Creación de colores realistas: Un manual para principiantes

1. Introducción: Hola, me llamo Kendall Villegas y soy artista e ilustrador de tiempo completo. Mi trabajo se utiliza en revistas y videojuegos, en packaging y publicidad, en paralelo. También me encanta compartir mi experiencia en la industria creativa. Contigo todos en YouTube y por supuesto aquí en share de habilidad. Una de las preguntas más comunes que obtengo desde empezar o aspirantes artistas en YouTube o redes sociales es ¿cómo puedo crear un color convincente, realista en mi trabajo? En esta clase vamos a desempacar esta pregunta y abordar el color para un artistas tradicionales de manera sistemática e integral. Aprende cinco cosas principales, primero, para identificar características básicas de color como valor, tonalidad y saturación. En segundo lugar, construir armonía de color y entender las relaciones de color mediante el uso de la rueda de color. En tercer lugar, para construir un palet. Entonces cómo elegir realmente los colores que usarás en tu paladar, cómo ponerlos juntos, cubriremos eso tanto con unos colores de pigmento puro como con colores que son mezclas o mezclas. Número cuatro, cómo identificar con precisión y ver los colores que están en tu referencia y último de todo, cómo juntar eso todo, cómo mezclar los colores que ves en tus referencias y hacerlos coincidir con tu referencia en la pintura o dibujo que estás creando. Tendremos una serie de lecciones sentadas donde desempaquetaré toda la teoría y conceptos detrás de cada uno de estos cinco puntos y luego tendremos una demo detallada en tiempo real, donde crearé un cuadro de principio a fin y explicaré cada elección de un solo color que hago en el camino y cómo se relaciona con los conceptos que hemos cubierto en la clase. Obtendrás tanto la teoría de sentada como la ejecución en tiempo real. Esta clase es la más adecuada para artista de medios tradicionales. Yo diría que si eres un artista de medios digitales, todavía tendrás algunas cosas que puedes quitarte que serán valiosas, pero esto definitivamente está orientado hacia artistas mediáticos tradicionales. Las personas que están trabajando en pintura o pastel o lápiz, cualquier medio físico, también probablemente más adecuadas para aquellos que ya tienen un poco de familiaridad con el dibujo y que realmente solo quieren llevar sus habilidades al siguiente nivel por aprendiendo a usar el color de manera efectiva. Después de completar este curso, tendrás una buena comprensión de la teoría básica del color y podrás aplicar esos conceptos teóricos de maneras realmente prácticas a tu propio trabajo para crear ese realmente convincente sentido de color hermoso, realista. Espero que se unan a mí en la clase. Estoy súper emocionado de empezar y sumergirme en uno de mis conceptos favoritos con todos ustedes. 2. Terminología del color: Para la primera lección, vamos a sumergirnos en algunas de las características básicas del color. Vamos a repasar cuatro características.Esas incluyen matiz, valor, saturación, y temperatura, vamos a definir cada una de estas y desempaquetar cómo se relacionan con el arte y la fabricación de arte y por qué son cosas buenas de las que estar conscientes. El primer término que vamos a abordar es el valor. Valor solo significa que la oscuridad o la ligereza de un color, los colores más oscuros están más cerca del negro en la escala de grises, los colores más claros están más cerca del blanco en la escala de grises. El valor es realmente un término crucial para que todos los artistas entiendan, y para poder identificar un arte ya que a menudo es lo que denota la forma del sujeto. El valor es cómo tenemos una sensación de dónde están las áreas altas de un sujeto porque esas suelen ser más ligeras, tal vez incluso más brillantes, y las áreas más oscuras de un sujeto tienden a ser las partes que se están hundiendo o curvando hacia atrás. Por lo que tener un buen sentido y capacidad para identificar valor en tu trabajo, te va a hacer más fácilmente capaz crear un sentido de forma y tridimensionalidad, es realmente la piedra angular para crear una obra realista, y por eso el paso inicial cuando muy primero aprendes a dibujar, es a menudo hacer bocetos a lápiz monocromáticos. Sé que a veces se puede sentir como, eso es tan aburrido lo que realmente quiero hacer es aprender a pintar a todo color, y absolutamente llegarás ahí, lo aprenderás. Pero es realmente crítico tener un buen sentido del valor y la forma antes de sumergirte en el color, ya que es el esqueleto en el que todo lo demás descansa, y si eso no está en su lugar o no es estable o estable, te vas para tener un momento realmente difícil hacer un trabajo que se vea realista y sobre todo trabajo que tenga color, ese es color realista. Entonces, cómo el sitio de trabajo de valor tocó esto un poco ya, pero los colores más oscuros tienden a hundirse hacia atrás y los colores más claros tienden a elevarse hacia adelante, si solo echan un vistazo a la habitación en la que estás, cualquier cosa a tu alrededor, notarás que el los puntos más altos de un objeto son más claros y los puntos inferiores de un objeto son más oscuros. Entonces aprendiendo a ver valor, esto va a ser una práctica de toda la vida y un ejercicio de toda la vida si estás queriendo crear arte realista, pero hay un truco súper útil que es algo que aprendí cuando estaba en escuela de arte y todavía lo uso hoy todo el tiempo, y se siente realmente simple, pero el truco es básicamente sólo para entrecerrar los ojos. Tan entrecerrar estoy como casi a donde están completamente cerrados, donde solo estás dejando entrar la más diminuta astilla de luz y te costará ver algún detalle, no quieres ver ningún detalle. Solo estás tratando de tener tus ojos lo más cerca posible mientras aún dejas entrar solo esa diminuta astilla de luz, y como estás haciendo eso, puedes dar la vuelta y mirar el tema que estás tratando de dibujar. Ahora, lo que notarás es porque realmente no puedes ver ningún detalle, todo eso quedará algo oscurecido por los entrecerrados. De verdad te va a ayudar a identificar dónde están las áreas más grandes de oscuridad y las áreas de luz más grandes, y ese es el primer paso crucial para poder ver valor es entender cómo se separan la oscuridad y la luz, donde son los oscuros más oscuros están y donde son realmente las luces más ligeras son, y una vez que has identificado esos oscuros y luces más claras, entonces puedes intentar comparar un poco y ver dónde están los tonos medios, y eso te dará te un buen sentido del espectro de valores de tus sujetos. Entonces vamos a hablar mucho más sobre el valor más adelante y cómo aplicarlo y cómo identificarlo y verlo en tu trabajo. Pero en este momento sólo vamos a seguir adelante con nuestros otros términos y características de color, y el siguiente es matiz. El matiz es básicamente solo una característica de un color que lo hace aparecer como rojo, verde, azul, amarillo, lo que sea. De alguna manera se puede pensar en tono es sólo otra palabra para color. El siguiente término es saturación, y la saturación puede pensarse como la intensidad o pureza de un color. Entonces el puro, el pigmento dentro del color, más saturado será, y cuanto más opaco, menos saturado. Ahora aprender saturación, aprender a ver saturación puede ser complicado al principio. Es especialmente complicado si estás tratando de crear un trabajo realista. Entonces vamos a hablar de algunos trucos más adelante para identificar y aprender a ver y evaluar qué tan saturado está el color. Pero por ahora, algunas cosas a tener en cuenta sobre la forma en que funciona la saturación en una pintura desaturados son colores que están menos saturados tienden a hundirse de nuevo de la misma manera que los colores oscuros lo hacen, y vamos a llamar menos la atención sobre ellos mismos. Normalmente no parecen tan ruidosos ni obvios como los colores saturados, y los colores más saturados son lo contrario, por supuesto, tienden a surgir más a la superficie son más fuertes o visualmente, llaman más atención sobre ellos mismos. Ahora cómo ver la saturación. Ya hablamos de cómo ver valorar el truco con entrecerrar los ojos. Pero en general, la mejor manera de aprender a ver la saturación es por comparación, mirarás un color, te enfocarás en un área específica en tu referencia y obtendrás un sentido solo trata de tener un instinto inicial de qué color crees que es, entonces, ¿cuál es el matiz? ¿ Es un rojo? Sí, es un rojo. ¿ Cuál es el valor? ¿Qué tan oscuro o claro es? Cuál es la saturación, y la mejor manera de entender la saturación es, comparando ese color en el que te estás enfocando con los otros colores a su alrededor, y visualmente simplemente abriéndote camino a través de la imagen y diciendo, vale, tengo esto zona roja aquí, ¿esto es más rojo? ¿ Es éste un rojo más brillante, más intenso que este otro rojo de aquí, o es menos brillante? ¿Menos intenso? Entonces es un ida y vuelta comparando, bueno, en realidad mirando primero, luego comparando y luego evaluando tu comparación para ver qué tan precisa es, y de nuevo, vamos a hablar mucho más de esto y verás demos de mí haciéndolo, pero ese es el amplio alcance de cómo ver y evaluar la saturación, y con la práctica, ver la saturación de esta manera en realidad va a volverse realmente natural. Algunas personas pueden hacerlo naturalmente ya, pero para la mayoría de nosotros es una habilidad aprendida, y por eso, querrás tener en cuenta que para muchos artistas principiantes, la tendencia es sobresaturar, y hay una serie de razones diferentes para ello, que hablaremos más en una lección más. Pero sólo teniendo eso en cuenta que la tendencia para mayoría de los artistas principiantes es usar colores que están demasiado saturados, es decir, si estás tratando de crear color realista, saturación es algo que se tiene que usar con alguna discreción y se utiliza sólo en pequeñas cantidades. Antes de pasar a la temperatura, que es nuestro cuarto y último término, sí quiero tener una pequeña discusión rápida sobre la relación entre valor y saturación. La relación entre la oscuridad o ligereza de un color y la relación entre la intensidad o pureza de ese color. El valor y la saturación están muy a menudo vinculados, pero no necesariamente tienen que serlo. Por ejemplo, este rojo puro profundo es un valor más oscuro que este brillante amarillo puro. Estos son ambos colores de pigmento puro, lo que significa que ambos están saturados, pero uno de ellos tiene un valor inherentemente más oscuro que el otro. Por lo que puedes ver con colores puros, completamente saturados, algunos colores serán naturalmente más oscuros, algunos colores serán naturalmente más claros, y otro ejemplo son estos dos colores muy claros. Por lo que ambos son realmente ligeros en términos de valor, ambos tienen mucho blanco en ellos, pero uno está bastante saturado se puede ver este de aquí está bastante saturado, y el otro realmente no está en absoluto saturado, pero ambos son la misma ligereza. Entonces sólo tener un entendimiento de que sólo porque algo esté más oscuro no significa que esté más saturado y viceversa. Todos estos términos se volverán cada vez más claros a medida que los veas en acción y en más lecciones y en la demo, así que quédate conmigo por un término más, una definición más de un término, y esa es la temperatura. La temperatura de un color es la calidez o frescura inherente de ese color. Una forma muy sencilla de pensar en esto sería que haya colores cálidos como el rojo, el naranja, el amarillo, y los colores fríos como el azul, el verde y el morado. Pero la forma más compleja y probablemente más realista de pensarlo es que hay cálidas y frías de casi todos los tonalidades que puedas imaginar. Por lo que hay rojos cálidos y rojos fríos amarillos cálidos y amarillos fríos un blues cálido y azules fríos. Diferentes pigmentos y diferentes mezclas tienen estas diferentes características de temperatura, diferente calidez o diferente frescura y en cuanto a cómo se comportan en una pintura, colores más fríos, como colores más oscuros y como menos saturados los colores tienden a hundirse hacia atrás y son un poco más tranquilos, y leeremos más como una sombra, y los colores más cálidos tienden a elevarse a la superficie como colores saturados, como los colores claros. Los colores más cálidos tienden a elevarse a la superficie y llamar más la atención sobre ellos mismos. Es importante señalar que la temperatura, la calidez o la frescura de un color, es probablemente uno de los aspectos más subjetivos del color. Todo el color, al igual que todo el arte visual, es algo subjetivo, pero la temperatura tiende a ser bastante subjetiva, y lo que quiero decir con eso principalmente es que la gente lo experimentará de diferentes maneras. Entonces un gran ejemplo es la diferencia entre el azul ultramarino y el azul cerúleo. Entonces para mí me parece bastante obvio que el ultramarino es el color más frío y ese cerulean es el azul más cálido. Pero hay muchas personas que en realidad lo ven de la manera opuesta que ven el ceruleo como fresco y ultramarino como cálido. Esto está totalmente bien y no debería alarmarte ni ponerte nervioso por usar color. Lo más importante es que eres consistente dentro de tu propio universo de pintura, si eres como yo y ves el ultramarino es el azul más frío, solo tener una conciencia de eso y usar la ultramarina consistentemente como el azul más frío, y cerulean o [inaudible] o cualquier otro azul que vas a usar como el azul más cálido, y eso aún te permitirá crear relaciones de color realmente interesantes y unificadas. Eso es todo para nuestra intro de terminología del color. Enhorabuena, lo lograste. A continuación vamos a discutir una herramienta importante para usar y entender el color, que es la rueda de color y específicamente los colores complementarios. 3. Relaciones de los colores: Si alguna vez has tomado una clase de arte, tal vez incluso una clase de arte de la escuela primaria, más probable es que hayas visto uno de estos. Pero en caso de que no tengas claro o en caso de que no tengas claro la utilidad, cómo se puede usar una rueda de color, vamos a repasarla brevemente en esta lección. Esta es una rueda de color. Una rueda de color puede ser muy sencilla o muy compleja. La mayoría de las ruedas de color tendrán al menos tres colores primarios, que son los colores que no se pueden formar a partir de ningún otro color y los tres colores secundarios. Algunas ruedas de color también tendrán colores terciarios, que son los colores que se hacen mezclando el color primario y un color secundario. El motivo principal por el que estamos hablando de la rueda de color es porque es la mejor manera en que sé entender las relaciones de color. No voy a hacer tu reproducir una rueda de color ni hacer tu propia rueda de color aunque, siéntete libre si quieres puede ser cosa divertida y terapéutica de hacer. El principal modo en que todavía uso mi comprensión y conocimiento de la rueda de color es entender la armonía de color y las relaciones de color. Un término que probablemente hayas escuchado antes si has tomado alguna clase de arte son los colores de cortesía. Los colores complementarios son colores que están directamente enfrente uno del otro en la rueda de color. Usar colores complementarios en tus pinturas puede ser una herramienta realmente poderosa ya estos dos colores son realmente alto contraste y poner colores de alto contraste uno al lado del otro colores para tener el mayor nivel de contraste puede aumentar esa sensación de vibración y vivacidad en ambos de esos colores y realmente pueden ayudarlos a saltarse del sustrato. Otros tipos de relaciones de color comunes son los colores triádicos y relacionados. Los colores triádicos están hechos a partir de agrupaciones tres colores equidistantes en la rueda de color. Esto crea un alto nivel de contraste que puede amplificar vitalidad del color y realmente hacer que esos colores en tu pintura se sincronicen. Los colores relacionados son una agrupación de un color hombre más otros dos colores que están cerca en la rueda de color. Si tu objetivo es pintar de manera realista, que es de lo que estamos hablando en esta clase, estarás tirando la mayoría de tus indicaciones de color directamente de tu fuente, directamente de la realidad. No obstante, puedes y debes seguir empleando un conocimiento de la teoría del color cuando estés planeando y ejecutando tu pintura. Por eso es tan útil tener una comprensión de la rueda de color y cómo puedes usarla para determinar las relaciones de color. Como ya he dicho, ya no tengo una rueda de color en mi estudio pero es algo que he interiorizado. Cuando estoy pensando en tomar decisiones estratégicas sobre el color. Si decido que quiero usar un color de cortesía en un área específica para realmente subir la vitalidad, simplemente lo llamaremos a mente mentalmente. Cuando realmente entiendes bien estas cosas, cuando entiendes los colores de cortesía y tienes esa buena imagen visual de la rueda de color, vas a poder usar el color con más intención y crear efectos realmente interesantes y poderosos en tu trabajo. Hablaremos más sobre la aplicación de colores de cortesía en una próxima lección que es el nombre del juego aquí y estas lecciones fundacionales. Estamos introduciendo algunos conceptos y luego vamos a entrar en cómo aplican en lecciones posteriores. A continuación nos vamos a sumergir en algunas de las cosas prácticas reales, que es cómo determinar los colores en tus fotos de referencia. Va a ser una lección de dos partes y nos sumergimos en la primera parte de la lección que viene a continuación. 4. Aprendiendo a ver el valor: través de esta lección y de la siguiente lección, vamos a hablar de cómo realmente ver e identificar los colores que están en tu referencia, tu fuente, la imagen de la que estás pintando directamente para crear este trabajo realista. Para la primera parte, vamos a hablar de valor y cómo ver valor. El motivo por el que estamos abordando el valor primero es exactamente lo que dijimos en esa lección introductoria sobre el valor, es que entender y ver el valor es la base, es la clave para crear color realista en tu trabajo. Todas las demás cosas de las que vamos a hablar realmente se cuelga de esto. Entonces esto es súper importante, puede sentirse un poco aburrido porque si para lo que estás aquí es aprender sobre el color, vamos a empezar por hablar de blanco y negro, pero confía en mí, vale la pena invertir el tiempo y tratar de entender esto bien, ya que te va a hacer la vida mucho más fácil cuando se trata de la aplicación real del color realista en la siguiente lección. Especialmente si eres principiante, siempre que estés trabajando en un cuadro, cuando estás tratando de crear una pieza completa terminada, no solo un boceto sino una pieza real en la que vas a invertir algún tiempo, puede ser especialmente útil para pasar unos minutos, en cualquier lugar desde 5-20 minutos creando estudios de valor de su asignatura. Un estudio de valor es solo un boceto realmente, realmente simple que es, además de la línea o la forma del sujeto, las proporciones del sujeto, solo intentas bloquear realmente rápidamente solo con un lápiz o a veces la gente usará carbón para esto, trate de bloquear en donde están las áreas oscuras y dejar fuera donde están las áreas claras. Pero solo estás tratando de crear básicamente una hoja de ruta para ti de las áreas oscuras, los tonos medios y las áreas claras. Hacer esto rápidamente antes de que pases mucho tiempo realmente invirtiendo en tu pintura puede permitirte solo tener un buen sentido para adónde vas en términos del valor y es, como mencioné, especialmente útil para principiantes, pero esto sigue siendo una práctica que tengo hoy, sobre todo si estoy creando una pieza más grande o una ilustración más compleja y quiero asegurarme de que realmente tengo esas relaciones de valor clavadas. Todavía pasaré 10 minutos creando algunos estudios de valor diferentes, solo para tener sentido para eso. Para realmente crear un estudio de valor, sólo vamos a dar un círculo de vuelta a ese truco que aprendimos en la segunda lección, que es entrecerrar los ojos. Quieres mirar a tu sujeto y entrecerrar los ojos lo más cerca para cerrar como puedan llegar mientras aún dejas entrar la más diminuta astilla de luz, solo quieres poder ver apenas el tema. Una vez que hayas hecho eso, puedes trabajar ya sea en solo un trozo de papel de desecho o en tu cuaderno de bocetos, o realmente no importa cuál sea la superficie para esto, porque esto es solo un pequeño estudio rápido. Pero una vez que veas que puedes usar cualquier trozo de papel de desecho y tu lápiz de grafito regular o bolígrafo de carbón, lo que quieras usar para marcar rápidamente dónde ves las zonas oscuras más oscuras de la pieza. Nuevamente, con entrecerrar los ojos, realmente estás tratando de no enfocarte en absoluto en los detalles. Ni siquiera te preocupes demasiado por la proporción. Solo estás tratando de bajar esas zonas oscuras más oscuras y ponerte eso en tu papel. Una vez que tengas tu mejor conjetura y la has echado abajo, vas a abrir los ojos y vas a volver a mirar a tu tema y a lo que acabas de acostar y quieres comparar los dos y ver cómo cercano a la realidad es lo que acabo de poner en mi papel. Si has echado a los oscuros más oscuros, quieres entonces tal vez entrecerrar los ojos, mirándolos de nuevo a los dos, tanto tu boceto como el sujeto y comparar las zonas oscuras y pregúntate : “¿Es la oscuridad que me acosté más oscura o más claro que el área oscura en mi referencia?” Entonces adelante y ajústate según sea necesario. Básicamente, lo que estamos haciendo es que estamos trabajando en este ciclo de look, tomando nuestra mejor conjetura, colocándola, luego comparándola con la referencia y ajustando según sea necesario. Ese es el mismo patrón que vamos a usar a la hora identificar también los otros aspectos del color. Entonces realmente internalizando esa mirada, acercándose a tu mejor conjetura, sentando y comparando y ajustando, ese es el ciclo fundacional para identificar y crear color realista en tu trabajo. Como pueden ver, mi pequeño estudio de valor aquí sigue siendo muy rudo. Realmente no se parece en nada al tema. Todo lo que me está diciendo es dónde están los oscuros más oscuros, y dónde están las luces más ligeras. Pero aún así este acto de crearlo, este acto de mirar y llegar a mi mejor conjetura, sentar lo que creo que he visto y luego compararlo de nuevo a la imagen de referencia y ajustarlo según sea necesario, esto sigue siendo ha sido realmente valioso porque me ha dado una sensación de dónde están esas áreas oscuras y claras en el tema y también me ha dado un poco de una pista de dónde potencialmente voy a cometer algunos errores cuando creo la pieza final, porque me ha dado un sentido para donde he tendido a ver cosas que son más oscuras de lo que realmente son en la vida real o más ligeras de lo que son en una vida real. Pero de cualquier manera, me está dando un poco de pista de cómo mi cerebro quiere ver ese tema. Entonces como puedes ver, este ciclo de look, acostarse, comparar y ajustar es realmente el ingrediente clave aquí para aprender a ver y ejecutar color realista. Porque eso es tan crucial, porque eso es tan fundamental, quiero hacer una pausa aquí e introducir la primera parte del proyecto de clase, que es para que selecciones un tema y crees una serie de estudios de valor. No gastes más de un par de minutos en cada uno. No te metas demasiado atrapado en los detalles. Todo lo que estás tratando de hacer es ver las áreas oscuras y claras y entender algunos de dónde están los tonos medios. Entonces si te sientes cómodo compartiendo los de los proyectos de la clase, por supuesto, por favor hazlo. Me encanta ver lo que ustedes publican y comparten ahí. 5. Aprendiendo a ver tonos, saturación y temperatura: Ahora que tenemos algún entendimiento sobre los valores en nuestro tema, y cómo identificar esos valores, y conseguir que se pongan en el papel, vamos a aumentar la complejidad de los conceptos aquí y hablar de cómo ver los demás aspectos del color también. Si recuerdas de vuelta de la lección dos esos otros aspectos son matiz, saturación y temperatura. Vamos a tomar un enfoque general similar que acabamos de tener con aprender a ver valor, y eso es tratar de no quedar demasiado atrapados inicialmente en los diminutos detalles, los matices, pequeños cambios de color, y las áreas pequeñas de su asignatura. Vamos a seguir ese mismo patrón de mirada, acostarse, comparar, ajustar. Una vez más, al igual que hicimos con la sección de valor, intenta pensar en tu sujeto como un objeto tridimensional simplificado. Si como yo, estás trabajando en algo así como una manzana, intenta pensar en la forma más simplificada de una manzana, que es una esfera. De nuevo, quizá quieras tratar de entrecerrar los ojos y mirar a tu sujeto. Identifica las áreas oscuras y claras y los planos generales básicos de tu sujeto para realmente ayudarte a pensar en ello como un objeto tridimensional en el espacio. Una vez que tengas un buen sentido para esas grandes áreas, los grandes planos, las grandes áreas oscuras, y las áreas blancas, vas a volver a mirar a tu tema para tratar de ver los colores de esas grandes áreas y evaluar las características del color de la que hablamos. Ya tienes algún sentido de la oscuridad o ligereza de tu sujeto, las diferentes áreas de valor de tu sujeto que denotan su forma, entonces también vas a querer intentar identificar el matiz. Escoge primero una de esas grandes áreas principales e intenta identificar el matiz de esa zona. ¿ Es rojo? ¿Es azul? ¿ Es morado? ¿Es verde? Una vez que tienes un sentido para eso, para el valor y el matiz, quieres tratar de conseguir un sentido para la saturación. Como hablamos en una lección anterior, la mejor manera de hacerlo es comparando. Si estás mirando un área y estás pensando, este es un rojo medio, déjame compararla con esta otra área aquí mismo, que también es un rojo medio, esta zona es más saturada o menos saturada o la misma saturación? Una vez que sientes que tienes un buen sentido de lo saturado que se compara con los otros colores del tema, lo último que quieres intentar evaluar es la temperatura. ¿ Qué tan cálida o qué tan fresca es esta zona? Eso puede ser algo por lo que solo tienes sentido. Que se sienta caliente o se siente fresco. Pero para mí, personalmente, tiendo a preferir el enfoque de comparación. Una vez más, mirando este rojo medio aquí otra vez tal vez inicialmente mi instinto es que se siente caliente porque es rojo, pero luego cuando miro y comparo contra estas otras áreas, puedo ver, en realidad, esto es un poco más fresco, que esto es probablemente un rojo más fresco que estoy mirando. Una vez que hayas terminado el look, una vez que tengas tu mejor conjetura mentalmente, vas a poner algo de color en una muestra y luego compararlo junto a tu pintura, junto a tu referencia. Esta es la razón principal por la que aconsejé trabajar desde la vida o desde una foto a diferencia de una foto en una pantalla. Porque una foto en una pantalla va a emitir luz, y voy a ser transparente con todos ustedes, y digo que en mi trabajo profesional, casi siempre trabajo desde fotos en una pantalla. Trabajo desde un iPad. Pero he tenido muchos años de práctica y sé cómo compensar mentalmente el hecho de que estoy viendo una imagen retroiluminada. Pero si apenas estás empezando va a ser mucho más fácil crear color realista si trabajas desde la vida o desde una imagen impresa. Estaremos trabajando a partir de una imagen impresa en la demo, y se puede ver cómo funciona realmente bien para poner el color en la muestra y compararlo con la referencia. Cuando se trata de una foto impresa, solo puedes ponerla justo al lado la referencia y podrás ver bastante obviamente, esto es más oscuro de lo que debería ser. O esto está más saturado de lo que debería ser. O esto es más fresco de lo que debería ser. Tendrás un buen sentido inmediatamente solo de comparar el color que has mezclado, el color que has ensayado con tu sujeto, con tu imagen de referencia. tanto que si estás haciendo eso en una pantalla retroiluminada como tu teléfono o un iPad, va a ser mucho más difícil hacer esa comparación. Hemos mirado,. Nos hemos acostado. Hemos comparado el color que creemos que tenemos en la muestra con el color que realmente está en nuestra imagen de referencia. También lo hemos comparado con los colores a su alrededor considerando el valor. Ya sea más oscuro o más claro. El Hue. De qué color es, ¿es más verde? ¿Es más azul? ¿Es más rojo. ¿ Es purpler? La saturación. ¿ Es más intenso o menos intenso? El de la temperatura. ¿Es más cálido o más fresco? Una vez que hemos hecho toda esa comparación, entonces nos ajustamos. Una vez más, la comparación es el ingrediente clave aquí, igual que fue cuando estamos identificando valor. Como tal, este proceso es en gran medida un ida y vuelta. Vas a pasar por todo este ciclo. El look, Relajarse, comparar, ajustar varias veces a lo largo del transcurso de una pintura. Se te ocurrirá lo que crees que es el color. Lo compararás mentalmente. Después lo pondrás en tu sustrato y lo compararás de nuevo con la referencia solo para ver si lo has conseguido bien. A continuación, ajuste según sea necesario. Ahora, como un aparte, esta es una de las razones por las que puede ser tan útil trabajar en capas y empezar realmente ligero inicialmente si puedes, porque simplemente te da más espacio y más espacio de mudanza para continuar ese proceso de preparación y ajustándose para asegurarse de que obtiene el color exactamente correcto exactamente como debe ser. Me verás abordar todo este proceso y verás lo cíclico que es, cuántas veces lo hago y otra vez en la demo. Cuando hago la pintura demo. Con la práctica, harás cada uno de estos pasos más rápido y eventualmente incluso inconscientemente. Se siente como mucho, estoy seguro inicialmente cuando estás tratando de imaginar, cada vez que tomo una decisión de color tengo que mirar para comparar y ajustar. La triste realidad, la dura realidad, no quiero ser negativa, pero la realidad es que realmente no hay atajo, manera fácil de hacerlo. Esta es una versión de la forma en que me enseñaron en la escuela. Es la forma en que todavía lo hago hoy. Puede haber unos cuantos prodigios de color muy afortunados por ahí en el mundo que puedan ver un color y sin tener que saltar por ninguno de estos aros que la mayoría de nosotros tenemos que hacerlo. Simplemente pueden identificar de inmediato exactamente qué color es, saber científicamente cómo combinar y luego colocarlo sobre su lienzo de inmediato exactamente como debería ser. Esas personas sí existen, estoy seguro, pero son muy pocas y muy distantes. La mayoría de los artistas profesionales hacen una versión de exactamente de lo que estoy hablando, el mirar, el comparar, y el ajuste. Si quieres aprender a crear color realista, realmente tienes que abrazar ese proceso y simplemente entender que se volverá más fácil y más internalizado y se sentirá más natural con el tiempo. A continuación nos vamos a sumergir en la mezcla de colores y hablar de la diferencia entre el color basado en pigmento versus los colores mixtos, cómo configurar una paleta, todo eso divertido. 6. Pigmentos únicos vs. Premezclados: Nos estamos acercando a la demo práctica, donde voy a crear un cuadro de principio a fin, pero antes de sumergirnos en eso, necesitamos abordar un último tema y ese es mezclar colores. El primero que necesitamos desempacar un poco es el medio basado en pigmentos, frente a los medios mixtos y mezclados. Dependiendo del tipo de medio que estés usando, los colores con los que trabajes pueden ser pigmentos de una sola fuente. Pueden tener un solo pigmento en ellos, o pueden ser mezclas que están hechas a partir de múltiples pigmentos. Generalmente, las pinturas tubulares como acuarelas, acrílicas, aceites tendrán opciones de pigmento único y opciones mezcladas, mientras que los medios como lápiz de colores, marcadores, ciertas marcas de gouache, ciertos tipos de pasteles, realmente sólo tendrá opciones que se mezclan o premezclan. Esos de nuevo, son colores que están conformados por múltiples pigmentos diferentes ya. Dos pinturas como mencioné, sí tienen muchas mezclas también, pero suelen tener una gama realmente grande de opciones de pigmento puro, sobre todo si estás trabajando con una marca profesional o con una marca de gama alta. Este tema de pigmentos puros versus pigmentos mezclados es en realidad bastante complejo, y dependiendo de en qué rincón de Internet te encuentres, tal vez incluso un poco de un tema controvertido. Muchos artistas sienten muy fuertemente que solo debes usar color pigmentario puro, porque te da el mayor control en algunas formas a diferencia de usar medios mezclados, pero yo personalmente estoy bien usando ambos. Utilizo colores de pigmento puro y uso colores premezclados. Creo que ambos se pueden usar bellamente para crear un color realmente vibrante, realista, siempre y cuando entiendas las diferencias entre ellos, y cuándo y cómo usar cada uno. Una gran diferencia entre medio de pigmento único versus medio mezclado, es que si estás usando un medio de pigmento único, puedes comenzar con una paleta relativamente pequeña, y vas a hacer toda tu propia mezcla para obtener coincidencias de color a su referencia. Cada color que veas en tu referencia, vas a tener que mezclar a mano para hacerlo exactamente bien. Inversamente, si estás usando colores premezclados o colores mezclados, di si estás usando lápices de colores, como me gusta hacerlo, querrás intentar minimizar la mezcla. Tendrás que tratar de usar menos colores diferentes uno encima del otro, para evitar el barro. Muddiness es un término un poco subjetivo, pero básicamente, solo significa que el color se ve opaco, como si hubiera perdido un sentido de la vida, no hay vitalidad para ello. El barro puede suceder básicamente cuando tienes demasiados pigmentos diferentes todos mezclándose y estratificando uno encima del otro. Si estás usando medios de pigmento único, a veces puede ser más fácil para algunas personas evitar el barro, porque simplemente estás usando menos pigmentos diferentes, y siempre sabes exactamente qué hay en la mezcla de colores que has hecho. tanto que, si estás usando medios mezclados como lápices de colores o marcadores, no siempre sabes los pigmentos exactos que hay en esa mezcla. Por lo que puede ser un poco más fácil tropezar accidentalmente en crear un color fangoso. Por esa razón, ahí es donde quieres ser un poco más cuidadoso cuando estás usando colores premezclados para pasar el tiempo para intentar realmente hacer coincidir con precisión el color mezclado con tu sujeto, versus los colores de pigmento puro tendrán solo uno pigmento en ellos, por lo que tienes un poco más de flexibilidad. Si te preguntas si las pinturas que ya tienes, los suministros que ya tienes, son pigmento único o no. Si estás trabajando con dos pinturas, deberías poder voltearlas y ver una lista de ingredientes casi en la parte posterior del tubo de pintura, eso te dirá qué pigmentos se utilizaron para crear ese color. También puedes, si no está apareciendo en el tubo por alguna razón o si es difícil de ver, normalmente puedes encontrar esta información en la página web del fabricante, al mirar el color específico, y luego te dirá qué pigmentos eran utilizado para hacer ese color. 7. Fundamentos del mezclado de colores y formar una paleta: ¿ Qué colores necesitas cuando estás construyendo una paleta? Para los colores basados en pigmentos, realmente necesitarás seis colores esenciales. Necesitarás un rojo cálido, un rojo frío, un azul cálido, un azul frío, un amarillo cálido y un amarillo frío. Para la demo, estaré usando un set de acuarela de arranque de Daniel Smith que contiene cada uno de estos colores, y eso es realmente todo lo que necesitaré para una paleta básica para acuarela. Pero si estás trabajando con acrílico o aceite, también debes asegurarte de agregar en blanco titanio a la mezcla. Por supuesto, si lo deseas, puedes llenar tu paleta con algunas otras opciones también. Si quieres hacer algo además de esos seis iniciales, probablemente buscaría un violeta o algún verde viridiano que solo hará que mezclar ciertos colores sea más fácil. Puedes mezclar casi todo lo que necesitarás con los seis colores iniciales, pero puede ser agradable llenarlo a veces con un violeta o viridiano. En mi opinión, el negro es realmente siempre opcional. Se pueden mezclar algunos colores realmente interesantes que están muy cerca del negro. Simplemente tenemos más de una sensación de vivacidad que el negro puro justo fuera del tubo lo hace. Ahora bien, ¿qué colores necesitas si estás trabajando con colores premix o colores base mixtos? Si estás trabajando con colores premezclas, ya sea en un color de tubo, lápices, marcadores, probablemente vas a necesitar una gama más amplia de colores para coincida con precisión con lo que ves en tu imagen de referencia. Si estás trabajando con lápices de colores como estaré en la demo, generalmente, creo que el set 72 es un lugar decente para empezar. Te recomiendo Prismacolors como la opción económica. Si está buscando opción de derroche, le recomiendo Luminance de Caran d' Ache. Utilizo estas dos líneas regularmente, y los colores específicos van a depender en gran medida de lo que estés dibujando y cuál sea tu estilo. Probablemente habrá colores que uses realmente rápidamente, y pasas todo el tiempo y colores que no usas muy rápidamente en absoluto, y descubres que casi nunca tienes que reemplazarlos. Por esta razón, me parece especialmente importante cuando estás trabajando con colores mixtos que elijas marcas que tengan sus colores disponibles en stock abierto. stock abierto significa que puedes comprar solo un color individual, por lo que solo un marcador o un lápiz según sea necesario, en lugar de recomprar todo el conjunto cuando te quedas sin los 15 colores que usas todo el tiempo. Por eso recomiendo a Prismacolors como opción de presupuesto. A mi entender, son los lápices más asequibles que están disponibles en stock abierto. Sobre cómo configurar tu paleta y mezclar colores. Ahora mismo, voy a hablar de configurar la paleta basada en pigmentos, y luego desempaquetaré y hablaré de configurar una paleta basada en mezcla cuando realmente esté en la demo. Lo estoy haciendo en vivo en la demo. Pero por ahora, vamos a empezar con una acuarela basada en pigmentos con acuarelas Daniel Smith que estoy usando, y con acuarela, realmente se puede trabajar en cualquier paleta. Puede ser un plato viejo. Podría ser un trozo de papel de aluminio de estaño. Podría ser una paleta de plástico con paredes. Realmente en lo que te gusta trabajar está bien. Tengo esta vieja bandeja médica de esmalte que me gusta usar para una paleta siempre que estoy trabajando con colores de tubo. Eso es lo que voy a usar para configurarlo. Configurando mi paleta aquí, verás que estoy poniendo abajo [inaudible] azul, que es a mi juicio el azul más cálido, el ultramarino francés, que es el azul más frío, la nueva Camboya, que es la luz amarilla Hansa más cálida, que es el amarillo más fresco, Pyrrol Scarlet, que es el cálido o rojo y Quinacridona Rose que es el rojo más fresco. Si estuviera trabajando con pinturas al óleo, pasaría algún tiempo para premezclas tantos colores como sea posible ya que el aceite tarda para siempre en secarse, por lo que la premezcla en tus colores en realidad puede ser realmente ahorrador de tiempo y puede ser una buena manera de hacer el proceso de pintura más fácil. Pero con acuarelas y con acrílicos realmente, me gusta simplemente mezclarlas a medida que voy, mezclarlas como las necesito, en lugar de mezclar antes de tiempo. Necesito asegurarme de dejar mucho espacio entre cada uno de los colores en la paleta. Por eso lo he configurado de esta manera con una buena cantidad de espacio. Ahora que tenemos nuestra configuración de paladar, solo cubramos algunas mejores prácticas para mezclar color. El primero es uno que ya hemos mencionado, y que es dejarte mucho espacio entre los colores de tu paleta. El segundo es usar un cuchillo de paleta limpio o un pincel limpio cuando estés agarrando pintura de la pila de color original. Esto asegura que los colores de origen realmente se mantengan puros y vibrantes y que puedas mezclarlos con otros colores fácilmente más adelante si lo necesitas. El tercer punto es que si estás trabajando con acrílico o aceite, realmente debes usar un cuchillo de paleta para mezclar, no tu pincel. Voy a seguir adelante y sólo ser honesto con ustedes porque verán cómo realmente hago esto cuando estoy en el demo. Confieso que no soy el más grande en estos dos últimos puntos. Sí tiendo a usar mi pincel para mezclar, y tiendo a veces a volver a las pilas fuente con un pincel sucio. Ojalá hubiera formado otros hábitos antes, pero por ahora, solo tengo que trabajar alrededor de algunos de esos malos hábitos. Pero pensé que mencionaría los buenos de todos modos en caso apenas te estás empezando y quieres esforzarte por tener buenos pases. Hablemos de un par de punteros de mezcla. Primer paso, cómo saturar o desaturar un color. En realidad, la única forma de aumentar el nivel de saturación en un color es agregar más del pigmento saturado. Recordando que la saturación es la intensidad del color, no la ligereza. Para hacer un color más intenso, realmente tienes una opción, y esa es agregar más del color puro pigmento, o si estás trabajando con mezclas, para elegir uno de los colores premezclados que esté más saturado y para trabajo que en. Al reverso al color desaturado, se puede agregar el negro, lo que algunas personas hacen. Pero voy a decir, realmente recomiendo fuertemente en contra de agregar negro, o puedes agregar pequeñas cantidades de un color complementario. El motivo por el que prefiero agregar el color complementario sobre agregar negro es que produce colores que tienen más variedad y que son más interesantes y tienen menos barro en lugar de simplemente agregar negro. Si te imaginas trabajando a través de una pintura entera, y cada vez que quieres oscurecer un color, estás agregando negro, todos los colores a lo largo de tu pintura van a ser derribados una clavija en cuanto a su vitalidad impureza. tanto que, si estás desaturando agregando pequeños pedacitos de los diferentes colores complementarios, verde se desaturará al tener añadido rojo, y el morado se desaturaría al tener añadido amarillo, y el azul será desaturado al tener agregada naranja. Los colores solo tendrán mucha más variedad porque están hechos de unos dos colores diferentes a diferencia de solo el color, y luego cada vez que hay que desaturar agregando negro. Trata de pasar un poco de tiempo aprendiendo a hacer eso si puedes, realmente va a dar sus frutos en cuanto a la vivacidad e interés de tu color. Es así como oscurecer o aclarar el color. Lo mismo vale para oscurecer un color. Puedes usar el negro. Nuevamente, recomiendo en contra de eso. Si quieres oscurecer un color, vas a romper de nuevo para el complemento de ese color. El color que está directamente enfrente de él en la rueda de color, y usarlo en cantidades variables. Si tan solo le agregas un poco, simplemente se desaturará y se oscurecerá ligeramente. Pero si le agregas mucho, va a oscurecer realmente ese color, eventualmente. Potencialmente llegar hasta un tono casi negro. Cuando estés deseando aclarar el color, si estás trabajando con un medio opaco como óleo o acrílico o pincel, agregarás blanco. Si estás deseando aclarar la acuarela, todo lo que harás es agregar más agua y asegurarte de bajar una capa más delgada. Último punto a escuchar antes de correr a la demo, cómo crear mezclas cálidas y frescas. Para crear una mezcla cálida. Si estás mezclando un color, estás mezclando tu propio color, y quieres que sea un color cálido, usa dos colores cálidos diferentes. Diga, si estás tratando de mezclar una naranja, tienes una opción entre el rojo frío, el rojo cálido, el amarillo frío y el amarillo cálido. Si estás deseando mezclar un poco de naranja caliente, asegúrate de elegir el rojo cálido y el amarillo cálido. En tanto que si quieres mezclar una naranja más fría, puedes elegir el rojo fresco y el amarillo frío. Si quieres hacer algo de naranja más neutro, podrías hacer uno de los rojos más cálidos y el amarillo más frío o el rojo frío y el amarillo más cálido. A continuación, por fin vamos a sumergirnos en la demo donde crearé un cuadro de principio a fin, y realmente desempaquetaré cómo y cuándo estoy usando todas estas técnicas diferentes. Me verás haciendo coincidencia de color en tiempo real, y realmente vas a explicar todo el proceso , en proceso como está sucediendo. 8. Demostración: parte 1: Entonces vamos a sumergirnos en la demo de acuarela en tan solo un segundo aquí.. Antes de empezar con la acción, sí sólo quería mencionar que esta pieza tardó una hora y 45 minutos en total en crear en la vida real. Con el fin de mantener esta clase bite-size enlace apropiado, he recortado algunos. La mayoría de lo que se ha recortado son las pausas donde estoy decidiendo qué hacer y evaluando y luego, por supuesto, parte de la ejecución del color. Yo sí muestro cada color que se pone abajo, pero digamos que pasé cinco minutos o 10 minutos trabajando con un color dado en la vida real, puede que haya recortado eso para solo mostrar 10 o 20 segundos o así de la acción. Se llega a ver cada elección de color que hice pero se ha recortado parte del tiempo que realmente se requería para la ejecución. Sólo quería hacer una revelación completa al respecto, decirles exactamente cuánto tiempo tardó esta pieza y luego creo que el demo por completo va a ser de unos 25 minutos. Sigamos adelante y buceemos justo dentro. Empezando a la acción aquí tengo mi boceto, tengo mi imagen de referencia, tengo mi paleta, mi papel blotter, y he puesto los colores abajo en la paleta y estoy empezando a mezclar. Se puede ver el color que estoy tratando de mezclar se resalta con el círculo turquesa justo arriba. Es básicamente el punto culminante realmente brillante en la parte superior de la manzana. Yo hago esa sección primero porque es lo más ligero de toda la manzana. Yo quiero asegurarme de bajar eso ya que acuarela sí tienes que trabajar de claro a oscuro. Va por un morado muy bonito y silenciado. He empezado con el azul ultramarino y luego algo de la quinacridona rosa. Para desaturarlo un poco, he añadido sólo un poquito del nuevo gamboge, que es el amarillo más cálido. Solo lo estoy probando en mi muestra aquí para ver si tengo el color correcto. Entonces voy a seguir adelante y ponerlo en mi boceto. Estoy empezando realmente ligero. Necesito que esto se oscurezca más tarde, pero solo quiero mantenerlo ligero para empezar, ya que realmente no puedo volver atrás y hacerlo más claro si lo hago demasiado oscuro inicialmente. Estoy trabajando en emparejar esta nueva área destacada aquí. Está de nuevo en el círculo turquesa arriba en la imagen de referencia. Yo quiero conseguir un rosa suave. Entonces estoy empezando sólo con una escarlata pirrol realmente regada. Al darse cuenta de que eso es un poco demasiado ligero lo que tengo inicialmente, así que estoy sumando un poco más y revisando otra vez, y eso es demasiado saturarlo y un poco demasiado caliente. Entonces voy a tratar de enfriarlo con un poquito de ultramarina, y también he añadido igual que el pedacito más picante de la luz amarilla hansa. Ahora ese color me queda bastante bien. Entonces voy a seguir adelante y ponerlo en mi boceto. De nuevo, estoy trabajando bastante ligero. Seguramente tendré que oscurecerlo más tarde, pero simplemente no quiero ir demasiado lejos en la oscuridad para empezar, ya que ni siquiera he establecido ninguno de los tonos medios. Simplemente estoy bloqueando en todas partes veo ese color. Ahora, voy a trabajar en mezclar esta sección verde que he destacado aquí. Por lo que estoy empezando con la luz amarilla hansa y he añadido en un diminuto poco de azul fthalo. En este punto está un poco demasiado saturado, así que estoy sumando un poquito de escarlata pirrol. rojo es el cumplido del verde, así que eso me va a ayudar a derribar la saturación. Se ve mejor, pero en realidad me parece un poco demasiado caliente. Entonces voy a seguir adelante y mezclar un nuevo verde que es, empieza con dos colores fríos diferentes. Voy a hacer la luz amarilla hansa que es cool, y el azul ultramarino que es fresco. Voy a revisar y ver cómo se ve eso. Ahí vamos. Creo que ese es el ganador. Voy a seguir adelante y a acostarlo. Ahora, quiero trabajar en este color naranja que he destacado aquí nuevamente en el círculo turquesa. Empiezo con ese verde que me mezclé antes, que estaba un poco demasiado caliente. He añadido en un poquito del nuevo barco de juego y luego el poquito más pequeñito del escarlata pirrol. Estoy tratando de volver a bloquear en todas partes veo este color, y estoy rebotando de nuevo a ese verde más fresco ahora para acostarme un poco alrededor del tallo de la manzana. Eso realmente me parece el verde fresco. Entonces hay un poquito pequeñito aquí arriba en la parte superior de la manzana. Ahora voy a la transición a mezclar el rojo principal. Esta sección aquí que he destacado es la parte más saturada. Sólo estoy probando la escarlata pirrol pura. mí me parece demasiado caliente, así que estoy agregando en alguna rosa de quinacridona. Vuelvo a comprobar eso. Mira un poco demasiado cool ahora. Por lo que más del escarlata pirrol. Tratando de simplemente ir realmente despacio aquí, y eso me parece el color correcto. Voy a seguir adelante y ponerlo en el boceto. Todo esto va a necesitar mucho más matiz más adelante, pero por ahora sólo estoy tratando de bloquear en la mayor parte de donde veo este color rojo más saturado. Me estoy dando cuenta de que voy a necesitar más de ese mismo color, así que solo estoy mezclando más de la escarlata pirrol y la quinacridona rosa y continuando trabajando mi camino a través de la pieza, tirándola por todas partes donde veo ese color. Ahora, estoy queriendo mezclar un poco más de este tipo de color naranja. Estoy empezando con mi escarlata pirrol y un poco de gamboge nuevo, que simplemente está demasiado saturado. Entonces lo estoy derribando un poquito con solo un pequeño toque de azul fthalo. Voy a revisar, todavía demasiado saturarlo. Entonces voy a agarrar un poco más de azul fthalo. He ido demasiado con el fthalo y terminé con un color azul verde. Entonces en lugar de pelear eso, sólo voy a empezar de nuevo en una pila nueva, se pone un poco más de gamboge nuevo, poco más de la escarlata pirrol, y luego mezclar en un poco de ese color que tenía el fthalo demasiado azul en ella. Sólo voy de ida y vuelta con el pirrol y el nuevo gamboge hasta llegar a la calidez correcta. Creo que me estoy acercando aquí, así que voy a revisar de nuevo mi muestra. Eso se ve mucho mejor. Entonces voy a seguir adelante y empezar a sentar eso. Aquí quiero desarrollar algunas de las sombras y las áreas verdosas. Entonces estoy agarrando un poco más del mismo color verde que desarrollé antes. Yo he mezclado un poco más de eso. Nuevamente, esa es la luz amarilla hansa y la ultramarina. Estoy ejerciendo a través de la zona más sombría, más oscura, menos saturada de la parte verde de la manzana. Estoy rebotando de ida y vuelta con ese color rusk desaturado que también hice. Por lo que yendo de ida y vuelta entre el verde y el rusk, tratando de conseguir que las partes de sombra la manzana al valor correcto y al color correcto para luego seguir trabajando en las porciones más oscuras de la manzana con ese color rusk desaturado que hice. En este punto siento que necesito más del verde sombrío fresco. Estoy mezclando algo más de luz amarilla hansa y algunos ultramarinos. Eso me parece bien. Voy a seguir adelante y poner eso abajo y simplemente ablandando los bordes aquí y agregando algo de ello a la parte interior izquierda del tallo ya que eso también está en sombra. Ahora, estoy agarrando más o menos sólo un escarlata pirrol puro, una versión regada de un escarlata pirrol puro, y haciendo un lavado sobre todas las zonas rojizas como Apple. Yo lo estoy haciendo por un par de razones. En primer lugar, porque no se siente lo suficientemente saturado para mí, creo que necesito amplificar la saturación y profundizar un poco el valor. Segundo, porque quiero hacer más de un sentido de unidad y en este momento el color es realmente irregular. Por lo que hacer algunos lavados de un solo color sobre la parte superior me va a ayudar realmente a conseguir más de ese sentido unificado. Ahora estoy agarrando un poco más de mi desaturado color rusk y solo sigo trabajando eso a lo largo de la frontera entre las áreas verde y roja. En este punto ahora que he bajado todos estos tonos medios, puedo ver que mi punto culminante es demasiado ligero. Voy a oscurecer la porción más destacada ahí solo para que no destaque tanto del resto de la pieza. Mezclando un poco más de mi color rusk aquí. Yo sólo voy a seguir tratando de desarrollar las zonas oscuras de esta manzana. He ido realmente poco a poco con los valores aquí. Por lo que los valores oscuros están llegando en último lugar ya que esa es realmente la mejor manera en que prefiero trabajar con acuarela para asegurarme de que obtienes los valores correctos, construyéndolos gradualmente con el tiempo. En este punto quería ser un poco más fresco, así que he puesto bastante de la rosa de quinacridona en mi pincel para darle a esa sombra más de un sentido fresco. Como hablamos en las lecciones de color, tener algo que tenga una temperatura más fría realmente puede ayudar a tus sombras a leerse como sombras. En este punto quiero tratar de conseguir un buen color para el tallo. Ese color que mezclé antes cuando intentaba hacer la naranja, que tenía demasiada mancha en ella, en realidad es justo justo para el tallo. Ahora, quiero desarrollar este bit aquí donde lo más destacado se encuentra con el resto de la manzana. mí me parece un poco demasiado duro como lo tengo ahora mismo, así que solo lo estoy ablandando un poco. Ahora, voy a seguir adelante y trabajar en la sombra de gota. Quiero seguir adelante y mantener mi sombra luciendo bonita y fresca. Voy a trabajar con ultramarina, bastante ultramarina. Simplemente lo estoy tirando en el mismo lugar donde tenía mi mezcla de punto culminante. Entonces ya hay un poquito de la rosa de quinacridona ahí dentro. Estoy mezclando un poco más de rosa quinacridona y luego una vez más, derribando la saturación con la luz amarilla hansa. Es un poco más frío que lo que hay en la imagen de referencia. Pero voy a seguir adelante y tomar esa decisión para dejar lo que quiero estar ahí en lugar de lo que realmente está ahí ya que quiero mantener mi sombra agradable y fresca. Hay muchos colores cálidos en manzana. Creo que tener un tono más azul a la sombra va a complementar realmente ese color naranja-rojo en la manzana bastante bien. Solo estoy tomando una decisión ejecutiva aquí basada en lo que sé de la teoría del color para seguir adelante y empujar esa sombra hacia el extremo más azul más fresco. Necesito mezclar una versión más oscura del mismo para la parte más oscura más profunda de la imagen de referencia. Entonces yo estoy haciendo lo mismo. Otra vez es quinacridona rosa, ultramarina, y luego como quiero que se oscurezca aún más, estoy mezclando más de la hansa luz amarilla, y sólo voy a poner eso abajo en la parte más oscura de la sombra gota derecha debajo de la manzana. Siento que el rojo de la manzana, sobre todo en este destaque más suave del costado aquí, terminó poniéndose un poco demasiado caliente. Entonces estoy mezclando alguna escarlata pirrol con alguna rosa quinacridona. Voy a hacer un lavado de enfriador sobre la parte superior de esto para tratar de conseguir la temperatura donde creo que necesita estar. Ya puedo decir que me voy un poco pesado aquí, así que voy a usar mi toalla de papel, solo cuídate un poquito de ella. Los colores aún se sienten un poco demasiado calientes para mí en comparación con la referencia. Pero eso es algo que podré cuidar más adelante con lápiz de colores. Simplemente voy adelante y trabajando en algo más de esa sombra, color de descanso, para tratar de conseguir los valores justo en el lado de la sombra de la manzana. Nuevamente, ablandando los bordes con el pincel más pequeño. Simplemente tratando de asegurarme realmente de que tengo todas las áreas que tienen ese color rusk exactamente como deberían ser. El color correcto, el valor correcto, trabajando en algunos más del verde oscuro. Esto no tiene por qué ser perfecto porque voy a matizar a todos estos mucho con lápiz de colores. Pero cuanto más me haga ahora, más fácil será cuando llegue el momento de trabajar con lápiz de colores. Voy a seguir adelante y secar aquí mi pieza, ya que estoy trabajando en el reloj y tratando de ser agradable y rápido, y luego pasaremos a lápiz de colores. 9. Demostración: parte 2: Entonces aquí vamos a la porción de lápiz de color de la pieza, la capa de acuarela está completamente seca, así que voy a seguir adelante y elegir lo que creo que necesito para mi paleta de lápices de colores. Como ya hablé en la lección de color, cuando estés trabajando con colores premezclados o premezclados, quieres intentar empezar con la sección más grande, una paleta de colores más grande, que esperemos que te permita hacer un coincidencia precisa con menos mezcla. Por lo que sólo empecé con los seis colores iniciales para la acuarela y se puede ver ya tengo mucho más que eso para lápices de colores. Estoy tratando de mirar la referencia y ver qué colores hay en la referencia y qué colores creo que necesitaré para poder igualar esos con precisión. Por lo que aquí tengo algunas agrupaciones principales diferentes. Tengo algunas cremas, y algunos amarillos claros, algunos amarillos más profundos y amarillos más brillantes, algunos tipos diferentes de naranjas, algunos son rojos más cálidos, rojos fríos, más saturados, menos saturado, más oscuro, y tengo algunos verdes diferentes también. Básicamente acabo de tratar de mirar la imagen de referencia y obtener un sentido, basado en mi instinto de tripa, qué colores creo que voy a necesitar. Entonces solo estoy tratando de igualar este color aquí que he resaltado con el círculo turquesa, así que voy con el rojo presaturado y luego el rojo menos saturado y voy a probar los dos fuera. Voy a seguir adelante y emparejar unos colores inicialmente solo para que sepa cuáles voy a usar. Entonces estoy tratando de conseguir este color aquí, este color de óxido de sombra. Entonces estoy probando un refrigerador desaturado naranja, y luego quiero encontrar el color para este lugar de transición entre el óxido y el verde. un principio me parece un poco del lado anaranjado, pero tengo la sensación de que en realidad va a ser bastante amarillo. Entonces creo que esos son los colores principales que necesito los rojos y los amarillos. En realidad he cambiado de opinión en mi enfoque. Creo que en lugar de entrar primero con los rojos, voy a empezar a tratar de bajar algunos de estos pequeños puntitos que están a través de la superficie de la manzana y no quiero usar el blanco porque el blanco sería un poco demasiado duro así que voy a entrar con un color crema suave. Es un lápiz muy bonito afilado que tengo aquí y solo voy a marcar algunos de estos puntos blancos solo para asegurarme de que tengo esos abajo, va a hacer mucho más fácil incluirlos esta manera que si tuviera que agregarlos arriba más tarde. Voy a ir a mi siguiente color más claro que es ese brillante amarillo verdadero y voy a trabajar a través de algunos de los puntos de transición entre el verde y el óxido y tratar de bajar ese tono amarillo. Ahora voy a empezar a trabajar en algunas de las zonas oxidadas de la manzana, el color oxidado, estoy usando ese enfriador, naranja menos saturado y solo me paso por todas partes donde veo ese color. Ahora voy a cambiar a algunas de las zonas más verdes de la manzana tratando de bajar esta sección del lado de la manzana aquí que está en el lado de la sombra, pero en realidad es un poco más ligero, parece que tiene un reflejo desde la superficie regresando a ello, y luego estoy trabajando en esa naranja más caliente, más saturada que me viste iniciar la prueba al principio en la parte inferior de la manzana justo aquí y solo estoy trabajando en pequeños trazos circulares con mi lápiz. Estoy tratando de conseguir algo del color lateral aquí siento que necesita ser un poco más oscuro y tal vez incluso un poco más cálido verde. Entonces he llegado a buscar la cáscara de lima de Prismacolor, que es un poco más oscura que el verde que estaba usando y está bastante caliente. Ahora cambiando de engranajes al rojo, he recogido, creo, esto es rojo carmín. Es un rojo muy brillante, muy saturado, fresco y ahora rebotando de nuevo a algunas de las porciones de sombra. Después entrando en esta porción aquí arriba, el lado de la sombra junto al tallo, parece ser más de un verdadero verde, y luego este es un enfriador silenciado, color melocotón. Volver a ese rojo carmín. Entonces aquí voy a trabajar en probablemente el lápiz de color más oscuro que he usado hasta ahora. Esto es rojo toscano. Yo solo quiero conseguir este valor la parte oscura de esta manzana más cerca de donde necesita ser así que rojo toscano va a ser el color perfecto para ayudarme a hacer eso. Este también es un rojo oscuro. Creo que es lago carmesí. Creo que ese es el nombre del color, pero no es del todo tan oscuro como el rojo toscano pero va a ser genial para un color de transición. En este punto, creo que estoy listo para ponerme un poco más ligero con ese resaltado por lo que he recogido melocotón claro, que en la paleta de Prismacolor tiene mucho blanco en ella. Entonces sólo voy muy sutil, muy suave sobre algunas de las áreas más claras de este punto culminante, no estoy cubriendo todo, solo estoy tratando de hacer las porciones que en realidad leen como más brillantes y más ligeras. Entonces voy a tomar algo de ese mismo color y trabajar alrededor los bordes del resaltado superior solo para suavizarlos un poco. Siguen leyendo como un poco demasiado duras, a pesar de que sí traté de suavizarlos con la acuarela, por lo que el lápiz de color es una gran manera de unificar algo del color allá arriba y asegurarme de que no tenga un borde crujiente tan antinatural. De vuelta con algunos de estos rojos más brillantes aquí usando un rojo de amapola aquí mismo, que es sólo un rojo verdadero realmente brillante, realmente saturado, cálido. Entonces aquí voy a volver a describir algunas de estas porciones más ligeras que he hecho y en realidad suavizarlas un poco, así que solo quiero tenerlas inicialmente, solo eran puntos muy crujientes, afilados. Se han suavizado un poco por tener los otros colores, poner encima de ellos pero si puedes imaginarte esas pequeñas motas que están en una manzana, normalmente sí tienen bordes suaves así que solo estoy tratando de plumas algunos de esos bordes un poco con el color crema. Ahora por primera vez vengo aquí con un poco de blanco puro. Esto es sólo el blanco Prismacolor. De nuevo, puedes ver que no voy a repasar todo el punto culminante con él. Al igual que hablamos con luces y oscuros siendo realmente juiciosos y realmente doble comprobando si lo que parece ser un verdadero blanco puro es de hecho un verdadero blanco puro porque tener algunos de esos matices en las porciones más claras de tu tema en sí, eso va a ser lo que realmente hace que se vea realista a diferencia de si solo tienes un gran bloque de blanco puro cada vez que tengas un punto culminante. Nuevamente, un poco más de la amapola roja. Ahora transitando hacia algo más de desarrollo en el lado de sombra de la manzana y específicamente el área verde. Simplemente mirando la referencia en comparación con lo que ya tengo abajo en mi pieza, puedo decir que necesita ser tanto más oscuro como más fresco. Entonces estoy probando un color llamado celadón verde, que es un verde tipo jade neutro fresco. Es el mismo que usaba antes, y sólo va a ser un buen partido tanto para el matiz como para la temperatura y el valor de esta sección de la manzana. Nuevamente, de vuelta a esta zona oscura. Cuanto más oscuro y más desarrollado consigo todo lo demás, sigo sintiendo que esto no es lo suficientemente oscuro. Entonces voy a usar uno de los trucos de los que hablamos, de nuevo, en las porciones de sentarse de la lección y eso es oscurecer el color con sus complementos. Entonces voy a usar un verde oscuro, que verde, como recordamos, es el complemento del rojo. Ahora necesito desarrollar esta porción aquí arriba, este pequeño pedacito verde que está asomando. Después de volver al lado verde más oscuro de la manzana solo para tratar acercar la sombra al valor preciso en este punto para ayudarla a leer como sombra. Muy bien, un poco más de desarrollo en los rojos aquí y de vuelta al amarillo, vuelta a algo de naranja, sólo tratando de conseguir la temperatura correcta, la saturación correcta en todas las pequeñas áreas rojas. En este punto de la pieza, realmente nos hemos desarrollado y realmente dispuso todos los grandes bloques de color así que lo que estoy haciendo aquí cuando cambio de ida y vuelta entre estos lápices de colores es que solo estoy mirando las diminutas rebanadas de color. Estoy haciendo el mismo proceso que hemos hecho, la mirada, la acostada, comparar, ajustar, pero las secciones que estoy viendo se han hecho cada vez más pequeñas y cada vez más pequeñas. Entonces empezó con mirar los grandes bloques de color y ahora estoy mirando y comparando estas pequeñas diminutas áreas de color para tratar conseguir el matiz de esos colores exactamente como deberían ser. Simplemente sigo rebotando de ida y vuelta entre los diferentes rojos y naranjas y verdes tratando de conseguir esas pequeñas áreas de color matizado exactamente como deberían ser. Ahora voy a seguir adelante y desarrollar un poco la sombra elenco, la sombra gota, y de nuevo, sólo voy a rebotar de ida y vuelta entre diferentes colores aquí en pequeñas zonas diminutas tratando de bajar el matiz. Voy a volver a recoger ese lápiz de color crema y tratar de conseguir algunas de estas áreas más claras, estas pequeñas estriaciones que están saliendo de alrededor del tallo de la manzana, tratar de conseguir algunas de esas hacia abajo. Nuevamente, soy capaz de trabajar con este color más claro encima de los colores más oscuros porque mucho de lo que hay aquí debajo es acuarela. Entonces algo así como una crema va a ser realmente agradable y opaco encima de capa de acuarela en contraposición a si hubiera hecho esta pieza entera con lápiz de color, no sería capaz de capas de la misma manera. Más de esos pequeños detalles de luz. En este punto, voy a trabajar un poco más en la sombra, y en general, siento que la sombra tiene una buena cantidad de rojo en ella, así que voy a reflejar eso en la pintura, pero cuando se trata del resto de la sombra gota sigo siendo va a hacer lo que inicialmente había planeado e intentar mantenerlo bastante neutral, bastante cool. Entonces estoy usando una combinación de un morado realmente, realmente claro grisáceo, que es un color bastante fresco. Entonces en este punto solo voy a rebotar de ida y vuelta bastante rápidamente entre diferentes colores muy claros y colores muy oscuros. Básicamente estoy trabajando en bajar esas luces más ligeras y oscuras, suavizando más de los bordes de los pequeños puntos a través de la manzana, continuando desarrollando la sombra, que en realidad es un valor bastante ligero, y luego agregando un poco de destello a lo largo del borde del tallo y más sombras en el área interior del tallo. Estoy usando ese mismo proceso de sólo mirar y comparar e intentar obtener los valores correctos, los tonos correctos en todas estas pequeñas áreas diminutas. Simplemente poniendo algunos toques finales a lo largo del borde aquí. Quiero asegurarme de que ese borde realmente se lee como una superficie que se curva hacia atrás así que necesito asegurarme tener un poco de sombra diminuta corriendo por el borde ahí y luego haciendo algunos toques finales con el blanco puro y la crema y creo que voy a llamarlo un día. Entonces como mencioné, muchas de mis otras piezas serían más de cinco o seis veces más largas que esto, por lo que no es del todo perfecto, pero espero que puedas tener un buen sentido para este proceso y para cómo tomo decisiones con color a lo largo del transcurso de una pintura. Si estuviera trabajando en un 10-20 nuestro cuadro, sólo estaría haciendo más del mismo proceso. Por lo que sería el mismo ciclo, sería la mirada, sentar, comparar, ajustar. Simplemente serían muchas, muchas más veces y estaría teniendo probablemente más capas y posiblemente incluso otros medios así como gouache o pastel. Entonces eso es todo para la demo. 10. Errores comunes: De acuerdo, bienvenido de nuevo. Entonces esa fue la demo. Ojalá, fue realmente útil y sientes que tienes un sentido más integral de estos diferentes aspectos del color y cómo usar y ver el color en tu imagen de referencia en tu pintura. Antes de terminar la clase, sí quería tomarme un momento rápido para solo repasar algunas de las trampas comunes para los artistas principiantes cuando primero intentan crear color realista. La realidad es que los principiantes pueden ser más susceptibles a algunos de estos errores pero realmente hay cosas que todos tenemos que cuidar de ser cautelosos y evitar para crear un color realista. Hemos hablado de esto un poco en otras lecciones. Yo solo quiero desempacar un poco más. El primer escollo es la tendencia a hacer un color ya sea demasiado oscuro o demasiado claro por lo que no obtienes el valor correcto. Este es un reto para principiantes y realmente para todos nosotros porque ver matiz en valor, al igual que ver matiz y color es una habilidad que lleva tiempo desarrollarse. Muchos de nosotros, cuando estemos por primera vez, tendremos una tendencia a hacer automáticamente las áreas que parezcan realmente oscuras, y las que parezcan claras casi blancas. Por lo que tenemos una tendencia a hacer que el valor sea demasiado extremo. En realidad, a menos que el sujeto esté iluminado por una luz artificial, antinatural realmente dura , la mayoría de los colores que vemos en la mayoría de los sujetos son tonos medios. Entonces están esas verdaderas luces y las que son casi negras, pero la realidad es que la mayoría de los colores están en algún lugar de ese espectro medio. Por lo que sólo tener una conciencia de que la tendencia puede ser ir demasiado lejos en cualquier dirección e ignorar el terreno medio puede ayudarte a recordar tomar una segunda mirada y ojalá que esos tonos medios bajen con precisión. Una forma en que te puedes ayudar a hacer eso también es tratar reservar los oscuros y las luces más claras hasta el final de tu pintura. Entonces aunque pienses, Sí, esta zona de aquí, esta es casi negra. Intenta o espera hasta que tengas algunos de los otros tonos medios hacia abajo antes de bajar esos oscuros más oscuros. Si guardas eso hasta el final, puede obligarte a ver más de los tonos medios y asegurarte de que los estás bajando con precisión. De lo siguiente que hay que tener en cuenta es algo bueno, pero viene con retos, y es que todos tenemos estos cerebros increíbles que recuerdan mucha información sobre el mundo que nos rodea. Entonces una de las cosas que nuestros cerebros hacen para aferrarse a toda esta información es simplificarla. Entonces recordamos que un árbol es verde, el océano es azul, una manzana es roja, una vaca es blanca y negra, y tenemos estas imágenes mentales que podemos llamar a la mente de estas cosas. Caminamos todo el tiempo con la memoria y el conocimiento del color que creemos que son estas cosas. Entonces cuando llega el momento de pintar realmente esa cosa, cuando llega el momento de pintar realmente el árbol o la hoja, por ejemplo, nuestros increíbles recuerdos pueden funcionar en contra de nosotros porque tratan de recordar la versión simplificada y nos hacen pensar que eso es lo que estamos diciendo en la vida real. Entonces hemos estado pintando una hoja y nuestro cerebro pensará, Sí, las hojas son verdes. Entonces sobre todo para principiantes, eso será una tendencia a hacer la hoja demasiado verde, casi como un icono de una hoja o una caricatura de una hoja, a diferencia de la realidad de una hoja verde verdaderamente compleja que sí, sí tiene verde y sí lee como verde, pero probablemente no está tan saturado, probablemente tiene bastante rojo en él también. Eso conecta bastante bien con la siguiente tendencia, el siguiente escollo, que también es algo que hemos tocado y esa es la tendencia para los principiantes a hacer colores demasiado saturados. Esto es parcialmente por nuestros recuerdos de las cosas que se simplifican más y se convierten en la forma ícono de ellas a diferencia de la forma real de ellas, pero también es solo porque los colores saturados son realmente hermosos y son atrayentes y son divertidos de mirar. Por lo que hay un deseo de usar mucho color saturado cuando tal vez no esté en realidad en el verdadero tema de la referencia. De nuevo, diré lo mismo que dije antes cuando mencioné esto; no hay nada de malo en usar color puramente saturado. Si ese es el estilo al que quieres ir, genial. Pero si estás tratando de crear un trabajo realista, solo recordando que la verdadera saturación pura es muy rara en la vida real, sobre todo si estás pintando objetos naturales; así que frutas, animales, plantas, personas, simplemente no hay mucho puro saturación en el mundo. La mayoría de las cosas que están puramente saturadas son cosas que son hechas por el hombre. Por lo que sólo tener una conciencia de eso ojalá te ayude a marcar un poco atrás y guardar esos momentos de pura saturación para cuando realmente sí aparezcan en tu referencia. El extremo opuesto del espectro también puede ser un reto para los artistas principiantes. Esto es algo que nos tocó también con la mezcla y eso es barro. Entonces, a veces si estamos tratando de desarrollar un color matizado, sobre todo para usar colores premezclados o premezclados, la tendencia tal vez a hacerlo un poco para usar demasiadas mezclas diferentes, para usar demasiadas mezclas diferentes, y eso puede hacer que el color pierda su vitalidad y tenga un poco de sentido fangoso. Entonces lo básico a recordar aquí es que si terminas usando demasiados pigmentos diferentes, esa es la situación en la que puedes crear barro. Entonces si estás usando colores de pigmento puro, es un poco más difícil tener barro. Si estás usando colores premezclas, es un poco más fácil. Por lo tanto, si estás usando esos colores premezclas, haz lo mejor para igualar directamente un solo color en lugar de capas muchos colores unos sobre otros. Si estás usando los pigmentos puros, no tienes que preocuparte tanto por ello, pero solo tienes que hacer un seguimiento de cuántos pigmentos diferentes, cuántos colores diferentes tienes en tu mezcla. El único fastidio de este punto es que si estás trabajando en mezclar un color, sobre todo si estás trabajando en un medio como acuarela o lápiz de color y el color se pone demasiado fangoso, puede ser complicado guardar eso. Si estás trabajando en óleo o acrílico, solo puedes esperar hasta que se seque o raspar de tu lienzo y empezar de nuevo, pero una vez que el color con acuarela se pone fangoso, sí tienes opciones limitadas. Es posible que puedas agregar algún lápiz de color en la parte superior, un poco opaco lápiz de color que cubrirá parte de él hasta. Como mencioné, cuando hablamos por primera vez de barro, no te sientas con miedo de que esto vaya a suceder. En algún momento lo hará. Arruinarás una pintura con color demasiado fangosa y aprenderás de eso. Por lo que sólo tener esa conciencia básica de cuando se trabaja con mezclas, intenta usar menos y cuando se trabaja con pigmentos, no tienes que preocuparte tanto por ello. Está bien. A continuación, vamos a terminar la clase y hablar del proyecto de la clase. 11. Conclusiones y proyecto de clase: Bienvenido de nuevo. Por fin hemos llegado a la última lección. Ahora es el momento de que tomes todo lo que has aprendido y juntes todas esas piezas y lo pongas en acción en el proyecto de clase. Ya hemos cubierto la Parte 1 del proyecto de clase, que es un estudio de valor. Si aún no lo has hecho, espero que te tomes el tiempo para crear algunos estudios de valor basados en tu referencia. Piensa en estos pequeños estudios de valor como una nota rápida para ti mismo. No tienen por qué ser perfectos. No tienen que ser detallados, aunque solo pases diez minutos haciendo esto, bien valdrá la pena tu tiempo. La segunda parte del proyecto de clase es crear una pintura terminada a todo color utilizando los medios de comunicación de su elección. Obviamente, uso acuarela y lápices de colores, pero realmente puedes usar cualquier cosa si quieres hacer acrílico o pastel o marcador o una mezcla de marcador y algo más, la mezcla de otros medios. De todas formas que quieras hacerlo, crea una pintura a todo color de principio a fin utilizando la técnica de la que hemos hablado en todas las demás lecciones. Mirar, colocar el color, comparar y ajustar según sea necesario. Simplemente repitiendo ese proceso una y otra vez. Una vez que hayas terminado, sí espero que te tomes el tiempo para compartir tu trabajo terminado en el proyecto de clase y sobre todo cualquier foto de trabajo en curso. Si tienes alguna nota sobre lo que estás aprendiendo o lo que estás quitando, esto será especialmente útil. Siempre me encanta el proyecto de clase senior en cualquier clase, pero creo que por la naturaleza subjetiva del color, es tan útil para nosotros ver cómo otras personas lo están procesando y cómo otras personas se están acercando a él. Si te sientes cómodo compartiendo tu proyecto de clase, realmente espero que lo hagas. Muchas gracias de nuevo por tomar esta clase. Espero que haya sido de ayuda. Espero que te sientas más confiado en el color y estés listo para sumergirte en la creación de tus propias pinturas coloridas y realistas.