Encore en vivo: como crear anticipación en animación

1. Introducción: Me encantan los mensajes simples y fáciles de entender, y creo que la anticipación es ese elemento que también trae eso a las animaciones. Dar a la gente pistas de lo que se supone que deben esperar y es ayudar a que el mensaje se comunique mejor. Soy Bee Grandinetti y soy brasileña nacida y criada, directora de animación, diseñadora, animadora, ilustradora, titular de cosas en el medio, y actualmente trabajo y vivo en Londres. Si no conoces mi trabajo, siempre puedes ir a mi página web, beegrandinetti.com. Es un montón de cosas coloridas, felices, peculiares en su mayoría. También soy profesora en Skillshare. Tengo esta clase llamada Character Animation Basics, luego pendiente combinando After Effects en Photoshop. En la clase de hoy vamos a hablar de anticipación, que es uno de los 12 principios de la animación. Pero escogimos una y vamos a profundizar un poco más en ella. Elegí la anticipación, creo, porque podría ser uno de mis principios de animación favoritos. Distingue también la animación realmente buena de la mala animación, y cómo tiene el poder de levantar la animación creando más contrastes, creando un mejor tiempo. Les estaré contando chicos sobre anticipación, les voy a estar mostrando algunos ejemplos, vamos a estar hablando de esos ejemplos también, entonces les voy a mostrar brevemente cómo pensar la anticipación y te muestran un ejemplo en After Effects, que podemos seguir y hacerlo tú mismo también. Voy a tocar brevemente eso y el proceso en Photoshop también. Algo a destacar es que esta sesión fue grabada en vivo, por lo que yo estaba interactuando con los alumnos en el chat y respondiendo a las preguntas que tenían en el acto. Basta de hablar. Espero que nos diviertas y espero que aprendas o hagas algo hoy. Anticipo que va a ser bueno. 2. Principios de la animación: Hola a todos. Yo soy Becca. Trabajo en Skillshare. Estoy en el equipo de clases y contenido. Estoy muy emocionado de estar hospedando hoy esta sesión que estará en animación. Sin más preámbulos, me encantaría pasárselo a B. Para que empecemos. En primer lugar, sólo quería agradecerles a todos por dejarme ser su maestra hoy. Es decir, esto va a sonar muy cliché, pero sí me encanta conseguir las oportunidades y experiencias para enseñar porque sí aprendo tanto cuando enseño a mis otras personas también. Sí. Entonces como dije, nací y crecí en Brasil, y estudié diseño gráfico durante 4 años en Brasil. Después fue a Suecia, y estudió diseño de movimiento durante 1 año, y desde entonces, así que ya ha sido desde hace 6 años, he estado trabajando con animación. hoy vamos a estar hablando de anticipación, que es uno de los 12 principios de la animación. Fue realmente una locura para mí cuando empecé a aprender animación que nadie realmente me enseñó. Nunca escuché en un principio acerca de estos 12 principios de animación, que me parecen realmente locos porque es como si estuvieras aprendiendo sobre Ilustración y en serio estás aprendiendo a dibujar a la gente. Nadie te habla de principios y proporciones anatómicas. Yo soy un gran creyente de que para ti, los pasos es que conoces las reglas, dominas las reglas, y luego rompes las reglas. Estos son los principios básicos, las reglas básicas de la animación que debes estar aprendiendo, deberías estar obteniendo esos principios y luego puedes voltear los principios. Estos 12 Principios de Animación, fueron introducidos originalmente por estos dos animadores de Disney; Frank Thomas, y Ollie Johnston. Lanzaron este libro en los años 80 llamado La ilusión de la vida, que más o menos estaba contando la historia de cómo se juntaron los estudios Disney, y todos los métodos y procesos que se les ocurrió a lo largo de 50 años de desarrollar animación desde cero. Entonces en este libro muestran toda la historia y también estos 12 Principios de Animación, que encontraron que son las reglas de fondo para desarrollar una buena animación y darle a la animación este sentimiento mágico, esta ilusión de vida. Esta es la lista de los 12 principios de la animación. Esto son puntos para que tengas cuidado y herramientas para realmente hacer que tu animación cobre vida y mejore tu animación. Llevo 6 años trabajando con la animación, y no los conozco de memoria. Si me preguntas, no voy a poder recitar como el número uno, esto. Pero esto es algo a lo que siempre vuelvo. Estoy aprendiendo los niveles de profundidad, de todos estos principios diferentes. Cuanto más experiencia obtengo, más reviso también esos contextos, más entiendo todos esos principios. No creas la expectativa de que necesitas conocer todos los 12 principios y conocerlos de memoria. Esto es algo que vas a estar aprendiendo continuamente, y aprendiendo a llevar esos a tu trabajo, y entendiendo también todos los diferentes niveles de cada uno de esos principios dentro de tu trabajo. Pero creo que es solo importante que sepas que existen, y que siempre puedas volver a ellos siempre que necesites un poco de refresco, siempre que estés considerando ¿cómo puedo hacer esto mejor? Estas son herramientas muy importantes para que siempre vuelvas a. Desafortunadamente, hoy tenemos una sesión muy apretada por lo que no podemos hablar a detalle de todas ellas, pero vamos a estar hablando del número 2: anticipación. Pero les recomiendo encarecidamente que den un Google veloz en 12 Principios de Animación después. Este primer video que marqué en rojo por Alan Becker. Da una visión muy resumida, increíble de todos los 12 principios y con ejemplo animado. Por lo que es sólo un resumen realmente bueno, fácil de entender. Si solo googleas 12 Principios de Animación, también vas a encontrar contenido realmente increíble de todos los 12 principios. Otra pieza o recurso que me gustaría realmente recomendar. Esta es mi primera biblia de animación número 1 a la que siempre vuelvo. Piensa que este libro fue lanzado alrededor de principios del 2000 por Richard Williams, que fue el Directorio de, “Quién enmarcó a Roger Rabbit”. Este libro es mi Biblia de animación personal. Sé que mucha gente también lo usa así, pero tiene muchos consejos y trucos. Cubre los principios de animación, pero también muy fuertemente en la animación de personajes también. Siempre vuelvo a ello cada vez que intento explorar algo que no he hecho antes, especialmente conectado a la animación de personajes. Entonces éste es definitivamente un must have, siempre consultándolo en mis estantes. Intro. Ahora, yendo al tercer negocio, hoy vamos a hablar de anticipación. 3. Por qué es importante la anticipación: hoy, opté por centrarme más en las anticipaciones. Vamos a hablar de por qué eso es importante y mostrar un par de ejemplos también. Muy temprano en los días en que los chicos empezaban a experimentar con la animación, ¿cómo funciona? ¿ Qué funciona para el público? ¿Qué no funciona? Era una nueva forma de arte, y estaban entendiendo lo que funcionaba y lo que no funcionaba. Descubrieron muy temprano que el público no necesariamente podía seguir fácilmente la animación, a menos que hubiera una serie planificada de eventos que llevaran la vista. En ocasiones, cuando las audiencias estaban viendo animación, realmente no podían entender el mensaje. Para cuando vieron algo como eran, pero ¿qué fue eso? Entonces fue demasiado rápido para que entendieran lo que estaba pasando, y así fue como llegó a ser la anticipación de la animación. Se dieron cuenta de que las acciones en animación ocurrieron muy rápido. Por ejemplo, lanzar una pelota puede tardar sólo dos o tres dibujos en completarse, cual definitivamente no es tiempo suficiente para que el público simule lo que está sucediendo. No obstante, si el personaje antes de lanzar la pelota, el personaje termina, hace una pausa, y luego lanza la pelota. Eso hace que toda la acción sea mucho más clara para el público. Ejemplo de la vida real, se ve a este tipo lanzando un beisbol, pero antes de que lo arroje, reúne toda esta energía, el cuerpo va en la dirección opuesta. Se arrastra, luego extiende el brazo, y luego lanza. Porque hay este momento, esta preparación para la acción, en sentido contrario, la acción se hace mucho más fuerte y se tiene tiempo para asimilar lo que está pasando. Este es uno de los ejemplos más obvios y más utilizados de anticipación. Lo hemos visto como a lo largo, todo el tiempo en animación también. Un ejemplo que fue parte de mi infancia, no sé si fue parte de tu infancia también, pero fue esto, el famoso poke-ball lanza. Pero casi siempre son el mismo principio, antes de lanzarlo, terminas, recoges la energía, haces esta icónica pose súper poderosa, y luego la tiras. Todo se trata de reunir suficiente energía, conservarla, y luego se crea suficiente tensión en contraste para que el público sepa precisamente lo siguiente que va a suceder, que es el lanzamiento y el lanzamiento. Anticipación es esta preparación para una acción. Se lleva a cabo en casi todas las acciones, pero ciertamente en cada acción grande. ¿ Por qué agregamos anticipación en animación? Porque da una pista de lo que va a pasar a continuación. Ayudó a guiar el ojo del público en la dirección correcta, por lo tanto, ayudándoles a entender también el mensaje, que se ha comunicado. Ayuda a que la acción se lea mejor. Crea contrastes y tensión entre las diferentes poses corporales, por lo tanto amplificando también la acción. Hace que la acción sea más realista y creíble al agregar una sensación de peso, de fisicalidad, al agregar también mecánica corporal, y a veces también nos da una idea de lo que piensa el personaje. Porque muchas veces antes de que realmente hagamos una acción, pensamos en ello. Cuando pensamos en no es como nuestros cuerpos están perfectamente quietos. Cuando lo piensas, tenemos diferentes expresiones faciales, diferentes expresiones corporales. Esta preparación también va a interferir en cómo posamos ante nuestros cuerpos también. Si hay algo que quiero que ustedes tomen de la sesión de hoy, y yo estaría realmente feliz si eso es lo único que podrían ver desde la sesión de hoy, es encender su radar y empezar a ver la anticipación en lugares. No sólo en animación, la anticipación está literalmente en todas partes. Siempre que estás contando una historia, hay anticipación, porque la anticipación es parte de crear ritmo. Hay anticipación en la música, hay anticipación en las películas, anticipación en la coreografía. La anticipación está en todas partes. Todo se trata de crear esa diferencia de energía y crear la bodega y la liberación. todo caso, si ustedes acaban de salir de la sesión de hoy con su radar encendido un poco y comenzaron a avisar la anticipación aquí o en este divertido video de gato, por eso es gracioso. Porque hay un poco de anticipación antes de que el gato deje caer el vaso en el piso o algo así. Eso ya es, creo, una gran victoria. Si es [inaudible] notar esas cosas. 4. Ejemplos de anticipación: Yo quería mostrarles un par de ejemplos, en piezas animadas, y yo estaba como, bueno, apuesto a que si google como regalo de Disney, voy a encontrar muchos buenos ejemplos porque en el momento en que tengan su radar encendido, pueden especie de anticipación puntual en todas partes. Por ejemplo, en este tiro de Aladino, dos momentos muy obvios de anticipación, quiero decir, si realmente lo analizas, puedes encontrar anticipación casi en cualquier lugar, pero dos momentos, por ejemplo, este tipo está a punto de dar un gran hit con su espada, y se puede ver que aquí, su compañero se curva como un c invertido justo antes de lanzar el gran golpe con su espada, y esto está creando como una gran anticipación antes del gran hit. Otro momento que vi así, Aladdin justo antes salta a este lado, se puede ver que su cuerpo se apaga y va un poco hacia abajo, esta anticipación es muy sutil un poco más ligera, pero se puede ver que va un poco abajo y aplasta antes de hacer el salto a este lado. Realmente me encanta este ejemplo cuando lo vi porque es sutil anticipación, pero también es como cuando la anticipación puede ayudar a construir el sentimiento cómico en una escena también. Por lo que se puede ver cuando el genio está contando sus dedos y Sebastián va en la mano y va en la dirección opuesta, y está contando, contando y luego justo antes de que las cosas empiecen a ponerse un poco absurdas, entre tener como múltiples dedos, hay una anticipación más grande. Entonces su mano va un poco más arriba para una pausa más larga, y luego está como, y esa es la alegría de la anticipación ahí mismo, además de crear como esa pausa para que se comuniquen después, sólo tienes que ir. Esa es otra forma en que puedes usar la anticipación para amplificar ese momento divertido. Otra de Lion King, y aquí se puede ver esta hermosa jugada de Ben simplemente lanzando sus caderas al frente, que es como una perfecta, si hicieras una pausa en este marco podrías dibujar perfectamente como esta forma de C, pero justo antes de que se ponga en esta forma de C, va en lo extremo opuesto, va en este C invertido con como su fondo yendo atrás, es igual que extremos opuestos como posiciones corporales, y eso es lo que nos hace tan divertidos. Eso es lo que lo hace realmente bueno. Eso es lo que hace que se sienta bien también. Tienen esta muy contrastante opuestos, especie de posiciones corporales. Todavía en Disney, aquí se puede ver esto grande, poderoso sucede porque Simba es como juntar todo este oxígeno en su pecho. Se está hinchando todo, levantando su cuerpo y eso es inmediatamente seguido por él inclinándose y se puede ver lo que está a punto de hacer. Aunque no viéramos el rugido, se podría anticipar lo que está a punto de hacer. En una nota muy similar, aquí tenemos esta de Mulan que sí. No es tan extremo como el símbolo uno, es un poco más sutil, pero se puede ver que prácticamente hace lo mismo antes ir gritándole a este pequeño dragón. Ella va un poco atrás, reúne la energía, se la puede ver en su cara se está enojando y luego anticipas, ya sabes cuál va a venir al dragón. Pero muy similar dinámica ocurriendo con Simba dude y Mulan también. Entonces solo también para aclarar y darles más ejemplos chicos. Pasé por una pareja. Acabo de pasar por mi portafolio y estaba como, oh, me pregunto qué puedo mostrar aquí que son ejemplos de anticipación. Pasé por algunas cosas muy viejas como esta es una de las primeras cosas que he hecho cuando era independiente como hace años. Fue gracioso notar porque venía con este ojo crítico de como tratar de encontrar momentos de anticipación que serían buenos ejemplos para ustedes, pero en realidad cuando estaba animando esto, no fue como si lo hubiera hecho conscientemente, como, oh, necesito incluir aquí la anticipación. Fue más como si acabara de agregar esos momentos porque se sentía derecho al mensaje y se sentía derecho a la actuación, pero era mucho más como una cosa natural en lugar una consciente como necesito agregar anticipación. Lo cual es gracioso ver cómo aún a veces lo hacemos bien, a pesar de que quizás ni siquiera seamos conscientes al respecto. Pero por ejemplo aquí se puede ver que papá se acerca en la escena, y luego puso la mano alrededor de la cintura, eso es una gran anticipación. Al igual que puso la mano alrededor de la cintura y lo ves mirando al chico como, oh sí, está a punto de decirle al niño algo así como que está investigando la escena. Entonces se puede ver al niño levantando la mano. Totalmente no tenía que hacerlo, como quién hace eso antes de tomar un trago? Eso es muy caricatura, pero eso te ayuda a ver de verdad que está a punto de tomar la bebida, y agrega mucho como, sí, solo hace que el momento sea mucho más divertido también. Otra tercera, poca anticipación que sucede es que los muertos realmente sin embargo ahora reúne la energía antes de que sus agravios aspiran, lo que la hace súper, súper caricatura y divertida, simplemente no, y luego empieza a aspirar. Para la gente de gráficos en movimiento. Porque muchas de las cosas en mi portafolio hoy en día han sido más animación de personajes, así que quería traer un ejemplo temprano que esté más conectado a los gráficos en movimiento porque la anticipación y como dije, está en todas partes y así por supuesto, gráficos de emoción también. Este es un par de animaciones que he hecho para el Sydney Writers Festival hace algunos años. Aquí puedes ver un par de ejemplos de anticipación y cómo jugar con el ritmo y establecer ese contraste y esa tensión también te ayuda a cortar y transitar entre diferentes, diferentes momentos y es casi como si pudieras utilizar la anticipación como desencadenante de un cambio de estado. Por ejemplo, aquí ahora va a haber escala hacia abajo y luego explotas con todas esas formas. Eso es reducirse, viniendo con una ráfaga después. El escalar hacia abajo es la anticipación que ayuda a comunicar ese sentimiento de ráfaga, y luego, déjalo solo espacio por un rato, y luego cuando tengas el, ahora que están saltando, ese último salto a las seis un rato, que crea una enorme anticipación y estás esperando algo suceda en el momento en que golpee el, ¿cómo llamamos a esa pequeña señal? Se me olvidó, perdón el nombre en inglés, pero cuando el letrero golpea el suelo, esperas que pase algo. Ese es otro ejemplo de anticipación. En este pequeño tiro, un par de ejemplos diferentes aquí. Antes de que arroje la raqueta al aire, anticipa yendo en dirección opuesta y luego la lanza, y luego hay una larga anticipación, muy extrema, incluso como momentos de cámara lenta que igual que realmente van por la raqueta y luego como el ping-pong, el tiro se vuelve mucho más intenso porque hay una gran anticipación justo antes de eso. Ejemplo clásico también que todos dan, cuando enseñar anticipación es el salto. Simplemente no saltas de la nada, necesitas recolectar algo de energía, y es por eso que antes de saltar, todos flexiona sus rodillas porque estás recolectando energía yendo en dirección opuesta antes de que salten. En este caso es un poco cuadrado, no tiene rodillas, por lo que, por lo tanto, tiene un poco de squash y luego crea suficiente energía para saltar. Sólo uno que se parece más basado en el tiempo y el espaciado de los dibujos, pero ves a este pequeño planeta desacelerándose, trae esto bajo y luego te sueltas, va a caer sobre el agujero negro y luego cae. Un ejemplo muy sutil, super sutilmente de anticipación esta mano que viene y quita la tapa de la barbacoa, no tuve que hacerlo, pero cuán sutil anticipación puede ayudar incluso como el movimiento más pequeño lee un poco un poco mejor. El final entra como empuja un poco el plomo hacia abajo, haciéndolo aplastado un poco hacia un lado y eso ayuda a crear aún más contraste en el momento en que se retira la tapa. Anticipas que la tapa se va a quitar antes de que lo haga. Este pequeñito, rodando corazón regordete. Ya sabes, cuando ya se inclina hacia adelante, puedes decir lo que está a punto de hacer. Creo que aquí también la anticipación juega un papel en sólo hacer vea más divertido porque parece muy lento y un poco engordado y como, oh sí, es muy lento para moverse y está rodando. Ejemplo clásico, esta pequeña medusa, va en un muy, abre con forma completamente opuesta como cuerpo incluso, se baja y se abre, y luego se reúne la energía para subir, tan grande anticipación aquí. Se trata de dos anticipaciones más grandes aquí en este momento. Es interesante cómo a veces, y con la animación de personajes, las cosas pueden ponerse muy detalladas y preparándose, y más complejas cuando se trata de anticipación, porque hay mucha anticipación de que se puede comunicarse incluso con rasgos faciales. Se puede ver que esta chica Está mirando a estos tipos como, no sé de ellos, y luego primero mira las flores así que ya te está guiando los ojos y diciéndote como, esta es la dirección que voy a ir. Primero mira y luego se va, y luego se puede ver su mano yendo hacia atrás, y ya sabes lo que está a punto de pasar en el siguiente tiro, como si estuviera buscando la planta. Por lo que hay dos pequeñas anticipaciones diferentes. Ella mira las flores, se arrodilla, y luego vuelve con la mano como si yo fuera a recoger la flor. Ya basta de mí divagando. Esa fue una larga intro. Entonces lo que vamos a hacer hoy es que vamos a hacer una práctica rápida de crear anticipación en animación usando after effects, y si tenemos tiempo suficiente, también voy a hacer una demo rápida en Photoshop y mostrar ustedes chicos un poco de práctica en Photoshop también. Hagámoslo. 5. Crear movimiento básico: Vamos a empezar con poco ejercicio de exhibición haciendo un salto cuadrado dentro de After Effects. Primero voy a crear esta primera plaza, sólo moviéndome arriba y abajo sin ninguna anticipación. Empecemos un nuevo proyecto, y voy a dar click en iniciar una nueva composición. Vamos a empezar una nueva composición, y voy a convertirla sólo en la alta definición estándar, así que 1920 por 1080. Voy a ponerlo en 24 fotogramas por segundo porque esa es la relación tradicional de fotograma por segundo. Voy a poner tres segundos y voy a poner mi color de fondo poner esto en blanco. No te importa esta cosita de aspecto de píxel. Aquí vamos. Tenemos nuestra composición. Hoy, lamentablemente porque tenemos un tiempo tan limitado, no voy a pasar por eso profundamente en interfaz y línea de tiempo y explicando todas esas cosas, pero me sumergiría un poco más en mi otra clase. futuro también hay montones de otras clases que son más básicos de After Effects. Pero ya que hoy tenemos que enfocarnos un poco más en la exposición y ser más rápidos en el negocio, me voy a sumergir directamente en ella. Lo que voy a hacer ahora es que voy a crear una plaza. Aquí tienes tu menú con todas tus herramientas. Voy a crear una plaza. Estoy presionando aquí, aguantando aquí se pueden ver todas las formas. Voy a seleccionar la herramienta de rectángulo. Antes de crear el cuadrado, algo que siempre es bueno hacer es, no siempre pero la mayoría de las veces, es pulsar opción, si estás en un Mac o presiona Alt y luego arrastras. Entonces también puedes presionar shift si quieres que tu cuadrado sea regular, pero si solo quieres dibujar un rectángulo, solo puedes soltar shift, y dibuja un rectángulo. Voy a dibujar una plaza. El motivo por el que presioné Alt es que, si lo dibujo presionando Alt, me da acceso a esta cosita de camino, que va a demostrarse ser muy útil después. Porque lo que pasa si no dibujo mi cuadrado sosteniendo Alt es esto. Realmente no tengo acceso al camino de la manera que quiero, pero vamos a llegar a eso. Mientras tanto, sólo confía en mí, cuando te digo, presionas Alt u Option, arrastras y presionas shift también para crear un cuadrado regular, y luego sueltas. Voy a llamar a esta plaza 1. Acabo de presionar enter para cambiar el nombre de esta capa cuadrada 1. Yo sólo voy a poner el grosor a 10. Entonces solo voy a encomiar, haga doble clic en esta herramienta, este pequeñito para llevar los puntos de anclaje al centro de mi forma. Entonces lo que vamos a hacer hoy es hacer este salto cuadrado, súper simple. ¿ Cómo haríamos un salto cuadrado? Tenemos que establecer posición para el cuadrado, y tiene que estar en el suelo en algún momento, y necesita ser más alto en otro punto. Lo que voy a hacer es aquí. Déjame solo hacer la línea de tiempo un poco más grande, tal vez no quiera hacer eso. No quiere hacer eso. En fin, voy a ir a un segundo. Aquí en mi forma, ya ves tenemos este precioso menú desplegable. Si no estás familiarizado con After Effects, es muy similar, solo cosas de Adobe en general como los sistemas de capas, algunos de los atajos. Sé que podemos parecer un poco desalentadores al principio porque tiene muchos paneles y todo eso pero estoy aquí. Te voy a agarrar de la mano. Vamos a hacer esto. Vamos al poder a través de esto. Sólo un pro tip, si alguna vez te metes o preguntas cómo se ven los paneles y tal vez se te cayó esto al lugar equivocado y estás como, “no sé cómo navegar por esto”. Siempre puedes venir al espacio de trabajo de ventana y luego voy a poner animación. Entonces solo llegas a los paneles de animación estándar, que no tengas que entrar en pánico si alguna vez pones las cosas en el lugar equivocado y todo eso. De todos modos, volviendo a hacer nuestro pequeño salto cuadrado. Aquí tenemos nuestra forma, y aquí tenemos este precioso menú desplegable, como les dije chicos, con mis propiedades rectangulares. Pero lo que realmente me interesa es esta transformación, segundo menú desplegable aquí. Aquí puedes ver hay todas estas encantadoras propiedades desde mi plaza que puedo cambiar alrededor. Puedo cambiar la escala de mi cuadrado. Puedo cambiar la rotación de la misma. Puedo cambiar la opacidad y puedo animar todas esas cosas también. Lo que voy a hacer es, voy a establecer un fotograma clave. Voy a mover a este pequeñito aquí a un segundo, y voy a fijar el fotograma clave para la posición aquí. Cómo configuro fotogramas clave es pulsando este pequeño cronómetro aquí. Entonces voy a pasar a un segundo y medio, y presionar flecha de turno hacia arriba, y voy a mover mi plaza hacia arriba. Se puede ver que automáticamente ya genera un segundo fotograma clave aquí porque el programa ya entiende, no puedo borrarlo. El programa ya entiende que si muevo esta forma, y me refiero ya en un momento diferente de mi línea de tiempo, ya entiende que quería estar en otro lugar. Entonces la magia de After Effects es que, si pongo este fotograma clave aquí, y este fotograma clave aquí, se puede ver que ya genera toda esta información de animación media que va a mover mi plaza de un punto a otro. Eso se llama interpolación. Es como si el programa estuviera calculando todos esos diferentes lugares y posición en la que quiere que esté mi plaza. Voy a ponerlo alto, y voy a bajarlo otra vez. Aquí me gusta literalmente simplemente arrastrar y soltar, comando C, copiar este fotograma clave, vino aquí a dos segundos, comando V o control V, si estás en Windows, y luego copia el fotograma clave aquí. Aquí tenemos una plaza, una especie de salto. ¿ De verdad es? Es muy cojo. Se está moviendo. Sé que cuando empezamos a animar, nos emocionamos mucho cada vez que conseguimos que una cosa se mueva, pero eso no significa que no pueda mejorar, y eso es lo que buscamos. 6. Mejorar los tiempos y espaciados: Ahora vamos a crear un segundo cuadrado, basado en el primero, pero el segundo tendrá un mejor tiempo y un mejor espaciado. Lo que voy a hacer ahora, es que voy a copiar a este tipo. Primero solo voy a seleccionarlo y presionar “U” y eso me da acceso a todos los fotogramas clave que he puesto para esta capa específica. Entonces voy a dejar aquí a este tipo. Voy a mandar o controlar si en Windows, “Comando D”, pulsa “U” de nuevo. Estoy copiando esta plaza y voy a seleccionar toda mi posición, los fotogramas clave para este tipo. Desplazar la flecha derecha hacia un lado, que podamos comparar los cambios que vamos a hacer entre los diferentes cuadrados. Ahora, una cosa de esta manera, déjame empezar con esta, para que podamos verlo. Se mueve arriba y abajo. Pero el problema con este movimiento es que, es extremadamente lineal. No hay diferencia de velocidad en este movimiento en absoluto. Algo que siempre recomiendo a la gente hacer es como, siempre que estés intentando hacer que algo se mueva, hazlo con tu cuerpo. Hazlo con las manos, si estás haciendo algo saltar, hazlo con la mano, como ¿cómo saltaría ese? ¿ Cómo se comportaría el espaciado del tiempo de tu acción en ese momento? Si estás saltando, ¿cómo se ve normalmente? Vas a estar como quedarse un poco más en el aire y luego tú. Entonces lo haces un par de veces, con tu mano, tu cuerpo si puedes. Depende de dónde estés. Si estás en un estudio, y puedes hacerlo con tu cuerpo completo, depende de cómo estés también. Si puedes hacer cuerpo completo, eso es aún mejor. Entonces lo que vamos a probar aquí, es que esto sea un poco más creíble. Vamos a tratar de que esto se quede aquí en el aire un poco más de tiempo y ver cómo se siente. Voy a tomar mi segunda plaza. Voy a seleccionar uno de los fotogramas clave aquí, este medio y esta es la magia de las secuelas se llama el editor de gráficos. Una vez que tienes un fotograma clave seleccionado y haces clic aquí, aquí es donde puedes cambiar la velocidad entre tus fotogramas clave. Se puede jugar con las curvas. Si tu editor de gráficos no viniera así, podría haber venido así. Por lo que a veces, hay este otro editor de gráficos que es el valor. El gráfico de valores. Acabo de hacer clic derecho. Aquí puedes ver como puedes cambiar entre el gráfico de velocidad o el gráfico de valores. Honestamente, como jugar con cualquiera de estos es muy personal. Encuentro que los cerebros de las personas funcionan de manera diferente. No puedo envolver la cabeza alrededor del gráfico de valores. Yo soy una de esas personas. Soy una persona de grafo de velocidad. Mi cerebro trabaja con la velocidad de las cosas. Eso es lo que les voy a enseñar hoy chicos. Pero siéntete libre de experimentar alrededor y ver cómo entiendes y emita mejor. Pero lo que voy a hacer aquí es que, voy a conseguir este fotograma clave medio, donde la plaza está arriba. Voy a poner una facilidad fácil y ¿qué pasa aquí? Me da esas asas y puedo ajustar la curva de velocidad. Yo sólo voy a ponerme muy extrema. Puedo mostrarles chicos, lo que está pasando aquí. Si piensas en esto como un gráfico de velocidad, lo que esta información aquí me está diciendo es que, este movimiento va a empezar realmente rápido y luego aquí en el medio se va a poner varios lentos y luego volverse rápido de nuevo. Esto es precisamente lo que está pasando ahora con esta segunda plaza. Eso se puede ver ahora de llegar de aquí a aquí. Este momento es realmente rápido, pero luego los permanecen aquí en la parte superior por más tiempo y luego vuelve al suelo. Esto es mucho más creíble en términos de como realidad y física que el primero. Espero que estén de acuerdo chicos? Enfriar. Pero, ¿qué falta realmente esto? Es sólo saltar de la nada como si fuera como arrastrado por esta fuerza desconocida. Lo que falta es la anticipación, que lo va a hacer mejor porque entonces va a recoger suficiente energía y luego va a saltar. Eso es lo que vamos a hacer ahora mismo. 7. Agregar anticipación: Ahora vamos a hacer que un tercer cuadrado se vea más realista agregando anticipación. Vamos a presionar una vez más la plaza, duplicarla. O bien puede gustarle seleccionar todos los fotogramas clave. Puedes venir y arrastrar y soltar o también puedes llegar a tu posición y luego eso selecciona automáticamente todos los fotogramas clave V. Entonces voy a mover esto a la derecha. Ahora tengo una tercera casita, que es precisamente la misma que mi segunda. Ahora lo que vamos a agregar es la anticipación así que antes de que salte, se va a aplastar, y va a reunir toda la energía que necesita para luego saltar. Lo que vamos a hacer ahora es que voy a marcar el ojo de estos otros y voy a bajar este menú para tener acceso a mi precioso camino que mencioné al inicio de esta sesión. Voy a crear un pequeño marco clave para el camino de esta plaza. Lo que quiero que este tipo haga ahora es que voy a arrastrar este marco clave aquí. Al principio va a mantener la forma cuadrada y luego va a gustar un humano que flexiones la rodilla y luego vas un poco abajo para crear la energía para que puedas saltar. Esto va a hacer lo mismo pero en el mundo cuadrado. Voy moviendo un par de marcos adelante. Necesito dar click en lo correcto. Necesito estar con esta herramienta de selección seleccionada y luego voy a arrastrar y soltar para poder seleccionar estos dos vértices desde arriba. Voy a moverlo hacia abajo con flecha de cambio hacia abajo para que esté un poco aplastado y se mueva, o tal vez no tanto. Muévete un poco a los lados también. Porque una cosa de la que hay que estar consciente también cuando estás aplastando y estirando formas es que necesitan mantener el mismo volumen. Siempre que estás cambiando algunas cosas verticalmente, necesita ser compensado horizontalmente como si tuviera que contener el mismo volumen de la forma. De lo contrario, también se ve mal. Aquí este tipo está un poco aplastado. Pero incluso podemos jugar un poco con la forma y aquí tienes como ilustrador. Puedes cambiar tu forma un poco. Aquí, seleccioné esta herramienta Convertir vértice y voy a hacer que mi cuadrado como un poco se mueva por aquí en los bordes. Eso fue un poco demasiado loco. Veamos cómo se comporta este tipo ahora. Aquí, en este punto en el momento en que salta, quería volver a la misma forma cuadrada. Voy al Comando C, Comando V, de la misma forma. En realidad voy a hacer que el cuadrado retenga esta forma por el tiempo suficiente justo antes de que salte. Entonces también voy a usar el gráfico de velocidad en la transformación de la trayectoria para hacer que esa velocidad sea un poco mejor. Se va a quedar en esta forma como aplastada por un tiempo y luego, eso fue mucho mejor en términos de energía. Es como reunir la energía antes del salto y luego, siempre puedes venir a jugar con ella dando como un sutil, calabazas medias mientras el momento en que aterriza. Aquí por ejemplo, y los principios que he mencionado, squash y el stretch es uno de ellos también. Encontrarás muchas de las veces que dentro de los principios de la animación, muchos de ellos están muy solo entrelazados y muy conectados y se superponen entre sí. Están muy integrados así que cada vez que estás hablando de uno, terminas hablando también de los otros. Yo sólo voy a añadir un poco de estiramiento a este tipo en esta pose de contacto. Voy a asegurarme de que conserva su forma aquí en la parte superior. Solo estoy copiando este keyframe aquí donde tiene la consulta MySQL. Aquí, está en la pose de contacto porque esto es realmente rápido. Se va a estirar más. Entonces aquí tienes un gran cambio, gran contraste con que se aplastó y luego volviendo a la última consulta. Yo sólo voy a cambiar un poco la velocidad de estos tipos así que aquí, debería permanecer como una plaza normal en la parte superior durante más tiempo. Estoy haciendo estos muy extremos, pero sólo para que sea lo más fácil de detectar posible. Eve, tengo una pregunta para ti. ¿ Intentas anotar la escala original de los objetos antes de empezar a manipularlos para saber qué estás tratando de volver a ti o simplemente vas con ella y vas por sentir? Sí. Es decir, en este caso también es muy fácil para mí volver al original porque sólo tiene marcos clave aquí ese tipo de intacto. Entonces siempre me puede gustar copiar y pegar y devolverlo al estado original. Aquí, lo estoy haciendo como muy rápido y sucio. Normalmente voy como muy simétrico como bien, presiono Shift, Derecha, dos veces así que tengo que presionar Shift, Izquierda dos veces también. Tiendo a ir más preciado al respecto que estoy haciendo aquí, lo estoy haciendo muy rápido. Pero también como cuando no eres capaz de retener volumen, eso bueno, generalmente se muestra cuando estás animando, estás como, oh, bien. No. Esto va como anormalmente estirada o algo como se puede ver cuando no se siente bien en la animación y se puede ajustar a medida que va. Como muchas de las veces voy a animar algo y luego lo dejo tocando por minutos y lo estoy viendo y luego voy y hago un poco de té y luego vuelvo con ojos frescos y estoy como, creo que paso un tercera parte de las veces sólo mirando mis animaciones y tratando de entender qué les pasa. Entonces yo estoy como, vale, voy a mover esto y luego volver a él, volver a ajustarlo. Aquí en este marco muy menos clave, solo quiero que vuelva a la pose original un poco más rápido después de aplastar. Simplemente haciéndolo bastante extremo aquí, pero es un cuadrado muy líquido y dependiendo de cuánto squash y estiramiento le añadan a tus formas, se van a sentir diferentes. Van a sentir que están hechos de diferentes materiales también así que eso es otra cosa que hay que tener en consideración. Pero sí, solo comparemos los tres cuadrados que tenemos ahora. Estábamos tan contentos de poder mover este, pero mira lo horrible que se ve ahora en comparación con los otros. 8. Consejo: efecto piel de cebolla en After Effects: Antes de envolver esta sección después de efectos, solo te voy a mostrar un pequeño truco sobre cómo puedes agregar piel de cebolla dentro después de efectos que te ayudará a entender mejor tus marcos y tu animación dentro de después de efectos. No sé si ustedes chicos están familiarizados con el concepto de piel de cebolla, es algo más conectado con animación tradicional pero es esta idea que se pueden ver los marcos antes y los marcos después en un transparente y se puede ver el dibujo que van antes y después de él. Se puede tener eso en After efectos también para que puedas ver. Capa, nueva capa de ajuste. Solo necesito mover esta cosa del zoom, sí. Aquí en mi ventana de efectos, voy a presionar CC a largo plazo. Necesito tener seleccionada mi capa de ajuste para que funcione y aquí solo voy a amplificar la cantidad de pasos que quiero ver, 12. Aquí, tal vez un poco menos, 12 fue un poco mucho. Aquí es casi como si pudieras ver el fantasma de todos los marcos como si los estuvieras dibujando y aquí es donde se pone realmente interesante. Te acuerdas de mi horrible primera plaza. Mira lo uniformemente espaciados que están todos estos dibujos. En realidad voy a poner como sólo se puede ver un marco una cabeza y un marco por delante. Los dibujos están muy, muy uniformemente espaciados y eso es lo que llamamos un movimiento lineal porque se distribuyen muy uniformemente. En tanto que en mi segunda plaza que hice mucho mejor el tiempo, lo que pasa es que miren el espaciado entre estos dibujos. Hay una brecha mucho mayor entre estos dibujos y aquí se hace más apretado, los dibujos están muy unidos. Cuanto más cerca estén los dibujos, más lento va a ser el movimiento. Eso realmente ayuda la mayoría de las veces creando anticipación porque estás teniendo estos poros y estás creando tensión para que algo más grande suceda. Aquí los dibujos están muy cerca juntos y luego se vuelven cada vez más separados y luego cae. Entonces lo mismo en el último. Pero en el último incluso ve brecha un poco más grande cada vez más cerca como el calabacín, luego gran liberación. El gracioso como algún otro principio de animación, temporización y espaciado. Aquí nosotros, sobre todo estos dos primeros cuadrados en realidad, después quitamos este para que nos enfoquemos en estos. Tienen el mismo, muy mismo tiempo. Se están moviendo hacia arriba y hacia abajo en la misma cantidad de tiempo, los mismos fotogramas de tecla todos dentro de un segundo pero el espaciado de los dibujos es completamente diferente. Cómo se espacian mis dibujos y cuanto más cerca o más alejados están unos de otros, eso es completamente diferente y eso hace que la percepción de la animación cambie completamente también. 9. Extra: animación en Photoshop: Por último, voy a caminar muy, muy rápidamente a través de cómo manejaría una escena e intentaría traer más anticipación y mejor tiempo, mejor ritmo, pero dentro de Photoshop. Entonces cuando empezaba a aprender animación, hubo este cortometraje que salió de uno de mis animadores muy favoritos llamado Charles Huettner, y hay un cortometraje llamado el salto, que muy recomiendo chicos a mírelo, es increíble, aunque ahora hace aún más cosas de reventar la mente. Pero yo estaba muy mentalmente volado en general de los tiros, pero había estas tomas específicas que yo estaba como, ¿cómo lo hizo? Si de verdad les puedo recomendar que hagan algo cada vez que encuentren una animación que les guste, descarguen, la reproduzcan cuadro por cuadro, averigüen qué está pasando, ¿cómo hizo esta persona tan buena esta jugada? Tócala cuadro por cuadro, entiende lo que hay detrás de él, y si lo quieres, simplemente recrea también. Estoy todo listo para hacer frente como ejercicio. Nunca copiar cosas y afirmar que es tuyo, pero como ejercicio, entender cómo alguien hizo algo, creo que es un ejercicio muy válido. Entonces hubo este disparo, déjame solo encontrarlo. Aquí vamos. Justo aquí. Eso se sintió tan bien, que un poco de hinchazón seguido de la explosión. Me encantó y no pude envolver mi cabeza de como, ¿cómo hizo esto? ¿ Cómo se mueve tan bien este? La parte de por qué esto es tan bueno es que, tiene un tiempo increíble, espaciado increíble, increíble, y se puede sentir que todo el estiramiento, y la tensión, y que la forma está a punto de estallar, porque construye todo estos como anticipaciones pequeños elementos que te dan ese plomo también. Incluso esos detalles con el, déjame detenerlo, se ven todos estos expandiéndose como las líneas de ruptura. Todos esos detalles son tan, tan jugosos. Entonces siempre que encuentres una animación que te encantó por todos los medios, descárgala, estudiala, entiende qué es lo bueno de ella y aprende tú mismo. Déjame abrir Photoshop. No voy a poder mostrar todo el asunto, pero sólo pasarnos por los principios de cómo abordaría esto puede ser de ayuda. Entonces voy a Photoshop, crear nuevo, voy a ponerlo en 1920 por 1080, crear. Si tu Photoshop no vino con esta línea de tiempo, una pequeña pestaña, la voy a cerrar. Siempre puedes venir a Ventana, Línea de tiempo, y luego aquí puedes pulsar “Crear Línea de Tiempo de Video”. Lo primero que tienes que hacer es un par de cosas en realidad, quieres asegurarte de que estás habilitando las teclas de método abreviado de línea de tiempo, porque de esa manera puedes navegar de ida y vuelta entre los fotogramas con, la mía no está habilitada, pero una vez lo habilitas, puedes, ¿por qué no está habilitando? Algo que pasa. Está bien. Por lo general, cuando lo habilitas, deberías poder navegar por tu línea de tiempo usando tus teclas de método abreviado. No sé qué está pasando. Es el fallo de transmisión en vivo que viene a demostrar que te equivocas. De todos modos, quieren asegurarse de que tienen eso habilitado, y usted quiere asegurarse de que establece primero su velocidad de fotogramas de línea de tiempo antes de empezar a trabajar, entonces, voy a establecerlo en 24 fotogramas por segundo. Entonces una cosa si queremos hacer una explosión, como supongo, normalmente nos pasaríamos por ahí, y aquí sólo voy a explicar cómo iban los dibujos. Este es un error muy común que verás como hacen los animadores junior o sin experiencia, es que, dibujarían el primero, el pequeño círculo y luego la gran forma hinchada, y luego están como, vale, pero tiene que ir desde aquí a aquí, entonces voy a dibujar un in-middle aquí, uno medio, luego voy a dibujar un in-middle aquí, y luego un in-middle aquí, y luego voy a in-middle y hacer esto más grande y dibujar muy lineal en -entre como les mostré chicos en ese primer ejemplo con la plaza, y luego, entonces, esto se va a hinchar ahora, y luego se tomarían el más grande, el momento que está totalmente hinchado, y entonces ahora está empezando a se desintegran, y luego las piezas se están cayendo a pedazos, expandiéndose. Entonces lo que normalmente ves con animadores junior es que, sus dibujos son muy lineales y la diferencia entre los dibujos del espaciado es muy lineal también. Te voy a mostrar un ejemplo que hice que ilustra eso. Normalmente se les ocurriría algo como esto. Se lee como una explosión, pero el espaciado entre los dibujos es super, super, súper lineal. Hice aquí una explosión equivocada, y aquí se puede ver como mis dibujos, voy a activar mi piel de cebolla aquí para que la veas, pero se puede ver el espaciado entre mis dibujos es super, super lineal, entonces es desintegrándose, expandiéndose, y eso está bien. Se lee como algo que está volando, pero no con el mejor tiempo. Eso en comparación con esto, esto es mucho más poder, y esto incluso tiene, como cuando estamos hablando de múltiples niveles de anticipación, esto incluso tiene como un poco de encogimiento antes de que se agranda y luego se explota. Esto incluso tiene un poco de esas marcas elgadas agregando aún más tensión y anticipación. No voy a tener tiempo en realidad para pasar por cómo tal vez hacer todo esto. Pero te voy a mostrar rápidamente cómo empezaría a abordarlo. Entonces voy a cerrar mal esta explosión [inaudible]. Entonces aquí en este diagrama de cómo haríamos el proceso de animar esto es que, en lugar de hacer eso, sería como, perdón, este es mi minúsculo primer post, este es el grande, y aquí nosotros tener lo que sería, ¿cuál es el medio entre estos dos aquí mismo? Entonces en lugar de dibujar un in-middle aquí y un in-middle aquí, lo que voy a hacer es traer este post medio, entonces, es, lo siento, hay algo mal en mi pantalla. Entonces es mi segunda pose y luego tener muchos dibujos construyendo hasta el equipo azul. Hay dos formas diferentes de animar dentro de Photoshop, y para como un tutorial más profundo, realmente te recomendaría echar un vistazo a este Tutorial de animación de Photoshop en Vimeo de Alex Green, quien es un realmente buen amigo y un animador estupendo también, también enseño más sobre animar Photoshop en mi otra clase, pero solo un resumen rápido, muy, muy rápido de cómo abordaría esto es que, tal vez podríamos hacer la primera parte de esa hinchazón. Apenas a través de capas, apenas capas normales dentro de Photoshop, y voy a hacer de este pequeño, este primero, mi pequeño círculo. Ahora, está funcionando. Aproximadamente, colóquelo en el centro y luego solo voy a copiar esta capa y luego Comando-A, solo elimine el contenido. sea puedes poner tu piel de cebolla aquí, habilitar tu piel de cebolla, y venir aquí para que puedas ver tu marco anterior o también puedes establecer un pequeño atajo para que puedas ver tu propio esquema. Establecí un atajo con Comand-O. En mi clase, también te enseño a establecer los atajos, pero aquí, voy a hacer mi círculo hinchado final, que va a ser el grande. Yo quiero que dure dos cuadros. Esto es perfecto. Lo que haría ahora es que voy a copiar este pequeño primer círculo, Command-A, y voy a eliminar el contenido. Voy a traer a este tipo en piel de cebolla y ver la diferencia entre ellos, y luego, dibujar en el medio. Recuerda cuando dije que no soy el mejor ilustrador y no puedo dibujar hermosos círculos. Esto es todo. En realidad ahora, estas capas, hay mucho más tiempo de lo que quería. Yo sólo quiero que duren dos segundos. El primero puede más tarde por más tiempo. Es un pequeño círculo por un tiempo. Enfriar. Lo que haría ahora es, entre estos dos tipos, crearé muchos in-betweens. Voy a hacer un poco de un método de show de galletas ahora y mostrarte el archivo oficial de explosión. Esto es precisamente lo que yo había hecho. En el primer círculo pequeño aquí, y luego aquí, agregué esa segunda anticipación, por lo que se encoge. Se está poniendo aún más energía como encogerse y luego se encoge, y entonces ya va a esa etapa media en lugar de tener un crecimiento muy lineal, ya va a esa etapa media. Voy a apagar esta capa sólo por un segundo, así que no nos estamos centrando en eso. Entonces, agregué muchos in-entreweens hasta llegar a la forma hinchada final. Entonces, entre el hinchado final y la primera capa de explosión, ve que ni siquiera dibujé el círculo desintegrándose o algo así porque esto es cuando se obtiene el gran impacto, cuando hay un gran cambio de estado entre la forma hinchado final que tienes toda esa anticipación acumulando hasta ese momento, y luego tienes un gran como brotes como [inaudible], y aquí es donde se pone como [inaudible], realmente, realmente agradable. Hay tantas cosas que puedes agregar para ayudar a la anticipación y a la tensión a sentirse aún mejor. Yo jugué con agregar ese tipo de estrías también, y eso mejora aún más la tensión y la hinchazón de la forma. Yo solo quiero mostrarles chicos porque pueden ver aquí que mis capas son de color diferente. Esto se debe a que estas son dos formas diferentes de animar dentro de Photoshop. Una manera es con las capas que les estaba mostrando justo antes. Simplemente vas a crear nuevas capas, pones una tras otra, y así es como creas animación dentro de Photoshop. Entonces el otro, que usé tanto aquí para el final para las marcas de estiramiento es a través de capas de video. Simplemente mostrando rápidamente para quien no lo sepa, si vienes aquí a Capa, Capas de Video, Nueva Capa de Video en Blanco. Yo sólo voy a dibujar un poco de algo aquí sólo para mostrarles cómo funciona. Es realmente divertido jugar alrededor, sobre todo cuando estás jugando con animación que solo estás dibujando, un dibujo después del uno, no realmente haciendo ninguna acción de pose a pose, eres como animar recto, esto puede ser súper, súper útil también cuando estás coloreando también. Pero cómo lo haces es que haces un dibujo aquí y luego haces un pequeño garabato moviéndose por ahí. Entonces, si paso al siguiente cuadro, va a estar en blanco. Esa es la magia de la capa de video. Aquí voy a Comando-A, seleccionar todo el contenido de mi capa, Comando-C, copiar, pasar al siguiente fotograma, Comando-Mayús-V. Estoy copiando el mismo dibujo del fotograma anterior a éste porque, aquí estoy trabajando en dos. Si no estás familiarizado con eso, también te lo estoy explicando mejor en mi otra clase, pero estoy trabajando en una base de 24 fotogramas por segundo. Pero aquí, estoy repitiendo el mismo dibujo cada dos fotogramas. Es la forma en que solían trabajar también los animadores tradicionales de Disney, así que de esa manera, no tienes que hacer un nuevo dibujo cada fotograma. Pero solo para mostrarte rápidamente cómo funcionan las capas de video y cómo puedes divertirte mucho con él, voy a activar la piel de cebolla. Voy a desactivar todos estos, para que no me distraigan con ellos. Aquí, voy a dibujar el siguiente fotograma, Comando-A, Comando-C, copiar, ir al siguiente fotograma, pegarlo, siguiente fotograma. Estoy probando un nuevo cuadro, Comando-A, Comando-C, vaya al siguiente cuadro, Comando-Mayús-V. ¿Está en su lugar? Comando-A, Comando-C, vaya al siguiente cuadro, Comando-Mayús-V. Es como realmente fácil hacer algo moverse y puede ser realmente divertido en absoluto. Comando-A, Comando-C, vaya al siguiente cuadro, Comando-Mayús-V para pegar el mismo dibujo. Comando-A, Comando-C, Comando-Mayús-V. Aquí, si toco sólo este par de marcos que hice, ve a este pequeño whoof, este pequeño garabatecito dando vueltas. Este es el método que uso para dibujar tanto las pequeñas estrías como la pequeña explosión al final también. En lugar de ir a posar y encontrar los entretejido de la forma, se trataba más bien de dibujar, hacer un dibujo tras otro, combinar esos dos métodos diferentes. Está bien. Perdón, este bit de Photoshop fue muy, muy apresurado pero en mi clase, lo paso mucho, mucho más lento, pero espero que esto te diera un poco de visión sobre cómo pensar en la anticipación en un enfoque fotograma por fotograma también, y cómo eso puede pasar, cómo espacias tus dibujos cuando los estás dibujando y asegurándote de que todo no se mueva como un lineal, y estás creando diferencias en contraste, en tensión, marco, jugando alrededor con el tiempo, y el ritmo de tu animación también. 10. Preguntas y respuestas: Ahora lo vamos a abrir a preguntas de los estudiantes. Una es, ¿cómo interactúan Aftereffects y Photoshop en tu proceso? ¿ Te mueves de ida y vuelta entre ellos? ¿ Cómo hacer, tener que arreglar en Photoshop? Depende de lo que esté haciendo. Depende del estilo de diseño. Depende del estilo de animación. Porque si estoy haciendo algo que se parece mucho más a vectores, entonces normalmente solo hago todo dentro de After Effects. Pero si es algo que necesita un look más texturizado, o si la animación es un poco más salvaje y tienes cambios de perspectiva y necesita ser más fluida y y necesita un enfoque más parecido fotograma por fotograma. Entonces solo voy también triturando a Photoshop. Pero de nuevo, muchas de las veces lo que hago es que creo como un esqueleto de mi animación dentro de After Effects es como lo hice con esta galería por aquí. Sí. Creo un esqueleto basado en mi animación dentro de After Effects que es muy feo. Entonces dibujo detalles marco por cuadro en Photoshop y construyo todas las texturas dentro de Photoshop. Hago eso por mucho del trabajo que hago. ¿ En qué situación sientes que el movimiento se vuelve aún mejor cuando haces una anticipación antes de la anticipación? ¿ Alguna vez hay una doble anticipación? Sí. Siento mucho no mencionar eso. Sí, existe tal cosa como múltiples niveles de anticipación. Yo sí siento que en la animación de personajes, eso sucede mucho y sobre todo con los rasgos faciales. Porque es casi como una parte de actuar como esos rasgos faciales sutiles que muestran como, oh sí, ella está pensando en esto y yo solo voy a mirar ahí porque, todos esos pequeños indicadores, ayudan a construir hasta tanto el mensaje. Eso en realidad ayudó. Sucede mucho en animación de personajes siento que cuanto más grande es la acción, más se beneficia de tener múltiples niveles de anticipación seguro. Honestamente como casi todas las elecciones van a tener insuficientes, aunque sutiles. Sólo algo, no lo sé. Eso es lo gracioso de volver a mi trabajo y tratar de ver dónde tenía anticipación de cosas porque es algo que en algún momento realmente no racionalizas, solo lo haces como inconscientemente. Sí. Kara, soy Sheila. ¿ No es esa capa de video en lugar de trabajar en dos, si quieres trabajar a la fuerza? Ah, sí. Es decir, lo siento mucho. Ojalá tuviéramos más tiempo. Ya había hecho lo que es un objetivo como más a través de profundidad en todo eso. Básicamente, la cantidad de fotogramas en los que estás trabajando, eso va a determinar qué tan suave o no se va a sentir tu animación. Cuantos más fotogramas tengas para una animaciones muevan va a sentir que algunas personas están realmente locas y funcionan como 60 fotogramas por segundo. No sé si ustedes vieron “El Hobbit” las películas de la película, se sintió tan raro verla porque tenía demasiados cuadros. Creo que fueron como 48 cuadros por segundo. No estamos acostumbrados a eso. Cuando vemos muchos marcos estamos como, oh, eso es demasiado mantecoso como eso es realmente, realmente suave. Es un poco molesto. No lo sé, no me gusta. A veces puede ser un poco una elección estilística. Al tener menos marcos, puede ser bastante encantador tener algo que tenga menos marcos, ya que en él se siente un poco más choppier como las medusas que hice. Ni siquiera sé si fue como a la fuerza o fue una tasa de fotogramas muy, muy baja. Sólo porque al igual que el estilo estaba realmente loco con todo el sombreado y esas cosas por la noche. Simplemente me tomó una eternidad hacer como este pequeño ciclo. Fue un poco una decisión económica tomarla así porque fue por un video musical que todo el lado era así. Tomaron una decisión como vamos a hacer que la velocidad de fotogramas sea realmente baja. En realidad podemos sacar este estilo. Pero puede ser como una elección estilística, pero también puede ser acciones más rápidas podrían necesitar más marcos, por lo que realmente puedes sentirlo. Se puede incluso dentro de la misma película, se puede tener una variación como tener escenas, tener tomas que están en dos. Disparos que están en 12 cuadros por segundo, pero dentro de una base de 24. Pero entonces ten momentos específicos ahí estás trabajando en unos. Si realmente quieres sentirte como un hit o una explosión o una acción específica, si quieres sentirlo mejor, entonces añades fotogramas de una vez. Lo siento, si la pregunta no tenía sentido para la gente que no tiene mucha experiencia. Pero en el futuro prometo que lo hará. 11. Reflexiones finales: Tenemos hasta el final. Muchas gracias por acompañarme en este viaje anticipado y espero que salgan de él teniendo una mejor comprensión de lo que es la anticipación. Ser capaz de reconocerlo, sentirse inspirado, no sólo para hacer ejercicio, hacer un poco de ejercicio en anticipación por su cuenta sino también para sumergirse más profundamente en todos los principios de auditoría de la animación y entenderlos mejor, entender su poder como herramientas para ayudarte a crear una mejor animación también. Me encantaría ver tus ejercicios si ustedes ministran a tus casitas saltando o tus propias explosiones, cosas mixtas explotan, eso siempre es divertido. Me encantaría ver eso también en los proyectos. Te animamos chicos a compartir eso, y sí, gracias por sintonizar. Si quieres revisar mi otra clase o ver más de mi trabajo, puedes consultar mi perfil de scooter. No sé si ustedes están todos familiarizados con la animación. Es una comunidad multiplataforma que empecé con un par de amigos hace algunos años. Es comunidad para las tendencias femeninas y personas no binarias que trabajan con animación, sí es animación, sí, algunas personas lo saben. Siempre ve y sigue la animación y apoya también a las minorías de la industria. Gracias.