Descubre tu estilo de ilustración en 6 experimentos simples

1. Introducción: Yo soy Alanna. Soy artista e ilustrador que vive en Toronto, Canadá. Hace más de dos años, me puse en un sueño para convertirme en ilustrador freelance. Mi primer y más empinado obstáculo fue ese desafío esquivo para encontrar mi estilo. Fue abrumador. Una y otra vez, tomo consejos de ilustradores establecidos diciendo que la única manera de encontrar tu estilo era hacer mucho arte. No se equivocaron, pero yo estaba pintando todos los días y mi trabajo simplemente no me sentía como yo, sentía que había algo que me faltaba. La verdad es que no hay ninguna solucion en encontrar tu estilo. Tienes que hacer arte. Pero a lo largo de esta clase, te voy a mostrar mi proceso para hacer arte con intención. Te mostraré cómo itero y experimento para construir un repertorio de motivos que se sienten como yo, y cómo reflexiono sobre mi trabajo para afinar en lo que amo, destapar mis sesgos, y dirigirme hacia dónde enfocar max. Con este proceso, estarás en la vía rápida para hacer ilustraciones que se sientan fieles a ti. Empezaremos explorando qué es el estilo, y revisando los elementos del diseño y cómo los aplico a mi trabajo. Entonces saltaremos a seis experimentos que uso, que te darán herramientas concretas para desarrollar tu estilo rápidamente. Cada experimento se basa en torno a uno de los seis elementos del diseño. Línea, forma, espacio, valor, color, y textura. Esta es una clase multimedia que se adaptará a todos los niveles de habilidad, y se puede completar con los suministros que tengas a mano. No es una clase sobre hacer buen arte, mal arte, solo se trata de hacer mucho arte y reflexionar sobre tu trabajo. Hacer un trabajo que se sienta como tú, empecemos. 2. Proyecto: [ MÚSICA] En cada experimento, pintaremos un bug específico seis veces, jugando también con los elementos del diseño, herramientas y técnicas medianas a medida que perfeccionamos mi estilo personal. Ya sea que completes uno, dos, tres o los seis experimentos, depende enteramente de ti, pero presumir todo ese arduo trabajo en la sección privada. Lo mejor de compartir tu trabajo es que a veces te puede dar una nueva perspectiva. Alguien puede señalar una parte esencial de tu estilo que nunca has notado porque lo has estado mirando demasiado tiempo. Skillshare es una comunidad increíble de gente creativa y gané tanto compartiendo mi trabajo los comentarios. He incluido algunas imágenes de referencia para cada experimento en la guía de recursos, que encontrarás en el panel del proyecto. No puedo esperar a ver tus proyectos. A continuación, discutiremos los materiales que necesitas para esta clase. 3. Materiales: Esta es una clase sobre explorar lo que tienes y lo que amas. Absolutamente no hay una cosa que tengas que comprar para poder empezar. He incluido una lista de algunos de mis suministros favoritos y la guía de recursos de clase que se encuentran en la pestaña del proyecto. Siéntete libre de comprobar eso si estás buscando algunas golosinas nuevas para probar, pero de lo contrario, agarra los suministros de arte que tienes y prepárate para hacer un lío. Lo único que sí te recomiendo que tengas antes de empezar es un cuaderno, papel de parte o algunas fichas de índice. El app de notas en tu teléfono también funcionará en un pellizco. Yo solo quiero que tengas algún lugar donde anotar todas tus observaciones, reflexiones y preguntas que descubras a medida que avanzas a través de los experimentos. Mantener un diario de arte con observaciones sobre mi trabajo fue absolutamente lo mejor que he hecho por mi arte y encontrar mi estilo. Al tomarte el tiempo para parar y considerar y anotar lo que estás amando en tu trabajo, lo que está funcionando y lo que no. Estarás dando un enorme salto hacia adelante. Para mí, tomar notas sobre mi trabajo me hace caer más libre de crear porque hace que el proceso de elaboración del arte, tan importante como esa pieza final terminada. Apenas el acto de anotar las cosas me hace más intencional y reflexivo, que es la clave para encontrar tu estilo. A continuación, aclararemos ¿qué es el estilo? 4. Estilo: Cuando hablamos de estilo, para los fines de este curso, estamos hablando de la particular combinación de elementos que se une para crear una personalidad única y reconocible a través de los estratos de cuerpo de obra de un artista. Estos elementos pueden incluir la interpretación del artista de los elementos del diseño, así como motivos materiales, materia, herramientas y técnicas que los artistas utilizan en su obra. Pero aquí está el truco. Tu estilo no tiene por qué ser del todo único. No importa si otro artista utiliza colores o motivos similares a los tuyos, porque la forma particular de combinar todos estos elementos, es lo que hará destacar tu trabajo. La forma más efectiva de encontrar tu estilo es crear una tonelada de arte y luego ponerlo todo junto para encontrar los patrones, las cosas extrañas que haces que podrían parecer inútiles, las cosas que surjan una y otra vez, el cosas que encuentras hermosas y las cosas que disfrutas haciendo. Al reconocer estos patrones, podemos apoyarnos en ellos y empezar a llevarlos a nuestro trabajo de una manera más intencional. A continuación, una breve visión general de los Elementos del Diseño. 5. Elementos: Repasemos rápidamente los elementos de diseño que estaremos explorando en esta clase y las formas en que se pueden usar dentro de tu estilo. Yo sólo voy a dar una breve visión general. Para una explicación más detallada de los elementos y principios del diseño, echa un vistazo a la clase de Dylan M: Niveling Up Your Art Game, The Elements and Princises of Design. Vale la pena señalar que no hay consenso sobre el número de elementos del diseño. Acabo de elegir seis como punto de salto desde el que explorar. Cada uno de los siguientes experimentos se enfocará en uno de los siguientes elementos. Una línea es apenas dos puntos conectados. Las líneas pueden ser rectas, rebobinadas y orgánicas. Las líneas se pueden usar para crear el contorno de tu pieza o para crear sombra, sombreado y detalles dentro. El material a utilizar afectará la personalidad de tus líneas de muchas maneras. Materiales como tinta, bolígrafos o pintura serán fuertes, transparentes, mientras que algo así como lápices o pasteles harán una línea más suave con más textura. Algunas herramientas crearán líneas predecibles, como el bolígrafo, que es genial si creas mucho trabajo con detalles o te sientes más cómodo sabiendo exactamente dónde terminarán tus líneas. Otras herramientas como un bolígrafo de punta o un pincel son más impredecibles, puede hacer que tu trabajo sea más flojo o más espontáneo. Algunas cosas en sí también son más espontáneas. tanto que algo así como el vidrio creará líneas planas del Mapa, acuarela o la tinta pueden tener variaciones en tono dependiendo de cómo se sequen y cuánta agua hayas usado. La forma, por otro lado, se refiere a cualquier área de color, textura o un patrón. Las formas pueden ser geométricas u orgánicas. Líneas y formas pueden funcionar en concierto, estarán totalmente desconectados entre sí. Algunas personas dicen que cuando se trata de arte, hay gente de línea y gente de forma. Es posible que ya sepas si has enseñado abeja a una de estas categorías. Puede que no, o puede que los amen a ambos. ¿ A quién le importa lo que digan algunas personas? Algunos medios y herramientas pueden aprender a sí mismos de manera inteligente trabajando con forma y líneas. Los pestles de pluma, por ejemplo, hacen líneas realmente terribles, pero son una gran manera de agregar una capa suave de color para una hermosa forma de textura. Pero también puedes empujar estos límites. Me encanta rellenar chips con un bolígrafo muy fino para hacer una textura de garabatos. A pesar de que un bolígrafo fino puede no parecer al principio una gran herramienta para hacer chips rellenados más grandes. espacio y el espacio negativo trabajan juntos para darle a tu imagen una sensación de profundidad, y separar los objetos de lo que les rodea. Si no tuvieras ningún espacio negativo en tu trabajo, todo simplemente se apilaría encima de sí mismo todo willy nilly. El espacio te permite crear agrupaciones de elementos dentro de tu diseño. Para que los elementos se destaquen de solo hacer las cosas más fáciles de leer, luego controlando tu espacio en blanco, también puedes crear un estilo visual, pero es todo tuyo. Algunos artistas utilizan mucho espacio en blanco, lo que le da al trabajo sensación de orden o expansividad. Usar menos espacio en blanco puede crear una sensación de caos o viento. valor solo describe la oscuridad o ligereza del color. Trabajar en blanco y negro es una gran manera de empezar a entender el valor y asegurarte de configurar suficiente contraste en tu trabajo. A pesar de que, contraste, todo empezará a verse bastante mismo incluso cuando los colores puedan ser diferentes. Tu ojo no sabrá en qué enfocarte cuando miras una pintura o una pieza de arte. Pieza con suficiente contraste, tu ojo se dibujará naturalmente hacia las zonas donde haya más contraste. Más allá de asegurarte de tener ese contraste también puede jugar con valor como elemento de tu estilo. Tener mucho contraste puede crear un estilo gráfico audaz que sea de alta energía. Menos contrastes competirán composición que sea más serena. El color es un poco más complicado. Hay toneladas de clases maravillosas en Skill share sobre la teoría del color. Por lo que sólo voy a darles una breve visión general. color es la forma más fácil de transmitir emoción en tu trabajo. Encontrar un color que te guste no es la forma más rápida de que tus ilustraciones se sientan más personales. Hay tres colores primarios. Al mezclarlos juntos, obtenemos nuestros colores secundarios y luego mezclando esos colores y amables podemos crear todos los encantadores colores del arco iris. los colores con blanco agregado se les llama tintes. los colores con negro agregado se les llama los tonos. Así interactúan el color y el valor. Los colores con matices principalmente rojos se consideran cálidos. Los colores eran matices azules se consideran frescos. Podrás crear ciertas emociones en tu trabajo en las formas en que juegas colores fríos y cálidos. Los colores fríos pueden transmitir una serie de cosas, incluyendo una sensación de calma o tristeza, paz, tranquilidad. Los colores cálidos, por otro lado, transmiten energía, alegría, ira, entre otras emociones. También puedes usar el contraste entre colores fríos y colores cálidos para enfatizar ciertas partes de tu pintura. Textura se refiere a la forma en que se sienten las cosas. Bueno, mira como si pudieran sentir si se tocaban. Podría parecer a los plátanos pensar en tocar sobre una superficie plana. Pero las texturas pueden crear la apariencia más tridimensional y hacer que tus pinturas sean más inmersivas. También son la clave para hacer cualquier trabajo digital que puedas ver más pulido e interesante. Las texturas pueden ser tizas, buggy, brillantes, metálicas, tejidas, felty, o moteadas. Existen cientos de formas diferentes de crear textura al usar el color: espacio en blanco, collage, diferentes medios o técnicas. El modo en que utilizas la textura te ayudará a definir tu estilo. A continuación, experimenta uno, Line. 6. Experimento uno: línea: Por lo que comienza. He bosquejado todos mis bichos y estoy listo para experimentar. Para empezar, podría valer la pena señalar que estoy bastante seguro de que soy una persona en forma. Empezar este experimento fue muy induciendo ansiedad para mí. Es posible que puedas decir mientras ves este primer experimento con line, justo lo incómodo y vacilante que soy cuando estaba planeando exclusivamente. Si te identificas como persona de forma, los experimentos con línea podrían hacerte sentir de esta manera también. O tal vez amas las líneas y solo estás un poco oxidada y estás teniendo mucha resistencia al empezar. Pon tu pincel o tu lápiz o tu bolígrafo, y respira profundamente. Aquí no hay apuestas. Si haces algo que es terrible, eso es igual de valioso, tal vez incluso más valioso que hacer algo bueno. Estamos tratando de averiguar qué funciona y qué no para que expresemos nuestra propia voz única. Nunca podrás hacer eso si tienes miedo de hacer algo malo. Para mí, la idea de bosquejar líneas con un bolígrafo era demasiado aterradora para soportarlo. Pintura de limo en este ejercicio porque ahí es donde más me siento en casa. ¿ Dónde te sientes más como en casa? Empieza por ahí. La otra cosa que voy a empezar diciéndote es que tu crítico interno no tiene cabida en estos experimentos. Hacer trabajo con intención y reflexionar sobre ese trabajo es increíblemente valioso. Pero esa reflexión tiene que suceder después de que el proceso de elaboración del arte haya terminado. Después de que hayas bajado tu pincel, bolígrafo, lápiz, tienes un bocadillo, y relajado. Si estás tratando de reflexionar sobre tu trabajo a medida que lo haces, va a afectar tu capacidad de experimentar y tomar riesgos. Tienes que acercarte al proceso de fabricación de arte con abandono, y sólo después te sientas y vas tranquilamente por todas partes las cosas que estaban funcionando y cosas que no lo son. Volver a crear. Terminé de esbozar mi bug, haciendo algunas elecciones raras con seguridad. No sé por qué alineo la antena. Podrían haber sido sólo líneas. Pero ay, estoy probando algunas tramas en la antena, las piernas. ¿ Quién sabe qué más? Lo estoy disfrutando bastante en las pequeñas áreas confinadas del espacio. Este puede ser uno de mis sesgos de lo que estoy descubriendo ya que estoy trabajando. Pero obviamente tengo una forma muy orientada a la forma de trabajar con la línea. Yo delineé toda la pieza. Mucha gente que se sienta más cómoda con la línea probablemente no haría eso. Simplemente delinearían las piezas donde hay sombras y sombreado insinuando la forma del bicho. Algunas personas pueden decirte que está mal delinear toda la forma y es un poco aficionado o ingenuo. Pero francamente, como que me gusta. Sólo desearía que las líneas fueran un poco más fuertes, tal vez. Eso es algo que tendré en cuenta para la próxima iteración. También decidí agregar pequeñas motas a los ojos. Había considerado hacer líneas cruzadas yendo en ambas direcciones para hacerlo algo así como un patrón de puerta de pantalla. Pero pensé, tal vez los puntos podrían agregar más contraste a todos los patrones de rayas y eclosión que he hecho [inaudible] en este cuadro. Son los puntos toman líneas pegadas, ¿quién quiere decir? También estoy agregando líneas a lo largo de la concha para insinuar que la forma de la misma como objeto tridimensional, razón por la cual están curvadas. Algo importante a tener en cuenta mientras nos dirigimos a través estos seis experimentos es que los elementos son un punto de salto. Entonces si estás trabajando en línea y obtienes esta bóveda de inspiración que quieres tener una forma desconectada y golpearla, haz eso. A ver cómo funciona. Podría ser un fantástico o podría no funcionar, y entonces aprenderás una tonelada. Pero nunca debes sentirte limitado por estos experimentos. Simplemente emocionado y empujado un poco más allá de tu zona de confort. Piénsalo como estiramiento. De acuerdo, intentemos esto otra vez. La mejor manera de hacer tu mejor arte posible que más se sienta como tú es iterar, que significa hacer lo mismo una y otra vez y esperar resultados diferentes. No te vuelve loco, te convierte en artista. Ahora que estoy calentado, dejo a un lado mi pincel y he recogido un bolígrafo de inmersión. Sigo usando tinta. Pensé que esto podría cambiar un poco en la calidad de las líneas, dándole un poco más de personalidad y quién sabe qué más. Por ahora, sólo profundamente incómodo. Mostraremos que va. Notarás que la mayoría de las cosas que he probado en este experimento son bastante similares a lo que he hecho en el último. Yo estaba principalmente enfocándome en esta nueva herramienta, la pluma dip. Eso, por suerte, logré no sumergirme en el tintero y salpicar en todas mis manos en el papel y quién sabe qué más. Entonces eso es una victoria. De lo contrario, realmente no estoy sintiendo esto. No está mal. No tiene nada de malo. Pero simplemente realmente no se siente como yo. No sé si es la calidad de la línea o el color, pero definitivamente voy a probar algo más en la siguiente iteración. Dicen que la tercera vez es el encanto, y esta vez he tomado algo de lo que observé en los dos primeros experimentos para mejorar mi proceso en el futuro. Me he alejado de la tinta negra porque simplemente no me funcionaba, y he empezado a usar lápices de lápices. Es un medio con el que estoy muy cómodo. Es uno de mis favoritos. Lo uso todo el tiempo. Por lo que esta vez estoy planeando cambiar un poco las cosas negociando en las marcas de escotilla que había estado usando previamente para un patrón basado en línea más geométrico. También estoy realmente cavando este interruptor que había hecho de negro a gris. Porque el negro no es un color que uso mucho todos los días en mi arte, realmente no me siento como yo. Entonces cuando estaba usando tinta, porque pensé que eso era lo que se suponía que debía usar para las líneas, terminó sintiéndose como el trabajo de otra persona, que definitivamente no es lo que quiero. Esta es una de las cosas de las que puedes tomar nota mientras estás reflexionando. Las cosas que traes a tu trabajo, que nuestras suposiciones sobre lo que la creación de arte deben ser más que lo que es tu arte. Hombre, me encanta este cambio de eclosionar a estas líneas, ven como pantimedias de bruja y me encanta. No soy un gran usuario de patrón en general. Mi ropa no tiene patrones. Mi arte no tiene tantos patrones, es algo en lo que estoy trabajando, y este patrón de rayas podría ser la garrapata. Sólo un vistazo rápido a mi página ya me dice que estoy en el buen camino. Me encanta tanto este tercer dibujo que los dos primeros que no se sintieron como yo en absoluto. Eso no quiere decir que me encanta este. Definitivamente hay algunas cosas que cambiaría. Al igual que esas eran las bombillas que hice. ¿ Por qué hice eso? ¿Quién va a decir? Pero definitivamente estoy en el buen camino. Ahora vamos al último dibujo que haremos juntos. Los otros dos lo haré yo solo, y luego pasaremos a nuestra reflexión. En el espíritu de este experimento, he cambiado de nuevo los médiums. Vuelvo con el pincel, trabajando con gouache esta vez, que quizá ya sepas es donde más me siento cómodo. Pensé que probar algún color fuera sería divertido. Entonces agarro el color que me gustó y ya estoy realmente amando lo mucho que esto se siente personal para mí. Mi plan también es pegarse a los elementos más gráficos, como las rayas y los puntos en lugar de la eclosión que utilicé en los primeros experimentos. Creo que con el gouache plano con el que estoy trabajando. Hará que el efecto sea aún más divertido y gráfico. De verdad me gusta esto, pero aquí está la cosa, esto no salió de la nada. Esto se construyó sobre esas tres iteraciones anteriores que ya hice. Ahora que casi terminamos este experimento, me voy a ir por mi cuenta y hacer más experimentos para jugar con este estilo aún más, para hacerlo más propio. Después, nos encontraremos aquí atrás para nuestra reflexión. 7. Reflexión uno: línea: Ahora que hemos terminado el primer experimento, es hora de reflexionar sobre nuestro trabajo. Puedes hacer esto después de cada experimento y de nuevo al final, una vez que tendrías un cuerpo de trabajo más grande en el que encuentras patrones y reflexionas. También puedes usar esto de forma continua para reflejar todo el trabajo que has creado para convertirte en un ilustrador más fuerte. Estas son algunas preguntas que puedes considerar a medida que reflexiones sobre tu trabajo. ¿ Qué opciones tomaste sobre tu arte antes de empezar? Tipo de papel que usaste, herramientas, el medio, además de escala, te gustan esas opciones ahora, reflexionando sobre ellas después, ¿qué cambiarías si pudieras? ¿ Cómo te sientes con los colores que elegiste? ¿ Se sienten como tú? ¿ Te gustan? ¿Descubriste algún sesgo que puedas tener sobre el proceso de fabricación de arte? ¿ Descubriste que esos sesgos te retuvieron? ¿ Disfrutó trabajar con el medio y herramientas que eligió para este experimento. ¿ Te gustaron los efectos que crearon? ¿ Sentiste que tenías los conocimientos suficientes para obtener el efecto que querías del medio o las herramientas que estás usando? ¿ Qué es lo que más disfrutó haciendo? ¿ Qué no disfrutó? ¿ De qué te encanta el look, y lo que realmente no funciona para ti? Bueno, hay algunas cosas que me gustaron muy claramente, el rubor, ese patrón geométrico que he estado usando, los colores brillantes, sobre todo ese rosa caliente, que normalmente no es un color que usaría mucho. Qué no me gustó, la tinta y esas raíces, pequeños ojos en mi lápiz molido insecto, la pluma profunda. Algunas de estas cosas son solo cosas con las que no me siento cómodo, pero además no me gusta cómo se ven y no creo que me convengan. No voy a centrar mi energía en aprender a mejorar mis habilidades en esas áreas. Si hay una habilidad de la que te encantó el look, pero simplemente no tienes la habilidad técnica para eso sería el lugar para enfocar tu energía. Algunos sesgos que descubrí, somos ante todo, ese sesgo ridículo, que para ser verdadero line art, tenía que estar trabajando con tinta. Yo me estaba haciendo línea de odio escuchando esto debería, como los escarabajos de lavado son igual de line art y me encantó pintarlos y aunque no son lo mismo que mi otro trabajo, creo que todavía se sienten como yo, lo cual los bichos de tinta nunca vamos a hacer. Otra cosa a destacar es que me encanta este motivo de escarabajo. Creo que lo volveré a utilizar en mi trabajo en el futuro. A continuación, experimentemos con la forma. 8. Experimento dos: forma: Bienvenido al experimento número 2. Ya estás una sexta parte del camino ahí. Has hecho tanto trabajo y has aprendido tanto de tu estilo. Ahora, vamos a estar centrándonos en las formas, pintando bichos de dama. Sé que los bichos de señora también son escarabajos, pero hay diferentes tipos de escarabajos, así que sólo vamos a rodar con él. Estoy pintando todo mi cuerpo de mi señora bicho rojo. Trabajando alrededor de todos los spots que esbozé de antemano. Esto puede parecer realmente extraño, podría simplemente pintar toda una capa base de ella, pero mi idea es que voy a hacer todos los detalles negros en azul y sé que la pintura azul que tengo es un poco translúcida. Creo que al delinear las áreas y pintar a su alrededor, puedo conseguir que algo de esa translucidez pase por donde están las manchas. También estoy usando un pequeño pincel pequeñito. Esto es algo que hago mucho. Ya lo habrás notado antes en mis otras clases, pero me gustan mucho mucho los pincelazos en mi trabajo. Supongo que esa es una de las opciones que estoy tomando entrando. Estoy usando un pincel pequeño para conseguir más trucos de pincel. Si quieres menos pinceladas, sugiero usar un pincel más grande ya que eso minimizaría el número de pinceladas que puedes ver en la pieza terminada. También trabajar con el medio más opaco probablemente sería una buena opción también. Tiendo a dejar un poco mi gouache en el lado acuoso porque me gusta ver pinceladas y la textura del papel a través de mi pintura. Te darás cuenta que también muevo mucho mi hoja de papel mientras trabajo. Esta es solo una técnica para asegurarme de que tengo el mejor ángulo para que pueda hacer las líneas más nítidas, precisas y de esa manera no voy manchar todos los bordes de las cosas que estoy tratando de pintar alrededor. También es una gran manera de asegurar que siempre estés pintando por la parte de la página que está seca sin tus manos encima de las partes que están mojadas, arriesgando a suavizar. gouache se seca bastante rápido, pero si estás trabajando con un medio de agua, como el color del agua, quizá quieras dejar un poco más de tiempo que no te mantes la mano a través de tu pintura, como lo hago con tanta frecuencia. Si necesitas acelerar las cosas, a menudo uso un secador barato que guardo junto mi escritorio de arte para secar las cosas para que no las arruine. Ahora voy a empezar a trabajar en las zonas tradicionalmente negras de mi lady bug. Ya que en el experimento uno, aprendí que realmente no me gustó trabajar con un pigmento negro puro en mi trabajo, estoy probando un azul profundo en éste. El azul que estoy usando tiene un poco de translucidez así que ojalá tenga un poco de profundidad. Mientras estoy pintando, notarán que dejé algún espacio en blanco entre las dos mitades de esta concha de bicho de señora mientras estaba pintando. Pensé que podría ser una buena manera de agregar alguna dimensión y algún contraste para hacerlo un poco más interesante. También estoy planeando dejar algo de espacio en blanco, willy-nilly alrededor de los puntos en la mariquita para ver si eso también agregará contraste e interés. Algo que ya estoy notando es que estos colores realmente están funcionando para mí. Creo que es el rojo. Creo que el rojo es demasiado rojo. Un poco chillón, como diría mi esposo. Normalmente trabajo con una mezcla de tonos de herramienta profundos como ese azul y pasteles. Este rojo brillante realmente no se siente como en casa para mí. Por ahora, dejar espacio en blanco alrededor de los puntos no es algo de lo que estoy seguro, pero voy a seguir en ello porque a veces cuando estás a mitad de hacer un patrón o terminar una pieza, realmente no puedes decir si lo que estás haciendo es bueno o si está mal. Simplemente lo voy a ver a través y ver cómo funciona. Otra iteración, estoy haciendo algo que está un poco fuera de mi zona de confort esta vez. Yo solía trabajar mucho en acuarela, pero últimamente he estado trabajando en gouache. acuarela simplemente no se sentía como yo, pero voy a darle otra oportunidad porque veces hacemos suposiciones sobre nuestro trabajo, y avanzamos como si fueran ciertas, y realmente no confirmamos si son ciertas. Ya estoy amando este color, veamos cómo va todo lo demás. Bueno, me gusta esta cantidad impactante. Me encantan los colores que he usado. Me encanta toda la profundidad y textura que obtienes con la acuarela. Incluso después de un falso inicio con esos puntos en puntos, me gustan las manchas de mariquita, ahora que los arreglé. Sólo voy a añadir un poco de delineador fino ahora porque creo que los bordes necesitarán un poco más de definición. Pero en general, no odio esto. Supongo que la pregunta a hacerme es, ahora hay alguna manera de incorporar esto o elementos de lo que me gusta en esto más a mi estilo que es de color más plano y pasteles? ¿ O importa si me gusta esto? No todo lo que amas tiene que ser parte de tu estilo. Ahora a la tercera iteración. Vuelvo trabajando con gouache. Pensé poniéndolo lado a lado con la acuarela, puede que encuentre nuevas formas de incorporar ese estilo de acuarela que realmente me gusta bastante en mi estilo que actualmente uso, que está más basado en gouache. Estoy usando un color pastel esta vez porque se siente un poco más como yo. Estoy pintando sobre toda la zona, no dejando vacías las manchas como lo hice la primera vez con gouache. Mi plan es usar la textura esta vez para hacer las formas, en lugar de solo color como lo tengo en los dos experimentos anteriores. Recordarás de nuestra discusión de los elementos del diseño, esa forma puede ser cualquier área de color, textura, o un patrón. Pero lo que estoy encontrando hasta ahora es que mi preferencia cuando voy a, cuando no estoy pensando en ello, hacer es hacer de forma un área de color. Creo que es probablemente el ajuste por defecto de mucha gente. Incluso en la última iteración donde traté de usar una serie de puntos para hacer las manchas de mariquitas, terminé por segunda adivinarme y pintar sobre ella. Por lo que esta vez me voy a mantener firme. Esa puede ser la única cosa de la que nadie habla cuando estás tratando de sacarte de tu zona de confort. Se necesita una mano firme. En ocasiones llegarás a la mitad y tu malestar te empujará de nuevo a lo que sabes. Pintarás sobre lo que estás intentando y simplemente lo jugarás a salvo en su lugar. Se necesita mucho coraje para simplemente seguir empujando incluso cuando sientes que estás haciendo algo que probablemente no es genial, porque nunca sabrás si es bueno hasta que te dejes terminarlo. En este bug, decidí añadir pequeños pinchers porque los bichos de dama sí tienen esos. Los puedes ver en las fotos de referencia. Entonces veremos cómo me gustan al final. Aunque el color gouache hace tanta diferencia, ¿no? No estoy haciendo del todo tan diferente a mi primera mariquita, pero ya esto me está sintiendo más bien. Te darás cuenta de que he cambiado alrededor de los pequeños puntos de cada mariquita. Estaba usando las imágenes de referencia que incluí para todos en la guía de recursos. Noté que no todas las pequeñas manchas blancas son iguales. Para ser honesto, ni siquiera me di cuenta de que las mariquitas tenían esas pequeñas manchas blancas en sus hombros antes que mirara muy atentamente la imagen de referencia. Entonces, a veces la mejor manera de empezar a alterar tus sesgos y darte la oportunidad de hacer algo fuera de la caja es simplemente enfocarte realmente en tu tema, para averiguar qué cosas has pasado por alto. Porque tu cerebro tiene esta idea de lo que es una mariquita y no siempre coincide con la vida real. Tu cerebro corta las cosas, así que es fácil categorizar cada cosa que ves en este mundo en tu cabeza. Pero eso significa que a menudo cuando estamos pintando desde nuestra imaginación, o pintando algo que supongamos que sabemos pintar, estamos adivinando qué se supone que estamos pintando. Creo que es un proyecto de la vieja escuela de arte. Esta idea de dibujar una bicicleta de la memoria. Hacer eso o dibujar algo de la memoria a veces puede demostrarte cuánto no sabes y cuánto nos olvidamos de usar nuestros ojos cuando estamos dibujando. Entonces, al enfocarte en las imágenes de referencia o en cualquier tema que estés pintando, realmente puedes afinar en lo que realmente hay frente a ti. Ya he empezado a pintar los spots. Decidí hacerlos stripy. También decidí agregar un contorno, algo sobre ese rosa pálido sobre el papel blanco simplemente no estaba sentado justo conmigo. Creo que necesitaba más contraste. Casi terminado, creo. Pero a veces lo que pasa es que terminas tu pintura, estás en un lugar donde crees que está hecho, y das un paso atrás y lo miras y te das cuenta de que solo hay un poco de algo que necesitas retocar. En este caso, me di cuenta de que no me gustaba sólo el patrón de rayas, quería hacerlo más como un patrón de eclosión. Entonces lo repasé todo de nuevo solo para agregar ese pequeño toque final. Creo que funciona. Creo que necesitaba solo un poco más de contraste y estoy contento con el resultado final. De las tres mariquitas que he pintado hasta ahora, ésta se siente más como yo. Mariquita número 4, temo hasta mostrarte esto porque no salió bien, pero estoy muy orgulloso de mí mismo porque aquí hice muchas cosas buenas. En primer lugar, empecé a pensar fuera de la caja. Miré a mis primeras tres mariquitas y pensé : “Las mariquitas son redondas, ¿tienen que ser redondas?” Entonces decidí hacer una mariquita cuadrada. No digo que saliera bien, pero sí lo probé. Estoy dejando espacio en blanco para los puntos cuadrados en esta mariquita. Espero volver a pintarlas con ese mismo azul y que la luz brille. Hice una elección cuando empecé esta pintura que quería que la plaza fuera un cuadrado orgánico funky en lugar de un cuadrado perfecto. Entonces no lo dibujé con una regla y ya eso me está empezando a molestar realmente ojalá hubiera hecho eso. También decidí hacer sus hombrocitos cuadrados, su cabeza cuadrada. Yo también le voy a dar pies cuadrados. De verdad entré todo en este plan. Pero a ver cómo va como Gauss. Bueno, estoy tratando de salvarlo pero simplemente no creo que alguna vez vaya a llegar a un punto en el que me encanta esto. Me encantan algunas cosas al respecto. Me encanta la translucidez del azul. Me encanta el rosa y el azul juntos, pero en general, éste simplemente no es para mí. Voy a ir a trabajar en mis propias dos finales iteraciones y luego reflexionaremos juntos. 9. Reflexión dos: forma: Bienvenido a la reflexión para el experimento número 2. Si necesitas un refresco sobre cómo reflexionar sobre tu trabajo, puedes consultar el video para reflexión 1 línea, o puedes consultar la guía de recursos de clase donde hay toneladas de preguntas detalladas que puedes usar para guiarte a través de tu reflexiones. Empecemos con lo que me gustó. Me gustó el lápiz crayón, sobre todo la forma en que lo usé en la última iteración. No uso a menudo lápiz crayón por sí mismo. Lo uso encima de la calabaza. Creo que había olvidado lo mucho que me gusta la textura solo por sí misma. También me encantan los bichos que no eran del todo rojos. Me gustó usar azul en lugar de negro. Me gusta mucho la acuarela, pero no estoy seguro de que se sienta como yo. Formas orgánicas, pinceles pequeños y trazos de pincel. Cosas que no me gustaban. Ese estúpido bichos cuadrados, puntos en los puntos. A pesar de que me encantó la idea de ese rosa, que usé para el bicho cuadrado, que es una locura porque no lo odiaba en mi escarabajo. A lo mejor simplemente no me va bien. ¿ Qué sesgos destaqué? Bueno, el primero y más importante es que, bichos de dama tienen que ser redondos. Lo que más aprendí es que a veces sesgos, no tienen que estar molestos. Intenté hacer algo nuevo y fuera de la caja y no me encantó y eso está bien. Algunos sesgos simplemente no te están reteniendo. Están justo ahí en el fondo de tu arte. Son totalmente neutrales. Me encantó este motivo y probablemente lo vuelva a utilizar en mi trabajo en algún momento. A continuación, experimentaremos con el espacio y el espacio negativo. 10. Experimento tres: espacio: Bienvenido al experimento número 3, ya estamos casi en la mitad de camino y en este experimento nos estamos centrando en el espacio o más importante, en el espacio negativo. Yo lo estoy mezclando un poco aquí. No es que realmente puedas decir. Esto en realidad es acuarela, no Gouache, al parecer tengo algunos colores que realmente me gustan. Planeo usar solo un color y luego jugar con espacio negativo en lugares como los ojos, sus manitas de bicho, las alas, ¿y quién sabe dónde más? Vuelvo a usar un pequeño pincel pequeñito. Pensé que funcionaba bien dar muchas pinceladas porque las moscas están borrosas y quiero que se vea borrosa. En fin, el espacio negativo es algo complicado con el que trabajar si nunca lo habías hecho antes. Algo que te recomiendo si no te sientes cómodo trabajando con espacio negativo, es solo usar papel cortado. Es una gran manera de conseguir realmente un control de qué espacio y qué es el espacio negativo, porque todo lo que cortas, ese es el espacio negativo. También me parece mucho menos intimidante porque se siente como si estuviera de nuevo en el jardín de infantes, cortando corazones para mi Canasta del Día de San Valentín. Es completamente liberador. Ese es el lugar al que siempre trato de llegar con mi arte que juega. Se siente como si fuera un niño y sólo estoy haciendo lo que haga cosquillas mi fantasía sin ninguna expectativa de alabanza o cualquier expectativa de éxito. Cuando llegas a ese lugar de maravilla infantil en tu arte, ni siquiera te importa el éxito. Ni siquiera es una consideración porque tienes éxito cuando haces arte. En este punto, he empezado a delinear las alas. No estoy planeando llenarlos con nada más que las pequeñas venas de bicho. Es eso lo que son las alas? ¿ Son huesos diminutos? Quién quiere decir, no tengo ni idea. También estoy tratando de mantener mi pintura realmente húmeda para que veas mucha de la textura de la acuarela. Si hay algún punto me parece translúcido o más ligero de lo que quiero que sea. Lo repaso después con un poco más de pintura y lo hago más oscuro. Al mirar este bug y reflexionar sobre el trabajo que he hecho antes de esto a lo largo de la clase, me estoy dando cuenta de que tenía una suposición fundamental de que ya he desprobado totalmente porque pensaba que no era una persona azul. Pensé que no usaba azul. Pensé que usaba un colores cálidos solo chicos. Pero yo estaba tan mal. Yo uso tanto azul, a veces cuando estamos haciendo arte, tenemos esta historia en la cabeza que nos contamos que en realidad no refleja la realidad. Nos decimos que nos gustaría un trabajo detallado cuando eso nos hace doler la espalda y no disfrutamos haciéndolo o nos decimos que no nos gusta el color azul porque no se siente como nosotros pero luego cada vez que levantamos un tubo de pintura, agarramos la pintura azul. Cuando te metes en un ciclo interminable de hacer arte, a veces no nos tomamos el tiempo de mirar nuestro trabajo y reconocer estos patrones. Hablando de patrones, he empezado a agregar las venas o como se les llame, a las alas del bicho en este punto y realmente me encanta la translucidez de la acuarela aquí. Eso es una cosa que no consigues tanto con Gouache. Todavía falta algo. Creo que voy a empezar a meterme con unos lápices de colores, que es mi go-to, lo sé. Pero estoy agregando este azul oscuro para agregar más profundidad y textura y puedo garabatear alrededor con él. Creo que hará que el cuadro en general se vea mucho más suelto y divertido. Sólo voy a tomar un momento para borrar el boceto subyacente que tengo aquí. Porque me estoy dando cuenta ahora que estoy usando un lápiz crayón, puede ser más difícil borrar eso más adelante sin manchar accidentalmente mi trabajo real. Si estás planeando hacer más pintura, asegúrate de deshacerte de todos los bits del borrador. De lo contrario, se secarán en tu pintura y harán que tu vida sea miserable. Puedes eliminarlos más adelante si estás digitalizando usando la herramienta de sanar en Photoshop. Pero en realidad es simplemente más fácil no dejarlos atrapados en tu pintura en primer lugar. Voy a agregar más espacio en blanco ahora para crear textura en el cuerpo de la mosca con un bolígrafo de pasta. Estos son un bolígrafo mágico. Se trata de pinturas acrílicas, supongo que en este pequeño tubo de lujo y funcionan muy bien. Siempre me pareció que los bolígrafos de gel eran bastante inconsistentes. Empezarían y pararían y sería difícil ponerlos en marcha cuando intentaba hacer trabajo. Pero el bolígrafo de pasta no tiene ninguno de esos temas. Añadí un patrón entrecruzado a los ojos de bichos y lo estoy amando. Sólo estoy agregando más detalle a sus alas ahora con un lápiz de lápiz azul más claro. Creo que casi terminamos. Para esta segunda iteración, he dado un salto fuera de mi zona de confort. He usado un poco de líquido de enmascaramiento para el arte de palabras. Yo uso al principio de cada mes en Instagram. Pero esto es algo que nunca he probado antes. A ver qué pasa. [ MÚSICA]. Esto no se ve mejor ahora que recuperar este líquido de enmascaramiento, y francamente, no tengo súper experiencia con el líquido de enmascaramiento, pero puedo decir que este fluido de enmascaramiento que tengo no es genial. Está dejando mi papel manchado de amarillo. Es increíblemente difícil de quitar. Tengo que usar este borrador, de lo contrario, realmente arranca la página. Si vas a usar líquido de enmascaramiento, te sugeriría que no uses esta marca Daniel Smith, consigue algo más que sea un poco menos horrible. Voy a ver si puedo rescatar esto con algún lápiz crayón. Te veré lo que puedo hacer. Bueno, al menos esa mariquita cuadrada no es lo peor que he pintado ahora porque eso estaba mal. Veamos qué puedo hacer ahora, jugando con brillo otra vez, mi plan es hacer una pintura con el menor espacio en blanco posible. Tengo planeado cubrir toda la zona en pintura. La última vez que dejé las alas totalmente abiertas y libres, lo que les dio una verdadera sensación de aire. Esta vez voy a usar un azul pálido. También estoy usando un gris pizarra más oscuro para el cuerpo de la mosca. Mi plan es usar un color rojo espeluznante para los ojos porque vi que ese era el caso en mucha de la referencia. Este puede ser un buen momento para discutir fotos de referencia cuando estás trabajando para encontrar tu estilo, la mejor manera absoluta de hacerlo es trabajar desde la vida. Pero la realidad es que solo hay algunas cosas que no se pueden pintar de la vida, como una mosca, por ejemplo, esos pequeños cabrones se van a ir volando cada vez, probablemente incluso antes de que llegues la pluma al papel. En esos casos, lo mejor para usar son las fotos de referencia, son representaciones bastante precisas de cosas de la vida. Quieres asegurarte de que estás trabajando a partir de fotos de referencia tal manera que significa que no estás copiando. No estás robando la obra de ese otro artista ni su composición ni los detalles de cómo han creado su pieza de arte. Lo que estás tratando de hacer es simplemente clavar todos los detalles de cómo crear esa cosa específica. En este caso, una mosca. Nunca te aconsejaría usar otra ilustración como base para tu arte. El problema con eso es, es que estás viendo esa cosa en particular a través de los ojos de otra persona, lo que hace realmente difícil hacer algo que sea único para ti. Eso no quiere decir que no debas mirar a la obra de otros artistas e ilustradores de manera continua. Mirar el trabajo de otros artistas e ilustradores es una gran manera entrenar nuestro ojo y conseguir ideas de cosas que probar, pero no quieres ver el mundo a través de sus ojos. Quieres ver el mundo a través de tus ojos, es como haces un trabajo que se siente como tú. Volver a mi pintura. Estoy casi en el punto donde tengo todos los pequeños detalles de ese ligero color azul rellenos. Ahora voy a añadir algo de textura. Por supuesto, estoy buscando lápices de lápices, ¿qué más esperarías? Aquí está pasando algo que es bastante fácil de ver el video pero fue mucho más difícil para mí reconocer como estaba creando. Algo loco está pasando con las alas de este bicho. Por alguna razón, decidí ponerle las piernas viniendo de detrás de él. Pero sus alas están entre sus piernas y su cuerpo. No creo que así funcione. Por suerte, estoy trabajando con brillo, así que esto es algo que fácilmente puedo arreglar después pintando sobre él de tal manera que no se sabe. Pero tal vez encuentres como estás creando que a veces esto te pasa también. Estás tan en el momento que solo te pierdes algunos detalles. Por eso es realmente valioso hacer un trabajo así, iterar y experimentar y probar las mismas cosas una y otra vez. De esa manera cuando estás en una situación en la que estás ilustrando o haciendo arte bajo presión que tienes que entregar a un cliente, entonces no tendrás que preocuparte por cometer pequeños errores como este, porque los motivos que te encantan ya estará firmemente arraigado en tu catálogo de todos los motivos que conoces y amas para que puedas producirlos a la carta de una manera consistente que se sienta como tú y no tiene ninguno de estos extraños detalles fuera de lugar. También he empezado a usar algún bolígrafo de gel blanco fin de crear un poco más de textura en el cuerpo, un poco de destello para su marco de mosca difusa, es un poco más rascador que usar bolígrafos pascal. Pensé que haría una textura aún más difusa. Ahora vamos a la última mosca que haremos juntos. A los dos siguientes, me iré y haré por mi cuenta antes de hacer nuestra reflexión. Estoy usando un marcador de china, que es un tipo de medio de resistencia. Es cerosa. Cualquier medio a base de agua que pongas encima de él solo se va a deslizar de inmediato, dejando áreas blancas. A diferencia del líquido de enmascaramiento, no puedes pintar sobre las áreas en las que has usado marcador de china, siempre se van a quedar blancas, lo cual no necesariamente es malo, solo es algo que debes planear. Los he usado para todas las venas internas de mi ala. También estoy usando acuarela aquí. Estoy tratando de incorporar más tono de acuarela pastelosa. A ver cómo va. Bueno, creo que éste podría ser uno de mis favoritos. No lo sé, en realidad me están gustando muchas de estas moscas. Todos son muy diferentes, pero todas son cosas que he disfrutado haciendo y cosas de las que me gusta el look excepto esa mosca que no se llamará obviamente. Algo que realmente me encanta de esta mosca es la forma en que la textura vino de ese uso del espacio negativo con la acuarela. Sólo estoy agregando algunos detalles finales ahora. Yo sólo me voy a ir a pintar mis dos últimas moscas no y luego nos volveremos a encontrar para nuestra reflexión. 11. Reflexión tres: espacio: Bienvenidos a nuestra tercera reflexión. Aquí, estamos reflexionando sobre nuestras moscas espaciales negativas. Empezaremos con lo que me gustó y sorprendentemente, hay mucho, realmente no esperaba divertirme tanto con moscas. Me encanta el azul. Me encantó usar lápiz para crear espacio negativo o simplemente dejar áreas para crear espacio negativo que pareciera textura. Me encantó trabajar con el marcador de China. Me encanta mi mosca final. Ese es un diseño gráfico realmente audaz en gris. También sorprendentemente me encanta esa tercera mosca donde metí las alas y la arreglé. Esa textura del gouache en la parte superior del gouache gris oscuro donde se puede ver el cuerpo a través está realmente funcionando para mí y podría usar eso intencionalmente más adelante. Las cosas que no me gustan obviamente esa horrible mosca fluida enmascaradora que no salió bien, no era fan de eso. También probé uno con sepia en lugar de negro, y realmente no me gustó ese efecto. El sepia se sienta igual de extrañamente conmigo como la ennegreció. No voy a volver a intentarlo en el futuro. Algo que también noté es que mi sesgo en este caso es un sesgo contra el color del agua. Ya he hecho varios experimentos en acuarela. Dos durante este experimento y yo solo lo disfruto. No sé si eso significa que necesito tratar de encontrar formas de incorporarlo a mi estilo. O necesito tratar de encontrar formas de incorporarlo como pasatiempo si no creo que se adapte a mi estilo. Pero de cualquier manera, creo que necesito darle otra oportunidad a la acuarela. Otro sesgo que noté mientras estoy mirando estos experimentos finales terminados, es que tenía un verdadero impulso para trabajar manera realista cuando se trataba estas moscas piensan que fue porque me sentía incómodo pintarlas. Pero en el futuro, si incluyo volantes como motivo en mi trabajo, casi definitivamente sólo voy a dibujarlos como un punto con alitas y no los pinté esa ola una vez aquí. En ocasiones nuestro deseo de ver importante o como sabemos lo que estamos haciendo se interpone en el camino de nuestro estilo. No hay nada malo en pintar cosas o dibujar cosas de una manera sencilla que también forma parte de un estilo. A continuación, vamos a experimentar con el valor pintando mariposas. 12. Experimento cuatro: valores: Bienvenido al experimento número 4. Esta es la primera mariposa absoluta que he pintado en toda mi vida. Durante mucho tiempo, me sentí intimidada por ellos. Se ven súper aterradores para pintar y para ser honestos, son bastante femeninos y ese nunca fue realmente mi estilo. Pero ya en este punto del experimento, mirando lo que he pintado y sentado cerca proceso, te puedo decir que estoy a punto de pintar unas 1000 mariposas. De verdad estoy disfrutando esto. Tengo tres colores diferentes de azul con los que empecé: azul claro, un azul oscuro, y un azul medio pero ya me encontré con que no tenía suficientes colores, así que tuve que agregar negro a mi azul oscuro ahí para conseguir suficiente contraste así que se diferenciaría del cuerpo de la mariposa. Ya que las mariposas no son un motivo que uso muy a menudo, realmente no me siento cómodo alándolo. En este caso, estoy tomando bastante de cerca las fotos de referencia para que sepa cómo se ve una mariposa. Al pintar mariposas realistas un par de veces me va a conseguir esa capacidad freestyle en el futuro porque sabré qué funciona y qué no en las alas de una mariposa. Sabré lo que tiene sentido lógicamente y luego puedo jugar con eso. Puedo romper esas reglas, pero sabré cuáles son las reglas. Pablo Picasso tiene una cotización y me encanta. Es una de mis citas favoritas. Es, “Aprende las reglas como un profesional para que puedas romperlas como un artista”. Estoy usando un bolígrafo de gel blanco aquí para agregar detalles a las alas, pequeños puntitos y rayas. Normalmente usaría mi pluma posca, pero quiero lo que el bolígrafo gel tiene para ofrecer en esta situación porque es un poco más ligero, está más bien que mi pluma posca. Creo que está funcionando muy bien. También voy a usar este bolígrafo de gel blanco para agregar cosas y reflejos al cuerpo del bicho y a sus alas. Una cosa que me pareció muy útil ya que estaba trabajando a mi paso a través de hacer esta clase, fue poder ver mi trabajo desde una perspectiva diferente. Para mí, eso fue porque mi Care mac proyecta todas las imágenes en mi iPad para que pueda ver lo que estoy pintando mientras estoy filmando, pero he visto recomendaciones de poner un espejo a tu lado y tú pintas o simplemente tomarte tu tiempo en el medio de su pintura y alejarse y volver. Porque muchas veces cuando estamos en medio de la pintura, realmente no podemos ver lo que estamos haciendo. Estamos tan enfocados en los detalles. Tomar el tiempo para alejarse y ver qué está funcionando y qué no es realmente útil. Recuerdo que estaba tomando una clase de arte el verano pasado y odiaba mi pintura. Yo estaba listo para salir de la clase. Odiaba tanto mi pintura. Simplemente se sintió como una pérdida de tiempo trabajar en ello. La gente venía y decía que mi pintura era buena y yo pensaba que eran mentirosos. No fue hasta que me alejé para cambiar mi modelo de pintura y volví que me di cuenta de que en realidad no estaba mal, no era una mala pintura para nada. En realidad estaba completamente encarrilado y yendo exactamente donde yo quería. Pero necesitaba ese tiempo, ese aliento, ese espacio para alejarme y volver con ojos frescos para ver mi pintura por lo que realmente era. Asegúrate de darte ese tiempo para ver tu pintura o dibujo o cualquier arte que crees para lo que realmente es. Ya sea que eso sea dejarlo de lado durante la noche y volver a ella a la mañana siguiente o simplemente poner su lado el tiempo suficiente para ir a agarrar un vaso de agua porque todos necesitamos beber más agua. Esta vez me quedo con Gouache, pero voy a probar un patrón más geométrico en esta siguiente mariposa. Trabajo en cálidos tonos marrones y. Ya veré cómo me gusta eso también. Bueno, definitivamente no me gusta tanto esto como mi primera mariposa. No creo que el patrón se traduzca bastante también. Parece un poco demasiado duro y duro. Estoy tratando de agregar algunos detalles de mis bolígrafos Posca para tal vez juntarlo todo. Ya lo averiguaremos. Cuando los bolígrafos Posca fallan, supongo que ese es el límite a alcanzar para algún lápiz crayón. A ver si puedo hacer que funcione con esto. La única ventaja que encuentro trabajando en algo que uno siente simplemente no está del todo bien, es que se llega a un punto donde no se puede estropearlo. Si ya lo odias, entonces bien podrías intentar experimentar con algunas cosas nuevas y ver qué puedes hacer que funcione, y tal vez aún termine terrible. Pero entonces no has perdido lo de estudio. Ya no te gustó el cuadro de antemano. A lo mejor encontrarás algún ingrediente mágico que pueda juntarlo todo. En este caso, no creo que vaya a suceder. Es decir, hay algunas cosas que realmente me gustan. Los pequeños puntos en las alas tienen alguna textura fantástica en ellas. No lo puedes ver también desde muy atrás, pero me gusta bastante. Dicho eso, sigo sintiendo que esta mariposa simplemente no me parece bastante voladora. Pero eso está bien porque voy a tomar todas las cosas que noté al trabajar en esta mariposa y traerla a mi siguiente iteración. Sé que en mi último experimento, no me gustaron los marrones de tono amarillo. Estoy probando algunos marrones de tono meñky esta vez, ajustándolo solo un poco, todavía jugando con valor solo usando estos tonos de color, nada demasiado elegante. También me estoy centrando en usar colores más claros, porque el último me pareció demasiado pesado. Pensé que al enfocarme en valores más ligeros, podría hacerlo parecer más ligero y más etéreo, que es realmente lo que voy a buscar con esta mariposa. También es solo, en general, una buena idea comenzar con tus colores más claros y trabajar a oscuras. Cuando comienzas con un color más oscuro, es muy difícil acumular suficientes capas de pintura para bajarla de nuevo para ser más ligera si has decidido que quieres que sea más claro. Pero si inicias la luz, poco a poco puedes acumular esas zonas más oscuras de retoques de color a medida que avanzas. Este marrón que estoy usando para el cuerpo de la mariposa es exactamente el mismo marrón que utilicé en el último experimento. Por alguna razón en el último experimento no me encantó, pero ahora mismo en este momento, estoy muy interesado. Ahora, estoy agregando algunas líneas con ese color brownie listo para pinky. No sé qué me poseía, pero están saliendo muy sueltos y me encanta. Me encanta cómo rastrean desde el borde de la mariposa, me encanta cómo son un poco impredecibles. Es gracioso porque no sentí del todo las líneas de lápiz de crayón eran yo cuando las estaba usando en el experimento de primera línea. Pero ahora que estoy usando este lápiz crayón para crear líneas encima del gouache, realmente me gusta y realmente me afloja. A lo mejor esto es algo que pueda poner en mi caja de herramientas para usar en el futuro. También estoy muy orgullosa de mí misma. Cuando uso lápices de colores, los uso realmente intuitivamente. Simplemente agarro el color que esté más cerca de mi mano que creo que podría funcionar. Realmente no los muestro mucho. En este caso, lo he clavado. Este color es la variación perfecta en tono entre el marrón oscuro y el rosa. Al capas de áreas de color con el lápiz crayón en la parte superior del gouache, estoy creando variaciones de valor también. Considerando que solo estoy usando dos colores diferentes, lápiz crayón, y dos colores diferentes de gouache, estoy obteniendo muchos colores diferentes en base a cómo estoy estratiendo los pigmentos. Usando el lápiz crayón marrón más oscuro alrededor del cuerpo y usándolo de una manera más clara para crear áreas planas de color. Creo que a continuación, voy a intentar una mariposa aún más oscura para recuperarme después de ese primer experimento fallido con una mariposa oscura. Creo que tal vez si me enfoco en usar solo nuestros colores con áreas de contraste, hará que destaque. Bueno, este intento definitivamente fue mejor. Usé una pintura oscura pero la dejé acuosa para que puedas ver mucha de la textura de mis pinceladas. Estoy usando el bolígrafo Posca para agregar detalles a los bordes. Utilizo el lápiz liso crayón que aprendí y que están en nuestro experimento de forma para el cuerpo de nuestra mariquita, y francamente, todo sobre esto está funcionando para mí. Voy a ir a completar las dos últimas mariposas por mi cuenta y luego estaremos de vuelta aquí juntos para la reflexión ocular. 13. Reflexión cuatro: valores: Hola, y bienvenidos a la reflexión número 4. Como siempre, si necesitas un refresco sobre cómo hacer toda tu reflexión, vistazo al primer video de reflexión para el experimento número 1 o a la guía de recursos de clase, donde hay toda una lista de preguntas. Empecemos con lo que me gustó. A mí me encantaban las mariposas. Es un shocker para mí, pero son súper divertidos de pintar. También me encantó trabajar en monótono, trabajar lápiz lápiz flojo con o sin lavado debajo. Lo que no amaba. Mi pluma Posca más grande, me dejó una gran splotch en mi mariposa oscura ahí, que realmente no me encanta. Normalmente, uso el tamaño más pequeño, y creo que me quedaré con eso en el futuro. Tampoco me encantó el patrón más geométrico, pero realmente no hay mucho más. Me encantó trabajar en estas mariposas. Cuando se trata de sesgo, mi sesgo eran las propias mariposas. Tenía esta idea en mi cabeza de lo que eran las mariposas para pintar. Pensé que serían duros y eran demasiado femeninas, o al menos así pensé. En dos años de pintura, no había pintado una mariposa ni una sola vez. Ahora, me preguntaba qué otra cosa son mis pantalones juiciosos que me impide intentar pintar. Voy a buscar aún más consejos que he dado de baja por diversas razones. A continuación, experimentaremos con el color. 14. Experimento cinco: color: Hola y bienvenidos al experimento número 5, donde estamos jugando con el color. Esta vez, decidí empezar con un palet realmente cálido. Siento que lo jugué bastante seguro color sabio en mi último experimento, pesar de que me encantó la mayoría de los colores que usé. Entonces esta vez voy a tratar de hacer cosas que están un poco más fuera de mi zona de confort. No uso muchos colores brillantes, creo que discutimos eso en el segundo experimento sobre forma, así que esta vez voy a tratar de hacer algo flay-me tonificado que me convenga. En la mayoría de los experimentos de valor usé gouache con un poco de toque de pluma, y lápiz crayón, y otros bits y bobs. Esta vez, estoy empezando con el lápiz crayón para probar algo diferente. A pesar de que todavía voy a agregar algo de gouache, esta vez en lugar de poner primero el gouache y luego agregar lápiz crayón en la parte superior, he hecho primero el lápiz crayón, y estoy agregando gouache en la parte superior. Estoy usando el gouache para muchos de los detalles oscuros, porque estoy encontrando que el trabajo realmente no tiene tanto contraste como me gustaría, sobre todo porque estoy trabajando en este papel realmente doriento que deja mucho del blanco de el papel brilla a través cuando estás trabajando con lápiz crayón. Si estuviera trabajando en un papel más suave, podría encontrar que había más contraste, o si solo estaba usando más presión en el lápiz crayón, pero ese no es el efecto que me gustaría en este momento. Cuando trabajé con las mariposas, tenía mucha preocupación por hacerlas parecer como si se suponía que se vería. En realidad podría decir tan pronto como empiezo con estas libélulas que en realidad no tengo mucha preocupación por eso aparentemente. Estoy trabajando de una manera realmente abstracta, solo usando la forma del bug para jugar con el color, y la textura, y detalles sin mucha preocupación por lo que realmente se ve. Tu estilo puede incluir ambos aspectos. Una forma ingenua, o abstracta, o torcida de trabajar y algo que sea más realista, no necesitas elegir solo una. A veces mezclar las dos cosas juntas puede hacer que tu trabajo se sienta más dinámico e interesante, y a veces cuando trabajas en algo una manera realmente abstracta y lo pones junto a algo que es realmente detallado, es una gran manera de enfocar esa representación detallada y realista de una cosa. Algo a tener en cuenta siempre mientras estás pintando es que lo que más detalle y tiempo metes , probablemente va a ser lo que más llama la atención, porque lo has trabajado más. Va a tener esta claridad crujiente que el resto del espacio a su alrededor quizá no tenga. Entonces si hay algo a lo que quieres llamar la atención, ese es el lugar para pasar tu tiempo. Si hay algo que no quieres que la gente se dé cuenta, tal vez te estropeaste alinear, ese es un lugar donde no debes alborotar tanto porque llamarás la atención sobre ello. Casi he terminado las alas y sólo me estoy dando cuenta de que quiero que el cuerpo de esta libélula destaque un poco más. Entonces estoy agregando una capa extra de gouache en la parte superior porque tiene un color mucho más oscuro. Usé una mezcla de un color rojo vino y un color magenta más oscuro, profundo, para darle mucha luz a la pintura y para dibujar el foco hacia arriba hacia las alas y la parte superior del cuerpo. Ahora solo estoy agregando algunos detalles finales en lápiz crayón. Para esta próxima libélula, estoy saltando de mi zona de confort. Tengo estos marcadores Colic, los uso mucho para mi diario de garabatos que guardo, pero nunca los he usado en arte real. Pero estoy tratando de hacer una libélula tonificada fresca aquí y pensé que estos podrían ser sólo el boleto. Creo que podría agregar un poco de color de agua también. Veamos cómo resulta eso. estoy probando muchas Aquíestoy probando muchascosas diferentes. Estoy probando una especie de esquema de color [inaudible] brillante. Estoy probando un cuerpo realmente geométrico para mi libélula. Estoy probando ese fondo rosa pálido, que no estoy seguro va a funcionar, ya lo estoy cuestionando, pero supongo que ya veremos. Voy a añadir una tonelada de detalle a las alas porque realmente quiero que sean un punto focal. Voy a añadir un montón de capas que se ven como todas las venas pequeñas en unas alas de libélulas reales. También son las alas donde voy a jugar más directamente con el esquema de color que he elegido. Porque estoy usando ese esquema de color complementario split, quiero usar un montón de azul-verde, amarillo, verde y rojo. Voy a capas estos colores y alterarlos para que las alas parezcan iridiscentes. También voy a jugar con valor usando tonos más claros de los greens para hacer un verdadero efecto brillante. Ya veremos si funciona o si no funciona. Soy snack completamente vendido en esto funcionando, pero estoy más que dispuesto a intentar y fallar. Cuando estás mirando estas libélulas he pintado hasta ahora, una cosa que me di cuenta de todos modos es cuánto en esa primera libélula, el contraste en el cuerpo realmente dibuja tu ojo ahí. Las alas son sólo algo que aprecias después del hecho. Esta libélula en la que estoy trabajando en este momento es lo contrario. A pesar de que pasa mucho en el cuerpo, mucho color, muchas formas, ese brillante pop rojo de color en la punta de las alas es lo que me está dibujando el ojo de inmediato. El rojo casi definitivamente hará esto en cualquier momento que lo estés usando. Se trata de un color de alta intensidad. lo harán los neones, amarillos brillantes, rosados brillantes. En cualquier momento que estés pensando en el color y eso es lo que hay que tener en cuenta, la intensidad va a dibujar el foco. Cuando no hay un color intenso presente, va a ser contraste como lo siguiente que va a llevar a tus espectadores ojo donde quieres que esté. Quieres asegurarte de tener el mayor contraste donde quieres que la gente mire. Ahora, de vuelta a mi pintura. Es difícil de decir porque todos mis colores están fuera de pantalla, pero estoy variando varios colores diferentes como hago estos diminutos detalles en las alas. Ya he hecho la parte superior e inferior rosa y roja. He añadido algunas filas de verde oscuro y estoy agregando filas de verde claro y lento. Una vez que termine eso, voy a volver a entrar y añadir un azul-verde muy pálido también. Incluso cuando no puedes ver todos estos pequeños detalles de un vistazo, todos trabajan juntos para crear un look cohesivo para tu imagen. Empecé a agregar pequeños puntos al cuerpo de esta libélula y de inmediato no soy realmente fan. Pensé que los puntos diminutos complementarían los detalles de las alas, pero solo están peleando con esos detalles. Probablemente voy a pintar sobre él. Creo que voy a pintar sobre ella. A veces tomarás una elección en tu cuadro así y te irás de inmediato, oh no, ¿qué he hecho? Si estás trabajando en el medio correcto, podrías simplemente reiniciar. Se puede ver realmente que ya pintó sobre ellos. Primera capa, voy a pintar sobre ella muchas capas más para que todos los indicios de por error se borren de este mundo. Si estás trabajando en un medio diferente como la acuarela, es posible que tengas que hacer un poco más de trabajo para deshacerte de pocos errores como ese. Dependiendo del tipo de bolígrafo que hayas usado, a veces puedes simplemente mojarlo y saldrá enseguida. En ocasiones puede que necesites adaptarte y encontrar una manera que haga que esa elección tonta que hiciste funcione para ti. Trabajar con pequeñito detalle como este no es para todos y no es la única forma de hacer las cosas o la forma correcta de hacer las cosas. Para mí encuentro cuando trabajo con diminuto detalle así por un tiempo, realmente empieza a lastimarme la espalda. Soy pincel y clincher de lápiz. Todo mi cuerpo se pone tenso, así que tengo que tomar descansos cada tanto para que no me dañe permanentemente. Esto también es algo a tener en cuenta mientras intentas encontrar cuál es tu estilo. Si hay algo que te hace sentir profundamente incómodo en tu cuerpo como lo haces, puede que no sea por ti o puede que no sea algo que puedas hacer todo el tiempo. Me encanta hacer pequeños detalles, pero sé que me cobran un peaje. Entonces trato de darle un ritmo y paso mucho más tiempo cuando estoy haciendo arte, haciendo cosas grandes, audaces, locas, sueltas para que pueda seguir haciendo arte. A veces nuestros cerebros se interponen cuando estamos haciendo arte. En este caso, mi cerebro tenía una idea muy específica de cómo serían esas libélula. Tenía un plan y no me detuve a mirar la pieza frente a mí. Simplemente sigo el plan y terminé trabajando en exceso. Ahora me voy a ir a terminar mis dos últimas libélulas, y luego nos encontraremos aquí atrás para reflexionar. 15. Reflexión cinco: color: Hola y bienvenidos a la reflexión número cinco sobre el color. Este es probablemente el experimento de aspecto más variado que he hecho hasta ahora. Empecemos con lo que me gustó. Me encantó mucho esa última libélula geométrica que hice. Los colores, el estilo. Realmente escucha a esos escarabajos de primera línea que hice y amé. También me encanta esa quinta libélula, verde suave, los marrones. Se sintió como el cuarto pero con más experiencia. También me encantan las pequeñas formas detalladas en las alas de mi tercera libélula. También me encantan los colores. Simplemente no estoy seguro de que sean yo. Se sienten un poco demasiado por ahí. Cosas que no amaba, esa cuarta libélula. Además, la mayoría de los colores para ser honesto, creo que porque este ejercicio fue sobre el color, me empujé mucho más allá de mi zona de confort y muchas de las cosas que intenté no se pegaron y eso está bien. Ahora sé que los colores profundos y ricos que uso para la mayoría de los experimentos simplemente no soy yo. ¿ Cuáles son mis sesgos aquí? Bueno, creo que ante todo, mi mayor sesgo se expresó en esa cuarta libélula, empecé con tanta soberbia, totalmente segura que iba a ser impresionante con un plan muy claro en mi cabeza. Pero no escuché a mi yo artístico como estaba pintando. Acabo de alimentarme, y el resultado final no es genial. En realidad implica muchas cosas que uso en mi estilo diario, como esas hojas y esos colores. Pero la forma en que se combinan no soy yo y francamente no es buena. En ocasiones nuestras ideas de lo que deberíamos estar haciendo se interponen en el camino de lo que podríamos estar haciendo. Eso es lo que pasó aquí. Arriba a continuación, iban a experimentar con la textura. 16. Experimento seis: texturas: Al igual que estamos en nuestro último experimento chicos. No puedo creerlo. Aquí estamos jugando con la textura y dibujando abejorros. De momento, todo lo que he hecho es bajar una capa de acuarela en gris y el amarillo. También traté de agregar un poco de pigmento suelto. Tengo pigmento de oro colgando por ahí. Espolvoqué algo de eso sobre mi pincel y lo sumergí en partes de mi acuarela amarilla. No estoy seguro de lo bien que fue. Sólo estoy delineando los pies y las alas ahora. Voy a probar eso, mantenerlos bastante libres de textura. Estoy tratando de ir máxima textura en el cuerpo de la abeja. Yo quiero que se vea como tú codificado en polen y muy borroso. Eso va a incluir muchas capas diferentes de diferentes medios con el fin de construir la textura que yo quiero. Puede valer la pena señalar que realmente me encantan las texturas. Entonces este es un experimento en el que estoy tratando empujarme aún más allá de lo que normalmente iría. Estoy usando materiales que normalmente no uso, y estoy probando técnicas que no he probado antes. Al igual que en este caso, ese pigmento, lleva más de un año sentado en mi escritorio, y ustedes finalmente me inspiraron a probarlo. No creo que sea terrible. Es darle a la abeja un brillo encantador. Habrás notado antes cómo mi acuarela se agruparon cuando mi amarillo aún estaba mojado. Acabo de incorporar eso a una sombra bajo el ala de la abeja. Ahora, voy a empezar a usar algunos bolígrafos de gel para sacar aún más textura. Tenía un bolígrafo de gel dorado. Voy a añadir unas coronas de lápiz en las alas para diferenciarlas del cuerpo de la abeja, y luego voy a ir otra vez con un efecto garabato en bolígrafo de gel blanco. Al estratizar esta textura sobre textura, va a crear mucho más detalle a la pintura terminada, aunque no la puedas ver en la cámara. He estratificado ese color de agua gris debajo del lápiz crayón, debajo del bolígrafo de gel blanco, y en realidad pongo más lápiz de lápiz en la parte superior. Hay muchas capas de textura. Entonces en las áreas amarillas, he estratificado motas de oro, pigmento de oro, pintura amarilla, bolígrafo de gel de oro, así que cuando miras de cerca la pintura, hay tanto que ver. Creo que casi termino. Pasando a nuestra siguiente iteración, voy a tratar de usar un azul en lugar de negro en este caso, la abeja que estoy viendo en este momento tiene en su mayoría hombros amarillos y un cuerpo negro, y espero que el azul oscuro se traduzca. A ver cómo va. Bueno, creo que este azul realmente no se está traduciendo del todo como negro. Creo que voy a probar algo aún más aventurero. Tengo estos lápices de colores de lujo que nunca he usado del todo. Creo que voy a tratar de ponerlos encima y ver si el azul brillará para añadir algo de textura. Para ser perfectamente honesto, estos crayones me asustan un poco. Son solubles en agua. Siempre tengo miedo de que los vaya a manchar por todas partes. Dicho esto, me encanta mucho el aspecto de este amarillo más claro encima de ese ocre rico profundo que estaba usando, y agregar el negro encima del azul está haciendo que tenga matices azules realmente hermosos. Estos crayones funcionan igual que los crayones regulares que recuerdas de primaria. Excepto que si les agregas agua, en realidad van a funcionar mucho más como una acuarela creo. Ese es mi entendimiento. Yo sólo voy a añadir unas líneas en lápiz crayón a las alas porque quiero que las líneas estén más finas de lo que podría conseguir con el crayón. Intento ser muy cuidadoso con mis manos manchadas para que no manche el crayón. Planeo usar un fijador de pulverización después terminar para que pueda apilar esto con los otros proyectos. Te querrás asegurarte de que solo usas una capa ligera, porque como estás por ver, no hice eso, y me destrozé un poco el trasero junto a ella. Basta con proceder con cautela. Aquí estamos en la iteración número 3 de nuestros abejorros. Una y otra vez, a lo largo de estos experimentos, he comentado lo mucho que me encanta la textura del lápiz crayón, uno es todo suyo. Esta vez me inclino en ello. Mi plan es usar este gris cálido y un amarillo brillante para la abeja agujero. No voy a usar ninguna pintura para nada. Algo que aconsejo, si te gusta trabajar con lápices de colores, pero tienes manos manchadas como yo, es que quizá valga la pena conseguir un trozo de papel de chatarra y simplemente mantenerlo bajo la parte de tu mano que va a estar tocando el papel. Yo no hice eso aquí. Yo sólo estaba tratando de tener cuidado, pero es un truco que uso a veces porque tengo una tendencia a ser muy pesada. El hombre. Me encanta este amarillo. Puede que sea mi favorito de los tres que he pintado hasta ahora. Ahora, voy a usar una variedad de diferentes grises y negros con el fin de acumular color para las abejas, rayas más oscuras. Podrás notar mientras me ves trabajar con lápiz crayón, que estoy tratando de mantener mis trazos todos en la misma dirección, porque en este caso la abeja está borrosa. Quiero que el trazo del lápiz de lápices imite la forma de su cuerpo difuso de abeja, y la textura libre de sus hombros. Si quisiera que algo tuviera una textura defectuosa, usaría un trazo redondo, circular. Si quisiera que algo tuviera una textura al azar realmente ardiente, usaría trazos en todos a direcciones variables. También estoy usando una mano bastante ligera. Podría conseguir una capa mucho más profunda de pigmento si trabajara más oscuro, pero me gusta esta forma suave de usar lápiz crayón. Ya casi termino con esta abeja ahora, solo estoy terminando unos pedacitos finales y bobs, pasando aquí y allá. Ahora estamos en la última abeja que pintará juntos. Vuelvo a usar lápiz crayón. Me gusta mucho la textura de la misma, pero esta vez estoy probando algo que sólo he probado unas cuantas veces hasta ahora, pero creo que va a funcionar bien para esta abeja. Quiero hacer esta abeja, lápiz de textura de crayón con tinta, dejando mucho espacio en blanco como lo hice en el experimento de mosca. Entonces al final me voy a motear en una capa de tinta, veremos cómo va. Ahora el poco desordenado, voy a ver un poco de tinta en el cuadro y ver cómo se ve. Cepillo de dientes es la mejor herramienta para unos muy pequeños observadores, justo lo que quería, y luego lo repaso un par de veces. También me estoy dando cuenta ahora que esto puede ser para lo que es el pie de página enmascarado. Quizás podrías hacer una barrera alrededor de tu mosca para que los puntos solo terminen sobre él. Mejor bien. Ahora me voy a ir a terminar mis últimas dos abejas y luego volveremos y nos encontraremos para nuestra última reflexión. 17. Reflexión seis: texturas: Oh Dios mío, ya estamos en nuestra última reflexión juntos. Se siente surrealista. He pasado por tanto con ustedes chicos. Vayamos directo a la persecución. Las cosas que me encantaron en este experimento, me encantó la textura exquisita de ese primer bicho, especialmente el bolígrafo de gel blanco que usé. Me encantó el crayón. Me encantó volver a trabajar con lápiz crayón por supuesto, y me encantó reemplazar el negro por el marrón en esa encantadora exquisita abeja que hice después de dejarnos. Cosas que no me encantan, todos los astilleros desordenados de tinta y el desorden que hice cuando estaba rociando ese fijador para proteger mi crayón, debería haber dejado de ser. Tampoco soy un gran fan de la tinta. Creo que este es el momento en el que tengo que decidir que simplemente no está trabajando con nosotros. Tinta y yo lo estamos llamando se rinde para siempre de verdad. Los sesgos que destaqué mientras estaba trabajando a través este experimento fueron que la textura es demasiado desordenada. Cada abeja que hacía era garabateada o rayada o muy fuertemente texturada de alguna manera. Pero plana es una textura demasiado o brillante o cualquier otra cosa que simplemente no son garabatos y líneas y rayaduras. Eso es lo que voy a poner atención a mi trabajo en adelante para ver si puedo variarlo un poco más de lo que hice aquí. En cuanto a motivos, voy a ser honesto aquí, realmente no me encantó pintar abejas. Si fuera a usar las abejas como motivo en mi trabajo, creo que tendría que iterar mucho más para conseguir algo que se sienta aún más como yo porque éstas todavía se están cayendo un poco planas. Pero eso está bien porque encontré muchos motivos a lo largo del transcurso de esta clase que funcionarían para mí, que me siento muy cómodo recreando. A continuación, hablaremos de seguir experimentando. 18. Continuar: Al terminar nuestro experimento final, los padres se despiden. Yo quiero que te tomes un momento para gritar desde los tejados que este no es el fin. Como ilustrador para artistas estabas embarcando en un viaje continuo para encontrar tu estilo, empujar tu estilo y reinventarte. Estos seis experimentos son sólo los primeros pasos en un camino de por vida de aprendizaje, experimentación, reflejo que te hará un artista más fuerte. Mi esperanza es que puedas volver a estos experimentos como un acogedor, más parecido. Siempre que necesites una pregunta que te ayude a salir de tu zona de confort. Sé que a lo largo del transcurso del rodaje de esta clase, destapé aproximadamente una docena de cosas, quiero probar y por llevar a mi estilo. Puñadas habilidades en las que quiero enfocarme, para empujarme hacia adelante, nuevos motivos para incluir en mi trabajo y mucho más. Si esta clase, siempre y cuando chisme dentro de ti, también puedes consultar la Guía de recursos incluida en la pestaña del proyecto, sugerencias de espionaje para que otras clases de escultura sigan aprendiendo y experimentando. Cada recomendación se basa en torno a uno de los elementos de diseño que hemos cubierto en esta clase y spam de las toneladas de diferentes medios. 19. Gracias: Muchas gracias por pasar algún tiempo experimentando conmigo. Sin duda puede sentirse incómodo cuando estabas en la caza para encontrar tu estilo. A veces cada cosa que pintas solo se siente como si estuviera saliendo de la voz de otra persona. Pero puedo garantizar absolutamente que si pudieras seguir experimentando y seguir creando, un día mirarás hacia abajo tu trabajo y te sentirás como nadie más en el mundo, pero podrías haber hecho lo que está sentado ahí abajo en tu página. Para aquí sobre mis clases en cuanto se publiquen, sígueme aquí en Skillshare. Para seguir mi viaje ilustrativo, o simplemente pasar el rato y charlar sobre arte, puedes encontrarme en Instagram. Si publicas alguna parte de tu proyecto en Instagram, también me encantaría que me etiquetaras @alannacartierillustration o utilizaras el #alannateaches. Ver el trabajo de los estudiantes es una de las mejores partes de la enseñanza en Skillshare. Si solo quieres escuchar las novedades conmigo, entonces inscríbete a mi newsletter en alannacartier.com Muchas gracias de nuevo. Eres increíble y no puedo esperar a ver las cosas hermosas que creas.