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Dentro del estudio: Cómo colaboran los productores musicales con los artistas

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:51

    • 2.

      La presencia del productor

      3:48

    • 3.

      Cómo desarrollar relaciones

      3:37

    • 4.

      La comunicación con los artistas

      5:10

    • 5.

      El proceso del productor

      3:16

    • 6.

      Complementos de DAW

      5:11

    • 7.

      Esquemas de pistas para los artistas

      3:55

    • 8.

      Conclusión

      1:11

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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2906

Estudiantes

3

Proyectos

Acerca de esta clase

Durante sus dos décadas de experiencia en el estudio de grabación, el productor musical ganador del Grammy Focus… (Aftermath) ha colaborado con algunos de los nombres más grandes de la música, como Beyoncé, Dr. Dre y Kendrick Lamar.

A lo largo de los años, ha aprendido todo tipo de técnicas para hacer que los artistas brinden su mejor intepretación al grabar. Ahora, en esta clase de 30 minutos, comparte sus joyas de conocimiento con los aspirantes a productor de todo el mundo. Las lecciones clave incluyen:

  • controlar la sesión en el estudio
  • fomentar una comunicación constructiva con el artista
  • crear pistas simplificadas en las que los artistas puedan plasmar las voces
  • los complementos favoritos de Focus… al producir

Esta clase está diseñada para productores que busquen subir el nivel de sus carreras por medio de ideas y prácticas profesionales. Ya sea que estés trabajando con un artista en el estudio o a distancia, estas lecciones te ayudarán a refinar tu proceso, orientar a los artistas a que den lo mejor de sí y, en última instancia, alcanzar mejores producciones. 

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Focus... Music

Grammy Winning Producer

Profesor(a)

Bernard Edwards Jr., better known as Focus..., is a Los Angeles-based 2 time Grammy award winning record producer who first rose to fame when signed to Dr. Dre's Aftermath Entertainment in 2001. Over the course of his career he has produced Platinum and Gold selling records for artist including Dr. Dre, Eminem, Kendrick Lamar, Snoop Dogg, Mac Dre, Pink, N Sync, Christina Aguilera, Jennifer Lopez, Beyonce Knowles, 50 Cent, Busta Rhymes,Bishop Lamont, Tony Yayo, Stat Quo, Outlawz, The Game, Jay Rock and many more.

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Transcripciones

1. Introducción: ¿ Cómo están ustedes chicos? Mi nombre es Focus. Soy productor con Aftermath. He estado con ellos de y de por unos 15 años, trabajando con el Dr. Dre y he tenido una carrera desde hace unos 25 años. De niño, se me ocurrió en la industria de la música. Mi padre fue bajista y compositor de Cole con un grupo llamado Sheep. Entonces, es todo lo que he conocido. Desde que era niño, quería ser igual que mi papá. Mi papá era un productor de renombre mundial y era algo que yo pensaba que era genial en ese momento, pero ahora es la vida y sigue siendo genial. Esta clase va a cubrir algunos puntos clave para un productor. Definitivamente vamos a entrar en el hecho de que somos sirvientes de los artistas. Somos servidores por el bien mayor del proyecto en sí, ya sea un proyecto entero o solo una composición. Entonces, vamos a entrar en eso. Definitivamente vamos a adentrarnos en los aspectos creativos y técnicos del productor, cuál es tu trabajo y cómo puedes hacer que las cosas funcionen más suave. Vamos a entrar en las relaciones, la importancia de las relaciones, y vamos a entrar en tu relación personal con el artista y cómo eso también va a ser clave para la conversación. Entonces, ojalá esto vaya a ayudar en lo que estás haciendo con tu carrera. Creo que esta clase está destinada a la persona que lleva el pasatiempo de la afición a la carrera. Esto no es para alguien que sólo quiere ganar dinero con la música. Esto es para la persona que tiene el amor por la música, y tiene el amor por crear música atemporal y entiende lo que están tratando de sacar de su carrera. Esto no es oro pequeño en absoluto. Esto se trata del largo plazo. Esto se trata de la distancia. Entonces, he hablado de esto muchas veces, y creo que mucha gente piensa que esta es una de esas cosas que vuelan de noche. Haces un latido cuando eres productor y no es eso. Esto es para esa persona que quiere quedarse la distancia y hacer la música atemporal. Espero que quien esté viendo, creo que necesitas estar definitivamente en sintonía con el hecho de que esto se trata del amor y la pasión y el detalle de hacer música. También, como parte de esta clase con ganas de que cada alumno utilice lo que traemos a esta clase y ustedes lo usen en sus composiciones y enviándolo. Me encantaría escuchar lo que haces con él. Me encantaría escuchar lo que sacaste de esta clase y cómo lo aplicaste. Porque, estoy seguro de que todos y cada uno de los estudiantes van a poner su propio giro y eso es lo que lo hace creativo. 2. La presencia del productor: Para la primera lección, quiero entrar en algo de lo que probablemente no escuches hablar a muchos productores. Pero vamos a hablar de tu presencia en la sala y por qué es tan importante. Creo que los productores necesitan tener un control de la habitación. Es necesario conocer el pulso de la sala con los artistas, quienquiera que traiga el artista. El ingeniero, deberías tener una buena relación con el ingeniero. Aunque no conozcas al ingeniero, intenta crear uno en esa instancia porque ése es quien va a ser tu copiloto. Ese es tu copiloto para el resto de ese proyecto. Entonces, al final del día, vamos a platicar y entrar en detalle sobre tu presencia y cómo puedes ganar el control de la habitación, para que no se sienta como si fueras algún tipo de sobrecarga. Pero al final del día, tienes el pulso yendo en la dirección correcta y la creatividad y todas las vibraciones se van a correlacionar todos y tiene sentido. Una de las cosas que solía pensar era muy guay acerca de mi padre, mi papá era un fenómeno del control en casa, claro, él es el padre. Pero al final del día para ver eso en un estudio, ver a mi padre realmente correr una sesión con Robert Palmer o Rod Stewart o Diana Ross y verlo realmente decir algo y todo el mundo saltando tratando hacer que funcione por el bien mayor del proyecto, me fue increíble. Creo que lo hizo con una mayor de intenciones porque quería asegurarse de que fuera un gran proyecto. Quería asegurarse de que todos dieran lo mejor de sí. Estaba dando lo mejor de sí y quería asegurarse de que toda la habitación estuviera en el mismo porcentaje. Todo el mundo está dando lo mejor de sí. Cuando estás en cualquier tipo de instancia donde es tu música, entienda, eres 50 por ciento dueño de ese proyecto sin importar. Entonces, si eres dueño del 50 por ciento y tu nombre está pasando ahí, tu nombre siendo tu marca, quieres asegurarte de que tengas el mayor tipo de marca que haya. Yo quiero asegurarme de que yo y el ingeniero hablando, normalmente uso el humor. El humor siempre agrieta cualquier hielo. Incluso con esas personas que no quieren sonreír. Puedes dar la vuelta y seguir usando humor. Quieres entender a tu ingeniero y asegurarte de que esté cómodo y luego una vez que llegue el artista, por supuesto el artista, es su proyecto y es su sesión, pero al final del día, tú eres el productor y estás ahí para asegurarte de que el artista se sienta cómodo, el ingeniero se sienta cómodo, el proyecto se va a hacer eficientemente y todo el mundo va a estar cómodo en esa situación. Se trata del artista. Se trata de la canción. En realidad no se trata de ti. En esa instancia, ahí es donde entra la servidumbre. Ahí es donde tienes que aliviar todo tu ego a veces y es difícil. Es difícil para la gente, porque realmente pensamos en nosotros mismos y por qué no estoy recibiendo la atención y por qué piensan que podrían hablarme así. Todo eso tiene que ser empujado a un lado. Si quieres hacer la canción más grande que puedas y estás trabajando con un gran artista y es una gran oportunidad, mantente abierto a la vibra creativa de las cosas. Si quieren ir y estar mucho en ello bien. Consigue que hagan su trabajo y luego que se vayan y luego te pases a ser productor. Empieza a mezclar el disco, empieza a editar el disco, trabaja con el ingeniero. A veces eso podría tener que pasar, pero si el artista sí quiere quedarse, vas a tener que entender cómo ser sirviente. Tal vez tengas que sentarte ahí dentro y estofar en esa cosa maravillosa, maravillosa que llamamos humildad. Pero te dará un resultado maravilloso. Eso te prometo mucho. 3. Cómo desarrollar relaciones: Ciertas cosas que he aprendido en mi carrera que me han ayudado a crear relaciones con los artistas y diversas personas que podrían ser completamente nuevas en proyectos con los que nunca he trabajado es conversación. No quieres sentarte y hacer toda una misma conversación con un artista si no te conocen. Abre el diálogo, y sólo entiende de qué están hablando. Entender lo que pueden querer traer a través en su proyecto. Si no quieren ser comunicativos contigo, encuentra la manera de crear algún tipo de conversación, y te prometo que las cosas comenzarán a suavizarse. A medida que lleguen a verte crear y tal vez tu pasión por la canción, tal vez su pasión por la canción sea la única cosa que ustedes son, “Vale, empecemos desde aquí, con nuestra relación. Me encantan las canciones tanto como a ti te gusta la canción. ¿ Cómo puedo hacer mejor la canción?” Puede que no tengas amistad, quizá no seas el mejor de los amigos, pero tendrás algo de qué empezar. Se quiere una meseta para empezar. Una instancia que se me ocurre fuera de la cima es cuando tuve la oportunidad de trabajar con Christina Milian en su primer proyecto. Christina era muy joven. Entonces, ella llegó allí con su madre, y Carmen es una persona maravillosa, mujer maravillosa. Ella y Christina acaban de llegar con una energía tan positiva, energía muy positiva, y esto fue de vuelta cuando Christina estaba más orientada al pop. Entonces, fue muy guay entrar en realidad conmigo con ella. En su momento, estaba trabajando con Montell Jordan. Entonces, Montell era mi escritor, y yo era su productor. Entonces, en realidad tuvimos este proyecto viniendo a través de Def Jam, y ella entró y durante las primeras horas de nuestra primera sesión, y ella entró y durante las primeras horas de nuestra primera sesión,solo estamos hablando y riendo y conociéndonos. Ella me habló de relaciones recientes, me contó cosas que quería hacer materia de las canciones. Entonces, para que ella hiciera eso, realmente me ayudó a conseguir una dirección, y recién empezamos a crear a partir de ahí. No había nada que ya estuviera prefabricado, todo se basaba en lo que ella quería pasar con sus proyectos. Entonces, fue muy inspirador, fue muy motivador para mí conocerla primero, y definitivamente ayudó a nuestro proceso creativo. En ciertas situaciones, no podrás crear una relación, per se con el artista porque quizá ni siquiera estés en el mismo espacio. Sé que ahora con el avance de la tecnología, todo lo que estamos haciendo es más o menos enviar música aquí y allá, creando relaciones de esa manera. No son relaciones reales, no son relaciones tangibles, pero son relaciones de trabajo. En esas instancias, no vas a conocer su estado de ánimo, no vas a saber nada de ellas. Creo que es imperativo que hagas investigación, averigúas tal vez por dónde empezaron, y a dónde están tratando de ir con su carrera, con su sonido. Algunos de los productores pasados con los que trabajan, ¿por qué trabajaron con esos productores? puedes encontrar en entrevistas, las puedes encontrar en YouTube, las puedes encontrar por todas partes, llenos de basura por Internet porque una vez que haces tu investigación al respecto, estás mostrando iniciativa. Ahora estás dando un paso donde puede que el último productor no haya ido, y es posible que puedas afinar el sonido que les ayudará a avanzar en su carrera. Entonces, también es muy importante. Aún así esta es una forma tibia de crear una relación, pero es muy importante que hagas tu investigación al respecto. 4. La comunicación con los artistas: Entonces, está bien. Conseguimos la vibra establecida en esta sesión. Estamos grabando. Todo el mundo está en su lugar adecuado, pero ¿cómo consigues que tus artistas actuen como nunca antes habían actuado? Creo que la palabra control le da a la gente un aire de derecho. No se supone que debes dar la vuelta y controlar literalmente a los artistas o a la gente en la sesión. Tu trabajo es asegurarte de que las cosas fluyan sin problemas. ¿ Cómo hacemos esto? Comunicación, Simple y llana. Cuando estás hablando con un artista aunque vayas a ser crítico, quieres asegurarte de que lo digas de una manera que no socava, y no deconstruye lo que estás tratando de construir. Al final del día quieres asegurarte de que hablas con la gente como te gustaría que te hablaran. Puede que no les guste algo en su pista. Si se dieran la vuelta y dijeran: “Eso chupó”, ¿ podrías actuar en tu mejor momento? O si dijeran: “Bueno, hay una manera de que puedas cambiarlo, y esto es lo que escuché”, Ok, lo entiendo. Eso lo conseguí. Se puede hacer lo mismo con un artista, “Está bien. Eso está bien. Eso es genial. Esa fue una buena toma, pero tomemos esto e intentemos con una emoción diferente, o puedes intentar abrir un poco más la boca para que pueda tener una nota más clara?” O cosas así. Es así como se agrega a un proyecto. Es así como se les agrega sentirse bien consigo mismos y así es como se agrega a definitivamente una gran, gran canción. Hay momentos en los que darás retroalimentación, y se sentirá como si estuviera cayendo sobre oídos sordos. mí me ha pasado eso un par de veces, y está bien. No es malo porque sigo ahí para asegurarme de que estoy dando un gran escenario y mesonada a los artistas. Si el artista quiere afirmarse y ser la persona creativa dominante, eso está bien. Eso lo permitiré, pero al final del día, una vez que consiga un momento de reproducción, puedo dar la vuelta y presionar play y tenerlos sentados a mi lado. Muéstrales: “Está bien, ¿lo oyes ahí? ¿ Entiendes lo que decía sobre esa nota?” 10-1, ese será el momento en que puedan escucharlo. posible que no lo oigan detrás del micrófono porque para ellos este es mi trabajo detrás del micrófono, haces tu trabajo detrás de la pizarra. Entiendo eso, está bien, pero cuando nos sentamos detrás de la pizarra juntos, estamos en un campo de juego parejo. Ahora, necesito que entiendas lo que está pasando. En cada instancia cuando señalaba lo que intentaba cambiar todo el tiempo, terminó siendo cambiado, y funcionó al final. Entonces, solo mantente abierto. Es posible que sólo tengas que dejar pasar la cosa. Sea lo que sea, sea lo horrible que escuches, tal vez tengas que dejarlo pasar. Pero no lo dejes morir y no lo dejes salir porque sigue representando tu nombre. Si tu nombre está en esa cosa, y sientes que podrías haber hecho las cosas mejor, no vas a poder volver a entrar y rehacerlo, hacerlo, y asegurarte de que se haga lo correcto que puedas hacerlo. Creo que es muy importante tener una lista de comprobación menor si se quiere, una lista mental de cosas que se pueden hacer para ayudar a establecer la vibra para asegurarse de que se ponga el tono para lo que está a punto de suceder en la sesión. Sé para mí que soy muy grande en la iluminación. Nos llamamos vampiros no literalmente, pero no me gusta la luz brillante, no puedo trabajar bajo luz brillante. Me gustan mis luces tenue o iluminacion coloreada. Para mí sobre todo incluso trayendo un artista, si llego temprano, que me corresponde a cada productor, llegar ahí antes que el artista. Pero cuando llego ahí, es muy importante para mí mostrarles que esto es importante para mí, así que empiezo a trabajar de inmediato. Yo traigo la pista, me aseguro de que sea una mezcla suelta en la pizarra si estoy usando eso como venta. Si solo estoy en la caja, si solo estoy usando Pro Tools, me aseguraré de que haya algunas cosas para demostrar que he estado trabajando antes de que llegaran allí. Esperemos que empieces a crear, yo lo llamo el efecto de remolino. Una vez que las cosas empiezan a moverse en una dirección. Una vez que entren los artistas y quienquiera que el artista esté trayendo con ellos deben darse la vuelta e ir justo en la misma dirección. Creando ese buen efecto de remolino, obtienes una buena energía en la sesión. Entonces, es clave dar la vuelta y establecer el tono antes de que lleguen los artistas. Enfriar. Entonces, la vibra está puesta, tienes tus sensuales velas yendo, todos están contentos, llegamos a las cosas divertidas. Aquí es donde me ilucho entrando justo en la sesión. Tengo tantas cosas que necesito para ayudarme a ser el productor que soy, paquetes, plugins varios, así que vamos a meternos en eso. Entonces, esto va a ser divertido. Esta es la parte divertida. 5. El proceso del productor: Enfriar. Sabemos que no estamos aquí para estar haciendo uno a uno, pero es importante entender que hay un proceso creativo si se quiere y este va a ser mi proceso creativo personal es como empiezo con cualquier cosa. Cuando empiezo, normalmente me gustaría empezar con acordes. Hay momentos en los que empezaré con tambores, pero me gustaría empezar con acordes. Soy un enfido para un gran acorde, y podría ser solo un poco. En esta instancia, en esta pista, es literalmente un ritmo, y por alguna razón escuché tanto pasar en este pedacito, así que lo traté. Usé un roader, usé un esparcidor y solo le puse todo lo que pueda para alterar el sonido a donde pueda usarlo a donde pueda construir sobre él. Entonces a partir de ahí, empecé a añadir diferentes instrumentos. Es importante construir una base para trabajar fuera y sé como con esta, es una pista muy sencilla y escasa. El más ocupado ahí dentro es la muestra que estás escuchando una y otra vez. Pero es una de esas cosas que todavía se puede tener un artista ahí, y el artista tendrá suficiente espacio para respirar. Entonces, me aseguro sacar todo de mi sistema porque cuando se produce a veces se puede sobreproducir. Pero quieres asegurarte de que tienes suficiente para que un artista pueda construir y si necesitas recuperar puedes recuperar. Se trata de los artistas, se trata de crear espacio para los artistas y sé que a veces cuando estamos en nuestro propio espacio de trabajo, olvidamos el hecho de que va a haber un artista en él. Está bien para este track es una pista híbrida que hice es una pista de RnB tiene un subtonos de hip-hop, pero lo hice porque realmente quería crear un campo de sonido que se basara únicamente en que el artista fuera el instrumento principal. Mi instrumento favorito en cualquier estudio es la voz, la voz puede hacer mucho más de lo que cualquier instrumento puede hacer. Incluso puede emular instrumentos si se quiere. Entonces una de las cosas que realmente quiero hacer es simplemente crear espacio. Haré cosas [inaudibles] y se las enviaré a un artista y dejaré que el artista haga lo suyo y luego volveré a entrar y reconstruiré la pista a su alrededor. Si escuchas la dinámica de esta canción, sigue siendo lo suficientemente escasa para donde puede existir un artista, y no estoy dominando al artista. Les estoy dando lo que necesiten para que puedan cantar y ser el movimiento de la pista. Creo que es muy importante darles lo suficiente para anotar, darles la estructura de acordes, darles el puente, darles la estructura que crean que necesite y luego agregar después. Creo que tanta gente quiere mostrarse como productores que ponen tanto ahí dentro, tantas ediciones, tantas cosas diferentes que es difícil para alguien sentarse y decir, bien puedo escribirle. No necesariamente significa que sea una mala pista, solo significa que hay que afinarlo. 6. Complementos de DAW: No se necesita un genio para averiguarlo, soy un productor de la vieja escuela estando en el juego 25 años. Vengo de mucho equipo analógico, así que estoy acostumbrado a tener, donde graba, atrás en el día, eran carretes de dos pulgadas, y luego trabajaría en mi equipo. Entonces, para mí, Logic es mi equipo. Ahí es donde trabajo, y donde grabo, o de donde estoy mix es Pro Tools. Sé que Logic, se puede mezclar en Logic. Sé que en Pro Tools, puedes mezclar y crear Pro Tools pero para mí, la separación me ayuda. Necesito saber que cuando estoy en Logic, estoy creando, estoy haciendo la música. Cuando estoy en Pro Tools, estoy mezclando, y sólo estoy enfocado en eso. Entonces, de nuevo, profundizando en detalles de mi flujo de trabajo, creo que no soy solo yo quien hace esto. Hay un montón de productores que tienen su ir a, estar en rig, estar en un plugins, empaquetar cosas así, tienes tu ir a, tienes tu espacio creativo al que entiendes lo que todo hace, y lo que vas a volver de ella. Yo, mi paquete iZoTope, es una necesidad. Lo necesitaba en todo lo que creo. Ozono 5, esa es mi favorita. Tienen siete ahora y me estoy metiendo en aprenderlo también. Pero Ozono 5 para mí es tan cómodo. Es una herramienta de masterización, y la uso para poner después de hacer mi e-queuing en cada pista, y cosas así. Para mí, da una perspectiva tan amplia de la pista, y también le da ponche. Porque, puedes e-cola en general, e incluso puedes jugar con la imagen estéreo. Entonces, para esta pista, la tocaré sin ella. Ahora, al mismo tiempo que estaba usando un sonido muy ambiental, así que van a ser anchos por sí mismos, pero en el momento en que te pongas este plugin, puedes escuchar que se iluminó, se amplió también, y es muy importante como usaré el excitador armónico, solo para que pueda conseguir una sensación más crujiente. A veces, me gusta agitar también mis medios altos. Entonces, depende de lo que realmente intentes pintar con tu canción, pero sí te aconsejo, sabes quién de ti, si pudieras ir y definitivamente echar un vistazo a lo de iZoTope, porque realmente trae una hermosa dinámica a todo, y puede ayudar a todo lo que intentas hacer de forma creativa. Otra empresa que me gusta su software, es Soundtoys. Creo que sus cosas son increíbles, quiero decir, para sonar manipulación si se quiere. A veces realmente quiero hacer algo mío, empiezo a meterme realmente en el funcionamiento interno del sonido, y Soundtoys ayuda a eso. Una de las cosas que puedo plantear ahora mismo, se llama Little AlterBoy, y con algo como esto, puedes tomar cualquier sonido que quieras, y realmente te metes en algunos sonidos diferentes, texturas diferentes. Esto podría ser algo sencillo como, puedes hacer de esto una pista completamente otra, y hacer copias de seguridad de esa alta frecuencia. En esto, puedes hacerlo literalmente en él. Se puede conducir. Si quieres que incluso suene diferente, puedes hacerlo. Lo que estoy haciendo ahora, es sólo cambiar el formato de la misma. Todavía tengo un menos 12 en el terreno de juego. Cosas así, me encanta poder hacer que eso funcione dentro de mi pista porque, ahora no sabes qué es eso, no sabrás qué instrumento es ese. Entonces, esa es una de las cosas que me encanta usar. Otra de la que me gusta mucho, y de verdad me encanta es Sugar Bytes. Sugar Bytes tiene algunas cosas que alteran el sonido también para la parte de edición de la misma. Looperator, tienes que tenerlo. Eso Effectrix, Tartamudez Editar por iZoTope. Mis tres favoritos van a empresas es iZoTope, Sugar Bytes, y luego Soundtoys. Entonces, si puedes implementar sus paquetes en tu proceso creativo, es posible que solo veas cosas fuera de la escala de Richter. Va a ser, de verdad, realmente enorme para ti. Entonces, depende de lo creativo que quieras conseguir. Todas estas cosas ayudan a mi sonido, y ayudan a darme una huella digital como productor. Creo que eso es lo importante. Ser original, ser creativo, y así es como consigues que tu gente vuelva por más. Porque, eso es lo que vas a poder llevar a la mesa, es tu huella, tu huella digital. 7. Esquemas de pistas para los artistas: Entonces, ahora mismo quiero entrar en una composición en la que estoy trabajando con Marsha Ambrosius. Esto te va a mostrar lo que quiero decir de lo que dije en el artista, un esqueleto donde pueden escribir y demo el disco, enviármelo de vuelta y luego construiré sobre él. Entonces, esto es lo que originalmente envié a Marsha. Muy esquelético. Son solo broches y acordes que me gustan. Entonces, esto es lo que le envié antes de que le pusiera su voz. Ahora bien, este esqueleto tenía suficientes elementos para que ella comprendiera la dinámica entre el verso y el gancho. Mi esqueleto fue suficiente para donde había estructura. Escribió su canción, le puso su voz y este es su gancho aquí. Está bien. Ahora, entrando en la estructura real de la canción después de que ella me mandara de vuelta lo que hizo a la pista esquelética que le envié y fue una canción de dos. Teniendo todos mis temas aquí ahora a mi disposición, empecé a agregar cosas pero aún así entendí que no estaba tratando de desbaratar la canción, aún entendiendo que estoy ahí para apoyarla y para asegurarme de que ella es el instrumento principal y ella es la estrella. Algo así de sencillo que le estaba cantando, empecé a añadir mis instrumentos. Incluso algo tan poco como esa línea de plomo, si le estuviera frotando la voz de la manera equivocada, entonces lo habría sacado, pero ahora tenemos tambores. Se va a añadir un disco a la canción, pero no quería que fueran tan vagos que se la estaba tragando. Ahora, claro, todavía la puedes escuchar. Sigue siendo la persona prominente y predominante en la pista. No soy yo. No es la pista. Todavía es para ella. Ahora, sigo sumando todas las piezas en. Ahora bien, si te das cuenta, estas son todas las pistas que pongo ahí dentro. Esto es todo lo que he agregado desde que tenía su pista vuelta y no le he quitado su espacio. Es muy importante para nosotros entender lo importante que es para el artista poder cortar a una pista. En ocasiones puedes usar un pesado ocho de distancia y el artista sigue ahí y predominante en la pista. No hay nada de malo en usar instrumentos pesados, pero usar mucha instrumentación, a veces vas en contra de lo que están haciendo. Me aseguré de que todo fuera con un solo flujo y me aseguré de que ella siguiera siendo el principal instrumento en la pista. 8. Conclusión: Esperemos que ustedes tengan alguna buena información de esta clase. Pasamos por establecer la relación entre tú y los artistas, pasamos por el proceso creativo, tú estableciendo el estado de ánimo también. Hay tantas cosas que ponemos en esta clase, pequeñas gemas, así que ojalá eso ayudara a todos. Quiero decir gracias a todos los que sintonizaron y revisaron toda esta clase. Yo de verdad, de verdad espero que hayas agarrado algo de ella, una gema, algo que puedas usar para construir y mejorar tu conjunto de habilidades y tu flujo creativo. Entonces, de nuevo, muchas gracias, y les imploro, por favor envíe su música, envíenos sólo algo para mostrarnos que cualquier cosa que hicieran agarrar de esta clase, ayudó. Hazlo tipo de la forma que te mostré, muéstrale el esquelético, lo que podrías haber enviado al artista o al compositor. Muestra cómo sonaba cuando se combinaban los artistas y el esquelético, luego mostrar lo que hiciste al final. Si ustedes están listos, y ustedes realmente quieren que nos mantengamos en contacto, podemos hacerlo a Skillshare.