, y me encanta cómo están las mujeres en el centro del rompecabezas. No parecen mujeres típicas, son más abstractas, pero también quizá más realistas, no
son solo figuras de palo. Están tal vez incluso son representación más realista de las mujeres que revistas. Esta maravillosa pieza que, creo que es un cartel en realidad, pero sólo muestra el alfabeto y diferentes personas interactuando con las letras, solo
creo que es tan divertido y juguetón, y los colores son realmente brillantes, solo en general te hace realmente feliz, y soy diseñadora, entonces, me encantan las letras y el riego, entonces, aprecio esta mezcla de letras con ilustración. Entonces esta última pieza solo creo que es realmente linda y dulce y divertida. Es esta chica comiendo una enorme pila de panqueques. A pesar de que los panqueques son realmente solo garabatos, lo
cual es realmente divertido y juguetón , eso
me gusta,
es súper simple, es solo esta silla, y luego esta otra silla, y las chicas en ella. Ahí está esta pequeña pista otra vez de que estos son panqueques porque hay jarabe de arce fuera a un lado, y luego se ve tan abrumada por todos estos panqueques en la parte superior buffer. Me encanta que esto sea una historia a pesar de que sea sólo una escena, pero me encanta la forma de las sillas, y luego la alegría de su rostro, y su atuendo, y sus pies entrándose entre sí. Saquemos mi hoja de trabajo para llenar la última sección. Una de mis palabras clave va a ser mujeres, letras, figuras de barra
corporal surgieron mucho y justo ese puñado de imágenes que miramos, juguetón, así que, no sólo es importante que haya mujeres y las letras puedan estar involucradas en una de mis piezas, un elemento de alegría probablemente debería estar involucrado. Entonces por supuesto, la abstracción aparece una y otra vez. Honesto, supongo que es la palabra que busco, entonces, es honesta y veraz a cómo veo el mundo. Me gusta mucho esa lista. Una vez que tienes algunas frases e ideas para tu tema parte de tu hoja de trabajo, ¿por qué no eliges una o dos de esas y realmente la estrechas hacia abajo para que puedas crear tu nueva pieza de trabajo basada en tu elección de tema
importa en tu catálogo creativo, y luego haremos una nueva pieza de trabajo que esté completamente basada en tus notas de tu catálogo creativo.
12. Utiliza tu catálogo: un elemento de un elemento: Pasemos de hablar del trabajo de
otras personas y enfocarnos en ti y en tu estilo. Sé que hemos pasado mucho tiempo aprendiendo sobre los elementos de nuestro InDesign, y espero que por ahora tengas una idea de cómo quieres acercarte a cada uno de esos elementos, y usarlos en tu propio estilo creativo. Por lo que hemos pasado por todos los elementos del arte y el diseño y hemos hecho tu catálogo creativo para que hagas referencia. Ahora pongamos en uso ese catálogo creativo y hagamos algo. En esta lección, solo voy a mostrarte rápidamente cómo
puedes enfocarte en un elemento de nuestro InDesign y crear con eso en mente. Entonces pasaremos a nuestro proyecto real para la clase, que implicará combinar algunos elementos diferentes y usar tu catálogo creativo para inspirar esa nueva obra de arte. Eligí nuestra composición para empezar, y voy a estar pintando estas encantadoras flores que tengo a mi lado. Pero primero quería sacar algunas notas de mi catálogo creativo. Yo quiero que este trabajo sea centrado, enfocado, y sencillo. Esas son otras dos palabras que he tomado de mi catálogo. Como mencioné antes, estas palabras que puedes pensar como una receta o una fórmula para tu trabajo creativo. En este caso, esta es mi receta centrada, enfocada, simple. Esas son las tres principales cosas en las que
voy a pensar cuando esté haciendo estas flores. Tengo aquí un pequeño boceto de miniaturas que hice muy rápido, solo para poder hacer una nota de cómo exactamente quiero enmarcar esta composición. De esa manera no voy a entrar a ciegas cuando llego a mi sábana en blanco. Creo que enfocarse en solo uno o dos elementos al principio es genial solo para tener el hábito de escribir tu fórmula y hacer referencia a eso, y ver cómo incorporar eso a tu proceso creativo. Pero también es agradable simplemente experimentar con las cosas. Por ejemplo, tengo esta composición centrada escrita en mis notas, pero tal vez pruebo esto y tal vez voy a probar algunos más también y
acabo de terminar por no estar realmente interesado en nosotros bajo composición. Eso lo puedo quitar de mi catálogo creativo y no tengo que volver a pensar en ello. Hacer estas pequeñas piezas rápidas, solo estudiar uno o dos elementos de nuestro InDesign realmente te ayudará con tu prueba y error en encontrar tu voz y tu estilo de forma rápida y sencilla. Ahora que hemos empezado con esa pequeña pieza de práctica, pasemos a nuestra pieza final de trabajo real basada en tu catálogo creativo.
13. Usar múltiples elementos: Ahora que hemos empezado con esa pequeña pieza de práctica, pasemos a nuestra pieza final de trabajo real basada en tu catálogo creativo. Ya debes tener en mente tu médium. Entonces ya debiste haber escogido también un tema que te gustaría explorar. Con esos en mente, elige tres elementos diferentes del arte y el diseño que hemos discutido. Mira hacia atrás tus notas, mira hacia atrás tus tableros de Pinterest y
date una dirección de adónde quieres ir con esta nueva pieza de trabajo. Para mi última obra de arte, voy a hacer una pintura basada en la obra conceptual de Mary Blair que está en mi catálogo y luego una foto que tomé de un invernadero en un jardín. Para ayudarme a hacer que mi obra sea consistente, voy a escoger mis tres elementos en los que enfocarme; composición, forma y color. Tema aquí, pongo invernadero lúdico y abstracto en un jardín porque eso es literalmente en lo que estoy haciendo y centrándome. No es realmente su propio elemento, pero lo pongo ahí solo para poder mantenerme enfocado. Es útil escribir sobre dos palabras o frases diferentes para cada uno de tus tres elementos de arte elegidos para crear tu fórmula creativa. Mirando hacia atrás en mi catálogo para la composición, tiré de la narración centrada. Forma, escogí formas imperfectas dentro de las formas. Color, saturado y solapado con un signo de interrogación porque quizá quiera explorar eso o quizá no quiera. Me referiré de nuevo a esto cuando esté haciendo mi pieza y obviamente tomo decisiones como estoy creando. Tu fórmula no es tu libro de reglas terminado. Se trata de una guía con la que puedes experimentar y ajustar tus palabras mientras trabajas en cualquier momento. Usando todas estas palabras clave, voy a empujar esto hacia un lado ya que estoy creando para la inspiración y regresé a ellas cada vez que me siento perdido o necesito algo más de dirección u orientación. Estos también me ayudarán a limitar mi tren de pensamiento cuando estoy haciendo, así no estoy demasiado abrumado, como debería usar colores pastel? No, me remito a la hoja. Estoy usando colores saturados. Ya lo he decidido. Ahora sólo puedo enfocarme en hacer mi trabajo. Cuando por primera vez esbozé mi pintura. De verdad quería enfocarme en esa composición centrada que escribí y así que
literalmente sólo centré el invernadero y empecé a hacerlo realmente abstracto. Entonces con mis elementos de forma, dije que quería tener formas dentro de las formas. Realmente traté de empujar eso y luego empujarlo aún más con el tema del jardín de plantas y hacer las formas formas de hojas o formas de flores. Realmente no terminé superponiendo tanto los colores,
pero los colores se ven superpuestos en la forma en que los mezclé. Por ejemplo, utilicé el azul más brillante del fondo y luego tonificé ese azul hacia abajo en el azul algo más oscuro, menos saturado dentro de la casa. Creo que las formas florales, naturales, orgánicas dentro de la casa realmente prestan ese elemento narrativo. Después de pintar mis formas básicas y realmente me enfoqué en clavar mi composición, forma y color que eran los tres elementos que escogí, pensé que podría referirme de nuevo a otros elementos de diseño como línea y agregar esos extra detalles que enfatizarán mi palabra narrativa que escogí para mi fórmula para realzar la pieza final. Enhorabuena, hemos hecho tu propia fórmula creativa basada en tu catálogo creativo y una obra de arte completamente nueva. Publica tu nueva pieza de trabajo y la fórmula que
utilizaste para hacerlo en la galería de proyectos para mostrar cómo has desarrollado tu catálogo creativo en algo que puedes usar en tu proceso cada vez que estés haciendo. Terminemos con algunas comidas finales para llevar.
14. Patres de comida: Enhorabuena por hacer tu catálogo creativo y aprender otra técnica que puedes utilizar en tu propio proceso creativo. Muchísimas gracias por acompañarme. Espero que tengas una herramienta realmente útil que puedas hacer referencia a lo largo tu proceso creativo para hacer un trabajo realmente consistente que esté en tu propio estilo único. Una comida muy importante para llevar de esta clase es, tienes todo lo que necesitas para expresar tu propia voz única, perspectiva, estilo, quieras llamarla, solo
necesitas hacer notas y hacer
un seguimiento de lo que esas las cosas son que conforman tu estilo y tu perspectiva. Juntos, hemos aprendido los elementos básicos de nuestro diseño, cómo reconocerlos en el arte, y usarlos en tu propio trabajo creativo, cómo desarrollar una herramienta para hacer una obra de arte más consistente que sea única tuya, tu creatividad , y hemos aprendido que encontrar tu perspectiva creativa, estilo, voz, como quieras llamarlo, es realmente más fácil de lo que piensas si solo lo desglosas en pasos y creas herramientas para ti mismo que te ayuden a hacer fácilmente un trabajo que refleje tu estilo. Deberás subir tu catálogo creativo junto con tus notas y tu nueva pieza de trabajo a la Galería de Proyectos. Estoy tan emocionado de ver qué imágenes escogieron ustedes, qué notas tienen ustedes que componen su fórmula, y cómo juntan todo eso en una nueva pieza. Asegúrate de dejar reseñas y por favor sígueme para futuras clases. Gracias.
Carolyn Owsiany, Senior UI/UX Designer
