Transcripciones
1. Introducción: Toda ilustración es un diálogo entre nosotros, y los colores, y el papel, y las herramientas. Si eres capaz de mejorar estos diálogos, podemos crear piezas significativas. Hola a todos soy Emiliano Ponzi, soy ilustrador y exterior de Milán Italia. Habrán visto en mi trabajo en las páginas de The New York, y New York Times, portadas de libros, publicidad, y animaciones. La clase de hoy se trata de encontrar una voz tonal única en Illustrator. Lo que me encanta enseñar tema no es solo hacer ilustración, sino tu propia manera única de ser ilustrador, esa es una gran diferencia. Si tienes algunas cuadras, si tienes miedo de que no puedas entregar una gran ilustración, te
puedo decir que a través de esta clase, vas a poder hacer eso. Lo que vamos a hacer hoy es comenzar con ese borrador de boceto y llegar a las ilustraciones finales. En el proceso, les voy a mostrar todas mis reglas de fondo, los ajustes mentales para hacer eso. Mi mayor objetivo durante mi rutina diaria es evolucionar como profesional. Cada trabajo es un nuevo reto oportunidades para ser diferente de cualquier otro. Realmente estas clases sobre el proceso. Por lo que realmente no necesitas ninguna herramienta específica. Por favor, sube tus ilustraciones a la galería de proyectos, me encantaría ver qué se te ocurrió. Ahora, no más pláticas, solo únete a la clase conmigo.
2. El rol del diseñador: Me alegra tanto que vinieras aquí conmigo para responder juntos esta primera y muy importante pregunta, ¿quién eres? Aquí estamos tratando de dar respuesta a esta pregunta. Somos diseñadores, somos ilustradores, somos personas creativas, pero al final, nuestro objetivo es crear algo que no estaba antes. Estamos creando algo para cierto mercado, un propósito. Eso es lo que se llama arte aplicado. El mercado nos está pidiendo que creemos una pieza única. Respondemos a estas solicitudes del mercado actuando como filtro del mundo, así dándoles nuestro propio punto de vista personal y único sobre el mundo. Nuestro punto de vista, se construye después de nuestra experiencia personal como ser humano pero también como profesional, cada experiencia que hemos tenido, mala o buena, afectó nuestro punto de vista final del mundo. Nuestro punto de vista único es la razón por la que los clientes nos contratan. Por lo que tenemos que poder entregar un punto de vista muy único y personal. Vamos a tratar de construir esas habilidades específicas señalando la atención en esta clase en nuestros procesos mentales más que en el producto final. Eso viene más tarde. Te voy a mostrar mi método, qué sucede dentro de mi mente cuando nadie está mirando, y cómo podemos confiar en un cierto número de pasos para construir
una rutina sólida y crear muy buena ilustración desde el principio hasta el final. Construir un método no significa que tengamos actuar como robots, sino que significa tener al menos una pequeña rutina mental en la que podamos confiar. Eso es útil porque si queremos ser como profesionales de alto nivel, tenemos que poder igualar algunas reglas del mercado. Me despierto cada mañana a las seis. Trabajo como cinco horas seguidas, enciendo mi celular porque no quiero que me molesten las llamadas telefónicas
porque mi proceso creativo es muy importante para mí sobre todo por la mañana. Después almorzo, luego trabajo por la tarde, luego ceno, luego parece que ya no trabajo o lo intento. Entonces de alguna manera, tengo reglas muy estrictas. Eso es lo mío y me funciona muy bien. Pero puede que tengas una rutina diferente, un método diferente, pero lo más importante es que tengas una. En esta clase, estamos tratando de desarrollar tu propio estilo, definiendo cuál es tu ángulo, tu punto de vista. Vamos a refinar juntos bocetos, y vamos a ir paso a crear la imagen final. Voy a bosquejar rápidamente en papel y luego puedo cambiar a Photoshop. Pero realmente puedes usar cualquier material con el que te sientas cómodo. A modo de ejemplo para esta clase, voy a utilizar una ilustración que hice el año pasado para el New York Times Sunday Review. Te voy a mostrar desde los pequeños escalones hasta los más grandes, cómo construí cada pieza de esta imagen desde una idea muy suelta hasta la final y publicar una ilustración. Lo que les sugiero chicos, es como seguir todos los pasos por los que vamos a
pasar en un momento desde una idea muy suelta hasta la ilustración final, y les sugiero que tomen todas estas
reglas y traten de aplicar a un proyecto en el que estás trabajando. Entonces chicos, la pregunta ahora para ustedes es ¿en quién quieren llegar a ser realmente? Vamos a averiguarlo juntos.
3. Desarrollar tu estilo: Entonces la forma en que te ves como diseñador, como ilustrador impacta la forma en que realmente actúas para ser ese tipo de profesional. Nuestro objetivo es ser grande, ¿no? Para ello tenemos que desarrollar nuestro potencial día tras
día en lo que yo llamo una visión a largo plazo de nuestra carrera. Entonces la pregunta es; ¿qué forma quiero darle a mi carrera? Por lo que trato de ser deliberado en la elección de los trabajos que quiero aceptar. Cada vez que consigo una oferta de trabajo, me pregunto una serie de preguntas preguntando por qué debo aceptar o rechazar este trabajo. Pregunta como, ¿qué tan genial es este trabajo? ¿ Me va a dar mucha visibilidad? ¿ Está pagando lo suficiente? ¿ Quién me está pidiendo que haga este trabajo? ¿ Cómo va a afectar este trabajo mis otros plazos? Voy a poder crear una gran ilustración? ¿ Tengo tiempo suficiente para hacer eso? Si no, si tengo que trabajar de la noche a la mañana, ¿qué va a decir mi esposa no verme por tercera noche consecutiva? Entonces trato de igualar al menos una de estas preguntas con una respuesta positiva por ejemplo, tal vez el trabajo no se paga lo suficiente, pero me va a dar mucha visibilidad porque es para una marca súper cool o tal vez no es interesante para nada pero el cliente me va a dar mucho dinero. Una vez que decidí tomar un trabajo, voy recto siguiendo mis principios con el fin de luchar y ganar nuestra mayor batalla, convertir el caos de la creatividad en una ilustración ordenada que tiene sentido para nosotros y también para el público. El primer y más importante principio para mí es la claridad de la intención. Entonces lo que realmente quiero comunicar al final. Para ello, también le pido algo de ayuda al cliente. Siempre me pregunto si los clientes pueden decirme qué quieren comunicar, pero por favor no me digan qué dibujar. Yo puedo pensar en eso. Me encantaría volver al tema con respecto a quién queremos convertirnos. Creo que hay algunas suposiciones en nuestro campo que nos gustaría explorar un poco más. Entonces creo que menos es más suposición. Tenía la sensación de que hoy en día sólo es una excusa para ser perezoso, solo usar softwares y usar técnicas para colocar un par de elementos, pequeños elementos en un pedazo de papel y decir: “Estoy actuando como un artista minimalista”, pero es mucho más que eso. Minimalismo significa poder colocar centésimas elementos en un papel, y luego decidir cuál es mejor sacar
porque no está agregando nada sustancial al mensaje final. Por lo que poder tener un diálogo con la imagen es una gran habilidad para aprender porque una imagen es una criatura viva, es una relación dinámica con una parte de nosotros mismos que estamos creando en papel por ejemplo. Por lo que diseñar una línea a veces me sugiere cuál es el siguiente paso, o tal vez llenar una parte del papel con una forma azul es ajuste en el siguiente paso. Seguir tendencias puede poner en riesgo tu carrera, eso es lo que siempre pensaron porque la palabra trendy en sí significa un algo elegante que continúa pero por un corto periodo de tiempo, pero queremos durar más que eso. Especialmente si estás estudiando y tal vez no tienes ya un estilo establecido, mi sugerencia es que si ves que una especie de estilo el estilo está funcionando muy bien, por favor no lo replices textualmente porque eso es malo para ti porque ese estilo ya está ahí, esta persona ya está ahí. Entonces tal vez quieras encontrar tu propio camino personal, y tu propio espacio personal en el mercado. La creatividad es un proceso muy dinámico, y también lo es la acción de sumar y restar elementos de nuestras ilustraciones. Eso es exactamente lo que me pasó. Me tomó 20 años volver a agregar elementos porque mis primeras ilustraciones fueron muy diferentes a cómo se ven ahora. No tenía ninguna regla respecto a mi estilo escrito en piedra, pero seguí cambiando si sentía ese deseo. Entonces por ejemplo, tengo algunas imágenes publicadas muy antiguas, se ven muy diferentes al estilo que tengo ahora. Aquí puedo ver que mi esfuerzo fue intentar usar un par de colores y una textura encima de todas las capas de Photoshop en las que estaba trabajando, y tratando de mantenerlo muy mínimo. También en esta imagen, es muy gracioso si un pensar de nuevo al proceso cómo diseñé el C de acuerdo al vestido disponer. Traté de diseñar el C de una manera súper minimalista, tratando de usar no más de unas pocas líneas, y ahora lo he hecho completamente de una manera diferente. Eso también es súper gracioso. Al igual que estos 50 vibra, yo estaba experimentando hace unos seis o siete años. Fue muy interesante porque traté de diseñar figuras
femeninas con estas miradas de los años 50 o 70, eso fue algo en lo que me interesaba súper. Nuevamente, aquí trabajar mucho con las líneas y menos con la forma de las cosas era algo muy importante para mí. Mi objetivo era exactamente ese, tratando de usar sólo algunos elementos. Si vas a alguna imagen más nueva, podemos descubrir que la atención a
la luz es igualmente lo que crea formas en mi composición, y conformarse está más atado a un imaginario realista. También, la atención a esta ilustración hecha desde el Nueva York, la atención a los trazos de pincel, a estos muy pintados campo casi finito. Podría citar cientos de otros ejemplos de cómo mi trabajo es diferente ahora en comparación con el pasado, pero la verdad es que somos el maestro de nuestra línea de tiempo. Por lo que podemos ir y venir fácilmente a una cápsula del tiempo y podemos usar el estilo que mejor se ajuste a nuestro propósito para crear ilustraciones significativas porque lo
que tenemos de nuestro lado es siempre nuestra perspectiva única del mundo. Ahí hay una voz que va a identificar nuestro estilo. Entonces al final de la misma, creo que uno de los objetivos principales es desarrollar un vocabulario más amplio para poder interpretar de manera adecuada al mundo, o al menos la tarea en la que estamos tratando de trabajar. Entonces si solo conoces un par de palabras, vamos a usar esas palabras para crear casi las mismas frases, pero con lo que sabemos, desarrollamos muchas palabras. Podemos crear páginas más complejas y vamos a poder comunicarnos probablemente de una mejor manera. Una práctica que puedo sugerir si todavía estás luchando por escuchar tu voz interna porque eso es totalmente normal, es un proceso de construcción. Entonces mi única sugerencia por ahora es
escucharte, lo vas a encontrar. No quise ser como [inaudible] viviendo solo en una montaña, no
estamos buscando esa cosa. Pero del otro lado, me pregunto si tal vez quieras apagar todo el ruido del exterior, de las redes sociales, de las influencias externas y quizá tratar de escuchar; cuál es tu deseo. ¿ Cómo vas a pintar una manzana por ejemplo, o puede ser cualquier otra cosa? ¿ Cómo es mi propia manera personal de representar esa cosa y lo que quiero comunicar representando ese objeto? A lo mejor no me crees, pero te voy a mostrar que todo lo que necesitas ya está ahí.
4. Descubrir tu ángulo: Estoy contento de que ahora vamos profundizando en el proceso mismo que nos van a llevar de como una idea muy suelta a la ilustración final. A mí me gustaría molestar a Miguel Ángel con una cita que solía decir antes de comenzar una escultura. Estaba viendo que todo ya estaba ahí, y sólo necesitaba sacar la cantidad inútil de mármol para revelar la escultura final. Entonces vamos a tratar de hacer un proceso similar. Ahora, todo empieza con un texto. No importa si es un texto para una revista, para una portada de libro, para una campaña publicitaria, deberíamos poder convertir las palabras en bellas imágenes. Entonces en este caso, estamos empezando con un texto que
me proporcionó el director del New York Times, Sunday Review, y vamos a tratar de construir nuestro método por una regla de terreno muy fácil, pudiendo entender lo que el tema se trata en primer lugar, y luego tratar de encontrar en el texto aquellas palabras que nos pueden hacer hacer click y crear como algunas imágenes significativas. Cada trabajo es diferente, lo sabemos. Tenemos como dos páginas o dos páginas y la mitad de textos aquí, puede que tengas como solo tres líneas de texto o solo una frase, pero realmente no importa porque puedes sacar todas las ideas de los contextos y de tu visión personal del mundo. Entonces eso es solo un ejemplo, y estamos apuntando a construir un método que funcione aquí, pero que funcione también en otros escenarios. El tema del que estamos hablando aquí partiendo del título,
El aceite de serpiente de la industria del Segundo Acta. Entonces todas estas palabras son sobre la posibilidad falsa a veces que los estadounidenses tienen que empezar desde el principio su carrera, y hay muchas razones por las que tal vez
quieran hacerlo porque quieren una actualización en su carrera, porque quieren ganar más dinero porque se detuvieron en la Universidad, el colegio porque tal vez tuvieron un hijo. Entonces en América hay mucho digamos que Universidad ofrece un nuevo camino para un segundo acto de esta vida personal. Pero como dice la palabra en el título, el aceite de serpiente, resulta ser que muchas de estas promesas son sólo falsas promesas. Por lo que traté de resaltar algunas frases para entender de qué se trataba el texto, e inmediatamente me di cuenta de que se trataba de empezar una y otra vez. Tengo también que mayormente se trata de dinero, y también hay como personas en cierta edad que se sienten atraídas por esta promesa de aceite de serpiente. Pasé por el texto y ya resalté en amarillo algunos pasajes, muy importantes para entender el tema en sí. Entonces empecé también a resaltar en rojo, las palabras clave o las frases clave, súper útiles para mí para llegar a ideas visuales. Entonces como dije, intenta construir un tipo invisible entre una palabra y una imagen. Entonces si piensas en la palabra espejismo, cómo puedes conectarla a algún visual de tu experiencia. Estoy pensando en la situación del desierto, temperatura súper caliente, mirando al horizonte y viendo cosas que no están ya ahí o viendo al menos estas formas parpadeantes, súper hirviendo en el horizonte. También hay otro, estoy atrapado. Cuando hablé por última vez con ella, ella y su familia donde en deuda en préstamos estudiantiles. “ Por la deuda, estoy atrapado”. Dijo ella. Por lo que esta palabra
atrapada, atrapada conectada al dinero. El dinero puede ser signo de dólar, tal vez signo de dólar se pueda convertir en algún animal dinámico. Estoy pensando contigo, estoy pensando que atrapado puede ser como derribar a alguien en el abismo, tan incapaz de llegar a la superficie del agua pero aún ahogándose, y esta palabra empezando de nuevo desde el principio, no lo
hice realmente lo noten en primer lugar, pero leamos sólo la primera frase. Nosotros en América creemos en empezar una y otra y otra vez. Entonces de alguna manera esta palabra me está haciendo pensar un camino o en un juego donde podamos empezar una y otra vez. Pero hay algo falso en este camino o en este juego. Entonces solo tenemos la percepción de que podemos empezar de nuevo pero no podemos. Entonces no lo sé. Me hace pensar a las caricaturas de Road Runner, cuando el Coyote pinta como una puerta en la montaña fingiendo que eso es un túnel, pero no lo es en realidad, así que ese tipo de cosas. Por lo que aquí hay muchas palabras súper interesantes que nos
pueden ayudar a idear grandes ideas o tal vez no, no lo sabemos. Vamos a descubrir más adelante si algunas de esas ideas pueden convertirse en un proyecto o si tenemos que dejar estas ideas aparte. Entonces, no pongas ningún límite a tu creatividad ahora. Dibuja todas las ideas que se puedan llegar muy rápidamente, y luego vamos a juzgar esas ideas más adelante.
5. Bocetado de tu obra: Entonces ahora lo que suelo hacer es tomar algunas notas rápidas sobre las palabras que
resalté y tratar de ver si puedo llegar a un garabato rápido relacionado con esas palabras. Entonces empecemos con esta imagen de inicio sobre road runner que tenía en mi mente pensando, dibujar un camino, que tal vez un camino. Quizá quiera agregar también una figura femenina aquí porque su mayoría el texto habla de hembras en sus
'40, '50, algo así. Entonces no sé qué puede pasar? ¿ Es algo falso? A lo mejor cerca del horizonte no hay calle, tal vez la calle pueda volver. Así que tráela en el mismo bucle en el que solía vivir. Por lo que la sombra quizá pueda resaltar el hecho de que en realidad no hay una calle adelante. Yo estoy atrapado. Entonces supongo que me gustaría mantener esta idea de una fila, la calle, el camino. Esta vida, la vida de esta persona, tal vez pueda cambiar mi punto de vista ahora, y en lugar de mostrarla súper pequeña y tener este gigantesco fondo, y probablemente pueda cambiar la proporción y ella puede ser realmente atascado. Ella está tratando de caminar pero por alguna razón los pies están apilados en el concreto aquí, en la calle. A lo mejor sólo puedo añadir algunos perder detalle del fondo, pero quiero que la calle sea el elemento más importante en mi boceto. Creo que eso es lo correcto. La calle y la mujer. Entonces la mujer es la figura positiva, y el medio ambiente es el mundo malvado, eso no le permite hacer lo que quiere ir, a
dónde quiere ir. Mirage. Mirage, estamos viendo espejismo así que
realmente no vemos las cosas con claridad o tal vez sólo estamos viendo cosas que ni siquiera están ahí. Entonces, claro que necesito una línea de horizonte, y luego una mujer mirándola, y entonces tal vez todo pueda ser como un espejismo, hermoso paisaje pero grueso, conmovedor. No estoy seguro de eso. No estoy realmente seguro. Yo suelo producir muchos de estos bocetos en papel porque realmente
me ayudaron a despejar mi mente respecto al proceso final de bocetos. Siempre tuve aquí algunas notas, algunas frases o algún signo de interrogación si no estoy seguro de esta elección para poder revisarla en un segundo momento. Entonces en este punto, estoy tratando de entender cómo transmitir mi mensaje y qué exactamente quiero comunicar, estando en la misma página con el tema por supuesto pero siendo capaz de agregar mi toque personal. Entonces en este punto hay que preguntarse, cuál de éstos expresa mejor quién soy como persona creativa? Estas son sólo ideas sueltas. Ahora, tengo que encontrar el ángulo correcto para conectar estos garabatos con mi punto de vista personal. Tengo que ser muy valiente. Seleccionando ideas que me pertenezcan y que puedan convertirse en un proyecto sólido y sacando a todos estos otros, destrozándolos. Para ello, sólo hay una manera, tratando de mantenerse muy apretado con una nueva versión de estos bocetos. Normalmente traigo estas ideas en la computadora usando Photoshop, y trato de reketch cada idea agregando todos los elementos que también el cliente puede querer ver antes de seleccionar cuál se va a convertir en la pieza final. Entonces estamos tomando todo este material, vamos a rediseñar todo y vamos a hacer que todo sea comprensible. Entonces si estoy usando un desierto o si estoy usando un espejismo aquí, por ejemplo, realmente quiero dejar claro que sé dibujar un espejismo. Eso es crucial. Entonces voy a empezar algunas investigaciones que creo. Voy a idear unas herramientas en particular que te va a ayudar con esta investigación. Así que lee los textos y trata de entender el mensaje central, y luego intenta leerlo de nuevo y busca esas palabras o frases muy significativas para ti para crear un visual, y simplemente garabatear rápidamente. Hacer un boceto rápido que vamos a refinar juntos y presentar al cliente en un minuto.
6. Perfeccionar tu mensaje: Entonces ahora que ya esbozamos estos garabatos sueltos, es hora de movernos con el siguiente paso, el tablero del humor. Mood board es sólo una cosa que aprendí cuando
solía trabajar en la industria de la moda en el comienzo mismo de mi carrera. Los diseñadores de moda utilizan los tableros de humor para tratar entender la temperatura de su próxima colección. Por lo que silencié estas herramienta de ellos, y creé un archivo grande en Photoshop con toda la referencia que pueda querer necesitar. Entonces el efecto espejismo por ejemplo, la gente ahogándose, el corredor de carretera, túnel falso loco camino lo menciono. Alguna idea suelta de lo que significa estar estucado, y traté de averiguar también cómo como vendedor de aceite de serpiente puede verse. Todo el propósito del tablero de humor es tratar de encontrar la temperatura adecuada para nuestra ilustración final y no sólo para ello sino también para diseñar los bocetos de una manera adecuada y hacerlos reconocibles también de los demás. Entonces ahora es realmente el momento de saltar a nuestro círculo creativo interior y tratar de crear algunos bocetos de tarifas que nos gustaron, ideas que nos encantaría ver como pieza final impresa en un en una revista, como portada de libro, como cartelera. Voy a empezar con estas locas formas de camino. Yo quiero tratar de
usar algo gris, y vamos a ver. En primer lugar, diseñé la estructura, y trato de entender si mi idea puede destacarse. Entonces tal vez quiera resaltar el camino porque es uno de los personajes principales aquí. Quizá quiera afinar y hacer de este camino un poco más reconocible como un camino en sí, algo así. A lo mejor necesito agregar de inmediato a la mujer aquí. La mujer tal vez no tan joven, tal vez no tan feliz por este negado segundo acto falso. Entonces tal vez también su vestido puede estar diciéndonos de
inmediato que es una mujer promedio de 50 años algo. Entonces tenemos que ser capaces de ser universales sin ser demasiado genéricos. A lo mejor para atar esto al mundo de los negocios, podemos agregar maleta aquí, un maletín, uno pequeño. Como nos enseña nuestro amigo, el
coyote, quizá quieras agregar una sombra para dejar claro que ese es un camino falso. Algún fondo bonito tal vez un cielo porque debería lucir un hermoso paisaje, un falso paisaje hermoso. Creo que ahora es bastante comprensible. Entonces lo que sugiero es ahora proporcionar al cliente un boceto muy, muy detallado. Aparte de eso, ella se va a decepcionar si cambias algún elemento, incluso tal vez algún pequeño elemento. Por lo que debe ser comprensible pero no empatar. También porque ni siquiera sabes cómo se va a ver tu imagen final. Todavía puedo cambiar la forma de algunos elementos y la proporción entre las nubes,
la mujer, el camino, y todo lo demás aquí.Así que pasé por el mismo proceso para todas estas pequeñas ideas de garabatos que tenía antes. Por ejemplo, este llamado sketch cinco es como la empresaria derribada por estos pulpos en forma de signo de dólar. Aquí está la mujer atascada en el camino. Ese es el camino falso camino roadrunner moldeado de una manera loca que hace imposible que la mujer siga yendo por el lado del horizonte. Crearon este mundo loco, desmoronado donde se derriba este gigantesco agujero, nubes, el desierto, el camino, y todo está en la imagen dejando a la pobre mujer aquí muy asustada y asustada por lo que es ocurriendo. Entonces creé también un boceto rápido para un espejismo que
traté de transformar en algo más abstracto que solo un espejismo cómo se veía en mi pizarra de humor. Traté de convertir estos en algún mundo fragmentado. Eso aún recuerda el espejismo, pero es algo diferente, más personal. Entonces también se me ocurrió estas otras dos ideas, esta mujer apilada en el camino con la lluvia a un costado y las nubes, el ambiente soleado a la derecha. Creo que no son lo suficientemente buenas para ser enviadas a un cliente. Entonces creo que voy a simplemente cerrarlos y vivir en mi carpeta por un tiempo. Probablemente las ideas que tenemos como primero, son las más débiles porque nuestra mente aún está en proceso de conocer de qué se trata el tema. Por lo que no somos súper seguros acerca cada elemento que podamos querer usar o no en nuestra composición. Entonces por eso sugiero siempre seguir indagando en nuestra mente creativa para encontrar las mejores soluciones que siempre llegan después. Es muy raro que la primera solución sea la lista para usar. Creo que hay que poder cambiar tu punto de vista para poder entregar diferente topología de bocetos o que no sea eso, van a ser solo variaciones de la misma idea. El modo de cambiar tu punto de vista es seguir haciéndote preguntas sobre los bocetos que estás haciendo. ¿ Es suficientemente buena la composición? A lo mejor se supone que cambie el tamaño de lo prospectivo aquí o el tamaño de los elementos, o la forma en que los crecen juntos. A lo mejor puedo mandar a un cliente cinco bocetos donde la mujer es del mismo tamaño, es súper pequeña en el mismo ambiente, solo cambiando algunos detalles tontos. Tengo que cambiar también la idea de que estoy tratando de entregar. Entonces tal vez la mujer pueda ser más grande en una escena, y la relación entre la mujer y el fondo puede cambiar una y otra vez. Somos artistas, así que por supuesto, inspiración es importante para nosotros, pero un proceso lleva tiempo. Entonces más que inspiración, necesitamos intuiciones que podamos modelar en bocetos finales para enviar al cliente. Gracias a nuestro lado racional, y sólo hay una forma de hacerlo. A través del proceso de bocetos, podemos seguir cavando en nuestra mente para buscar la respuesta correcta, la idea correcta, y la forma correcta de presentar esa idea. Entonces ahora es el momento de enviar nuestros bocetos al cliente. Entonces significa que debemos decidir qué bocetos queremos enviar, y deberíamos poder defender esos bocetos. Significa que tenemos que enviar sólo las mejores ideas que tenemos. Siempre traté de mandar clientes de tres a cinco piezas, y creo que eso me ayudó mucho a reducir el número de ideas también se me ocurre, y traté de mandar lo mejor y sobre todo las que haría les gusta ver como pieza final y color la publicada. Creo que voy a mandar la idea de mundo fragmentado espejismo al cliente. A mí me gusta. En segundo lugar, este vacío que está llevando a todo el mundo cayendo a pedazos. Voy a mandar a estos roadrunner, idea de camino falsa. El estucado que me gusta porque es muy sencillo, es recto, no
es súper brillante, pero aun así expresaba muy bien el concepto. Después también estos otros, donde el pulpo en forma de signo de dólar está bajando a la mujer. También creé otras dos ideas, pero realmente no estoy seguro de querer enviarlas. Es decir, los otros son mucho más mejores. Para cada uno de estos bocetos, voy a escribir una sencilla línea de texto. Quiero estar seguro de expresarme de la mejor manera posible. Por otro lado, cliente no necesita que escribas 30 líneas de texto para explicar lo que has dibujado porque, quiero decir, los dibujos son visuales. Por lo que se supone que es autoexplicable. Por ejemplo, el número cinco que describe mi boceto de signo de pulpo sólo dice tomado por dinero periodo de signo de pulpo. Entonces estamos listos. Creo que lo que podemos hacer ahora es solo enviar estos bocetos al cliente y esperar su respuesta. En cuanto escuches de nuevo del cliente con retroalimentación, es hora de refinar tus bocetos que yo llamo hacer tu tarea.
7. Mejorar tus bocetos: Por lo que acabo de recibir la retroalimentación del cliente. Quiere que siga adelante con el falso boceto de carretera. Entonces ahora tenemos que volver a empezar. Entonces vamos a crear un boceto muy apretado y limpio. Al igual que una estructura para que podamos sentirnos libres de expresar nuestra creatividad dentro de esta estructura. Llamé a la tarea porque es algo un poco aburrido o puede sonar así. Pero como decía Picasso, “la inspiración existe, pero tiene que encontrarnos trabajando”. Entonces hagamos esta tarea. No estamos haciendo esta tarea para el maestro, estamos haciendo esta tarea para nosotros. Voy a llamarlo contenedor final para nuestra creatividad. En este punto, tengo el viejo boceto detrás del nuevo boceto que creé con esta línea de tiempo. Lo que voy a hacer es agregar color para el fondo, porque al final de la imagen va a estar en color. Por lo que probablemente voy a agregar como un fondo plano azul sólido, blanco azul para que pueda ser el color promedio. Puede que quiera usar o de cualquier manera el color que quiero usar para el cielo. Entonces lo que voy a hacer, es crear algunas líneas prospectivas para estar seguro que todo lo que diseño esté más o menos alineado con la línea del horizonte. Quiero estar seguro de que todas las líneas de perspectiva están en la posición correcta. Yo realmente quería que la atención del espectador va por la dirección que yo elijo. Entonces después de eso, voy a tratar de construir rápidamente otra capa encima de mi capa de boceto. Voy a llenar con algunos colores que quizá quiera usar para la composición de la pared. Entonces tratemos de seleccionar algunos colores que vayan bien juntos. Entonces si quiero representar el desierto, probablemente quizá quiera usar estos colores cálidos. A lo mejor necesito algo de luz, muy ligero, blanco
cálido para las nubes, y tal vez, algunos grises, pero aún de color gris cálido para el camino. Voy a llamar a esta paleta de colores de capa. Entonces ahora estoy bastante listo para empezar a rellenar como cada pieza de la ilustración con un color sólido que luego voy a refinar. Ahora no es el momento adecuado para prestar atención a los detalles, pero ahora, tenemos que entender cómo van los colores juntos, y si la relación entre un color y otro realmente está funcionando. Nuestra capa de boceto siempre está encima. Vamos a tratar de llenar todo muy rápido. Al igual que ver una foto desde la distancia. Sólo tenemos que entender si todo está funcionando. Yo quiero que las nubes están todos apuntando a la línea del horizonte. En el lado inferior izquierdo de mi imagen, quizá quiera agregar también algunas montañas aquí para que el horizonte no sea tan plano. Tengo que añadir alguna raya aquí. Entonces el elemento más importante es la mujer. Entonces tratemos de entender cómo podemos representarla. Cómo puede ser su look. No estoy súper seguro de lo que estoy haciendo aquí. Como ves, estoy tratando de usar una paleta limitada de colores de todos modos. Entonces ahora es el momento adecuado para ocultar la capa de boceto y la capa de paleta de colores y para ver cómo esta imagen realmente está funcionando, cómo los colores realmente están funcionando aquí. No estoy seguro de qué estoy viendo aquí porque para mí, la relación entre un color y el otro no es exactamente lo que tenía en mente. En este momento, es muy importante tratar de
imaginarse como como imaginamos la pieza final. Estaba imaginando algo más fuerte que eso. Entonces no estoy seguro si se trata de la elección
del color o de la relación entre un color y otro. Entonces por ejemplo, si decido cambiar el color del desierto, el color de la arena, que tal vez también debería cambiar el color del cielo. Debe ser más sólido, más importante en toda la composición. Lo mismo para la carretera aquí. Creo que ese camino es demasiado oscuro en cierto modo. Entonces la mujer de aquí no va a ser visible aunque coloque la sombra. Entonces tratemos de ver qué pasa si solo agrego la sombra de mujer muy rápidamente. Eso puede ayudar a definir también su figura. Todo elemento que tengo en mi composición afecta el mensaje final y la fuerza. Mi mensaje final se comunica a la audiencia. Por lo que probé otras versiones y al final, estoy en este lugar donde estoy tratando de entender qué mujer es la mejor solución para mí. Tienen un peinado diferente. Tienen también una postura diferente, un poco corporal. Entonces no estoy seguro. A mí me gusta mucho el hecho de que en esa, realmente no
le veas la cara y realmente no le veas los labios, pero es más sutil. Al igual que acabas de ver a la mujer con este pelo mirando hacia arriba. Entonces está mirando básicamente el tema central. Entonces la imposibilidad y el límite para un segundo acto. Entonces decidí ir con estas paletas de colores porque, los colores comunican emociones. Estos colores son seguramente más fuertes que la versión anterior donde todo era más sutil y el mensaje no era fuerte como en ese, donde todo el contraste entre colores muy saturados y las sombras de la mujer, y el sombras aquí en el desierto y estas nubes locas pueden transmitir el mensaje final. Terminamos ahora nuestra ilustración y tomó un largo camino desde el boceto más temprano hasta la pieza final. Además, cometimos algunos errores. Significa que creé
alguna variación que no me gustó hasta que llegué a la pieza muy final. Bueno, en esta clase, eso parecía muy fácil, pero no está al final. Para mí, es muy difícil porque es como una fórmula matemática. En ocasiones, si no tienes el resultado que esperabas, tienes que volver y encontrar dónde está el error. Por eso digo que construir un método es tan importante, porque al principio, ya
sabes cada paso que necesitas para
llegar a la meta misma de comunicación y a la pieza muy final. Por lo tanto, presta atención al proceso. El proceso es lo más importante. Cuando piensas que se acabó, tal vez no se acabó, y quieres empujarte para encontrar si hay otras opciones para expresar tu mensaje de una mejor manera. Eso es exactamente lo que vamos a hacer a continuación.
8. Experimentando: Entonces esta es la versión final. Cómo se ve en el sitio web del New York Times, el cliente estaba muy contento con él, yo estaba contento con él porque era exactamente lo que tenía en mente. Tomó varias medidas para llegar a ese punto. Cómo decía Chuck Close “La inspiración es para los aficionados. El resto de nosotros necesita ponernos a trabajar”. Entonces ese es un punto central de todo mi proceso. Tenemos que seguir cavando y cavando en nuestras mentes creativas para encontrar la mejor solución. Por ejemplo, en esta portada trabajé el año
pasado para una revista italiana llamada Internazionale. Como puedes ver, probé varias variaciones aquí. Fue por su número de verano hablando del viaje. Viaje significaba como vacaciones o como un nuevo descubrimiento, descubriendo un nuevo lugar. Necesitaba probar muchas variables, y justo al final, pude igualar mi objetivo de comunicación. Trabajar en muchas variaciones es súper útil porque realmente se
puede entender lo que está funcionando y lo que no está funcionando, y el esfuerzo es solo escoger y seleccionar lo que está funcionando, por ejemplo, el sol en una sola ilustración, el tigre en otra versión, y combinar la fórmula mágica, la ganadora en la pieza final que vamos a entregar. Entonces puedes entender si una opción no está funcionando, no te
está llevando en un mejor lugar, así que no hay necesidad de perder tiempo en terminar esa pieza, solo
puedes entender de tus errores y pasar a la otra opción, al siguiente. El resultado siempre vale la pena, sobre todo porque podemos hablar a través de nuestros productos como diseñador. Entonces como tener una hermosa pieza frente a nosotros, es la única manera de comunicarnos con el mundo. Sé cuando estoy a punto de terminar una pieza porque el diálogo entre yo y la imagen ha terminado. También puedo sentir cuando estoy cerca de mi objetivo de comunicación, hay ese momento en el que la pieza realmente no tiene nada más que darme y decirme. Entonces ese es el momento de enviar al cliente. Estoy súper feliz por eso porque sé que potencialmente podría seguir adelante, trabajando en la misma pieza para siempre. Entonces tenemos que ser honestos ahora. Ya sabes si lograste una gran ilustración con un objetivo de comunicación preciso. Si no lo eres, tienes que ser lo suficientemente valiente para volver y empezar de nuevo.
9. Reflexiones finales: Felicitaciones chicos, ustedes hicieron el lote, y de verdad espero que esta clase les diera algunas herramientas para hacerse las preguntas correctas, y para construir paso arriba o paso un método que funcione, una receta que funcione, y que te van a llevar a crear grandes ilustraciones. Una última cosa, chicos, no tengan miedo de sudar sobre una pieza porque esa es la única manera que les permite aprender y evolucionar. Si estás sudando sobre una pieza, por favor siéntete libre de subirla en la galería de proyectos. Gracias, chicos. Estoy tan contenta de que tomaras esta clase, y realmente espero que puedas lograr tu objetivo, sea lo que sea. Ve a por él.
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