Diseño de personajes con Story | Hayden Aube | Skillshare
Menú
Buscar

Velocidad de reproducción


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Diseño de personajes con Story

teacher avatar Hayden Aube, Illustrator & Designer

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:18

    • 2.

      Por qué la historia

      3:29

    • 3.

      Preguntas, preguntas, preguntas

      4:14

    • 4.

      ¡Pruébalo!

      1:42

    • 5.

      Conceptos matadores

      4:56

    • 6.

      No son solo personajes

      2:06

    • 7.

      Reflexiones finales

      2:29

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

7377

Estudiantes

71

Proyectos

Acerca de esta clase

Puedes crear el personaje más hermoso del mundo, pero si no hay mucha reflexión detrás, simplemente no será tan interesante. Eso es lo que estamos abordando en esta clase: la diferencia entre hacer dibujos bonitos y hacer dibujos que realmente llamen la atención. Al reflexionar antes de dibujar y con el poder de las preguntas, analizaremos lo sencillo que es ver los niveles de mejora en tus personajes.

Juntos cubriremos:

  • Por qué agregar una historia de fondo a los personajes marca la diferencia
  • Las observaciones interesantes sobre el diseño de personajes que surgieron cuando varios de ustedes dibujaron piratas
  • Cómo hacer personajes únicos que sean más divertidos de hacer y de mirar
  • Cómo los grandes artistas usan la historia en su trabajo
  • Cómo utilizar también la historia a todo aquello que no es un personaje

Espero que aprendas mucho, te diviertas y disfrutes de la que creo que es una de mis mejores clases hasta ahora. ¡Nos vemos en clase!

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Hayden Aube

Illustrator & Designer

Profesor(a)

Hayden here and I am an illustrator, designer and most importantly to you, teacher!

I am constantly hunting for the actions that will have me producing my best work possible--I assure you it's no easy feat. That's why my primary goal in all of these classes isn't to give you just any information, but only the information that's going to make the biggest difference in your work. Think of it as optimizing your artistic development ;)

So if you're looking to level up your skills in design and illustration, consider checking out my classes. I've gone to great lengths to keep them short and to the point so you can get the information quickly and jump to creating.

Ver perfil completo

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Introducción: Hola, me llamo Hayden Aube, y soy ilustrador y diseñador gráfico. Algo que siempre estoy tratando de hacer en la creación de estas clases es llegar a las acciones que van a producir los mayores resultados. puede pensar en ello como obtener un gran retorno de la inversión en este tiempo que pasas aprendiendo. Entonces cuando se trataba de diseño de personajes, algo que muchos de ustedes han solicitado, realmente tuve que parar y pensar cuál sería la única cosa que marcaría la mayor diferencia a la hora de crear personajes. Pasé mucho tiempo investigando, explorando, hablando con otros artistas, incluso creé un experimento de dibujo que en realidad fue bastante divertido y creo que tengo una respuesta realmente buena para ustedes chicos. Entonces en lugar de mostrarte las tuercas y los pernos de dibujar realmente un personaje, voy a estar mostrándote lo que creo que la parte más importante de diseñar un personaje, que es el concepto. Entonces juntos vamos a sumergirnos en profundidad en por qué el concepto es tan importante cuando creas un personaje. Para ello, vamos a ver el trabajo de otros artistas y tratar de burlarse por qué hacen algunas de las cosas que hacen y luego también vamos a ver el experimento que creé y ver qué tipo de resultados podemos sacar de eso. Para los muchos de ustedes que conozco participaron en el experimento, no se sorprenda si ven sus dibujos. Entonces una vez que hayamos establecido por qué la historia es tan importante para el diseño de personajes, te voy a mostrar algunas formas simples pero realmente efectivas de agregarla a tus personajes y luego una vez que estés cómodo te voy a mostrar cómo puedes igual de fácil aplicar esa técnica a cualquier cosa que no sea un personaje. Entonces eso significa objetos, vehículos, ambientes, diseños, cualquier cosa. Al final de esta clase, no sólo vas a entender una de las partes más importantes de crear un personaje, sino que vas a tener técnicas efectivas para hacerlo tú mismo. Entonces, independientemente del software que utilices o la experiencia que puedas tener, si tienes interés en hacer personajes atrayentes que sean divertidos de hacer, entonces esta clase es para ti. Espero verte ahí. 2. Por qué la historia: Antes de ir desarrollando la historia de nuestros personajes, es importante que nos preguntemos realmente, ¿por qué es esto necesario? Si miras lo suficiente en cualquier escuela de ilustración acreditada, algo para arte conceptual, para animación, verás que no solo hay un énfasis en las habilidades técnicas reales de dibujo, sino también en el pensamiento que va detrás de ella. Está incluso detrás del nombre concepto arte. Se puede pensar que seguro, los artistas conceptuales trabajan en películas y videojuegos, y por supuesto, necesitan realmente pensar las cosas a través, pero ¿cómo se aplica eso a lo que hago? Te aseguro que si la extensión de tu diseño de personaje es solo en logotipos o iconos, sigue siendo muy beneficioso para ti aprender a crear la historia de un personaje. De hecho, pensaría que los diseñadores entenderían más que nadie la idea de que la forma sigue a la función. Para explorar los beneficios de la historia, realicé un pequeño experimento de dibujo en el que hice que los participantes dibujaran a dos piratas a cinco minutos cada uno. Para el primer dibujo, el breve fue bastante sencillo, dibujar un pirata. Pero para el segundo dibujo, primero tuvieron que leer unos párrafos explicando la personalidad y experiencia de este pirata. En lugar de dibujar a un pirata genérico, gente estaba dibujando ahora a Edgar Bushybrows, un pirata insular varado que pasa su tiempo corriendo cangrejos, devorando cocos, y posponiendo cualquier plan de escapar realmente de su isla. Cuando comparamos los dibujos primero y segundo, vemos algunas cosas bastante interesantes. En primer lugar, sin siquiera preguntar, mucha gente introduce escenas en los dibujos. La decisión de que este personaje esté atascado en una isla fue suficiente para que muchos de los participantes incluyan a la isla en su dibujo. Creo que hace falta decir que un personaje y un ambiente es mucho más interesante que uno flotando en el espacio. En la misma nota, muchas personas incluyeron objetos y símbolos en la pieza con base en la información proporcionada. Teníamos parches en forma de corazón para insinuar su naturaleza tranquila, castillos de arena para mostrar cómo podría pasar su tiempo libre, y muchos cangrejos y cocos para ilustrar algunas de las partes favoritas de su vida isleña. Al igual que con el medio ambiente, estos elementos sostienen la pieza y simplemente añaden naturalmente más interés. También conseguimos una variedad en poses. Cuando acabo de pedir pirata, mayor parte de lo que consigo es un personaje de pie en un solo lugar. Pero cuando agrego alguna historia, repente consigo todo tipo de poses de acción que en realidad nos dicen un poco de quién es este personaje, sentado en la playa, ir a pescar, construir un castillo de arena, todos estos son mucho más interesantes visuales que pararse quieto. Por último, y lo que creo más importante, es en el segundo dibujo, vemos una ruptura del molde pirata. Cuando la mayoría de la gente piensa pirata, piensan en términos muy genéricos; parche de ojos, pata de pega, enojado. Si bien estos elementos aún aparecen en muchos de los segundos dibujos, eso no es todo lo que existe. Vemos piratas felices, piratas tristes, piratas gordos, piratas desnudos limítrofe, incluso un pirata de aves. Si quieres conocer más sobre este experimento, puede encontrar una escritura más profunda en la descripción de la clase. Una de las mayores trampas de dibujar a un personaje tan icónico, es que ya tenemos todas estas ideas sobre cómo se va a ver antes de que incluso empecemos. Es probable que alguien vea tu dibujo tenga esas mismas ideas. Al crear nuevas decisiones sobre un personaje antes de que incluso empecemos a dibujar, podemos anular ese valor predeterminado y crear algo que sea mucho más interesante de tomar y de mirar. 3. Preguntas, preguntas, preguntas: Por lo que está claro que agregar narrativa a nuestros personajes es una buena idea. Pero, ¿cómo debemos ir a hacer eso? Bueno, en realidad es bastante simple. Recuerda que tenemos esa imagen predeterminada de cómo se ve un loro antes incluso de dibujarlo. Bueno, imagina que tienes ese defecto para casi todo. ¿ Qué te imaginas cuando piensas en un extraterrestre o un robot, o incluso en un refrigerador? A menos que nunca hayas oído hablar de estas cosas , lo más posible es que vayas a tener una imagen inmediata en tu cabeza de lo que son. A menos que pongamos algo de trabajo, esa imagen inmediata va a ser como se ve dibujando. Entonces, ¿cómo anulamos este defecto? Bueno, si miramos hacia atrás al experimento de dibujo, podemos ver que al crear nuevas decisiones antes incluso de empezar a dibujar, podemos anular esa imagen y crear algo nuevo. ¿ Cuál es la mejor manera de llegar a nuevas decisiones sobre un personaje? Bueno, eso es hacer preguntas. Aquí es donde realmente viene a jugar la versatilidad de esta técnica. Ya que puedes hacer cualquier pregunta a tu personaje, y va a influir en cómo resulta. Entonces digamos que estoy dibujando un caballero, y me pregunté, ¿es un buen caballero? No. A lo mejor es realmente malo, y así que quiero ponerle un montón de abolladuras en el brazo, voy a demostrar que sigue siendo golpeado. Bueno, ¿por qué no es una buena noche? Bueno, simplemente no le gusta pelear. Entonces podría insinuar eso poniendo un gran cartel como P en su escudo o en su capa o algo así. Si no le gusta pelear, ¿ entonces por qué sigue siendo un Caballero? Bueno, tal vez él es realmente, realmente grande. Para que veas que cuanto más lejos vayas con esto, más desarrollado e interesante y diferente se vuelve tu personaje. Lo que es genial de esto también es que simplemente hace que el proceso de hacer de un personaje que sea mucho más divertido. Estás haciendo preguntas, te estás invirtiendo realmente en ello, y vas a encontrar que cuando realmente estás invertido en tu personaje, no sólo te lo estás pasando bien, sino que luego la gente que lo va a ver va a conseguir invirtió también en ella. Entonces como dije, puedes preguntar cualquier cosa, y te animo a que realmente te diviertas mucho con estas preguntas. Pero si alguna vez tienes dudas, igual que con cualquier práctica de narración, puedes volver a los 5W's. Entonces quién. ¿ Cuál es el nombre de este personaje? ¿ Cuántos años tienen? ¿ Cuál es su trabajo? Son incluso humanos, son animales, son el extraño de una tierra lejana, ¿qué? ¿ Qué están haciendo ahora mismo? ¿ Qué les gusta? ¿ A qué les disgusta? ¿ Cuáles son sus sueños? ¿Cuáles son sus miedos? ¿ Qué los impulsa? Entonces, donde. ¿ Dónde están? ¿ Dónde estaban? ¿ Dónde van a estar? ¿Dónde estaban? ¿ Dónde preferirían estar? Cuando. ¿A qué hora del día es? ¿ En qué año es? ¿ Cuál es la temporada? ¿ Es un día de fiesta? Por qué. ¿Por qué está el personaje en esta situación? ¿ Por qué están haciendo lo que están haciendo? ¿ Por qué no están haciendo otra cosa? ¿ Por qué temen a lo que temen? Entonces si alguna vez estás atascado, he adjuntado un PDF de grandes preguntas que hacer en la sección de recursos de esta clase que tiene estas y muchas más. Empieza a pensar en el diseño de personajes como resolución de problemas, donde creas tanto el problema como la respuesta. Cada vez que se te ocurre una nueva decisión sobre tu personaje, se crea el problema de, de acuerdo, ¿cómo voy a atravesar esto visualmente? Entonces, ¿cómo ilustrarás que tu personaje huele mal o es alérgico a los gatos o le gustan los espaguetis. Esta es una parte realmente divertida del dibujo es que se llega a llegar a soluciones creativas para estos problemas. A lo mejor decides que cómo te vas a mostrar un personaje como espaguetis es haciendo su pelo de espaguetis. Por último, puedes seguir haciéndote preguntas mientras estás dibujando. Personalmente, encontré que cuanto más tiempo he dibujado, más fácil me ha vuelto caer en piloto automático como lo estoy haciendo, sobre todo cuando es algo que dibujo todo el tiempo. Por lo que desarrollar el hábito de hacer preguntas mientras estás creando un dibujo es una manera realmente genial de anular ese piloto automático, y mantenerte comprometido y hacer cada trazo del lápiz intencional. 4. ¡Pruébalo!: Ahora en realidad vamos a probar esto. Al igual que el experimento, vas a estar dibujando dos personajes. Uno que es sólo el enfoque por defecto, y otro que toma el enfoque conceptual. Pero hay un par de reglas. En primer lugar, ambos dibujos deben representar el mismo tipo de personaje. Preferentemente algo que es bien conocido, para que sepamos que vas a tener algunas ideas por defecto al respecto. Si no te metes una imagen inmediata en la cabeza cuando piensas en el personaje, no lo elijas. Aquí te dejamos un par de opciones. En el estudio, le di a la gente sólo cinco minutos por cada dibujo. Obviamente, no vas a conseguir una obra maestra en cinco minutos, pero es una buena manera de limitar la cantidad de tiempo que tienes que pensar para el dibujo inicial. Esto no se trata necesariamente de crear tu mejor personaje de la historia, sino de notar la diferencia que hace poner el pensamiento antes de tiempo. Por último, intenta dibujar lo primero que viene a la mente para la primera pieza. Vale la pena señalar que acabas de escuchar muchos consejos sobre anular a tu piloto automático, por lo que tu cerebro va a querer hacer eso. Pero deja que tu forma predeterminada de pensar dirija el barco para la primera pieza. En la segunda pieza es donde querrás empezar a hacer preguntas y romper la noción por defecto que tiene tu cerebro. Una vez que hayas hecho ambos dibujos, puedes subirlos aquí a tu proyecto de clase. Debes incluir el primer dibujo, las preguntas y respuestas que hiciste para el segundo, y luego el segundo dibujo en sí. Si quieres llevar alguno de los dibujos más allá del boceto, todo el poder para ti. A continuación, vamos a ver algunos ejemplos de historia hecha bien en carácter. Si aún quieres algo más de información antes de empezar tus propios dibujos, puede ser una buena idea ver primero este siguiente conjunto de videos. 5. Conceptos matadores: primer lugar en realidad vamos a mirar a uno de los maestros de la historia y ese es Pixar. Podría haber escogido cualquier personaje de cualquier película, pero pensé que uno que era muy bueno para ilustrar estos puntos es WALL-E. Se puede decir que Pixar no acaba de decir: “Oye, necesitamos un robot que la basura de Compaq”, y alguien dibujó himno. Se tomaron muchas y muchas decisiones sobre WALL-E que informaron cómo terminamos. Por suerte para nosotros, podemos ver una parte de ese proceso a partir de la suma de su arte conceptual. Desde el punto de vista de la ingeniería, está claro que cómo realmente funciona fue un gran componente de construir este personaje. Mucha exploración entraba en cómo nos moveríamos, cómo moveríamos sus brazos, realizábamos tareas, incluso parpadeando. El parpadeo en sí no fue alguna decisión arbitraria, fue Pixar tratando de humanizar WALL-E y hacerlos relacionables para nosotros. Ahora, por supuesto es la personalidad puede encontrarse en su comportamiento. A veces es un poco torpe. Parece expresar verdaderos sentimientos genuinos. Hace algo muy humano. Es como coleccionar objetos porque le gustan. Pero su historia de fondo se expresa solo en su apariencia física. El forma en inclinar los ojos y hacerlos parecer tristes o vulnerables. Su cuerpo desgastado y sucio está contando del trabajo que realiza y de cuánto tiempo lo lleva haciendo. Incluso la forma en que junta las manos cuando se pone de pie, le da una apariencia muy tímida. Normalmente no pensarías en un robot como tímido. Nuevamente, Pixar son fantásticos en transmitir historia y afortunadamente para nosotros tienen mucho que decir al respecto. Si quisieras saber más sobre cómo le dan vida a sus personajes, te recomiendo encarecidamente este artículo. A continuación, vamos a estar viendo una pieza de un buen amigo y gran Ilustrador, Andrew cope, donde Pixar tiene toda una película para atravesar la personalidad y la historia de un personaje, Andrew muchas veces sólo tiene una sola ilustración que hacer así. Lo hace muy bien. En esta pieza podemos ver a la tripulación de Scooby Doo jugando un juego de Clue, un concepto bastante divertido por sí mismo. Pero lo que me gustaría señalar escuchar es cómo los detalles sutiles están realmente contando no sólo de los personajes y cómo se sienten, sino también de lo que está pasando en la ilustración. Fred que estaba en la playera blanca, se está frustrando un poco por no poder resolver el rompecabezas mientras que Velma que está en amarillo, es muy reflexiva y reservada. Daphne que está en el morado, está un poco más del lado casual y lo podemos ver en la forma que está sentada mientras Shaggy y Scooby Doo, que no creo que tenga que señalar a nuestros mejores amigos y por eso están sentados uno al lado del otro. Ahí también los más tontos y por eso Shaggy está acostado boca abajo, y su amor por la comida es insinuado por todos los bocadillos que los rodean. Volviendo al concepto de hacerse preguntas, Andrew compartió conmigo dos preguntas que fueron muy útiles para la creación de esta pieza y muchas otras que hace. Ahí ahora en realidad mis preguntas favoritas. El primero es lo que pasó antes de esta ilustración? El segundo es, ¿qué pasará después de esta ilustración? Os animo a todos a revisar el trabajo de Andrew en su página web. No sólo porque hace historia muy bien, sino que también me habló libremente a fondo sobre el asunto mientras me preparaba para esta clase y esa generosidad realmente merece atención. Para el último ejemplo, realidad vamos a volver atrás en el tiempo con él a una de mis pinturas favoritas, que es Icarus y Dédalo de Anthony van Dyck. Las pinturas realizadas por viejos maestros son en realidad una excelente fuente de historia. Eso se debe a que en aquel entonces, gran parte de la obra por la que se encargaban los artistas eran para representar escenas significativas de la historia y la mitología y la religión. Tienes mucho significado abarrotado en una sola pintura. Para personas que no están familiarizadas con el cuento de Ícaro de la mitología griega. Aquí Dédalo creó un conjunto de alas a partir de cera y plumas para que su hijo Icarus y él mismo escaparan. Sorprendido de que también hubieran sido desterrados. Ahora Dédalo advirtió a Ícaro que lo siguiera en vuelo al no volar demasiado alto o demasiado bajo. Si volaba demasiado alto, el hijo derretiría la cera y caería. Si volaba olas demasiado bajas del océano se lavarían las plumas y también caería. Al señalar las manos de Dédalo e Icarus en este cuadro, Van Dyck pudo cruzar esa parte significativa de la historia en tan solo una imagen fija. Si tienes hambre de más muestras de historia trajeron al personaje, te recomendaría mirar la obra de artistas conceptuales, revisar pinturas renacentistas, así como libros y cine. Dicho eso, uno de los mejores lugares para fundar esta inspiración es solo mirar las cosas que te gustan. Si como yo, realmente te gustan los videojuegos. puedes mirar porque hay mucha historia que entra en el desarrollo de esos personajes. 6. No son solo personajes: Entonces ahora que entiendes que agregar historia es un componente muy vital para hacer grandes personajes, y ya sabes hacerlo, te puedo dejar entrar en algo que creo que es bastante guay, y es que funciona no solo con personajes pero con cualquier cosa. Literalmente cualquier cosa que puedas hacer puede beneficiarse de una dosis de historia. Esto significa objetos, ambientes, diseños, incluso cosas que son bastante abstractas. Por ejemplo, otro amigo que fue bastante útil en la creación de esta clase, Meggie Appleton creó toda una serie de diseños basados en la visualización visual del código. Si bien es posible simplemente agregar un montón de cuadrados y líneas a una página y llamarla abstracta. Meggie se sumergió profundamente en investigar cómo funciona realmente el código e intentó ilustrarlo de diferentes maneras. Creo que estarás de acuerdo en que los resultados son mucho más interesantes que un montón de casillas y líneas arbitrarias. De nuevo, cuando te inviertas, también lo hará el espectador. Entonces, ¿cómo se agrega historia a los no personajes? Exactamente de la misma manera a través de preguntas. Digamos que estás dibujando una cordillera nevada. ¿ Qué pasó antes de esta ilustración? Alguien gritó. ¿ Qué va a pasar después de esta ilustración? Una avalancha caerá por el valle de abajo. Por lo que lo visto que dibujo podría ser de nieve en cascada por una montaña suspirada con todo tipo de animales huyendo de ella. ¿ Y si estamos dibujando un libro? ¿A quién pertenece este libro? A lo mejor es un mago. ¿ Cuáles son los contenidos de este libro? Es un hechizo levantar a los muertos y ¿cuántos años tiene el libro? Miles de años. Entonces el libro que dibujo tal vez muy desgastado y sucio, tal vez haya algunas páginas cayendo, pero podría darle un resplandor mágico muy inquietante y crear suma representaciones de aspecto arcaico de personas muriendo y volviendo a la vida en la portada. Así como mencioné antes, diviértete un poco con estas preguntas, verdad puedes preguntar cualquier cosa y cuando tengas dudas, acabo de revisar la lista que he subido, incluso hay preguntas por ahí que se ocupa específicamente de no caracteres. 7. Reflexiones finales: Ahora, deberías tener una buena comprensión de por qué la historia es tan vital para crear grandes personajes. Sabes que si quieres agregar historia, todo lo que necesitas hacer es hacer y contestar preguntas. Ojalá que ya hayas tenido la oportunidad de probar esta técnica a través del proyecto de clase, y si no lo has hecho, eso está totalmente bien, pero lo recomiendo mucho. Al igual que con cualquier otra cosa, la práctica hace una gran diferencia. Incluso sólo los 20 minutos que pondrías en esto realmente pueden empezar a darte los beneficios de trabajar con historia sobre personajes. Como dije, todo esto se trata de obtener el mayor número de resultados de tus acciones, pero aún necesitas tomar acciones. Yo sólo quiero decir unas cuantas cosas más antes de irnos. Una cosa que sí mencioné es la investigación, que es súper importante, sobre todo cuando estás haciendo desarrollo de conceptos. A lo mejor estás haciendo un robot en lugar de simplemente dibujar lo que puedes pensar o simplemente dibujar lo que has visto hacer otras personas. Si realmente te tomas algún tiempo y miras cómo funcionan las máquinas, puede que algún historial de robótica sea entonces estudia la pseudociencia de los robots de Star Wars, y estas son todas cosas que van a ceder, muy interesantes, resultados para tu dibujo. Segundo, solo agrega tanta historia de fondo como realmente necesites. Al prepararme para esta clase, creé un personaje, y me fui por la borda en la historia. Fue como una hora de dibujo, pero pasé cuatro horas construyendo el universo en el que vive y la gente que conoce y su lista de logros pasados. Todo eso no fue, en realidad, necesario para una hora de dibujo. Cuando hablé con Andrew Kolb sobre esto, mencionó que tu personaje vive y muere en tu ilustración. Por eso, no tiene sentido crear ninguna historia que no vaya a impactar visualmente tu dibujo. Por último, quiero agradecer a aquellos de ustedes que hicieron la sugerencia para esta clase. Realmente me hace la vida mucho más fácil cuando sé exactamente lo que ustedes quieren, y así que realmente aprecio las sugerencias. Entonces aquellos de ustedes que participaron en el experimento de dibujo, muchas gracias porque ese fue realmente, muy bien, y me divertí mucho mirando tus dibujos. Por último, todos los que están aquí en este momento y sólo están tomando la clase, muchas gracias. Realmente aprecio su atención. Espero poder devolverle el favor dándole hoy algún valor. Muchas gracias y cuídate.