Dominar la fotografía: los conceptos básicos

1. Introducción: Hola chicos, bienvenidos a dominar los conceptos básicos de la fotografía. Esta es una introducción rápida. Mi nombre es Sophia Carey y soy fotógrafa con sede en el Reino Unido. su mayoría me especializo en fotografía de moda, retrato, y eventos. A pesar de que me encontrarán incursionando en música y paisajes, y cualquier otra cosa que pueda poner en mis manos. En esta clase, básicamente voy a estar hablando contigo, lo que creo que son los fundamentos, lo básico, lo esencial de la fotografía. No necesitas saber nada de fotografía. Vamos a estar empezando justo en lo básico, hablando de las tres cosas que creo que son más importantes. Están dominando el triángulo de exposición, teoría del color y la teoría de la composición. Los consejos que vamos a pasar serán aplicables a cualquier tipo de fotografía, ya sea callejera o música, o retrato, o paisaje, o lo que sea que esté tratando de hacer. También tendremos un grupo de proyectos que estaré introduciendo en la próxima lección. El curso está diseñado para que puedas verlo todo de una sola vez si quieres o puedes hacer una serie de unos días, depende de ti. Simplemente siéntate, disfruta, y si tienes alguna pregunta, mis datos de contacto están en la descripción del proyecto. Empecemos. 2. Proyecto de clase: Antes de empezar con la enseñanza real de este módulo, solo quiero ponerlos una tarea chicos. Esta tarea se va a ejecutar a lo largo de la clase y podrás subir tu progreso y obtener retroalimentación y dar retroalimentación a lo largo de la clase. Tu tarea es tomar cuatro fotografías, una que demuestre el uso de la velocidad de obturación, una que demuestre el uso de la teoría del color, una que demuestre el uso de la teoría de la composición, y otra usando el modo manual y usando el triángulo de exposición para establecer su exposición. Si necesitas ayuda en todo el módulo, por favor subas tus fotos, podemos darles un poco de retroalimentación, eso es lo que está aquí, estamos aquí para aprender y compartir nuestros conocimientos. Cuando subas tus fotos, por favor añade también una descripción sobre cuál de las cuatro fotos es esta y cómo logras tu efecto deseado. ¿ Qué materiales necesitas? Si bien la DSLR que te permite usar una configuración manual es ideal, sé que no todo el mundo podría tener acceso a una DSLR, razón por la que estoy diciendo solo usa cualquier cámara que tengas a mano. Incluso algunos teléfonos te permiten disparar en manual y configurar tu ISO, velocidad de obturación, y apertura y también he vinculado un par de apps que te podrían interesar que te ayuden a hacer eso si No estás seguro de si tu teléfono tiene esa capacidad y puedes revisar los que aparecen en la descripción del proyecto. Un consejo superior para este breve es disparar en regla. Tu cámara tendrá un ajuste o debería hacer que te permita disparar en JPEG o RAW. Si filmas en RAW, podrás tener más control de tu imagen al post-procesamiento. Si no estás seguro si tienes las capacidades o el equipo para procesar imágenes RAW, siempre debe haber una opción en tu cámara para disparar tanto en JPEG como en RAW. Con eso dicho, vamos a ir, empecemos con la primera lección, que será el triángulo de exposición. 3. Triángulo de exposición: ¿ Cuál es el triángulo de exposición? El triángulo de exposición se refiere a tres variables que determinan la exposición de una fotografía después de la velocidad de obturación e ISO. Para poder disparar en manual y tener pleno control sobre tus imágenes, quieres aprender a equilibrar estos tres elementos del triángulo. ¿ Cómo afectaron los tres elementos a la exposición? Apertura se refiere al tamaño de la abertura de la lente. Básicamente controla la cantidad de luz que se coloca en la lente. Cuanto mayor sea la apertura , más luz entra en la lente, golpea tu sensor e ilumina la imagen. La velocidad del obturador se refiere a cuánto tiempo está abierto su obturador para lo cual cuánta luz entra y golpea el sensor. Si tu obturador está abierto durante más tiempo y tienes una velocidad de obturación lenta, entonces va a entrar más luz a la cámara, golpear el sensor y alegrar tu imagen. ISO se refiere a la sensibilidad real de su sensor de cámara, por lo que cuanto mayor sea el ISO más sensible es su sensor y cuanto menor sea menos sensible. Entremos rápidamente un poco más de detalle sobre lo que significan cada tres porque no solo afectan tu exposición. La abertura también afecta tu profundidad de campo. Profundidad de campo básicamente se refiere a lo que está enfocado en la imagen, así que si tienes una profundidad suave de campo hablemos f/1.8 entonces tal vez lo que hay en tu primer plano esté en foco pero lo que hay en tu fondo ganó no ser por ejemplo. Por lo tanto si tienes una profundidad de campo profunda y una abertura más pequeña, entonces más de la imagen estará en foco. Esto es bueno para paisajes por ejemplo, mientras que la menor profundidad de campo es genial para retratos donde se quiere el fondo por lo que no estará en foco. Los números se vuelven un poco confusos cuando hablamos de apertura. Cuanto mayor sea la apertura menor es el número; como 1.8, y por lo tanto cuanto menor sea la apertura mayor será el número como f/22. La velocidad del obturador también afecta el movimiento y la forma que tu cámara captura ese movimiento. Por ejemplo, si el obturador está abierto durante más tiempo para dejar entrar más luz, también está capturando más movimiento. Esto crea un desenfoque de movimiento y puede ser realmente bueno si estás haciendo imágenes donde tienes senderos ligeros y cosas así. Pondré un ejemplo aquí. Si quieres congelar el movimiento sin embargo, lo mejor es usar una velocidad de obturación más rápida para que las persianas vayan más rápido y obtienes ese fotograma congelado de un segundo. En el ejemplo actualmente en pantalla le pedí a mi sujeto que simplemente se quedara realmente quieto mientras el carrusel detrás él estaba girando y moviéndose, y luego puso nuestra cámara en un trípode, puso una velocidad de obturación lenta. Entonces en la imagen final como se puede ver, mi sujeto está en foco y el fondo detrás de él tiene un desenfoque de movimiento. La velocidad de obturación se mide en fracciones, por ejemplo, una de un segundo. Cuando se tiene una velocidad de obturación realmente lenta tiene estos pequeños apóstrofes, y eso básicamente representa un segundo. Tu ISO también afecta tu ruido o tu grano de tu imagen. A medida que aumenta la ISO, la presencia de ruido digital también aumenta. Si quieres una imagen clara sin ruido, lo mejor es usar un ISO más bajo. También voy a añadir una hoja de tramposo a la descripción del proyecto para que ustedes puedan ver esto, guárdelo; guardarlo en teléfonos, donde quiera hacer, imprima poner en cualquier pared solo para ayudarlos a conseguir acostumbrado a lo que estas tres esquinas del triángulo que escribí. Usando lo que has aprendido en esta lección, deberías poder simplemente completar dos de tus imágenes. El primero usando velocidades de obturación, por lo que ya sea una imagen de rastro ligero, capturar desenfoque de movimiento, o capturar acción en un escenario de fotograma congelado. El segundo es fotografiar una foto en manual con control total sobre la velocidad de obturación ISO y la apertura. En nuestra próxima lección, vamos a estar hablando en absoluto de la teoría del color. 4. Teoría del color: ¿ Por qué? ¿Por qué empezamos con la teoría del color? Podría decirse que es mi teoría favorita en la fotografía. Me encanta jugar con colores y ver el efecto que tienen en mis fotografías. El color puede tener un efecto masivo en tus fotografías y la emoción que transmiten tus fotografías. No sólo eso, sino que puedes usar colores para que tus imágenes sean más llamativas o más cohesivas, fáciles a la vista, es algo que me parece esencial para la fotografía. Voy a pasar por mis tres maridajes de colores más utilizados dentro de mi fotografía. El primero y tal vez el uso más efectivo de la teoría del color dentro de la fotografía, dejaré que tú decidas eso, es usar colores complementarios. Los colores complementarios se refieren a los colores que son opuestos entre sí en la rueda de color. Según el nombre, estos colores simplemente complementan entre sí y simplemente se ven bien en general, y el fuerte contraste entre ellos a menudo hacen que las imágenes exploten, lo cual es realmente bueno para captar los ojos de las personas. Debiste haber visto algunos ejemplos arriba en pantalla de cómo yo personalmente usé colores complementarios a lo largo de mi trabajo. Los colores monocromáticos son los siguientes colores de los que quiero hablar. La gente a menudo piensa en monocromo como blanco y negro mientras que en realidad el monocromo se traduce en un solo color. Usar un esquema de color monocromático, que básicamente se refiere a solo usar un color dominante, es una gran manera de mantener la frase cohesiva como he mostrado en estos ejemplos en la pantalla. Por último, análogo, eso es muy difícil de decir, te reto a decir eso 10 veces. colores análogos son básicamente colores que están uno al lado del otro en la rueda de color. Por ejemplo, podrías tener un amarillo con y verde, un amarillo, y luego una orina amarilla. Usar estos tres colores juntos es una gran manera de crear una cohesión y armonía dentro de tu imagen. Después de esta lección, ahora debes estar equipado para hacer una más de tus fotografías, quieras o no implementar colores complementarios, colores análogos, o colores armoniosos, ten un ir, veamos lo que estás haciendo y pruébalos. En el siguiente video, vamos a estar hablando de los conceptos finales para poder completar tus cuatro imágenes y eso es composición. 5. Consejos de composición: Hablemos de composición. Hay muchos consejos compositivos diferentes que puedes explorar. Creo que se podría preguntar a cualquier fotógrafo y todos tendrían una visión diferente sobre lo que hace una composición perfecta. No voy a hablarte cómo hacer una composición perfecta. Quiero hablarte de algunos de los consejos que me gusta usar dentro mi propio trabajo que creo que son consejos de composición efectivos. El primer consejo del que me gustaría hablar es usar líneas de liderazgo. Líneas de liderazgo, esencialmente se refieren a poner tu sujeto en algún lugar de la imagen luego usando las líneas que están en la imagen para dirigir el ojo del espectador a tu sujeto. Por ejemplo, se puede tener un sujeto parado aquí. Aquí está tu sujeto y como meandro de un río, viene aquí abajo y lleva a tu sujeto. El ojo de tu espectador entonces va a seguir el meandro directamente a tu sujeto. O por ejemplo, podrías tener las líneas de un techo de cop-out. Imagina que estás mirando un techo de cop-out y las líneas van así y tu sujeto está en el medio. Estas líneas van a llevar a tu sujeto y hacer que tus ojos de los espectadores se dibujan en el tema. También puedes usar líneas en un entorno en cohesión con quien sea tu sujeto. Por ejemplo, en estas dos imágenes que te voy a estar mostrando, ambos de mis sujetos son personas. En la primera imagen, tenemos una foto del encantador Holly. Está parada junto a la escalera y como se puede ver, sus brazos, sus extremidades están siguiendo la línea de las escaleras. Lo que esto hace es que sólo crea un cierto tipo de cohesión dentro de la imagen. No tienes líneas superpuestas, no tienes una composición caótica y esto va a arreglar a tu espectador y facilitarte el ajuste. También se puede ver en la segunda imagen de [inaudible] cómo se enfrentan a la pendiente del Bannister y esto crea un efecto similar. Un ejemplo de cómo una imagen podría ser caótica con el uso de líneas es, por ejemplo, si me tomaste una foto de mí sentada así y había una barda detrás de mí, y si la línea de la valla pasaba por mi cabeza, esta línea sería distraer. Sería caótico, interrumpiría la imagen y la forma en que la ven es digerir esa imagen y eso no es algo que quieras quitar. Veamos el encuadre. Hay tantas formas de encuadrar a tu sujeto. Podrías enmarcarlos dentro de una ventana que estaba detrás de ellos, o podrías enmarcar a través de un hueco en una barda. Puedes ponerte realmente creativo de tu encuadre y cómo enmarcas tu tema. En esta imagen a un costado, tenemos la bahía baja modal y está parado más abajo por la principal, brazos rectos arriba en algunas escaleras, y las escaleras reales están enmarcando bahía baja en esta composición . Lo que esto hace es que sólo crea otra dimensión y hace que la imagen sea un poco más interesante. Otro consejo compositivo es usar simetría dentro de tu trabajo. Wes Anderson hace esto famosamente. Te voy a mostrar algunas fotos de Wes Anderson aquí arriba si no estás familiarizado con su trabajo. Wes Anderson dentro de sus películas y su obra utiliza famosamente la simetría para crear una composición interesante. Otro consejo cuando estás usando simetría es centrar quien sea tu sujeto o sea cual sea tu sujeto, ya sea una persona o un árbol, dentro del centro de tu entorno simétrico. Esto es similar a usar líneas de liderazgo y te dibuja los ojos de los espectadores en el medio del sujeto. Seguramente son mis consejos favoritos cuando se trata de composición. Hacer coincidir tu composición puede ser realmente efectivo y útil dentro de tus imágenes. Definitivamente no es algo que quieras tomar a la ligera o descuidar. Ahora hemos hablado de composición, ten una oportunidad usando uno de estos consejos dentro tu fotografía y echemos un vistazo a lo que has estado creando. [ RUIDO] Deberías tener ahora crear las cuatro de tus imágenes y podemos llegar a darles retroalimentación, dando consejos, y si es necesario, seguir intentando, seguir practicando, y manteniendo explorando estos diferentes aspectos de la fotografía.