Encuentra tu estilo: una guía práctica para desarrollar tu estilo de ilustración

1. Encuentra tu estilo: una guía práctica para desarrollar tu estilo de ilustración: Vamos a encontrar más rápido tu estilo de ilustración único. El consejo tradicional para encontrar tu estilo como artista es, solo dibuja toneladas y toneladas y eventualmente surgirá tu estilo. Bueno, puedes dibujar sin rumbo una tonelada de cosas y eventualmente aterrizarás en un estilo. Pero en mi experiencia, práctica dirigida intencional ha acelerado dramáticamente el desarrollo de mi estilo visual. Mi nombre es Brooke Glaser. Soy ilustrador profesional y maestro superior en Skillshare. He ayudado a más de 100 mil artistas como tú subir de nivel tanto su arte como sus carreras creativas. Puedes encontrar mi arte en ropa de niños, tarjetas de felicitación, revistas de envoltura de regalo, y más. En esta clase de estilo, vamos a hacer proyectos prácticos para explorar diferentes formas de expresar visualmente formas, líneas, texturas, colores, todos esos elementos visuales que forman lo que realmente se ve tu arte. Vamos a aprender de artistas que admires y encontrar formas de integrar lo que amas de su trabajo en el tuyo propio, pero de una manera que es única para ti. Terminarás la clase con una serie de cuatro ilustraciones en tu nuevo estilo. Para aquellos de ustedes que como yo que sufren de síndrome de objeto brillante y siempre están ansiosos por probar un nuevo estilo, examinarán formas de trabajar en múltiples estilos. Discutiremos la consistencia y tener confianza en su trabajo. Hablaremos de las muy reales luchas de comparación que todos enfrentamos como artistas y estrategias para enfrentarnos a ella. Esta es una guía divertida y práctica para encontrar tu estilo de ilustración. Empecemos. 2. Desglose de la clase: Mi compañero, Dan ha estado aprendiendo a tocar la guitarra y me contó una historia que creo que se relaciona perfectamente con encontrar tu estilo como artista. Dan me dijo cuando empezó a aprender guitarra que sólo estaba haciendo fideos. Fidear es cuando simplemente pasas por ahí, tocando sin rumbo en tu guitarra y no hay nada de malo en fideos. Es parte de las alegrías de tocar la guitarra. Pero Dan me dijo lo que le pareció más útil para realmente aprender a tocar la guitarra era realmente aprender escalas o hacer ejercicios específicos que le ayudaron a estirar los dedos entre las notas, o ejercicios donde intencionalmente practicó moviendo las manos rápidamente entre diferentes canchas. Mucho de los consejos de estilo que escucho es simplemente”, Simplemente dibuja mucho y encontrarás tu estilo”. Eso es cierto. Puedes fideos alrededor y dibujar mucho y eventualmente encontrarás tu estilo. O sea, está ahí y saldrá. Pero alternativamente, puedes trabajar intencionalmente en desarrollar tu estilo, y lo más probable es que progreses mucho más rápido cuando estás intencionado en desarrollar tu estilo. Una definición rápida aquí. ¿ Qué es el estilo? estilo es la forma en que se ve tu arte. La estilización es una abstracción de la realidad. Es lo que dejas fuera y lo que incluyes en tus ilustraciones. Por ejemplo, puedes dibujar todos los detalles de un ojo o puedes simplificarlo todo el camino hasta un solo punto. Nos vamos a centrar fuertemente en las cosas visuales externas que conforman tu estilo en esta clase. Pero también es importante discutir que tu estilo artístico es mucho más que solo la forma en que luce tu arte, de la misma manera, que la ropa que usas no encapsula toda la vibra de tu estilo como persona, como un negocio el estilo de persona es más que su traje. Es como hablan o las cosas que hacen. ¿ Qué vamos a hacer en esta clase? Esta clase se dividirá en algunas secciones diferentes. En primer lugar, vamos a aprender de los artistas que admiramos, para luego sumergirnos en una serie de exploraciones prácticas de diferentes formas de representar la forma, el color, la línea, la textura y la forma. Después definiremos nuestro propio estilo visual único. También hablaremos de la voz artística, trato con la comparación, el trabajo en múltiples estilos, y la consistencia. Para quién es esta clase? Esta es una clase intermedia. Si eres completamente nuevo en el dibujo, te animo mucho a que revises algunas de mis otras clases, como mi cómo dibujar clase o mi clase de teoría del color. Puede ser muy difícil encontrar tu estilo si aún te estás acostumbrando al dibujo, si estás trabajando con una piscina completamente nueva o mediana, o si solo alguna vez hiciste un puñado de piezas de arte. Es posible que esta clase te resulte más útil una vez que tengas un poco más de experiencia bajo tu cinturón. No obstante, todos observamos la información de diferentes maneras. Esta información te puede resultar útil incluso como artista principiante a estrenar. Estaré haciendo todas mis demostraciones en procreate, pero las ideas y principios se pueden traducir a cualquier medio con el que trabajes. Si me ves haciendo algo en procreate y te estás preguntando:” ¿Cómo diablos hace eso?” Te recomiendo encarecidamente echar un vistazo a mi clase de Intro a Procreate donde desgloso todas las herramientas. Pero basta preámbulo. Vamos a sumergirnos. 3. Inspiración de artista: Esto va a ser divertido. Para empezar a desarrollar el estilo de arte necesitamos identificar los estilos de arte fueron atraídos. Vamos a recoger un puñado de piezas de cinco artistas diferentes que usted admira. Puedes crear un tablero de Pinterest, una colección guardada en Instagram. Podrás organizarlos en un lienzo en Photoshop o Procreate. Puedes imprimirlos y pegarlos en un álbum de recortes. Estos pueden ser artistas modernos, pueden ser viejos artistas famosos, pueden ser artistas oscuros de los que nadie ha oído hablar. Simplemente necesitan ser artistas que te guste su arte. Nos vamos a referir de nuevo a estas piezas a lo largo de la clase especialmente durante nuestros ejercicios de estilo práctico. Por cada artista quiero que identifiques ¿qué es lo que realmente te gusta de su arte? Ahora si eres como yo, no piensas muchas veces por qué te gusta algo, simplemente te gusta. Pero cuando ves una pieza que es hermosa solo dices: “Oh, Dios mío, me encanta esto”. Eso es genial, es instintivo. Esa es una pieza que pertenece a tu tablero de inspiración pero queremos profundizar más en por qué nos gustan esas cosas que podemos empezar a integrar eso en nuestro trabajo en las lecciones posteriores. Por ejemplo, esta es mi pizarra. Me encanta Geneva Bowers, también conocido como arte gdbee. Me encantan sus colores, su sentido de la luz al usar el color para reflejar la luz. Me encantan sus texturas, sus pinceladas. Otra artista que amo es Brittany Lee y me encanta su composición, el flujo de una forma a la siguiente. Amo a David Sierra Liston. Tiene un contraste tan grande. Me encanta la forma en que hace pelo. Las formas son realmente geométricas pero no se sienten así, se sienten realmente naturales. Joey Chou tiene tan gran uso del color y las texturas. Empareja las cosas a la forma más simple para comunicar más pero luego fuertemente la texturiza. Me encantan las obras de dibujo de Annalies. Empareja las cosas a sus aspectos más simples, más intrigantes y luego usa la cantidad justa de detalles. Su contraste es realmente grandioso. Al igual que el color en los detalles es lo suficientemente oscuro como para realmente pop en la capa inferior de los colores que utiliza. Me encanta el trabajo de Lorena Álvarez. Ella tiene un gran uso del color obviamente pero también tiene pequeños detalles en el fondo los cuales mantienen tu atención pero no dominan la escena. Realmente puedes mirar sus piezas durante mucho tiempo y ver un montón de cosas nuevas. Adelante y crea tu pizarra de humor y si quieres puedes tomar una captura de pantalla y compartirla en tus proyectos. 4. Estudio de obras maestras: Nuestro primer ejercicio va a ser un estudio maestro. Quiero que tomes una obra de arte de un artista que admires y la recrea. Quizás una de las piezas que has investigado en la última lección, recrear una pieza que admires es el atajo más rápido para entender cómo crear en ese estilo. Puedes mirar una pieza todo el día, pero te garantizo que aprenderás mucho más redibujándola. No obstante, es muy importante que sepas que se trata de una práctica privada. Estas imágenes, estos estudios de maestría, no son para compartir público. Eres bienvenido a compartir estos en tu proyecto de Skillshare, por favor, acredite al artista original estrictamente como parte educativa de esta clase. Pero ahora mismo te estoy dando una advertencia de cabezas arriba, esto no es algo que debas poner en las redes sociales o en tu cartera. Copiar la obra de otro artista y reivindicarla como propia es más que fruncida el ceño. Si trataste de vender o sacar provecho de la obra de otro artista, incluso puedes meterte en problemas legales. La mayoría de los artistas, pueden sentirse un poco conflictivos si compartieras como, “Oye, mira, copié tu trabajo”. Esta es una práctica privada, pero como ejercicio de aprendizaje, esta es una maldita forma fabulosa de aprender. Hago esto en mi cuaderno de bocetos privado todo el tiempo, y si es algo que realmente quieres compartir en redes sociales, intenta hacer un estudio maestro de alguien del dominio público. Al igual que un famoso artista renacentista. Ya que estoy haciendo esto por la clase y es cosa pública, voy a usar una pieza de Vincent van Gogh para nuestra clase. Eres bienvenido a seguirme conmigo con esta pieza de Vincent van Gogh, pero te animo a usar cualquier artista que admires porque esta es una clase de estilo y aprenderás más sobre su estilo haciendo una pieza que realmente quieren aprender de. Suficientes advertencias nefastas, quiero compartir algunos consejos para acercarme a tu estudio maestro. Tiempo de cuento rápido, la primera parte de mi carrera creativa fue trabajar para la pintura en estudios. Esencialmente me pagaron para practicar la pintura. Era increíble, pero de vez en cuando, no sabría qué pintura estaría enseñando hasta que entré al estudio esa noche y vi el arte por primera vez. Desarrollé un método para asegurarme de poder mantener la clase dentro de un marco de tiempo de dos horas y aún así obtener buenos resultados. Aquí te dejamos algunos consejos para acercarte a tu estudio maestro. Uno, reúne tu paleta de colores y decide qué pinceles o herramientas necesitarás antes de comenzar. Dos, comenzar con un boceto rudo te ayuda a enfocarte en conseguir el estilo y la técnica correcta en lugar de preocuparte por asegurarte de que estás obteniendo las formas correctas, el principio. Empieza con un boceto. Tres, las pinturas suelen tener una capa base de color debajo de los trazos que puedes ver encima de ella, por lo que para algunas pinturas, posible que quieras comenzar con una capa base de color. Cuatro, antes de empezar, crean una hoja de ruta mental. ¿ Cómo vas a abordar hacer esta pieza? ¿ Cómo habrían creado los artistas esta obra? ¿ En qué orden habrían pintado esta pieza? ¿ Habrían comenzado primero con el fondo o el elemento principal primero? Vamos a sumergirnos en ello. Para esta pieza de Van Gogh, estaré reclutando esto en Procreate, pero el original probablemente se hizo en pintura al óleo. Estoy pensando que probablemente comenzó con el color de fondo del verde, y luego probablemente también hizo un underpainting de azul para el abrigo y probablemente un color bajo pintado de tal vez algo de naranja para la piel. Eso podría ser algo que voy a tratar de hacer. Además, me parece que todas estas pinceladas, son muy del mismo tamaño. En su cara y sobre todo en todas partes es del mismo tamaño. Aquí hay unas pinceladas más grandes, y en el fondo también hay algunos pinceles diferentes más grandes. Creo que voy a usar el mismo pincel para el retrato. Todo el mismo pincel, pero un pincel que puedo ajustar el tamaño. Cuando entre aquí, podría hacer el pincel más grande, y cuando esté trabajando en todas estas áreas, mantendré el pincel un tamaño más pequeño, pero voy a usar el mismo pincel para obtener el mismo look. Cuando estoy considerando qué pincel voy a usar, estoy notando que hay algunos estrechos a estos, así que quiero un cepillo que si uso un poco más de presión, puedo conseguir que sea un poco más delgada en los bordes, especialmente como en estas zonas barbudas y un poco más gruesas. Voy a usar un pincel que me permita tener unos bordes gruesos a finos para que pueda imitar el estilo. Voy a empezar con un boceto rápido y luego pondré un par de colores de la capa inferior. Aquí estoy notando que al arrancar la barba, Van Gogh está usando muchos trazos de arriba y abajo y es muy intencionado en qué dirección va ese trazo. Realmente está mostrando la curva o la forma de la barba, está mostrando la forma de la forma. Eso es realmente importante, la dirección en la que está usando sus escotillas. Cuanto más me meto en este cuadro, más noto que Van Gogh no siempre usa guiones, a veces usa un contorno, como en el abrigo justo a lo largo de este borde justo aquí. También puedo ver eso en el ojo aquí también. Hay una línea alrededor de esta parte del ojo y también hay una línea por aquí. No siempre es que usa estas líneas discontinuas, a veces usa un esquema y la pregunta es, ¿por qué? ¿ Tiene alguna razón para eso? Para mí, lo que creo que está sucediendo es que el contorno siempre está claro en los bordes de algo que necesita separarse del fondo, por lo que probablemente sea para ayudar a mantener los elementos separados entre sí de una manera realmente distinta y clara . Las líneas en la fosa nasal realmente ayudan a separar la barba de la nariz y lo mismo aquí con el ojo, realmente mantiene el ojo separado de todas las demás texturas en la cara y estos pliegues aquí. Creo que realmente está destinado a la definición, estos contornos. Creo que eso es algo que puedo llevar a mi propio arte en cualquier lugar que quiera que los bordes de mis objetos sean realmente claros, pero quiero que sean realmente muy texturizados en el interior. Puedo ver esta acción muy claramente aquí en el botón. Está redondeado justo aquí y luego agrega una diagonal en el interior. Estoy notando mientras estoy estratiendo la barba, que los azules están en la parte superior de la barba. Me pregunto si realmente hizo el abrigo por última vez y luego usó el azul de su pincel para agregar más detalles a la barba. El orden de cómo expuso las cosas puede o no haber importado, pero la gente se acerca a las cosas de manera diferente y tal vez para mí, lo que puedo hacer es intentar agregar un poco de color de partes de la pintura que estoy usando en áreas inesperadas o zonas que tradicionalmente no las incluiría. Porque estoy viendo que también en la piel, incluso hay un poco de verde desde el fondo en la piel. Utiliza diferentes trazos en el fondo que hace sobre el tema, así que ahí es donde voy a cambiar de pinceles aquí. También estoy notando que los colores de fondo son todos los mismos que usé en la parte de retrato. Creo que el amarillo aquí podría ser el mismo amarillo que usó como los botones y las letras en su sombrero. Me pregunto si los pintó al mismo tiempo en lugar de limpiar su pincel y recargar la pintura. Puede ser que agregó estos pequeños detalles extra mientras pintaba. A lo mejor el amarillo fue un último pensamiento en el fondo aquí. A lo mejor es cierto con unos trazos verdes más claros y oscuros. A lo mejor los agregó al fondo, luego regresó a la barba y agregó un poco más de color aquí. Después de que termines tu estudio de maestría, lo que yo sugeriría es que te preguntes, ¿qué aprendí de este estudio de maestría? ¿ Cuáles son las lecciones que puedo aplicar en mi siguiente pieza? Para mí, una cosa que noté fue, cuando estaba creando una versión digital de esta pintura al óleo, una cosa que realmente me perdí fue tener esta mezcla de colores, como se puede ver aquí mismo. Mi pincel no mezclaba ni mezclaba esos colores. Para mí me pregunto si podría haberme metido con la dinámica de color y crear un pincel que cambiara ligeramente el tono dependiendo de la presión que usara, o cuánta inclinación usara. ¿ Cómo podría imitar esta idea de un pincel que tal vez tenía un montón de pintura blanca por aquí viniendo y mezclándose con el azul húmedo. A lo mejor podría meterme con los ajustes de opacidad de mi pincel para que cuanto más fuerte apriete, más blanco entra frente a menos presiono menos espectáculos blancos para que pueda quizá incluso crear una mezcla de colores. A ver si ajuste la opacidad aquí, se puede ver a lo que me refiero. Presiono ligeramente ahí versus duro aquí y puedo ver el color que viene. A lo mejor eso podría hacer para conseguir un pincel que imita lo que me gusta en este cuadro. Si de verdad disfrutas haciendo los estudios de maestría, una cosa que te sugeriría que podrías intentar es hacer un giro ligeramente avanzado en este ejercicio y tratar de tomar una de tus piezas y dibujarla al estilo de otro artista, como yo hizo aquí con el domingo. Nos vamos a sumergir en estos domingos y un poco, pero esta fue mi versión de un domingo totalmente estilo Van Gogh. 5. Elementos del estilo: En el siguiente conjunto de lecciones, vas a estar probando suerte en explorar diferentes formas de dibujar en una variedad de estilos. Vamos a aprender sobre los elementos del arte y cómo podemos usar bits y piezas de estilo de artistas que admires para explorar diferentes formas en que puedes poner tu propia toma única sobre estos diferentes elementos. Si bien hacemos eso, quiero que tengas un par de cosas en mente. Cuando estaba en la universidad, estaba trabajando en ilustrar una escena y realmente estaba luchando con cómo hacer que mis rocas parecieran rocas y mi profesor sugirió unos cuantos libros y paisajistas a quienes pudiera usar para conseguir algunas ideas de cómo dibujar rocas. Me voló la mente que podría mirar lo que están haciendo otros artistas en lugar de simplemente depender de mi propia imaginación u observación. Sentí como si eso fuera de alguna manera hacer trampa. Mi profesor sugirió que me inspirara muchos lugares y eso es lo que he hecho a lo largo de los años. He mirado cómo otros artistas representan una amplia variedad de cosas, tirando de muchos artistas diferentes. Tomo lo que vería de ellos y como lo aplicaba en mi trabajo, improvisaría y ajustaría las cosas para que encajaran mejor con la forma en que me gusta hacer las cosas. A medida que amplías tus referencias, pronto tendrás una forma totalmente única de representar todo tipo de cosas porque sacas un poco de inspiración de aquí y un poco de inspiración de ahí y este mishmash Lo de Frankenstein se convierte en tuyo propio. Ahora la clave es que no estoy copiando todos los elementos del estilo de un artista y luego llamándolo mío. Cuando escribes un artículo, si copias de un autor, se llama plagiarizar, cuando copias de varios, se llama investigación. Considera esto lo mismo que desarrollar tu estilo de arte. Pon algunos de tus propios elementos ahí y elementos de varios otros artistas, hazlo único. Como diría Marie Kondo, haz lo que desencadena alegría para ti. No tienes que tomar las mismas decisiones que yo. Abraza las cosas en los estilos, en las miradas que amas. Está bien hacer que el trabajo feo. Recuerda, esto es una exploración y un experimento. Está bien hacer que el trabajo feo. Al tratar de hacer algo diferente a veces descubrimos lo que no queremos hacer. Este es el valor de hacer trabajo feo. Aprendemos probando cosas nuevas, aunque no nos gusten los resultados. 6. Forma y estilo: En esta lección, vamos a discutir la forma en cuanto se relaciona con el estilo y las diferentes formas en que podemos acercarnos al dibujo de nuestras formas. Después de pasar por algunos ejemplos, entonces probaremos un ejercicio práctico para probarlo por nosotros mismos. El primer elemento con el que empezaremos es la forma. Cuando hablo de forma, estoy hablando de los contornos o los bordes de una imagen. Por ejemplo, en esta imagen de cactus, puede ver que existe la forma de los cactus y luego está la forma de las macetas y dentro de esas macetas, también tienen pequeños detalles, y esos están todos hechos de formas. En ocasiones una forma se compone de una colección de otras formas. Por ejemplo, en la Noche estrellada de Vincent Van Gogh, todo este remolino aquí mismo, todo está hecho de pequeños guiones y esos son en realidad formas también. Cada uno de estos elementos, se unen para formar esa forma. Todos estos pequeños swooshes suben y crean esta forma de un remolino en el cielo. A veces los artistas crean formas por la ausencia de algo, y eso se llama espacio negativo. Por ejemplo, estos fantasmas están hechos en realidad de lienzo en blanco y lo que realmente crea su contorno son los bordes de los árboles. Estos fantasmas son creados por las formas negativas, lo contrario. Este árbol es la forma, pero los bordes de esa forma son los que crean este barato del fantasma. La forma está en todas partes. Está en muebles, es en arquitectura, está en el diseño a lo largo de los años. Ahora, dos artistas pueden dibujar el mismo objeto y utilizar formas completamente diferentes de transmitir forma. Eso es lo que vamos a explorar en esta lección. Hay algunas maneras diferentes de acercarse a la forma. Puedes hacer formas de forma geométrica, orgánica, o estilizadas en algún lugar entre esas. Las formas geométricas son círculos, cubos, triángulos, conos, cosas así. geométricas a menudo se asocian con sentimientos creados por el hombre porque se sienten artificiales. La mayoría de las cosas en la naturaleza no son perfectamente geométricas, y las formas orgánicas son más fluidas. No son precisos ni exactos en la forma en que es un círculo perfecto o un cuadrado perfecto. Por ejemplo, he dibujado estos hongos en un estilo muy geométrico. Se puede ver que todo sobre este hongo es geométrico. El propio top de setas está conformado por medio círculo. Incluso estos cortes en los bordes son muy triangulares, son muy rectos y perfectos. Incluso el sombreado es muy geométrico. Este es un ejemplo de un estilo de dibujo muy geométrico, mientras que este hongo tiene un aspecto mucho más natural. Aquí los bordes no son perfectamente precisos. El sombreado es áspero alrededor de los bordes. Ni siquiera hay líneas súper limpias. Es mucho más fluido, es mucho más natural. A lo mejor algunas personas dirían realista. Este hongo está en algún lugar entre ellos. Los círculos no son perfectos. Están un poco ásperas alrededor de los bordes. Las pequeñas muescas en las setas tampoco son perfectas, pero no es realista. No es totalmente orgánico. Tiene un poco de forma geométrica. Es solo que esas formas geométricas fluyen en lugar de realmente son súper orgánicas en la forma en que son estos hongos. Esto está en algún lugar entre esos. Lo que quiero hacer por nuestro proyecto es que vamos a explorar un puñado de formas de dibujar estas formas dibujando una foto de este sundae, y puedes agarrar una copia de esto en la pestaña de recursos de Skillshare. Te animo a probar una versión de una forma altamente geométrica, formas orgánicas, forma realista, y algo intermedio. También quiero que hagas referencia al artista que investigaste antes. Para esta primera, voy a hacer una versión realmente realista. Voy a tratar de conseguir estas formas de la manera más realista que pueda. No me preocupa suavizar mis líneas ni hacerlas súper perfectas porque quiero que esto sea muy imperfecto, este estilo en particular. Para éste, me voy a quedar con lo más geométrico de formas que pueda. Voy a conseguir unos lados rectos como pueda. Voy a conseguir una verdadera forma de U y también voy a mantener el fondo triangular. Para las capas, sólo voy a dibujar líneas rectas. Los haré diferentes alturas para que aquí tengamos algún interés visual. Para los goteos de chocolate, realmente los voy a hacer bajar en formas de triángulo. He hecho uno que es realista y uno que es altamente geométrico y voy a intentar hacer uno que esté en medio. En realidad sólo voy a dibujar esto de la manera en que lo dibujaría. No voy a pensar demasiado en ello, sólo voy a dibujarlo. Lo importante a notar es que estoy dibujando las formas que noté y creo que son interesantes y aunque estoy probando diferentes versiones de dibujar esas formas, este sigue siendo mi estilo porque estoy dibujando lo que noto. Podrías notar cosas diferentes que quieres resaltar en este sundae. Podría ignorar totalmente algunas de las cosas que incluyo. Entonces finalmente, voy a referirme a algunos de los artistas que realmente admiro su lenguaje de formas. Yo quiero que regreses, miren a los artistas cuyo lenguaje de forma admiras. Por ejemplo, me encanta la forma en que David Sierra hace esta perspectiva rara. Hace estos, las copas y el pastel. A mí me gusta este extraño ángulo, y se puede ver dentro de la canasta de picnic o una taza. Annaliesdraw también hace lo mismo. Me encanta este estilo de perspectiva. Voy a hacer una de las copas con esa perspectiva sesgada. Básicamente acabamos de crear líneas de formas y en realidad necesitamos rellenarlas para hacerlas formas. Esto nos lleva a la siguiente parte importante de nuestra forma, y eso son los bordes de nuestras formas. Después de todo, son los bordes los que definen la forma en primer lugar. Hablemos de un par de formas diferentes en las que puedes transmitir bordes en tus formas. Estoy echando un vistazo a una pieza de Claude Monet aquí y sus formas están realmente sueltas. Aquí, en lugar de que este vestido esté completamente conectado como una forma sólida como esta, está muy suelto. Si pudiera usar un pincel muy pictórico para crear un borde suelto para que no sea una línea sólida. Entonces, en el otro extremo del espectro, a veces Van Gogh aquí utiliza contornos sólidos. Se puede ver que hay un contorno negro alrededor del borde de la casa y a lo largo de los bordes de las colinas, por lo que realmente bloquea esas formas. Existe una definición sólida seria a esta cosa montañosa negra en primer plano aquí, probablemente árboles. Ahí hay un borde muy sólido a esa línea. Por supuesto que puedes cambiar la forma en que dibujas los bordes de tus formas a lo largo de una pieza. Por ejemplo, en las hojas de aquí arriba, utilicé una textura de borde realmente difusa y usé una textura rugosa y sólida muy diferente en las líneas del estuco en la pared aquí. Pero también usé contornos sólidos en el interior de la puerta para crear las formas dentro de ahí. Te animo a probar aquí un par de diferentes estilos de relleno en tus formas. Voy a hacer este probablemente con un contorno fuerte realmente sólido y tal vez voy a hacer un poco más de una textura con esto y ya veremos a medida que vamos. Pero una cosa que quiero que sepas es que solo estoy poniendo algo de color rápido aquí, y no estoy estresando por mis opciones de color porque vamos a repasar el color en la siguiente lección. Para este primer sundae, me estoy pegando con unos bordes muy limpios y crujientes. Siento que eso es apropiado ya que es esta copa geométrica que es realmente crujiente y limpia y una forma exacta. Para este segundo sundae, voy a cambiar aquí mis pinceles y tratar por un borde perfecto menos exacto y en cambio, lo estoy manteniendo un poco más áspero, un poco más texturizado en este. Quiero que los bordes de mis formas sigan siendo distintos, pero no perfectos como lo hice con la copa geométrica. Ahora, en este tercer sundae, quiero que las formas sean súper ásperas, especialmente el interior del sundae con las capas. Quiero que todo sangren juntos y no se queden como formas distintas. Voy a usar un cepillo totalmente rugoso para hacer esto, y mantendré los bordes exteriores, como los lados de la copa, lo suficientemente sólidos como para que quede lo suficientemente claro como para ver que la forma del vaso es distinta. No quiero que sea tan loco que esté por todas partes. Por último, con este último sundae, solo voy a usar un pincel para lápiz y mantener los bordes precisos, pero con un borde textural realmente bonito que le da un aspecto como si estuviera dibujado por un lápiz. 7. Color y estilo: En esta lección, primero pasaremos por elegir una paleta de colores y aplicarla a nuestros domingos. Después de eso, vamos a mirar a nuestra referencia de artistas para la inspiración de formas únicas de organizar y aplicar ese color. Por supuesto que después de eso, vamos a darle una oportunidad con nuestros propios domingos pero podría seguir por horas sobre el color. Hay tanto de que hablar. De hecho, tengo una clase de teoría del color y un encore en vivo donde te muestro cómo ajustar una paleta de colores encontrada que has encontrado a tu arte único. Si quieres sumergirte mucho más profundamente en el color, te recomiendo encarecidamente que revises esas dos clases hacia fuera. Pero en esta lección, nos vamos a apegar al color ya que se relaciona con el estilo. ¿ Cómo usas el color en tu arte? ¿ Solo trabajas en blanco y negro o en una paleta de colores limitada? ¿ Utilizas a menudo la misma paleta de colores? A veces tus opciones de color son forzadas por el medio en el que estás creando. Banksy solo usa uno o dos colores. Esa es la naturaleza del trabajo rápido de plantillas de graffiti. También es una limitación con la serigrafía. En ocasiones, hay que pagar por color usado, diferencia de un proceso de impresión digital donde no hay límite en la cantidad de colores que puedes usar. En ocasiones el medio en el que estás trabajando afectará cómo usas el color en tu estilo de color. Ahora bien, si eres como yo, te encantan todos los colores en el arco iris y se siente muy difícil para ti emparejarlo para solo elegir unos pocos. Pero aunque parezca que amas todos los colores, apuesto a que hay colores a los que te atraen más que a otros. Probemos un ejercicio para ver si podemos destapar tu sesgo secreto y definir tu estilo de color único. Vamos a hacer un tablero de Pinterest y pondremos un temporizador de 10 o 15 minutos. Quiero que solo te desplazes por tu Pinterest o busques cosas que te interesen. En cualquier momento los colores salen a ti, quiero que guardes eso en tu tablero de Pinterest. Grandes lugares para buscar una buena inspiración del color es la decoración del hogar, la moda. mí me gusta mirar la fotografía de jardín o la fotografía de alimentos. Todas estas son grandes fuentes para encontrar inspiración de color fresco. Diablos, incluso puedes buscar tendencias de color y una forma divertida de hacerlo es buscar por temporada. Podrías buscar por tendencias de color de otoño o tendencias de color de primavera. Si eres un usuario activo en Pinterest, te animo a buscar a través de todos tus pines guardados porque esa es una gran manera de ver a qué colores te atraen sin siquiera pensar en ello. Ahora, echemos un vistazo a nuestro tablero de Pinterest y veamos si hay algún tema o paletas de colores que se repitan a las que seguimos volviendo. ¿ Qué patrones notan? Sí veo que me atraen muchos de estos pastel claro, azul y amarillo y rosa pero también me gustan muchos pops oscuros ahí dentro. Te darás cuenta de que muchas de mis paletas de colores hay al menos un color oscuro ahí dentro y creo que eso sigue adelante con mi obra de arte, también. A menudo creo como un pequeño pop de color oscuro. Si lo deseas, puedes compartir tu inspiración de color con nosotros tomando una captura de pantalla y compartiéndola en tus proyectos. Apliquemos nuestra inspiración de paleta de colores a las formas base de nuestros domingos que dibujamos en el último ejercicio. Aquí te dejamos un divertido consejo para los usuarios de Procreate. Si tomas una captura de pantalla de tu inspiración de color favorita y luego abres Procreate, toca la paleta de aquí y toca este botón más, realidad puedes crear una paleta de colores a partir de tus fotos. Si tocas saber de las fotos, toca tu inspiración creará automáticamente una paleta de colores para ti. Ahora, soy un poco exigente. A mí me gusta soltarme los colores que específicamente quiero y por supuesto, si no tienes Procreate, si tienes Photoshop o algo así querrás caerles color, también. Una vez que hayas decidido tus colores, quiero que juegues con aplicarlos a tus domingos. Estoy contento con la paleta de colores original que creé, así que me voy a quedar con eso. Pero para tus piezas eres bienvenido a mantener las diferentes paletas de colores con las que experimentaste. No tienes que quedarte solo con una paleta de colores sólidos, eso está bien. Pero ahora que hemos hablado de elegir colores que disfrutamos, quiero hablar de arreglos y cómo aplicamos esos colores. Quiero echar un vistazo a nuestras piezas de inspiración artista y ver si podemos conseguir algo de inspiración. Absolutamente puedes seguir junto con los ejemplos que estoy usando. Pero como esta es una clase sobre desarrollar tu estilo único, te recomiendo que examines a los artistas que admires, para que estés haciendo tus propios descubrimientos de color que son únicos de lo que te atraía. Joey Chou hace esta cosa asombrosa donde no deja que algo se quede del mismo color sólido. Utiliza tonalidades ligeramente diferentes. Al igual que en el océano aquí se puede ver que no es sólo un azul claro a un azul oscuro. Se trata de una mezcla de teals y blues y se mezclan juntos. Es lo mismo con el suelo aquí. Se puede ver que hay una gradación de naranja y rojo. También utiliza estas líneas marcadas. No es un sólido bloque de color aquí dentro y lo mismo es cierto en el océano. No es una línea sólida que va de azulado a azul. En realidad son líneas curvas, onduladas. Geneva Bowers, también conocido como arte GDB hace cosas muy divertidas con color también. Agrega estos pequeños destellos en la piel de niña. Lo que realmente me gusta es que usa reflejos de colores realmente brillantes, con forma audaz. Si le echo un vistazo aquí verás que al igual que los reflejos de aquí son realmente gruesos, son realmente brillantes y no solo son blancos. Ahí hay un poco de azul, hay un poco de rosa. Hay montones y montones de diferentes salpicaduras de color que me encantan, como aquí en el pelo hay estas formas realmente audaces para crear un fuerte contraste y reflejos brillantes. Como vi en mi estudio maestro, Van Gogh tomó prestado color de diferentes partes de la pintura, para que una zona nunca fuera un color sólido. Por ejemplo, usó parte del verde el fondo en su barba, así como parte del azul de su abrigo en la barba. No es sólo un color sólido, muchos y muchos colores mezclados de toda la paleta. Volvamos a nuestros domingos y veamos si podemos inspirarnos en esos ejemplos de color. Ahora, quiero hacer una clave para inspirarme en otros artistas aquí. No estoy tomando todas mis decisiones estilísticas del mismo artista. estoy mezclando, probando mi propia toma de lo que hacen, cambiándolo un poco. Piénsalo así, cuando estabas en la preparatoria si vieras a alguien con el atuendo más cool no aparecerías a la escuela al día siguiente con el mismo atuendo exacto, ¿verdad? Probablemente tomarías algo de inspiración de su atuendo. A lo mejor la parte superior o la inferior o algunos de los accesorios o tal vez no usarías el mismo atuendo pero usarías algo que tuviera un corte similar o un color o una camiseta con una frase divertida diferente. Utilizar fuente múltiple de inspiración. No confíes demasiado en la inspiración de una sola fuente. El primero que quiero probar es algo de gradación de color en este domingo aquí. No quiero que todo sea de un solo color sólido. Voy a probar quizá el bolígrafo de caligrafía, tal vez el color Blache aquí y ver cómo es agregar variación de color aquí. Entonces sólo probando cosas diferentes y colores diferentes aquí y simplemente experimentando. Prueba algo similar en las capas de aquí arriba. personal, quiero que esto sea muy sutil. A lo mejor voy a probar algunos tonos diferentes en este. En lugar de solo entrar, quiero hacer unos pinceles rayados. Voy a probar algo en la pintura y tal vez use este viejo pincel aquí. Podría entrar aquí y simplemente hacer un rosa más claro pero creo que me voy a ir en realidad un poco naranja con esto. Voy a deslizar el color por aquí. Creo que haré lo mismo con esta sección inferior aquí abajo. Sólo iré directo a través de esta vez. A lo mejor haré un poco más grande el pincel. Sí, eso es divertido. También podría ir un poco al otro lado. Si este rojo durazno está justo aquí, quizá vaya yo. Voy un poco por el lado naranja, tal vez vaya un poco por el lado meñky, también. Creo que quiero que sea realmente sutil. A lo mejor haré un poco más claro el rosa. Creo que eso se ve genial. Otra cosa que podría hacer es crear un gradiente más suave entre este rosa más oscuro aquí y el rosa más claro aquí arriba. Trae un poco de ligereza back end para mantenerlo rayado. Creo que eso se ve genial. Tienes esta sensación de que el helado o la crema o la leche o lo que sea de aquí y de aquí se están derritiendo juntos. Yo sólo voy a seguir adelante y seguir eso en diferentes áreas de esta pieza. No quiero quedarme con todo lo que intento, sólo probando diferentes experimentos. También probaré algunas rayas más ligeras en el chocolate. Creo que estoy muy contento con la forma en que esta viene. Para esta pieza, creo que estaba usando el pincel de pinturas al óleo. Voy a volver a eso y voy a intentar mezclar algunos de los colores que tengo en diferentes partes del cuadro en áreas inesperadas. Por ejemplo, tal vez tomaré algo de la azulada y el tallo aquí y lo traigo a la copa. A lo mejor hasta pondré un poco aquí abajo. Genial, y también podría intentar tal vez poner un poco de rosa en la crema aquí arriba. A lo mejor incluso le voy a añadir un poco de morado, así que eso está un poco oscuro para mi gusto. Creo que lo voy a mantener realmente sutil en la crema. Incluso puedo agregar algunos a la galleta. A lo mejor le añadiré un poco de rosa a la galleta. Creo que esto es mucho más de un uso interesante del color en todas estas piezas, en realidad. Me emociona pasar a la siguiente parte. 8. Línea y estilo: En esta lección, vamos a cubrir el trabajo de línea, exploraremos cómo diferentes formas de dibujar líneas pueden afectar la sensación y el estilo de nuestro trabajo y diferentes formas de aplicar nuestras líneas. Por supuesto entonces nos sumergimos en aplicar eso a nuestros domingos. Vamos a repasar las cualidades estilísticas de la línea. Las líneas pueden ser implícitas como puntos o guiones, o pueden ser líneas completas. Por ejemplo, pueden ser implícitos como las líneas punteadas justo aquí. También están implícitas las líneas aquí mismo y las líneas aquí mismo están implícitas. También pueden ser de espesor variable. En este ejemplo, la línea es más gruesa y delgada y más gruesa y más delgada. Las líneas también pueden ser dentadas, por lo que podrían ser muy texturizadas o podrían ser realmente lisas, como estas son en realidad bastante lisas. También se pueden texturizar como en la calidad de la línea misma, puede ver este es débil y en muy textural. También es importante señalar que las líneas tienen una cualidad emocional. Líneas gruesas y líneas delicadas crean sentimientos diferentes. El grosor de una línea, tenemos líneas realmente delgadas en la tela aquí mismo, puede crear una sensación realmente delicada mientras que tenemos algunas líneas más gruesas justo aquí. Si dibujo algo que es muy delgado, que puede sentirse mucho más ligero y más delicado frente a algo que es muy grueso. Las líneas pueden tener el mismo peso en todo el camino. Al igual que los extremos aquí son aproximadamente los mismos en cualquiera de los lados, o las líneas pueden ser cónicas y eso significa que pasan de delgados a gruesos. Se puede ver que en acción aquí, la línea comienza realmente delgada y se vuelve más gruesa, esa es una línea cónica. También importa la forma de las líneas. En la naturaleza, las líneas agudas y agudas causan dolor, a menudo son como espinas o un trozo corto de vidrio. Las líneas afiladas, duras, dentadas pueden crear una sensación más peligrosa o atrevida o siniestra. Por ejemplo, en esta pieza de Edward Gorey, estas ramas son bastante afiladas, son puntiagudas y agarrando al hombre de aquí. Ese es un gran ejemplo de líneas afiladas y atrevidas, mientras que las líneas lisas pueden sentirse fluidas y seguras. Estas son líneas que a menudo se usan para comunicar algo que es lindo. Por ejemplo, en esta pieza de Joey Chou, se puede ver que estas líneas son muy tranquilas y serenas. Las líneas pueden crear una sensación de movimiento o movimiento dependiendo de cómo las coloques. Las líneas repetidas se sienten predecibles y crean un ritmo que se siente calmante. Natalia Kattraba utiliza excelente trabajo de línea en sus piezas. Si miramos estas líneas aquí mismo, se repiten de una manera realmente predecible y eso hace que esta pieza se sienta muy calmante y calmante. En tanto que en esta pieza las líneas son mucho más impredecibles, saltan en diferentes direcciones, por lo que crea una sensación de desorden o caos. Pero no es solo lo predecibles o repetidas que son las líneas, también es la dirección en la que se dibujan las líneas. Las líneas horizontales nos dan una sensación de estabilidad, nos dan dónde está la línea del horizonte, mientras que las líneas verticales, y se puede ver esto si miras aquí mismo, hay algunas implicaciones muy débiles de las líneas aquí mismo, que nos da una sensación de altura. Las líneas paralelas dan una sensación de movimiento o velocidad, y las líneas curvas pueden sentirse muy orgánicas y pacíficas. Si miramos las líneas justo aquí que Natalia ha dibujado ahí mismo, crean una sensación de movimiento en el cabello. Casi puedes sentir la sensación de este cabello solo se mueve y vibra. También se puede decir lo mismo en las ondas aquí mismo, esas líneas paralelas crean una sensación de movimiento. De vuelta a su pieza con los gatos gemelos, podemos ver que las líneas en zigzag crean una sensación de ansiedad o energía, como estas formas aquí mismo. Estas formas pueden sentirse enojadas. Podrían haber visto estos en Mongowa, tal vez haya algunos pernos de luz enojados o marcas de estrés en la cara de alguien. Las líneas inclinadas crean una tensión, crean una sensación de movimiento en esa dirección. Estas líneas inclinadas están dibujando nuestra mirada hacia el personaje en el centro. Lo mismo sucede con estas líneas implícitas, estos pequeños guiones amarillos que van en ambos sentidos hacia el personaje. Todo viene hacia el personaje, así que nos está dibujando el ojo hacia adentro. Quiero señalar que todas las cualidades emocionales que acabamos de discutir, éstas también se pueden aplicar a formas así como a líneas. Ahora necesitamos discutir ¿dónde colocamos las líneas? ¿ Dónde colocamos nuestras líneas? trabajo de línea puede ser un contorno de una forma o puede ser los detalles dentro de las formas. En ocasiones toda la pieza está conformada por trabajos de línea como este trabajo de tatuajes de artistas Susa de Suflanda. Las líneas de contorno son las líneas exteriores que utilizamos para definir una forma. Ya las has visto en los cómics. Personalmente, uso la línea como contorno con moderación en lugar de confiar en formas y colores sólidos para separar elementos. Por ejemplo, en el pan aquí mismo, no estoy usando el trabajo de línea y el contorno para crear separación entre el fondo y el pan, pero estoy usando una línea aquí mismo para separar cada pan de pan el uno del otro. Uso la línea cuando se necesita alguna definición extra para definir una forma o para separarse de otros elementos de fondo. Suficiente teoría, intentemos experimentar con diferentes formas de trazar una línea. ¿ Usará líneas en una consistencia espesa? ¿ Serán texturizados y rotos? ¿ Serán gruesas o delgadas? ¿ Usará colores más claros? ¿ Utilizarás colores contrastantes como un contorno de color diferente al objeto que has dibujado? ¿ O será una versión más oscura o más clara del mismo color? Definirán los contornos de tus imágenes o el único agregará detalles a tus imágenes? Voy a empezar con dibujar un contorno grueso a delgado en el borde de esta copa. Yo quiero que se sienta más pesado hacia el fondo, así que voy a hacerlo más grueso en la parte inferior. Ahora no quiero que este contorno sea tan obvio, así que en realidad voy a ajustar el color para que coincida con los bordes de la copa. Voy a hacerlo un poco más oscuro, no exactamente del mismo color para que puedas decir que esto es un contorno. Voy a crear una línea sólida para crear alguna definición de goteo alrededor de los bordes de este chocolate, porque en este momento solo se siente como una línea sólida de chocolate, pero cuando tengo un contorno alrededor de él, lo crea ese sentido de hey, estos son separados, estos son deliciosas individuales y goteos de chocolate. Podría incluso hacer lo mismo a lo largo de la llanta. Otra cosa divertida que podría hacer es crear una sensación más ligera creando una línea de desplazamiento. Estos contornos son realmente sólidos en el chocolate. Quiero que la crema de látigo se sienta un poco más ligera y más delicada, así que tal vez intentaré crear una línea offset, una que no se alinee por completo. También podría jugar con el movimiento y el movimiento creando líneas que crean esta sensación de que esto se mueve como un líquido o podría crear un remolino circular. A lo mejor podría incluso enfatizar realmente estos bordes redondeándolos. Eso le da mucho movimiento, todo el helado está remolinando juntos. Quiero usar contornos más ásperos, más sueltos en esta pieza porque toda la sensación es muy rugosa y suelta. Voy a usar un pincel diferente. Voy a usar el cepillo viejo pero puedes jugar con cualquier pincel que te guste. Estas líneas no son para nada sólidas, es muy entrecortada y apenas casi sugerente como un contorno, no del todo ahí. Para esta pieza, quiero intentar jugar con sentido del movimiento, así que intentaré solo tal vez un pincel de lápiz. Puedo probar algunas líneas wiggly, así que eso le da esa sensación de que la galleta está a punto de moverse. O podría crear algunas líneas de énfasis en la punta del vaso. También puedo usar algunas líneas para enfatizar las diferentes capas. A lo mejor voy a hacer una línea rosa más clara aquí mismo para separar el chocolate de la fresa. A lo mejor usaré aquí una línea de chocolate más oscura que realmente crea una sensación de distinción entre las diferentes capas. A lo mejor voy a crear unos contornos rectos hacia arriba para crear un borde alrededor del cristal. Creo que eso se ve genial. Me emociona pasar a la siguiente parte. 9. Textura y estilo: Justo después del color, la textura es uno de mis elementos favoritos para jugar. La textura es lo que hace que una pieza de arte parezca que podrías alcanzar y sentir la paz como si fuera tangible. Podemos separar la textura en dos categorías: real e implícita. Textura implícita es cuando dibujas algo para que aparezca como una cosa real. Cómo dibujamos líneas cortas difusas para pieles o cómo dibujamos agua para que parezca que está mojada. Es como implicamos con nuestro dibujo, esta es una superficie, esta es una textura, esta es la sensación física de un objeto. Hay muchas maneras diferentes de transmitir estas texturas. Probablemente haya tantas formas diferentes como hay objetos en el mundo, además probablemente haya más que eso porque los artistas usan todas las formas para representar texturas de la misma cosa. En nuestro ejemplo dominical, alguna textura implícita podría ser lo que hace que el chocolate en el borde se vea mojado y brillante, podría ser lo que usamos para que las galletas se vean secas y desmenuzadas. Después está la textura real. Textura real es de lo que realmente está hecha tu ilustración. La textura real del papel o del lienzo que usas, la acuarela, o la textura de los lápices de colores que usas. Es inherente al medio que estás usando, por lo que papel de acuarela o gruesas blobs de pintura acrílica. Si trabajas con medios físicos, muchas maneras, estás en una ventaja para los artistas digitales. Tu arte de forma natural y automática tiene un sentido de textura, no tienes que trabajar para crearlo. Además, personalmente encuentro texturas naturales como los medios de arte físico para ser súper atrayentes y obtienes ese atractivo sin ningún esfuerzo extra. No obstante, por otro lado, los artistas digitales terminan teniendo muchas más opciones y control sobre las texturas que terminan en sus piezas. Los pinceles digitales te pueden dar todas las texturas increíbles, solo tienes que ser mucho más intencional en conseguir un look que quieras. Sin duda podemos mirar a tus artistas de inspiración para ver cómo usan la textura y lo que te podría gustar agregar a tu trabajo. Pero lo siguiente mejor que hacer es jugar con el medio que ya tienes, con los pinceles y texturas que tienes a tu disposición, ya sea físico o digital. Ahora, Procreate tiene cepillos por defecto asesinos absolutos, pero hay un montón de pinceles increíbles que están disponibles para su compra. También puedes crear las tuyas propias, puedes pellejar en tus propias texturas y usar modos de fusión y recortarlas a tus capas de forma. Puedes ser realista con tu sentido de textura o puedes ser totalmente abstracto. A menudo uso la textura cuando estoy creando sombreado en un objeto, y vamos a repasar la forma y el sombreado en la siguiente lección. Pero también puedes usar textura para evitar un color plano totalmente en blanco en una forma. Algunos ilustradores son muy planos con sus ilustraciones y no usan textura apenas en absoluto. Todo se trata de explorar tu gusto, lo que crees que se ve bien, y luego averiguar cómo hacer que algo se vea así. Vamos a hacer alguna exploración de textura en nuestros domingos. Ahora, si alguna vez has ido a la tienda de arte y has visto una pared de lápices o marcadores y tienen pequeñas hojas de prueba que puedes probarlas, eso es lo que vamos a hacer aquí. Sólo vamos a probar un montón de experimentos. No tienes que comprometerte con nada. Si quieres crear un documento duplicado para que no te preocupes por estropear tu pieza de arte, eso está totalmente bien. Quiero que te inspires en tus imágenes de artista, pero también te invito a probar a explorar algunos de los diferentes pinceles que tienes disponibles. Si estás usando medios físicos, podría estar queriendo hacer estas pruebas de textura en una hoja de papel completamente en blanco nueva. Algo que te recomendaría es una vez que hayas descubierto tus pinceles favoritos, crea una carpeta para que tengas todos tus pinceles que usas una y otra vez en la misma carpeta para que no tengas que buscarlos cuando quieras usarlos. Pero por ahora, vamos a crear algunos experimentos divertidos en textura. Lo primero que quiero hacer es que voy a crear una nueva capa. Quiero crear algunas texturas nuevas en tal vez un grano. Si voy a la pestaña Sketching y voy a Bonobo Chalk, agarraré este color rosa aquí. Si voy arriba de aquí, crea un color rosa sólido. Pero un truco realmente divertido que puedes usar es, es que si tocas esto, abrirá tus modos de mezcla. Si uso multiplicar, eso creará una versión más oscura de cualquier color que esté debajo de él. Esto es realmente divertido para jugar. mí me gusta ajustar la opacidad a veces que me sale un poco más de un efecto sutil. Voy a aclarar esto y hacer eso un poco más intencionalmente en lugar de simplemente garabatearlo. Pero me gusta mucho la forma en que esto crea un efecto granulado. Ahora, otra cosa que quiero probar es que quiero agregar algo de textura a las secciones de chocolate aquí. Lo que puedo hacer es otra vez, crearé una nueva capa y la encenderé para multiplicar, y aquí voy a agarrar el color chocolate. Voy a probar Caligrafía. A lo mejor probaré este pincel Brotchy. Si entro aquí, voy a todos lados con esto, que no es mi intención. Lo que voy a hacer es que voy a tocar la capa. Esta capa tiene esta forma de chocolate para mí. Voy a tocar eso y voy a elegir “Seleccionar”. Si vuelvo a tocar el pincel, si fuera a dibujar en esto, sólo estaré dibujando en esa forma. Ahora, quiero asegurarme de que estoy haciendo esto en una capa separada así que he hecho una selección de esta capa, pero estoy dibujando en esta capa aquí. De esa manera, si cambio de opinión, sólo puedo borrarlo o encender o apagar la visibilidad, y aún tengo mi capa de chocolate debajo de ahí. Voy a intentar experimentar con eso. Eso se ve realmente genial. Otro lugar al que quiero añadir algo de textura es sobre la galleta aquí arriba. Voy a agarrar el color de la galleta y voy a probar un pincel nuevo, tal vez voy a entrar en Dibujo y lo intentaré, no tengo idea de cómo pronunciar esto, pero Freycinet, claro. Voy a seleccionar mi capa de cookies, y voy a dibujar en mi capa de multiplicación. Ahora, a veces esto no funciona porque la forma de galleta que dibujé estaba debajo del helado. Lo que puedo hacer es agarrar mi capa de helado, puedo golpear “Select” y luego cuando suba a la capa de multiplicación, puedo borrar esa sección donde está tocando crema batida. Aquí hay muchos experimentos divertidos. Podría intentar agregar un poco de textura a la taza también. Ahora, quiero señalar que estos otros domingos en realidad ya tienen textura. Cuanto más nos metemos en estos elementos, más se puede ver que todos estos elementos, están realmente atados entre sí y si bien es útil separarlos para que podamos entender cada elemento por sí mismo y podamos enfocarse en las decisiones que podemos tomar en esos elementos, en el mundo real, no existen en un vacío, realmente sí se mezclan juntos. Ya he añadido textura a este domingo sólo por la naturaleza de ese pincel de aceite rayado que usé. Cuando empecé a experimentar con versiones a rayas de color, empecé a agregar textura a esta pieza. Estoy realmente contento con la forma en que se ve este. Cuando estaba rellenando las formas, los pinceles que usé para esto también tenían textura en ellas. Pero nunca está de más agregar un poco más de textura para hacer un poco más de experimentos. Voy a intentar agregar algo diferente al chocolate de aquí abajo. A lo mejor en lugar de simplemente añadir textura para el sake de texturas, voy a tratar de hacer que esto se vea seco y desmenuzable. Seleccionaré esa capa de chocolate, estaré en una de mis capas multiplicadas, y voy a probar los Spraypaints, y voy a probar estos Flicks. Lo que quiero hacer es crear versión mucho más oscura de este chocolate. Me encanta la forma en que se ve esto, creo que se ve realmente seco y me imagino ese aspecto de galleta rugosa y desmenuzable. También podría entrar con un color realmente claro, pero debido a que esto está en un modo de mezcla, solo va a oscurecer todo, así que voy a crear una nueva capa que no está en modo de mezcla y luego puedo crear un poco más brillante texturas ahí dentro. A lo mejor no tanto, tal vez un poco más ligero, pero me encanta la forma en que se ve. Creo que eso se ve super duper cool. También creo que quiero crear algo de textura en el chocolate aquí arriba. De nuevo, voy a agarrar el color chocolate, voy a mirar el color chocolate, y voy a seleccionar el chocolate para que sólo esté dibujando donde está ese chocolate. Voy a probar el pincel de pintura, probaré este Estucco aquí y crearé un poco de textura divertida aquí arriba. Yo sólo estoy experimentando y podría hacer lo mismo con la galleta, así que tal vez voy a añadir algunas formas en. Hay algunos experimentos divertidos con color y textura. Probablemente haya tantas texturas en el mundo como hay cosas en el mundo. Pero en mi experiencia, demasiadas texturas diferentes pueden hacer que una pieza se sienta caótica. Si te sientes totalmente perdido con las texturas, lo que te recomendaría es intentar usar solo una o dos. Puedes experimentar con el color de esa textura o la opacidad, qué tan transparente es, y puedes obtener una enorme gama de variedad con una sola textura. Por supuesto, cada regla está destinada a romperse, así que si piensas que estúpido, oye, vuelve loco con tus texturas. 10. Forma y estilo: Forma es como hacemos que algo se vea 3D o le damos una sensación de profundidad. En ocasiones se crea un sentido de forma tridimensional con líneas como este cubo. Esta obra no siempre usa mucho sombreado, pero sí hace que las cosas se sientan 3D en lugar de un 2D plano con sus líneas. Por lo que los círculos en la parte superior de este frijol horneado realmente pueden hacer que se sienta como si se tratara de una forma tridimensional. Lo mismo sucede con los panqueques porque podemos ver el costado y la parte superior. Se siente como si fuera 3D. Pero la mayoría de las veces, la forma se comunica creando, sombreando y resaltando. Entonces aquí solo tienes formas planas y aquí tienes sombreado en ellas. Por cierto, si quieres sumergirte más profundamente en saber dónde colocar tus sombras, voy en profundidad en el sombreado en mi cómo dibujar clase. Hay muchas maneras diferentes de estilizar cómo se crea sombreado y forma. Entonces repasemos ahora un par de esas opciones. Gradientes. Un gradiente es donde el color cambia gradualmente a medida que se mueve a través de una forma. Yo uso mucho esto. Carson Ellis hace un gran trabajo de ello. Realmente lo puedes ver en acción justo en la estufa. Por lo que hay un gradiente de sombreado a medida que se vuelve más ligero para crear la idea de que el borde de la estufa está creando una sombra. Katie Daisy hace lo mismo. Por lo que aquí hay un gradiente de color en la tierra. Por lo que pasa de un verde más oscuro a un verde más claro. Eso da la idea de que esta tierra es desigual. No es sólo como una forma plana. Ella también lo hace en el sombreado en las montañas aquí en el mismo fondo. Los gradientes son mi método instintivo, natural go-to. Se puede ver que lo uso en la mesa aquí mismo. Lo tengo más oscuro debajo de las piernas y se pone más claro a medida que baja para crear la idea de que las piernas estén debajo de la mesa. Crea un sentido de forma 3D. También lo uso en estas manos aquí. Entonces uso algún sombreado que va por debajo del pulgar para crear la idea de que hay forma tridimensional. Emiscución. El sombreado es usar líneas para crear una sensación de sombreado. Cuando las líneas están más alejadas, crean áreas, áreas más claras, y cuando están más cerca, crean una sensación de sombra más profunda. Por lo que debajo de la barbilla aquí se puede ver que David Sierra ha creado un sombreado grueso realmente agradable para crear el sentido de este gran oso y es mucho más apretado cuando se acerca a su brazo y se aleja mucho más cuando se pone más alejado de su brazo. Especialmente quiero que sepas cómo las líneas que están más densamente compactadas versus aflojadas más alejadas indican la forma del objeto. Si echamos un vistazo al cabello aquí, observe cómo las líneas se vuelven realmente densas y compactadas aquí donde se mete el cabello versus líneas más largas, más sueltas cuando el cabello está fuera y fluye. Esto también se puede ver en su camisa. Las líneas son realmente densas en estas zonas apretadas donde la ropa está realmente cerca una de la otra y se pone un poco más suelta aquí donde hay más espacio en la camisa. Crossatching. El cruzado es realmente similar a la eclosión, excepto que hay líneas que se cruzan en múltiples direcciones. Las ilustraciones de Maurice Sendak utilizan grandes ejemplos de líneas de cruce. Para que se pueda ver en el vientre del monstruo justo aquí que hay un montón de cruces pasando. Nuevamente, se aplican las mismas reglas donde es más densa, es una zona más oscura y donde está más suelta y ligera, hay menos sombreado pasando. Doppling y punteado. Dappling slash stippling. Sussane, quien también va por Suflanda, es una artista del tatuaje y crea una forma increíble mediante el uso de punteado. Stippling es pequeños puntos confeccionados para crear la idea de forma. El punteado puede tomar varios tipos diferentes de formas. En el conejo aquí , son más líneas cortas versus en el vestido, son puntos. Para que puedas usar mezclar y combinar tu tipo de punteado. También puedes mezclar y combinar diferentes estilos de forma. Por ejemplo, en esta pieza, Sussane ha creado punteado y también ha usado la eclosión para crear sombreado. Puedes algo así como crear tu propia versión. Entonces Van Gogh tipo de crea este extraño híbrido entre puntear con estos guiones realmente cortos, pero también eso es algo así como eclosionar. Entonces hay toda una variación entre estas cosas. Contraste. A veces los artistas usan calle de contraste y color o forma para crear forma. Lindsey, el hilarante artista de juego de palabras visual utiliza mucho este suave contraste. Utiliza un bonito cambio sutil. Se puede ver que en los extremos de estos campistas de helado de sundae. Aquí hay un color y luego otro por aquí y ese contraste entre los colores crea esa forma. Ahora esta es realmente una versión suave, como este es solo un color más oscuro de amarillo, un color más oscuro de verde, un color más oscuro de rosa. También puedes ir realmente extremo con esto como lo hace Sarah Beth Morgan. Usa un color realmente fuerte. Está usando el negro para crear el sombreado en todas estas diferentes áreas y es solo un bloque de color recto. Muy bien, empecemos a experimentar en nuestros sundaes. Entonces voy a empezar con este. Creo que sería divertido crear alguna eclosión. Entonces voy a agarrar, sólo voy a usar un lápiz 6B y voy a empezar aquí abajo en el vaso. Simplemente crearé algunas eclosiones para especie de crear algún sombreado debajo de la copa. También añadiré algo de sombreado en las gotas de chocolate. Piensa que también podría ser divertido agregar algo de eclosión aquí. Para este próximo sundae, voy a usar un cepillo de entintado. Entrenaré y usaré el bolígrafo de estudio. Creo que sería realmente genial probar como uno de esos sólidos bloques de sombreado. Entonces voy a crear una nueva capa y la voy a hacer una capa multiplicada y voy a reducir la opacidad. Entonces es una manera bonita, así que no tengo que cambiar de color cuando repaso las rosas contra el chocolate. Puedo jugar como con la opacidad para decidir qué tan oscuro o claro me gustaría. Creo que sería realmente genial crear algo de sombreado en el chocolate también. Entonces si creo un poco de una línea justo aquí, en realidad está haciendo que parezca que el chocolate está sobresaliendo. También podemos crear una segunda capa de multiplicación y crear algo de sombreado en el propio chocolate. Probablemente sea un poco más oscuro de lo que me gustaría así que reduzca la opacidad. Entonces eso se ve bastante guay. Creo que otra cosa divertida sería ponerla con algún punteado. Entonces tal vez quiero crear algunos reflejos del vidrio, como brillar aquí. Es algo divertido. Podría incluso hacer algunos de color marrón claro en el chocolate o tal vez algunos en la galleta. En realidad creamos algo sutil cuando agregamos algo de esta textura y color aquí arriba en la crema. En realidad ya tipo de creación alguna forma, alguna forma. Pero creo que sería divertido enfatizar realmente eso con un poco más de punteado. También me vendría bien algún punteado para crear un punto culminante en la copa. A lo mejor podrías probar un poco de eclosión, así que podría crear alguna eclosión a lo largo del borde justo ahí debajo del sólido engaño. Si me alejo, diría que este bloque sólido es un poco estrecho y creo que me gustaría sólo ampliar un poco eso. Vamos a alejarnos de nuevo. Sí, eso se ve un poco mejor. Podría rehacer la eclosión debajo de eso. Genial, eso es algo divertido. Para esta siguiente pieza, creo que voy a probar muchos más gradientes ya que eso es a lo que naturalmente gravito hacia. Entonces voy a tratar de usar en esta capa multiplicada, un pincel texturizado. A lo mejor usaré como los artistas cran o algo así. Simplemente voy a crear una transición suave y gradual en el costado de la copa. Se vuelve un poco más profundo cuanto más allá está. De hecho, tal vez incluso me vaya un poco más oscuro a medida que se acerca al borde. Es un gradiente suave realmente agradable. Yo voy a hacer lo mismo en el chocolate. Entonces en una capa normal, creo que voy a crear algunos reflejos suaves porque esa línea suave realmente crea una fuerte diferencia. Realmente ayuda a que destaque. Podría de hecho incluso añadir un fuerte destaque en el vaso, y tal vez en la base de la copa también. Creo que también sería divertido agregar algo de sombreado en la copa, nuevo con un sombreado más suave, más gradual. Creo que también voy a añadir un poco de sombreado textural en la crema de aquí arriba, la crema de látigo. A lo mejor incluso voy a añadir algunos aspectos destacados yendo extremadamente en esto. No es solo el estilo de sombreado que utilizas lo que determinará tu estilo, también es donde lo pones. Algo que me gustaría probar y voy a hacer una nueva capa de multiplicación para esto es tal vez algunas sombras debajo de las capas dentro del sundae. Entonces tal vez voy a probar algo debajo aquí para realmente que se sienta como esta parte superior, esta crema de top rosa viene sobre el chocolate y tal vez haré lo mismo la parte superior aquí arriba. Simplemente deja que se desvanezca gradualmente. Poco a poco se desvanecen. Entonces realmente se siente como si fueran capas y por supuesto la galleta merece algo de amor. Enfriar. Por último, en este sundae, creo que sólo voy a probar una mezcla entre punteado, eclosión. Voy a usar un cepillo de entintado y usaré el de mercurio. Entonces creo que lo primero que voy a hacer es crear algunos aspectos destacados. Entonces voy a agarrar algo realmente ligero y voy a añadir un poco de brillo al chocolate aquí y también al vaso. Creo que voy a sumar algo de reflexión aquí abajo. Creo que sería divertido agregar algo del desmoronamiento de galletas. Creo que también voy a agregar algo de sombreado general en la capa de multiplicación. Por lo que estas no son líneas sólidas. Están un poco disgustadas. A lo mejor probaré un poco en la parte inferior del chocolate también. Creo que eso es un poco intenso. Entonces podría ir un poco más tarde con tal vez también debajo de la copa. Otra cosa que podría intentar es agregar una especie de borde a la copa e incluso más allá de eso, tal vez un poco de sombreado en el propio suelo. A lo mejor también le añadiré un poco de sombreado a la galleta para que parezca que está como detrás de esa crema. Ahí vamos. Creo que eso realmente hace que esta pieza se vea mucho más terminada y entera. Creo que aquí tengo algunas piezas muy fuertes diferentes. 11. Guía de estilo / Identificación de tu estilo actual: Tenemos un montón de experimentos realmente interesantes ahora y ojalá, hayas descubierto algunas nuevas formas de dibujar que realmente disfrutas. A lo mejor encontraste algunos que realmente no te gustaron. Pero todo fue un experimento divertido. Pero sobre todo eso es lo que era. Fue un experimento. Es algo que probé, pero es sólo una sola pieza de arte. Realmente no puedo decir, hey, este es mi estilo todavía porque no he usado este estilo consistentemente. Yo sólo he hecho uno. Lo que vamos a hacer es que vamos a integrar esas exploraciones en nuestro trabajo avanzando y lo vamos a hacer con un divertido reto de arte dibujo-esto-en-tu estilo. Vamos a escoger y elegir nuestros elementos visuales favoritos que probamos en esos sundaes y aplicarlos en una serie de piezas nuevas. Cuando se tiene una colección de varias piezas que utilizan elementos visuales de una manera algo consistente, es cuando se puede decir: “Oye, este es mi estilo”. Reflexionemos sobre qué elementos que sí te gustan y que quieres usar para avanzar. Vamos a crear una guía de estilo personal y no te preocupes, no estás comprometido con estas opciones por el resto de tu vida. Siempre puedes cambiarlos y cambiar cómo te gusta dibujar las cosas. Reflexionar sobre lo que haces y no te gusta puede llevar a algunas ideas realmente útiles y a veces inesperadas y recordar, incluye los elementos visuales que disfrutaste creando. ¿ Cómo quieres dibujar tus formas? De verdad, de verdad me encanta esta perspectiva sesgada aquí. Creo que esto va a ser enormemente influyente en mi trabajo y lo voy a utilizar en todo lo que pueda seguir adelante. También me gustó mucho cualquier cosa que estuviera arqueando y fluyendo como estas gotas de chocolate aquí. Realmente me sorprende lo inspirada que estaba por esta pieza geométrica. Pensando en estas capas y espacios geométricos planos y pensando en las formas de los goteos como estos simples triángulos, realmente inspiró cómo me acerqué bastante a este sundae y a este sundae. Creo que quiero mantener eso en mi cabeza. Puede que no sea el mayor fan de este trabajo perfectamente geométrico pero si me siento atascado tratando de descomponer una forma en una forma geométrica muy básica es una gran manera de patear mi cerebro creativo. ¿ De qué formas quieres usar el color? Avanzando, creo que quiero abrazar los cambios de tonalidad que se utilizan en esta pieza. Pasé de naranja a rosa a melocotón. Me gustó mucho usar esa variedad de tonalidades. También me gustó mucho este método de mezcla que utilicé a lo largo estos dos rosados aquí y creo que voy a usar eso avanzando. ¿ Qué línea de trabajo quieres usar? Quiero usar manera más líneas avanzando. Me gustaron mucho las líneas que usé en la crema aquí y en la base de la taza aquí. También disfruté mucho las agrupaciones de líneas que hice justo aquí arriba, y sobre todo hasta aquí mismo. Pero creo que quiero ser un poco más intencional. No quiero que esté tan suelto. ¿ Cómo te gusta transmitir o no transmitir forma y forma? Si soy honesto, me gustaron todas las diferentes formas en que uso el resaltado y el sombreado. Creo que probablemente voy a usar todos ellos avanzando y esa es la belleza de elegir tu propio estilo. No tienes que apegarte a una sola opción. Texturas. ¿Qué texturas usarás? Me gustó mucho la mezcla de colores y las texturas que utilicé en esta pieza aquí y creo que la seguiré usando de una manera notable intencional como tengo las rayas aquí. Realmente me gusta esa textura. También me gusta mucho la forma en que hice la textura aquí dentro, como en un ángulo muy decidido. Pero me encanta la mezcla de todos aquellos juntos. No soy salvaje por el grano que usé y los gradientes que utilicé en esta pieza. El grano se ve fresco, pero no es para mí. Me encantan las texturas de lápiz que utilicé en esta pieza. Pero creo que me gustaría que fuera un poco más exagerado porque ahora mismo tengo que acercarme para ver realmente los detalles del mismo. El estilo es como la escritura a mano. Se puede tratar de imitar la firma de otra persona. Pero cuando tienes prisa, estás escribiendo sólo va a salir como lo hace naturalmente. El modo en que dibujas es el mismo. Es instintivo y natural para ti y si bien puedes ejercitar tu caligrafía para que sea más legible o bonita, seguirás probablemente por defecto tu forma instintiva de escribir la letra a. Lo mismo sucede con nuestros estilos de dibujo. Podemos trabajar para cambiarlo, pero parte de tu estilo va a ser completamente intuitivo, sin embargo definir qué es eso, lo que compone nuestro propio estilo natural puede ser increíblemente difícil porque muchas veces estamos ciegos a lo que nos hace único. Hay cosas que hacemos que nos son tan obvias que es como respirar. Ni siquiera nos damos cuenta de que estamos tomando esas decisiones o intentándolo de esas maneras. En esta lección, vamos a hacer un par de diferentes ejercicios divertidos para intentar ayudarte a definir tu estilo un poco más claramente para que puedas ver qué es lo que te hace único. Tu top nueve. En primer lugar, quiero que reúnan entre tres y nueve de sus piezas favoritas. Vamos a hacer referencia a estos para los próximos ejercicios. Quiero que consideres las piezas de las que más te enorgulleces pero también pienses en las que disfrutaste haciendo más y las que más te contentas con los resultados. Puede ser una mezcla de todas estas cosas. Ahora puedes arreglar esto en una publicación de Instagram top nine de fantasía, o simplemente puedes ponerlos en un documento por completo. Te animo a compartirlas en tu proyecto de Skillshare. Aquí están los míos. Rellenar el espacio en blanco. Ahora probemos un divertido ejercicio de relleno al estilo Mad Libs. Yo quiero que se te ocurra tres adjetivos visuales que describan los visuales de tu arte. Siéntete libre de golpear pausa y tómate un momento para llegar a tus propias palabras. No tienes que elegir de esta lista. ¿ Tu arte es monocromático, realista, liviano, desordenado, suave, hermoso, bocoso, brillante, único, inusual, colorido, caricatura, complejo, conceptual, deslumbrante, decorativo, fluido, estilizado? Al mirar mis piezas, probablemente diría lindas, femeninas, y coloridas. A continuación, quiero que se te ocurra un par de palabras para describir la vibra o la sensación de tu trabajo. De nuevo, siéntete libre de golpear pausa y tómate un momento para llegar a tus propias palabras. No tienes que elegir de esta lista. Oscuro, adorable, inocente, audaz, tranquilo, glamoroso, organizado, franco, tranquilo, nervioso, directo, misterioso, juguetón, romántico, sofisticado, tradicional, psicodélico, de buen gusto. Nuevamente, por mi colección de arte, creo que todas estas piezas son un poco tranquilas o tranquilas. A lo mejor no todos, pero sí, general, ese es el sentimiento. Mi trabajo bordea la caricatura, pero no siento que tenga esa vibra de caricatura. Podría querer destacar eso. Creo que tiene un toque de sofisticación. A continuación, quiero que anotes los temas que dibujas con frecuencia. Veo muchas escenas, animales, y letras. Por último, quiero que anotes el medio de arte que usas. Todos estos se hacen en Procreate, por lo que todos son arte digital. Vamos a juntarlo todo. Cuando alguien pregunta qué tipo de arte haces, puedes decir que yo creo, inserto tu elección de la vibra o sentimiento, inserta tu objetivo visual, inserta el tema de arte que dibujas, y también inserta el medio de arte que utilizas. Para mí, puedo decir que creo escenas coloridas y tranquilas en Procreate. Si quieres, puedes atajar un par de adjetivos. Puedes reorganizar la redacción o incluso puedes quitar parte de la ecuación aquí. Por ejemplo, si bien me encanta dibujar escenas y escaparates, es sólo la mitad del arte que creo. Podría querer quitar este tema en este Mad Lib. mejor para ti, el tema es realmente consistente, pero tal vez podría expandirme en el mío diciendo, creo lindas, coloridas ilustraciones digitales con un toque de sofisticación. Ta-da. Ahora tienes una manera sencilla y fácil de describir el trabajo que haces por otras personas. Por supuesto, esto no encapsula todo sobre tu estilo. Intentemos bucear un poco más profundo. Tomemos una inmersión más profunda en examinar nuestro propio estilo. A continuación te presentamos algunas preguntas para empezar. ¿ Notas algún patrón o temas que se repiten? Ahora bien, esto es algo que puede no ser visualmente aparente, pero personalmente sé que más de la mitad de las piezas que he recogido se han inspirado en viajar que he hecho o viajar que me gustaría hacer. Sé que viajar es una parte realmente grande de lo que influye en mi estilo, aunque no sea súper obvio en el arte mismo. Otro patrón que noté es que siempre trato de hacer estallar algunos detalles usando un contraste realmente alto, mientras que el estilo general es de colores suaves y suaves, me gusta mucho hacer pop algunos detalles porque siento que hace quieres mirar más profundamente en el arte. Algunas otras preguntas que hacerte podrían ser, ¿qué quieres que sienta tu público cuando miran tu trabajo? ¿ Qué temas disfrutas explorando? ¿ Tu arte tiene un mensaje? Enumera tres cosas que te encantan de tu estilo. Compara tu estilo con el arte que odias. Si realmente estás luchando para articular cómo es tu arte, otro ejercicio es compararlo con el arte que odias. ¿ En qué se diferencia tu arte? ¿ Es diferente en la vibra, los estilos visuales, o los temas? No voy a poner ningún ejemplo para esto porque eso parece grosero poner el arte de alguien en explosión que odio. Pero lo que voy a decir es que no suele gustarme el arte que tenga temas violentos o que sean realmente asqueroso y asqueroso. Eso son los atascos de algunas personas, pero no es mío. ¿ Qué tipo de arte odias? Para mí tal vez eso sea duro, violento, infeliz, aterrador, asqueroso. Entonces, ¿qué es lo contrario de esas cosas? En mi caso, sería gentil, ligero, más feliz, pacífico. Pregunte a los amigos. El atajo para definir tu estilo actual, preguntando amigos de confianza. El modo en que nos vemos no es la forma en que otras personas nos ven. Pregúntale a algunos amigos : “Oye, quiero pedirte un favor. Estoy trabajando para mejorar mi ilustración aclarando qué me hace único pero es difícil verte como lo hacen los demás. ¿ Me dirás tres palabras que usarías para describir mi arte?” Busca respuestas comunes y ve qué respira contigo, tus diferencias, tu identidad. A veces lo que nos hace únicos es evidentemente obvio y podemos estar avergonzados de ello, o queremos tonificar esa parte de nosotros mismos. Es la naturaleza humana querer encajar. A lo mejor creciste en un ambiente que ostracizó o se burlaban de personas que eran diferentes o que destacaban. Pero quiero animarte a que echen un segundo vistazo a esas cosas y si realmente es en tu mejor interés bajar el tono quién eres, lo que te hace diferente bien puede ser tu mayor fuerza. Por ejemplo, me recogieron mucho en la infancia. La gente se burlaba de la forma en que me veía, particularmente mi cabello y mi entusiasmo. Pero ahora esas son algunas de mis mayores fortalezas. Soy más memorable por mi cabello, por mi personalidad. Como mencioné antes, tu estilo es tu letra. Puedes intentar imitar la escritura de otra persona, pero tu propia letra natural va a seguir deslizándose. A medida que jugamos con estos diferentes ejercicios, tratando de estar conscientes de las cosas que siguen deslizándose, las cosas que sigues haciendo sin darte cuenta, o incluso cuando no tienes la intención de hacerlo. Esas son las pequeñas señales a tu estilo. Las cosas a las que querrás prestar atención, cosas en las que querrás apoyarte. 12. DTIYS: crea tu serie: Hacia el reto del arte. Para ayudarte a crear un estilo cohesivo y consistente, vamos a hacer un sorteo esto en tu desafío de arte de estilo. He ilustrado cuatro golosinas que también puedes recrear usando los elementos que enumeraste en tu guía de estilo personal. Si realmente quieres subir de nivel el reto he incluido las fotos de referencia para estas piezas y puedes comenzar desde ahí en lugar de mis ilustraciones. A veces me resulta un poco más fácil rebotar en lo que alguien ya ha hecho, así que eres bienvenido a partir de mis ilustraciones y rebotar desde ahí. Puedes tomar las imágenes de referencia desde la pestaña Recursos. Asegúrate de compartir tu arte en tu proyecto Skillshare. Puedes agregar imágenes adicionales a tu proyecto a medida que las creas actualizando tu proyecto. Aquí tienes algunos consejos para trabajar en tu serie. Para que esta serie sienta que en realidad está en el mismo estilo, necesitarás tener cierto nivel de consistencia entre todas las piezas. Pero no siempre hay que usar exactamente el mismo elemento estilístico en cada pieza para que este estilo se sienta cohesivo, unas cuantas consistencias clave notables ayudarán a unir las cosas. El uso de un tema temático ayudará, es decir una serie de desiertos, que es lo que estamos haciendo. Sugeriría encarecidamente usar la misma paleta de colores ya que el color es una manera increíblemente fácil para nosotros agrupar algo instintivamente. En mi serie, usé la misma paleta de colores pero variaba los colores de fondo, esto ayudó a que cada obra de arte se destacara sí sin dejar de sentirme parte de un todo. Tener varios elementos que se notan y se utilizan consistentemente en cada pieza te permitirá experimentar con las diferencias entre el arte individual. Por ejemplo, utilicé líneas muy diferentes en estas dos piezas. No usan el mismo tipo de líneas. Se le permite usar una variedad de estilos. Disfruté mucho jugando con la eclosión en esta copa geométrica. Yo incluí eso en estas dos piezas aquí. Mi forma instintiva natural de crear sombreado es usar gradientes como lo hice en esta pieza, y no lo abandoné en esta serie sobre postres. Se puede ver en las frambuesas aquí usé muchos gradientes para crear ese sombreado. Incluso lo hice en las rebanadas del pastel. Haz lo que desencadena alegría. Mi fondo de pastel aquí era muy sencillo, así que quería agregar estos pequeños destellos para decorar el fondo. Disfruté tanto agregando estos detalles que fui y los agregué a casi todas las otras piezas. No es algo que exploré haciendo en mis sundaes, pero me gustó. No te sientas tan atrapado por tu guía de estilo o por las elecciones de estilo que has hecho en el pasado, que no puedas traer algo nuevo, algo que te haga feliz al resto de tu arte. La experimentación lleva tiempo, así que no te desanimes si no estabas contento con cada una de tus piezas. De hecho, desarrollé un puñado de estilos diferentes para esta clase, y ni siquiera terminé usándolos o compartiéndolos. Se necesitan algunas piezas diferentes y practicar para mí integrar los bits de estilo que estoy tratando de incluir. No sucede con solo hacerlo una vez. Se vuelve más matizado, me pongo más particular sobre cómo traigo ese elemento. Además, es totalmente normal no amar todas tus piezas por igual. A menudo vuelo a través de una pieza en la que estoy súper inspirado y luego me siento muy desanimado cuando las otras piezas una serie no se sienten como no sé, frescas o emocionantes o satisfactorias como esa primera pieza. La verdad es que algunas piezas serán mejores que otras. Pero también a veces estoy tan inspirado por el proceso de dibujar algo que estoy un poco ciego a los resultados finales. También a veces después de no mirar una de esas piezas decepcionantes por un tiempo y luego volver a ella, encuentro que en realidad me gusta mucho más que a mí. Después otras veces, la gente en realidad se siente atraída por las piezas que ni siquiera me importaban en primer lugar. Puedes dibujar una pieza todos los días o si eres como yo, puedes trabajar en todas ellas al mismo tiempo. Cuando me sienta atascado en una pieza, voy a cambiar a otra pieza. A veces me voy a inspirar para la pieza en la que me quedé pegada trabajando en una nueva pieza o revisando piezas que ya he completado. Por ejemplo, estaba sintiendo que la leche y las galletas eran muy sencillas y así fui a mis sundaes originales y recordé el sombreado geométrico que hice en esa copa geométrica así que integré eso. Otro consejo para llenar el stock es mirar todas tus piezas juntas. No solo podría inspirarte a agregar algo interesante a la pieza en la que estás trabajando actualmente, sino mirar la serie en su conjunto te ayudará a tomar decisiones para mantener tu colección sintiéndose cohesiva y con un estilo consistente. 13. Sorteo de un año de Skillshare: Para darte un poco de motivación extra para practicar tu nuevo estilo de fantasía, estoy sumando la ante al albergar dos sorteos por un año de Skillshare. Estaré eligiendo un ganador de los proyectos de Skillshare y uno de Instagram, así que tendrás dos oportunidades diferentes de ganar. Para entrar en Skillshare, todo lo que tienes que hacer es presentar un proyecto a esta clase. Puedes subir tus experimentos dominicales o cualquiera de los Draw This In Your Style art. También estaré hospedando un segundo sorteo por separado en Instagram. Para entrar a ese sorteo, comparte tu arte Draw This In Your Style en Instagram. Puedes compartir una sola imagen o puedes compartir múltiples para múltiples entradas. Menciona la clase en el epígrafe y asegúrate de usar el hashtag #DTIYSBrooke. Eso es “Dibuja Esto En Tu Estilo, Brooke” para asegurarme de que pueda encontrar tu entrada. Podrás encontrar más detalles de ese sorteo en mi Instagram @paperplaygrounds. Ambos ganadores serán elegidos al azar, y estaré anunciando al ganador en la pestaña de discusión de esta clase. El plazo para ingresar es el 31 de agosto de 2021. Tengo tanto ganas de ver tu arte. Simplemente me encanta ver tus tomas creativas hermosas en estos proyectos. 14. Voz artística: Voz artística. Pasamos la mayoría de esta clase centrándonos en el aspecto visual del estilo, cómo se ve tu arte. Pero hay mucho más en lo que compone tu estilo que estrictamente los visuales. Puedes trabajar activamente para cambiar tus visuales, pero habrá partes de tu estilo que te seguirán si cambias la forma en que dibujas líneas y formas, si cambias medios o herramientas, y no como tu voz artística. Tu voz podría ser los temas que elijas dibujar, la vibra que crea o el mensaje que comparte. Tu voz es mucho tú, quién eres y tus perspectivas. Estas cosas también afectan tu estilo y si quieres profundizar en el tema de desarrollar tu voz artística, recomiendo encarecidamente revisar el libro de Lisa Congdon, Encuentra tu Voz Artística. Para algunos artistas, su voz es más dependiente de la materia que cubren en lugar del aspecto visual de su estilo, y algunos artistas son mucho más consistentes con sus visuales que con su temática. Ambas versiones de ésta son válidas. Algunas personas son muy intencionadas con su voz. Son muy claros con quiénes son como artista y son muy buenos expresando eso y algunas personas ni siquiera se dan cuenta de que tienen voz, es más una cosa subconsciente que es una cosa consciente. No tienes que ser profundo o serio con tu voz, tu perspectiva puede ser simplemente, quiero poner cosas más bellas en el mundo. Entender tu voz es una gran parte de desarrollar tu estilo y un gran ejercicio para esto es hacerte las siguientes preguntas. ¿ Qué vibras intentas crear? ¿ Qué quieres que experimente tu público? Por ejemplo, ¿estás tratando de crear arte que tenga una sensación relajante? ¿ Qué opciones visuales o temáticas puedes hacer para apoyar esa vibra? ¿ Qué intentas decir con tu arte? Esto puede ser algo significativo y profundo o puede ser una emoción desaliñada. Por ejemplo, el mensaje detrás de esta pieza es, quiero celebrar el cumpleaños de alguien. Pero de nuevo, entender el mensaje detrás de tu arte puede ayudarte a tomar decisiones visuales y temáticas para apoyar eso. ¿ Qué estás tratando de poner en el mundo? ¿ Qué experiencias estás tratando de cultivar? ¿ Es un mensaje, una emoción, es simplemente una apreciación del objeto que estás dibujando? Es posible que te resulte útil tirar hacia arriba piezas que ya has creado y hacer estas preguntas sobre esas piezas o incluso hacer estas preguntas sobre las piezas de arte que admiras de otros artistas. 15. Abordaje de la comparación: Cuando expuse en mi primera feria profesional de ilustración, me sentí tan abrumado por todos los increíbles artistas que hay por ahí. Fue una verdadera llamada de atención que si quería apilar profesionalmente, realmente necesitaba hacer un arte mejor y más interesante. Esa realización fue realmente importante para mí. He estado trabajando en mi propia burbuja y he estado desconociendo todo lo que me rodea y lo que todos los demás a mi alrededor estaban haciendo. La verdad honesta fue que realmente necesitaba poner más esfuerzo en mi arte. Pero también sentí esta absoluta sensación de incapacidad abrumadora para actuar ante esta tarea de subir de nivel, tratando de sobresalir de la multitud. ¿ Cómo diablos iba a sobresalir? ¿ Cómo diablos sería capaz de hacer eso? Me sentí horrible por mí mismo comparándome con todos estos artistas que admiraba. Necesitaba un equilibrio. Necesitaba sentirme inspirada al ver lo que hacían otros artistas. Pero no tanto que empecé a sentirme mal conmigo mismo. En el mejor de los casos, la comparación consiste en aprender y mejorarse a sí mismo. En el peor de los casos, solo te hace sentir como basura y detiene tu progreso. Es un acto de equilibrio muy delicado, y no soy experto en ese acto de equilibrio y sigo luchando con la comparación. Incluso luché con la comparación mientras desarrollaba esta clase porque trabajar en tu estilo puede ser un tema muy sensible. No soy experto en conquistar los lados malos de la comparación. Pero quería compartir con ustedes diez cosas que me han ayudado a lidiar con ello. Consumo consciente. Soy consciente de lo inconsciente o sin sentido que el consumo de los medios de comunicación me está haciendo sentir. Después de desplazarme Pinterest o Instagram, ¿me siento inspirado o me siento mal? Cuando noté que mis sentimientos de celos están pateando a engranajes altos, tomaré una desintoxicación en redes sociales. Por supuesto, no necesita ser blanco y negro, o estás usando redes sociales o no estás usando redes sociales. Entenderse a sí mismo es algo realmente importante en esto. Es posible que encuentres que tu hábito nocturno de desplazarse por Instagram en realidad no te está sirviendo para que te sientas inspirado. A lo mejor leer un libro es una mejor manera de darte algo de inspiración creativa mientras te relajas antes de acostarte. Para mí, me he dado cuenta de que soy un poco sensible por las mañanas. Creo que mis mañanas realmente me ayudaron a poner mi día libre, así que realmente evito las redes sociales, correo electrónico o la televisión durante esas primeras horas. No quiero ser bombardeada por lo que todos los demás quieren que haga una prioridad. Ese momento es para mí centrarme para reflexionar sobre lo que quiero fuera del día. También trato de evitar las redes sociales cuando me siento emocionalmente sensible. Si algo me ha molestado o me siento desanimado. En esos momentos, podría ser un poco más sensible a las comparaciones, así que en lugar de ir a las redes sociales, tal vez vea video de YouTube o juegue un juego para relajarme en lugar del pergamino. Evitar la comparación pasiva. También estoy consciente de cuándo asumo la comparación. Para mí, me pareció más útil cuando de inmediato puedo tomar medidas al respecto. A menudo estoy mirando ideas para mi estilo o fotos de referencia cuando estoy trabajando en una pieza o cuando estoy investigando para una pieza que pueda hacer uso de esa comparación de inmediato. La comparación pasiva es cuando a menudo caigo en sentir como, "no estoy midiendo”. Por lo general trato de evitar sólo mirar a mirar. Eres lo que comes. Otra forma en que consigo inspiración artísticamente es que consumo medios que me inspiran, pero no son los medios en los que creo, así que para mí eso es ilustración. Siento muy fuertemente que esto me ayuda a traer una nueva perspectiva a lo que creo, pero también me permite inspirarme sin que me succione en esa trampa de comparación. Mi creatividad es como un pozo, necesito llenarlo de inspiración, necesito llenar el agua. A veces crear será su propia inspiración, pero a veces necesito cebar la bomba, crear en lugar de consumir. Me siento mejor cuando paso tiempo creando, no solo consumiendo, simple como eso. En lugar de jugar en mi teléfono por las noches, tal vez esté mejor jugando con algunas subvenciones o marcadores. Compárenme conmigo mismo. Tomo tiempo para compararme conmigo mismo. Cuando puedo ver ese progreso que he hecho, puedo enorgullecerme de eso. Me tomo tiempo para practicar, sentirme bien con mi arte, admirar lo que he hecho. He guardado obras de arte que he hecho a lo largo de mi vida, y es realmente agradable mirar atrás a mí mismo hace años y años. También es agradable compararme con el trabajo que hice el año pasado. Desplazarse hacia atrás a imágenes antiguas en Instagram es una manera realmente bonita de ver mi progreso. Te animo mucho a guardar tu antigua obra de arte aunque sólo sea por esta sola razón. Lo bonito de compararte contigo mismo es que, puedes ver el progreso y puedes estar agradecido del viaje, del viaje creativo en el que estás. Ver todo el cuadro. Cuando me siento celosa, trato de recordarme que la vida es más que simplemente como lo estoy haciendo profesional o artísticamente. Tengo otras cosas que necesito equilibrar, como las relaciones, la salud mental, la salud física, la familia. Recuerdo que hay más de un aspecto de mi vida por el que estar feliz y agradecido. A lo mejor no soy el artista más popular en Instagram. A lo mejor no tengo la forma más cool de dibujar a la gente, pero también tengo un jardín de patadas trasero, en el que me encanta pasar tiempo y soy mucho mejor manteniendo vivas las plantas de lo que era hace años, y eso me hace feliz y orgulloso. Recuerda, el pasto siempre es más verde. Me ayuda recordar que cuando me comparo con otra persona, no conozco su vida plena. Pueden estar lidiando con un diagnóstico de cáncer, una pérdida en la familia, o tener una multitud de otras cosas, con las que no cambiaría mi vida ahí hay. Eso podría llevarlos a hacer las cosas que están haciendo de las que estoy celosa. Si estoy celoso del éxito de alguien en las redes sociales, tengo que recordar que tal vez estén pagando un costo que no estoy dispuesto a pagar. A lo mejor pasan más tiempo tomando fotos de sus vacaciones donde preferiría estar disfrutando del momento. A lo mejor dedican varios días de la semana a trabajar en sus redes sociales y eso no es algo que yo quiera hacer. A lo mejor les gusta hacer esas cosas más de lo que yo lo haría. Nuestras vidas son diferentes, nuestros impulsos son diferentes, nuestros deseos son diferentes. Eso está bien. No es justo comparar a las personas con las personas. Autovalidación. En última instancia, la mejor manera de alejar esa trampa de comparación knarly es mantener una sana autoestima, reconocimiento externo, cumplidos, y todo eso es maravilloso y grandioso. Pero si una pieza no consigue un montón de likes publicando en redes sociales, aún valoro mi propio trabajo. Sé que he mejorado. Sé de qué partes de este arte estoy orgulloso y eso me importa. No sólo estoy creando arte para compartir con el mundo que estoy creando, para disfrutar del proceso. No soy isla y aún necesito apoyo de otros humanos, así que he trabajado para nutrir y construir relaciones con personas que sí me aman, personas que sí me apoyan y pueden apreciarme. Si actualmente no tienes una gran autoestima, saber que es algo que puedes desarrollar. Si tienes mucha gente que está desalentando tu práctica artística, tal vez deja de compartir con ellos y busca gente nueva con la que compartirla. Después de todo, esta es tu vida, cambia tu perspectiva. Aceptación. En ocasiones el espejo de comparación nos da un reflejo doloroso pero preciso de dónde tenemos algunas debilidades. A veces lo mejor que puedes hacer es aceptarlo. Aceptación no significa que renuncies al progreso. Sí, puede que aún no seas bueno sombreando o anatomía. Eso puede ser cierto, pero ayuda juzgarte a ti mismo y decir: “Soy el peor artista del mundo, apesto, y nada que yo haga resulta correcto”. Bueno ahora sigues siendo un novato en el sombreado y te sientes mal contigo mismo. Simplemente estás empeorando una situación normal. En cambio, puede ser más útil decir, lucho con el sombreado. Sé que esa es una de mis debilidades. Puedo buscar clases y recursos que me ayuden a descifrar para sombrear mejor y practicar eso o voy a practicar el sombreado en mi siguiente pieza o también puedes decir, no soy bueno en sombrear, y eso está bien. Me enfoco en usar combinaciones de colores realmente convincentes en su lugar. autorefuerzo positivo ayuda a progresar más rápido que golpearnos a nosotros mismos. Por el otro lado, acepta tus fortalezas, muchos artistas restan importancia a los cumplidos que reciben. La gente sólo está siendo amable. No se refieren a las cosas bonitas que dicen. No hagas eso. No restaure sus logros, ya sea que eso sea desviar un cumplido o descartar internamente sus propios logros. Disfruta de tu propio éxito, aunque sea solo por un momento, sumérgete en esos cumplidos como un rayo de sol y no los alejes. Enorgullecerse de las cosas que haces bien, te mantendrá sintiéndote alentado a seguir adelante. Acepta cómo te sientes. No ser bueno en algo , apesta, y no se siente bien. Me avergüenzo mucho cuando no soy bueno en algo, que es lo peor. Puede ser frustrante o decepcionante no ser bueno en las cosas. Yo soy una criatura altamente emocional y a veces sólo reconocer o identificar mis sentimientos me ayuda a dejarlos pasar o como diría Elsa, déjalo ir. Cuando siento comparación o no siento que estoy a la altura de donde me gustaría verme, puedo sentir tristeza, vergüenza, impotencia, enojo, vulnerabilidad, vergüenza, decepción, o frustración. Está bien sentirse así. A veces en lugar de simplemente como tener esta inestable sensación de molestia dentro de ti, reconocer lo que sientes puede ser de ayuda. Entonces puedes dejarlo ir y comprometerte a trabajar para mejorar o aceptar esa debilidad. Es más fácil decir: “Oye, solo me estoy sintiendo así”. Esto es solo un sentimiento y pasará y puedes dejarlo ir y seguir trabajando en mejorar o aceptar cualquier debilidad que haya empezado a hacerte sentir de esa manera. 16. Trabajo de varios estilos: Trabajando en múltiples estilos. Uno de los temas más comunes que surge al hablar de estilo es el miedo a quedar atrapado en trabajar solo en un estilo. Como artistas, todos somos naturalmente curiosos, queremos explorar diferentes temas, diferentes suministros de arte, diferentes técnicas; en definitiva, es divertido jugar con diferentes estilos y eso no tiene nada de malo. De hecho, es una parte importante de tu desarrollo artístico. Discutiría, y creo que muchos otros artistas profesionales discutirían, que es realmente importante que tengas tiempo y espacio para la exploración en tu arte. Es especialmente importante al principio cuando te estás familiarizando con una herramienta, una técnica, o iniciando tu viaje artístico. Exploración y experimentación con estilo es cómo encuentras tu estilo. De hecho, si te comprometes a trabajar solo en un estilo demasiado temprano, puedes engorbar tu crecimiento creativo como artista. La importancia del estilo. Pero por otro lado, también existe un beneficio innegable de tener un estilo único, identificable que sea tuyo. Si alguien puede mirar tu trabajo en la naturaleza y ser capaz de decir: “Oh hey, eso es un Brooke Glaser”. O inserta ahí tu nombre. Eso es realmente importante, te ayuda a destacar entre la multitud, te ayuda a ser más reconocible y más popular, es algo realmente importante. Trabajando en múltiples estilos. Tener un estilo consistente o comprometerse con un estilo específico no significa la muerte de tu exploración artística. De hecho, muchos artistas exitosos trabajan en múltiples estilos y hay muchas maneras de acercarnos a eso. No hay manera equivocada ni correcta, esta es tu vida, tu arte, y tu carrera. Examinemos tres formas diferentes a las que puedes acercarte al trabajo en múltiples estilos. Número 1, tenerlo todo bajo una sola marca. Si le echas un vistazo al trabajo de Lisa Congdon, es increíble. Su estilo de representación de retratos y trajes de baño en su libro, La alegría de la natación es bastante diferente a su ilustración digital realizada en Procreate como este ejemplo con su colaboración con el jabón Method. Es una artista muy exitosa. Dos, crea diferentes marcas para tus diferentes estilos. Puede que tenga sentido en algunos casos separar tus estilos en diferentes marcas y creo que Teagan White es un ejemplo increíble de esto. Teagan White crea sorprendentes dibujos detallados de animales que han muerto, y ella los vende como obra original y estampados y pegatinas. También crea estas adorables criaturas del arbolado para productos infantiles bajo la marca Tiny Moth Studio. La vida silvestre es claramente su enfoque. Usa la misma paleta de colores y podría, en teoría, simplemente dibujar estos diferentes estilos bajo su nombre como hace Lisa Congdon. Pero Teagan es realmente inteligente al respecto. Estas audiencias para estos dos tipos de estilos de arte son realmente diferentes y probablemente tenga mucho más sentido que ella divida estos en dos marcas. Personas que están interesadas en el arte de los niños lindos, podrían estar apagadas por imágenes de vida silvestre muerta, y el público que aprecia su autoproclamado enfoque para celebrar la vida y la muerte en el mundo natural, lo cual, ¿no es esa una forma impresionante de describir lo que hace? Bueno, ese público podría no tener ningún interés en los animales de los niños cutie. Número 3, y si todo eso es demasiado para soportar y realmente no quieres comprometerte a permanecer en un estilo específico, quieres ser un camaleón de estilo, eso también está bien. Podrías ser un artista interno realmente increíble y eso puede ser algo realmente valioso para las empresas. Trabajé internamente como artista para una empresa de moda, y comprarían arte a otros artistas y me harían retocar los diseños para que se ajustaran a sus necesidades. A veces tendría que redibujar una flor, o agregar cinco flores diferentes en el mismo estilo pero no exactamente igual, o habría cambiado el tamaño de algo. Ser un camaleón de estilo también es una habilidad. Para mí personalmente, dejé de querer replicar cualquier estilo y quería empezar a trabajar en mi propio estilo, y cuanto más experimentes, más puedes encontrar que esto es cierto para ti, o no lo haces, y eso también está bien, no hay nada de malo en eso. Existen diferentes partes de tu viaje artístico. En un momento determinado, quería ser un camaleón de estilo y solo quería jugar con estilo y luego en otro punto, no lo hice. Eso no es inusual, es normal. Como artista, se te permite experimentar, se te permite evolucionar tu estilo de arte. De hecho, probablemente te vas a aburrir o estancar si no lo haces. La mayoría de los artistas que conozco siempre están creciendo y evolucionando. Incluso si eres un artista establecido, si tienes un estilo establecido, la experimentación sigue siendo una parte sana de ser artista. Constantemente escucho a artistas profesionales con estilos definidos hablando de la importancia de ellos para el tiempo para el trabajo personal, para la exploración y experimentación, y creo que eso es sólo una parte innata de ser artista. Además, los estilos generales también cambian. Al igual que la moda, algunos estilos de arte salen, y también como la moda, todo parece volver siempre pero no tienes que usar la misma moda para todo el resto de tu vida, no tienes que tener el mismo pelo para el resto de tu vida, tampoco tienes que tener el mismo estilo de arte para el resto de tu vida. Si nos fijamos en David Hockney, el infame pintor, inició su carrera en la década de 1960 y su estilo ha cambiado significativamente en las siguientes décadas. Tu estilo va a cambiar y evolucionar. Mi estilo cambió porque el trabajo que estaba haciendo cambió. 17. Consistencia y decisión sobre tu estilo: Hablemos de consistencia. Otra preocupación de estilo común es no poder mantener tu estilo de una pieza a otra. Si sientes que cada pieza que dibujas se ve completamente diferente entre sí, hay un par de cosas que podrían estar pasando aquí. Podría ser simplemente que necesites trabajar en tus habilidades técnicas. Si un cliente quiere contratarte, necesitarás la capacidad técnica para replicar tu propio estilo. Cuanto más entiendas lo que hace ese estilo, como la línea, la forma, la forma, el color, los elementos que pasamos en esta clase, más los entiendes y los puedes ver e identificarlos, más fácil lo hará ser para apartar esos elementos y rehacerlos. Además, entre más práctica tengas con tus herramientas, más confianza y mejor vas a estar en ellas. Si no sientes que puedes replicar un estilo de una pieza a otra, puede ser que no hayas pasado suficiente tiempo trabajando en el lado técnico de tu oficio. Practicando un poco todos los días para que te sientas seguro en los movimientos de tus manos para que puedas predecir la forma en que van a terminar tu círculo y tus líneas, lo haces. Eso es algo que hice mucho al inicio de mi viaje artístico fue simplemente dibujar círculos y asegurarme que en realidad pudiera dibujar lo que pretendía dibujar. Usa y explora tus herramientas para que estés familiarizado con ellas y puedas usarlas cuando lo necesites. Si eres principiante en un nuevo medio o al dibujo, es realmente normal que no sientas que puedes hacer que las herramientas hagan exactamente lo que quieres que hagan de inmediato. Nadie entra al gimnasio y de inmediato puede levantar 200 libras la primera vez. Tienen que practicar sus habilidades y trabajar a la altura. Esos músculos artísticos son exactamente eso. Son músculos. Son cosas en las que desarrollas y te metes mejor. Entonces si no te sientes seguro de tu capacidad técnica para replicar un estilo, sigue practicando. Es algo que se va a hacer más fácil con el tiempo. Todo eso dicho, otra cosa que puede estar pasando es que a veces como artistas, no somos el mejor juez de nuestra propia consistencia. A veces estamos ciegos a lo que es consistente en nuestro trabajo porque es tan obvio para nosotros que ni siquiera pensamos en ello. Si no eres principiante, principiante, le preguntaría a un amigo de confianza si te pueden decir lo que es consistente de tu trabajo, si pueden decir que una pieza de la siguiente es realmente tuya. Esperemos que los ejercicios anteriores hayan ayudado a abrir los ojos para identificar las formas únicas en que dibujas las cosas. Por ejemplo, haciendo esta clase, me di cuenta de que soy muy específico en la forma en que sombreo las cosas y siempre las sombreo de una manera muy cierta, y eso es cierto sin importar el tema que dibuje, o tal vez para ti lo haga es tu uso consistente de contornos a lo largo de todas tus piezas. FOMO o síndrome de objeto brillante. Otra preocupación por la consistencia es FOMO o síndrome de objeto brillante, y siempre estás sintiendo que quieres probar algo nuevo porque podría haber algo mejor ahí fuera para ti. Bueno, si eres tú, te siento. Definitivamente este soy yo también. A veces sólo dibujo para mí y no comparto el trabajo. Pero, ¿cuál es la diversión de eso? Una forma en la que me he acercado a compartir trabajo experimental o trabajo que no es mi estilo habitual es trabajar en realidad en una serie o presentar mis experimentos como una colección en lugar de solo piezas puntuales. Por ejemplo, en octubre, quería limitarme a trabajar en blanco y negro para poder enfocarme exclusivamente en las formas en lugar de depender del color, que es una parte enorme de lo que uso. El color es una gran parte de lo que hago. Tener esas piezas en blanco y negro habría encontrado realmente jarring porque es tan diferente a mi estilo. Lo que hice fue presentar eso como una serie en lugar de solo una pieza puntual. Podría exhibir eso como nueve imágenes en una imagen para que se pudiera decir como, oye, esto es una serie de piezas, o podría ponerlo en mi Instagram y poner seis o tres o nueve así que haya varias piezas seguidas para que se sientan como, esto es una cosa. A mí me gusta jugar con letras y mucho de ese trabajo que es sólo letras exclusivamente puede sentirse jarring cuando se saca de contexto. Alguien va a mi portafolio, podrían ser como, hey, ¿este artista hace letras o ilustración? Pero si agrupo esas piezas en una sola categoría o proyecto en mi cartera como aquí son todas mis piezas de letras, ahora no se siente tan incongruente. A lo mejor esa es una idea de cómo puedes acercarte, probar nuevos estilos sin dejar de mantener algún grado de consistencia en tu trabajo. Abrumar. Si luchas con consistencia porque te sientes abrumado por opciones como no sabes qué paletas de colores te gustan o qué pinceles te gustan más, restricciones creativas tal vez uno de tus mejores amigos. Podrías intentar dibujar el mismo objeto una vez al día para la próxima semana, o decidir que solo usarás uno o dos pinceles para tu siguiente pieza, o comprometerte con la misma paleta de colores para las siguientes tres piezas. Limitar tus opciones en un área te liberará para explorar otros elementos de tu estilo sin tanta presión para conseguir que cada componente sea perfecto. No seas demasiado duro contigo mismo. Si solo has dibujado una persona una vez, no puedes esperar que tengas un estilo de dibujar a la gente. Dibuja a 10 personas y luego ve qué hay en común con esas personas. Si eres nuevo en el arte digital, no debes esperar que sepas qué pinceles te gustan más de inmediato. Tomará algún tiempo y experimentación. Todo esto no sucede de la noche a la mañana para la mayoría de la gente. Seguro que has escuchado eso de otros artistas que admiras. Si no sucede de la noche a la mañana para ellos, ¿por qué deberías ser tan duro contigo mismo para esperar que suceda de la noche a la mañana para ti? Pero lo que ayudará es dibujar tantas veces como puedas todos los días si puedes manejarlo. Para ello, una rutina ayuda. Comprometerse a trabajar a una hora específica en un lugar específico por x cantidad de minutos todos los días. Me pareció útil decidir qué voy a dibujar antes de tiempo en lugar de sentarme a dibujar y luego pasar todo mi tiempo de dibujo tratando de averiguar qué dibujar. Cuando hice mi serie en escaparates, tomé un día para reunir todas mis imágenes de inspiración, y luego otro día para dibujar 10 bocetos. Entonces todos los días después de eso, solo decidí qué boceto sería más divertido de abordar y dejarme trabajar en el que me sintiera más inspirado. También te puede resultar útil unirte a un reto de dibujo. Decidir por tu estilo. ¿ Cómo decidiste tu estilo? ¿ Qué quieres incorporar y qué quieres dejar fuera? Bueno, depende de ti, es tu arte. Pero aquí están las cosas que sugeriría tomar en consideración a la hora de hacer su elección. ¿ Te gusta crear de esa manera? Esto podría ser tanto el proceso como también el resultado final. ¿ Te gusta la forma en que se ve y disfrutas creándolo? Después de todo, así es como estás pasando tu tiempo. ¿ Otras personas, tu público o clientes, atraídas por ese estilo? Si la gente te da cumplidos por tu trabajo y sobre todo cosas específicas, presta atención a lo que mencionaron. Si no tienes una audiencia o alguien que te pueda dar comentarios, puede valer la pena buscar una revisión de cartera pagada. En ocasiones directores o agentes de arte ofrecerán estos en sus sitios web. Alternativamente, no necesitas gastar ese dinero. También podrías preguntarle a un amigo de confianza si estaría dispuesto a compartir qué aspectos de tu trabajo creen que es mejor. Lo más probable es que termines en algún lugar intermedio, haciendo trabajo que amas crear pero también respondiendo a lo que a la gente le gusta ver de ti. Después de todo, tener un refuerzo positivo en nuestro trabajo es una de las formas más alentadoras para seguir avanzando. Hablando de eso, si te resultara útil esta clase, significaría el mundo para mí si dejaras una crítica positiva. 18. Extra: consejos sobre estilo con Gia Graham: En esta lección, voy a estar hablando con Gia Graham, quien es ilustradora y carta de mano con sede en Atlanta. Gia también es una maestra de primer nivel aquí en Skillshare. Pero la razón principal por la que quiero hablar con Gia es que ella también tiene una clase sobre encontrar tu estilo y se necesita un enfoque ligeramente diferente a esta clase. Pensé que sería realmente interesante sentarse y charlar con ella. El estilo de Gia es realmente brillante y audaz. Crea su fondo de isla para influir en los colores vibrantes en los exuberantes florales y follaje que utiliza en su trabajo. Clientes llegan a Gia por comisiones y oportunidades de licenciamiento por su estilo distintivo. Su obra de arte ha aparecido en una gama de productos, desde artículos para el hogar y tarjetas de felicitación hasta portadas de libros e incluso accesorios. Gia, ¿cómo te acercas al proceso de encontrar tu estilo? Bueno, para mí, estilo, no importa qué tipo de estilo sea, si es moda, interiorismo, estilo artístico, todo es una expresión de quién eres. Es una culminación de tus gustos, tus experiencias, tus influencias. Todas estas cosas suelen rebotar en la parte posterior de tu cerebro, pero no eres consciente de ello. Para mí, mi enfoque es primero echar un vistazo hacia adentro. Dar un paso atrás y ser realmente intencional identificar esos gustos y esas experiencias y esas influencias. En la primera mitad de mi clase, realidad ayudo a guiar a los alumnos a través este proceso de autoobservación y este autodescubrimiento. Eso es impresionante. Porque encontrar tu estilo es un viaje, es algo que lleva un tiempo. Entonces pienso en este primer paso como abrir la hoja de ruta a ese viaje y poner tu x a decir: “Estoy aquí”. Porque cuando haces este autodescubrimiento, obtienes tu rumbo para quién eres y dónde estás como creativo y luego a partir de ahí creo que es más fácil avanzar en el camino con intención y luego hacer las cosas prácticas que está explorando nuevas técnicas y formas y estilos de dibujo y todo eso. Pero sí, creo que ese primer paso es realmente echar un vistazo a las cosas que te gustan y las experiencias que has tenido y lo que te ha influenciado y luego puedes avanzar desde ahí. En realidad creo que nuestras clases realmente se complementan bien de esa manera porque cada uno tomamos un enfoque ligeramente diferente. Si los alumnos toman ambas clases, tendrán una buena guía bien redondeada para cómo desarrollar su estilo. ¿ Crees que es necesario tener un solo estilo o crees que el artista puede trabajar en múltiples estilos? Bueno, creo que si el arte es tu hobby, no creo que sea realmente necesario tener un solo estilo, pero si quieres ganarte la vida como artista, entonces absolutamente tener un estilo único realmente puede ayudar tú impulsas tu carrera. Sé que esa ha sido mi experiencia, me hizo más fácil crear una marca de arte, y en realidad, ni siquiera me di cuenta de que estaba desarrollando una marca de arte, estaba tan enfocada en tratar averiguar lo que me gustó con letras e ilustración, lo que no me gustó. Probar diferentes técnicas que con el tiempo, afiné mi estilo y construí una marca de arte orgánicamente. Ni siquiera me di cuenta. Cuando hablo de una marca de arte, sólo me refiero al hecho de que como artista, uno crea una marca de arte cuando tu trabajo está asociado a una estética específica. Lo bueno de eso es que habrá momentos en que los clientes vendrán a ti, te buscarán porque quieren que pongas tu sello único en su proyecto o en su producto o lo que sea. Tengo que decir que hace que mi trabajo sea mucho más agradable porque puedo acercarme a cada nuevo proyecto desde un lugar seguro porque sé que al cliente ya le gusta mi estilo, así que solo puedo enfocarme en implementar mi voz creativa a lo que sea ese breve creativo. Cualquiera que sea ese proyecto que me han traído es. El otro bono de desarrollar tu estilo es que puedes crear un portafolio del que realmente estás orgulloso. Recuerdo cuando era diseñador gráfico hace muchas lunas, quería cambiar de trabajo, así que estaba en proceso de juntar un portafolio y me encontré con que realmente estaba luchando con ello porque todo se sintió tan desarticulado. Estaba haciendo diferentes proyectos para diferentes clientes y todo se veía completamente diferente el uno del otro. Pero ahora, en realidad estoy trabajando en reconstruir mi sitio web en este momento y lo que es tan maravilloso es que a pesar de que tengo trabajo de diferentes clientes, hay una cohesión a pesar de que cada proyecto es diferentes y todos los proyectos no se ven igual, ahí está el through line de mi estilo ahí. Mi cartera ahora se siente como si todo viniera de la misma persona. Sí, tan guay. ¿No es sólo ver todo el cuerpo del trabajo por completo, es realmente emocionante. Lo es. Me encanta. ¿ Qué le dices a alguien que lleva unos meses explorando su estilo pero todavía no puede encontrar su estilo? Sí. De hecho obtengo mucho esta pregunta y tengo una respuesta que podría no ser tan popular. Simplemente lleva tiempo. Tiempo y práctica consistente. No es algo que puedas obligar a que suceda de la noche a la mañana. Yo diría que puedes entregarte hasta un año para practicar constantemente explorando cosas nuevas y durante el transcurso de ese año, comenzarás a ver emerger un estilo si eres consistente e intencional sobre su práctica. También es súper importante dar un paso atrás vez en cuando y echar un vistazo al trabajo que has estado creando, tal vez cada dos o tres meses. esto lo llamo hacer una auditoría de arte y creo que es una práctica realmente útil. me encanta. Te voy a dar una analogía, así que veamos como una planta de casa. Vas a la tienda, compras esta planta de la casa, la traes a casa, estás súper emocionada por cuidarla, eres diligente en regarla y nutrirla y todo eso, y día a día, realmente no notas mucha diferencia en la planta. Pero si te saltas hacia adelante un año y estás haciendo tu mantenimiento diario y todo eso, y decides: “Vale, bueno, déjame ver esta foto que tomé hace un año”. Si pones los dos de lado a lado, miras la foto de la planta y estás viendo la planta frente a ti, entonces es cuando te das cuenta, “Oh, realmente está crecido”. No ves esos cambios de manera incremental a partir del día a día, pero si haces una pausa por un momento y das un paso atrás y obtienes ese panorama más amplio, podrás ver tu progreso. Lo mismo vale para tu práctica artística. Si eres diligente e intencional con tu práctica, retrocede cada pocos meses y podrás ver ese crecimiento que no estabas notando día a día. Es una buena manera de mantenerte motivado también porque cuando das un paso atrás y miras cómo has crecido, podría ser solo una pequeña cosa que te hayas dado cuenta. Pero ver que esos cambios suceden ayudará a animarte a mantenerte en ello. Por el otro lado, si compras una planta y la traes a casa y eres esporádico sobre cuidarla, regas esta semana y estás genial cuidándola esta semana y luego te olvidas al respecto por un par de meses y luego vuelves a ello. Se va a morir. [RISAS] Definitivamente no crecerá, probablemente morirá. De la misma manera, con tu práctica artística, si eres laxa al respecto y te rindes en ella, después de un mes o te saltas unas semanas y luego vuelves, entonces tu estilo no crecerá. Creo que es realmente importante seguir con ello manera consistente y tener esa consistencia a lo largo del tiempo. Sí, me encanta esa analogía. Yo mismo soy un fan de planta de casa grande así que [RISAS] tiene mucho sentido. Lo mismo. Es gracioso, tengo bastantes fotos y estoy como, “Wow, no puedo creer cuánto ha crecido esto”. Eso es súper cierto, como incluso para mí como alguien que siento que he establecido un estilo, pero luego un año después puedo mirar hacia atrás y ser como, “Wow, las cosas realmente han evolucionado. Está realmente crecido”. No necesariamente siempre es como un cambio loco. Pero me vuelvo más fuerte en lo que hago. Absolutamente. Me alegra tanto que dijeras que no es un cambio loco porque a veces no va a ser un cambio loco, pero podría ser suficiente de un cambio para empujar tanto más tu creatividad. Eso fue tan genial. Muchas gracias Gia por tomarse el tiempo para platicar conmigo hoy. Si aún no lo has hecho, asegúrate de revisar la clase de Gia que se llama Encuentra tu estilo, Cómo desarrollar tu propia estética de letras. Si no lo estás ya, asegúrate de seguirla en Skillshare para que puedas ser notificado cada vez que publica una nueva clase. 19. Notas finales: Antes de repasar algunas notas finales, quiero decir un gran agradecimiento y felicitaciones, lo lograste a través de esa gran vieja clase. De verdad aprecio que pases todo ese tiempo conmigo. Si disfrutas de la clase, quiero pedirte un favor, ¿por favor dejarás una reseña positiva de la clase. Tu aliento realmente me mantiene en marcha y me inspira a seguir haciendo de estas clases lo mejor que puedo, incluso un simple agradecimiento por la clase en la pestaña de discusión me da las calurosas. Me encanta ver lo que haces y a menudo destaco proyectos estudiantiles en Instagram. Me pueden encontrar en papelplaygrounds. Si quieres que comparta tu trabajo, asegúrate de etiquetarme en paperplaygrounds y usa el hashtag, dibuja con Brooke, si te interesan los pinceles digitales que uso, tengo una lista de pinceles que Te recomiendo en mi página web. Si te interesa más clases tanto del lado empresarial como creativo al ser artista, tengo clases sobre cómo ganarme la vida como artista, productividad para artistas. También tengo clases sobre cómo usar Procreate, cómo dibujar, teoría del color, y más. Podrás encontrar todos estos en mi página web o en mi perfil de Skillshare. Si tienes preguntas, la mejor manera de conseguir que se respondan es dejarlas en la pestaña de discusión. Lo impresionante la sección de discusión de la clase es que si alguien más tiene la misma pregunta, pueden ver mi respuesta de inmediato. Quién sabe, echa un vistazo y mira si alguien más ha tenido la misma pregunta que tú. Todos ustedes son cookies inteligentes y hacen preguntas realmente inteligentes. Muchas gracias por unirme a mí y felices creando amigos del arte.