El proceso de la pintura al óleo: tercera parte (las capas superiores) | Jill Poyerd | Skillshare
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El proceso de la pintura al óleo: tercera parte (las capas superiores)

teacher avatar Jill Poyerd, Professional Fine Artist & Educator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Toma este curso

      3:55

    • 2.

      El Underpainting

      11:34

    • 3.

      Underpainting del valor

      12:06

    • 4.

      Pintura bloqueada

      12:52

    • 5.

      La pintura de las capas superiores

      5:04

    • 6.

      Captura principal I - demostración de valor

      15:50

    • 7.

      Captura superior II: demostración del valor

      8:49

    • 8.

      Captura I de bloqueo: demostración bloqueada

      14:42

    • 9.

      Captura superior II: demostración bloqueada

      18:45

    • 10.

      Capas Upper ejemplos maestros

      18:19

    • 11.

      Barniz

      13:22

    • 12.

      Revisión final

      2:46

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

536

Estudiantes

1

Proyecto

Acerca de esta clase

Un aspecto completo y simplificado sobre cómo construir una pintura al óleo, desde la subestructura hasta el barato.

"Este es el video más reflexivo reflexivo y de forma de the de la pintura al óleo que jamás he visto. La perspectiva histórica en los lugares se apreciaba especialmente apreciada, como fue el detalle de la preparación de la surface como muchos de nosotros se nos pasan muy rápidamente para aplicar la pintura.

Esta es una clase de pintura en línea extremadamente completa de 5 minutos con un tiempo de 5 minutos con un enfoque en la construcción de una pintura al óleo, y el proceso de pinceles reales y el diseño de pinceles. Para dominar realmente la pintura al óleo, es importante tener un fundado fuerte, es importante tener una base fuerte, para entender en profundidad tus materiales y su uso apropiado. Tienes que saber cómo construir una subestructura o base sonidos o y luego aplicar las pinturas de tal forma de tal vez para asegurar las décadas de vida para la pintura.

En este curso completo, los estudiantes se toman paso a paso a través de temas de los talones, como el tamaños, los terrenos, la step-by-step el underdrawing, supports, las capas superiores de la pintura y el barnizado. Cada capa se explica en forma de profundidad y clara, y luego sigue las demostraciones relacionadas para que los estudiantes puedan seguir.

El objetivo es para:

  • Los estudiantes que quieren llegar a la idea de los materiales pintados al óleo y cómo crear una pintura estable;
  • Ayudar a los temidos de la pintura al óleo por los al que pintas al óleo para sentirse accesible.
  • painters experimentados que tienen los lagares en su conocimiento para obtener un conocimiento más profundo de profundidad.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jill Poyerd

Professional Fine Artist & Educator

Profesor(a)


Jill Poyerd, NWS, is a contemporary realist known for her tranquil subject matter and unique painting style. Her award-winning work can be found in private collections both nationally and internationally. She has been featured in national publications, is the author of the portrait painting book Fearless Portraits, and is a signature member of several prestigious art societies, including the National Watercolor Society. Jill works in both watermedia and oil paints and has exhibited extensively throughout the Mid-Atlantic region as well as in national shows.

In addition to her work as an artist, Jill is an active member of the arts community. She has curated many multi-medium group shows, and is the founder of the Fine Art Professionals of Northern Virginia. Additionally... Ver perfil completo

Level: All Levels

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Transcripciones

1. Toma este curso: Como pintores de aceite o prospectivos de petróleo, una de las partes críticas de la creación es saber construir la pintura. Mira como Fundación. ¿ Hace un cuadro limpio? ¿Y cuáles son las formas adecuadas de capas de la pintura? También quería que algunos de los mejores pintores petroleros de la historia hagan. En este curso, básicamente vamos a deconstruir una típica pintura al óleo, discutiendo cada capa a lo largo del camino. Algunas capas son opcionales dependiendo de tu intención. En el proceso que seleccionas para una pintura individual. En las capas se discutirán el soporte, dimensionamiento, el suelo, el incremento euro bajo dibujos, debajo de pinturas, capas superiores de pintura, y la capa de barniz. Baso muchas de mis clases en lo que he leído y aprendido sobre los maestros y sus aprendices. El hecho de que conocieran sus materiales por dentro y por fuera porque por supuesto tenían que crear sus materiales. Esto les ayudó a elevar su nivel de pericia y la longevidad de su trabajo si siguen las prácticas. También siento que esto es algo que falta en la sociedad actual. Por ello, mis clases van en profundidad. Y en ésta en particular, echamos un vistazo serio a cada capa de una pintura al óleo. Este no es un curso sobre mezcla de colores, teoría del color, o realmente incluso pinceladas específicas. No es un curso que se base en cómo representar una escena o un objeto con dolor. Se trata de cómo construir una pintura al óleo adecuada y cómo construir capas desde el soporte hasta un barniz. Ahora a lo largo de esta clase, tengo limosnas con información de resumen y procedimientos paso a paso. El mejor modo de hacerlo es ver la clase en orden cronológico. Al final de cada sección, tengo una actividad estudiantil que puedes hacer. Algunos de ellos son opcionales. No tienes que hacer cada uno. Sí te recomiendo que veas cada sección porque debes conocer a fondo las capas de un cuadro. Pero por ejemplo, quizá prefieras empezar con un apoyo preparado previamente. Bueno entonces no tienes que hacer las actividades para dimensionar y Jessica. También, dentro de ciertos temas, hay momentos en que voy a demostrar varias opciones. Si planeas hacer las actividades, podrías hacer todas las opciones que te muestro, o simplemente puedes elegir una que dependa de ti. Proporciono imágenes de referencia simples que puedes elegir o puedes usar una de las tuyas. Debe seleccionar una imagen para utilizarla a lo largo del curso, imprimirla o utilizar un formulario digital y crear una versión en blanco y negro para referencia de valor. Se adjuntan los archivos de imagen. Ahora, una de las cosas que hice en este curso, que siento que fue muy importante, es que aclaré muchos términos y temas. El mundo del arte que a menudo digo ama complicar las cosas. Y así mientras estaba investigando, a menudo encontraría múltiples definiciones para un término. Encontraría información que sería contradictoria por una segunda fuente confiable. Y así lo que he hecho es que he buscado y encontrado lo que siento son las definiciones y explicaciones más precisas. Me siento muy seguro de lo que tengo en este curso. Si tiene alguna duda a medida que avanza, por favor no dude en ponerse en contacto conmigo. Siempre estoy feliz de ayudar si puedo. Y así empecemos. En la próxima conferencia, comenzaremos con una breve introducción a los soportes de pintura al óleo. 2. El Underpainting: En lo que va de este curso, hemos discutido las capas preparatorias en una pintura al óleo, el bajo dibujo en un poco sobre pintura y estratificación. Ahora vamos a cubrir el desarrollo de la propia imagen de pintura. Y esto es a través de una pintura bajo y capas superiores de pintura. El bajo dibujo, si optó por incluir uno, estableció la composición general. El bajo pintura, por otro lado, comienza a desarrollar nuevas formas. Estas formas se establecen simplemente pintando los colores locales de tus elementos. Color local, es decir, el color base de un elemento anterior. Otro método es establecer los valores de sus formularios. Las luces, los medios, y se oscurece en tu imagen. En esta pieza inacabada de un seguidor de Rafael, se puede ver lo que debe ser su imprimatur. Y luego se puede ver cómo empezó a modelar las formas, estableciendo sus luces, médiums, y oscuros. Pero la verdad es que la mayoría de los artistas comienzan sus pinturas con alguna forma de debajo de la pintura, se den cuenta o no, necesitas algunas pautas o áreas de orientación para ordenar tu camino a través de la pintura. Esta debe ser una capa Lean ya que se considera una capa inferior de pintura y por lo tanto, necesitará tener un tiempo de secado más rápido. Esto podría significar agregar un toque de disolvente, agregar un toque de medio alquídico para acelerar el secado, o simplemente aplicar la pintura de tubo muy finamente. Ahora, como se mencionó en el inicio de esta conferencia, hay dos caminos que puedes tomar dentro debajo de la pintura. Podrás establecer tus valores. Las luces, los medios, y se oscurecen en tu pintura, lo que básicamente crea una versión tridimensional de tu pintura. O puedes bloquear en tus elementos con colores básicos relacionados. Estas son áreas planas de color, no dimensionales. Es una especie de lo contrario de una pintura de valor. Echemos un vistazo a cada uno. Para nuestra pintura de valor, puede usar color transparente o color opaco. En términos generales, existen dos tipos de pinturas de valor transparentes de Adagio que implica el uso de tonos tierra verde y apuntalamientos tonales, cuales pueden ser pintados usando uno de varios colores, o a veces referidos como un espantoso. Ambas formas son monocromáticas, lo que significa usar principalmente un collar. Mono que significa uno, y croma que significa color. Discutamos esto un poco más. Tengo adagio está en término italiano para un verde enorme sustento popular con los 8-10 por pintores Sobre la Edad Media y principios del Renacimiento. Utiliza pigmento de Tierra delgado, transparente o translúcido con un toque de blanco o negro para construir valores y establecer teléfono. Esto es particularmente útil para el pintor de retratos. Ya que automáticamente permite un molde verde bajo el tono de piel, una parte natural de la forma humana. Históricamente, se hizo a partir de una combinación de pigmento blanco, negro y amarillo o de un color tierra como Tara, verity, y block. A veces los artistas añadían blanco también. Un sustento tonal es similar a un Cilio Verdot, en el sentido de que utiliza pintura delgada, transparente o translúcida para establecer los valores. Pero en lugar de tonos verdes , puede ser casi cualquier color. Y aunque normalmente monocromático, podrías usar más de un color si lo deseas, siempre y cuando funcione con el producto terminado. El término tonal en realidad significa usar una paleta limitada. Por ejemplo, Thomas haciendo fue considerado un pintor totalista. Utilizó una paleta muy limitada, sólo unos pocos colores. Y así un tonal bajo pintura también utiliza un número ilimitado de colores, a menudo sólo uno o dos. Tanto de adagio como eterno bajo pintura, ya que se establecen con pintura fina, se pueden crear pintando los tonos oscuros o medios y dejando la superficie para representar las luces. O puedes aplicar la pintura por todas partes y levantar áreas de la pintura con un trapo que servirá como tus luces. O una combinación de los dos. Mencioné la palabra cruzada. La definición real de acumulaciones Al es en pintura de valor opaco o semi-opaco utilizando tonos grises o neutros. Brasil es literalmente una palabra francesa, eso significa grandeza. Utiliza pintura en blanco y negro para construir una amplia gama de valores y nos desarrolla una forma tridimensional de aspecto sólido. Debido a que estás usando una combinación de Negro o ámbar con blanco, puedes lograr una amplia gama de valores, luces, medios y oscuros. Y muy a menudo estos valores se suavizan juntos para crear los gradientes. El resultado es una apariencia casi escultórica. El de Brasil en realidad puede funcionar como pinturas independientes, como esta pieza de Anthony Van Dyke. Pero cuando se utiliza como parte del proceso de pintura, es una base para futuras capas. Las gacelas están pensadas para ser utilizadas con esmaltes de color transparente o translúcido. El brillo oscuro a través y muchas veces sirven como los oscuros y la pintura final. De hecho, muchos de los valores permanecen de la Cruzada inicial. En tanto que los esmaltes de color crean el verdadero color de las formas o elementos. Este método se ha utilizado desde principios del Renacimiento. El concepto fue traspasado de la pintura de témpera de huevo, donde la pintura se aplica en vidrios finos y transparentes de color. Debido a que la pintura tenía que aplicarse tan finamente, se tenían que establecer valores en la capa base. Fue una parte crítica del proceso de pintura. Por lo que tiene sentido que cuando la pintura al óleo se agarró por primera vez, los artistas simplemente siguen el mismo procedimiento que tenían cuando pintaron en tempera de huevo. También fue útil una gacela ya que permitió al artista elaborar la composición en detalle antes de agregar el color formal. Otra forma de acercarse a una pintura bajo que también involucra pintura opaca es bloqueando. bloqueo en implica pintar áreas de color donde se colocarán los elementos o foros. Estas áreas de color pueden ser los tonos medios locales, o pueden ser los colores relacionados con el valor, como un tono medio oscuro o claro. Ahora, un medio tono se refiere al rango medio en una escala de valor. Y una escala de valor es cada valor de luz entre blanco y negro. Por lo que en medio de la melodía se refiere a esos valores medios, como se puede ver aquí. color local se refiere al color verdadero de un objeto. O si quieres pensarlo como el color base del medio tono, ausente cualquier influencia de la luz, la sombra, el color reflectante o la atmósfera. Por lo que usando este retrato como ejemplo, estoy identificando los valores medios para cada región de color. Si yo pintara estos colores locales base usando un método de bloqueo, podría verse algo así. Entonces se trata de construir capas tienen pintura transparente o translúcida para definir las formas o crear complejidad de color. bloqueo normalmente no es transparente, pero a veces se fregaba. Por lo que termina luciendo bastante translúcido, como lo que vemos aquí en esta pieza inacabada de Edward. Muchos notan lo activo que está su pincel. También lo vemos en esta pieza inacabada de Gilbert Stuart. Este es un poco más opaco. Se puede ver estas áreas en particular son bloques sólidos de color. El aspecto general del bloqueo es normalmente muy plano. Piensa en la obra de Vincent Van Gogh o Paul Gauguin. A pesar de que hay variación de un vistazo rápido, simplemente parecían bloques de color local. Bloquear en color opaco no es sólo desde la época de Gauguin hasta la actualidad. Se remonta casi hasta Brasil. De hecho, se dice que Tiziano utilizó capas de color opaco para sus pinturas Bajo. Aquí se pueden ver toques del azul índigo que solía utilizar para los cielos. Y se dice que JMW Turner ha aplicado a la forma lavada de apuntalamiento bloqueado, estableciendo vagamente las principales áreas de color con su pintura. También vemos que en esta pieza de Joshua Reynolds, puede ver que solía tipo de bloqueo fregado en varios colores y valores. Es suelto, multicolor, incluye cambio de valor y es tan delgado que es realmente translúcido. Por lo que se puede tener libertad y conoció alguna variación en el método. En esta pieza terminada haciendo, pesar de que se han aplicado capas superiores, se puede decir que la pintura debajo fue bloqueada en el uso de pintura opaca fregada. Entonces, ¿cómo eliges qué forma de debajo de la pintura debes usar? Bueno, eso depende de tu tema, tu estilo de pintura, e incluso de cuánto tiempo tienes para pintarlo. Son muchas las consideraciones. Es posible que desee tomar muestras, varias que le atraigan. Mantén a mano ese conocimiento cada vez que comiences a planear un cuadro. Entonces, ¿cómo eliges qué colores usar? En términos generales, los apuntalamientos suelen crearse usando pueblos grises , tonos tierra, o incluso ciertos azules, como el ultramarino. Algunos artistas crean el valor de la pintura usando uno de los colores que domina en la pieza terminada. O pueden elegir un color que contrasta con uno de los colores dominantes con el fin de darle algún ponche a esos colores finales. Vimos un concepto similar en la capa imprimatur. Básicamente, hay que considerar si estás bajo pintura se va a esconder o si se va a mostrar. Y si se va a mostrar, ¿de qué color quieres mostrar? ¿ Cómo quieres que impacte en tu pintura? Se va a tomar el pensamiento y la planeación. Un sustento tonal podría ser la mejor opción para los pintores de paisaje. Ya que puedes usar más de un color. Quizás un tono fresco para que el cielo implique profundidad, y un tono cálido para que el primer plano lo lleve adelante. En el siguiente video, voy a demostrar las tres formas de pintura de valor. 3. Underpainting del valor: En esta conferencia, voy a demostrar las tres formas de valor apuntalamientos de tu punto u, un tonal bajo pintura y acuerda AL, comenzará con un Verdot tú. Normalmente, el tono verde terroso de un adagio se usa para la pintura de figuras, pero lo voy a usar para el tono bajo de esta cafetera de latón envejecido. El latón tiende a obtener un molde verde similar a medida que envejece. Entonces creo que será un buen candidato. Tengo aquí una imagen de referencia en blanco y negro, y tengo el objeto real fuera a un lado como referencia. Voy a usar lagrima italiana, una rareza para el sustento. Y posiblemente los dos colores que se ven aquí para las capas superiores, pero podrían cambiar según percibo. Este terahertz en particular es muy granular. En realidad se puede sentir la granulación. También se seca rápidamente y mapea a entidades que suelen ir de la mano. Es semitransparente, que funciona cuando se tiene en cuenta el tamaño de partícula grande. Ahora se puede ver por la muestra lo granular que es. Echa un vistazo a ese medio tono. He bosquejado bastante la imagen sobre el lienzo con un lápiz de acuarela negro. Ahora, porque es una demo, simplemente por boceto a mano alzada, una de las muchas formas en que puedes hacer el dibujo bajo. Voy a usar tanto un cepillo de cerdas de cerdo, que es un poco rígido como un sable más suave. Este diferente cepillo, la cerda de cerdo frota la superficie un poco más que una sable, que tiende a deslizarse suavemente. El bajo pintura se puede hacer en cualquiera de los dos. En realidad es solo una preferencia personal. Esta capa necesita ser delgada, a pesar de que esta pintura se puede fregar con luz delgada y sé que nos secamos rápidamente, todavía la voy a adelgazar con sólido. Yo quería extra delgada. Y así voy a añadir un poquito de aceite adicional también para mejorar la integridad de la capa. También necesitan pintura que esté menos diluida para funcionar como los oscuros. Y así voy a añadir una dollop de pintura diluida y un poco de negro por si acaso. Empezaré con mi pincel Sable porque quería tomar esta pintura muy fina y extenderla suavemente finamente alrededor del objeto. Se puede ver lo delgado que se está aplicando esto. Creo que el sable tiende a dar una cobertura un poco más uniforme. Este es un pincel grande para estas pequeñas áreas de la pieza, pero no estoy apuntando a la perfección. Esto se debe a que es sólo un apuntalamiento de capas futuras a pequeñas empresas incorrectas fuera de los límites. Y un cepillo grande te ayuda a evitar que te pongas demasiado detallado hasta temprano. Ahora, estoy evitando aplicar la pintura donde hay reflejos blancos. Por ahora, el blanco del lienzo funcionará como los blancos. Esta pintura muy fina, combinada con un pigmento ya alentador, significa que esta debería estar seca para mañana por la mañana. Ahora que he cubierto el objeto con un tono delgado, voy a entrar y acumular alguna dimensión aplicando algo del verde sin diluir, a veces con un toque de negro para transmitir los oscuros. Ahora estoy mirando mi imagen de referencia y poniendo a cero en las áreas oscuras. Fervor adagio, y estos valores son simplemente de referencia. En realidad no funcionan como los valores finales en la pintura, pero me guiará en las capas superiores. Entonces como lineamientos, no estoy estresando por que todo quede bien. Yo sólo quiero que en general lo haga bien. El top de la cafetera está demasiado apretado para este cepillo. Entonces voy a traer un pequeño cepillo redondo de cerdas Han para aplicar que pagó un poco más dimensión. Y pintaré en algunas líneas clave. Recuerda también que puedes levantar la pintura con un trapo o una toalla de papel para traer de vuelta un punto culminante o un área ligera. Y ahí es donde me detendré. En general tiene la dimensión correcta y el tono general. Entonces pasaremos al sustento tonal. Antes de comenzar el apuntalamiento tonal, quiero señalar que estoy usando tableros de lona muy económicos. Porque estas son solo piezas de demostración. No hay necesidad de gastar mucho dinero en la superficie a menos que pretendas producir un marco de una pieza, en cuyo caso debes usar una superficie de archivo. De nuevo, verás que estoy usando una foto de referencia en blanco y negro. Pero esta vez no aumenté el boceto de la imagen sobre la superficie. Vamos a proceder como algunos de los maestros han hecho establecer la imagen durante la etapa bajo pintura. Tengo los colores que planeo usar. También tengo el objeto real cerca en caso de que necesitara. Exprimiré un poco de cada página y luego crearé un charco de disolvente con un toque de aceite. Estoy tratando de mezclar ultramarina francesa y rasgar muy profundo primero. material VOT es demasiado débil de un color para marcar la diferencia. Entonces voy a traer el poderoso azul fallido y añadir sólo un poquito. Lo mezclaré bien. Y siempre es bueno revisar tu color en un trozo de papel de desecho. Una vez que creo que está bien y la pintura está mezclada, bueno, usaré un pincel Sable para ponerme sobre una fina capa del color. Este es un medio tono. Recuerda como sustento tonal, mi objetivo es comunicar las luces, mediums en oscuros en el mismo color general. Ahora mientras me pongo esto, estoy viendo el impacto de eso les favorece. Una de las razones por las que es tan poderoso es que está molida extremadamente fina. Aumentar su intensidad y hacerla tinción es ideal para una cobertura uniforme. Pero como pueden ver, porque quería usar el blanco de la superficie para transmitir mis luces. El color está proporcionando demasiada cobertura. Tendré que tratar de limpiar parte de la pintura con una toalla de papel. Eso ayudó. Pero se puede ver qué tan manchada es. Si esto fuera un gesso de aceite o si hay un imprimatur, la pintura limpiaría aún más. Por lo que ahora trabajaré en los valores más oscuros usando menos pintura diluida y principalmente azul ultramarino. Cuando miro el jarrón, mientras hago esto, los oscuros se inclinan hacia ese color y también forma parte de nuestros micrófonos iniciales. Por lo que me siento cómodo usando el ultra Marine para mis oscuros. Estoy eying arriba las áreas oscuras en la foto en blanco y negro, tratando de ver esos oscuros en cuanto a formas. Y me faltan esos reflejos realmente bonitos. La pintura simplemente no levantará lo suficiente. Podría traer un poco de blanco, pero preferiría mantener la pintura transparente. Agregar peso lo haría más opaco. No es una mala representación. No se pueden pintar las luces en las capas superiores una vez que se seca la pintura debajo. Y aquí estoy usando este cepillo suave para el pelo de cabra solo para suavizar algunos de los bordes muy rápido. Por ahora establecimos un buen tono base a través de nuestro sustento, vamos a dejar esto a un lado para que se seque y echarle un vistazo a que creció venta. Ahora vamos a crear un Brasil bajo la pintura. No tengo un preparado bajo dibujo, así que rápidamente bosquejaré a mano alzada el objeto para nuestra pintura. Se trata de una simple jarra de cristal azul. Tiene coloración simple y una buena variedad de valores. Recuerda venta integral, los valores están pintados principalmente en blanco y negro y la pintura tiende a ser opaca. Normalmente puedes encontrar esta información en los tubos de pintura. A menudo se trata de un pequeño símbolo que representa opaco, semiopaco y transparente. Aquí se puede ver el negro divertido es opaco. También puede ver texto que dice el nivel de transparencia. En este caso, se puede ver que mi peso también es opaco. Por cierto, esta pintura en particular se hace con aceite de nogal. Es bonito porque tiende a amarillarse menos, lo cual es bueno para un blanco, pero es más lento para secarse. Por esta razón, será particularmente importante agregar disolvente para acelerar el secado. Por lo que ahora voy a apretar algo de pintura en la paleta. Creo que quizá tenga más que una necesidad de mejor demasiado. Después dos pequeños, haré tres pequeños charcos de solvente y luego mezclaré blanco y un poquito de negro en el primer pedal con el fin de crear un gris medio. Entonces mezclaré una pintura blanca y una negra adelgazada. Una vez que todo esté mezclado a fondo, comenzaré colocando algo del gris medio en áreas del cuadro. Podrías empezar con el blanco, pero me parece que el blanco y el negro son tan fuertes que es agradable comenzar con un valor neutro. Entonces empezaré a sumar una pequeña dimensión con mi negro y mi esposa. Nuevamente, típicamente integral ZL. No usas el peso de la superficie para tu blanco, en realidad usas pintura opaca. Ahora me refiero constantemente a mi fotografía en blanco y negro, tratando de ver la imagen en términos de formas y valores. Voy a estar repasando estos oscuros repetidamente, así que no se preocupe por que sea perfecto en el primer intento. Personalmente me gusta relajarme en las pinturas, poniéndome cómodo a medida que avanza. De nuevo, estoy eying up los oscuros y las luces, pintándolos directamente, y luego mezclarlos con trazos mezclados usando ya sea un pincel ligeramente limpio o uno con un toque de color. Notarás que voy de ida y vuelta entre los tres valores. Simplemente proceda como se siente LAN. Pero recuerda que el negro es poderoso. Es más fácil agregar negro de lo que es quitárselo. Si bien en este punto en particular, la línea negra sólo conecta con las zonas que están por debajo de ella. Por lo que no debe tocarse demasiado después de que se aplique. Por esa razón, lo he aplicado con bastante valentía. También note mis tamaños de pincel. Empecé con un piso más grande, por lo que podría estar más suelto y cubrir más área. Después usé una ronda puntiaguda más pequeña para colocar mis oscuros. Me ayuda a no exagerar. Mezclé los oscuros con un plano más ancho. Y usé un cepillo de cerdas pequeñas, rígidas y redondeadas para aplicar la pintura en el mango. Necesitaba más control y una punta pequeña pero no puntiaguda porque las zonas tan apretadas. Voy a tirar algunos de los oscuros más oscuros en este punto. Recuerda, estos servirán como los oscuros y la pintura final. Por lo que necesito ponerlos un poco más audaz en ciertas áreas. Y eso es todo. No lo estoy suavizando tanto como pudiste o como lo hicieron algunos de los maestros. Yo personalmente quiero que la pieza sea un poco más floja, pero tiene valor suficiente para proponer dimensión. Ciertamente podemos enmendar también en las capas superiores. Ahora, como esto se está secando, pasaré a pintar algunos bloqueados en bajo manifestaciones de pintura. 4. Pintura bloqueada: En esta conferencia, voy a demostrar un bloqueo como forma de debajo de la pintura. Utilizando este método, el artista pinta áreas planas de color para representar los tonos medios o valores en colores en la pintura. Para ello, lo primero que me gustaría hacer es evaluar la imagen usando las muestras de color de mis pinturas. Esta es la imagen que estaré usando para mi demostración. Y puedes ver que tengo una aplicación de color en mi computadora que identifica los diferentes tonos de color. Entonces a medida que muevo mi cursor alrededor de la imagen, se puede ver que cambia de acuerdo al nuevo color, el color en el cielo. Ese tono bajo es el mismo que el melocotón en prematuro que creamos en las conferencias previas. A medida que me desplaza por varias partes de la imagen, se pueden ver los colores identificados. Estoy tratando de 0 en los tonos medios o color local para cada elemento de la escena. Al hacer esto, miré a través de mis muestras y averiguaré a cuál o qué combinación de ellas podría acercarse en un partido. Ahora el agua tiene varios tonos tensantes de color azulado. Descubriré el tono base y luego las capas superiores pueden ajustarlo en consecuencia. Intento también limitar el número de colores que se utilizan ya que eso ayudará a la paz a mantener un sentimiento de unidad. Una vez tengo una idea de qué colores van donde los mapeé en una de mis fotos de referencia. Y esto me ayuda a mantener mi foco cuando me siento a pintar realmente el debajo de la pintura. Es una referencia rápida. Además, cuando veo todas las muestras elegidas junto con la imagen, me da una idea de si creo que este esquema de color general funcionará. Y en este caso, creo que estamos bien para seguir adelante. La primera demostración de bloqueo será nuestra versión de medio tono. Mezcla de los colores que seleccionamos en los clips anteriores, tratando de crear valores medios de cada variación de color. Entonces aquí estoy tratando de crear un neutro más oscuro a partir de halo azul y rojo veneciano. Ambos son colores muy intensos y la mezcla es muy oscura. Por lo que voy a añadir un poco de blanco para aligerarlo solo un poco. Ahora para el color del mar, nuevo, quiero un valor medio, no claro ni oscuro, en equilibrar una combinación de turquesa fallida, azul ultramarino, y blanco. Y es importante poner a prueba tus colores. Se trata de un trozo de papel de acuarela chatarra. Ahora voy a necesitar una versión ligera de este color también para la Sea Foam. Y por último, mezclaré una especie de esperanza por la arena. Ahora porque la superficie ya está tintada. Para trabajar con la pintura, necesito estar consciente ya que trabajo para salvar áreas, básicamente para dejar parte del cielo sin pintar. Te acordarás de este durazno y euro permanente, que planeo aligerar en una capa superior, el esmalte blanco muy delgado. dónde empezar es muy individual. Pero usualmente me gusta empezar en el cielo si es un paisaje. Ese suele ser uno de los valores más ligeros en el mismo. Aquí también es donde quiero conservar algo del color base. Entonces pintaré sobre el azul medio, lo frotaré en la superficie con un cepillo de cerdas de cerdas de cerdas, y luego levantaré lo que pueda con una toalla de papel que deja un tinte de color. Entonces estableceré la línea del horizonte y pintaré una de las zonas más oscuras del agua, el cuerpo distante. Estoy pensando en términos de secciones de color relativamente plano. Se pueden tener variaciones mezcladas por supuesto, pero en general, transmite bloques de color. Ahora estoy calentando el color del mar mientras trabajaba hacia el frente de la escena. Es una estrategia paisajística. Los tonos medios cambian a medida que viajas por la composición. Sigo usando un cepillo rígido y todavía un poco de una acción de fregado que ayuda a mantener la capa delgada. Recuerda que puedes levantar pintura, iluminar el valor limpiando con una toalla de papel. Ahora, aplica el más claro ver color, el medio tono para el teléfono C. Ahora para las rocas, ese medio tono es en realidad bastante oscuro porque todo el elemento es oscuro. Los valores más oscuros son casi negros. Una vez más, limpiar es muy útil en manchas. Yo froto la pintura y trabajo con cuidado los bordes, siempre haciendo referencia a mi foto de referencia en blanco y negro. colocación del elemento y su forma es realmente importante. Y como no tienes que enfocarte en los detalles, tu cerebro se libera hasta 0 en estos factores. Recuerda también que los cambios se pueden hacer más adelante en las capas superiores. Este oro, por ejemplo, es en realidad un poco desagradable. A veces no se sabe hasta que la pintura esté en la superficie, si va a funcionar. Voy a quitar la mayor parte de ella y lidiar con el efecto de luz solar futuras capas. Ahora mismo, solo haz lo posible para establecer los valores, las formas en la colocación. Creo que eso debería hacerlo. ¿ Se puede ver lo plana que se ve la imagen? Dejemos que esto se seque y pasaremos a otra forma de bloqueo. Ahora vamos a pintar la misma escena, pero con un tablero cubierto de lona blanca y usando valores de color. Es así como normalmente empiezo mis pinturas, aparte del boceto de tinta, que recordarán de la conferencia previa. Mi práctica normal es una semi rejilla bajo dibujamiento usando lápices de acuarela. Y usa las mismas mezclas de color de la última demo. Excepto voy a profundizar, iluminado algunas de las melodías. Entonces para el cielo, estoy tendido sobre una fina capa de blanco. Esto va a actuar como base para un color futuro, que ya verás. Y nota que estoy empezando en el cielo otra vez. Ahora, voy a añadir un toque de rojo a la mezcla blanca e intentar que coincida con el cielo color melocotón. No estoy coincidiendo con el medio tono, sino con el valor de la luz. Realmente puedes empezar donde quieras. Este es mi elemento preferido. Por lo que voy a añadir blanco y por supuesto solvente. Y esto va a ir directo al blanco. Eso ya está en la superficie. El blanco evita que el pigmento del melocotón se empape directamente en la superficie. Por lo que puedo levantar el exceso de color más fácil si es necesario. Y mantiene todo el encendedor de color. Se trata de un filibuster cerdas de pelo de cerdas de cerdas. Yo lo elegí porque de las cerdas son lo suficientemente rígidas como para fregar y es lo suficientemente ancha como para proporcionar alguna buena cobertura. Estoy barriendo el pincel de ida y vuelta para mezclar los colores suavemente en el Blanco anterior. El fondo del cielo tiene un tinte azul-gris. Por lo que mi punto de partida será recoger algo del color claro Sea Foam y trabajarlo en ese lugar. Aviso Empecé en el horizonte y arrastré hasta la pintura hacia arriba hacia el área del durazno blanco. Yo quiero que el azul-gris sea más oscuro a lo largo del horizonte y se mezcle en el blanco. Un bonito gradiente suave. El cepillado repetido me ayudará a hacer eso. Ahora, aplica el mismo color al primer plano, el agua de mar. Y todo el tiempo estoy mirando mi imagen de referencia para ver cómo se colocan las variaciones de valor dentro de la escena. Esta zona tiene un tono de color subyacente que es muy claro. Pero a medida que voy hacia atrás hacia las rocas distantes, el valor azul se profundiza. Entonces aplicaré un tono más oscuro ahí y usaré trazos de mezcla para fusionar las áreas. Se bloquean los colores pero se mezclan en la escena. Observe las cinco versiones de azul que se han desarrollado en mi paladar. Es probable que sigas haciendo mezclas como Tú no lo eras. Gran parte de los bocetos de tinta consiguiendo contrarrestados. Cualquier espectáculo será cubierto por las capas superiores. Ahora voy a aplicar el valor más oscuro que se sienta a lo largo del borde de la espuma marina. Es de color plano, emplumado de alguna manera. Esto es realmente para la colocación de color y valor. No está destinado a perfeccionarse todavía, sólo una aproximación cercana. Con el tiempo se mezclará con el color y la onda de primer plano. Añadiré un poco al borde de la onda distante también y luego la mezclaré en el medio ver color. Por lo que se puede ver que es diferente a la primera versión de bloqueo que busco más los valores dominantes dentro de cada color. Ahora voy a aplicar el color para la ola en el mismo frente. Pero eso me parece un poco demasiado oscuro. Es un color muy claro. Entonces hasta los valores medianos u oscuros en ese elemento, luz, necesitaré agregar algo del peso y algún disolvente. Eso es bastante bueno. Deja espacio para futuras luces y algunas oscuras. Y luego cepillaré suavemente para mezclar las costuras con cepillo limpiado. Tan pincel muy, muy ligeramente cargado y un toque suave. Voy a aligerar un poco el tono de la demostración previa. Y voy a usar el color melocotón como mi Leitner. Eso lo ayudará a unificarse con el cielo siempre tan ligeramente. Y para las olas distantes, voy a pintar algunos de los tonos más claros ahí también. aplica la línea del horizonte con esos giros de mar oscuro. Siguiente. Coloco los más temprano en la última demo. Por lo que puedes ver que hay libertad en tu acercamiento y colocar un poco de hábito en el área C Medio para unir las regiones e implicar distancia. Parece un poco demasiado oscuro, así que lo aclararé un poco. Y con un ligero la montaña del color sigue en mi pincel. Lo barre por la cima del cielo. El cepillo ligero carga automáticamente significa que resaltará Lee, que es lo que quiero ahí. Y por último, los valores muy oscuros de las rocas. Empezaré con la estructura más grande. Esto me da un mejor punto de referencia para las otras formas. Y voy a mezclar esta costura entre la gran roca en el agua. No lo puedes ver, pero estoy limpiando mi cepillo con una toalla de papel cada vez que salga de ti. Si no pongo demasiado audaz, contrastes de color se mancharán un poco demasiado. Otra cosa que puedes notar mientras trabajas es que en ocasiones y elemento puede estar fuera aquí. Una vez que coloco las dos rocas, noté que el horizonte es demasiado bajo. Por lo que acabo de agarrar pero ese cuello y levantar la línea, estar dispuesto a ajustar según sea necesario. Estoy cambiando a un pincel más pequeño para completar la pintura bajo para las rocas más pequeñas. Porque el valor es tan oscuro y tan fuerte, quiero tener más cuidado con los bordes. Un pincel pequeño te da un poco más de maniobrabilidad. Hacer que estas formas y tamaños sean correctos es realmente importante. No es que no se pueda arreglar a través del cambio más adelante. Podemos. Pero preferiría que el tamaño fuera correcto, aparte de pequeños detalles, sobre todo cuando hay tal cambio de valor. Porque como vimos con el horizonte, tus formas y tamaños te ayudan a calibrar las otras formas y tamaños. Algunos pequeños toques aquí y allá. El pedazo está listo para conducir. Observe el rango en valores, pero también el hecho de que cada elemento sigue bloqueado por el color. Y en su mayor parte, plan lo dejará secar y seguir adelante. Ahora que he demostrado múltiples métodos para ejecutar y bajo pintura y te he dado instrucciones para cada uno en tus limosnas. Selecciona un tipo de debajo de pintura o si lo deseas, puedes escoger más de uno, debido a que varias pinturas completas, estás debajo de la pintura. Y luego podrás pasar a la siguiente conferencia, donde se hablará de las capas superiores de pintura. 5. La pintura de las capas superiores: Ahora hemos llegado probablemente a la etapa más importante evolucionar, y eso son las capas superiores de pintura. En las capas superiores se desarrolla formalmente tu pintura. Y puede consistir en múltiples capas de pintura. Te llevan desde la base bajo pintura hasta la finalización. Esta es la parte del proceso y eso es especialmente interpretativo. Es donde entra en juego tu creatividad y estilo artístico. Hay muchas, muchas formas de completar esta etapa que hace que esta parte del curso sea un poco complicada porque cada persona, así como cada composición es individual. Tu proceso también se ve afectado por cómo eliges establecer la capa base. ¿ Qué hiciste para una pintura bajo, por ejemplo, que pueda determinar qué haces en las capas superiores. ¿ Tienes un imprimatur? ¿ Y cuánto de ella quieres consolar? Estas son todas las cosas en las que debes pensar. En última instancia, tu objetivo es usar pinceladas y color de pintura para crear tu visión para la composición que se está pintando. Antes de poder proceder a las capas superiores de pintura, sin embargo, debes asegurarte de que la pintura debajo la esté dibujando. Debe ser lo que llamamos seco al tacto, ya que puede tardar meses en que una pintura al óleo se seque completamente. Pero seco al tacto es lo suficientemente seco como para percibir. Una forma de saber si está lista es empujar la uña en la capa de pintura. Si deja una marca, entonces no está lista. Si no lo hace, puede proceder. Personalmente tomo un pequeño trozo de toalla de papel seca, suavemente la golpeo en la superficie. Si alguna pintura se desprende, no está lista. Hago esto en varios puntos ya que algunas pinturas tal vez más lentas tu seco. Si se mantiene limpio, estoy a salvo para proceder. Las capas superiores de pintura consisten en múltiples capas de pintura creadas a través de una variedad de pinceladas. En mi clase, dominando pinceladas, que algunos de ustedes pudieron haber tomado. Cubro 22 pinceladas utilizadas por los maestros así como por los artistas de hoy. Estas pinceladas, cuando se colocan en agrupaciones, pueden crear una sola capa de las capas superiores de pintura. Por ejemplo, puede aplicar una capa acristalada, y una vez que esa capa se seque, entonces puede decidir comprar una serie de trazos rotos sobre el área de glaseado. Una vez que eso se seque, entonces puedes decidir aplicar algunos trazos emplumados. Cada una de estas capas, el acristalamiento, el trazo roto, la agrupación, y el conjunto de trazos emplumados se considerarían cada una una una capa superior de pintura. Una cosa importante a tener en cuenta es que típicamente las capas superiores se aplican en sucesión, una tras otra, permitiendo que cada capa se seque en el medio. Pero también se pueden aplicar en pintura aún húmeda. De verdad, se puede trabajar hasta que una película comience a desarrollarse sobre la pintura. Este método es parte de lo que se llama pintura directa o alla prima. Para el pintor alla prima que completaría su pintura en una sola sesión. Podrías aplicar un debajo de pintura e ir a la derecha en las capas superiores mientras esa pintura base aún está húmeda. O podrías saltarte una pintura debajo por completo e ir directamente a pintar los sujetos directamente a las capas superiores. Si decides capas, no hay un número perfecto de capas que debes aplicar. Todo individual. En realidad, solo necesitas pensar a través de un plan de cómo puedes construir la pintura para transmitir tu visión para la imagen. Tu conocimiento de pigmentos, tiempo de secado, y posterior flexibilidad son piezas importantes de información. A medida que completas estas capas. Recuerda, quieres aumentar el contenido de grasa, ya sea de aceite, medio o grosor de capa a medida que añades capas. O simplemente puede disminuir la cantidad de disolvente. De cualquier manera, es un aumento en el contenido de petróleo a medida que trabajas. Lo último que puedes hacer una vez que hayas completado tu pintura formal es firmar tu trabajo. Si es algo de lo que estás orgulloso, fírmalo. Y esto se puede hacer usando una pintura redonda y diluida muy pequeña. Entonces la forma en que vamos a manejar esto es que primero voy a demostrar a capas superiores para cada uno de los apuntalamientos que habíamos pintado, los tres tonales y los dos bloques. Y luego veremos algunos ejemplos maestros y veremos cómo estratificaron su dolor. Después de eso, se te animará a completar tu propia pintura. Empecemos aplicando las primeras capas a los apuntalamientos tonales. 6. Captura principal I - demostración de valor: En esta conferencia, vamos a comenzar nuestras demostraciones agregando la primera capa superior a nuestros apuntalamientos de valor. Ten en cuenta que estoy trabajando en mi propio estilo personal, pero la mayoría de los conceptos pueden aplicarse a cualquier estilo de pintura. A VR dot u bajo pintura establece los valores así como proporciona el subtono verde. El siguiente paso en este tipo de pintura es o bien pintar una vela de crucero. A algunos artistas les gusta hacer eso, o aplicar una capa de color que acerque la imagen al verdadero color del objeto. Eso es lo que haremos en esta pieza. Necesito aproximar el color del latón envejecido. Ese es el color complicado. Pero al experimentar con diferentes mezclas, pude determinar qué combinaciones de colores me llevarán hasta allí. Es básicamente ensayo y error. Decidí por una mezcla de un gris francés y ocre amarillo. Voy a usar el número crudo para los oscuros y mezcla principal más el blanco para los valores de luz. El fleco gris es muy granular. De hecho, si estuvieras aquí en persona, podrías escuchar las partículas moler en el paladar como mezcla. Siempre revisa tus mezclas mientras trabajas para ver si es el color año después. Utilizo un trozo de acuarela de chatarra para probar, necesito adelgazar la pintura hacia abajo para que permita que parte del verde se muestre a través. Pero no la quiero tan delgada o tan magra como la capa base, así que no estoy agregando tanto disolvente. Y debido a que el gris francés es bastante mate, estoy agregando algo de grasa. Esta vez nogal medio alquídico porque conduce pasado y tiene alguna gasa. Recuerda mezclar en medio adicional o disolvente muy a fondo, para que la pintura se seque uniformemente. Ahora voy a empezar con un cepillo de cerdas de cerdo más rígido porque quiero frotar la pintura sobre la superficie para asegurar una bonita capa delgada. Observe el ángulo del pincel y la ligereza hasta mi toque. Este es una especie de movimiento de fregado suave y la capa debe funcionar como una especie de glaseado. Ahora como mencioné, el gris es una pintura bastante granular. Entonces se va a poner en la superficie un poco áspera. Es lo contrario de la falla del azul que dio una cobertura suave por intensa. Para esparcirlo alrededor, voy a poner pintura más gruesa y luego frotarlo todo alrededor de la forma. Por ahora, evitaré esas áreas blancas que representan los reflejos reflectantes. Ahora, creo que en cambio, usaré mi mezcla más ligera y la llenaré con eso. De esta manera toda la base es lisa entre sí. Posteriormente sumaré los aspectos más destacados. Una vez que la capa está seca. Cambié a un cepillo redondo más pequeño para rellenar la parte superior del formulario. Ya que es un punto bastante apretado. Se puede ver que los valores debajo siguen siendo visibles y hay un débil tono verde al objeto. Lo que estoy haciendo es aplicar y toda tumba de color para acercarla al color del objeto. Y mientras hago esto, estoy vigilando las formas de diversos patrones de valor, áreas de oscuridad y áreas de luz mirándolas estrictamente en términos de forma. Entonces utilizo mis mezclas ligeras, medias y oscuras para transmitir esos valores. Aviso He cambiado a un cepillo Sable suave. Una vez fuera el color base de latón se aplica. Esto es para ayudarme a suavizar las transiciones. Tengo mi impresión en blanco y negro ya que me gusta seguir la situación de iluminación original. Esto afecta donde pongo los reflejos y sombras. Elegí los números crudos, mi tono oscuro porque es físicamente más oscuro y porque es más cálido que el bloque. Este objeto cuyos tonos muy cálidos, se puede ver cómo aplicar el tono general comienza a hacer que se vea más realista. Pero aún tienes un toque muy sutil de ese verde base, como puedes ver en el objeto mismo. Y la colocación clara y oscura hace que se vea más dimensional. Estoy usando una pequeña ronda y el umber para pintar directamente algunas líneas de sombra clave. Estas son marcas importantes. Notarás que mi muñeca está descansando sobre la superficie seca. Eso es por la estabilidad. Me ayuda a mantener un buen control del pincel a través de puntos delicados. Y de nuevo, solo estoy mirando el objeto y decidiendo dónde están las líneas clave y las sombras. En este punto. No estoy colocando cada pequeño detalle. Pero por supuesto que podrías. Eso es una cuestión de estilo personal. Y luego lo dejaré secar al tacto antes añadir algunos reflejos y hacer cualquier pequeño arreglo. Tenga en cuenta que un fondo se puede aplicar primero junto con esta fase. Después de que se complete. Eso depende del artista. Entre la aplicación solvente, alquídica, y delgada. Debería secarse rápidamente, permitiéndome aplicar otra capa dentro de unos días. Ahora vamos a añadir una capa a nuestro tonal bajo pintura. Ahora bien, si recuerdas en el apuntalamiento tonal, vimos que el fracaso del azul se extendió uniformemente. A pesar de que tenía delgada hizo mucho. Esto se debe a que tiene una molienda muy fina y es muy tinción. Y mencioné que podemos ajustar los valores en las capas superiores. Eso es lo que vamos a hacer en esta capa superior. El muñeco es para transmitir una apariencia transparente vidriosa. Todavía no nos vamos a preocupar por esos reflejos brillantes. Nos encargaremos de eso en una capa de seguimiento. Tampoco voy a lidiar con la textura del vidrio. Esa es una detallada mejor guardó su capa final. Por lo que nos enfocaremos una vez más en las luces y los oscuros. En primer lugar, necesito mezclar un color claro. Tiene que ser más ligero que el debajo de la pintura y un poco más cálido en tono de color. Estoy usando los mismos colores que el sustento, pero con el blanco, lo que lo hace más opaco. Las probabilidades y fallido turquesa para calentar la mezcla. En esta demostración de capas, no voy a agregar ningún disolvente o medio, solo voy a aplicar la pintura muy finamente. El estrato inicial tenía una buena cantidad de disolvente. Por lo que al usar pintura pura, nos estamos quedando con el creciente requisito de grasa y flexibilidad. Una vez que creo que el color se ve bien, voy a usar un cepillo de cerdas rígidas. Esta vez, un medio redondo y matorral en las luces. Tengo el artículo real aquí para referencia de cólera, pero estoy usando la impresión en blanco y negro para la colocación de valor. Observe lo opaco que el blanco mezcla la pintura, dándole una cobertura más sólida. Pero también nota lo finamente que lo estoy aplicando, cuanto más dolor, no más cobertura. Y casi lo estoy emplumando en el azul. Normalmente pinto con la pintura directa o casi directamente frente a mis ojos. Esto te ayuda a calibrar mejor las formas. Pero para fines de video, me voy a un lado. Las áreas de punto culminante aquí son una pintura ligera realmente importante un lugar allí, pero los reflejos más fuertes se sumarán más adelante. Una vez que esta historia de capas, quería estar seguro de que son muy fuertes y que no se van a teñir por la pintura circundante. Esa es la de pintar sobre una capa seca. Nuevamente, observe qué tan fina se aplica la pintura. Se trata de un pincel muy ligeramente cargado y la pintura es casi seca pincel hacia abajo, un trazo muy ligero. Esto permite que el azul base brille a través mientras aclara el valor general. Además, observe que he cambiado a un pincel más pequeño, todavía rígido para poder meterme en las zonas estrechas. Al igual que con la pieza CIO de Verdot como estoy pintando, sigo mirando la imagen de referencia en una, veo las áreas de luz como formas. Esto es realmente clave. Es posible que veas que los bordes siguen siendo difusos. Eso es algo que podemos refinar cuando aplicamos el fondo. O para pinturas sueltas, podemos dejarlo ser o incluso realzar la libertad y las líneas. Ahora notarás que tengo mi cuchillo de paleta en la mano izquierda. A veces una cosa que me gusta hacer es mantenerla a mi lado con un poco de la pintura sobre ella. Y lo uso para recargar mi pincel. Es un poco útil porque trae pintura extra a la urea de pintura. Por lo que sólo tengo que tocar mi pincel hasta el final del cuchillo paleta, recoger más pintura, y seguir trabajando. Olvidé mezclar mi pintura oscura, así que lo haré ahora mismo. Recuerda una pintura tonal lugares, luces, mediums, y oscuros en un solo color. Pero no se pretende normalmente como el código final. Solo estás usando valores para colocar tus formularios. En las capas superiores. Refinas los valores en los bordes y perfeccionas el color. Debido a que el objeto es de vidrio, voy a tratar de mantener mis oscuros lo más transparentes que pueda por lo que estoy evitando agregar negro. Mi negro es opaco. También desde que aplicé las luces por todas partes y esa pintura sigue mojada. Cuando aplico la pintura oscura, puede untarse a lo largo de los bordes muy fácilmente. Simplemente hay que tener cuidado de no exagerar la cantidad de pintura oscura ya que fácilmente puede sobrellevar o volcar las luces. Cuando añades darks, tienes opción. O bien puedes mezclarlo en esta pintura de redondeo, creando lo que se llama el borde suave. O puedes dejar tu trazo como un golpe directo con lo que se llama borde duro. Cada uno tiene un sentimiento diferente. Entonces ustedes, como los artistas, tienen que decidir lo que quieren en ese spot en particular. Y voy de ida y vuelta con luces y oscuros, mezclando y manchas y dejando algunas zonas más directas. Todo el mundo va a tener un proceso de trabajo diferente. Básicamente solo voy francamente a donde mis sentimientos me llevan. A continuación te presentamos algunas luces clave que hay que añadir. Lo bonito de la pintura al óleo es que tienes tiempo de sobra para ajustar y volver a trabajar áreas ya que la pintura no se seca en cuestión de minutos, como muchas de las pinturas de medios de agua. Sigo mirando los colores en el objeto real y la colocación del valor en la foto de referencia. Veo que la parte superior del jarrón está poco apagada, así que voy a usar mi color oscuro y elevar el elevador sólo un poquito del lado derecho. Ahora si esta base estuviera sentada junto a otros objetos que tuvieran color, también tendrías color reflectante ahí dentro. Pero estoy tratando de mantener esto muy simple para nosotros. Estamos aprendiendo ahora mismo sobre la pintura en capas. Y eso es todo para esta capa. A veces en realidad se puede terminar la pieza en una capa superior de pintura, pero ésta necesita otra jugada. Va a necesitar ajustar la textura. Un pequeño toque de textura al menos, y reflejos. Todo eso lo hará cobrar vida. Por ahora, lo dejaremos a un lado para que se seque. A veces cuando sé que necesito aplicar otra capa y me gustan las mezclas de color que he usado. Voy a raspar la pintura restante y la colocaré en una pequeña taza de plástico desechable que tiene tapa. Una vez que el plomo está unido, coloco las copas en una bolsita de plástico y la coloco en mi congelador hasta que esté listo para pintar de nuevo. Cuando quiero pintar, solo necesito sacarlo del congelador aproximadamente una hora para pensarlo y está listo para usar. Ahora vamos a aplicar un glaseado a Brasil apuntalando que creamos. Porque los colores tan similares al pitcher tonal en el que acabamos de trabajar. Voy a dejar la pintura restante en el paladar y simplemente añadir disolvente y aceite medio alquídico. Vamos a querer que sea muy delgado. Por lo que esto realmente debería funcionar bien. Recuerda que la pintura estaba directamente del tubo, por lo que no hay solvente previo son medios de los que preocuparse. Aún así, esto es bastante delgado. Pero como el pigmento es tan muy fino y estamos agregando grasa a esta mezcla, debería ser lo suficientemente estable. Estoy usando un cepillo de cerdas medio redondo y voy a recoger un pincel muy ligero ellos para aplicar la pintura. Voy a fregar muy suavemente porque sé que a esta pintura le gusta cubrir muy a fondo. Y realmente no quiero que esté muy oscuro. Como se puede ver. Es lo suficientemente delgado en este punto para permitir que los valores base se muestren a través. Y eso es lo que queremos. Si pasa a oscurecer, siempre se puede limpiar la capa superior. Eso debería aligerarlo un poco. Ahora, puedo hacer casi todo este glaseado con el único pincel. Y muestra unos pinceles un poco más grandes porque solo estamos aplicando un color sobre toda la forma. Y la forma es de un tamaño decente. Generalmente, cambio de pinceles de acuerdo al tamaño del área que se está pintando. El mango del objeto necesita un cabezal de cepillo más pequeño. Entonces usaré este pincel, pero aún tiene un poco de la pintura anterior en él. Un poco de blanco. Ya que tengo disolvente en la mezcla de glaseado, solo lo robaré en eso y luego lo limpiaré con una toalla de papel. El sólido ayudará a liberar algo de esa pintura blanca, dándome un pincel más limpio. Y luego lo puede usar para el mango. En muchas gacelas, los valores funcionan como los valores finales y la pintura. Pero también puedes agregar pintura adicional sobre la parte superior para reforzar esos valores. Depende del artista. En este caso, solo quiero que esta capa sea un glaseado de color general. Y luego preferiría refinar los valores en la tercera capa. El azul sigue un poco oscuro para mí. Entonces voy a usar toalla de papel para levantar parte del pigmento. Eso ayuda un poco. Ahora si quisiera, podría aplicar algún oscuro derecho en el actual glaseado húmedo así. Pero prefiero esperar, dejarlo secar y luego refinarlo. Esta es la pieza que quería pintar un poco más floja. No lo ves en esta capa ya que el objetivo era simplemente agregar el color local. Pero una vez que está seco, nuestra capa de seguimiento podría ser una oportunidad para quizás un poco de río o trabajo. En la siguiente conferencia, aplicaremos la segunda capa superior a nuestras pinturas tonales. 7. Captura superior II: demostración del valor: Ahora que las primeras capas se tocan secas, vamos a aplicar una segunda capa superior. Y en este punto del proceso creativo, tienes varias opciones. Puedes seguir utilizando tu imagen u objeto de referencia. ¿ O simplemente puede proceder por su propio juicio en la imaginación o alguna combinación de los dos? Personalmente me gusta una combinación de los dos. No incluyo cada pequeño detalle, y me gusta la libertad de licencia artística. Si te orientaste hacia abstracto, es posible que incluso hayas arrojado tu imagen de referencia desde el principio. Todos somos únicos. Estoy colocando las pinturas en mi caballete esta vez para poder evaluar mejor la imagen. En esta etapa, siempre es buena idea dar un paso atrás y evaluar tu progreso y lo que hay que hacer. Entonces veamos cómo procedí a través de los siguientes pasos. Recordarás la cafetera de pasto envejecido que comenzó como CIO de Verdot y fue seguida con una capa de color local transparente. Ahora voy a sumar algunos de los reflejos y oscuros más oscuros, así como retocar cualquier área que sienta que necesite ajustar. De esta manera es en realidad ligeramente 2n2. Estoy pintando el color opaco en bastante grueso, aunque un poco de término base todavía se mostrará a través. Estoy usando un redondo sintético porque quiero cerdas más firmes, pero una aplicación de software. Debido a que la capa base se toca seca, puedo levantar la pintura actual con toalla de papel si es necesario. Y mi pintura tiene una gota extra de medio para engordar un poco más que la capa anterior. Es increíble cómo pequeños toques de P contrastante o tardío en este punto pueden tener un impacto. Observe cómo agregar este diminuto resaltado de repente trae dimensión adicional a la pieza que se puso un poco fuerte. Entonces limpiaré de alguna manera que lo mezcla bien. También puedes modificar áreas de pintura como agregar agujeros de cielo en follaje. Muchos de los maestros hicieron esto, o en este cuadro, agregando un área abierta del mango. Nuevamente, pequeños toques pueden hacer un gran impacto. Este es también un bonito escenario para agregar color reflectante o luz. Es decir, el color que se refleja en el elemento de los objetos circundantes. Y eso es todo lo que voy a hacer. Podría ayunar un poco más con él, supongo. Pero cuando llegué al punto donde mi voz interior dice, Eso es todo. Yo escucho. Dejé de saber que siempre puedo dejar que se seque y añadir otra capa de más tarde si es necesario. Y estoy bien con esto. Ahora abordemos el jarrón azul que comenzó con un apuntalamiento tonal. Es hora de agregar reflejos, un poco de textura, y algunos oscuros colocados con más precisión. Tengo mi imagen de referencia cerca, así como el propio objeto para referencia de color. Esta pieza necesita bastante trabajo. Necesito aligerar mucho del color. Y la única forma en que puedo hacerlo en este punto es a través la adición de blanco y una apariencia más opaca. Eso no es malo. Es sólo un hecho. Empecé agregando el valor de luz más fuerte en la base. A lo largo de su aplicación. También voy a estar ajustando las formas dentro de la forma. Esperemos que el resultado sea una apariencia parecida a un cristal marca. Tengo mi foto ampliada a este punto específico en el que quiero trabajar. De esa manera puedo ver mejor dónde están las líneas clave, así como las formas. Este es el escenario donde voy a sumar esos reflejos reflectantes. Es una llave. El cuadro, ayudará. Parecía vidrio. Yo quería la base seca, si te acuerdas, para que el blanco se quedara blanco. Y en este caso, el blanco divertido está inmanchado. Yo lo quiero muy fuerte. Cuando trabajo, me gusta trabajar por toda la pieza a medida que la situación me mueve. Algunas personas comienzan en un solo lugar y trabajan desde ahí. Completándolo a medida que funcionan. Aviso Estoy agregando melodías min a según sea necesario y realmente agregando pintura casi sobre todo el asunto. Y he engordado la pintura agregando un toque de medio. Ahora déjame mostrarte que puedes agregar un fondo en cualquier momento. Algunos maestros lo hicieron primero, algunos después de que se pintaran las formas principales, y otros en algún lugar del camino. Depende de ti. Estoy un poco demostrando agregarlo cerca del final. De lo que hay que tener en cuenta es que un valor muy oscuro como este hará que agregar pintura a lo largo de los bordes de los objetos más claros sea complicado ya que la pintura oscura puede afinarse fácilmente al ligero dolor. Por lo tanto, intenta pensar en tu proceso antes de trabajar. Esta pintura se ve negra, pero en realidad es un azul muy oscuro que se ha tonificado. Estoy usando un pequeño pincel redondo para pintar alrededor de los bordes del objeto en un plano grande para aplicarlo más libremente en el área abierta. El borde donde los dos p valora la carne es bastante fuerte. Es lo que llamamos un borde duro ya que no hay borroso y eso es una cuestión de elección personal. Pero déjame mostrarte cómo desdibujarlo si quieres. Prefiero eso ya que hace que el objeto se funda en el fondo un poco más. Para mezclar esa línea, usa un pincel pequeño. De nuevo, tengo un pequeño redondo sintético aquí. Borra las cerdas y acaricia suavemente la punta del cepillo a lo largo de la línea. Estás tratando de tirar un poquito de la oscuridad hacia la luz y viceversa. Si tiras en mucho oscuro, puedes agregar algo de pintura ligera y acariciarla repetidamente para mezclarla por completo. Este es un movimiento pequeño y estás trabajando en un espacio pequeño. Así que sé gentil y cauteloso. Y voy a añadir un toque de impasto destaque a la reflexión principal para sacarla un poco más. Necesito unos pequeños ajustes y realmente podría seguir trabajando la parte superior, lo tengo fundiéndose en segundo plano en este momento. Pero también podría optar por agregar, resaltar y traer más dimensión a esa parte superior. No obstante, para nuestros propósitos, está bien. Y note cómo el borde suave alrededor del objeto suaviza su apariencia. En nuestra tercera demostración, agregaremos una capa superior al lanzador azul que comenzó como museo. Habíamos aplicado un glaseado fino sobre la parte superior, permitiendo que los valores grizzled se mostraran a través. Podría agregar vidrios adicionales sobre la parte superior para realzar el color o agregar toques de Otros colores reflectantes. Pero voy a ir en una dirección diferente. Quiero pintar esto un poco más flojo, un poco más abstracto. Entonces voy a seguir con un esquema de color simple y realzar los valores oscuros con fuertes esmaltes azules. Recuerda que las capas superiores son donde puedes agregar personalidad y estilo. Empezaré elevando los valores a lo largo de la pieza, básicamente un glaseado de blanco, evitando las líneas oscuras. Y ahora reforzaré a los oscuros con una mezcla de blues bastante transparentes y usando uno o dos trazos si es posible, para transmitir las líneas. Esto me obliga a pensar a través de cada golpe. No estoy perfeccionando esto y no estoy manejando el color reflexivo. Sólo estoy apuntando a una expresión ligeramente impresionista de la forma. Ahora añadiré algo de pintura blanca más densa en manchas para ayudar a agregar alguna dimensión. Y colocaré algunos destacados más fuertes, más impasto en áreas de reflexión, mezclándose en algunos, en agregar luces más ligeras en áreas clave de la reforma. Observe cómo la colocación de luces y oscuros puede dar vida a una pieza, incluso cuando se trabaja muy flojo. Y eso es todo. Muestra forma pero de una manera divertida. Y gracias a algunos aspectos destacados clave , incluso tiene una sensación de vidrio. A continuación, retocaremos los dos paisajes bloqueados. 8. Captura I de bloqueo: demostración bloqueada: En el video anterior, demostré aplicar una capa superior de pintura a los tres tipos de sustentación de valor. Ahora haremos lo mismo por los dos apuntalos bloqueados. Y voy a empezar con el que suelo usar, el bloqueo de valores. Al igual que con cada sesión de pintura, comenzaré mezclando una aproximación de las mezclas de pintura sobre mí. No estoy agregando solvente ya que esta capa necesita ser un poco más gorda que la pintura bajo. Esta mezcla particular tiene umer quemado, que es de secado rápido. Entonces eso va a contrarrestar el blanco. Al seleccionar mis pinceles, estoy pensando en qué tipo de trazos planeo usar y afectarían que quiero. Cuando planeo paisajes, a menudo me gusta mi textura de pintura un poco más rugosa. Por lo que seleccionaré algunos pinceles de cerdas. Estas no son áreas enormes ni estrechas. Por lo que elegiré cabezales de cepillo medianos a pequeños. Calibre tus pinceles por el tamaño de tu pintura y el tamaño de la forma que se está pintando. Calibre con tipo de cerdas por cómo quieres que la pintura se coloque en la superficie. Aquí, estoy metiendo algo de pintura de valor medio sobre mi pequeño pincel plano. Recuerda que pinté las rocas el valor más oscuro. Entonces ahora necesito agregar variación de color y otros valores para darle forma. Sólo necesito un poquito de pintura en la punta de mi pincel para que haga un impacto en los oscuros. El contraste de valor hará la mayor parte del trabajo. Piensa en tu pincel como un objeto usado para aplicar la pintura. El pincel se pone sobre las cerdas y luego la forma en que mueves tu pincel determinará cómo se aplicará la pintura a la superficie. Entonces aquí estoy usando un cepillo de cerdas planas más pequeño, colocándolo un poco plano, y luego moviéndolo suavemente alrededor de la superficie con pequeños movimientos. Y nota que mi mano está descansando ocasionalmente sobre la pintura seca. Eso le da estabilidad a mi mano. Tan solo asegúrate de que la pintura esté seca. Se trata básicamente de pintura directa con un poco de acción de bola de escoria también, suave y estratégico. Estoy enfocando mi ojo en la colocación del valor y pensando en términos de formas. De vez en cuando necesito detenerme y mirar la imagen en un todo para asegurarme de que se esté comunicando como rocas. Es una especie de doble cheque. Ahora esta zona eventualmente va a ser luz del sol, pero por ahora, solo voy a colocar ahí un color más claro y cálido. A lo largo del filo. Esta roca en primer plano sería un poco más ligera ya que está más cerca de nosotros. Observe que cada aplicación de pintura cambia la dimensión del objeto. Por lo que la colocación es muy importante. Aún así, se puede limpiar si extravias una marca. Ahora, tu representación no tiene por qué ser exacta. De hecho, permitir cierta libertad de expresión puede ayudar a que una pintura tenga un poco más de carácter. Utilizo la imagen de referencia más licencia artística, es decir mi propia respuesta tripa o sentiría que se vería bien. En el bloqueo, los colores suelen ser bastante planos, colores individuales. Por lo que en esta capa superior, es agradable agregar algún cambio de color. Aquí estoy agregando un toque de giro de tierra roja para variación. Puedo retocar las rocas un poco más tarde o en otra sesión de pintura. Pero por ahora he establecido un inicio sólido. Algo que te recomiendo es tener la cabeza justo sobre tu pintura o justo enfrente de tu superficie de pintura. Aquí me voy a un costado. Definitivamente no es ideal porque hace difícil juzgar la forma sin tener un sesgo. Así que asegúrate de tener tu pintura frente a tus ojos. Ahora que hemos agregado alguna dimensión a las rocas funcionará en partes del agua. Voy a recoger un medio tono y añadir rayas de éste a partes del agua para implicar movimiento del agua. Ahora, estoy mirando donde hay médiums, son oscuros en el agua de primer plano. Y veo que hay pocos puntos cerca del frente. Esos son bastante oscuros. Eso tiene sentido ya que está más cerca del espectador, donde los detalles en los elementos se vuelven más visibles. Para cada forma que planeas pintar, debes seleccionar la forma y el ángulo del pincel que haría esa marca. Recolección la cantidad de pintura que pueda necesitar. Y luego acariciar la superficie de una manera que mejor transmita esa forma. Entonces aquí tengo líneas inclinadas en el agua que quería pintar. Voy a recoger un relleno Bert o un piso porque el borde es bastante recto. Y no voy a recoger demasiada pintura porque es una pequeña marca. Entonces acariciaré en dirección ascendente, permitiendo un poco de mezcla alrededor de los bordes para fundirlo en el color circundante. Sólo un poco. Ahora, voy a pasar a algunas de las luces, sobre todo en el agua. deba tonificarse un poco la espuma de agua en el mismo frente. Por lo que le añadiré algunos ver color a mi blanco y lo mezclaré bien. Muchos artistas no recomiendan usar blanco puro. No soy un estricto apego a eso. Creo que siempre es agradable tener un ligero tinte a tu esposa. Pero hay momentos en los que solo necesitas blanco puro para conseguir ese ponche. El valor sigue siendo muy, muy ligero. Entonces, aunque sea un tinte, debería tener un impacto. Pero también se mezclará con el entorno porque teñido con el mismo color. Y voy a escoria bola eso en dondequiera que vea áreas de ola. Ahora trata de recordar dónde tienes pintura seca. El beneficio de esas áreas es que puedes plumas o cepillar tu nueva pintura sobre la pintura anterior, creando efectos valiosos como la ola que golpea este artículo, la roca aquí. Si la pintura estuviera mojada, habría sido un poco más difícil de transmitir. También, presta atención, como dije, a la dirección en la que aplicas la pintura barrer tu pincel en la dirección del elemento, en este caso, la cresta de la ola. Se puede ayudar a implicar la realidad. Seguiré trabajando alrededor del cuadro, aún agregando luces y teniendo cuidado de no exagerar. Siempre tienes que comprobarte porque es fácil quedar atrapado y perder la perspectiva. Y a veces exagere. Ahora en el área de arena, voy a usar un cepillo apenas cargado y frotar suavemente a lo largo de la superficie de la pintura, agregando algo de peso al área de arena para implicar una capa muy delgada de agua. Voy a hacer un poco de mezcla aquí dentro. Apenas unos pequeños toques extra antes de que me detenga. Es importante saber cuándo parar. Puedo decir cuando mis energías creativas se desvanecen. Si sigo en ese punto, ahí es cuando es probable que cometa un error. Es mejor detenerse y simplemente terminarlo en otro entorno si es necesario. Así que presta atención a cómo te sientes. Dejará que esto se seque y volverá a ello otro día. Sigamos adelante y aplicamos la primera capa superior a nuestra pintura tapada de medio tono. Entonces aquí está nuestra segunda encerrada debajo de la pintura. Como recordarán, esta pieza estableció los colores locales del medio tono de cada elemento. Ahora comenzaremos a sumar las luces y los oscuros para desarrollar las formas. Un poco diferente al primer esfuerzo. A la izquierda se puede ver mi paleta, que se utilizó en la demo previa. Estamos usando los mismos colores, pero esta vez mezclé algunos colores extra oscuros y algunos extra claros. Basé estos colores en la foto de referencia de color en mi teléfono. De hecho, voy a usar algunos de los mismos pinceles también, ya que el tamaño de la pintura y los colores son básicamente los mismos. Lo primero que voy a hacer es agregar algunos oscuros a la masa ligera de las rocas. Quiero establecer esos valores oscuros y oscuros de inmediato porque me ayudará a calibrar y el resto del cuadro. Aquí, solo estoy cepillando la pintura de una manera estándar. Aplicación directa, comenzando por la parte más oscura del elemento. A medida que me acerco a donde hay tonos medios y luces apagadas, despacio y ten más cuidado. En este caso, necesito evitar pintar donde veo esos valores. Es una especie de forma opuesta de pensar desde la primera demo. Ahora que Sun struck spot será tratado en la etapa posterior, igual que la primera demostración. Observe cómo agregar esos oscuros agrega alguna dimensión y poseen su audaz sin embargo. Por lo que necesito tener cuidado alrededor del borde del agua. Elegí un pincel plano porque quiero algunos toques de borde recto. Es natural para las rocas. Y porque también es agradable para pintar bordes rectos como donde está la línea de agua. Y haré lo mismo por la roca distante, asegurándome de guardar algunos tonos medios. Y lo mismo para la roca en primer plano. Ahora, necesito aligerar el valor en el cielo, pero aún así permitir que parte del color se muestre a través. Entonces usaré un cepillo de cerdas redondas grande y rígidas. Y aplica una mezcla de pintura blanca tintada diluida por todo ese elemento. Yo lo estoy fregando muy finamente para que podamos mantener esa transparencia de que vamos por ella. Observe que estoy acariciando repetidamente en dirección horizontal. Como se mencionó anteriormente. A menudo es bueno acariciar en la dirección que es natural para el elemento. Tengo que tener cuidado alrededor de las rocas porque parte de esa pintura está mojada. Si el pincel lo recoge, es probable que manche la pintura blanca. Ahora, podría haber sido mejor cuando pinté las rocas para evitar pintar cerca del borde de las rocas donde se encuentra con el cielo. De esa manera no tendría que preocuparme por esto, pero está bien. Simplemente lo tomaremos despacio y lo manejaremos. Funcionará. Si sí te pones algo como oscuro en tu pincel, solo tienes que limpiarlo, recargar con tu color de pintura y acariciar suavemente sobre cualquier mancha. Si bien eso ayudó mucho, lo puedes ver así el color todavía, pero es un color más natural. Ahora, haré algo parecido con la arena. No obstante, necesita un ligero tinte. Ver verde. Bueno eso fue un poco demasiado grueso así que limpiaré la capa superior del dolor. Siempre deja un poco una mancha que actúa como una forma de glaseado. Ahora para agregar algunos oscuros y luces al agua. Al mirar mi imagen de referencia, pintaré en un poco de tono oscuro del mar. No lo estoy mezclando, solo colocándolo. Ahora voy a tomar ese mismo color y añadir un poco de una mezcla más ligera para profundizar algunos de los tonos en el agua, así como refinar la línea del horizonte. Eso es un poco demasiado oscuro y a azul. Entonces déjame añadirle un color claro. Es la belleza del petróleo. Simplemente puedes agregar un poco de luz mezclada en un analito en el valor general. También puedo ajustarme siempre en la siguiente sesión de pintura si termino por no gustarme. Pero déjame aplicar algunas de las luces y ver cómo eso equilibra las cosas. Mi pincel está ligeramente cargado y lo estoy sosteniendo en un ángulo bastante bueno. Observe cómo estoy agarrando el mango. Esta es realmente una forma de tropezar. El efecto del pincel determina cómo se colocará la pintura en la superficie. A veces giro el pincel, es alrededor del pincel con el fin de acceder a pintura fresca adicional cuando se desee. Entonces con sólo girar el pincel, puede haber algo de pintura fresca y puedo conseguir una fuerte dollop de blanco. Haré lo mismo con el agua del frente, acariciando la pintura de tal manera que implique acción. Las olas en el mismo frente son similares. Pero con cada línea de onda, necesito estar al tanto del patrón que estoy haciendo. No quiero que se vea demasiado predecible ni a la calle. No se verán naturales si es así. Pero de nuevo, recuerda, siempre se pueden hacer ajustes en el próximo hermano si es necesario. Por lo que ahora puedes ver he añadido los oscuros y el agua y algunas de las luces. Y lo que voy a hacer ahora es simplemente mezclarlo un poco. Quiero ayudar a suavizarlo juntos, pero aún así mostrar variación de valor. Algunos tengan cuidado de no exagerar mi mezcla. Es un toque muy gentil. Ya casi termino con este esfuerzo. Entonces mientras tengo algo de ese tintín blanco en mi pincel, solo voy a volver atrás y añadir unos toques muy ligeros a mis rocas. Apenas unos cuantos movimientos como este pueden a veces conectar áreas de la pintura. Lo une. Esta sección necesitará refinar, pero en realidad estoy un poco cansado ahora y necesitan alejarse. Ayuda a quitarte y luego echar un look fresco otra vez para rematar zonas. No está mal. Definitivamente tiene más dimensión a ella, pero necesita refinar, como dije, una segunda capa superior o una tercera en total, si incluyes la pintura bajo, lo dejará reposar para que se seque. Añadí una gota de alkyne a mi pintura de secado más lento por lo que debería secarse lo suficiente dentro de unos días. En la siguiente conferencia, aplicaremos la segunda capa superior. Dos están bloqueados en pinturas. 9. Captura superior II: demostración bloqueada: Ahora que la primera capa se ha secado al tacto, podemos comenzar nuestra segunda capa superior. Aquí tenemos el paisaje que bloqueamos en diferentes valores, como en apuntalar. En la última conferencia, pintamos una capa superior inicial. Y ahora lo vamos a refinar. Por cierto, si estás trabajando en una superficie horizontal periódicamente durante el proceso de pintura, debes colocar tu pintura que nivelo para que puedas medir formas, perspectiva, color, etc. toda la escena. Aunque lo vuelvas a colocar para pintar, Tómese el tiempo para evaluarlo primero a nivel de los ojos, hablaremos de esto un poco más después. Cuando reviso están bloqueados en la pintura, siento que esta parte del cielo necesita aligerarse un poco y necesito afinar el borde a lo largo de la pinza. Y tengo elección. O puedo tomar el color de la roca y extenderme un poco, o puedo igualar el color del cielo y tocarlo ahí arriba. Eso es un poco más difícil, pero no creo que quiera el acantilado más grande, así que igualaré el cielo. Otra área en la que necesito trabajar es la arena. Solo necesito agregar un poco de movimiento de agua. Básicamente hacer que se vea un poco más real. Además, necesito agregar algunos oscuros y color de arena aquí. Tampoco me emociona la forma de esta roca. Parece un poco en cuclillas, así que voy a sacar esto un poco. Ahora, un tema es ese área de blanco en las olas. Todavía no está seco al tacto, pero necesito seguir adelante. Por lo que trataré de evitar esas áreas. También estoy usando rosa puro por lo que debería secarse un poco más lento. Debería funcionar. Todo lo demás se toca seco, como se puede ver. Ahora cuando premezcla mis colores, una vez que creo que tengo una cerilla cercana, lo subiré y lo sujetaré al cuadro. Y entonces si quiero, puedo poner un poco en un trozo de papel de desecho justo al lado del cuadro. Y eso me da una idea de lo que podría necesitar para retocar. Aquí. El azul está bastante cerca. Simplemente necesita una versión clara y oscura de la misma también. He seleccionado mis pinceles. Este es un pequeño redondo sintético suave. A mí me gusta que sea suave con un punto pequeño. Debería hacer un buen trabajo mezclando a lo largo del borde del acantilado. Y luego escogí un Hilbert sintético muy suave para fregar en la acuarela. Y luego hay una ronda sintética más completa para una aplicación más precisa. Observe que todos son más o menos pinceles más pequeños. Eso no es raro para las etapas finales, ya que normalmente se trabaja mucho detalle. Y para la roca, puedo usar esa habitación pequeña más gruesa. Quiero un poco de textura extra, así que no estoy seguro. Podría terminar con un cepillo de cerdas de cerdo. Ya veremos. Divertidos, puros para pintar. Y he preparado mis mezclas. Empezaré retocando la zona a lo largo del acantilado. El color que estoy usando, el color cielo, parece un buen partido. Y sólo aplicando un poquito. Y me estoy mezclando suavemente con el cielo abierto. Porque la mayoría Se toca seco. Puedo descansar con seguridad parte de mi mano sobre la superficie para darme estabilidad. Y note que es un movimiento pequeño y cuidadoso este. Después apaga la pintura hacia afuera para mezclarla. Si te acuerdas, íbamos a poner un hijo aquí. Decidí no hacerlo con esta pieza. Simplemente no parece encajar de la forma en que tenemos la coloración. Y ese es un ejemplo de cómo necesitas ser un poco flexible a medida que trabajas. Y ahora creo que extenderé un poco la roca delantera. Y creo que usaré un pincel diferente. Usaré este pequeño cepillo redondo de cerdas de abrazo. Las rocas, en mi opinión, deberían tener un poco de textura para ellas. Una cerda más rígida ayudará a comunicar eso. Esta pintura se ve un poco de gripe, así que voy a calentar lo suficiente con un toque de umber quemado. Y poco a poco empujaré hacia fuera la forma. Observe que estoy descansando mi meñique sobre una zona seca de dolor. De nuevo, eso me da estabilidad. Trabajo despacio para poder calibrar cómo quiero cada forma. Sé que lo quiero al cuadrado, pero ¿qué tan grande? Siempre puedo agregar más pintura, pero no siempre es fácil quitársela, sobre todo una que es así de oscura. Entonces es mejor ser cauteloso. Esto no está mal, pero creo que lo sacaré un poco y le añadiré un valor más ligero para darle forma y también para que se mezcle con el resto de la roca. A mí me gusta más esa forma. Necesitaba ser más grande ya que es el punto focal. Y quería una forma un poco más interesante y de aspecto sólido. Entonces arreglamos esto y extendimos la roca. Ahora le agregaremos color y valor al agua frontal. Veamos cómo se ve. Si me topo con alguna del cono de arena donde está el agua aquí mismo, esta es una zona de agua muy fina. Por lo que el color de la arena miraría a través. Estoy cargando color arena por un lado del Hilbert y veo azul por el otro. Entonces todo lo que tengo que hacer es girar mi pincel para cambiar el color. Lo que queremos, nuestros pequeños picos de ese color arena, no por toda la cobertura. El suavidad del Filburn ayudará a que los colores se mezclen con menos líneas de pincel. Básicamente, mezclas más lisas. Y haré lo mismo con un color más oscuro ver también. Observe que los estoy colocando de manera direccional. Y traeré el redondo pequeño, más grueso para agregar unos pesos ligeramente impostores en el frente. El cabezal más pequeño recogerá una buena cantidad de la pintura y la depositará de manera más pesada. Si trabajo el pincel aquí mismo, lo estoy revolcando. Mi pintura peinando aceites es un poco más en el signo impresionista. Algunos artistas serían muy cuidadosos y precisos en esta etapa. Otros más sueltos. Como sigo diciendo, es un muy individual. Aquí, estoy agregando arena un poco más oscura y veo color para implicar el borde del agua. Y estoy tropezando con pequeños movimientos para transmitir esto en el agua. Además de una línea delgada para marcar el borde frontal. Un toque de arena más oscura justo frente a esa línea ayudará a que se vea más dimensional. Quisiera agregar algunos toques de color a las olas. Pero sé que sigue siendo un pequeño Dale. Creo que podría estar lo suficientemente seco por aquí, así que voy a añadir un poco de pintura su curso, si solo estoy agregando toques, debería estar bien aunque esté amortiguado. He decidido añadir manchas de pintura impasto. Ya que estoy agregando impasto, que tarda mucho más en secarse, la pintura de fondo se secará mucho antes que el impasto. En cuanto a nuestras reglas para la estratificación, al final debería estar bien. Aún así si puedes esperar a que se seque el tacto, eso siempre es mejor. Normalmente lo hago. Ahora mismo estoy trabajando bajo una restricción de tiempo. Se tocan las áreas azules de la pintura, así que estoy bien para aplicar códigos más delgados ahí. Y ahora bajaré la zona superior derecha del cielo. Yo sólo creo que está un poco demasiado oscuro. Voy a cepillarme una pequeña cantidad de pintura y luego usar una toalla de papel para untarla suavemente en el dolor circundante. Se parece mucho a un glaseado. Un poquito más. Y eso es acerca de lo correcto. Y eso es todo para esta pieza, siempre puedo dejarla secar y luego añadir dimensión aquí y allá. A mí me gustan las rocas y en general, no está mal. Ahora, en realidad había puesto el cuadro a un lado y luego lo miré de nuevo unos minutos después. En realidad no me había dado cuenta de que estas rocas en la parte de atrás se parecen demasiado a las albóndigas. Son dos igualmente redondos. Necesito cambiar eso. También quiero arreglar esta gran área blanca y poner un toque de rojo en la roca de primer plano también. Entonces lo haremos muy rápido. Por alguna razón, la pintura roja terrosa no aparece en este video, pero está ahí y coordina con el rojo en los trozos más grandes. Es sólo un toque, pero a veces sólo un poquito puede unificar la pieza. Ahora nos dirigimos a esas rocas. Todo lo que realmente tengo que hacer es cambiar el patrón de valor. Colocaré selectivamente algunos oscuros y luces para que cambie la forma implícita y la forma. Y esto realmente te muestra el poder de la colocación de valores, ¿no? Eso es más agradable. Y ahora nos dirigimos a la zona blanca. En realidad sólo necesita ser roto un poco. Esta área particular de blanco es más delgada y parece que puede estar lo suficientemente seca. Estoy de pie entre golpes para juzgar a dónde debe ir el siguiente golpe. Es posible que no puedas decirlo aquí. No quiero exagerar. Y así dar un paso atrás me ayuda a calibrar. Y voy a mezclar un poco las manchas de color en la pintura circundante. Aquí es donde me detendré. Tiene un buen presentimiento, que es principalmente lo que busco. Dejé que esto se sienta por unas semanas y luego evalué de nuevo con ojos frescos para ver si quiero retocar algo. Pero hay que tener cuidado en ese momento para no perder ninguna frescura. Por lo que ahora pasemos a la pintura tapada de medio tono. Esta es la pintura que empezamos con un color en época primitiva. Y luego agregamos un sustento bloqueado de medio tono. Tiene un mal humor o Cielo, posiblemente un amanecer o una puesta de sol. Por lo que la zona de sol que hablamos de agregar probablemente sería un mejor ajuste que el paisaje anterior. Puede que no funcione, pero le daremos una oportunidad. Evaluando lo que necesita. Siento que la roca de primer plano necesita un poco de calentamiento para sacarla adelante. Y la zona frontal del agua necesita luces, toques de color arena y movimiento implícito del agua también agregarán algunos blancos más brillantes a las crestas de las olas. También necesito limpiar la línea del horizonte, que suele ser muy calle. Y hacer mejor transportó la fina capa de agua en el mismo frente. Entonces hay mucho que hacer. Empezaré dirigiéndome a la línea del horizonte. Tengo este color cielo de la pintura anterior y debería ser un partido bastante bueno. Usaré este redondo sintético más delgado para aplicar suavemente ese color. Tarde en la línea ahí. Es un buen lote En realidad, nos arreglamos. Esta no es la mayor prisa, pero me gusta para este propósito. Observe cómo hay haywire las cerdas inferiores. Esto lo hace agradable en que el punto delgado puede aplicar una buena línea y las cerdas inferiores locas pueden suavizar. Apenas estoy usando pintura aquí, por cierto. Ahora, al igual que en el cuadro anterior, periódicamente paso atrás para ver cómo me va. Necesitas esa perspectiva diferente. A veces. El tiempo es un poco pesado. Hay una especie de línea de pintura. Por lo que voy a deslizar una vez con una toalla de papel. Simplemente levanta el exceso y le da una pequeña mezcla al mismo tiempo. Y ahora una mezcla, la parte superior hacia el cielo seco. Ahora veamos cómo va la zona del sol. No estoy 100% seguro de que lo quiera. Pero de todos modos, lo probaremos. Empezaré con un área de blanco ligeramente dorado tintado. Justo en el borde del clip. Es sol puesto porque no quiero que domine. Yo solo lo quiero como elemento de soporte en un mezclado en el color del cielo circundante. Yo lo iba a hacer más oro. Pero como estoy trabajando, decidí omitirlo. Nuevamente, sé flexible y escucha tu instinto. Simplemente lo dejaré así y le agregaré el oro a las rocas golpeadas por el Sol. Iba a hacer eso de todos modos, y podría ser suficiente. Necesitamos algún cambio de valor ahí. Por lo que voy a añadir un poco de oscuro y lo mezclaré. Y ahora barre suavemente el tono de luz en el área de ROC solo para desenfocar el borde e insinuar la luz del sol en streaming. Es casi una acción de plumas. Algunos accidentes más aquí y allá. Ahora por la adición de algunos tonos cálidos en el rock frontal. Estoy usando una mezcla de umber quemado y ocre amarillo. Vamos bastante fuertes, pero lo derretiremos. Sólo voy a añadir algo oscuro y luego algunos reflejos. Y sólo sigue yendo de ida y vuelta hasta que esté satisfecha. Los colores se mezclaron por todas partes ahora, dándole una sensación más cálida sin ser demasiado audaz. Aunque francamente, el color de la bombilla era un poco bonito, ¿no? Eso siempre se puede agregar más adelante. Si decido poncharme para colorear un poco, en realidad estoy agregando un toque de rojo. Pero de nuevo, por alguna razón no está apareciendo aquí. Pero está ahí lo suficiente para ofrecer intereses. Ahora abordemos esa agua en el mismo frente. Y voy a empezar como lo hice en la pieza anterior, agrego algunas pequeñas áreas de color arena, un gris o arena. Y esta vez estoy agregando medio en tonos oscuros y estoy moviendo mi pincel en la dirección de las líneas en la arena y en el agua. Voy a implicar el borde del agua, igual que lo hice la última vez con el mismo color. Podría definir aquí un poco más esta área, pero en realidad me gusta que sea más abstracta. Ayuda a mantener el, me enfoqué en las otras áreas de la pintura. Entonces voy a dejar eso prácticamente intacto. Ahora. Añadiré unos blancos brillantes a la onda frontal, así como a las crestas de onda más grandes. Estas áreas son más secas que la pintura anterior que hicimos. Entonces deberíamos estar a salvo. Además divertida, bastante impasto pintura más gruesa que la capa anterior. Observe que mi pincel más pequeño es bastante horizontal en la forma que lo estoy sosteniendo y estoy removiendo la pintura en unas áreas de reunión sin mucho más grueso, blanco brillante porque sería abrumador tenerla en todas partes y realmente no lo haría parecen agua espumosa. A veces menos es más. Y tropezar es agradable porque te permite saltar alrededor de la superficie. Voy a implicar movimiento a través de la colocación de la pintura. Puede que no lo veas, pero puedo girar mi pincel incluso un poco para acceder a más pintura. En aceites, la pintura se sienta en la persona haciendo que la TI sea conveniente. Archivo que tienes que hacer es girar el pincel para acceder a marr. Ahora limpiaré el pincel y lo usaré para frotar un poco la pintura en la superficie. Algunas marcas pueden permanecer de filo duro y algunas van a ser mezcladas. Esto hace que para una bonita variación visual. Ahora voy a dar un paso atrás y evaluar el valor en la colocación de color. Voy a seguir agregando y mezclando aquí dentro, solo trabajando hasta que me sienta satisfecho. Nuevamente, las áreas de pintura son bastante impostores. Me gusta la textura, sobre todo en mis paisajes. Si bien mis pinceles cargados ligeramente, una carga de cepillo seco, voy a aplicar algunas líneas para transmitir el agua muy fina en el frente. Ahora, necesito unos blancos brillantes aquí. Y así los pintaré en la dirección del movimiento del agua. Usando pintura gruesa. Esto ayuda a que parezca chorreando agua. Y como lo hice antes, giraré el pincel para pintura fresca donde lo necesite. Ser realmente cuidadoso de no exagerar. Esto está bastante cerca de su finalización. Tiene un sentimiento de acción y estado de ánimo, que es lo que quiero. Recuerda si llegas a un punto en el que estás contento, pero en realidad no has completado todo tu plan. Escucha tu voz interior en lugar del plan. A menudo, las pinturas no necesitan ser tomadas hasta donde pretendemos. Esto se ve bien. Podría agregar algunos esmaltes de color adicional, pero esa es su decisión ahora toma más tarde. En realidad, como en la pintura anterior. Después de dejarlo reposar unos minutos, decidí que quiero la roca delantera un poco más grande. Tiene que ser un toque más comandante. Entonces le añadiré algo de color al lado derecho que está bastante sombreado, así que lo mantendré oscuro. Me gustó mejor la forma resultante. Y eso es todo. Dejaré que se seque y me tomaré un cuidado fresco después de unas semanas. Espero que estas manifestaciones hayan sido de ayuda. Solo para recordar que cada uno de ustedes tendrá su propio estilo y método para crear su pieza. Es una de las razones son tan emocionantes. En la próxima conferencia, vamos a ver las estrategias de estratificación utilizadas por algunos de los maestros. 10. Capas Upper ejemplos maestros: Ahora que discutimos con algún detalle cómo acercarnos a pintar las capas superiores de pintura. Echemos un breve vistazo a algunas de las estrategias utilizadas en determinadas obras maestras de la historia estarán buscando principalmente estrategias de estratificación. Y les voy a pedir que piensen en cuáles pudieron haber sido esas estrategias. Es una lección de cómo diseccionar pinturas visualmente. Pausa el video según sea necesario a medida que avanzamos. La primera pieza que veremos es una pintura floral realista. Ve si puedes identificar el color base que el artista pudo haber utilizado en el fondo. Si miras de cerca la pared detrás del bodegón, notarás un color naranja brillante. Se puede ver detrás de la mesa, pero también se puede ver detrás de algunas de las flores. Si nos acercamos, se puede ver una especie de halo naranja alrededor de algunos de los foros. Esa naranja es muy probable una capa imprimatur. Y si miras con cuidado, notarás un color verde terroso tropezó sobre la parte superior en manchas. Ese color parece ser un color opaco y está pintado lo suficientemente delgado como para ser translúcido. Por lo que mayormente, pero no cubre totalmente la naranja. Es difícil saber con certeza cuándo se pintó en su proceso, pero se puede ver que se trata de faldas alrededor de las formas. Por lo que se pinta después de que se pinten las flores. Ahora, ¿qué estrategia usaron los artistas para llevar las flores hacia adelante visualmente? Te habrás dado cuenta de que algo pintado con blanco en la mezcla sale adelante. Y cuanto más blanco, más cerca aparece. También deja deliberadamente formas que necesitan recibir ya sea transparentes u oscuras y opacas. Aquí parece que su mejora que estás fuera pudo haberse detenido en la línea de la mesa. ¿ Cómo crees que sabemos esto? Bueno, observe que el color de la mesa parece ir por encima del naranja, donde los dos colores aseados. Eso me da una idea del orden de pintura también, al menos para ese spot. Entonces sé que hizo la era imprimatur y luego los colores de la mesa probablemente se aplicaron. Y mira este lugar aquí. Esto nos dice que las flores fueron pintadas después de que el emperador madurara y el color de la mesa. Observe cómo se pueden ver ambos a través del extremo de la hoja. Determinar el proceso utilizado para pintar las flores es un poco menos obvio, pero fui a adivinar que pudo haber trabajado en los tonos medios primero, después los oscuros, y luego las luces. Pero también pudo haber completado cada flor una a la vez. Algunos artistas trabajan de esa manera sin un análisis profundo. Estas son solo conjeturas, pero seguramente usó acristalamiento aquí para lograr esos colores brillantes y perfectamente colocados. Ahora echa un vistazo al lagarto y pluma de la pluma de la pluma. ¿ Cómo los hace recibir el artista? En este caso, implica distancia en los foros en la base de la base al incrementar la transparencia donde recibieron. Es un gran ejemplo de cómo se puede usar la opacidad y la transparencia para impactar la pintura. En este cuadro por gallinero, comenzaremos por mirar al cielo. ¿ De qué color crees que pintó primero? El azul o el beige cálido en el horizonte? Supongo que pintó primero el tono azul. Y una vez que eso estaba seco, probablemente entró con el color siena a lo largo del horizonte. ¿ Cómo sé eso? Bueno, si miras muy de cerca, puedes sentir que el color de la siena se solapa y se desvanece en el azul. Entonces probablemente dejó que eso se seque y usó una versión opaca gruesa de ese mismo color más unos grises azules más oscuros y los revolvió alrededor la chuleta para transmitir nubes voluminosas en primer plano. Aviso su grado de cobertura. Y en algunos puntos, casi se ve un poco impasto. ¿ Se puede adivinar el proceso de estratificación que pudo haber utilizado en la venta? Para mí, probablemente la venta fue pintada en un medio tono primero. Y luego una vez seco, parece que barrió los colores más claros por encima para construir forma. Probablemente hizo lo mismo con los oscuros, pero a mí me parecen un poco más translúcidos. Las figuras y las embarcaciones aparecen pintadas directamente y es difícil decir en qué etapa tuvo lugar ese proceso. Pero nota en el agua cómo las áreas de luz aparecen muy opacas. Se puede decir que están sentados encima de los otros colores, lo que significa que probablemente fueron pintados en último lugar y utilizados para transmitir el movimiento del agua. Aquí tienes una pieza de Raphael creada alrededor de 1500. Si nos acercamos a la figura principal cerca de su cuello, ¿Ves algo inusual? ¿ Quizás evidencia de una de sus capas base? Mira las yemas de los dedos del niño. Los artistas suelen cambiar partes de una composición a medida que trabajan. Y a veces el dibujo bajo puede hacerse visible a medida que la pintura envejece y se vuelve más transparente. Entonces en este caso, estamos empezando a ver la inicial bajo dibujo. También noté ese borde de su cuello, parece haber lo que puede ser remanentes de una inicial bajo borde de pintura o algún tipo de esbozo. Ve el color siena donde se encuentra con el cielo. Observe que parece que fue pintado después del cielo. Entonces, ¿conjetura en qué orden crees que pintó los diferentes colores que vemos aquí? Busca áreas superpuestas de pintura. Y pausar el video si es necesario. Para mí, parece que el cielo fue pintado primero, luego el contorno, luego el tono de piel, y luego la cinta. Si miras con cuidado, verás cómo se superponen. Por lo que probablemente era uno de los elementos finales a pintar, lo cual tiene sentido. Por lo general, las luces se pintan en último momento cuando se sientan en la parte superior de un color más oscuro. Hablando de eso, también se puede ver que la Cinta fue pintada encima del vestido rojo. Por lo que primero se pintó el vestido rojo y luego la cinta. Ahora aquí te dejamos un cierre de la tela Red Dress. Esto parece que fue construido con acumula AL primero y luego el color rojo se hizo brillante con múltiples capas de glaseado rojo. Mira de cerca, ¿puedes ver algunas de sus líneas de pinceladas? Veo algunos viniendo por aquí. Para que veas cómo movió su pincel. Y se puede ver que hay finas capas de pigmento sobre el color de la sombra. Esto nos dice que primero se puso el Negro. Ahora, veamos un poco más de cerca el fondo. ¿ Ves alguna línea de pincel aquí? Se puede decir cómo Raphael pudo haber acariciado su pincel? Si miras de cerca, puedes ver cerdas finas, rayas corriendo horizontalmente. Rafael estaba usando trazos mezclados para construir estas formas. Y los pequeños detalles están muy sueltos y rápidamente pintados. Por último, pequeños oscuros sobre las zonas azules claras del dolor. Casi siento que la zona azul fue pintada después de esos grandes árboles MID. Pero no lo puedo decir con certeza. Lo que buscas es si la pintura se superpone a otro dolor. Si lo hace, fue pintado después de la primera capa. Mirando de cerca la cara, ¿ puedes identificar algo en particular sobre su color de mejilla? Esa zona de rosa luce bastante opaca. Se ve muy sólido. Por lo que sé que se mezcló después del tono de piel base. Y de nuevo, estoy viendo pistas de líneas de Sienna a lo largo de la mejilla. Sigo pensando que esos pueden estar quedando bajo líneas de pintura. Otra cosa que es difícil de determinar es si las áreas sombreadas fueron pintadas primero. Por ejemplo, una vela de crucero cubierta de vidrios. O si se pintó después, un glaseado de sombra, es difícil de decir. Los rasgos faciales distintos también se definen normalmente en las etapas finales de una pintura. Y por lo general están pintados directamente porque son el punto focal y detalles muy importantes. Por ejemplo, cuando miras de cerca las i de esta imagen, ¿cómo crees que Raph AS aplicó los valores oscuros? A mí? Parece que pintó uno o dos trazos usando pintura umber y un pincel fino. Si bien nos acercamos, ¿ puedes ver alguna línea de pincel desde cuando aplicó el tono de piel base? Veo alguna mezcla muy suave aquí. E incluso algunas de las líneas de cerdas que nos muestran qué patrón acariciando usó. Porque hizo tanto trabajo de suavizado o mezclado. Su figura tiene especie de apariencia sfumato, que vemos en la obra de Da Vinci. Entonces cambiemos un poco de marchas y echemos un vistazo a este cuadro de Winslow Homer. Es un estilo de pintura más holgado. Veamos cómo construyó a sus mentirosos. En primer lugar, cuando miramos la base del cuadro, ¿qué se nota de la aplicación de pintura en lo que se considera el piso de la pintura. Se puede ver cómo Homer estratificó su pintura? Aquí podemos ver lo que podría ser un indicio de un delgado y suelto en prematuro. Observe todas las líneas en esta zona que tienen el aspecto de pintura muy fina, transparente. Por encima de ella. Se pueden ver pequeñas áreas de pintura translúcida suelta. ¿ Ves el blanco opaco y el azul opaco? Fueron pintados claramente después de esa base suelta y ofrecen una sensación envejecida al suelo. Están como que tropezaron. También se puede decir que el libro de música fue pintado por separado. Y hasta hay halos alrededor de las figuras que nos muestran que el azul y el piso probablemente estaban pintados sobre todo el maduro. Pero después de las cifras. O pudo haber dejado el área de la figura en blanco y simplemente pintado alrededor de donde irían las figuras. En la zona centro, se puede ver cómo se ve, áreas bloqueadas de pintura. ¿ Se puede identificar a algunos de ellos? Se puede ver en la base como el color, la chaqueta roja, el abrigo negro, incluso los instrumentos. Homero debió de haber bloqueado inicialmente en sus colores y luego entrar una vez que estaban secos y aplicó las luces y los oscuros. Observe cómo Homero construye sus formas tridimensionales. Los detalles están implícitos por el uso de valores de luz y color más fuerte. Y por último, la zona superior. Nuevamente, las cabezas parecen estar bloqueadas con pintura opaca y luego le siguieron con áreas de pintura muy breves pero estratégicamente colocadas para definir las formas de una manera muy suelta. También nota las áreas pequeñas pero críticas de la pintura más ligera. Los aspectos más destacados colocaron perfectamente toques finales. Hablando de la importancia de esos reflejos finales, nota lo finamente pintada que es esta pieza de Velázquez. ¿ Cómo describirías aquí la mayor parte de la pincelada y estratificación? Todo menos el rostro y los elementos blancos tiene un sentimiento muy transparente o frotado. El muro parece un imprimatur basado en umber, y el cuerpo luce fregado muy finamente. Después de que esa capa inicial estaba seca. Los rostros de la niña pintaron de manera bastante diferente. ¿ Cómo describirías esa diferencia? El lado iluminado de la cara de la niña utiliza pintura más opaca y está modelada cuidadosamente. Parte tan importante de la pieza. Es la parte más realista del cuadro. Es un área pequeña, pero muy poderosa. Podría haberse aplicado alrededor de la época de los elementos blancos porque no se tocan. De no ser por esos dos elementos de esta zona, simplemente se vería como un estado suelto bajo pintura sobre un umber en prematuro. Se nota un toque de lo que parece pintura seca cepillada, audaz, oxidada alrededor del desperdicio de las niñas, que parece que se aplicó sobre el secado en prematuro también. El manga y pieza de tela blanca así como su gorra y jarra para todo blanco opaco y pintada audazmente. Probablemente eran una de las últimas cosas pintadas. Tomando las cosas un paso más suelto. Aquí te dejamos un cuadro de cualquiera de Gonzales. En general, tiene un campo muy distinto al de la última pieza. Es muy sólido y opaco. A los impresionistas se les conocía por su amor por la pintura opaca y por lo general bloqueaban en el color inicial con tonos apagados para cubrirse con color fresco y marcas sueltas de pincel cortas. Cuando hacemos zoom en la pared trasera, ¿ puedes identificar alguna estratificación de la pintura ahí? Mira de cerca. Aquí. Podemos echar un vistazo a lo que parece ser un oro silenciado apuntalado o tal vez un material emperador, porque muchas veces querían que sus colores se destacaran. Los impresionistas tendieron a usar colores de cortesía para agregar algo de ponche a su trabajo. Por lo que aquí vemos un suave color dorado, que ayuda a sacar las importantes melodías azules en la pintura. Proporciona un bonito contraste de color y al mismo tiempo puede ayudar a calentar el tono de la piel. Se puede ver un poco de esa base dorada aquí en la esquina inferior derecha. Está palidecido por algo de la pintura blanca opaca. Crea un agradable contraste con el blanco y el azul. Y note las líneas simples para implicar forma. ¿ Se puede decir cuándo fueron pintadas y si fueron pintadas sobre pintura húmeda o seca? Tenían que ser pintados después de que las capas se habían secado. De lo contrario, habríamos visto manchas al final del trazo. En cambio, se parece más al cepillado en seco. Se guardan los valores más audaces para su rostro y cabello, que al combinarse con la mesa final y la pared posterior, crean equilibrio visual contra una gran áreas de blanco. Ahora las pinturas abstractas pueden usar algunos de los mismos métodos de aplicación. Esta pintura de Georgia O'Keeffe utiliza una gran cantidad de pinceladas en gradiente. Pero cuando haces zoom en la pieza, puedes ver que parece haber bloqueado en zonas de color plano. Inicialmente. Una vez que esa capa está seca, parece que pintó ingredientes de color sobre parte superior mientras deja expuestas partes del color original. Cuando hacemos zoom en esta sección de la pieza, puedes adivinar cómo es probable que capa la pintura? Esta sección parece que tiene un abrigo inicial de granate, rojo, y negro. Parece que eso se dejó secar. Y luego se aplicó un limpiador, rojo granate sobre la parte superior, desvaneció en el marrón oscuro. Una vez que eso estaba seco, parece que aplicó la capa central de granate claro translúcido para crear una forma tridimensional. Se puede ver el blanco opaco en esa mezcla. Repetir esto con diferentes colores y combinaciones de valores crea esta muy interesante expresión artística de las formas. Ahora veamos un cuadro que utiliza cantidades pesadas de pintura impasto. Esta piezas de George Bellows desde la distancia. Se parece a cualquier otro cuadro. Pero cuando nos acercamos, se pueden ver diversas aplicaciones de la pintura muy gruesa. Parece que hizo alguna forma de apuntalamiento bloqueado inicial y luego manchó Tierra acariciada sobre la pintura muy espesa. Este spot en particular es increíblemente dimensional. Se pueden ver aún mejor las diferencias de elevación cuando se ve la pieza desde un lado. En este lugar, ¿crees que pintó su última capa sobre pintura húmeda o seca? Yo diría pintura seca. Esto lo sabemos porque los bordes no mezclan modo. tanto que otras áreas se aplican claramente húmedas y húmedas. Observe no sólo la pintura manchada, sino también la acumulación de pintura a lo largo del borde del trazo. Claramente empujó la pintura fuera del camino, algo así como una mochila de nieve. Utilizando estas observaciones, podemos determinar cierto grado el orden en que el artista estableció la pintura. Y aquí hay una pintura impostura que utiliza menos dimensión y en lugar más de un cuerpo de pintura consistentemente grueso con cierta textura en la superficie. El artista debió haber esperado a que esa capa base se seque y luego añadió un delgado dolor pesado de aceite por encima de la parte superior para retratar aspectos de las embarcaciones. Las ventas y aparejo fueron pintadas sobre pintura seca. ¿ Cómo podemos decir eso? Bueno, nota las finas líneas en este spot. No se podía lograr eso si la pintura base seguía mojada. A pesar de que la pintura está más distribuida uniformemente, esa textura y la pesadez del look dada la pintura de expresión muy única. Y por último, si alguna vez te examinan pinturas en vivo, asegúrate de mirar la pintura desde un ángulo lateral con una reflexión sobre ella. Se puede obtener una buena vista de una gran parte de la textura, lo que le dará una visión adicional de cómo la capa artista allí duele. Ahora que caminamos por múltiples ejemplos de pintura y miramos algunas de las estrategias de la Maestría. Es tu turno. Adelante y completa una de tus pinturas o múltiples pinturas, quieras trabajarla. Piensa en qué capas quieres hacer y luego procede completando tus capas superiores de pintura. Y he proporcionado un folleto con alguna información útil adicional. En la siguiente conferencia, vamos a discutir la capa final en una pintura al óleo. La capa de barniz. 11. Barniz: A lo largo de las conferencias previas, aprendimos sobre las capas base o preparatorias de una pintura al óleo, así como las capas reales de pintura. Una vez que tu imagen está completa y se ha permitido que se seque. El paso final es aplicar un barniz. Un barniz es una capa protectora de resina natural o sintética. La resina es esencialmente savia de un árbol. Cuando se diluye con un disolvente, como los licores minerales o ciertas formas de alcohol, se vuelve más fluido y luego puede funcionar como barniz. Una capa de barniz está destinada a proteger la pintura del polvo y la contaminación que puede acumularse con el tiempo. También se utiliza para restaurar la saturación o igualar el xin en pinturas al óleo que se han convertido en tapete en manchas. Pero un buen barniz debe ser removible. Siempre y cuando el barniz sea extraíble, Se puede reemplazar y así restaurar la pintura a su estado original. Un buen barniz también debe ser transparente, incoloro y de secado bastante rápido. Antes de que un cuadro pueda ser barnizado, sin embargo, debe estar completamente seco y no solo al tacto. Para ser totalmente curado. Una pintura al óleo necesita de seis meses a un año para secarse dependiendo de qué tan gruesa se aplique la pintura. Hay dos excepciones. Se puede aplicar un barniz llamado gam far, que sólo requiere que la pintura se toque unidad. O puedes aplicar un barniz retocado. Básicamente, es una versión adelgazada del barniz regular que permite que penetre más oxígeno, permitiendo así que las capas base sigan endureciéndose. Técnicamente, se puede pintar sobre un barniz retocado, de ahí el nombre. Pero algunos expertos no recomiendan hacer eso. Opiniones al respecto o mixtas. Algo interesante a tener en cuenta es que es prudente permitir tu pintura terminada se seque donde haya acceso a algún grado de luz. Expertos han encontrado que las pinturas que se secan en completa oscuridad tienden a secarse más oscuras y los blancos tienden a amarillarse. Si bien algo de eso se puede revertir con la exposición a la luz, al parecer, no es una restauración completa. También se deben dejar secar pinturas donde haya buena ventilación y menor humedad. Esto auxiliará en el proceso de oxigenación. Los maestros a menudo usaban formas naturales de barniz, como la masilla o Damar. Pero este es un producto donde la forma natural puede no ser la mejor. amueblamientos sintéticos tienden a envejecer mejor. Es menos probable que se oscurezcan o se agrieten. Los inconvenientes son que la película no es tan fuerte como el barniz natural. Y no hay un historial a largo plazo para su uso. amueblamientos naturales incluyen masilla, DMR. Y Coppola. La masilla proviene esta app del árbol pistacho y se disuelve con trementina. Es extraíble, pero se sabe que se oscurece y se degrada con el tiempo, por lo que no es recomendable. El Dmr es un barniz más popular que también deriva del sur. También es extraíble. Pero al igual que la masilla, no es recomendada por los expertos por su tendencia a oscurecerse el amarillo y volverse quebradizo con el tiempo. Muchos artistas, sin embargo, todavía lo usan hoy en día porque crea una capa fuerte y tiene realmente buena saturación. El barniz de cacao proviene de una gama de árboles. Se disuelve en disolventes de alcohol. No se recomiendan por las mismas razones que la masilla y el Damar, pero además, son difíciles de quitar, haciéndolos aún menos deseables. muebles sintéticos se dividen en dos categorías, bajo y alto peso molecular. Básicamente ligero y pesado. Moléculas más pesadas dan como resultado una película fuerte y flexible. Pero las películas moleculares ligeras están más saturadas, marcan brillantes, y les encanta mejor. Son un partido más cercano al barniz natural sin el bostezo y el deterioro. Debido a que estos amueblamientos son relativamente nuevos, la estabilidad a largo plazo no es segura. Hay, sin embargo, varios que los expertos han estudiado y se sienten cómodos recomendando para el uso de conservación a largo plazo. Estos incluyen talentos, barniz de imagen, pigmentos naturales, contras de nuestro barniz, gamma far y barniz de brillo de artistas Winsor Newton. He incluido información útil sobre cada uno de estos en el folleto de la conferencia. Algo a tener en cuenta es que la mayoría de los muebles son potencialmente dañinos para tu salud cuando se aplican. El tóxico es principalmente a través la inhalación de los humos y es una de las razones por las que debes asegurarte de barniz en un lugar bien ventilado y considerar usar la máscara adecuada, así como guantes protectores. Para quienes prefieren evitar materiales tóxicos. Las únicas opciones que puedo encontrar nuestra Aplicando la forma de cera como renacentista o frío carece, que es mucho más Matt engrase en tu pintura, lo que corre el riesgo de amarillearse u oscurecer futuro u omitir la capa de barniz por completo. El amueblar no es obligatorio. De hecho, algunos de los impresionistas se saltaron ese paso por completo porque prefieren la aparición de Matt en su trabajo. El inconveniente es que la pintura al óleo está menos protegida. Una capa o barniz extraíble permite a los futuros conservadores quitar y reemplazar el barniz y así limpiar la superficie en cierto sentido. Ahora mencioné el aceitado. Esto es simplemente cuestión de aplicar una pequeña cantidad de aceite a zonas de repintado que parecían aburridas debido a la falta de aceite en la pintura. El aceite de secado se frota sobre la superficie y se limpia cualquier exceso de aceite. En realidad, los expertos no recomiendan ebullición como capa de barniz debido a la tendencia a secar ILT amarillo u oscurecer. Algunos expertos sienten que se puede usar en capas inferiores de pintura a medida que trabajas, pero es importante usar lo poco que sea necesario y mantenerlo muy delgado. A algunos artistas, sobre todo en el pasado, les gustaba usar barniz entre capas o incluso mezclado con pintura al óleo como un medio. Pero los conservacionistas de hoy no lo recomiendan debido al riesgo de mala adhesión. Significa que el paciente puede no adherirse muy bien a la capa debajo de ella. Y porque puede aumentar la fragreza de la pintura. A pesar de que puede ser tentador. medios de aceite alquídico, como el líquido nunca deben usarse como barniz. Su intención sólo como un medio para ser mezclado con la pintura. Cuando se utilizan como barniz, ya que contienen aceite de secado, es muy probable que se amarilicen y se oscurezcan. Y como son permanentes, no son removibles. Puede comprometer permanentemente la apariencia de la pintura a lo largo del tiempo. barniz se puede cepillar o rociar. Ahora hay pros y contras a cada uno. Los aerosoles proporcionan una cobertura muy uniforme y se aplican rápidamente, pero te exponen a más humos y a veces pueden charcar alrededor de la pintura texturizada. Pincel sobre barniz ofrece más control sobre la aplicación, pero consume más tiempo y puede resultar en capas más gruesas. Si eliges una aplicación de pincel, usa pinceladas paralelas consistentes o sigue las líneas de la pintura y siempre aplícala lo más finamente posible. cepillado es lo que normalmente se recomienda para superficies de pintura texturizada. Si el barnizado de pintura vertical siempre empieza por la parte superior. Y considera los trazos largos con un poco de superposición. Utilizados para barnizar suelen estar hechos de cerdas suaves pero fuertes. Y tienden a ser juncos anchos y planos. Pueden ser naturales o sintéticos. Y algunos expertos recomiendan cepillos con menos vasos, mientras que otros, la densidad estándar. La mayoría del barnizado son brillantes, pero algunos aparecen como satinado o incluso met. Estos son básicamente estándar para los productos de nicho. Con la adición de cera o sílice para tonificar la calidad reflectante. Sin embargo, puede causar ligera nublación si se aplica a grueso o si la botella no se agita adecuadamente antes de EU. Un método para disminuir la maquinaria, barniz muy brillante es seguir cepillando a medida que el barniz se seca. Incluso cepillarse vigorosamente. Esto sí corre el riesgo de manchar cualquier pigmento reactivo que es activado por el disolvente en el barniz, sin embargo, así que asegúrese de que la pintura esté adecuadamente seca y revise las especificaciones de su producto. Otro método es aplicar una fina capa final de barniz o cera renacentista sobre la capa de barniz seco. La cera tiene una máquina de satén natural o mapa. Es posible que desee probar una porción de su pintura usando un hisopo de algodón y el barniz. Para ver si se mancha o el sub uno de las migrañas siempre se mancha sin importar cuánto tiempo espere. Así que ten cuidado. Otra cosa a tener en cuenta es si tienes un área de la pieza que es significativamente mat y estás usando un barniz que puede tomar aplicaciones repetidas. Podrías percibir, aplicar la primera capa solo donde sea Matt. Y luego una vez que eso esté seco, puedes barniz toda la pintura. Básicamente es una doble capa donde tienes algo de hundimiento. También puedes barniz parcialmente si lo deseas. A veces evito barnizar amplias zonas del cielo porque me gusta que estén locos. Tienden a retroceder un poco más cuando hay. Si haces barniz antes de que la pintura se haya curado por completo. Aparte de si estás usando gam lejos, los riesgos son que menos oxígeno pueda llegar a la capa de pintura y así evitar un secado adecuado. Y el barniz en sí podría fundirse en la capa superior de pintura, haciendo imposible de quitar en el futuro. En este punto, pasemos por una manifestación completa. Esta pieza es en realidad de una demostración diferente que hice en mis pinceladas, porque estoy probando un barniz diferente, un satén, que no lo he usado antes. Siempre es buena idea probar un nuevo producto en una pieza que no te importa demasiado. Esto estaba almacenado en mi clóset, que por cierto, sí resultó en que se oscureciera. Tengo la pintura tendida plana con una sábana protectora debajo ella y voy a desempolvar la superficie antes de proceder. Puedes usar tu cepillo seco o un plumero no abrasivo. Siempre debes hacer esto ya que no quieres que el polvo se mezcle con tu barniz. A continuación, agitaré suavemente la botella de barniz. En este caso, estoy usando una barra SAT y gamma y se puede ver que no está mezclada. Le daré agitación extra para asegurarme de que los agentes de esteras se repartan uniformemente y no se sacudirían vigorosamente. Tan solo un suave batido. Una vez listo. Verteré un poco en una taza de plástico. A mí me gustan las copas de plástico porque son desechables. Aviso que no estoy usando mucho. Se va a aplicar muy finamente. Ahora voy a acariciar de ida y vuelta con unos trazos más cortos IRR ahí dentro para meterme en la textura y a lo largo del borde. Hago todo lo posible para mantenerlo delgado, no recogiendo mucho a la vez y extendiéndolo por ahí. Ahora normalmente, puede que no quieras repasar áreas que ya has cubierto, pero quiero asegurarme de que sea bastante Matt. Entonces seguiré acariciando. No hay pintura manchada, por lo que debe ser seguro. Consulta puntos paralizantes o perdidos. Una vez que esté cubierto completamente en finamente, lo dejaré sentarse en un área libre de polvo para que se seque. Aquí se puede ver que el xin disminuyó drásticamente una vez que se secó, resultando en una superficie de satén realmente agradable. Después de un día o dos de secado. Después podrás proceder a enmarcar tu pintura. En la próxima conferencia, revisaremos lo aprendido y cerraremos el curso. 12. Revisión final: Tomemos un minuto para revisar brevemente lo que aprendimos y cerrar el curso. A lo largo de este curso, aprendimos sobre las diversas capas de una pintura al óleo adecuada. Empezamos nuestra discusión hablando los diferentes tipos de soportes desde materiales comunes, como el lienzo, hasta los menos que comunes, como el panel de madera. Después cubrimos el dimensionamiento, tanto natural como sintético, enfatizando el impacto que esta capa puede tener a largo plazo. Después de eso fue el suelo. Aprendimos cómo un gesso acrílico puede tomar la pintura de manera diferente a un aceite Jessup. Y el concepto de que se puede colorear ya sea JSON también. El siguiente paso fue un imprimatur, que puede establecer el escenario para las capas futuras si lo quisieras. Después nos enteramos del bajo dibujo. Esto se puede ejecutar a mano alzada utilizando un método de transferencia o omitir por completo. Y después del bajo dibujo vino el bajo pintura. En esta sección, discutimos y demostramos los diversos enfoques que puedes tomar para comenzar tu imagen. Una vez que establecimos el bajo pintura, el siguiente paso fue aplicar las capas superiores de pintura, ya sea a través de capas o alla prima. Aquí es donde desarrollas la pieza y pones tu propia personalidad en la obra. El paso final fue el barnizado. Hablamos de los diferentes tipos de barniz y nos enteramos algunos hechos importantes relacionados con una longevidad de pinturas. Pero no todas las capas son obligatorias. No tienes que aplicar dimensionamiento por ejemplo, aunque es un paso muy importante. Y puedes saltarte una era imprimatur por completo o incluso el barniz. Hay muchas, muchas maneras de hacer que esto sea tuyo mientras se apegan a las mejores prácticas. Sólo recuerda, hay algunas cosas que no están bien, como aplicar pegamento para la piel de conejo sobre lienzo estirado. Algunas reglas necesitan mantenerse estabilidad de la pintura. Pero en su mayor parte, puedes mezclar y emparejar aspectos de cada capa ya mejor te ayuda a transmitir lo que quieres decir en tu pieza. Busca siempre formas de poner tu propia voz en tu trabajo e intenta no comparar tu trabajo con los demás, ya que todos tenemos una voz artística diferente a cada uno de los suyos. Como solía decir mi abuela, te deseo lo mejor en tu viaje artístico. Y si tienes alguna pregunta sobre lo que aprendiste, por favor no dudes en preguntar.