Cree producciones MIDI realistas con Cubase

1. Introducción: Hola, mi nombre es Will, y he estado produciendo música en mi propio estudio comercial y mi estudio en casa desde hace unos 15 o 20 años. En ese tiempo, he hecho mucha producción para bandas, para cantautores, artistas individuales, EDM. Y en estos días hago bastante con la televisión y el cine, producción musical, la escritura de señales y ese tipo de cosas. Y a lo largo de mi carrera he confiado mucho en Cubase. Una de las razones de eso es que sus increíbles capacidades para construir composiciones realistas y expresivas usando midi. Ahora, Cubase es incomparable con sus muchas características y su usabilidad. Y en esta sección, lo que quiero centrarme es en el poder de Cuvier, las características individuales, ya sea el editor de partituras, si es expresión de nota que es una característica VS T3 que se inició en Cubase. O simplemente usando controladores CC típicos para crear esa expresividad en la música que es tan importante para ayudarnos a diferenciar entre lo que es falso y lo que es real. En esta sección, voy a estar hablando de todos esos conceptos diferentes, además de ofrecer ideas desde la perspectiva de un productor que ojalá te ayude a entender cómo elegir tus instrumentos y luego cómo usarlos, y cómo asegurar que lo que estás produciendo realmente tenga ese sonido realista del mundo real. Realmente suena profesional. Y cómo lograrlo tanto en términos de usar tus controladores, sino también en términos de detrás de escena. Cómo asegurarse de que Cubase esté configurado correctamente para que su flujo de trabajo esté optimizado. Ahora bien, si eres productor de cualquier tipo, si obviamente estás haciendo TV o música de cine o tráiler, estás buscando formas de mejorar el realismo tuyo, tus grabaciones. Este curso va a ser genial para ti. Si eres productor de EDM o eres ingeniero, ingeniero mezclas trabajando en un estudio comercial. Pero quieres poder agregar conjuntos. Quieres poder agregar pistas realistas de piano o un acompañamiento de cuerda para tus artistas de lo que este curso va a ser genial para ti. Va a ser un curso bastante cohesivo e integral centrado en los conceptos middy dentro de Cubase. Entonces, si eso suena como que es un buen partido para ti, entonces espero verte en el curso. Gracias por echarle un vistazo. 2. Elegir bibliotecas: Ahora una de las primeras cosas con las que vas a tener que lidiar cuando empieces a intentar crear producciones mediáticas realistas es elegir tus bibliotecas y tus sonidos. Y tengo un par de consejos que creo que marcan una gran diferencia. Y recibirías este mismo consejo de casi cualquiera que esté haciendo esto profesionalmente. Es necesario tener bibliotecas de sonido e instrumentos VST que sean capaces de dinámicas dramáticas y contraste en términos de madera. Entonces, ¿qué significa eso realmente? Bueno, el timbre es la diferencia entre algo cuando es suave o cuando es ruidoso. ejemplo, si solo tuviéramos que probar el sonido de un trombón, y tuviéramos que usar esa misma muestra del trombón en todos los niveles, ya sea fuerte o si es silencioso, no suena real porque cuando un trombonista de verdad sopla a través de su bocina, la intensidad de su aire, lo fuerte que están soplando. Eso cambia a la Tambora. ¿Qué tan brillante es? ¿Qué tan oscuro es? Si eres guitarrista, ya sabes, tocando en las cuerdas bajas, tu guitarra suena un poco más melancólica y un poco más aburrida. Mientras que las cuerdas más altas de una guitarra suenan más brillantes y nítidas. Este tipo de cambios de aceite de madera son esenciales para obtener un sonido realista. Ahora bien, hay otro aspecto en esto, que es solo variación, ¿verdad? Así podemos obtener variación en Midea con cosas como la velocidad de compartir. Vamos a hablar de usar controladores ADCC para usar expresión y modulación, ese tipo de cosas. Pero una cosa importante para asegurarse de que esté integrada en sus bibliotecas de sonido de elección son cosas como petirrojo redondo. Ahí es donde tienes múltiples muestras. Y el motor de muestreo, el instrumento está eligiendo una aleatoria o ciclando a través de una colección de muestras. En otras palabras, aunque golpees ese mismo tono de trombón repetidamente con exactamente la misma velocidad, no obtienes exactamente la misma muestra. Y así en realidad es como suena un trombón real cada vez que se toca, aunque sea el mismo jugador en un mismo momento, tratando de obtener el mismo tono y el mismo nivel dinámico, va a ser ligeramente diferente y esa característica que está integrada en los instrumentos VST se llama petirrojo redondo. Otra cosa a tener en cuenta son las capas de velocidad. Entonces, una mini velocidad más baja, digamos alrededor de 60, debería desencadenar una muestra específica que sea diferente de una muestra que se dispara a una velocidad de 80 o 100 o 120. Y eso es porque como alguien toca un instrumento, ya sea una guitarra instrumental morada o un trombón, a diferente sonoridad es que ese instrumento va a tener timbres diferentes. Y es importante que tu instrumento haya muestreado esos timbres diferentes que están diseñados dentro del instrumento para ser activados por diferentes velocidades dentro de tu midi. Entonces quieres buscar petirrojo redondo, quieres buscar muchas capas de velocidad. Y ese tipo de características van a marcar una gran diferencia a medida que avanzas. Si no tienes esas características integradas en tus instrumentos, entonces gran parte del trabajo que puedes hacer usando expresión y dinámica con la rueda mod, por ejemplo, estos diferentes controladores ECC medios, diferentes velocidades, no van a tener el mismo impacto si tu instrumento no tiene esas capacidades. Bien, entonces primero quieres empezar con instrumentos de primer nivel. No tienes que salir y conseguir los mejores instrumentos. Hay muchos y muchos instrumentos geniales que son razonablemente asequibles, pero quieres buscar esas características específicas. Sigamos adelante. 3. Comenzar en el editor de Score: Mis composiciones comienzan con una progresión de acordes y estoy pensando en la armonía en mi cabeza. Aunque esté trabajando con un conjunto, aunque esté trabajando con toda una orquesta, mi aventura suele comenzar con algún tipo de progresión armónica. Y a veces me gusta poder dividirlos en una partitura. Y otras veces quiero poder trabajar con la comisión. Así que te voy a mostrar en esta lección cómo simplemente grabar una simple progresión de acordes. Seguro que muchos de los alumnos de este curso ya saben cómo hacerlo. Pero realmente estoy buscando específicamente poner eso en el editor de partituras y algunos retoques podemos hacer el error al cuadrado para que la partitura sea legible. Pero también estamos trabajando con midi en nuestra ventana de proyecto Cubase que va a ser un poco nativa del entorno DAW. Entonces echemos un vistazo a eso. Entonces, lo que he hecho aquí es que acaba de crear un evento midi de 16 bar aquí. Y esto se basa en estos núcleos. Y se puede escuchar que tocar aquí a través de mi pista de cuerdas, Am I strings track es en realidad una pista de instrumentos. Y se está ejecutando una instancia de contacto aquí. Y estoy ejecutando algo llamado Session strings Pro para. Pero también podrías hacer esto con Halley en Sonic como ejemplo. Así que voy a guiarte un poco a través eso y mostrarte cómo funciona esto en el contexto del editor de partituras. Ahora, si voy a, lo que voy a hacer es simplemente borrar todo esto. Se va a deshacer de estas huellas. Entonces no tengo nada. Estoy empezando de cero. Y voy a ir a mis instrumentos por aquí. Y voy a elegir a Halle en Sonic SE, que debería ser algo que mayoría de los alumnos de este curso tengan. si acaso no tienen contacto o no tienes cadenas de sesión Pro. Entonces tengo mi instancia de Halley en Sonic aquí. Una de las cosas buenas de usar Halley on, o Halley en Sonic o Haley en Sonic SE es que soportan note expression, que es una característica de VST tres que me gusta usar mucho, pero en realidad solo se implementa bien en estos altamente en proyectos, productos y dentro de Cubase. Así que no he tenido mucha suerte usando la expresión Node en otros Dawes o en otros instrumentos como contacto desafortunadamente, tan altamente en Sonic es una biblioteca realmente agradable para comenzar, especialmente si solo estás tratando hacer una maqueta o algo así. Ahora voy a agregar una pista de acordes aquí también. Me gustan las pistas de cable porque me dan una bonita visión general de lo que está pasando en mi música armónicamente. Entonces voy a cambiar a la herramienta de lápiz. Y yo sólo voy a poner algunos acordes aquí. Digamos que cada 2 barras. Y ahora mismo no tengo mi grilla establecida apropiadamente. Quiero poner mi rejilla en 1 barra para que estos se ajusten directamente a esa barra de ahí. Entonces sí, cada 2 compás, voy a poner un acorde y voy a pasar, voy a hacer aquí una progresión de acordes básica real . Voy a empezar con G. Voy a empezar con el G mayor siete. Voy a ir, digamos, a un acorde D7, no a un curso de teoría musical. Entonces, si mi elección y los cordones no tienen sentido para ti, entonces no te sentirás libre de contactarme y estoy feliz de explicarte de dónde los obtuve. Entonces. A ver. Voy a subir a mi menor, mi menor siete. Entonces voy a, a ver, bajar eso a Do mayor. Vamos a ver como el sonido aquí. Bueno, claro que tengo que meterle esto a Halley en Sonic. Y entonces también tengo que elegir un sonido real aquí. Así que sólo voy a buscar un conjunto de cuerdas. Estoy haciendo una búsqueda cadena y luego consigo estas cosas diferentes aquí. No quiero un ensamble de los 80. Yo sólo voy a ir con, veamos, cuerdas cinematográficas. En realidad, voy a hacer Chamber Strings. Mira cómo suena eso. Eso es lo suficientemente bueno para comenzar con mis comps. No deberían ser revisados. El estilo cinematográfico. Corazón poco pesado, un poco pesado. Así que voy a volver a las cámaras. Bien, entonces voy a cambiar esto a, digamos un, un menor. Voy a ir a D. Y luego voy a volver a G. Y voy a cambiar esto, el acorde final para lograr. Entonces veamos cómo suenan estos. Bueno, nada está jugando ahora mismo. Entonces, lo que tengo que hacer es poner estos en el medio. Voy a tomar mis acordes y sólo voy a arrastrarlos hasta aquí. Y se puede ver que cada uno de los acordes en mi Korczak se convirtió en un verdadero evento midi. Ahora cuando lo toque, no voy a hacer que te sientes a través de todo eso. Pero basta con decir que tenemos una progresión básica de acordes. Ahora, también podría haber seguido adelante y grabar esto en mi pista midi o en mi pista de instrumentos a través de mi teclado. Así que voy a hacer eso rápido. Voy a volver al principio aquí. Voy a golpear a Record y solo voy a grabar estos acordes desde mi controlador midi. Bien, así que tengo esos núcleos escritos ahí. La diferencia entre esta versión y la versión original es que estas fueron interpretadas por mí. Y como resultado, no están exactamente en la parrilla como lo estaban si simplemente arrastre estos eventos ahí arriba, ¿verdad? Entonces si miro esto en mi editor de partituras, que puedo subir aquí al menú de partituras y abrir editor de partituras. Lo que obtengo es una especie de puntaje de aspecto chiflado, y esta es una de las cosas que quiero abordar en esta lección. Esto es una especie de puntaje de aspecto chiflado, y eso es porque kubernetes está siendo muy, muy literal sobre lo que he hecho y de hecho puedo hacerlo para que en Cubase, no tenga que cuantificar todo mi mini. Eso es lo último que quiero hacer porque quiero que mi midi sea realista. Quiero que tenga algo de humanidad. Pero también puede que quiera darle a la gente una puntuación que sea realmente útil. Entonces lo que voy a hacer es ir a mis ajustes de puntaje. Si no sabes cómo abrir eso, vas a dar click aquí mismo en esta pequeña barra negra. Eso va a sacar a colación tus ajustes de puntuación. Una vez que esté en su configuración de puntaje, desea hacer clic en la pestaña de pentagrama aquí arriba. Y luego de estas sub-pestañas, quieres asegurarte de que estás en Main y quieres mirar esta sección de aquí mismo que dice Mostrar cuantizar, esto va a ser esencial. Entonces en este momento, básicamente es cuantificar mi, mi partitura a las notas 16. Pero en realidad voy a cambiar eso algo mucho más sencillo y hacer notas coordinadas. Voy a golpear aplicar. Y puedes ver que este puntaje se vuelve mucho más sencillo, ¿de acuerdo? Eso es mucho más parecido. Así que todavía tengo algunas detenciones aquí. Y eso es porque mis acordes midi, caen. Entonces eso es en realidad lo que están haciendo los medios de comunicación. Pero pude ordenar esto significativamente sin tener que cuantificar mi tiempo. También tengo esta F sharp aquí, naturalmente. Y puedo seguir adelante y cambiar mi llave arrastrando esto aquí. Voy a ir a eso, que veremos después de que golpee Aplicar aquí es ahora ya no tengo los puntiagudos F en mi acorde D. Están por aquí en la firma de la llave. Entonces esos son algunos consejos para trabajar con el editor de partituras y no en la siguiente lección, realidad vamos a derivar la pista de acordes de esta partitura. 4. Derivar una pista de acordes: Entonces, en la última lección, acabamos de crear una partitura muy simple. Creé una progresión armónica muy simple. En esta lección, solo quiero señalar cómo podemos tomar esa partitura y cómo podemos derivarla de nuevo en una pista de acordes. Porque a veces solo quiero grabar algo primero y hacer que el cordón Jack después. Otras veces empiezo dibujando en una pista de acordes y luego voy a la partitura, pero quiero que tengas la flexibilidad de ir en ambos sentidos. Bien, así que ahora lo que voy a hacer es que en realidad voy a eliminar mi vieja progresión de acordes aquí de la pista de acordes. Y me voy a imaginar que en realidad empecé haciendo mi grabación directamente en una pista midi y quería obtener una pista de acordes de ella. Entonces es tan sencillo como me sale de la manera opuesta. Tienes una variedad de opciones aquí. Si quieres ver notas graves como la notación de acordes slash, quieres saber qué hay en la base, puedes seleccionarlo. No voy a hacer eso aquí. Incluir tensiones como 9s, 11s, detectar arpegios y convertirlos en acordes. Lo que estoy tocando aquí son claramente acordes de bloque. No tiene arpegios en. Se. Interpreta pedal sustain. No he usado un pedal sostenido. Yo no quiero hacer eso. Voy a golpear ¿Bien? Y esto es lo que se me ocurrió. Entonces lo único que es un poco diferente aquí es mi B menor siete. En realidad había tocado eso un poco más como un acorde G con un nueve en él. Pero este si menor siete está bien en mi tabla de acordes o en mi pista de acordes más bien. Entonces así de fácil es derivar una pista de acordes. Y ahora cualquier otro instrumento que quiera cargar aquí, este tracto de cordón ahora puede alimentarlos también. Entonces, si vine aquí a VST instruments y tuviera que agarrar mis adictivas llaves enchufables aquí, que es como un instrumento Rhodes. Y yo iba a mandar a este Korczak allá. Ya ves que estoy consiguiendo tanto las claves adictivas como mis cuerdas originales. Y puedo mandar este Korczak de todos modos. Ahora eso es realmente solo el comienzo de la corteza. Como puedes ver más adelante en este curso, vamos a estar pasando bastante tiempo derivando diferentes voces como voces SATB, base soprano, ese tipo de cosas de esta pista central. Y eso realmente nos va a empoderar para hacer muchísima creatividad dentro de nuestra producción. Entonces, en la siguiente lección, vamos a empezar a mirar el uso de voces para orquestar. 5. Orquestar con voces: Ahora para muchos productores musicales que están tratando de componer música orquestal para señales y trailers de televisión, ese tipo de cosas. Muchas veces queremos poder pensar en términos de voces, soprano, alto, tenor, ese tipo de cosas. Porque estas voces tienen muchas connotaciones tradicionales en cuanto a qué tipo de instrumentos serían enviados. Y es solo una de las formas en que podemos transmitir más realismo en nuestra música mediática si pensamos y nos comportamos de la manera que pensaría un compositor tradicional. Entonces en esta lección, vamos a ver cómo podemos empezar a usar esas voces a partir de esta progresión de acordes muy simple que ya he tocado en el proyecto. Y vas a ver cómo las voces empiezan a ofrecernos una flexibilidad increíble dentro de Cubase. Entonces antes de hacer algo a mi pista, quiero duplicarlo. Voy a subir aquí a mis versiones básicamente track. Voy a decir duplicado. Lo que eso va a hacer va a significar que puedo hacer cambios en este evento midi. Pero si cometo algún terrible error, siempre puedo volver atrás. Entonces ese es un buen, un buen consejo de flujo de trabajo. Bien, entonces tengo este evento midi. Y lo que quiero hacer ahora es que quiero tenerlo seleccionado. Y voy a subir al menú de mi proyecto aquí arriba y seleccionar proyecto. Y voy a bajar a la pista de acordes. Entonces desde Kortrijk, voy a ir a Asignar voces a notas. Lo que vamos a ver es que a cada una de las notas dentro de esta se le asignó una voz. Entonces, veamos el midi aquí abajo en el editor de teclas. Vamos a elegir esta nota aquí mismo. Entonces ya ves aquí arriba dice que la voz es Soprano. Esto ha sido asignado al tenor y al bajo. Entonces a cada uno de estos nodos se le ha asignado en base a Cubase es idea de cuál sería la voz más apropiada. Y puedo hacerlo automáticamente yendo a Project chord, rastrea hacia abajo para asignar voces a la nota. La diferencia aquí es ahora si voy a mi versión antigua, bien, mi versión antigua de pista, la original. Y miro a esa Midea. Esta nota no tiene ningún valor de voz. Si quisiera seleccionar uno y asignarlo manualmente, y puedo hacerlo. Pero en un corto movimiento de mi ratón, creé una versión que tiene todo eso ya en ella para mí. Entonces ahora tengo soprano. A cada uno de estos nodos se le ha asignado una voz. Y eso va a ser importante a medida que avancemos, porque lo que queremos hacer ahora es asignar estas voces a diferentes tipos de instrumentos en este momento, otra característica muy agradable dentro del editor de claves que a menudo uso mucho está por aquí, esta pequeña paleta de pintura colores para eventos. Ahora el valor por defecto siempre está establecido en velocidad, pero me gusta mucho usar una voz. Entonces mira esto. Ahora cuando estoy viendo esto, consigo que todos mis greens son tenores, todas mis naranjas o base. Bien, tengo este color marrón, eso es la base dos. Y luego tengo Soprano en morado. Tienes mis altos y rojo. Así que es muy fácil para mí ver visualmente cuando elijo ver los colores de la parte basados en la voz, Es muy fácil para mí ver que tengo voces diferentes. Tengo cuatro tipos diferentes de voces. Tengo soprano, alto, tenor y bajo. Y estas dos, bien, así que en realidad tengo cinco voces diferentes aquí. Entonces puedo pensar para mí mismo ahora, lo que quiero hacer es enviar estos a cinco instrumentos diferentes, algo adecuado para diez o algo adecuado para alto, soprano, y así sucesivamente, así sucesivamente. También puedes hacer esto con el editor lógico. Entonces les voy a mostrar un ejemplo ahí. Voy a subir a mi original aquí. Entonces este es uno en el que no hay ajustes de voz. Voy a duplicar esta otra vez. Bien, si quisiera cambiar el nombre de estos, podría venir aquí a rastrear versiones en mi inspector. Y podría decir, bien, este era mi auto y este va a ser mi manual. Y este es mi original. Eso hará que sea un poco más fácil cuando esté viendo estas opciones aquí y eligiendo entre ellas, ¿verdad? Entonces tengo mi manual. Este es uno en el que voy a usar en realidad el editor lógico. Así que voy a subir aquí a Midea, y voy a desplazarme hacia abajo hasta el editor lógico. Y voy a ir a aplicar preset. Ya hice este preset. Quiero mostrártelo. Así que aquí abajo y testamentos presets. He creado estos presets lógicos llamados asignar Alto, bajo, soprano, así sucesivamente así sucesivamente. Déjame en realidad solo mirarlos y explicarles un poco lo que están haciendo. Si voy a la configuración en su lugar, entonces realmente puedes ver los presets y cómo están configurados. Entonces digamos que quiero asignar soprano, ¿verdad? Bueno, lo que estoy haciendo es que estoy diciendo, OK, donde el tipo es una nota y es dentro de este rango donde el tono más alto es básicamente entre A2 y C5. Entonces lo que voy a hacer es asignarle eso a la voz soprano. Entonces usar el editor lógico puede ser una forma muy efectiva si hubiera algo muy particular, como si supiera que tenía un instrumento VSD que quería usar que tuviera un rango de voz muy específico, entonces podría manipular cómo se asignan estas diferentes voces para personalizarlo a mis instrumentos VST usando el editor lógico. Ahora, en la siguiente lección, quiero ver algunos derechos de orquestación simples. Y ahora ya tenemos puestas estas voces. Voy a volver a mi versión auto, cual fue asignada por Cubase. Y tengo el color de las voces resaltado en la siguiente lección, realidad vamos a asignar esos dos instrumentos y ver cómo eso empieza a ayudarnos a llegar a una orquestación básica. 6. Orquestación simple: Tener diferentes pistas para diferentes instrumentos nos va a dar mucha flexibilidad para mezclar, para agregar efectos, y también para grabar y sobregrabar el ECC medio y elementos de expresión que van a darle a nuestro middy esa calidad realista. Entonces prefiero intentar poner estas pistas en, o estos sonidos en pistas individuales tanto como sea posible. Estos días con las computadoras siendo tan poderosas como son, realmente no tenemos que preocuparnos tanto tal vez solo tener una instancia de Halley en Sonic, por ejemplo podemos permitirnos crear múltiples instancias porque la computadora promedio estos días es más que capaz de manejar esa carga. Entonces puedo ver que tengo estas cinco voces, ¿verdad? Tengo mi soprano, y tengo mi Alto, tengo mi tenor, ellos tienen el bajo, y yo tengo la base dos. Y lo que voy a hacer es asignarlos a instrumentos concretos reales. Así que voy a empezar de nuevo por aquí. Vamos a crear otra instancia de Halley en Sonic. Y la razón principal por la que estoy usando Halley en Sonic aquí tiene que ver con asegurarse de que estos son instrumentos que mayoría de los estudiantes de este curso van a tener también. Por lo tanto, puede que no tenga la misma amplitud de opciones que si estuviera usando el disco duro de mi biblioteca completa. Pero tenga la seguridad de que como los estudiantes probablemente tengan acceso a todos los mismos instrumentos. Entonces comencemos por crear cadenas. Lo que voy a hacer es simplemente hacer esto un poco más eficiente. Voy a seguir adelante y hacer clic aquí e ir a agregar pista de instrumentos. Y esto me va a dar una ventana que me puede ayudar solo a crear una serie de estas pistas más rápidamente. Entonces voy a elegir a Halle en Sonic, y voy a elegir cuatro más. Así que voy a conseguir un total de cinco pistas. Voy a sostener comando de opción y golpear B, y eso va a hacer desaparecer mi zona inferior. Así que tengo estas cinco pistas justo aquí. De hecho voy a colorear estos para poder decir cuáles son. Voy a subir aquí y ponerlos rojos. Bien, así que voy a llamar a esto, voy a hacer que este sea mi violín. Voy a tener el violín dos. Voy a tener viola, violonchelo. Y base. Bien, bueno, voy a añadir algunos instrumentos de viento de madera también. Voy a agregar tres instrumentos de viento de madera diferentes aquí. Entonces voy a ir de nuevo a agregar pista de instrumentos. Esta vez, sólo voy a sumar tres, ¿no? Voy a colorear estos unos colores ligeramente diferentes. Entonces a lo mejor voy a ir con azul. Bien, entonces esos van a ser mis, mis instrumentos de viento y mi bolso. El viento va a ser flauta. Mi segundo viento va a ser el clarinete. Y mi último va a ser el fagot. Entonces ahora tengo estos instrumentos aquí. De hecho puedo permitirme deshacerme de la pista superior si quiero. No voy a hacer eso, pero voy a hacerlo mucho más pequeño, estrecho. Estos son camino. Bien, entonces ahora quiero realmente cargar estas instancias de instrumentos. Entonces voy a ir al violín, voy a buscar un violín. Y no tiene que ser nada particularmente asombroso. Violín solo. Suena muy bien. Voy a ir al violín dos, cargar ese instrumento. Violín. Ahora podría ir exactamente con el mismo violín solo, pero voy a probar algo un poco diferente solo para que tenga un timbre diferente, ¿verdad? Estos dos, tienen diferentes, déjame tocar la misma nota. Entonces no solo tienen una manipulación ligeramente diferente a ellos. Muchos van a la viola y cargan una viola aquí. Viola solar. Suena bien. Ir al violonchelo. Y básicamente estoy recorriendo cada una de estas pistas y agregando los elementos de mi mi orquestación básica. Y lo que vamos a poder hacer es meter voces de nuestra pista de acordes a cada una de estas. Ahora, cuando llegue a la base, lo que estoy haciendo con la base es que voy a correr base a la base de voz dos en mi base. Entonces otra forma en que podríamos hacer esto es que podríamos ir a cuerdas y base. Ese es el único bajo de cuerda que aparentemente tengo. Entonces, en este caso, tendría que enviarme esa base también. Un instrumento diferente. Lo que voy a hacer en realidad en esta instancia, tal vez cambiar eso a contacto. Pero no sería algo que pueda mandar a todos los alumnos porque quizá no tengan contacto. Así puedo hacerlo fácilmente seleccionando mi pista de bajo por aquí, viniendo a mis V STI y puedo ver que se ha resaltado aquí. Ahora lo que voy a hacer es que voy a cambiar esto para contactar. Y en contacto, voy a ir a las cuerdas. Y voy a ir aquí abajo a realmente ensamble de cuerdas. Y voy a cargar base. Ahora tengo una base muy bonita. Entonces voy a entrar en flauta, puedo abrir eso para buscar flauta. Ver sobre vivir. Está bien. Mi clarinete. Y todos estos son pasos que se hacen mucho más fáciles al saber que voy a poder sacar voces de mi progresión de acordes. ¿Ves? Eso suena como el sonido que rico para mi oído, pero es una demo suficientemente buena. Bien, entonces tengo todos estos instrumentos puestos por aquí, violín, viola, así sucesivamente, así sucesivamente. Lo que quiero hacer ahora es en realidad traer mi copia del midi, así. Yo sólo estoy trayendo estos a cada 1.1, uno azul aquí. Bien, entonces ahora claro, la mayoría de la gente diría, Oh, ese es quien necesita una pista de acordes. Esto es muy sencillo. Lo copié en todas estas pistas usando mi tecla Option o Alt. ¿Cuál es el problema? Bueno, bueno, aquí está la cosa es que vas a ver después de que le asigne a este violín dos voces específicas, que la mayoría de estas notas midi desaparecen, ¿qué es más? Ellos van a ser reorganizados. Entonces voy a venir aquí al inspector y voy a seleccionar acordes. Ahora bien, si no ves la opción de seguir la pista de acordes aquí arriba donde está atenuada. Eso es porque aquí no tienes ningún midi. Por eso empecé cargando la mediana aquí necesitas tener algún tipo de evento midi con algunas notas. Porque lo que va a hacer la pista de acordes de seguimiento es mover esos nodos alrededor. Si no hay eventos, no puede hacer su trabajo. Voy a elegir una sola voz. Y me va a hacer esta pregunta, generalmente digo seguir directamente. Ahora se puede ver que un montón de notas se fueron. Y puedo elegir mi voz aquí arriba. Puedo decir soprano. En realidad, lo que quería hacer aquí para el violín dos es seleccionar soprano otra vez. Pero quiero derribar todo una octava. Entonces puedo hacer eso usando un midi Insert. Voy a seguir adelante y añadir quizá modificadores. Y aquí mismo voy a usar transpose -12. Entonces esencialmente es lo mismo que el violín uno, pero es una octava por debajo. Después en la viola, vuelta a mi pista de acordes, voy a decir sola voz. Sí. Y entonces mi sola voz aquí va a ser Alto, superficial. Voy a tener que alejarme un poco aquí. Violonchelo, voy a hacer exactamente lo mismo. Y este proceso solo requiere un poco de configuración, pero en realidad ahorra mucho tiempo en el futuro. Entonces aquí en mi violonchelo, quiero que la voz sea realmente tenor. Y voy a elegir base aquí. Y luego voy a ir a flauta. Voy a asignarle a esto la misma voz que a mi violín. Entonces, ¿voz única? Sí, y soprano, clarinete. Voy a emparejar el violonchelo con esto. Podría hacer violonchelo o podría hacer la viola. Pero lo que voy a hacer es seleccionar, Bueno, a lo mejor voy a ir con Alto por esa voz. Y mi fagot que va a estar aquí abajo con base. Entonces ahora tengo un arreglo bastante completo. Voy a seguir adelante y silenciar mi conjunto de cuerdas original. Y ahora puedo mezclar estos diferentes instrumentos sin embargo me gusta si quisiera por ejemplo sacar a colación mi consola mixta, puedo seguir adelante y mezclar los diferentes instrumentos a mis gustos ahí mismo. Pero ahora tengo cada instrumento, un poco solo. Violín dos. Cuando están a una octava de diferencia. El violonchelo y el bajo, flauta, el clarinete y mi fagot. Entonces, cuando miramos algunas de estas partes, por ejemplo aquí mismo, puedo ver que esto es. Marcado como base, y esta está marcada como soprano. Entonces, cuando me sumerjo en una de estas partes, bien, se supone que solo tengo que ver a soprano aquí. Eso lo puedo ver por mi codificación de colores. Tengo soprano, tengo una, tengo diez o tengo todo tipo de cosas ahí dentro. Así que vamos a resolver eso. Lo que vamos a hacer aquí es que vamos a utilizar una combinación de comandos de teclado y el editor lógico para acelerar este proceso. Así que voy a subir al menú midi y bajar y editor lógico, voy a decir configuración. Y luego he creado un preset aquí llamado select, no voice. Y lo que hace es donde el tipo es nota. La variable de contexto no es soprano, ¿verdad? Entonces esto es algo que puedo cambiar cada vez. Es cualquier evento midi que haya seleccionado aquí en la ventana de mi proyecto. Cuando golpeo Aplicar, va a seleccionar notas aquí que no lo son. Nuevamente, elimine esas notas una vez que estén seleccionadas. Puedo subir aquí a mi violín, que también es soprano. Va a seleccionar ahí. Y eliminar. Baja a, creo que mi viola. Veamos en qué estaba puesta mi viola. Set. Alto. Conseguí mi parte de conjunto Alto. Si haces doble clic en el evento, entonces se carga el, en lugar de simplemente cargar el evento midi en la ventana inferior, realidad selecciona la ventana aquí, lo que significa que cuando golpeas Eliminar, estarás borrando notas seleccionadas en el editor de teclas en lugar de eliminar este evento midi. Entonces eso es importante hacer doble clic en eso. Y ahora voy a buscar a Alto, algo, cualquier cosa que no sea Alto. Bien, selecciónalo y haz clic en Eliminar. Ahora sólo me quedan los altos. Para que pueda pasar por aquí. Puedo ir a Violonchelo. Esto va a ser tenor. Demasiado cambiar esta voz. Aplican Tenor. No había seleccionado esto. Y vamos a aplicar eso. Mi base, solo debería ser seleccionada en la base. Quiero que ahí solo exista mi base . Ahí estamos. Ahí están mis notas de bajo. Flauta, va a ser, debería ser en realidad soprano. El clarinete va a estar fuera de eso. Entonces hagamos flauta es soprano. Y puedo borrar todos esos. Mi clarinete es alto. Entonces voy a cambiar mi parámetro al alto, aplicar, borrar mi fagot aquí abajo. Entonces, aprender a usar el editor lógico para este tipo de cosas realmente puede marcar una gran diferencia en tu flujo de trabajo porque realmente puede acelerar y también hacer que las cosas sean muy precisas. Creo que ese es un aspecto importante de esto también, ser bastante acertado. Así que ahora acabo de recibir estas enfermedades de la voz limitadas. Ahora bien, si tuviera que reunir todos estos directamente en mi parte midi, mi tipo múltiple de edición de mini partes aquí abajo y el editor de teclas. Eso es muy agradable porque de hecho puedo ver las diferentes tomas aquí mismo. Tendría que cambiarles el nombre si quisiera que fueran más legibles en lugar de solo un montón de Halley en sónicos. Pero se puede ver que las voces van cambiando a medida que paso y selecciono mis diferentes capas. Y si querías cambiarles el nombre, entonces puedes cambiarles el nombre aquí en tu rack VSTS. Entonces ojalá eso te haya ayudado a entender cómo puedes Usar la pista de acordes para manipular y crear voces. Y solo quiero señalar antes de cerrar esta lección, Digamos que estábamos viendo esta parte aquí bajo este acorde C. Esta nota de aquí mismo viene en forma de g, Así que ese es el quinto de nuestro acorde. Ahora bien, si tuviera que seguir adelante y lo cambio a un acorde disminuido, puede ver que entonces mi nota aquí ha cambiado a una ruta más que a la quinta porque no hay una quinta perfecta en esa cancha. La otra cosa es que estas notas de aquí cambiaron. Y eso es porque aquí arriba en mi pista de acordes, tengo voces adaptativas seleccionadas. Y esto es realmente genial porque va a cambiar, no solo las voces del acorde que cambiaron, sino luego las voces posteriores basadas en buenas reglas de liderazgo de voz. Así que eso también es bastante impresionante. Eso significa que no tengo que pensar tanto en tener buenas reglas para liderar la voz. Y eso significa que mi buena voz principal viene automáticamente, que está haciendo que suene más tradicional, lo que está haciendo que suene más familiar y por lo tanto más realista. Ahora, en la siguiente lección, vamos a ver algunos de los pasos para refinar un poco estas voces en cuanto a su reproducción. 7. Refinar voces: Ahora queremos mirar a refinar nuestra reproducción de voz. Hemos sido capaces de crear con éxito una estructura armónica. Lo hemos dividido en diferentes voces usando el editor lógico y la pista de acordes y algunas otras características en Cubase. Pero ahora, para comenzar a incorporar realidad del realismo a la performance, queríamos hacer dos cosas que vamos a cubrir en esta lección. Es decir, primero, piensa en el jugador. Por ejemplo, si eres un jugador de trompa, tienes que respirar. Así que teniendo filas lúdicamente largas donde un tocadiscos nunca llega a respirar. Por supuesto, el instrumento BST puede hacer eso, pero no suena realista porque eso no es lo que hace un jugador real al pensar en el jugador. Ese es un factor realmente crucial en todo esto. Lo segundo es pensar tus fraseo y articulaciones, ¿verdad? Entonces en cuerdas e.g tienes pizzicato, legato, estas diferentes articulaciones. Y puede ser apetitoso ya que están bien ahí, solo hay un tipo de usarlos con ganas de no golpearlos por donde quiera solo para mantener las cosas interesantes, pero no hagas eso. Piensa en el estado de ánimo. En otras palabras, usa un pizzicato cuando estés tratando transmitir ligereza o ligereza, usa legato cuando intentas transmitir un estado de ánimo sostenido. Piensa en el estado de ánimo que estás tratando transmitir y elige la articulación que mejor se adapte a eso. Y eso traerá sus articulaciones a este reino de realismo. Y vamos a mirar tanto pensando el jugador como pensando en articulaciones. Pasemos a la computadora y echemos un vistazo. Yo había usado el contacto aquí para mi base porque Haley en Sonic no tenía un sonido adecuado. Pero lo bueno de usar al menos una instancia aquí es que tengo todas estas diferentes articulaciones aquí. Y eso va a venir muy útil aquí. Entonces, vamos a escuchar algunos de estos, ¿verdad? Entonces ese es Legato. Voy a apagar a Legato. Y voy a cambiar mi articulación aquí a pizzicato. Por lo que tiene una especie de sonido de punta de dedo del pie. Podría elegir spiccato, que es un poco más intenso. Voy a ir con spiccato. Y esto es, solo estoy haciendo esto en los instrumentos de contacto para que puedas escuchar diferentes articulaciones. No estoy recibiendo las mismas opciones. ejemplo, cuando entro en mi instrumento de violonchelo por aquí, no estoy obteniendo la riqueza de las articulaciones aquí, pero es importante entender cómo estas articulaciones van a afectar tu composición, ¿verdad? Entonces si solo estoy mirando mi base aquí, el solo, esto, y tengo este spiccato pasando ahí. Es un poco aburrido. Pero una cosa que puedo hacer aquí para poder utilizar esta articulación de manera más efectiva, ¿verdad? Así que nos estamos metiendo en el realismo aquí es que spiccato no se usa tan a menudo solo para tocar un tipo de nota entera de sonido. Se usa un poco más para una especie de sonido ostinato. Una forma en la que podemos crear un ostinato bastante rápido es usar nuestras inserciones midi. Voy a ir aquí y voy a cargar un Apache Sx. Ahora si tuviera que usar eso, pero con una articulación como legato. Suena muy extraño, pero con el spiccato, entonces sigue muy bien. Entonces ahora te darás cuenta de que si juego aquí, obviamente hay, no, tal vez los medios están reproduciendo. Entonces, ¿qué carajo está pasando aquí? Bueno, es mi cordón Jack. Mi cable Jack está configurado para usar cualquier pista de monitor, que básicamente es esta de aquí, la que está seleccionada. Entonces lo que puedo hacer es silenciar mi pista de acordes. Esto no cambiará la función de verificación de acordes de seguimiento. En otras palabras, si cambio uno de los cordones, seguirá cambiando el midi dentro de aquí. Pero en realidad no va a enviar esta progresión de acordes a ningún instrumento. Y ahora cuando toco, no obtengo nada hasta que en realidad hay una nota midi. Ahora voy a derribar mi lanzamiento un poco por aquí otra vez, estas son características agradables para tener en biblioteca profesional. Hace mi sonido ahí, mi sonido arpegiado, solo un poco más animado. Vamos a escucharlo de nuevo. Si no quisiera algo tan ocupado, podría volver a mi Apache aquí arriba. Y en lugar de tenerlo puesto en 16, podría fijarlo en ocho. Ahí lo calma bastante. Puedo cambiar la longitud de la nota a una 32ª. Eso es como que tiene un efecto similar al cambiar el ataque y la liberación. Así que sólo estoy tocando estos pulsos, ¿verdad? Ya no estoy arpegiando los acordes en el cordón Jack, solo estoy recibiendo estos pulsos. Ahora lo que quiero hacer aquí es que sólo voy a estrechar rango aquí. Voy a elegir, realidad voy a golpear las dos teclas que selecciona mi herramienta de rango. Y voy a seleccionar estas barras y voy a darle a la Opción P y eso va a hacer bucle. La razón por la que quiero hacer eso es que voy a hacer una mezcla un poco áspera aquí. Y quiero poder escuchar una parte muy específica de la música mientras hago esto. Bien, entonces tengo mi base ahí. Ahora. Quiero mi viola. Baje todo, tráelos lentamente uno a la vez. Entonces voy a empezar con el fagot aquí, porque podría hacer lo mismo con el fagot. Voy a traer modificador midi o lo siento, en realidad los son parcheados SX. Voy a cambiar esto a ocho también y la duración a treinta segundos. Vamos a ver cómo suena eso. Debe tener un efecto complementario con el ancho, la base. Veamos cómo entra el clarinete. No es un clarinete que suena particularmente emocionante. Ves como es traer el fluido, ¿verdad? Veamos acerca de traer aquí la viola. Uno abajo y solo obteniendo una especie general de peso ligero y mezcla allí. Lo que realmente estoy buscando es asegurarme de que lo que hice en términos de crear una línea de base rítmica que, que funcionó, que me gusta la forma en que suena. Ahora va a volver al principio. Obviamente, algunos de estos nodos están sonando muy marcados, sobre todo en ese primer violín. Y vamos a abordar eso muy pronto. Pero lo que quería demostrar aquí fue ante todo, usar articulaciones dentro de la base. Puedes hacerlo con un arpegiador si solo necesitas crear ritmo. Y entonces si tu instrumento, como mi conjunto de cuerdas aquí, soporta diferentes articulaciones, controles de ataque y liberación, entonces eso es definitivamente óptimo. Y se puede ver qué diferencia hizo eso en mi parte aquí. Así que en realidad voy a sacar eso a colación en mi mezcla para que sea así que la otra cosa que estoy demostrando aquí que quieres estar al tanto es por ejemplo la flauta está tocando estas largas notas. Pero luego está el tiempo de amplitud. Existe la posibilidad de tomar un respiro. Y lo estoy viendo desde el punto de vista del clarinete también. Y la búsqueda de asegurarse de que no se trata solo de notas interminables para siempre dándoles tiempo para respirar porque eso también es parte de lo que transmite realismo. Entonces, en la siguiente lección, voy a sacar algunos de estos instrumentos a una reverberación. Y vamos a ver que solo agregar algo de reverberación es siempre un buen primer paso para traer un sentido de realismo y personalidad. 8. Revertir el realismo: En esta lección bastante corta, lo que nos vamos a centrar es en agregar algo de reverberación y pista de efectos. Y esto es esencialmente lo mismo que usar efectos de envío. Esta es, con mucho, la mejor manera de hacerlo. No quieres usar ciertamente reverb como inserto en general, por muchas razones que voy a repasar, pero esta es solo una lección rápida porque reverb realmente agrega mucha personalidad. A veces tus instrumentos VST tendrán esa reverberación incorporada. Y eso también está bien. Pero prefiero usar canales de efectos porque optimiza mi flujo de trabajo. Y voy a explicar por qué. Tengo estos siete temas, que son la base de mi composición hasta el momento. Y si quisiera ejecutar una reverberación aquí usando inserciones regulares, podría hacerlo seguro, pero el problema es que digamos que iba a elegir una reverberación aquí. Una de estas reverberaciones que tengo, podría simplemente seguir adelante y elegir una habitación funciona. Estoy seguro que la mayoría de las personas que tienen Cubase tiene, tienen este plugin. Y me vendría bien una habitación, trabaja en esto y va a funcionar bien. Es solo que si quería cambiar un parámetro de esto, quería tener la misma reverberación utilizada en, digamos, todas mis cuerdas, o tal vez solo mis dos violines y flauta porque son las voces soprano. Entonces tengo que entrar en tres instancias. El uso de una pista FX consolida todo eso, hace que mi flujo de trabajo sea, camino , camino, camino, camino, mucho mejor. Entonces lo que voy a hacer aquí, en realidad voy a seleccionar estos y voy a agregarlos a una pista grupal o más bien a una carpeta aquí. Así que me mueven, seleccionados a una carpeta. Voy a llamar a esta carpeta strings. Sólo para que pueda tener una visión más consolidada. Voy a cambiar esto, pero esto también en una carpeta y voy a llamar a esa carpeta gana. Bien. Voy a hacer la carpeta vientos también de color azul. Y voy a hacer la carpeta de cadenas , llámalo leer de esa manera. Simplemente es más fácil para mí ver lo que está pasando. Pero esto es lindo porque puedo mantener mi, mantener mi proyecto un poco más sucinto. Ahora voy a hacer clic derecho y voy a agregar una pista de efectos, que está justo aquí. Dice agregar pista de efecto. Aquí llego a elegir el efecto que voy a usar. Reverb, usaré trabajos de sala, salida estéreo. Todo eso está bien. Sólo voy a llamarlo obras de habitación. Sé lo que es, y puedo tener mi configuración aquí. Digamos que elijo placa brillante como mi preset. ¿Correcto? Ahora bien, hay un par de formas en las que puedo hacer esto. Puedo seguir adelante. Digamos que iba a tomar mi violín. Voy a solo eso. Y nuevamente, voy a usar la herramienta de rango solo para básicamente loop. Sólo un bucle. Un par de notas aquí. Ahora, van a notar que si voy al audio Senza y yo fuera a elegir obras de sala y cómo habilitarlas. Me sale un poquito de reverberación es que puedo cambiar la cantidad de reverberación que quiero ese violín. Y se pueden escuchar los efectos de eso. Ahora también puedo hacer esto desde mi mezclador, que es un poco mi forma preferida hacerlo. Y te voy a mostrar por qué. Si tuviera que abrir mi mezclador aquí y tuviera abrir mandas, puedes ver aquí arriba, tengo los trabajos de sala que había configurado para mis cuerdas, pero quiero agregar esto realmente a todos mis instrumentos para poder seleccionarlos todos aquí. Puedo llegar a este botón de enlace de cola. Y entonces ahora van a estar todos vinculados. Cuando hago habitación, habitación funciona, ya ves que los agregó todos ahí. Entonces si lo haces en el inspector como yo lo hice en el primer ejemplo, no puedes, tienes que ir y hacer cada uno manualmente, pero usar el enlace de cola es un poco agradable. Así que voy a seguir adelante y simplemente bajar todo a medio deshacer enlace de cola. Y ahora puedo seguir adelante y puedo agregar control de reverberación para cada canal. Ahora bien, si tuviera que silenciar la reverberación, esto es lo que suena seco. Así es como suena. Ese efecto de reverberación agrega bastante realismo porque lo que hace reverberaciones es recrear el efecto que tiene el sonido en un espacio real. Y mientras tengas un plugin de reverberación decente, realmente va a recorrer un largo camino para agregar algo de realismo. Ahora, realmente no hemos tocado ninguno de los elementos más esenciales dar vida a esta composición. Vamos a llegar a eso. En las siguientes lecciones, vamos a estar empezando a hablar de la expresión de Midea. Y vamos a estar hablando de modulación de velocidad, diferentes valores cc. Eso es todo acercándose. Así que gracias por quedarse hasta el momento. Solo quiero decirte si tienes alguna duda, por favor comunícate conmigo. Estoy más que feliz de responder preguntas. Y ninguna duda es una mala pregunta. Así que por favor avíseme si tienes alguna duda. Si hay algo en el curso desearías que pasara más tiempo en algo que no abordara que crees que debería haber abordado? Soy todo oídos siempre y cuando sea crítica constructiva y haya algo que pueda hacer al respecto. Me encantaría saber de ti. Bien, entonces ahora continuemos en las siguientes lecciones, comencemos a hablar de expresión y ECC medio. 9. Conceptos de expresión MIDI: Ahora nos dirigimos a una serie de lecciones donde vamos a ver la expresión. Ahora expresión es una especie de término general para la expresión de nota de muchos cc, que es una tecnología b test3. Pero la expresión es también uno de los CCS midi particulares que utilizamos. Entonces quería distinguir entre los dos. Expresión como, como una especie de término general se refiere a cualquier cosa que podamos hacerle a nuestro middy para que suene más humano, más real. Y vamos a ver cómo usamos los mensajes CC como modulación y expresión, que es el volumen CC1. Podemos usar vibrato para controlar la respiración estos diferentes valores para cambiar la dinámica y cambiar el contraste de nuestros instrumentos de manera que los hagan sonar más, más como si fueran interpretados por un ser humano. Y ese realmente va a ser producto de nosotros como productores aprendiendo a tocar los controladores midi. Entonces para este tipo de trabajos, necesitas tener faders o perillas. Hay que tener alguna manera de manera intuitiva y de una manera muy humana para esculpir y expresar estos instrumentos. Y vas a escuchar en las siguientes varias lecciones cómo funcionan estos diferentes CCS, cómo cambian el sonido. Y voy a explicar exactamente qué están haciendo y cuándo usarlos. Ahora, también he producido una hoja de trampa que vas a querer descargar porque habla sobre el conjunto principal valores de expresión y cuándo y cómo usarlos, ya sea que los uses con una perilla o un fader, y cómo aplicarlos, qué hacen desde un punto de vista compositivo esa hoja de trampa te va a ser útil si todo esto es muy nuevo para ti. Así que echemos un vistazo rápido antes sumergirnos en cada individuo en las próximas lecciones, Solo echemos un vistazo rápido a algunos de estos valores. Bien, entonces tengo abierto este instrumento de contacto ahora sé que no todos mis alumnos van a tener este instrumento de contacto, pero los que estábamos usando en Halle on Sonic no tienen la extensión de las articulaciones y también el control. Entonces quiero usar esto para que oigas de lo que estoy hablando. Y ojalá tengas tus propias bibliotecas de sonido. Usted puede tener este exacto que es el conjunto de cuerdas. Pero si no tienes esto, ojalá tengas otro. Siempre puedes descargar la biblioteca gratuita de BBC Spitfire, que es excelente por ser gratuita. Es absolutamente fenomenal. Y puedes explorar algunas de estas características, pero vamos a darle una escucha de cómo suena esto. Bien, entonces voy a tomar mi, vamos a verme, asegurarme de que estoy en el instrumento correcto aquí. Entonces voy a apagar, en este caso, voy a simplemente apagar mi midi Insert. Y en realidad lo que voy a hacer es que voy a duplicar esta pista para que tenga una con la que pueda jugar. Porque en realidad voy a querer convertir la articulación legato porque creo que eso realmente ayuda. Eso te ayudará a escuchar mucho más los efectos de esto. Bien. Bien, entonces vamos a escuchar los efectos de la dinámica aquí. Voy a tocar una nota, sostenerla, y voy a experimentar con mi gran Dynamics NAB, que va a estar atado a mi rueda de modulación, que es CC1. Entonces, ya sea que tengas o no una rueda mod en tu teclado o no, siempre puedes llevar cualquier controlador midi con una perilla o un fader. Puedes asignarlo, tal vez CC1, y luego puedes asignarlo a cualquier control y tus instrumentos. Si hago clic derecho sobre esto, esta es una característica estándar de las bibliotecas de contactos. Podría aprender ECC medio, y luego podría girar cualquier perilla o desvanecerse o en mi controlador midi. Entonces es muy fácil configurarlo y realmente quieres configurar algún tipo de control que puedas manipular con los dedos, con las manos. Por cada uno de estos, no quieres estar haciéndolo con el ratón. Realmente no quieres estar haciéndolo con un lápiz. Escuchemos cómo suena la dinámica. Entonces, ¿qué dinámica está haciendo en este contexto? Y generalmente lo que está haciendo la dinámica en una biblioteca de Desigualdad es que está cambiando entre las capas de velocidad. Entonces, antes en esta sección, hablamos sobre las capas de velocidad y cómo hay múltiples capas dentro de los instrumentos. Entonces dentro de este instrumento hay una colección de muestras de este instrumento, de esta base. Y la gente que hizo este instrumento muestreó esa base siendo que toqué a muchos diferentes sonoridad es un silencio o arco y en medio de una especie de arco de volumen medio y luego permitió arco. Y a medida que cambia la calidad de Boeing así, el timbre cambia lo brillante que es, qué tan profundo es, qué tan tenso es, qué armónico es, que todo está cambiando al muestrear eso y luego permitir esta perilla dinámica se mueva entre esas capas. De hecho puedo simular tocar el bajo donde estoy Boeing más duro y luego soy Boeing más suave. Y eso en realidad se traduce no solo a, solo a un volumen que el oído inexperto podría escuchar esto y pensar, Oh, bueno eso es solo un cambio de volumen, ¿verdad? Hay ruidoso y hay silencio. Pero es más que eso. En realidad están estas capas pasando detrás de escena y el timbre está cambiando. Así que en realidad puedo simular la fuerza del bot aquí, aunque en realidad no estoy grabando la base ahora, expresión tiene un sonido similar. Escuchemos eso. Pero esto realmente es solo volumen. Entonces este es un porcentaje del volumen midi, entonces media es C7, y vamos a hablar de esto con más detalle. Pero esto es un porcentaje de eso entre expresión y dinámica. Estos dos son realmente esenciales para cualquier tipo de obtener resultados middy realistas reales de instrumentos especialmente sinfonicos. La expresión es CCM1, la modulación es CC1. Y luego también tenemos otros CCS como vibrato del que hablaremos. El control de la natalidad es Cdc2. El volumen estándar en Midea es C7. Y hay otros valores midi utilizados para la expresión, como el pedal sustain o velocidad. ¿Qué tan difícil es el golpe de tecla? Es muy suave o duro. En realidad se puede ver en esta área aquí en este instrumento en particular, este pequeño icono está mostrando cómo, cuál es la velocidad. Entonces eso es como una velocidad muy suave. Esa es una velocidad muy dura en realidad te está mostrando cuál es la velocidad. Mi golpe en ese momento. Entonces está pasando mucho con la mini expresión. Quieres familiarizarte con realmente solo un puñado de valores cc, lo que hacen y lo que hacen en tus instrumentos. Ahora vamos a seguir adelante y vamos a ver muchas de estas características individuales una a la vez para hablar sobre cómo se usan, para qué se utilizan. 10. Expresión de velocidad: Vamos a empezar a mirar estos diferentes atributos mirando a la velocidad, porque probablemente sea sin duda el más común. Está integrado en la especificación midi original, y va a ser común a todos los instrumentos sin importar cuán matizado o incluso lo viejo o nuevo que sea. Pero sigue jugando un papel muy importante. Entonces vamos a hablar de eso primero y luego nos sumergiremos en algunos de los otros controladores que vienen. Bien, entonces echemos un vistazo a una velocidad. Voy a seguir adelante y solo CT habilitar esta pista. Y sólo voy a tocar algunas notas en, así que voy a golpear disco. Bien, así que echemos un vistazo a este midi de aquí mismo. Ahora, todo está encerrado en la misma nota. Y eso es porque tengo este instrumento, este instrumento de bajo está configurado para usar cortex, ¿verdad? Entonces, lo que necesito hacer en realidad es simplemente crear un instrumento ficticio. De hecho voy a arrastrar esto hasta aquí. En lugar de usar el instrumento bajo aquí abajo, voy a seguir adelante y usar este instrumento de aquí arriba, este Halley en Sonic. Este es el original con el que habíamos empezado. Entonces déjame seguir adelante y empezar eso de nuevo. Graba y solo graba algunas notas. Bien. Entonces eso no lo obligó a entrar en OneNote porque no está haciendo la nota única. Sigue a Kortrijk. Bien, así que esto es simplemente midi muy simple. Aquí abajo. Esto es velocidad, todos estos valores diferentes aquí abajo. Y solo estoy haciendo zoom aquí para que podamos ver que cada uno de estos nodos tiene un valor específico de velocidad aquí. Y podemos ver cuando estoy aquí, este es un valor de velocidad de alrededor de 4,755.61. Y este de aquí tiene un valor de aproximadamente 76, ¿verdad? Entonces esta velocidad es ante todo lo que va a elegir una capa de velocidad. Una de esas muchas muestras que ha tomado un buen instrumento, buen instrumento VSD toma muchas muestras del instrumento que se toca en varios volúmenes. Y luego los convierten en lo que se conoce como capas de velocidad. Y esas capas de velocidad se definirán como esta muestra juega cuando la velocidad es 40-50, esta muestra juega cuando la corriente 506,070.80 y así sucesivamente, así sucesivamente. Para que a medida que la velocidad sube y baja, en realidad obtienes diferentes muestras. De hecho se obtiene matiz realista en el instrumento. Y esta velocidad fue sacada de mi teclado mientras tocaba. Entonces, si golpeo fuerte el teclado, entonces obtuve una velocidad más dura, mayor. Y si lo toco suavemente, me sale una velocidad baja, lo que realmente no quieres es este tipo de cosas donde todas las velocidades son iguales. No quieres usar velocidad fija, por ejemplo I. Puedo hacer eso en mi teclado aquí si tuviera que grabar y activar velocidad fija, ahora no importa lo fuerte que golpee las teclas, veremos que en esto arriba, ahora no importa lo fuerte que golpee las teclas, veremos que en esto arriba, todas las velocidades se tienen al máximo y son todas iguales, derecho. Entonces eso no sirve porque así no es la forma en que un ser humano coloca enseguida. Hemos matado la oportunidad de nuestro realismo. Esto de aquí es mucho más lo que queríamos. Y déjame seguir adelante y solo volver al original aquí, ¿verdad? Para que veas lo variada que es esta velocidad. Y esa es una de las principales razones. Es un verdadero valor para ti como productor grabar estas partes para interpretarlas, en lugar de solo escribirlas. Porque cuando los escribes con un lápiz, van a tener una velocidad fija y luego hay que hacer todo tipo de trabajo para cambiar eso, ¿verdad? Y eso es como derrotar el propósito. Si solo juegas cosas en, intentas expresarte a través de la actuación. Obtienes velocidades variables y de inmediato, vas a obtener resultados de manera, mucho, mucho mejores. Entonces, ¿qué es la velocidad Exactamente? No es volumen. Lo que es es su volumen en el momento en que se toca la nota. El volumen puede cambiar con el tiempo. Ver C7 de varios volúmenes puede cambiar con el tiempo. La velocidad es un instante cuando se reproduce esa nota, ¿Cuál es el volumen de esa nota?, aunque los valores de volumen o expresión cambien después. Ahora vamos a avanzar en la siguiente lección, miramos a la modulación Mitty, que en muchos contextos también se va a conocer como Dinámica o CC1. 11. Expresión de modulación (CC 1): Ahora vamos a hablar de Midea CC1, donde estás empezando a hablar de controladores continuos midi o CCS. Y estos son diferentes a la velocidad. Velocity es una pieza de datos que se envía en el protocolo midi junto con note on y note off message es CCS controladores continuos. Hay diferentes tipos de datos en conjunto, así que están en una clase diferente a la velocidad, pesar de que usamos la velocidad y CCSE para crear este realismo que estamos tratando de crear. Este es el primero de los CCS que estamos hablando. Es CC1. Así que muy fácil de recordar. Es, técnicamente solo se llama modulación. Y la mayoría de las veces estará vinculado a la rueda mod en tu controlador midi o teclado. Si tienes uno, y si no lo tienes, entonces puedes asignar midi CC1 a casi cualquier mando o fader y usarlo de esta manera. Pero tal vez CC1 generalmente está controlando la modulación. Y en el caso de los instrumentos orquestales seguro, y muchos otros tipos de instrumentos con los que me he encontrado. Modulación, CC1 se utiliza para moverse entre las capas de velocidad después de ese valor de velocidad, ¿verdad? Entonces el valor de velocidad es un valor fijo con esa nota y es útil. Pero es posible que queramos cambiar eso con el tiempo sin cambiar el volumen de la pista. Porque recuerda, el volumen es justo es lo fuerte que es algo. Pero la Tambora nunca cambia. Simplemente lo vuelves hacia abajo o lo vuelves hacia arriba. Pero cuando se trabaja con modulación de este tipo se llama más propiamente dinámica. Sin duda es que las cosas se vuelven más silenciosas y ruidosas. Pero a medida que se vuelven más silenciosos y más fuertes, son cambio de manipulación a medida que se vuelven más brillantes, ya que el bot es más duro, o el jugador de la bocina sopla más fuerte , te vuelves más brillante, manipulas un Tamar más afilado tocas las cuerdas de una guitarra más suavemente, entonces te pones más cálido redondo o tamber, lugar de que si los arrancas con fuerza, obtienes un Tamar más brillante y afilado. Entonces los tampers están cambiando y eso es lo que midi ve, a menudo se usa C1 para hacer. Voy a usar midi CC1 aquí en este ejemplo. Y vamos a ver cómo eso empieza a ser mucho realismo en ello. Bien, entonces estamos viendo midi CC1. Tenemos la velocidad aquí abajo en nuestros carriles controladores en Cubase, pero en realidad queremos agregar otra. Así que voy a bajar aquí. Voy a hacer clic en Plus, y voy a ver algunos de los más comunes enumerados aquí. Voy a golpear modulación y esencialmente voy a agregar un nuevo carril aquí a mi editor de claves, que es exactamente lo que quiero. Entonces estos, estos, esto puede estar un poco abarrotado a veces eso está bien. Todavía vemos nuestra velocidad en la que estamos ahora mismo, midi CC1, no estamos viendo nada. Ahora bien, si muevo mi rueda mod, puedes ver sus valores cambiando ahí mismo. Entonces mi rueda mod definitivamente está alimentando a CC1. Lo que quiero hacer ahora es que voy a overdub, ¿verdad? Así que voy a hacerlo, voy a volver a jugar este motito. Y luego voy a grabar mi rueda mod y vas a ver una especie de automatización como la línea aparecer en este controlador Lane. Voy a volver a empezar aquí para que me quede un poquito por recorrer. Y una vez que golpee record, vas a ver que empieza a trazar la línea. Bien, entonces, ¿qué está haciendo esta curva de aquí abajo? Bueno, lo que está haciendo es manipular el valor dentro de Halley aquí mismo. Entonces voy a ir a los controles de edición aquí. Vamos a ver aquí abajo, esta rueda de modulación va a ser cualquier cosa que sea CC1 o que la modulación esté ligada, va a cambiar ese parámetro. Entonces, si tuviera que tomar el corte, por ejemplo una hora para aprender nuevo CC y lo conectaría hasta CC1. Ahora verás que esta perilla de corte sigue junto con eso. Ahora bien, en un instrumento más avanzado, como el conjunto de estudio o el conjunto de cuerdas que estoy ejecutando en la base, el valor dinámico que en realidad estaría eligiendo sería moverse entre diferentes capas de velocidad dentro del instrumento. Así que elegirlo funcionaría en tándem con estos valores de velocidad y en realidad me permitiría. Kraft, cómo se está cambiando la velocidad. Y creo que lo que voy a hacer solo beneficio del ejemplo de audio, asegura de que ustedes realmente puedan escuchar esto. Voy a cargar unos instrumentos más dinámicos. Entonces voy a cargar el contacto aquí. Y voy a usar un ensamble aquí, pero esto va a ser de otra biblioteca. Entonces voy a traer aquí mi conjunto. Bien, así que voy a llevar esto ahí abajo y escuchar este ejemplo. Y ya verás que esta dinámica, vamos a, Se mueve constantemente junto con el mini. Eso te da un ejemplo muy claro de cómo la modulación dinámica midi CC1 va a ayudar a que tu grabación suene de repente mucho más realista. Entonces, si tuviera que quitarme todo esto, lo cual podría hacer simplemente subiendo al menú midi de aquí arriba. Y se puede bajar a funciones. Se puede decir eliminar controladores continuos. Y ya ves que todo el Delete, lo he borrado de ese evento. Ahora bien, si escuchas esto, reproducido con solo velocidad, suena muy rígido. Necesito subir mi dinámica que hay algún tipo de sonido. Escuchemos esto. Entonces, no importa cuán grandes sean estas muestras, el hecho de que cada muestra solo se esté reproduciendo a un nivel muy estático todo el tiempo es problemático. Y cuando me permito tener esta curva aquí abajo, mi curva CC1, y está impulsando este valor dinámico. Y entonces mi instrumento sabe usar este valor CC1 para navegar y elegir dinámicamente entre diferentes capas de velocidad, obtengo una reproducción mucho más matizada. Entonces, cuando estás haciendo esto, una de las cosas que muchas veces funciona bien es hacer especie de crescendo un poco a través de notas individuales. Así que voy a subir aquí y voy a usar esta herramienta de línea. Sólo usa una línea y voy a dibujar. Ahora sé que dije que lo mejor es no dibujar cosas. Realmente es mejor tocarlos, pero esta es una buena manera para mí de demostrar claramente lo que quiero decir, lo que estoy haciendo aquí. Yo antes que nada, quiero apagar el snap off. Así que no está chasqueando a mi grilla. Yo solo quiero crear básicamente estas rampas para cada nota individual, ¿verdad? Para que cada nota se toque con un poco de crescendo. Cada nota que se está tocando tiene un crescendo. Y escucha la forma en que suena esto. Suena más expresivo. Y lo que en última instancia quiero hacer es algo parecido a esto donde estoy haciendo crescendo pero ahora con líneas tan rectas, pero con algo que se juega de manera más efectiva como la curva anterior en la que sí jugaba. Hay, hay una cualidad en esta línea fluida que se parece mucho más a esta línea fluida que se parece mucho más un jugador real y eso es en última instancia exactamente lo que estamos buscando. Ahora, en la siguiente lección, vamos a mirar la expresión. La expresión es otro mini mensaje CC, mini CC a las 11. En mi instrumento aquí está dedicado a esta expresión valor. Vamos a hablar de eso y escuchar cómo suena eso. 12. Uso de la expresión (CC 11): siguiente es Medici CS101, Amity CCM1 generalmente se conoce como expresión. Ahora se puede usar como con cualquier mini CC, se puede asignar y aprender un poco a casi cualquier cosa menos generalmente expresión y ADCC. La idea de usarlo es que es un porcentaje de volúmenes de volumen midi. Ahora, el volumen es generalmente ver C7. Así podrás tener ver a C7 funcionando como un fader de volumen normal en tu consola de mezclas normal. Y puedes usar la automatización para automatizar ese valor en particular. El volumen es probablemente un concepto muy fácil de entender para la mayoría de la gente. La expresión es un porcentaje de volumen. Entonces es como un volumen dentro del volumen, si eso tiene sentido. Y realmente termina sumando otro nivel de rango dinámico a nuestros instrumentos que los seres humanos sacan ahí tocando. Parte de lo que hacemos es manipular instrumentos para obtener diferentes timbres, pero también manipulamos instrumentos solo para obtener volúmenes más fuertes o más suaves también. Entonces podemos usar expresiones para hacer eso. En términos generales, lo que quieres hacer es a medida que bajas tu Dinámica, quieres subir tu expresión. A medida que subes tu Dinámica, bajas tu expresión. Por lo que la expresión debería funcionar como una forma de calibrar cualquier cambio de volumen contra tu dinámica, tu dinámica cambiando fuerte y silenciosamente. Puede ser que quieras un sonido suavemente arqueado, pero no necesariamente quieres que se desvanezca en la mezcla, ¿verdad? Entonces puedes usar la expresión en un fader o una perilla para subir la expresión a medida que baja la dinámica, siempre quieres estar alimentando a los dos uno contra el otro que mantengas el mismo papel dentro de la mezcla, dentro de la mezcla dentro del conjunto o dentro de la orquesta. Pero aún puedes trabajar con Dynamics sin necesariamente tener que ponerte demasiado ruidoso o demasiado callado. Echemos un vistazo y veamos cómo suena esto cuando empezamos a trabajar también con la expresión. Entonces, en el ejemplo anterior, teníamos dinámicas que se jugaban aquí. Pudimos ver esta rueda moviéndose siguiendo valores cc. Ahora lo que vamos a hacer es que vamos a añadir otro valor más por aquí. Vamos a agregar expresión que es C, C 11. Ahora entre la velocidad de modulación y la expresión, puedes hacer el 99% de lo que realmente necesitas hacer en términos de hacer que tus sonidos sean realistas. Sigamos adelante. Te voy a mostrar que ya tengo algo. Uno de los controles del teclado, que en realidad es una tira táctil que está mapeada a CC1 y puedes ver mis valores ahí. Entonces, cuando esté grabando esto, van a ver que tengo otra curva hacia abajo en esta ventana inferior y va a funcionar en conjunto con mi velocidad y en conjunto con mi dinámica de modulación. Y van a ver este pequeño deslizador por aquí y mi cambio de instrumento. Y ustedes van a ver también, que esto va a añadir otra dimensión de realismo. Lo que estoy tratando de hacer es mantener un volumen consistente con mi expresión a medida que cambia este valor dinámico. Eso es lo que estoy tratando de hacer y la razón por la que estoy usando la expresión. Entonces sigamos adelante y grabemos eso. Entonces, lo que estoy haciendo ahí es cuando mi modulación está subiendo, estoy una especie de disminuir su efecto general, tratando de crear un volumen general más suave contra la dinámica más fuerte para que no salga y no desaparezca. Y lo que verán por aquí cuando lo reproduzca es que ahora tanto este valor de expresión el valor dinámico están cambiando. Bien, así que hasta puedo bajar esto un poco más. Justo aquí. Puedo pegarle a disco. Yo igual que esta modulación de datos crescendos aquí mismo, no debería bajar esto solo un poquito más. Así que voy a overdub un poco ahí. Así. Y eso hace que sea un poco de corrección. Bien, vamos a escuchar eso de nuevo. Entonces, si hay algo en esa Midea con lo que me incomoda o no lo que buscaba. Puedo hacer cambios después del hecho. Déjame cambiar a mi herramienta de selección aquí. Y en realidad puedo seleccionar todos esos y puedo usar estos pequeños mangos aquí abajo. Ves que hay una especie de amplificar o disminuir. Incluso puedo inclinarlos así. Tengo definido al dios, muchas opciones para manipularlo después del hecho. Entonces eso en pocas palabras, muestra cómo usamos la expresión y la modulación tipo de en tándem entre sí y casi jugarlas una contra la otra. Fíjate, es muy importante que realmente interpretes estas partes. Jugué el papel original dándome mucha variación en y velocidad. Entonces usé una rueda mod de controlador para jugar en este CC un valor. Entonces nuevamente tiene un ser humano, tiene campo humano. De nuevo, usé una perilla para que yo o una tira táctil para poder grabar CCM1. Tener todos estos elementos registrados por un ser humano es absolutamente invaluable. Hacerlos con herramientas de lápiz y líneas, no importa lo creativo que seas, no va a sonar matizado y reelegirá lo hará si te haces bien haciéndolo por tu cuenta. Entonces quiero recomendar mucho que siempre juegues estas cosas a mano. Ahora, subiendo a continuación, vamos a mirar al vibrato muy rápido. 13. Uso de Vibrato: Ahora hemos hablado los principales elementos middy que van a aportar realismo a tus actuaciones. Principalmente velocidad, muy importante y la juegas a mano. Modulación cc1, que muchas veces va a correlacionarse con lo que llamamos dinámica. Y luego C, C 11 para la expresión. Esos tres son los elementos esenciales de conseguir algo de realismo en tu midi. Pero ahora nos estamos sumergimos en algún CCS midi subordinado, aunque muy útil. Y luego vamos a ver cómo podemos usar S3 como valor vibrato. Y lo que vibrato va a hacer es permitirnos sumar un poco de intereses y animar cualquier nota sostenida. Cualquier paso donde, por ejemplo, en una parte de cuerda legato o parte de cuerno. Lo que vamos a ver es que si usamos vibrato para animar o agregar textura a notas sostenidas, va a hacer que la actuación se sienta mucho más animada, mucho más enérgica y mucho más realista. Voy a estar usando midi, mira S3 para esto. Así que voy a cargar el ensamble aquí mismo. Entonces, una vez más, voy a bajar y voy a añadir un nuevo carril. Ahora no tengo S0, S3 aquí. Entonces lo que puedo hacer es que puedo decir configurar controladores disponibles. Eso abre esta ventana por aquí. Y voy a agregar controlador tres. Esa lista golpeó. Bien, entonces ahora puedo bajar aquí y puedo seleccionar Control tres. Ahora bien, si quiero escuchar este vibrato, a veces tengo que cambiar mi instrumento. Voy a ir a cuerdas, encontrar este conjunto de cuerdas. Voy a ir con las violas en su lugar. Lo bueno de esto es que en realidad me va a permitir jugar con vibrato. Quiero asegurarme de haber seleccionado legato. Sólo voy a hacer un pequeño cambio aquí. De hecho puedo seleccionar en este instrumento más avanzado aquí diferentes tipos de legato. Voy a ir con control de vibración o vibrato aquí, que luego puedo asignar esto a lo que quiera. Voy a usar Medici S3. Solo escuchemos un ejemplo sencillo. Esto no es vibrato. Eso es con el nacimiento traído un valor aquí es parte de esta articulación particular y me da una perilla para controlarla. Así que voy a, ya que he mapeado eso ahora para ver C3 aquí abajo en mi C S3, realidad puedo grabar eso en, ya que realmente solo quería en esta nota legato, en este caso, creo que está bien probablemente solo usar una línea recta hacia arriba. Bien, así que podría hacer algo así. Entonces básicamente solo estoy subiendo mi vibrato a medida que sostenía el aviso. Y esta es la mejor aplicación para vibrato. Y puedo ver por aquí mientras lo retomo, puedo ver este valor aquí cambiando a medida que el vibrato sube de valor. Ahora, en realidad quiero empujar eso un poco más alto. Entonces voy a abrir un poco más mi ventana para que tenga más un poco de espectadores, espectador se envía a ella. Y voy a traer esto hasta el final. Muy pico ahí. Un poco exagerado. Así. Ahí vamos. De hecho, podría mencionarlo incluso antes. Entonces incluso puedo sacar el valor de la nota por más tiempo para que, ese efecto más amplio se sintiera un poco más así. Entonces así es como me gustaría usar vibrato principalmente como una forma de animar y agregar un poco de intereses notas demasiado largas sostenidas o partes largas sostenidas. Si tuviste porciones de tu composición donde había largas notas legato, puedes, puedes hacerlo con vibrato. Y realmente depende de si tu plug-in o no, tu instrumento VSD te permite ese control. Bien, a continuación vamos a mirar el volumen midi, ver C7. 14. Expresión de volumen (CC 7): En esta lección, he hecho algunos cambios en la sesión, el proyecto que voy a explicar. Pero vamos a mirar el volumen y automatizarlo usando C, C7 y solo ver cómo funciona eso con la dinámica y la expresión. Entonces, lo más notable aquí, cambié mis instrumentos de Halley a escupir el descubrimiento de audios de fuego. Ahora bien, esta es una orquesta totalmente libre, pero suena infinitamente mejor que los sonidos que teníamos Halley en los sónicos. Entonces, en el caso de que quieras escuchar y tener una mejor idea de cómo dinámica y el volumen y todos estos otros CCS con los que estamos trabajando van a sonar contra un instrumento más moderno y bibliotecas muestreadas de instrumentos que realmente están diseñadas para trabajar con Dinámica y expresión y ese tipo de cosas. Cambiando a fuegos de escupir. El descubrimiento aquí parecía una idea realmente sensata para la continuación de esta sección. Y en realidad se puede ver la expresión y la dinámica por aquí. Esta expresión a la izquierda y dinámica a la derecha. Se pueden ver estos movimientos. Esto va a ser reverberación y diferentes articulaciones básicas. También puedes seleccionar instrumentos aquí arriba. También se pueden seleccionar instrumentos en función de dónde se encuentran tradicionalmente en un arreglo orquestal. Entonces sí transferí todos los instrumentos. Ya no voy a usar Halley en. No estoy usando contacto para nada. Esto es todo el audio de Spitfire, BBC Symphony, descubrimiento y biblioteca de sonidos completamente gratuita. Se trata de 200 mb, por lo que debería cargarse en todas menos las máquinas más antiguas, pero las más antiguas deberían funcionar bien. Suena mucho mejor. Tiene todos los detalles de expresión que queremos ver. Entonces voy a estar compartiendo eso como el proyecto que puedes descargar junto con esta lección, debería estar precargado con este plugin. Por supuesto, tendrás que tenerlo instalado. Pero como dije, ponerla en tus manos es gratis y bastante fácil. Otro cambio que hice en el proyecto anterior, tenía un mini modificador aquí arriba, tenía un mini modificador aquí arriba, transponiendo la parte del violín hacia abajo en su lugar. Ahora bien, el violín uno es en realidad transponer hacia arriba. Entonces eso tiene que ver con los rangos que están disponibles dentro del plugin Spitfire. Entonces en este punto, tenemos instrumentación de sonido mucho más rica. Si tuviéramos que mirar nuestro ejemplo original por aquí, realidad veremos aquí en esto. Esto es de las últimas lecciones donde habíamos grabado CC1 y CCA1 y vibrato aquí vamos a ver CC1, perdón, cambiando dinámicas aquí a la derecha. Y vamos a ver C, C 11 cambiando expresión a la izquierda mientras jugamos esta parte. Como verás, ambos van a estar moviéndose hacia arriba y hacia abajo. Lo siento, déjame abrir esa instancia. Aquí vamos. Para que veas que eso pasa aquí mismo. Ahora se puede ver a medida que sube la dinámica, baja la expresión. Y ese es el propósito que se pretende es que la dinámica esté controlando las capas muestreadas, las capas de velocidad de nuestro instrumento. Y a medida que eso se hace más fuerte, queremos que la expresión la equilibre, ¿verdad? Entonces es un intercambio entre estos dos controles que mantienen el nivel general. Pero la dinámica realmente está impactando los cambios de rol del TAM. Ahora bien, una cosa de la que voy a hacer una nota rápida en esta biblioteca gratuita de Spitfire es que solo tienen un día dinámico más o menos. Esta dinámica no es tan rica como que tendrías en la otra biblioteca de contactos que estaba usando allí, la serie sinfónica por ejemplo o muchas de Spitfire son bibliotecas profesionales. Vas a conseguir muchas más capas dinámicas y eso te va a conseguir un mejor sonido. Pero como dije antes, esto es gratis. Es realmente genial para lo que es. No vas a competir realmente con los profesionales si solo estás usando esta biblioteca. Pero en este curso, es una forma muy adecuada de empezar. Y un gran paso adelante de cualquiera de los sonidos de stock que vas a tener en Cubase. Ahora, una cosa que me gusta hacer es reunir todas mis partes de cadena, por ejemplo , juntas, y usar mi edición de varias partes aquí abajo en el editor de teclas. Pero el problema es, ¿cómo puedo ordenar en qué notas estoy trabajando realmente en cualquier momento, el violín uno, el violín, el violín tres, ¿verdad? No quiero salirme de tema del volumen siete. Es solo que este es un consejo necesario para el flujo de trabajo. Justo aquí. Hay un cuadro desplegable contiene todos estos valores y que esencialmente los nombres de estas partes individuales, ¿verdad? Entonces, ¿cómo les renombro al canal apropiado? Lo más fácil de hacer aquí es simplemente hacer doble clic allí. Mantienes la tecla Mayús y presionas Enter, y verás que cambia el nombre cualquier evento en ese canal. Así que sólo voy a hacer eso muy rápido. Y podrás ver esto en el proyecto una vez que lo descargues, porque el proyecto que comparto para cada uno es después del final de mi grabación de la lección para que todos puedan ver los beneficios, así que todo lo que hayan aprendido. Pero de esta manera, cuando cargo todos estos en el editor de claves, ahora, puedo verlo arriba. Déjame seleccionar todas esas partes. Ahora puedo ver mis partes aquí y sólo puedo elegir la viola, y puedo volver y puedo ver dónde están mis partes de viola. Eso es muy, muy útil. Entonces sigamos adelante y agreguemos algunas curvas de volumen a cada una de estas voces, ¿verdad? Entonces me voy a deshacer de mi velocidad aquí, y la voy a cambiar a volúmenes principales, ver C7. Y ya tengo un control, un controlador midi configurado para controlar esto. Y como verás, cuando gire eso, es ver mis valores. Entonces mientras grabo, sólo puedo volver al inicio de esta sección. Y voy a darle a Record y luego voy a ajustar el volumen. Así que aquí he mantenido una especie de curva conservadora. Lo que estoy tendiendo a hacer es un poco hincharse arriba y abajo, creando eso a medida que avanzo. Ahora bien, si tuviera que cambiar aquí al violín dos, veremos que no hay volúmenes principales. Así que esta es una manera muy agradable de hacer todo esto desde dentro de un editor. Y puedo ver que ahora estoy tratando con las partes soprano moradas. Si quisieras ver qué es el color, vienes a este color ahora mismo mis colores están puestos a la voz. Entonces podemos ver violín, un violín, viola, eso es cambiar las voces. El violonchelo está cambiando las voces y las bases cambiando las voces, ¿verdad? Entonces la coloración siempre está aquí. Estoy seleccionando la parte que estoy editando. Y entonces puedo bajar aquí y sólo voy a ir a esa primera nota. Como la base es realmente un pulso, realidad no voy a añadir volumen a eso, pero lo voy a hacer para el violonchelo. Así que vamos a grabar eso aquí. Notarás que me gusta subir en un acorde y luego bajar otra vez por el otro lado. Ese tipo de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo en el transcurso de algunas medidas puede agregar una calidad emotiva y realismo muy agradable a lo que estamos haciendo. Entonces hicimos el violonchelo, habíamos hecho la viola antes. Hagamos un violín para tener en cuenta que el valor de hacer esto de manera manual es que lo estás haciendo como ser humano. Efectivamente estás tocando tu midi. Y eso es crucial para el realismo general. Bien, así que hemos seguido adelante y grabamos, vea el volumen midi C7 para cada canal. Y lo que efectivamente hemos logrado aquí es un nivel mucho, mucho más profundo de realismo. Parte de eso es que elegimos una mejor biblioteca con el descubrimiento de Spitfire. Y parte de ello es que ahora hemos agregado en expresión y hemos agregado en modulación para Dynamics. Y hemos añadido en este control de volumen. Ahora, una cosa que siempre quiero dejar claro es que cuando cambiamos a la consola mixta aquí, podemos ver que tenemos un conjunto de faders todos instalados aquí. Esta fue mi mezcla original. Y generalmente cuando estoy trabajando con volumen, quiero tener muy claro lo que está pasando en el volumen medio y lo que está pasando en el volumen del mezclador. Por lo que estos no están relacionados. En otras palabras, cuando mi, volvamos al editor de claves aquí, cuando esté cargado. Volumen aquí, para que podamos ver esto, ¿de acuerdo? Entonces esta curva de aquí, es ECC medio. Esto no es automatización en mi canal real. Entonces como esto es ebbing y fluyendo, eso no está teniendo ningún impacto en mi canal, que está justo aquí. Violonchelo, ¿verdad? Entonces, a medida que jugamos esta parte, por ejemplo podemos ver arriba en nuestro gráfico aquí que está la superposición de los datos del controlador para el volumen midi. Y no va a impactar en absoluto cómo se mueve este fader. Entonces, sigamos adelante. Entonces este fader es una entidad de volumen completamente separada y realmente se trata de tu mezcla. Entonces esto es realmente hermoso porque podemos crear esta interpretación expresiva, que es realmente lo haría un jugador de cuerdas o un jugador de viento. Ellos tocarían sus partes con sentido real de usar nivel en volumen como, como parte de su expresión. Y entonces podríamos grabar esa actuación, grabar toda la orquesta, y luego mezclar el disco, ¿verdad? Eso es lo que es la etapa de mezcla, lo que queremos usar. Todos estos cuatro, hay un, un impacto del que quieres estar al tanto mientras manipulas tus curvas de volumen para tu middy, que cambia esencialmente lo que está pasando en tu mezcla, aunque estas posiciones de fader no estén dictadas o relacionadas directamente lo que estás escribiendo con tu see C7, estás cambiando el volumen. Y luego además con la expresión, estás cambiando el volumen dentro del volumen y el volumen de tu o el efecto de tu expresión, por ejemplo, adelante y veamos eso. Todo esto es una extensión de volumen, realmente. Esta parte de flauta en este momento no tiene ninguna, ninguna expresión escrita en ella. Como podemos ver, aquí mismo hay una capa vacía. Voy a bajar esto para simplemente ajustar la vista. Hay un carril vacío, pero a medida que escribimos una parte de expresión, va a estar impactando el volumen porque la expresión es un porcentaje del volumen. Entonces es como dibujar una curva para eso es determinar el porcentaje de estos niveles de volumen. Y entonces finalmente al final de su estructura de ganancias está este fader, que está decidiendo bien cuánto de eso está en la mezcla. Por lo que se quiere ser muy cuidadoso y consciente de todas estas implicaciones. Está trayendo mucho realismo, pero también debes ser consciente de que está afectando los niveles y el volumen en diferentes niveles y dónde hacer que lo cambie para obtener el efecto que estás buscando. Ahora en la siguiente lección, vamos a ver el uso de anticonceptivos C, C2. 15. Control de aliento y automatización: Voy a mirar un valor CC más porque este es un controlador continuo para, y generalmente se llama control de la respiración. Y el control de la respiración puede aparecer específicamente en bocinas o instrumentos relacionados con el viento. Si realmente tienes un controlador de respiración, que es un tipo especial de controlador midi que en realidad puedes tocar como un clarinete o algo así. Y luego empieza a transmitir parte de tu expresividad al instrumento de software. Ese tipo de controladores generalmente van a escupir, ver C2. Ahora bien, el caso es que C, C2 no siempre está integrado en instrumentos, incluso en instrumentos de bocina y ese tipo de cosas. Además, una vez que estás en la caja, una vez que hayas hecho la grabación, ver C2 puede ser cualquier cc porque puedes decidir qué CCS quieres usar en cualquier momento. Y hay muchos que no han sido ya una especie de asignación genérica. Entonces CCL2 es una variable. No es tanto de un valor de bloqueo como digamos expresión o volumen o modulación. Pero quiero traerlo aquí porque donde muy a menudo usas anticonceptivos en realidad no es con cuernos, sino como un valor de corte o brillo dentro de un instrumento. Entonces puedo conectar C, C2 a un EQ, por ejemplo, o un filtro para acentuar el brillo usando un filtro o EQ para acentuar frecuencias más altas. Y en realidad voy a estar usando el control de la respiración como una especie de control de brillo. Esa es la forma en que normalmente funciona en un instrumento relacionado con la amplitud. Cuanto más fuerte sopla alguien, más brillante tiende a ser la madera que sale del instrumento. Correlacionar el control de la respiración, CCL2 un concepto de brillo tiene mucho sentido. Me gusta a veces en mi composición tener solo un valor CC más además de dinámica, además de expresión, además de volumen uno más del que puedo manipular para traer otro nivel de realismo. Y ahora solo voy a mostrarte cómo configuro eso un poco y lo usaría para controlar el brillo. Voy a hacer un simple cambio aquí a mi clarinete, que es traer en unos elementos de brillo. Así que voy a hacer esto acercándose a mi inspector aquí. Y voy a añadir un inserto de audio. Y este inserto va a ser un ecualizador. Y voy a bajar y voy a elegir estudio EQ. Lo que quiero hacer es que quiero tener aquí esta última etapa. Voy a desactivar las otras etapas. Lo que quiero hacer es controlar esto con mi controlador midi con la amplitud. Ver C2. Ahora en este contexto, tengo una opción. Puedo registrar el valor C, c en la Midea. Pero aquí en realidad voy a estar grabando esto como una automatización rastreada usando trolls rápidos. Así que por aquí en el inspector, voy a bajar a controles rápidos. Voy a asegurarme de que esté habilitado aquí. Y voy a seguir adelante y voy a bajar aquí para insertar, insertar una banda de estudio para ganar alta frecuencia para esa estantería. Y luego me voy a alejar aquí. Y lo que voy a ver es que puedo usar esta función de Aprender, que está en mis controles rápidos se aprende función te permitirá simplemente hacer clic derecho en mirar, asegurarse de que aprendido está habilitado. Haga clic en cualquiera de sus controles rápidos de clic, y luego simplemente mueva su perilla y la vinculará. De hecho puedo grabar la automatización aquí. Así que voy a seguir adelante y voy a habilitar la tasa de automatización ahí mismo. Y voy a apagar mi modo ciclo, cambiar herramientas y volver aquí. Y ahora voy a escribir en realidad automatización con mi control midi. Estoy tratando de crear, voy a iniciar una estrategia de crear más brillo. A medida que el pasaje continúa. A medida que el pasaje continúa, se está volviendo cada vez más brillante. Entonces todo lo que estoy haciendo aquí es crear una automatización regular y tradicional. Sin embargo, existe la capacidad de usar amplitud Control C, C2 como mi controlador para esto. E incluso puedes tomar ECC medio dentro de Cubase y convertirlo en automatización. Y puedes tomar la automatización de una pista de automatización y convertirla en ECC media, por ejemplo, si tuviéramos que mirar esta parte aquí, y yo tuviera que mostrar mis valores de expresión. este momento, solo tengo set de volumen, pero podría extraer este volumen aquí. Puedo extraerlo hasta un carril de automatización como este subiendo a mi menú midi, aquí arriba, y bajando a mi menú de funciones y bajando para extraer mucha automatización. Si tuviera que hacer clic derecho en mi pista y decir Mostrar automatización usada, veríamos ahora que mi pista de volumen se ha convertido en automatización, podría cambiar cómo funciona esto en medida en que pueda seleccionar lo que no quiero que ejecute volumen. En cambio, quiero que ejecute mi inserto. Digamos que podría bajar aquí, abre esta ventana por aquí, y puedo ir a mi Insertar y podría decir, ¿ sabes qué? Tenía como automatización de volumen. Ahora quiero correr eso contra mi otra vez. Y ya vamos a ver ese paseo. Entonces voy a seguir adelante y apagar la lectura en mi automatización original. Ahora vamos a ver que esta automatización que extraigo de la Midea, es ahora lo que va a estar impulsando esta ganancia. Así que en realidad podría tomar esta automatización y podría usar el Comando X. Y voy a pegarlo seleccionando todos mis puntos de automatización, asegurándome de que mi cursor esté configurado todo el camino al principio y pegue. Y ahora cuando reproduzca, van a ver que esta curva que extraigo del volumen, es ahora lo que va a estar manejando esta perilla de ganancia aquí. Entonces veamos cómo va eso. Entonces nuevamente, el control de la respiración no es uno de los CCS incorporados que siempre hay que estar usando. Pero cuando quiero darle más vida a algo, y particularmente quiero trabajar con brillo o manipulación. Entonces generalmente me apoyaré en la amplitud Control C, C2 porque es un relativamente estandarizado y entendido por otros compositores y músicos para realizar esa función. Si alguien abre mi proyecto, debe saber lo que está pasando. Voy a seguir adelante y revertir mis operaciones de corte y pegar para que el proyecto al que ustedes tengan acceso tenga esta curva de volumen en el ECC medio en su lugar. Y te veré en la siguiente lección. 16. Expresión de Pitchbend: Ahora, también puedes usar algunos elementos middy muy comunes como pitch bend en tus producciones. Y esto puede ser de gran ayuda cuando intentas recrear algo que un instrumento real instrumentista realiza. En el caso de la guitarra, digamos por ejemplo donde un guitarrista podría estar doblando una nota mientras tocaba otra nota y luego dejando que se agachara, algo así. Puedes lograrlo con pitch bend más fácilmente de lo que puedes lograrlo con otros CCS midi, pitch bend está incorporado. Es, es casi esencial para cualquier teclado midi. Así que seguramente tendrás un controlador de pitch bend. Pero cuando estás trabajando con instrumentos sinfónicos u orquestales, podrías agregar un poco de pitch bend aquí y allá solo para crear poca variación. Y te voy a mostrar cómo podría hacerlo de una manera muy, muy sutil. Lo que realmente estás haciendo aquí es que estás recreando una especie de errores por parte del jugador, errores sutiles. Así que no estás tratando de hacerlo, ciertamente querrías evitar que esas curvas de tono en esta instancia en particular sean realmente obvias porque el pitch bend realmente obvio en el caso de un jugador de viola, por ejemplo, va a ser realmente un error. Pero agregar un poco de tipo de cambio tonal en realidad puede agregar algo de realismo. Entonces echemos un vistazo a eso. Lo que vamos a hacer aquí es solo esto una viola, y luego seguir adelante. Y vamos a abrir eso en nuestro editor midi. Y voy a ver estas dos notas en particular. Y voy a habilitar el pitch bend Lane. Y voy a volver al principio aquí. Y voy a grabar un poco de pitch bend, muy, muy, muy, muy sutil pitch bend que estoy teniendo aquí. Se puede ver lo que sucede en el pitch bend. Lo que realmente estoy haciendo aquí es que solo estoy agregando algo de sutileza que espero transmita un poco de humanidad. Es el tipo de cosas que rompen la consistencia estática absoluta de las notas midi. Ahora bien, si mi biblioteca va a acomodar o no ese pitch bend es absolutamente crucial. Pero si mi biblioteca respondiera a pitch bend, notaría que solo había una imperfección muy sutil en la actuación. Lo acabo de hacer en un par de notas. No estoy tratando de arruinar la pieza. No estoy tratando de hacer cambios dramáticos. Sólo algo sutil pitch bend aquí es una herramienta que puedo usar para introducir un poco de humanidad. En la siguiente lección, veamos el uso de interruptores de tecla. 17. Uso de interruptores clave: Ahora vamos a ver los interruptores de llave. Ahora, los conmutadores de teclas son comunes a la mayoría de las bibliotecas profesionales y normalmente se utilizan para cambiar entre diferentes articulaciones. Entonces digamos por ejemplo que tienes tu bajo tocando pizzicato y querías cambiarlo temporalmente a tocar notas largas, como vamos a hacer en este ejemplo, entonces puedes usar interruptores de tecla para cambiar dinámicamente entre diferentes articulaciones. A veces, los interruptores de tecla realizan otras funciones. Si tuvieras una biblioteca de guitarras, por ejemplo, podría cambiar entre las posiciones del cuello o podría cambiar entre soy downstrokes, upstrokes o algo así. Así que cualquier tipo de articulación o característica única que el ejecutante ejecutaría, se puede manipular con interruptores de tecla. Entonces echemos un vistazo a eso ahora. Tenemos esta articulación elegida aquí, la articulación spiccato, pero tenemos tres para elegir. Así que en realidad puedes cambiar entre estos dentro de esta biblioteca usando interruptores de tecla. Y ahí todo el camino hasta aquí abajo. Al cierre que aquí arriba, podría subir hasta aquí y podría decir que quería chasquear dos eventos. Ahora, cuando vaya aquí y dibuje estas notas, van a chasquear a esos eventos. Hay eventos midi arriba de ellos, así que me facilita un poco asegurarme de que están siendo posicionados correctamente. Una cosa que generalmente quieres hacer con los interruptores de tecla es que quieres que ocurran un poco antes de tu nota midi. Entonces, lo que probablemente haría aquí es simplemente haberlos seleccionado a todos, los traería solo un poco así para que el interruptor de llave pueda decirle al instrumento lo que está pasando antes de que la nota realmente se esté tocando. Y vamos a derribar todos estos. Y si queremos jugar, veamos uno. Ya veremos lo largo que va a ser aquí. C menos al spiccato va a ser C-sharp menos dos y pizzicato va a ser D12. Entonces queremos tener este de aquí, y este de aquí. En realidad queremos tener arriba en C-sharp a este abajo a C2, eso va a volver a cambiar a largo. Y luego este de aquí, vamos a traer ahí abajo. Y entonces esta va a estar de vuelta a los pulmones. Y en realidad se puede ver eso aquí arriba en esta zona. A medida que cambio estos valores midi, está cambiando la articulación y eso es lo que hacen los interruptores de tecla. Pero cuando reprodujeron, vamos a tener spiccato largo, spiccato largo junto con el uso de interruptores de llave. Una manera muy elegante de construir en tu middy. Elementos como diferentes articulaciones que quieres usar para legato, staccato, spiccato, pizzicato, agregar trémolo, ese tipo de cosas. También es una gran manera manipular la expresividad de tus partes. La consideración que hago cuando estoy aplicando articulaciones es cómo me ayuda a contar la historia que quieres evitar solo usar interruptores de llave por todos lados al azar, solo por un efecto interesante. Pero más bien quieres contar una historia con ella. Entonces lo que estoy contando, la historia que estoy contando aquí es que la base está entrando en soporte y luego puntuar, Soporte con puntuación larga y luego soporte. El spiccato. articulación para mí está funcionando como una puntuación, como un punto al final de una oración, al no tener ahí un trazo largo y prolongado. La base se va alejando y dejando que las violas y los violines tengan prioridad. Entonces esa es parte de la historia que estoy contando y por eso he elegido estas articulaciones. Te recomendaría que elijas articulaciones al servicio de tu historia, no solo porque puedas usar interruptores de llave. Ahora, en la siguiente lección, sólo vamos a tener una breve discusión sobre la cuantificación. 18. ¿Cuantiza o no?: Ahora cuantificar es algo que ha sido parte de middy desde el principio. Y es una de las mejores y más valiosas características de Midea es que puedes tomar actuaciones, cosas que se tocaron en un momento dado. Pero entonces se puede cambiar el tiempo. E idealmente con la cuantificación, realmente estás usando cosas para bloquearlas en la cuadrícula para mantener el tempo y el tiempo absolutamente precisos, trillizos muy precisos, notas 16 muy precisas, ese tipo de cosas que un jugador podría no ser capaz de ejecutar perfectamente. Pero aquí está la cosa es que dado que los jugadores generalmente no ejecutan ese timing súper precisamente, terminan siendo una parte importante de la humanidad y del realismo, sino su trasero nuestras piezas. Entonces, ¿cómo lidiamos con esto? Bueno, aquí te voy a mostrar un par de cosas diferentes. Primero, la regla general para mí es tocar todo, en realidad realizar todo, todo lo que grabes, realizarlo en. No lo escribas con lápiz. Porque entonces normalmente va a ser cuantificado y en realidad no va a hacerlo, solo va a tener mucha menos humanidad involucrada. Ese es el primer paso. Pero una vez que lo hayas grabado, no necesariamente asumas que necesitas cuantificarlo o va a haber algún beneficio de eso. Especialmente con cosas como arpegios. Usar cosas que están altamente, altamente estructuradas y altamente, muy apisadas y restringidas a la red. Simplemente no suenan humanos y eso va a disminuir el realismo, ¿verdad? Entonces generalmente no cuantifico nada, pero como te voy a mostrar aquí, puedes usar cuantificar iterativamente en Cubase. Y eso significa que puedes mejorar el tiempo, pero lo estás mejorando en una cantidad específica. Realmente no estás encerrando todo en la parrilla. Entonces echemos un vistazo a eso. Entonces estamos viendo aquí esta actuación que hice, y nos habíamos desglosado en partes. Ahora los acordes habían sido tocados por mí en un, en un teclado controlador midi. Y podemos ver que las notas no están aterrizando justo en la cuadrícula. Entonces podríamos arreglarlo. Claro que si quisiéramos, sólo voy a cerrar aquí este instrumento. Podríamos arreglar eso con solo cuantificar aquí, vemos que todo encaja perfectamente a la línea. Voy a deshacer eso con el comando Z. generalmente no lo animo porque lo que va a pasar es que tu actuación se va a perder. Y va a haber menos realismo en el último producto final. Pero aquí hay una característica muy útil llamada cuantificación suave. Parece que estas dos flechas con una línea entre ellas casi como una fracción. Entonces lo que voy a hacer es ir al panel cuantificado. Aquí vamos a echar un vistazo a algunos ajustes. Tengo mi panel de cuantización por aquí. Echemos un vistazo a eso de cerca. Entonces lo que puedo hacer aquí es que puedo habilitar la cuantización suave on off, y puedo decidir cuál va a ser la fuerza de eso. Esencialmente esto significa mejorar la cuantificación en un 60%. Si hago clic, si habilito eso, derecho, y voy cabeza y ojos, suave cuantizar esto. Podemos ver que sí lo mejoró, pero todavía no está justo en la línea, como sería si no tuviera ahí esta cuantización suave y cuantificaría ahora, lo bloquea justo en la línea. Perfectamente. La cuantificación suave es una manera muy agradable de ser mucho más sutil. Voy a deshacer ambos. Y voy a ver un par de opciones más aquí para cuantificar. Para que puedas establecer un rango de captura y un rango seguro. Entonces el rango, mientras menciono esto, se puede ver como se mueve alrededor del ritmo. Puedo poner la grilla, digamos que puse dos cuartos. ¿Cuál es el rango de captura? Dentro de ese rango, se ve cambiando aquí. Esas notas que estén dentro de ese rango en realidad estarán sujetas a cualquier regla de cuantificación, incluida la cuantización suave. Rango seguro aquí significa que las cosas dentro de este rango no serán cuantificadas. Eso significa, podría decir, Bien, mira cualquier cosa que esté dentro sobre un triplete de mi cuarto de trimestre, déjalos solos. Cualquier cosa que esté dentro de este rango, entonces quiero cuantificarlo y quiero una cuantización suave. Y podría cambiar la cantidad para decir, 30%. Y ahora cuando los cuantifique, puedo seguir adelante y solo voy a hacer esta nota porque aquí está claro. Si golpeo Cuantizar, no lo cambió en absoluto porque no está dentro de mi rango de captura o está dentro de mi rango de seguridad. Así que realmente puedes mirar tu propio desempeño y hacer evaluaciones sobre lo que realmente quieres hacer con la cuantificación. Así que en realidad se puede mejorar el ritmo de una actuación sin deshumanizar y sofocar la vida y la humanidad por completo. Esto también es algo agradable de hacer cuando estás cuantificando tambores. Puede ser muy útil. Demasiado suave cuantizar, digamos el sombrero alto, donde quieres tener un poco, no quieres tener eso justo en la parrilla. Pero tal vez las patadas, quieres ponerlas exactamente en la parrilla. A lo mejor los lazos, un poco de cabeza o un poco atrás. Puede utilizar los rangos de captura y seguro para asegurarse de que cualquiera de esos matices en el rendimiento, el rendimiento original se mantengan incluso como digamos que el patada, por ejemplo se cuantifique. Así podrás aplicar estos ajustes de cuantización en cualquier nota que hayas seleccionado. Así que podrías seleccionar todas y pateadas notas y aplicar un valor cuantizar. Y entonces podrías seleccionar todos los sombreros altos y así sucesivamente, así sucesivamente. Entonces de esta manera, la cuantificación es mucho más una herramienta creativa y constructiva utilizada en un método ciego de solo aplicar cuantizar, bloquear todo a la grilla. Recomiendo mucho en contra de eso. Si tu objetivo es producir música que suene como un ser humano la tocó. Ahora, en la siguiente lección vamos a ver una técnica para controlar la velocidad con la rueda mod. Y esto se puede hacer en una situación en la que no tengas un control de Dinámica dentro de tu instrumento, pero sí tienes múltiples capas de velocidad. Entonces voy a repasar ese proceso en la siguiente lección. 19. Hack de velocidad de rueda de Mod: Ahora me he encontrado con instrumentos que pueden contener capas de velocidad, a veces incluso las que hice por mi cuenta. Y estoy buscando una manera de controlar la velocidad a través de algún otro método que no sea como toco las teclas, ¿verdad? Así que normalmente cuando toco las teclas, qué tan fuerte golpeo la tecla que se traduce al valor de velocidad. Pero a veces quiero esculpir ese valor de velocidad un poco más por separado, ¿verdad? Un poco más de cuidado, o tal vez incluso ir sobredoblarlos sin tener que dibujarlos con el lápiz. Entonces voy a mostrarte cómo podrías configurar la rueda mod. Ahora podrías configurar realmente cualquier controlador para hacer esto. Sólo voy a estar usando la rueda mod como ejemplo. Voy a guiarte a través del proceso de cómo podrías configurar un controlador midi como la rueda mod para controlar la velocidad mientras estás actuando. Y esto te puede dar otro matiz añadido en tus actuaciones. Así que vamos a comprobarlo. Muy bien, así que voy a cerrar la ventana inferior y voy a subir a esta parte de violín de la BBC aquí arriba. Aquí vamos a empezar de nuevo. Ahora voy a estar grabando una nueva parte y voy a cambiar la velocidad en función de mi rueda de mod, no basada en el teclado, ¿verdad? Entonces, cuando grabe ahora mismo, podrás ver que mientras grabo, estaban estos valores de velocidad establecidos en función de cómo toco el teclado. Cuando terminemos, vamos a ver que realmente podemos usar un controlador midi para controlarlos en tiempo real con esta configuración que estoy a punto de mostrarte en Cubase. Entonces, sigamos adelante y veamos cómo lo configuraríamos. Voy a seguir adelante y borrar eso. Voy a asegurarme de que mi pista esté seleccionada. Y voy a pasar a midi Insertos aquí en el inspector. Y voy a añadir demasiados modificadores en serie. Agrega un modificador midi aquí. Y luego voy a agregar un modificador midi aquí también. Entonces voy a agregar dos de ellos, uno tras otro. Lo siguiente que vas a querer hacer es que vas a querer golpear Salida de grabación para rastrear aquí. Y vas a querer configurar tu controlador midi o teclado midi para enviar una velocidad fija. Cuando mi teclado está enviando una velocidad fija, está enviando una velocidad fija de inclinación total 127. Ahora en este primer modificador midi, tenemos un valor aquí llamado cambio de velocidad. Ahora vamos a establecer eso en -64. Bien, eso es básicamente restar la mitad de mi velocidad fija, que se establece en 127. Entonces vamos a bajar al modificador midi para acercar un poco por aquí. Y voy a querer manipular este cambio de velocidad en tiempo real para mini modificador. Entonces básicamente va a estar restando 64 de la entrada de valor fijo. Y entonces este modificador midi va a estar sumando desplazamiento de velocidad basado en algún tipo de entrada. Y una de las formas más sencillas de hacerlo es en realidad usando controles rápidos. Así que aquí abajo voy a ampliar los controles rápidos y alejar un poco para que podamos ver lo que está pasando aquí. Ahora bien, esto está por defecto a diferentes controles rápidos del instrumento cargado en este canal. Pero puedo anular cualquiera de estos en cualquier momento. Voy a poner este primero aquí a mi midi, Inserta mis modificadores midi. El segundo aquí. Y voy a elegir cambio de velocidad. Entonces ahora esto es cambio de velocidad para el segundo modificador midi. Y puedo ver, veamos, si me desplazo por aquí. Yo iba a traer esto hasta 72. Puedo ver ahora que ese valor es 72, ¿verdad? Entonces estoy cambiando eso con el control rápido. Ahora, puedo tomar cualquier controlador midi de mi elección y puedo asignarlo a este control rápido. Así que puedes seguir adelante y puedes habilitar controles rápidos y puedes pulsar Aprender, y luego seleccionar tu control rápido aquí. Y luego puedes encender el controlador en tu teclado. Y ahora puedo ver que estoy obteniendo este valor. Así que he seguido adelante y lo he mapeado a mi rueda mod. Y se puede ver este valor cambiando ahora, medida que giro eso. Eso significa aquí que de vuelta en mi midi Inserta que este valor aquí mismo se está cambiando. Entonces lo que voy a estar haciendo efectivamente es como toco una nota midi, ya que el registro habilitado aquí está habilitado, las notas midi van a entrar. Va a restar 64 de la velocidad. Y luego va a ajustar la velocidad en función de lo que sea que esté haciendo mi rueda mod. Entonces veamos cómo se ve eso. Voy a intentar crear una especie de efecto crescendo con mi, con mis valores de velocidad. Y esto va a ser totalmente independientemente de lo que interprete cuando en realidad estoy tocando el teclado. También vas a querer asegurarte de tener el segundo modificador midi configurado para grabar. Y vamos a seguir adelante y empezar. Ahora se puede ver que grabé este arco bastante dramático, ascendente y descendente mientras tocaba esas notas. Entonces esta es una gran manera para que ganes el control sobre las capas de velocidad sin tener realmente tu teclado, lo duro que golpeas las teclas sea lo que está dictando los términos. Quieres asegurarte de configurar esto durante tu grabación en vivo. No parece funcionar. Si estás intentando sobredub. Si quieres que tenga la función de sobregrabación, necesitarías tener una biblioteca que soporte Dynamics. Y entonces podrías grabar la rueda de mod de dinámica de esa manera. Pero esto es una especie de, una, una alternativa a poder manipular la velocidad sobre la marcha. Ahora, vamos a empezar a hablar expresión de nota en las próximas lecciones. Y note expression va a ser una extensión realmente fascinante de velocidad y del CCS que hemos discutido. Y así quédate por ahí. Esas lecciones van a ser invaluables para todos los usuarios de Cubase que estén trabajando con midi. 20. Reseña de la expresión de nota: Voy a concluir esta sección con algunas lecciones sobre la expresión de notas. Ahora note expression es un concepto VST tres. Es una tecnología que permite escribir realmente en el equivalente de los cambios de control, pero sobre una base por nota, ¿verdad? Así que todo lo que hemos hecho hasta ahora con C7 o CC1, Eso es todo por canal, es decir, que cada vez que nosotros, cuando escribimos una curva y expresión, está afectando a todas las notas de ese canal. Y generalmente esas van a ser todas las notas que estás viendo en esa parte media. Note expression es una tecnología que le permite ordenar datos de expresión de reproducción o registrar datos de expresión por nota. Eso puede ser muy agradable donde por ejemplo podrías tocar dos notas y una de las notas crescendos en la otra. Para que puedas crear un poco más de drama, o tal vez dos notas que empiecen y una que se ponga más fuerte, una que se vuelva más silenciosa. O si estuvieras usando una guitarra, un instrumento de guitarra, una biblioteca de instrumentos muestreados, por ejemplo podrías doblar la cuerda mientras tocas otra cuerda y podrías tener una díada ahí, pero una de las notas sería pitch bend. Entonces hay mucho que puedes hacer con la expresión de nodo. Desafortunadamente, expresión de notas no se ha popularizado en toda la industria. Es algo que está disponible como parte de la tecnología VS T3 tipo de protocolo. Así que realmente la gente podría implementarlo si los quería, pero realmente no lo han hecho. Y no tengo exactamente claro el motivo de eso. Seguro que se reduce al tiempo de desarrollo y ese tipo de cosas. Lo que quiero cubrir aquí, ya que esta es una clase específicamente sobre Cubase, es cómo usarla dentro de Cubase, puedes grabarla como parte de tu actuación. Puedes dibujarla y puedes sobredoblarla. Y voy a repasar los métodos para hacer eso. Mostrarte lo que hace. Porque creo que si estás usando un instrumento que permita expresión de Node y eso realmente sería principalmente PAD shop, retro log, cualquier cosa en Halle on, o Halley en Sonic o Halley y Sonic SE. Entonces vas a tener muchas opciones cuanto a cómo puedes manipular notas individuales, no solo específicas de canal, sino específicas de notas. Hay una tecnología diferente llamada MAPE y que está tomando en eso, que está ganando impulso en el mundo controlador que es muy similar a esta expresión de middy polifónica. Y si tienes un instrumento así, gustando el instrumento principal o algo así, en realidad puedes grabar estos datos polifónicos como expresión de nodo. Entonces tal vez habrá un proceso por el cual expresión de nota se pondrá al día con otras bibliotecas y otros fabricantes de complementos si estos instrumentos MP se vuelven más comunes y más esenciales. Pero a partir de ahora, he encontrado un soporte muy, muy limitado para, para esta tecnología de expresión de notas, aunque me encanta, creo que es realmente increíble. Otra cosa realmente genial expresión de nota es que la expresión que tienes razón, forma nativa está vinculada a ese nodo, lo que significa que arrastras notas en tu editor de claves. La expresión le sigue, lo cual es realmente genial. Ahora puedes hacer eso con mi configuración de preferencia en Cubase para asegurarte de que sigan los datos del controlador, pero esto lo hace de forma nativa y automática. Entonces, en la siguiente lección, vamos a sumergirnos y mirar en realidad algunos ejemplos de expresión de nota. Esta lección acaba de ser una visión general. En la siguiente lección, vamos a ponernos manos a la obra. 21. Uso de la expresión Note: Bien, en esta lección vamos a usar alguna expresión de nodo. Te voy a enseñar cómo configurarlo, cómo grabarlo y cómo suena. Entonces comencemos. Entonces a medida que empecemos, solo hay un par de consejos que sugeriría. Primero es que debes habilitar Mostrar datos de expresión de nota en la barra de herramientas que está aquí. Se mostraron datos de expresión de nota. editor de expresiones de doble clic abre nota es otra cosa que creo que deberías habilitar. Si esto está deshabilitado, entonces lo que sucede es cuando haces doble clic y notas, bien aparece o desaparece. Mientras que si lo has habilitado, cuando haces doble clic en una nota, obtienes la expresión de nota. Yo soy editor aquí y vamos a usar eso con gran efecto aquí. Mostrar datos de expresión de nodo básicamente va a mostrar una especie de superpuesto sobre sus notas. Ahora mismo estoy viendo los nombres de las notas, pero cuando habilite esto, voy a ver líneas en estos momentos. Aquí no hay datos de expresión de nota. Por eso no estamos viendo ninguna. Pero yo sugeriría que cuando esté trabajando con la expresión de nodo, asegura de que ambos estén habilitados. Ahora otra cosa a la que sólo hay que vigilar es por aquí por la entrada midi. Esta característica de entrada midi aquí también viene un poco junto con esta entrada midi de expresión de nota. Y hay ocasiones en las que si los datos midi de expresión son no parecen estar grabados correctamente, entonces eso tiene que estar habilitado. Pero si yo si en mis demos eso es necesario, te lo señalaré. Bien, así que vamos a hacer clic fuera de ahí, cerrar ese editor y ver cómo podemos hacer esto. Voy a grabar una nueva parte, y voy a grabar algunos datos de expresión de nodo y mostrarte cómo se hace eso. Voy a crear una nueva pista para instrumentos aquí, y voy a usar Halley en Sonic SE ahora sé que los sonidos antes o un poco mediocres, pero la cosa está aquí que no como dije, no todos los instrumentos por ahí. Muchos de mis instrumentos de contacto, no soportan la expresión de notas, pero Halley en Halley en Sonic y Halley en Sonic SE sí. Si tienes curiosidad por Halley en Sonic y Halley en Hi Leon es una herramienta de diseño de instrumentos de nave nodriza. Tiene algo de increíble sintetizado o capacidad. Es una herramienta de creación de instrumentos o una herramienta de diseño de sonido. Y si estás familiarizado con el jugador de contacto y contacto, Halley en Sonic y Halley on o similar en la medida en que altamente encendido, te permite crear instrumentos. Y por supuesto, también puedes usar instrumentos dentro de Halley, pero altamente en Sonic es más limitado. No permite tanto la creación de instrumentos como lo hace Halle on. Y es algo así como un jugador. Cualquier cosa que hagas en Halle, se puede jugar en Halle en Sonic. Se versión es gratuita y viene con Cubase. Y el Haley completo en Sonic no es gratis, sino que viene con una biblioteca mucho más extensa. Cómo el on Sonic, la versión completa, la versión paga, también te permite poner capas hasta cuatro sonidos diferentes. Y así hay algunas herramientas de creación de sonido, incluso Halley en Sonic. Pero si realmente te interesa la creación de instrumentos, entonces probablemente quieras trabajar en Halle on, Halley on Sonic está bien para esta demostración donde voy a estar enfocado en solo mostrarte cómo funciona una expresión de nota. Entonces sólo vamos a llamar a esta nota expresión demo. Eso vamos a agregar. Ahora cuando estás buscando muy en Sonic SE aquí, si haces una búsqueda de nota X P EXP, bien, verás que hay una serie de parches que tienen ese valor ahí dentro. Ahora, hay otros parches y la mayoría, muchos de los parches incorporan alguna calidad de expresión de nota, por ejemplo, echemos un vistazo aquí a esto. Quiero encontrar, bueno, vamos a probar algo de acento y latón. Veamos cómo suena eso. Intentemos otro parche. Unos. Bien, entonces trabajaremos con esa. Lo que vamos a ver, ya que se trata de un parche de nota EXP, es que por aquí, si seleccionamos el canal o la pista, y venimos por aquí, vamos a ver una nota Área de Expresión en nuestro Inspector. Se puede ver volumen. Vaya, perdón por eso. Se puede ver el ajuste de pan de volumen. Estos tres van a ser comunes a casi cualquier parche en Halle on Sonic. Pero los que no tienen dx be, van más allá de estos conceptos básicos hacia cosas como el tono, el color y el énfasis. Ahora, también puedes registrar los valores cc tradicionales como expresión de nota, y definitivamente vamos a repasar eso también. Entonces, hay tres formas de grabar u obtener la expresión de nodo en sus partes medias. Podrías grabarlo mientras tocas. Puedes sobredoblarlo y dibujarlo. Entonces pasemos por cada uno de esos tres métodos. Ahora que tenemos un, un instrumento y un instrumento apropiado cargados. Bien, entonces lo que voy a hacer aquí es que voy a grabar. En mi expresión de nota, voy a grabar algo de énfasis, ¿de acuerdo? Y lo que voy a hacer aquí es que ya no tengo una perilla de controlador de énfasis nativa o algo así, en realidad puedo bajar aquí y la entrada, y puedo decir, Sabes qué, quiero, mi rueda mod CC1 solo va a ser copiada en énfasis. Entonces mientras estoy grabando, vamos a estar grabando expresión de nota de énfasis cuando use mi rueda mod. Bien, así que vamos a seguir adelante y darle una oportunidad a eso. Bien, veamos cómo se ve eso en el editor de notas o en el editor clave. Entonces puedes ver aquí abajo ahora hay estas líneas verdes justo en este color verde correlaciona aquí arriba con ese color verde allá. También puedes ver este pequeño rectángulo verde debajo de mi mouse parpadeará. Está parpadeando porque dice, me está diciendo que el controlador midi que estoy girando en realidad está impulsando ese valor de expresión de nodo en particular. Ahora, antes dije que es una buena idea habilitar este botón mostrar datos de expresión de nota. Verás que si deshabilité eso, no puedes ver que no hay ninguna expresión de nodo. Por supuesto, no vas a ver que hay ningún dato de expresión aquí abajo en los carriles cc, cc porque esto no es cc, esto es expresión de nota. Entonces habilitando eso me permite ver esto. Así es como puedes grabarlo. Y voy a seguir adelante y grabar otra versión aquí, que va a ser sólo un acorde porque quiero, quiero demostrar quiero demostrar un ejemplo sencillo de cómo la expresión de nodo puede afectar las cosas. Bien, así podemos ver que no grabé ningún valor para la expresión de nota de énfasis ahí. Pero puedo seguir adelante y puedo dibujarlo, y eso es lo que voy a hacer aquí. Entonces te mostré la versión discográfica. Ahora lo vamos a dibujar y vamos a ver cómo funciona eso, trayendo esto aquí arriba. Entonces todo lo que hice, siempre tenga habilitado este botón aquí arriba, dice doble clic, abre editor de expresiones de notas. Entonces cuando hago doble clic y anoto, se abre eso. Y como pueden escuchar, cuando sostengo la nota, también la estoy escuchando y eso es porque tengo esta retroalimentación acústica sobre ella. Apaga eso, entonces no obtengo la reproducción cada vez. Entonces eso depende de ti. Me gustaría escucharlo. Si abro esta nota aquí, puedo seguir adelante y ampliar esto un poco. Lo que voy a hacer es cambiar a mi herramienta de dibujo y voy a dibujar el nivel de ruidoso así que reproduce. Ahora bien, esta pequeña, verás que hay una línea gruesa que da paso a una línea más delgada. La línea delgada muestra un valor de liberación para esta nota midi. La línea gruesa muestra las notas reales de la reunión. Si quisiera. Tener esto más tranquilo por el nodo mejor. ¿Bien? Entonces, lo que esto está haciendo es sólo esa nota. Va a estar reduciendo el énfasis. Y lo que probablemente quiera hacer, ya que estoy queriendo hacer esto muy audible, es trabajar con volumen. Así que estoy seleccionando el volumen aquí arriba en la expresión de nodo en su lugar. Y ahora cuando entro aquí, estoy dibujando con una línea roja porque así es se puede escuchar la retroalimentación en el fondo. Ahora, sigamos adelante y volvamos a cambiar a la herramienta Seleccionar. Puedo ver lo que está pasando aquí. Voy a seguir adelante y tomar este nodo superior aquí. Y voy a traer así su volumen. Entonces tenemos uno que va arriba y tenemos uno que va abajo y tenemos uno que se queda igual. Y veamos cómo suena eso. Eso se puede escuchar de verdad. Entonces voy a extender forzando también esto. Silencio. ¿Verdad? Ahora podemos escuchar a estos tres juntos y realmente vas a escuchar cómo va éste arriba y estos dos bajan. Y eso te da mucha expresión, poder expresivo porque esencialmente puedes tratar voces individuales dentro de tu, dentro de tus armonías y tus partes como si fueran jugadores realmente diferentes. Y puedes hacer que diferentes flauteros esencialmente lo realicen con diferentes dinámicas. Y eso realmente puede introducir algún realismo interesante. Echemos un vistazo al inspector aquí y solo aprendamos un poco más al respecto. Entonces notarás que hay esta línea punteada a la derecha, bajo énfasis entre énfasis y CC1. Y esa línea punteada significa que todo lo que está por encima de esto puede considerarse nota expresiva, datos de expresión de nota, todo por debajo de ella. Se puede grabar como expresión de nota. Pero no se trata de datos de expresión de nota per se. En realidad no es necesariamente hacer nada en el instrumento hasta que lo configuras manualmente. Un consejo que también ofrecería porque me ha confundido en otro es cuando intentas dibujar algo y estás esperando obtener una curva como esta. Pero en cambio, estás haciendo esto bien, te estás poniendo algo muy entrecortado. A menudo tiene que ver con el hecho de que tienes snap on. Por lo tanto, puede presionar la tecla J aquí para activar y desactivar el snap, o puede habilitar o deshabilitar el snap aquí mismo. Verás que al golpear la tecla J, esto ilumina y se apaga, digamos, siempre y cuando el chasquido esté apagado, entonces puedes dibujar líneas realmente, realmente precisas y precisas. Ahora, por último, digamos que querías eliminar algo de esta expresión de nota, lo que puedes hacer es seleccionar nota o simplemente puedes seleccionar toda la mini parte si quisieras que impacte en toda la parte media. Pero sólo voy a tener un impacto este de aquí. Y puedes subir a tu menú midi aquí, abajo para anotar expresión. Y entonces puedes decir eliminar expresión de nota y vas a verla desaparecer de ese nodo o de toda la parte. Si eso es lo que habías seleccionado, voy a deshacer eso. Pero puedes eliminar fácilmente la expresión de nota. Así que hemos mirado la grabación de la expresión de notas y también hemos mirado el dibujo, pero veamos el sobredoblaje porque esto es para mí, una de las formas más naturales de conseguir un gran realismo es que grabe las partes sin duda lo mejor que pueda. Pero entonces voy a querer usar el proceso de sobredoblaje para refinarlo realmente y pagarlo todo por atención a la expresión de nodo o al CCS. Entonces esta expresión de nota es bastante sencilla en el caso de mi énfasis aquí arriba, que ya está atado a la entrada para CC1. Todo lo que necesito hacer aquí es clic en esta expresión de nota de overdub. Esencialmente lo que esto hace es que va a excluir cualquier dato de nota. Y va a hacer, en el proceso de sobredoblaje se va a hacer imposible. Para el registro clave editado, cualquier nota midi. Sólo va a grabar la expresión de nota. Entonces voy a ir a este marco de aquí. Sólo voy a grabar algo de énfasis sobre eso. Así que voy a estar reescribiendo la línea verde aquí mientras golpeé record. Así que voy a golpear disco. Tengo habilitada la overdub y verás que puedo reescribirla. Para que veas que pude reescribir eso con tanta facilidad. No tuve que crear una nueva parte midi y no tuve que preocuparme por midi merge ni nada por el estilo. Yo solo pude presionar ese botón de overdub y overdubs. Ahora bien, si por alguna razón no eres capaz de sobregrabar tu expresión de nota, lo que he encontrado que es crucial es asegurarme que este registro en editor esté habilitado. Una de las formas más sencillas de hacerlo es simplemente hacer doble clic en el evento y prioriza la ventana del editor de teclas, este dolor más bajo. Quieres tener este panel B, el panel activo. Y he tenido los mejores resultados y los resultados más confiables. Obteniendo overdub para que la expresión de nodo funcione cuando este panel está activado y el registro en el editor está activado, no tiene que preocuparse por ninguno de los otros valores. Por supuesto, hay que tener habilitada la expresión del nodo de overdub aquí en el inspector. Pero aparte de eso, no necesitas nada más. Hemos cubierto grabación, sobredoblaje y dibujo. Ahora en la siguiente lección, voy a ver algunas consideraciones de expresión de notas más avanzadas para que estés completamente preparado. Entiendes completamente cómo puedes usar la expresión de nodo. 22. Expresión avanzada de notas: Ahora quiero hablar de algunas características más avanzadas de expresión de notas, principalmente solo para que entiendas lo flexible que es la expresión de nota. Probablemente va a ser nuevo para mucha gente a menos que lo hayas estado usando mucho. Algunas de las características que discutí en esta lección podrían no haber surgido un poco en tu radar. Así que solo quiero asegurarme de que cubrimos estas cosas. No los uso todo el tiempo. No son características centrales para mí, pero sé que hay ahí y definitivamente hay momentos en los que saber que están definitivamente hay momentos en los que saber que ahí y saber cómo acceder a ellas mejora mi flujo de trabajo creativo. Entonces los vamos a cubrir ahora en esta lección, echemos un vistazo. Empecemos por mirar lo que podemos hacer en cuanto a grabar algunos de los típicos CC. Vamos a ver a lo mejor la expresión aquí. Y quiero grabar este CC 11 en mi midi, pero no en un controlador ln en su lugar como expresión de nota. Lo primero que quiero hacer es seleccionar la nota que voy a estar cambiando. Y voy a venir aquí y voy a marcar la casilla de verificación que dice grabar midi como expresión de nodo. Voy a dejar la expresión de nota de overdub encendida. Y también voy a marcar esta casilla de verificación que va a habilitar que estén activadas. Y realmente eso va a significar que puedo verlo por aquí. Verá si tuviera que desactivar el énfasis de lo que desaparece a énfasis de lo que desaparece pesar de que he mostrado expresión de nota. Entonces quieres que esto se marque como activado para que lo veas en tus notas. Entonces quiero asegurarme de que CCM1 también esté activado. Entonces voy a estar viendo que viene en un color ligeramente diferente. Puede ser un poco difícil de decir porque va a ser un azul claro versus un verde. Pero voy a estar haciendo una forma de onda muy diferente con esto, así que deberíamos poder verla con bastante claridad. Ahora de nuevo, tengo mi ventana de editor de claves activa, y tengo mi disco y editor ahí. Entonces lo que voy a hacer ahora es que voy a grabar, pero esta vez estoy grabando CC 11. Estoy grabando expresión, no uno de los valores nativos de expresión de nota en este instrumento, sino cc 11. Y como podemos ver aquí, esto no es exactamente lo que quiero. Lo está grabando aquí abajo en el control CC. Debería tener todo en su lugar aquí, pero todavía lo estoy consiguiendo aquí abajo. Y ahora hay un par de cosas que yo comprobaría en este momento. Primero, subiría al menú de ayuda y buscaría automatización. Y yo buscaría este ítem aquí, configuración de automatización CC, abre esa ventana y quieres mirar esta área aquí arriba, registrar destino en conflicto. Lo que esto significa es que cuando se está grabando algo en dos lugares, ¿qué debe hacer Cubase? Y puedes elegir ya sea parte midi o pista de automatización. Cuando está en la pista de automatización, va a estar grabando esto una pista de automatización o en una de las vías marítimas, marítimas. Pero si elijo parte midi aquí, y le pego bien. Ahora los mismos valores exactos, vuelvo y trato de grabar eso. Lo que vamos a ver en realidad voy a deshacer para que perdamos la pista de automatización aquí. Ahora voy a intentar volver a grabar. Y podemos ver que ahora está grabando la expresión de nota sobre ese nodo específico. Si lo abro, puedo ver que así es como se ve el CC 11 o puedo mirar, bueno, ahora estoy priorizando el valor de énfasis, ¿verdad? Para que pueda verlas a las dos aquí. De hecho puedes bajar aquí y puedes seleccionar entre los dos que se graban si quisieras editarlos. Te voy a mostrar algunas de las funciones avanzadas de edición ahora, cuando pasemos el mouse sobre el editor aquí, te veremos aquí abajo en la parte inferior. Si solo arrastramos el mouse hacia abajo, obtenemos esta herramienta de estiramiento. Y esto hace algunas cosas bastante chulas. Se deforma toda la forma. Entonces, si hubo un punto en particular, digamos en mi automatización donde realmente quería que se cerrara en este segundo. ¿Dónde estamos viendo en B2 aquí de mi 41 medida? Entonces puedo seguir adelante y puedo arrastrar eso para que pueda ver que realmente se está bloqueando ahí mismo en la parrilla, así que eso es lindo. No tengo que volver a grabarlo, no tengo que seguir haciendo ensayo y error. Y también puedes deformar en diferentes puntos. Entonces lo hace deformar todo. Pero si querías estirarlo, prueba algo diferente sin volver a grabarlo o tenías algo en mente, te está costando dibujarlo. Puedes usar la función Deformar. También hay manijas de escalado aquí arriba. Entonces te darás cuenta de que puedo escalar todo el asunto a derecha e izquierda. Como mencioné antes, en realidad puedes arrastrar esto y crear un valor de lanzamiento en esa nota midi. Verás que representa aquí que hay un valor de liberación de nota midi. Entonces el valor de lanzamiento podría ser bueno si quisieras controlar el tono de una voz específica, digamos que después de que concluya la nota, tal vez en un violín o un piano, donde hay mucho sonido resonante en el lanzamiento, entonces puedes aplicar algún control sobre eso con la expresión de nodo. Ahora, echemos un vistazo a una cosa final, que es que veamos la afinación porque esto, esto me sale bastante a menudo. Cuando uso la expresión de nota de afinación. Y voy a seguir adelante y dibujar. El problema con eso es que el rango de tono es tan extraordinario. ¿Y si solo quiero subir un poco? Tengo que ser muy, muy, muy, muy cuidadoso con mi línea. ¿Y por qué es eso? Bueno, tiene que ver con estos valores por aquí en el inspector con afinaciones seleccionadas de expresión de nota, puedo ver un nivel máximo y mínimo, ¿verdad? Entonces ahora mismo puedo ir por octavas abajo o cuatro octavas arriba. Yo sólo puedo cambiarlos a 12.12. Y ahora lo que voy a ver es que dibujar en esa curva es mucho, mucho más. De hecho cometí un error. Y es que este tiene que ser el valor mínimo. No puede ser lo mismo que el valor máximo. Entonces esto debería ser -12. Ahora en realidad es un rango. Y si retrocedo el zoom y acerco ahora, puedes ver que es mucho más fácil para mí juzgar porque un poco de movimiento en mi herramienta lápiz aquí no significa que esté renunciando a una octava entera o dos octavas o tres octavas. Es mucho más fácil juzgar semitonos y tonos enteros ahora que he cambiado esos valores Min y max para mi expresión de nota. Entonces en este punto deberías ver el beneficio de la expresión de nota, que es que te da un control mucho más granular. Además me encanta usar CCS como expresión de nota porque puedo verlo todo aquí. Verlo abajo en los carriles puede ayudar. Pero es agradable ver realmente sobre una base por unidad visualmente exactamente lo que está pasando. Puedo ver que tengo valor liberado por aquí. Se puede ver que tengo una válvula de liberación por aquí. Puedo ver como mucho más ocupado. Este nodo tiene mucha más expresión de nota. Y ya ves si agarro una nota y la muevo, fíjate que la expresión de nota se mueve con ella donde quiera que vaya. Y eso me gusta mucho porque quita algunas de las conjeturas de editar y manipular estas cosas después de haber escrito CC. Y a menos que tenga los ajustes correctos establecidos para ECC medio y automatización, entonces eso no seguirá las notas. Entonces, cuando estás usando la expresión de nota, siempre sé que ese es un resultado confiable. Cualquiera de mis expresiones de nota sólo va a seguir esa nota y sólo esa nota. Entonces eso es todo por estos consejos sobre la expresión de nota. En la siguiente lección, voy a sugerir un proyecto. Y esa será una gran oportunidad para que interiorices todo lo que has aprendido y también un poco ver cómo todo se junta en alguna obra propia. 23. Wrap-Up y proyecto: En esta sección, hemos cubierto una enorme cantidad de información cuanto a obtener resultados más realistas de tu midi en Cubase, muchas de las características de las que hemos hablado, como note expression y b test3 y cómo se implementa en instrumentos como Halley on o callejón en Sonic. Esos son exclusivos de Cubase. Pero también hemos analizado el proceso básico de usar Score Editor y hacer algunos de los cuadros de mando. La cuantificación para la pantalla, permitiendo que tu cuerpo se mantenga fuera la red pero que tus partituras sean legibles. Analizamos cómo puedes ir y venir entre el editor de partituras y la pista de acordes. Cómo la pista de acordes en realidad puede terminar dictando voces a diferentes instrumentos en su arreglo. Entonces en última instancia, lo importante que es y lo fácil que es usar middy, CCS y expresión de nota de usuario de Cubase para comenzar a construir esta interpretación humana expresiva y realista en tus notas o tus mini partes para que el resultado general sea mucho más realista, mucho más vívido, mucho más expresivo. Y lo hacemos con una colección de estos controles ECC mediados como 1234 vibrato seven para el volumen 11 para expresión, hablamos de usar Dynamics con la rueda mod y CC1 y la importancia de tener bibliotecas que lo soporten. Ahora con expresión de nota, eso es algo único de Cubase. Pero como dije, prefiero usar todo mi ECC medio en la expresión de nodo para que siempre esté bloqueado y un poco adjunto a mis notas midi. Te voy a recomendar un proyecto aquí donde comienzas de cero, escribes una progresión de acordes en pista acorde, tal como hicimos anteriormente en esta sección. Trae eso al editor de partituras. Si eres alguien que sabe hacer anotaciones, estás familiarizado con escribir notación clásica. Tal vez incluso intentar escribir tu música en la notación clásica y luego llevarla a la pista de acordes. A partir de ahí, puedes usar tu partitura a través del tracto del cordón como una forma de controlar las voces, y luego puedes crear tus diferentes instrumentos. Recomiendo encarecidamente usar el complemento Spitfire discover porque como podías escucharlo, es un sonido de muy buena calidad. Es totalmente gratis. Encontrarás que está implementado en todos los proyectos descargables de esta sección. Entonces, una vez que tienes ese tipo de núcleo básico de tu armonía y tienes algunas partes dispuestas. Entra y agrega esta expresión. Comience con modulación usando dinámica que expresión con CC1. Volumen. Considera cómo funcionan el volumen y la expresión con los faders de tu mezclador. Asegúrese de que las cosas se estén poniendo demasiado silenciosas o demasiado ruidosas o demasiado desequilibradas entre sí. Luego explore la posibilidad de escribir ese CC como expresión de nota. Y si estás usando un instrumento que admita la expresión de nota, entonces es una gran oportunidad para usar la expresión de nodo para los fines previstos. Por Nota, controla los cambios y ve cuánta más vida y expresividad aporta a tu mini. Armar esa composición, exportarla y compartirla con nosotros, compartirla conmigo, compartirla con otros alumnos de la clase. Creo que esa colaboración empieza por compartir lo que estamos haciendo. Y hay un cierto compromiso que hacemos bien terminar las cosas y pulir las cosas cuando sabemos que las vamos a compartir. Entonces es una gran oportunidad también para refinar tu flujo de trabajo si tienes alguna duda en momento sobre algunas de las características de las que hemos hablado, o si hay una característica que te está confundiendo, una que no abordé lo suficiente que tal vez omití por completo y desearías que hubiera cubierto, por favor comunícate conmigo y solo me hizo preguntas. Siempre estoy revisando el tablero de discusión. Estoy más que feliz de responder preguntas de mensajes directos. Las preguntas y respuestas y los paneles de discusión también son excelentes lugares para ponerse en contacto conmigo. Y me encanta escuchar de los estudiantes. Me encanta escuchar la música que estás produciendo. Me encanta involucrarte en el proceso de preguntas y respuestas de llegar a un acuerdo con cómo funcionan estas características y qué puedes hacer con ellas creativamente. Entonces estoy aquí para ti. Por favor, comunícate. Muchas gracias por seguirme en esta clase y espero verte en otro de mis cursos.