Creación de marcas dinámicas: dibuja con expresión y creatividad

1. Avance de creación de marcas dinámicas: Un dibujo está conformado por cientos, si no miles, de marcas y líneas individuales. Cada línea individual, es una oportunidad para comunicar algo al espectador. Al igual que el lenguaje hablado, cómo estás diciendo algo es tan importante como lo que estás diciendo. En dibujos maestros, encontramos que incluso fuera de contexto, las líneas individuales y marca se destacan por sí solas como bellas formas de expresión. Es sólo cuando tiramos hacia atrás que las líneas comienzan a trabajar juntas para crear la ilusión de forma reconocible. Hay un momento en que estas marcas abstractas se fusionan en cabello, tela y piel. Al variar la calidad de sus líneas, podemos expresar una amplia gama de emociones e ideas. Se ve que cada línea tiene un mínimo de dos funciones. El primero es comunicar algún tipo de forma reconocible. El segundo es comunicar una idea o una emoción. Cada línea es una oportunidad para expresar una opinión, creencia, filosofía, o sentimiento acerca de su tema. Echemos un vistazo más de cerca a lo que los estudiantes van a aprender en la creación de marcas dinámicas. En el primer día, exploraremos la infinita gama expresiva de líneas y marcas que el lápiz puede hacer. segundo día, echaremos un vistazo a cómo las líneas y marcas pueden expresar y comunicar emociones específicas a un espectador. El día tres, aprenderás a usar realmente estas líneas y marcas en tus dibujos con el fin de expresar algo que va más allá de lo que estás dibujando sujeto. El día cuatro, aprenderás a hacer dibujos que comuniquen sensaciones táctiles a un espectador. Hacer que los objetos duros se vean duros y los objetos blandos se vean suaves. Por último, el quinto día, aprenderás a usar la perspectiva atmosférica para comunicar el espacio profundo con tus dibujos. 2. Te damos la bienvenida a la creación de marcas dinámicas: Bienvenido al curso Dynamic Mark Making en la serie arte y ciencia del dibujo. Soy tu instructor, Brent Eviston. Hay algunas cosas que me gustaría compartir con ustedes antes de empezar la primera lección. Lo primero es que me encanta trabajar con estudiantes. Enseñar, dibujar es una alegría y un privilegio que me tomo muy en serio. Antes de crear el arte y la ciencia de la serie de dibujo. Dé clases de dibujo desde hace 20 años en estudios, escuelas, museos y universidades. Mientras trabajaba con estudiantes, me preguntaría constantemente, ¿cuáles son las herramientas y técnicas de enseñanza que realmente conectan con los estudiantes? ¿ Qué herramientas y técnicas muestran más mejoras en sus habilidades de dibujo? ¿ Cómo puedo enseñar estas técnicas de una manera que realmente agilice su desarrollo de habilidades? Este curso es la respuesta a esas preguntas. El curso y la serie de arte y ciencia del dibujo contiene algunas de las herramientas y técnicas didácticas más poderosas, que están probadas para enseñar a los alumnos a dibujar. Entonces así es como funciona el curso; cada día, vas a ver una lección en video y luego te darán un proyecto que hacer. Una vez que hayas completado el proyecto de ese día, estás listo para comenzar la siguiente lección en video. Ahora este curso fue diseñado, para que puedas ver una lección de video cada día y hacer un proyecto cada día. Pero, eres bienvenido a adaptarte a la estructura del curso para que se ajuste a tu horario. Si solo puedes llegar a una lección de video en proyecto a la semana, está bien. Siéntase libre de hacer este curso, trabaje para usted. Ahora se trata de un curso basado en proyectos, lo que significa que cada lección va a venir con un proyecto específico, que está diseñado para que saques el máximo provecho de las habilidades que acabas de aprender. La práctica que proporcionan estos proyectos, es absolutamente esencial para que aprendas a dibujar. Si no estás practicando, si no estás haciendo estos proyectos, no mejorarás. Tener una comprensión intelectual de estas ideas es genial, pero se requiere práctica para realmente llegar a ser bueno en el dibujo. Ahora una de mis grandes alegrías como maestra, es ver a los estudiantes evolucionar y crecer con el tiempo. Por lo que los animo a compartir su trabajo. Puedes compartirlo con familiares y amigos. Puedes compartirlo en redes sociales, y por supuesto, puedes compartirlo aquí mismo en Skill Share. Cuando compartes tu trabajo en redes sociales, te animo a incluir el hashtag, evolucionar tu arte. Construir una comunidad cuando estás aprendiendo a dibujar, es una gran manera de inspirarte a practicar y obtener retroalimentación sobre tu trabajo. Ahora este curso es uno de los siete en la serie arte y ciencia del dibujo. Cada curso de la serie se enfoca en una habilidad de dibujo esencial diferente. Ahora si eres estudiante principiante, recomiendo encarecidamente pasar por esta serie en orden. Pero si tienes algo de experiencia dibujando, siéntete libre de mezclar y combinar los cursos para que se adapten a tus propias necesidades e intereses. Ahora mientras estás tomando el curso, recomiendo verlo en una pantalla más grande. Te invitamos a tomar el curso en tu teléfono si eso es lo que tienes disponible. Pero al verlo en una pantalla más grande, tendrás una experiencia más rica. Podrás ver más detalle en los dibujos. Si deseas cualquier otra información de otros cursos EN el arte y la ciencia de series de dibujo, recursos de dibujo, o una descripción detallada de qué tipo de materiales usar, te animo a visitar el sitio web, evolveyourart.com. Es un gran lugar para ir por más recursos de dibujo. Bueno, muchas gracias por acompañarme. Es un honor y un privilegio tenerte como estudiante. Entonces empecemos con nuestra primera lección. 3. La psicología de las líneas: Mirar un dibujo de cerca, es como mirar una pieza de arte expresionista abstracto. Un dibujo está conformado por cientos, si no miles, de marcas y líneas individuales. Cuando estamos así de cerca de la superficie del dibujo, es difícil decir qué sujetos y formas describirán estas marcas y líneas. Aquí el hacer marcas adquiere una vida propia, contando una historia que va mucho más allá de la representación. Cada línea individual es una oportunidad para comunicar algo al espectador. Al igual que el lenguaje hablado, cómo estás diciendo algo es tan importante como lo que estás diciendo. Los maestros aprovecharon todas las oportunidades que pudieron para variar el tipo de líneas que estaban haciendo, exploraban y experimentaban constantemente. En dibujos maestros, encontramos que incluso fuera de contexto, las líneas individuales y marca se destacan por sí solas como bellas formas de expresión. Es sólo cuando tiramos hacia atrás, las líneas comienzan a trabajar juntas para crear la ilusión de forma reconocible. Hay un momento en que estas marcas abstractas se funden en cabello, tela y piel. Al variar la calidad de nuestras líneas, podemos expresar una amplia gama de emociones e ideas. Se ve que cada línea tiene un mínimo de dos funciones, la primera, es comunicar alguna forma reconocible, la segunda, es comunicar una idea o una emoción. Cada línea es una oportunidad para expresar una opinión, creencia, filosofía, o sentimiento acerca de su tema. Un buen dibujo no sólo nos dice cómo es algo, nos da una idea de cómo se siente algo. Este sentimiento podría ser táctil, como pelaje o carne, o podría ser algo más emocional. Una buena marca puede decirnos algo sobre la experiencia humana. Puede comenzar a transmitir la complejidad remolinada de pensamientos y emociones que ocurren durante algunos de los momentos más cargados de la vida. Pienso en cada línea individual, como una carta. Al igual que en el lenguaje, letras se unen para formar palabras, las palabras se unen para formar oraciones, oraciones forman párrafos, hasta que eventualmente, nos hacemos una idea de lo que es toda la historia. El renglón es la unidad más pequeña de un dibujo, y de hecho, un dibujo se compone de cientos, si no miles, de marcas y líneas individuales. Como mencioné en la introducción, cada línea que vas a poner va a servir un mínimo de dos propósitos. El primero, es que la línea necesita describir la forma que estás dibujando, sea cual sea ese tema, necesita darte una idea de cuál es la forma en realidad. Pero lo segundo, es que necesita expresar algo sobre el tema que usted está dibujando. Esta es una oportunidad para que des una opinión, una idea, una creencia o una emoción sobre el tema que estás dibujando. De lo que la mayoría de la gente no se da cuenta, es de que cómo estás haciendo tus líneas, dice más de ti como artista que de lo que estás dibujando, y a la mayoría de la gente no le importa mucho lo que dicen sus líneas de ellos. Recuerda, tus líneas están comunicando tus pensamientos y emociones sobre tu tema, tanto si estás pretendiendo hacerlo como si no. Entonces lo que vamos a hacer esta semana es realmente darle una sensación de cómo comunicarse con su espectador de una manera que realmente exprese sus pensamientos y sentimientos sobre el tema. Entonces voy a empezar dándote una definición muy sencilla de lo que es una línea. A mí me gusta definir una línea como cualquier vía que el ojo pueda seguir. Lo que me gusta de esta definición, es que deja abierta un amplio abanico de posibilidades e interpretaciones de lo que es una línea y lo que puede hacer. Esta definición de línea es importante porque nos permite afirmar líneas que son continuas, pero también nos permite implicar líneas y poder sacar el ojo del espectador alrededor de la página. Aquí hay un ejemplo de línea continua, que se curva a lo largo de un lado de la página al otro. Esto nos da un camino obvio para que el ojo siga. Exploremos otras dos formas de proporcionar este camino sin una línea continua. Ahora, en la parte inferior de la pantalla, verás unas cuantas docenas de líneas verticales, cada línea vertical está a una altura diferente. El modo en que se espacian las líneas verticales nos permite ignorar fácilmente las líneas individuales y en su lugar enfocarnos en el mismo camino que son línea continua hecha. A esto se le llama línea implícita, da a nuestros ojos el mismo camino a seguir sin que la línea continua real esté presente. Aquí hay una variación más en la misma línea implícita. Cada una de estas tres variaciones proporciona a nuestros ojos el mismo camino a seguir. Ahora que tenemos una definición de lo que es una línea, a continuación, necesitamos hablar de cómo las personas se relacionan e interpretan las líneas. Ahora porque cada dibujo está conformado por cientos, si no miles, de líneas individuales, lo primero que quiero hacer es simplemente realmente simplificar esto para ver cómo reaccionamos a una sola línea, a esta sola unidad que somos va a encontrar una y otra vez en nuestros dibujos. Cuando nosotros, como los humanos vemos una línea, empatizamos con ella, tendemos a antropomorfizarla, lo que significa que proyectamos nuestros pensamientos y emociones sobre ella y la tratamos casi como si fuera un ser vivo. Entonces cómo se hace una línea, qué tan rápido se hizo, la calidad que tiene, todos tienden a darnos una idea y un sentido de emoción sobre esa línea. Los estados emocionales que estamos sintiendo y estamos expresando a través de nuestra línea de trabajo pueden ser recogidos por un espectador, y es importante recordar, no puedes evitar expresar algo a través de tu trabajo de línea. Entonces de nuevo, lo que hoy queremos hacer es conseguir algún control sobre eso, estar conscientes de lo que estamos transmitiendo a un espectador y ver si podemos usar líneas para expresar las ideas y emociones que queremos. Una gran manera de tener una idea de cómo nosotros como humanos interpretamos las líneas es preguntarte cuando veas una línea, si esta línea fuera una persona, ¿qué estaría haciendo él o ella? No lo pienses demasiado. Si esta línea fuera una persona, la persona estará de pie. Las líneas verticales tienden a tener una calidad vertical, asertiva para ellos, son estables, pero son fuertes. Si una línea horizontal fuera una persona, esta persona estaría acostada. Tendemos a sentirnos más estables y tranquilos mientras miramos las líneas horizontales, son equilibradas y parecen más seguras y alguna manera menos confrontacionales que las verticales. Los ángulos oblicuos son donde las cosas se ponen interesantes. Recuerda, un ángulo oblicuo es cualquier ángulo que no sea horizontal ni vertical. En el estudio, cuando se les pregunta a los alumnos qué estaría haciendo esta línea oblicua si fueran una persona, tienden a dar respuestas muy diferentes. Para algunos espectadores, los ángulos oblicuos son emocionantes, dinámicos y atractivos. Su bienvenido cambio a la calidad rígida y segura que tienen los horizontales y verticales. Estos estudiantes tienden a dar respuestas como correr, volar, saltar, moverse y deslizarse. Para otros, la naturaleza desequilibrada de los oblicuos es inestable, perturbadora, inquietante, e incluso parece peligrosa. Estos estudiantes tienden a dar respuestas como caer, sacudirse, tropezar y caer. Si bien verticales y horizontales sugieren orden, equilibrio y previsibilidad, los oblicuos agregan un elemento de imprevisibilidad, de caos. Pero es esta imprevisibilidad, pueden agregar emoción y dinamismo a un dibujo. Recuerda, no hay una manera correcta de interpretar ninguna de estas líneas, pero sí queremos tener una idea de cómo los espectadores podrían reaccionar ante ellas en nuestros dibujos. Ahora que tienes una definición de línea, y un sentido de cómo los van a interpretar los espectadores, practiquemos hacer diferentes tipos de líneas. Los materiales que me vas a ver usando hoy son muy sencillos, todavía me verás trabajando con papel de 18 por 24 pulgadas, y un lápiz negro. Pero recuerda, no estoy alentando ningún medio en particular, puedes usar un bolígrafo, puedes usar bolígrafo y tinta, puedes usar carbón o Crayon Conte. Recuerda, el tipo de medio que estás usando no es tan importante como cómo lo estás usando, las técnicas y conceptos que estás trayendo al tablero de dibujo que realmente va a mostrar de qué se trata como artista. El siempre cambiante línea que va a formar parte de tu proyecto hoy, te dará la oportunidad de explorar múltiples líneas diferentes. Las direcciones son sencillas. Vas a dibujar una línea continua que cambia cada pocos centímetros. Esta línea puede enrollar alrededor de la página como quieras. En esta demostración, me verán principalmente usando el agarre por encima de la mano. Recuerda, el agarre por encima de la mano, que introdujimos en la semana 1, nos permite enganchar no solo la punta, sino también este lado del lápiz. A diferencia del agarre del trípode, el agarre por encima de la mano nos permite hacer marcas blandas nebulosas con un lado completo del lápiz, pero también nos permite desplazar inmediatamente a afeitar líneas afiladas utilizando la punta. Durante este proyecto, debes intentar empujar tu lápiz a sus límites. A ver lo oscuro que puede ir. Obtén una idea de cómo es usar el lado completo del lápiz y luego ver cómo es solo usar parte del costado. Empujarte para descubrir tantas nuevas marcas es que puedas. Experimenta con la presión, lo duro que estás empujando hacia abajo en el lápiz. Experimenta con diferentes formas de mover la mano y el brazo. A pesar de que te he pedido que dibujes línea continua, no olvides cómo estamos definiendo línea. Cualquier camino que el ojo pueda seguir. Esto significa que puedes tener marcas individuales siempre y cuando el ojo pueda seguirlas a lo largo del camino. Aquí me verás rodando el lápiz de ida y vuelta entre mis dedos. A continuación, me verás moler la punta del lápiz en el papel antes de levantarlo suavemente. Observe que mi lápiz está constantemente cambiando de dirección. Recuerda, no hay manera equivocada de hacer este proyecto. Eres bienvenido a copiar algunas de las técnicas que me ves haciendo aquí, pero te animo a experimentar. He hecho este proyecto decenas, si no cientos de veces y cada vez que me reto a encontrar alguna nueva forma de hacer marcas. Algunas de las formas en que he experimentado incluyen tirar el lápiz a la página desde un buen 10-15 pies de distancia, usar mi mano no dominante para hacer marcas y con un lápiz en cada mano, tocar el trozo de papel como si fuera un juego de tambores, golpeando y golpeando los lápices en la página. No todo lo que intentes va a hacer una línea o marca interesante. Esta experimentación es crítica para poder ver lo que realmente puede hacer el lápiz. A pesar de que te estoy animando a usar el agarre por encima de la mano para la mayor parte del proceso de dibujo. El agarre del trípode o cualquier otro agarre que se te ocurra ciertamente no está fuera de límites cuando se experimenta con calidad de línea. A pesar de que el agarre del trípode, no nos permite enganchar el costado del lápiz, lo que hace difícil hacer líneas suaves. Todavía podemos modificar la presión con la que estamos empujando hacia abajo, la velocidad a la que estamos haciendo nuestras líneas, así como los movimientos de mano y brazo. Si alguna vez necesitas bajar la punta del lápiz para empujarlo verdaderamente a sus límites más oscuros, nada supera el agarre del trípode. Mientras dibujas oscuro, es mucho menos probable que rompa la punta del lápiz mientras usas el agarre del trípode que el agarre por encima de la mano. Dicho esto, una cosa que a menudo les digo a los estudiantes en el estudio es que si no rompes el lápiz al menos una vez durante este proyecto, no estás empujando el lápiz lo suficientemente fuerte. Una de las mejores formas de probar cualquier medio es empujarlo más allá de sus límites. También puedes intentar usar el agarre del trípode más atrás de la punta de los lápices. Esto hace que sea más fácil conseguir unas líneas más claras. Durante este proyecto, trate de no preocuparse por lo que estas líneas podrían utilizarse para un dibujo representacional. este momento, el objetivo es generar tantas líneas diferentes como sea posible. Para empezar, piensa en lo que estas líneas podrían comunicar a un espectador. Trata de empezar a sensibilizarte sobre cómo un espectador podría interpretarlas emocionalmente. ¿ Una línea en particular parece más segura que otra? ¿ Te parece que una línea en particular sea más hermosa que otra? ¿ Hay alguna que simplemente no te guste? Toda línea está abierta a la interpretación. Si bien Nunca podremos controlar por completo la respuesta de los espectadores a una línea, nosotros, como artistas tenemos mucho más control sobre nuestros espectadores respuesta emocional a nuestros dibujos que nos damos cuenta. Una de mis metáforas favoritas para la calidad de línea es el tono de voz. Nuevamente, cómo decimos algo a menudo es más importante que lo que estamos viendo. Pregúntate, ¿qué adjetivos relacionados con el tono de voz podrían utilizarse para describir estas líneas? ¿ Parecen gritar algunas líneas mientras que otras parecen susurrar? ¿ Algunas líneas parecen más suaves mientras que otras parecen más agresivas? El objetivo de este proyecto es comenzar a explorar el rango infinito de marcas que tu lápiz puede hacer, y darse cuenta de que cada una de estas diferentes líneas y marcas tiene su propio carácter que comunica algo al espectador. Cuanto más grande sea tu vocabulario de diferentes líneas en marcas que tengas, más oportunidades de expresión tendrás en tus dibujos. Tu proyecto hoy es simple, usando papel de 18 por 24 pulgadas, quiero que hagas tres páginas de líneas diferentes, siempre cambiantes. Recuerda, puedes explorar la línea de tantas maneras diferentes como puedas pensar. No te limites, realmente juega alrededor, y también puedes cambiar los medios también. Estoy usando lápiz negro, pero puedes usar cualquier cosa que tengas alrededor para hacer una marca. Una vez que hayas hecho tus líneas siempre cambiantes, lo que me gustaría que hicieras es seleccionar en cualquier lugar entre tres y seis de las líneas que te gusten y te pueden gustar por cualquier razón en absoluto. Me gustaría que practicara replicándolos en una página. Cómo me estás viendo hacer esto es que he tomado una página, he dibujado a la ligera algunas líneas rectas que van a proporcionar el camino para que el ojo siga, y luego sobre eso me he puesto la línea más oscura, practicando ser capaz de reproducir una línea que me parece interesante. Muchas gracias por acompañarme aquí en el primer día de creación dinámica de marcas y espero verte de nuevo el día 2. 4. La línea emocional: Bienvenido al Día 2 de Fabricación Dinámica de Marcas. En la sesión anterior, aprendimos que cada línea y marca que hagas va a servir para dos propósitos. El primero es ayudar a representar el objeto que estás dibujando, pero el segundo es comunicar alguna idea o una emoción sobre tu tema o lo que sea que estés sintiendo en ese momento, y también hablé de la idea de que no podemos evitar hacer esto . No obstante tu pensamiento o lo que sea que estés sintiendo sobre tu tema o lo que sea que estés sintiendo en general, de alguna manera va a salir y eres de calidad de línea. Hoy lo que vamos a hacer es explorar cómo tomar el control de esto y cómo tratar de comunicar ideas y emociones específicas a través del trabajo en línea. Ahora es importante recordar que las líneas y marcas que vamos a estar dibujando hoy van a ser abstractas en lugar de representacionales. Lo que eso significa es que si te pidiera dibujar una emoción en particular como la ira, no quiero que dibujes ojos enojados ni un rostro enojado porque eso sería representacional. Eso es dibujo que está tratando de representar un objeto o imagen específico. Pero queremos dibujar líneas que sean abstractas. Líneas que parecen tener características que son enojadas o felices o tristes sin tratar de dibujar un cuadro en particular. Voy a meterme directamente en una manifestación hoy de intentar comunicar una emoción específica a través de una línea. Para el proyecto de hoy, vamos a mantener los materiales muy, muy sencillos. Me verás usando una hoja de papel 8.5 por 11 y un lápiz de placa. Pero realmente cualquier papel o cualquier material de dibujo funcionará. En primer lugar, necesitamos seleccionar una emoción. Para esta demostración, usemos la sensación de nerviosismo. Antes de empezar a dibujar, me haré una serie de preguntas. Estas preguntas me ayudarán a traducir esta emoción en línea. Recuerda, la gente tiende a empatizar con una antropomorfizar líneas. ¿ Qué pasa en tu cuerpo cuando te sientes nervioso? También hemos aprendido que la calidad de una línea puede ser similar al tono de voz. ¿ Qué le pasa a tu voz cuando te sientes nervioso? ¿ Qué adjetivos usarías para describir la sensación de nerviosismo? Ahora, pregúntate cómo puedes tomar las respuestas a todas estas preguntas y traducirlas en línea. ¿ Tu línea nerviosa sería grande en la página o pequeña? ¿ Estaría hecho de líneas claras o de líneas oscuras? ¿ Tu línea nerviosa estaría hecha de una línea de borde duro o quizás de una línea más hazier? Es importante recordar que no hay una respuesta correcta a estas preguntas. Todo el mundo experimenta estas emociones un poco diferente, y debemos esperar que todos las dibujen de manera diferente. También es importante recordar que la solución se te ocurra no tiene que ser una sola línea. Puede ser toda una colección de líneas y marcas. Después de hacerme una serie de preguntas y darle un poco de pensamiento, ahora estoy listo para intentar mi línea nerviosa. Cuando me pongo nervioso, no me siento seguro ni audaz, me siento pequeño. Por lo tanto, mi línea debería ser pequeña. Dependiendo de lo nervioso que esté, mi voz y mi cuerpo pueden empezar a temblar. A menudo cuando me pongo nervioso me siento un poco confundido. No estoy muy seguro de qué debo hacer o decir ni a dónde debo ir. He intentado poner todas estas características en una sola línea. Por supuesto, puede que experimentes nerviosismo de manera diferente a yo. Pero esta línea comienza a reflejar cómo me siento cuando estoy nerviosa. Para la primera parte de tu proyecto de hoy, vas a dejar el video funcionando mientras te llevo a través de un ejercicio. Así como me viste demostrar, me vas a escuchar darte una emoción y vas a tener un poco más de un minuto para tratar de dibujar ese movimiento de manera abstracta a través de líneas y marcas. Te voy a pedir que solo dibujes una emoción por página, y de esa manera puedes explorar realmente la emoción y también puedes considerar la colocación en la página. Además, quiero que recuerdes que no tienes que limitarte a una sola línea. Podrás tener toda una colección de líneas y marcas. Realmente no hay formas equivocadas de hacer este proyecto y realmente quiero que te sientas cómodo para explorar y experimentar. En primer lugar, les voy a pedir que hagan una línea enojada. Antes de dibujar. Intenta hacerte la misma serie de preguntas que me hice antes de hacer mi línea nerviosa. ¿ Cómo se siente la ira en el cuerpo? ¿ A qué suena la ira en tu voz? ¿ Tu línea enojada será grande en la página o pequeña? ¿ Será de borde duro o más suave? Tendrá ligereza o será más pesada y oscura? ¿ Qué otros adjetivos usarías para describir el sentimiento de ira? Después de pensarlo un poco, haz tu marca cuando estés listo. Recuerda, no sólo tiene que ser una sola línea, Puede ser una colección de líneas y marcas si quieres. No hay una sola solución correcta. No hay manera equivocada de hacer este proyecto. Simplemente quiero que explores cómo una sola línea puede intentar comunicar una emoción específica. Sólo un poco más. Si sientes que necesitas más tiempo, siéntete libre de pausar este video y reanudar cada vez que hayas terminado. A continuación, dibuja una línea o una colección de líneas que parezcan estar tranquilas. Recuerda, te estoy dando un poco más de un minuto, pero por favor siéntete libre de pausar el video. Si sientes que necesitas más tiempo. Dibuja siempre que estés listo. Siguiente. Dibuja línea triste. Mis alumnos informan que puede ser útil intentar y realmente sentir estas emociones antes de trazar una línea. Por último, hacer una línea excitada. Una línea que aparece alegre y extática. ¿ Cómo se siente la emoción en tu cuerpo? ¿ Cómo se traduce esto en línea? Sólo un poco más. En cada clase de dibujo inicial que imparto, dirijo a los alumnos a través de este mismo ejercicio exacto después de darles las mismas indicaciones que te han dado en este video. Me sorprende encontrar que a pesar de que todo el mundo experimenta estas emociones un poco diferente, y todo el mundo las representa de manera diferente en la página, ¿cuántas similitudes hay entre los estudiantes representación de estas emociones? Ahora te voy a mostrar una serie de estas líneas emocionales que los alumnos han hecho en mis otras clases. Me gustaría que prestara especial atención a las similitudes y las diferencias entre la forma en que la gente representaba estas emociones. También me gustaría que compararas tus propias soluciones a estas emociones para ver cómo se relacionan las tuyas y cómo son diferentes. Ahora, obviamente, no estoy ahí contigo y no puedo ver lo que has dibujado, pero imaginé que te sorprenderás bastante por algunas de las similitudes entre tu trabajo que acabas de producir y las imágenes que estoy a punto de mostrarte. Las líneas que representan la ira tienden a ser oscuras, agresivas y duras. Si bien dibujan líneas enojadas, no es raro que los estudiantes rompan realmente los materiales de dibujo que están usando porque están presionando con tanta fuerza. Las líneas enojadas a menudo aparecen dentadas y peligrosas. Estas líneas a menudo se alzaban grandes en la página. Si los estudiantes optan por usar el color, a menudo seleccionan ya sea negro o rojo. A pesar de que cada una de estas líneas enojadas es única, sí comparten algunas similitudes llamativas entre sí. Nosotros, como espectadores, a menudo podemos sentir la rabia que sale de la página. Cuando se les pide que trazar líneas tranquilas, los estudiantes tienden a tomar un enfoque muy diferente. A menudo dibujan líneas suaves y sutilmente curvas que se mueven de un lado a otro de la página. Muchos espectadores pueden sentir que estas líneas tranquilas se dibujaron con más lentitud y delicadeza. Uno de los elementos más comunes que vemos en las líneas tristes es la línea descendente y disipada a medida que cae. Nuevamente, cada una de estas líneas es única, pero hay algunas similitudes sorprendentes entre ellas. Estas similitudes ilustran que aunque nunca podemos controlar o predecir completamente cómo interpretará el espectador una línea, tenemos mucho más control del que muchas veces nos damos cuenta. A menudo se dibujan las líneas excitadas con un estallido de energía. Observe que la página difícilmente puede contenerlos. Tienen una velocidad y espontaneidad que es emocionante a la vista. Después de pasar por este ejercicio, los estudiantes suelen estar convencidos de que las emociones se pueden comunicar a través de la línea, pero expresaron dudas de que los artistas realmente las están utilizando para este propósito. Pero compara estas líneas emocionadas abstractas que se muestran aquí con las líneas de Rembrandt en esta fuerte. Demostran una notable similitud que muestra el amor absoluto de Rembrandt por el dibujo, así como su alegría y pasión por el tema. Ahora, revisitemos este ejemplo estudiantil de una línea enojada y lo comparemos con este dibujo maestro de Tintoretto, cuyo expresivo trabajo de línea da una tensión agresiva a esta próspera figura. Para el proyecto de hoy, me gustaría que siguieran explorando lo que significa tratar de traducir una emoción en línea. Ahora hay muchas formas en que puedes hacer esto. Puedes pasar por el mismo ejercicio que hoy te he guiado. Incluso te animaría a tratar de traer a familiares o amigos a este proyecto para ver las similitudes y diferencias con cómo pasan por estas emociones. Una de las ideas importantes en el arte es seguir impulsando una idea cada vez más. Esta es una gran oportunidad para hacer eso. A lo que quiero decir es que puedes volver a intentar este ejercicio, pero mira si puedes hacer que tu línea enojada parezca aún más enojada, tu línea excitada para lucir aún más emocionada. Se puede tratar de mostrarles estos a familiares y amigos para ver cómo reaccionan ante éstos. ver si pueden decir una diferencia entre tu línea enojada y estás línea excitada, ahí entre tu triste línea y eres la línea tranquila. Bueno, diviértete hoy con este proyecto. Recuerda que este es el lado creativo expresivo del dibujo. Realmente no hay formas equivocadas de hacer esto. Quiero que te sientas cómodo siendo creativo con cómo estás explorando estas líneas y emociones. Bueno, diviértete con este proyecto, y te volveré a ver para el día tres. 5. Dar vida a la forma: Hoy realmente nos vamos a meter en esta idea, que cada línea y marca que hagas en un dibujo va a servir un mínimo de dos propósitos. Nuevamente, el primer propósito es que se va a comunicar algo sobre la forma que estás dibujando, pero el segundo propósito es comunicar algún tipo de idea o una emoción sobre el tema que estás dibujando. Ahora es importante recordar que la base de luz inicial de las formas básicas nunca tiene la intención de ser vista por un espectador. Puede que queden algunos remanentes de ella en tu dibujo terminado, pero queremos dibujar la base de las formas básicas con la suficiente ligereza para que cuando ponemos nuestra marca dinámica haciendo sobre ella, esa base desaparezca casi por completo. Si por alguna razón no has pasado por la semana de habilidades básicas de este programa, o si solo necesitas algunos recordatorios, voy a pasar por ahí y dar un recapitulación básica de algunas de las ideas que aprendimos que te ayudarán junto con el proyecto. Ahora el tema con el que vamos a estar trabajando hoy es una taza de té. O tan ojalá que ustedes como estudiantes de dibujo hayan descubierto, se trata de un círculo grande y siete óvalos en varios tamaños, varios niveles de apertura en diversos ejes. Recuerda, queremos ser buenos en traducir todas las formas en formas dibujables básicas. Para el proyecto de hoy, me voy a pegar con mi papel de 18 por 24 pulgadas, un lápiz negro, y me verás usando un lápiz azul para el dibujo inicial de la fundación. Pero quiero que recuerdes cualquier tamaño de papel que tengas a mano, cualquier material de dibujo que tengas a mano funcionará. A mí me interesa más cómo estás usando los materiales en lugar de qué materiales estás usando. En la sección Habilidades Básicas de la serie arte y ciencia del dibujo, te presenté cinco preguntas que repetirás y otra vez hasta que se dibuje la base ligera de las formas básicas. Aquí te dejamos las cinco preguntas. ¿ Cuál es la forma más grande? ¿ Cuál es su eje? ¿ Qué tan grande debería ser? ¿ A dónde de la página debe ir? Después de haber respondido a estas cuatro preguntas, vas a hacer tu primer intento de luz en la forma. Por último, te preguntarás, ¿qué cambios puedo hacer? A pesar de tu mejor primer intento, es poco probable que lo hayas conseguido exactamente bien. Quizás se necesita mover la forma o se necesita hacerla más grande o más pequeña. Una vez que estés satisfecho, volverás a repetir esta serie de cinco preguntas con un pequeño cambio a la primera pregunta. ¿ Cuál es la siguiente forma más grande? Repetirás estas series de cinco preguntas una y otra vez hasta que se ponga la base básica de tu dibujo. Durante la manifestación de hoy, me verán usar los dos óvalos que conforman el mango de la taza de té como base para la improvisación. Posteriormente en esta serie, te daremos estrategias más específicas para dibujar formas compuestas complejas, como ésta. En esta primera demostración, he dibujado la base de formas básicas en lápiz azul. Es importante tener en cuenta que he dibujado estas formas fundacionales claras más oscuras de lo que normalmente haría. Esto es sólo con fines instruccionales, por lo que se puede ver cómo las formas fundacionales claras se relacionan con las líneas más oscuras que me pondré más adelante. Ahora me verás cambiar a un lápiz negro para mis experimentos de marca dinámica. La forma más fácil de agregar dinamismo rápidamente a tus dibujos es aumentar la velocidad que estás dibujando. Las líneas que se dibujaron rápida y con confianza, simplemente se ven diferentes a las líneas que se dibujaron lenta o tímidamente. En esta demostración, realmente no me preocupa la precisión. Estoy permitiendo que mis líneas de lápiz vuelen más allá los contornos y grúa fuera de control en las curvas. Recuerda, hoy no estamos tratando de hacer buenos dibujos de dibujos terminados, solo estamos buscando un interesante trabajo de línea. Tendremos tiempo de sobra más adelante para explorar el renderizado, sombreado en detalles. En al menos uno de tus experimentos de hoy, intenta dibujar mucho más rápido de lo que te sientes cómodo. Los espectadores tienden a ser más indulgente de un dibujo que los excita que no es del todo preciso que lo son de un dibujo preciso con trabajo de línea que los aburre. Estamos tratando de evitar hacer dibujos con trabajo de línea no inspirado o predecible. Aumentar la velocidad de tu marca es una de las formas más rápidas y fáciles de hacerlo. También notarás que estas líneas fluidas rápidas se dibujan bastante oscuras. Con demasiada frecuencia los estudiantes principiantes están aterrorizados de hacer líneas oscuras. A pesar de que son más permanentes, son audaces, calidad asertiva generalmente compensa cualquier imprecisión. Para mi experimento de calidad de segunda línea, he elegido trabajar con una línea garabateada, caótica. Estoy levantando mi lápiz lo más pocas veces posible y yendo de ida y vuelta sobre áreas en las que ya he dibujado. El dibujo resultante casi parece una enreda de hilo o cuerda. En lugar de simplemente trazar sobre mi base de luz de formas. Sólo lo estoy usando como guía suelta. Mis líneas más oscuras vagan por encima y alrededor de ella mientras a veces lo ignoran todo juntos. A pesar de que la calidad de la línea se mantiene constante, notarás que estoy oscureciendo o aligerando la presión que estoy usando. Esto me permite dar la ilusión de luz y sombra en algunas de las áreas de la taza de té. La densidad de las líneas en cualquier área dada también ayuda con la ilusión de valor. Cuanto más densa es la maraña de línea más oscura aparece el área. A pesar de que el estilo de hacer líneas parece desordenado, soy capaz de captar una enorme cantidad de detalles e información sobre la taza de té. También me gustaría que notaran que esta impredecible caótica maraña de líneas nos proporciona información visual más que suficiente para percibir cómodamente la taza de té. Puede que no te guste la forma en que se ve este dibujo, y puede que tampoco te guste la forma en que se ven hoy algunos de tus experimentos. Sólo recuerda, nuestro único objetivo hoy es hacer algo interesante. Para romper la monotonía del trabajo de línea aburrido. Cuanto más experimentes con diferente calidad de línea y creación de marcas, más probable es que encuentres una forma dinámica de dibujo que amas. Al experimentar con la línea, es importante preguntarse, ¿qué opinas de estas marcas en líneas? ¿ A qué te recuerdan? ¿ Te hacen sentir algo? ¿ Te hacen pensar en algo en particular? ¿ Las líneas y la marca sugieren alguna idea o concepto? No hay interpretaciones correctas o incorrectas. Pero sí quiero sugerir que ver un dibujo como este es una experiencia muy diferente a ver un dibujo que simplemente se renderiza para ser realista. Para mi experimento de calidad de línea final, voy a intentar comunicar un conjunto específico de ideas. Todavía tengo un vívido recuerdo de tener 14 años, y aprender por primera vez que nuestra experiencia humana de la materia siendo sólida no es más que una ilusión creada por el zumbido constante de átomos y partículas. También he tenido una fascinación desde hace mucho tiempo por la inmensidad del universo y el concepto de tiempo profundo. Que nuestras vidas humanas medias son infinitesimalmente pequeñas en una línea de tiempo cósmica. Quería experimentar y ver si podía crear un dibujo, cuyo trabajo de línea comenzó a sugerir algunos de estos conceptos, para ver si podía comunicar un sentido de la impermanencia de los objetos. Sugerir la energía contenida en los átomos que conforman cada objeto que nos rodea. Para insinuar la naturaleza misteriosa de las leyes de física que gobiernan este mundo que ocupamos, y tratar de evocar en el espectador un sentido de la belleza etérea que siento mientras contemplo incluso objetos simples. Ahora ciertamente no estoy reclamando que todas estas ideas e información lleguen a través de este dibujo. Pero estoy sugiriendo que al comenzar con la intención específica y elevada de lo que quieres comunicar es una maravillosa manera de estimular tu imaginación y creatividad. Te permitirá crear dibujos que vayan mucho más allá de la representación. Las líneas y marcas que he usado para hacer este dibujo son enteramente verticales. Se crean empujando el lápiz hacia arriba, aplicando una gran cantidad de presión al inicio de la línea, pero disipándose a medida que se eleva, permitiendo que la línea se ablande y luego desaparezca a medida que asciende. Es importante la ascensión de las líneas. Tenga en cuenta que se puede decir con sólo mirar que las líneas se están moviendo hacia arriba y no hacia abajo. Si las líneas se hubieran dibujado descendente, el dibujo tomaría una mirada de lluvia, o alguna otra sustancia particulada que sucumbía a la fuerza de la gravedad. No obstante, la ascensión de las líneas que he dibujado le dan al espectador una sensación de superar la gravedad, como si las partículas individuales del objeto estuvieran separándose y subiendo. Ahora es importante señalar que, donde ganamos una expresión, muchas veces perdemos en detalle. Es difícil captar cada matiz de sombra o cada cambio sutil en el contorno mientras se aplican algunas de estas líneas más expresivas. No obstante, puede ser un oficio que valga la pena ya esta creación de marcas dinámicas tiene el poder de convertir un sujeto de naturaleza muerta por lo demás mundana en un dramático cósmico. Para el proyecto de hoy, vas a usar el diagrama de taza de té que Yo te he provisto. Te voy a pedir que dibuje tres tazas de té diferentes. Te voy a pedir que dibuje las tazas de té tienen aproximadamente tamaño natural en la página. No tienen que ser perfectos y si son un poco más grandes o un poco más pequeños, está bien. Pero recuerda, hacer un dibujo que es demasiado pequeño puede sentirse muy claustrofóbico, no tendrás mucho espacio para explorar tu marca. En el otro lado, hacer un dibujo que es realmente grande, puede sentirse abrumador con tanta superficie de tu página por llenar. Una vez que tengas tus tres bases de taza de té ligeramente dibujadas en tu página, te voy a pedir por encima de cada una de ellas que explores alguna creación de marcas dinámicas diferentes. El tipo de líneas y marcas que estás poniendo sobre tu base ligeramente dibujada puede ser expresivo emocionalmente como experimentamos en el segundo día, o puedes intentar inventar alguna idea o filosofía como me viste demostrar. Ahora, eres bienvenido para explorar uno de los tipos de marcas que hice, pero también realmente te animaría a ver si puedes inventar alguna marca que sea completamente diferente. También me gustaría recordarles que el objetivo del proyecto de hoy no es hacer buenos dibujos y ni siquiera es hacer dibujos terminados, estos son solo estudios y ejercicios que nos van a permitir explorar experimentales y marcas y líneas dinámicas. Esta es una oportunidad para que seas creativo y expresivo sin la preocupación de hacer trabajo terminado. A pesar de que estos ejercicios no están produciendo trabajos que puedas enmarcar o colgar en la nevera necesariamente. Todavía hay invaluable tu desarrollo como artista. Te permitirán explorar qué tipo de arte quieres hacer, qué tipo de dibujos quieres hacer, y realmente quién eres como individuo creativo. Recuerda, aprender a dibujar no es tanto de que te diga cómo vas a hacer las cosas. Mi trabajo es darte una base técnica, pero tu trabajo es tomar esa base técnica y hacer algo creativo encima de ella, y esto es exactamente lo que vemos demostrado en la mayoría de los dibujos maestros. Sobre una base gestual increíblemente iluminada de líneas para la figura, encontramos una ráfaga de garabatos que sugieren un agitador furioso, que le da al espectador una clara sensación de tela en movimiento. Obtenemos una sensación similar del tiempo y el movimiento con la forma en que se dibuja el brazo del baterista, lo que sugiere el latido de ida y vuelta de un tambor. Todo el tambor se infunde con una sensación de movimiento y emoción. No tanto por los temas de los propios dibujos, sino por la forma en que se dibujan. Al tiempo que aprenden sobre la creación de marcas dinámicas, los estudiantes a menudo preguntan sobre manchar o manchar sus líneas y marcas el fin de lograr la apariencia de una forma suave o un mayor sentido del realismo. A pesar de que no voy a desanimarte activamente de manchar, diré que la mayoría de los maestros rara vez usan esta técnica, una mirada más cercana incluso a los dibujos que parecen estar meticulosamente mezclados, por lo general revelarán cientos si no miles de marcas dibujadas individualmente, cada una claramente visible en la página. Eres anatomía única, tu experiencia de vida. Cómo piensas y sientes y tu reacción única a los materiales de dibujo, todo de alguna manera pequeña será transferido a tus líneas y marcas. Sin ningún esfuerzo en absoluto ya tienes una marca que es única tuya. Te animaría a pensar dos veces antes de oscurecerlo. Gracias por pasar tiempo conmigo en el estudio hoy, y te veré por el día cuatro. 6. La línea táctil: Para comenzar la lección de hoy, me gustaría presentarles un concepto crítico, y me gustaría que tuvieran en cuenta esta idea para el resto de su carrera de dibujo y ciertamente para el resto de este programa. La necesidad del lenguaje del dibujo es la línea. La línea es lo que el lápiz o la mayoría de los materiales de dibujo hacen más fácilmente, ahora podemos usar esta línea para crear valor, para crear formas, para crear todo tipo de texturas en cuentos. Pero cuando destiñamos el dibujo todo el camino hacia abajo, estamos trabajando con la línea. Ahora me gustaría que echaras un vistazo a tu alrededor por un momento y te hicieras esta pregunta. Cuando tu ojo cae sobre algún objeto, ¿ves una línea alrededor de este objeto? ¿ Se puede ver algún tipo de línea oscura, como hemos visto en un dibujo que va alrededor de los bordes del objeto? La respuesta, por supuesto, es no. Lo que sí vemos son diferentes colores y valores buteándose uno contra el otro, pero no vemos una línea real yendo alrededor del borde de los objetos. Lo que esto significa, es que la línea, esta herramienta en la que nosotros como cajones y artistas que tanto dependemos, no existe en la realidad, al menos no en la forma en que la referimos y dibujamos. Ahora bien, creo que esta es una revelación emocionante porque nos libera para hacer otras cosas con nuestra calidad de línea. Mientras estás dibujando, quiero que tengas en mente este concepto crítico. Cuando dibujamos, no estamos simplemente copiando lo que vemos, estamos usando nuestro sujeto es un punto de referencia como punto salto para comunicar algo a un espectador. Ahora, hasta el dibujo más representacional, uno que apenas es discernible a partir de una fotografía sigue conformado por diminutas líneas, y te estoy animando a usar estas líneas y marcas como oportunidad para ir más allá que simplemente representando cómo se ve el objeto. Hoy lo que vamos a explorar es cómo dibujar líneas y marcas que le den al espectador una sensación táctil de lo que un objeto podría sentir al tacto. Ahora, al igual que hicimos a principios de esta semana con emociones, nos vamos a hacer una serie de preguntas que nos van a ayudar a traducir el objeto que estamos dibujando en marcas táctiles. Ahora, he seleccionado una serie de objetos con los que trabajar hoy en día que cada uno tiene una sensación táctil diferente, y me voy a hacer una serie de preguntas. ¿ Cómo se sienten los sujetos cuando los toco? ¿ Mi tema es duro o blando? ¿ Es pesado o es ligero? ¿ Qué otros adjetivos utilizaría para describir este tema y cómo puedo usar esos adjetivos para tratar de comunicar algo a través de la línea? En cada una de las demostraciones de hoy me vas a ver empezar simplificando cada objeto en su forma más grande y básica, en este caso, es el círculo. Después de dibujar y el eje del globo, me verás añadir ligeramente en el resto de la forma para el globo. A continuación me verás dibujar ligeramente en el pequeño triángulo y el óvalo que conforman el extremo atado del globo. Observe que a pesar de que este óvalo es muy pequeño, sigo haciendo todo el movimiento del óvalo, igual que me viste demostrando en la semana 1. A continuación, dibujaré ligeramente el ángulo oblicuo para la cuerda. Ahora se pone la base de mi vida, puedo empezar a dibujar en las líneas más oscuras que quiero que el espectador pueda realmente observar. Con cada marca que hago en este globo, quiero comunicar la idea de ligereza y elevación. Las únicas áreas a las que voy a añadir oscuridad o tensión están en el extremo atado del globo, que no tiene helio en él y no está contribuyendo al levantamiento, en la cuerda, que aún está siendo derribada por la gravedad. A continuación me verás usando un poco de sombreado para implicar la redondez del globo. Hablaremos mucho más sobre el sombreado en la semana 7 y 8, en el arte y la ciencia del dibujo. Pero hasta entonces, recuerden, el objetivo de este proyecto no es grabar con precisión la luz y la sombra, es darle al espectador una sensación táctil de lo que este objeto podría sentir al tacto. Cada vez que mi lápiz se mueve a una parte diferente del objeto, me pregunto, ¿cómo se sentiría esta parte del objeto? ¿ Cómo se sentiría diferente del resto del objeto? ¿ Cómo puedo comunicar eso a través de líneas y marcas? Con la excepción de la cuerda y el extremo atado del globo, realmente no hay marcas oscuras en él. Si bien las marcas oscuras parecen y se sienten pesadas, las líneas más claras se ven y se sienten ligeras, mientras que las líneas más gruesas y gruesas implican peso y peso, las líneas más delgadas también comunican ligereza. La mayoría de la línea al contorno o borde del globo son muy delgadas. A pesar de que hay algunas líneas más gruesas en las sombras, todavía se usan muy a la ligera, no hay líneas oscuras y gruesas en este dibujo. Una de las formas en que intento comunicar el levantamiento del globo de helio es haciendo que las líneas del contorno del globo se vuelvan más ligeras a medida que se acercan a la parte superior. Si bien ninguna de la línea al contorno del globo es verdaderamente oscura, se puede ver que los de la parte superior apenas están ahí. Contraste esto con las líneas que he hecho para la cuerda del globo, que son con mucho las líneas más oscuras del dibujo. Nuevamente, esto implica que la cuerda del globo está siendo jalada hacia abajo por gravedad mientras el globo real se levanta. Casi todas las líneas de este dibujo se comunican ascendentes, incluso la mayoría de las líneas de sombreado de luz se dibujan verticalmente, y la mayoría de la línea al contorno del globo, también se dibujaron yendo hacia arriba. En esta demostración, he tratado de aprovechar tantas oportunidades como pude para demostrar una ligereza en el levantamiento. Una vez más, me verás empezar dibujando un círculo ligero, que es la forma más básica en el globo de agua. A continuación colocaré la línea del eje. Si bien la línea del eje de los globos de helio estaba en un ángulo oblicuo, lo que implica que estaba flotando hacia arriba en cierto modo, la línea del eje para el globo de agua estará yendo recto hacia arriba y abajo porque la gravedad lo está tirando hacia el suelo. A continuación, completaré la forma general del globo de agua agregando en dos líneas, se curvan hacia arriba desde el borde del círculo y van hacia donde está colgando el globo de agua. Observe que estas líneas hacen un triángulo encima de este círculo, he dibujado ambas líneas moviéndose hacia abajo para ayudar a implicar la gravedad tirando hacia abajo el peso del globo de agua. Las primeras líneas oscuras que me verás agregar son en los lugares que quiero comunicar más tensión en la parte superior del globo, justo debajo donde está atado, el peso del agua debajo estaría metido hacia abajo, tirando de la sección superior del globo apretado y tot. A continuación, me verás dibujando líneas más oscuras y pesadas debajo para comenzar a comunicar el peso del agua tirando hacia abajo y llenando el globo. Dentro de los bordes del globo, empezaré a dibujar de nuevo líneas gruesas oscuras para ayudar a comunicar el peso en heft del agua tirando hacia abajo. Ojalá, si he hecho mi trabajo correctamente, este dibujo de globo de agua ya se ve más pesado que el globo de helio, acabas de ver demostrado. Pero me gustaría seguir empujando la sensación de pesadez del objeto para tratar realmente de comunicar el peso de la gravedad tirando hacia abajo. Con cada línea gruesa oscura que dibujo, espero que el globo parezca ser más pesado y pesado. Las únicas líneas delgadas que estoy dibujando son cerca de la parte superior del globo, donde nuevamente la tensión está jalando apretada la membrana del globo así como la marea fuera extremo del globo donde no necesito comunicar pesadez. Me gustaría que señalaran, que este dibujo no se ha hecho iniciando en un área y moviéndome hacia afuera, estoy tratando de abordar todo el objeto a la vez. De esta manera, ninguna parte del dibujo está más terminada que ninguna otra, el dibujo se desarrolla como un todo. Esta estrategia me permite evaluar si las partes individuales del objeto están trabajando juntas en su conjunto. En lugar de apresurarme y tratar de completar una sección antes seguir adelante y luego tratar de completar una sección separada del dibujo, estoy desarrollando todo el dibujo por etapas. Una vez confío en que el dibujo va en esa dirección yo quería, en este caso, comunicar pesadez en la parte inferior y atención cerca de la parte superior, puedo decidir si quiero o no hacer otro pase para empujar aún más estos sensaciones táctiles. Cuanto más evalúes a tus sujetos en cuanto sus sensaciones táctiles y cuanto más practiques esto, más sensibilizado al dibujo táctil te volverás. Pero ojalá, no sólo se pueda ver sino sentir la diferencia entre estas dos manifestaciones. Me gustaría reiterar una vez más que los tipos de líneas y marcas que he usado en este dibujo, no se observaron sobre el tema y luego se copiaron, tomé una decisión consciente para comunicar algo específico al espectador, en este caso, las sensaciones táctiles hechas a estos objetos. La gran forma básica de la almohada que estoy dibujando es esencialmente un cuadrilátero. Antes de agregar cualquier detalle, me verás bloque en la forma básica, alterándolo según sea necesario hasta que esté contento con la base ligera. A continuación, me verás dibujar ligeramente en las formas secundaria y terciaria de la almohada. Nuevamente, si estás luchando con esta etapa del proceso de dibujo, por favor echa un vistazo a la semana de habilidades básicas del arte y la ciencia del dibujo. La sensación táctil global que me gustaría comunicar en este dibujo de una almohada, es la sensación de suavidad. Cada línea que me verás hacer, está destinada a reforzar esta sensación de lo suave que es la almohada. Las líneas que estoy usando para comunicar esto, se curvan suavemente con bordes suaves. A pesar de que la calidad de línea que he usado en los bordes de la almohada es ligeramente más oscura que el resto de las líneas, no estoy usando ninguna línea verdaderamente oscura, pesada, o dura. También me verás usando líneas ligeramente más oscuras y firmes en los pliegues de la tela cerca de las esquinas de la almohada. Estas líneas y marcas me permiten aumentar repentinamente la tensión de los pliegues sin hacer que la almohada parezca rígida o dura. Nuevamente, no estoy dibujando las líneas de esta manera porque las he observado sobre el tema real. Estoy usando líneas suaves por la experiencia que quiero evocar en el espectador. Esta fabricación de marcas opera casi a nivel subliminal. Las líneas y marcas que me has visto usar en los dibujos demo de hoy, no son tan manifiestamente expresionistas como las líneas y marcas que usamos en los días 1, 2 y 3 de esta semana. Podrían confundirse fácilmente con líneas que son puramente representacionales. No obstante, se comunican con el espectador de una manera que es claramente diferente a si hubiera usado líneas duras, agudas y angulares. Nuevamente, me gustaría que señalaran que en lugar de enfocarme en un solo área por cualquier tiempo real, me estoy moviendo bastante alrededor del dibujo, en un intento de que el dibujo se desarrolle como un todo en lugar de en bits y piezas. Esto me permite asegurarme de que todas las diferentes secciones del dibujo estén en relación entre sí. Después de cada pase sobre el dibujo completo, puedo evaluar y decidir si el dibujo necesita aparecer o no más suave o si puedo parar. En el espíritu de empujar estas sensaciones táctiles hasta donde pueden llegar, he decidido aprovechar más oportunidades para suavizar el tema. Me verás indicando sombra aquí. Pero de nuevo, me gustaría recordarles que renderizar sombras iluminadas con precisión no es el objetivo de esta semana. Nuestro objetivo es sólo empujar y explorar las sensaciones táctiles de nuestros sujetos. Cuanto más va el dibujo, ojalá, más suave y suave parece volverse la almohada. Se puede ver que he decidido dibujar unas cuantas líneas arriba y sobre la superficie de la almohada de un lado a otro para ayudar a comunicar la hinchada. Nuevamente, estas líneas no se observaron sobre el tema, sino que eran otra forma de comunicarme, suavidad, hinchazón, y redondez. Habría notado que muchas de las líneas que he usado en la almohada son similares a algunas de las líneas que utilicé en el globo de agua y el globo de helio. Pero ojalá puedas ver que el dibujo de la almohada no tiene sensación de peso o peso como lo hizo el globo de agua. Pero tampoco parece como si estuviera a punto de flotar. Esperemos que tenga líneas lo suficientemente pesadas como para ponerla a tierra. Recuerda, no solo hay una sola forma de comunicar cualquier sensación táctil en particular. Esta es solo una posible variación de cómo comunicar la suavidad de una almohada. Todos los sujetos en nuestras tres demostraciones previas tenían algunos elementos de suavidad. Pero en este dibujo de demostración de una roca, no debería haber ni siquiera un toque de suavidad. Con la excepción del muy simple dibujo de cimentación, cada marca y línea de esta demostración debe comunicar jaggedness y dureza. En lugar de curvar suavemente líneas fluyendo entre sí, me verás dibujando líneas rectas y agudas que se unen en ángulos irregulares para indicar el lado de sombra de la roca. Estoy usando una serie de líneas rectas paralelas para reforzar aún más la idea de las rocas superficies duras. A continuación, me verás empujando el lápiz a sus límites más oscuros con una serie de pequeñas líneas afiladas, en un intento de darle al espectador una impresión de esquirlas dentadas. Es importante recordar que sólo usar una línea en un dibujo, dinámica que sea esa línea o marca, limita el dinamismo y la expresión posible en ese dibujo. Una variedad de marcas expresivas y atractivas es fundamental para mantener al espectador visualmente interesado en tus dibujos. Por lo que a pesar de que la mayoría de las líneas en este dibujo son oscuras y afiladas, todavía encontrarás algunas líneas que son más claras y de bordes más suaves. A pesar de que he hecho un intento de mantener todas estas líneas rectas. Ahora que el dibujo empieza a tomar forma, y se empiezan a comunicar las sensaciones táctiles de superficies duras y bordes irregulares. Puedo empujar más el dibujo oscureciéndolo y agregando más detalles. Me gustaría tomarme un momento aquí para recordarles, que por más seductor que pueda ser cualquier detalle, es importante aguantar los detalles del dibujo hasta que se hayan dibujado con éxito las formas y formas fundacionales. Todos los dibujos demostrativos de hoy, ilustran claramente la idea de que un dibujo evoluciona con el tiempo, empezando por formas simples de luz que ganan en complejidad hasta que se dibujan los detalles. En lugar de terminar un área antes de pasar a terminar un área separada del dibujo. Se puede ver el dibujo evolucionando como un todo con cada nuevo pase proporcionando más detalle e información. Ahora vamos a comparar este dibujo de una roca dura dentada con nuestra demostración anterior de una almohada ondulante suave. En ambos dibujos de demostración, he hecho un esfuerzo por capturar no sólo cómo se ve el sujeto, sino cómo se sentiría al tacto, tratando de evocar a un espectador sensaciones táctiles específicas. Mi esperanza es que se pueda ver que aunque estos dibujos son representacionales, es decir, los podemos reconocer como una roca y una almohada, cada uno de ellos va más allá de la representación en un intento de darle al espectador un visual más rico experiencia. Por lo que antes de que hoy te entregue tu proyecto, quiero dejarte con algunos pensamientos. Recuerda, no estamos simplemente copiando lo que vemos, estamos usando a nuestro sujeto como punto de salto para comunicarnos con el espectador. Lo que estamos comunicando podría ser emocional, podría ser táctil, o podría ser filosófico. Pero realmente queremos aprovechar la oportunidad que nos da el trabajo de línea para ir más allá de la representación. De nuevo, esto es lo que vemos a los maestros hacer una y otra vez en sus dibujos. Entonces mientras se están haciendo preguntas sobre su tema, ¿ sobre cuál sería la sensación táctil si la tocaran? Debes estar constantemente preguntándote, ¿cómo traducir esas sensaciones táctiles en línea? Con líneas claras o líneas oscuras ser mejor? ¿ Deben tus líneas ser de borde suave o de borde duro? ¿ Deben ser rectos y angulares, o deben tener curvas a ellos? Ahora por supuesto, estas son las únicas preguntas que podrías hacer. Yo los animaría a que surjan su propio conjunto de preguntas que hacer mientras están evaluando temas. Pero yo sólo quiero ofrecer estos como punto de partida. Lo que me gustaría que hicieras es elegir un par de objetos que tengan un sentido táctil opuesto al respecto. Si uno de tus objetos es duro, el otro debe ser blando, o si uno de tus objetos es ligero, quizás el otro debería ser pesado. No tienes que elegir las sensaciones táctiles opuestas que he abordado aquí. Podrás elegir cualquier sensación táctil opuesta que desees. Pero lo importante es, que los objetos que elijas se sientan completamente diferentes al tacto. Te voy a pedir que empieces cada dibujo poniendo una base muy ligera de formas y líneas básicas. Una vez que estés seguro de que tus formas y líneas básicas ligeramente dibujadas son precisas, puedes empezar a establecer las marcas dinámicas y táctiles que realmente van a dar vida a este tema. Recuerda, cada marca que pongas abajo debería estar respondiendo a esta pregunta de ¿cómo se siente el objeto? ¿ Y cómo puedo comunicar esto a un espectador? Ahora si estás luchando en absoluto con sentar una base ligera de formas básicas para estos dibujos, te animaría a volver a visitar la semana de habilidades básicas del arte y la ciencia del dibujo. De nuevo, me gustaría recordarles que no nos preocupa hacer buenos dibujos y no nos preocupa hacer dibujos terminados. Nuestro único objetivo es explorar y experimentar con trabajo de línea que le va a dar al espectador una sensación táctil de su sujeto. 7. Atmósferas: hoy, vamos a hablar de atmósferas. Ahora primero, quiero hablar de esta palabra atmósfera. El término atmósfera en realidad tiene dos significados primarios. Ambos tienen implicaciones en el dibujo. La primera definición está relacionada con la atmósfera de la Tierra. Es literalmente la colección de gases y partículas, incluyendo el oxígeno o la humedad que conforman la atmósfera de la Tierra. Ahora, la segunda definición de ambiente de la que vamos a hablar hoy está relacionada con el estado de ánimo en el ambiente, ese sentimiento que obtenemos de un lugar en particular. La frase que la gente suele usar mientras habla de atmósfera de esta manera es crear una atmósfera. En primer lugar, hablemos de la perspectiva atmosférica. Sólo hay unos cuantos principios de perspectiva atmosférica que realmente necesitas entender. Aquí están: Los objetos que están más cerca de nosotros aparecen más altos en contraste, lo que significa que los oscuros son más oscuros, y las luces son más claras. Ellos son más altos en saturación de color, lo que significa que los colores serán más brillantes. Son literalmente más grandes porque están más cerca de nosotros, y a menudo están más enfocados, lo que significa que podemos ver más detalles. Esto significa que por el contrario, los objetos que están más lejos de nosotros aparecen más bajos en contraste, lo que significa que el más oscuro es oscuro y el más claro es luz. Tienen menos saturación de color, lo que significa que los colores no son tan brillantes. Por supuesto, los objetos se hacen más pequeños a medida que se alejan más de nosotros, y por último, podrían tener bordes más suaves, y menos detalle. Podrían parecer un poco fuera de foco ya que las partículas en el aire oscurecen la información. Ahora, sólo observamos perspectiva atmosférica a grandes distancias. A menudo se necesitan millas para poder ver estos efectos, pero dada la distancia suficiente, podemos esperar ver los efectos de la perspectiva atmosférica en casi cualquier entorno. En esta primera fotografía, se pueden ver claramente los verdes brillantes, esas sombras oscuras, y los reflejos brillantes en el follaje en primer plano. Pero a medida que la costa retrocede hacia la distancia, se puede ver el color y el contraste desaparecen. Cuanto más se pone la costa, menos color y menos contraste tiene. Ahora, echa un vistazo a las formaciones costeras del lado derecho de esta fotografía. Se puede ver claramente que el contraste se desvanece secuencialmente a medida que tu ojo se mueve de la formación más cercana a la más lejana. Incluso el océano mismo parece tener el color succionado fuera de él, cuanto más se acerca al horizonte. En esta última fotografía, se puede ver niebla en la distancia, que por supuesto está conformada por muchas diminutas partículas de agua suspendidas en el aire. Cualquier aumento de partículas en el aire, ya sea humedad o humo, tiende a amplificar el efecto de la perspectiva atmosférica. Cuanto más densa sea la niebla, menos contraste colorante tienen los objetos. Ahora, echemos un vistazo a cómo los artistas utilizan esta técnica en sus dibujos. En este punto de tu educación artística, aún no estamos hablando de color, sino que nos centramos en el contraste. Al igual que vimos en las fotografías, podemos ver claramente los oscuros más oscuros que se utilizan en las formaciones más cercanas al primer plano. A medida que el litoral se curva más lejos de nuevo en la distancia, perdemos todo sentido de contraste en detalle. En lugar de los sujetos fuertemente dibujados que vemos en primer plano, no encontramos más que un ligero lavado de valor para indicar la lejana costa. En este dibujo, aunque las montañas más distantes sí tienen más detalle en ellas, todavía se puede ver que los valores se mantienen consistentes con lo que esperaríamos de la perspectiva atmosférica, y aún podemos ver que todos los más oscuros los oscuros se agrupan cerca del primer plano. Te voy a presentar una técnica hoy de dibujo con el costado del lápiz con el fin de sentar una gran masa de valor. Cuando hablamos de valor, simplemente nos referimos a la ligereza u oscuridad de un sujeto. El objetivo de esta técnica es poder establecer un valor transparente, incluso masivo, similar a la técnica de lavado en acuarela, pero usando el lápiz. Ahora, cuando se hace correctamente, este tipo de dibujo oscurece las marcas individuales, y literalmente deja que el valor tome el protagonismo. En realidad es difícil decir en qué dirección se movía el lápiz. esta técnica se le suele referir como granulado porque permite que el grano o la textura de los papeles pase en el dibujo. Esta técnica de lavado o granulado va a ser increíblemente útil en ambas ideas de atmósfera de las que estamos hablando hoy en día, y es una de las técnicas más comunes utilizadas entre los artistas. Aquí te dejamos un ejemplo de esta técnica. Se puede ver que con la excepción de los bordes de esta forma, es muy difícil decir en qué dirección iba el lápiz mientras hacía estas marcas. También se puede ver la textura del papel viniendo a través del valor masivo. Mientras me observa demostrar esta técnica, observa que mi lápiz va de ida y vuelta sobre la misma sección varias veces. Esto sirve para dos propósitos. El primero es ayudar a oscurecer cualquier trazo individual. El segundo es oscurecer el valor, lo deseo. A continuación, me verás volver a repasar toda la masa de valor, pero esta vez, alterando ligeramente el ángulo de mi trazo. Este segundo paso oscurece aún más cualquier línea o marca individual. Recuerda, el objetivo de esta técnica es conseguir un lavado de valor que no muestre ningún trazo individual. A continuación, me verás demostrar de nuevo esta técnica, pero esta vez aplicando sólo una pequeña cantidad de presión. Esto me permite crear un lavado increíblemente ligero de valor. A continuación, me verás intentar un lavado aún más ligero. Es importante ponerse cómodo aplicando esta técnica en cualquier valor, claro u oscuro. También es importante recordar que si quieres un valor más oscuro, siempre puedes repasarlo de nuevo, pero estos valores de luz se tienen que hacer en una sola pasada. Es casi imposible aclarar un lavado sin destruir el efecto. Por último, al final de la página, me verán empujando esta técnica a sus límites más oscuros, haciendo un segundo pase, que la oscurece aún más. Si quieres ponerte bien en técnicas de dibujo como esta, te recomendaría practicar el abstracto, igual que me ves haciendo aquí, sin ninguna presión de usarlas en un dibujo representacional. Esto te permitirá enfocarte únicamente en tu técnica, por lo que cuando necesites usarla en un dibujo real, estarás listo. Una vez e de nuevo, me verás empezar este dibujo poniendo una base muy ligera de formas básicas. Porque estoy inventando un paisaje de montañas superpuestas, no tengo que ser tan exigente y me siento cómodo agregando algunos detalles a estas formas básicas. A continuación, me verás oscureciendo cada forma con los valores más oscuros siendo utilizados más cercanos al primer plano y los valores más ligeros que se están utilizando para las montañas en la parte posterior. Esta sección más cercana de la montaña va a ser la más oscura y aquella en la que veremos más detalle. Aquí me verás articulando árboles individuales. El valor oscuro y el nivel de detalle ayudarán a jalar hacia adelante esta sección de las montañas. Ahora, usando el costado de mi lápiz, me verás poner una masa de valor muy oscura. También me verás repasando varias veces para oscurecer el valor y oscurecer los trazos individuales. A continuación, me verás articulando la línea arbórea del tramo de montaña detrás de la más cercana al primer plano. Te darás cuenta de que no lo estoy dibujando con el mismo nivel de detalle. O la misma cantidad de oscuridad que viste en las montañas en primer plano. Una vez más, me verás tendido en una masa de valor usando el costado del lápiz. Tener mucho cuidado de no ir por encima del borde de la línea arbórea. Poder controlar la forma de tu masa de valor viene con la práctica. Cualquier área de la forma que pudiera haber perdido mi primer pase se puede rellenar con suavidad y cuidado. Estoy teniendo especial cuidado de no hacer visible ninguno de los trazos de forma individual. Pero en cambio, tratando de conseguir que estos nuevos trazos se mezclen suavemente con la masa más grande. Me verás repetir esta técnica una y otra vez. Cada vez, disminuyendo la oscuridad del valor y el nivel de detalle. Es importante señalar que el tema de este dibujo, las montañas boscosas son un tema que tiene un valor bastante oscuro. decir, que esta sección más cercana al primer plano será la más oscura. Con cada sección cada vez más ligera cuanto más atrás está. Si nuestros sujetos tuvieran una gama más amplia de valores, en lugar de simplemente estar oscuros como las montañas boscosas que me ves dibujando aquí, esperaríamos ver las luces extremas cada vez más oscuras y moviéndose hacia un valor medio cuanto más lejos que consiguieron. Recuerda, en última instancia, es el contraste lo que cambia. Significado, que cuanto más lejos se pone un objeto, menor en contraste es. Es decir, es que los oscuros no son tan oscuros, y sus luces no son tan ligeras. Trabajar con perspectiva atmosférica, partiendo de un sujeto con un valor oscuro unificado, nos permite explorar esta técnica en su formato más básico, fundamental. Te ofreceremos una maravillosa oportunidad practicar poniendo valor con el costado de tu lápiz. Tendremos tiempo de sobra más adelante en esta serie de ocho semanas para explorar temas más complejos. Me gustaría que notaran que para dibujar líneas y valores extremadamente ligeros, he alejado mi mano de la punta del lápiz y hacia atrás. A pesar de que todavía se considera un agarre por encima de la mano, esta variación sobre él hace que sea más fácil dibujarlo a la ligera. Poniendo apenas ninguna presión en la punta del lápiz. Ahora agilicemos el proceso de dibujo. Me verás haciendo numerosos ajustes a valores y bordes. Cuidadosamente asegurándose de que cada sección de la montaña tenga una forma distinta y un valor específico. Asegurarse de que las relaciones entre los valores en todo el panorama estén funcionando en su conjunto. Que cada sección de la montaña se está volviendo secuencialmente más ligera a medida que se remonta. Ahora que nos acercamos al final de esta demostración básica de perspectiva atmosférica. Me gustaría hablar de un error común sobre el proceso de dibujo. Muchas personas asumen que un dibujo que termina con un alto nivel de detalle comienza con un alto nivel de detalle. Esto no podría estar más lejos de la verdad. Cuanto más aprendas sobre el dibujo, más entenderás que un dibujo evoluciona con el tiempo. Incluso esta simple demostración de valores limitados podría convertirse en un dibujo muy detallado, altamente realista si hubiera decidido tomarlo en esa dirección. De hecho, si hubiera planeado desde el principio convertir esto en un dibujo altamente renderizado y realista, no hay mucho que hubiera hecho de manera diferente. No subestimes el poder de los inicios aparentemente simples, humildes. Ahora, hablemos de la otra definición de atmósfera. El que tiene que ver con crear un ambiente o crear un estado de ánimo o sentimiento particular alrededor de tu dibujo. Ahora hay muchas maneras de pensar en crear atmósfera. Pero uno de mis favoritos es la idea de activar el aire o el espacio vacío alrededor del sujeto. Ahora esta es una técnica muy común utilizada por maestros artistas. Una vez más, estamos en el ámbito de las ideas que no son observables. No podemos ver el aire activado cuando realmente estamos mirando a un sujeto de vida muerta. Pero es una técnica de dibujo que nos permite ir más allá la representación y comunicar algo al espectador. Aquí, verás un excelente ejemplo de valor que se está estableciendo utilizando el lado ancho de una herramienta de dibujo. Observe lo claramente que se puede ver el grano del papel venir mientras se utiliza esta técnica. También me gustaría que observaran que a medida que retrocedemos en este dibujo, es muy difícil encontrar una línea o borde duro individualmente discernible en todo el dibujo. Esta técnica da la impresión de que el sujeto está emergiendo de una espesa niebla. Dándole a todo el dibujo un fantasmal sentido del misterio. Este es un excelente ejemplo del artista activando y dando a conocer el aire y el espacio vacío alrededor del sujeto. En este próximo dibujo, se puede ver que además de las nubes en el fondo, se pueden encontrar numerosas líneas de luz electrificando el aire. Es difícil decir cuál fue la intención original de los artistas con estas líneas. Pero cualquiera que sea su intención, sí agregan emoción visual e interés a lo que podría haber sido un fondo más mundano. Existen potencialmente un número infinito de formas de crear diferentes estados de ánimo y sentimientos en tus dibujos. Yo los animaría a explorar y experimentar. Para ver qué tipo de pensamientos y experiencias puedes evocar en un espectador. A menudo uso estas dos interpretaciones de la atmósfera de maneras sutiles incluso en dibujos que parecen muy representacionales. Una de mis cosas favoritas que hacer con la perspectiva atmosférica es aplicarla a sujetos que no ocupan el espacio lo suficientemente profundamente. Para producir los efectos observables de la perspectiva atmosférica. En el dibujo de figuras, por ejemplo, ninguna parte del cuerpo está siempre tan lejos de otra parte del cuerpo que esperaríamos ver los efectos de la perspectiva atmosférica. Pero eso no debería detener a los artistas por emplear esta técnica para implicar profundidad. Al dibujar el brazo más cercano al espectador, he utilizado una combinación de valores oscuros y líneas, así como reflejos brillantes. Dándole al brazo una sensación de alto contraste y un agudo nivel de detalle. Ahora contrasta este brazo con el brazo más alejado del espectador. Notarás que el brazo lejano no incluye mucho detalle. No tiene ningún punto oscuro ni ningún resaltado. Se deja boquiabierto e indefinido. Esto permite que el brazo lejano retroceda al espacio. Si bien el brazo más cercano parece salir adelante. Se puede ver la misma técnica utilizada en las piernas. No es como si observara los efectos de la perspectiva atmosférica en el modelo, luego copiarlo en mi dibujo. Tomé una decisión consciente de usar esta técnica con el fin de ayudar a implicar profundidad. Una de mis formas favoritas de crear una atmósfera activando el aire y el espacio alrededor del sujeto, es dejar atrás evidencia de todo el proceso de dibujo. Todos mis intentos iniciales en la forma, incluyendo líneas de gestos, líneas medición, y líneas de construcción se dejan desnudos en la página para ser vistos por el espectador. Hago esto por dos razones, primero, es que le da al dibujo una sensación de tiempo y movimiento. Proporcionan un desenfoque de movimiento que parece captar la figura en movimiento hecho. El segundo motivo es que creo que retiro de fascinación humanidades se debe en parte a que un dibujo, diferencia de un cuadro, revela todo lo que el artista estaba pensando mientras hacía el dibujo. En un cuadro, puedes encubrir todos tus errores y pasos en falso. Pero el proceso es más difícil de oscurecer en un dibujo. Hacer la experiencia de ver un dibujo similar a la lectura del diario de los artistas. Ver evidencia del proceso de pensamiento de los artistas, junto con todos los errores y errores, da a dibujar un sentido de intimidad y vulnerabilidad. Este tipo de líneas de proceso se llaman pentimenti. Pentimenti son líneas que muestran evidencia del proceso de dibujo. Incluyendo los errores que intencionalmente se dejan visibles en la superficie de dibujo. Borrando u oscurecer pentimenti deja al espectador con un sentido más estéril y menos humano del artista. Creo que pentimenti añaden emoción y dinamismo a un dibujo. Además de dar un vistazo a la mente del artista. Para tu proyecto de hoy, te voy a pedir que salgas al mundo y veas si puedes observar la perspectiva atmosférica en acción. Deberías poder ver los efectos de la perspectiva atmosférica independientemente del tipo de entorno en el que te encuentres. Ya sea más natural o más de un paisaje urbano. Siempre y cuando tengas suficiente distancia y profundidad, deberías poder ver los efectos. Ahora, si es posible, voy a pedirte que realmente hagas un dibujo tratando de registrar los efectos de la perspectiva atmosférica que puedes observar. Ahora recuerda, hoy no estamos haciendo ningún dibujo detallado. Tendremos tiempo de sobra para eso más adelante. Esta es una excelente oportunidad para que practiques la técnica de dibujo que aprendimos hoy. Al establecer valor usando el lado del lápiz. Ahora recuerda, no necesitamos incluir ningún detalle hoy. Simplemente estamos buscando obtener los efectos de la perspectiva atmosférica. Una vez que tus formas simplificadas de valor están empezando a funcionar como perspectiva atmosférica, si quieres probar y agregar un par de detalles puedes. Pero de nuevo, la idea principal aquí, es capturar los efectos simplificados. Ahora para un reto extra hoy, puedes intentar simular los efectos de la perspectiva atmosférica en una naturaleza muerta. Al igual que viste en mi dibujo, puedes usar las ideas inherentes a la perspectiva atmosférica. El contraste decreciente los bordes fuera de foco para dar a los objetos en una simple vida muerta, el efecto de la profundidad. Recuerda, no vas a poder observarlo en un bodegón. Pero eso no debería impedir que intentes emplear la ilusión de la perspectiva atmosférica.