Transcripciones
1. Introducción: Hola y bienvenidos a mi clase de Skillshare. Mi nombre es Vera, soy ilustradora y animadora freelance, y estoy radicada en Hamburgo, Alemania. Tengo pasión por el diseño de personajes y animación
tradicional y en mi clase te enseñaré cómo diseño personajes que cuentan una historia dentro sí mismos y te muestran cómo crear una animación 2D con ellos. Esta clase es para artistas un poco más avanzados que se sientan cómodos con trabajar en Photoshop y para cualquier persona que realmente esté listo para un reto, aprenderás un proceso sobre cómo abordar el diseño de personajes, y bastante literalmente dar tu arte otra dimensión. Para el proyecto de clase, me gustaría que hicieras una hoja de referencia, para conceptuar y diseñar un personaje para abordar una pequeña historia para animación en looped y animar a tu personaje. Puedes etiquetar fácilmente las pautas de personajes e historias proporcionadas o puedes aplicar estos pasos a tus propias ideas de personajes e historias. A mí me emociona ver lo que se te ocurre y saltemos de inmediato.
2. El resumen: Por lo que para esta lección, comenzaremos con The Breve. Te he preparado un personaje,
y lo voy a delinear recto para que
solo puedas etiquetar lo que estoy haciendo. Entonces aquí vamos. Es una chica duende. Es skittish, es cleptomaniaca, es impredecible, es animalista y feroz,
pero también es cariñosa . Vamos a utilizar el diseño del personaje después para crear una animación donde el personaje reacciona ante una mariposa. Te incluiré la animación mariposa para que no tengas que preocuparte por eso. De lo contrario, si quieres hacer una animación de mariposa, solo vete salvaje y noquea. Si ya tienes un diseño de personajes y solo quieres hacer la animación, puedes
saltarte las primeras lecciones sobre preparación, concepto y diseño de personajes, y seguir adelante con el desarrollo de la historia. Nuestros videos de animación.
3. Gathering materiales de referencia: Vamos a empezar por pensar en el personaje. Vamos a conocer al personaje. Nos vamos a sentar y estamos pensando ¿quién es este personaje? ¿ Cómo está actuando? ¿ Cómo se ve ella? Seguirás adelante y encontrarás referencias que te ayuden a crear tu personaje. La vida es realmente la mejor fuente de referencia que puedes obtener. Pero de lo contrario, usaré Google y usaré Pinterest. Sólo tienes que ir y buscar referencias sobre cómo aparecen. Por ejemplo, especies en este caso, duendes. El gesto, ¿cómo sostienen sus cuerpos? ¿ Cómo se mueven? Referencias de expresión, ¿cómo se ven? Su ropa, accesorios, adorno para el cabello. Si quieres subir tu proyecto más tarde, me encantaría ver tu pizarra de humor, o tus materiales de referencia ahí también. Vamos a seguir adelante.
4. Dónde golpear la inspiración: No siempre es fácil idear un personaje, así que me gusta escoger un personaje que está existente en un libro o una película, en una serie o algo o un espectáculo. En este caso, escogí a Nott, The Brave. Es de Critical Role, que es un espectáculo donde interpretan Dungeons and Dragons. Es un canal de YouTube. Es muy entretenido, y puedes llegar a conocer un poco mejor a Nott, si quieres. De lo contrario, solo ignora lo que acabo de decir y solo sigue adelante con el breve. Lo que me gusta de Nott, es que ella tiene un elemento contradictorio para ella. Se ve como una niña pequeña, pero en realidad no lo es. Los accesorios, las cosas que tu personaje lleva sobre ellos, la ropa que usa, todo cuenta una historia. Todo se trata de las pequeñas cosas y el detalle, y esto es lo que vamos a buscar.
5. Hoja de referencia: Cualquiera que sea la referencia que puedas encontrar, solo lo reúna en algún lugar y simplemente lo abofetea en un documento. No importa. No tiene que ser bonita. Es solo para ti de verdad. Mientras entiendas lo que estás haciendo con él, eso está bien. En resumen, así es como trabajo. Simplemente reúna todas las fotos que quiero usar en una carpeta, luego abro un documento de Photoshop en el tamaño de una A3 o A4. Pongo todas las fotos adentro. Los organizo por tema, y luego simplemente lo guardo, y tengo todo lo que quiero mirar en una sola hoja. Se puede ver que he reunido un montón de materiales de referencia. En primer lugar, tengo estos diseños de personajes que he reunido, que fueron hechos por otros artistas. Los coleccioné sin razón específica realmente sólo porque me hablaron en un nivel. Es solo una guía útil para ver cómo se acercaba la gente. A lo mejor encuentres algo aquí en lo que no has pensado. Tomemos éste por ejemplo. Si lo miro, puedo relacionarme con este personaje. Me dice cómo se siente. No sólo es su expresión en su rostro, y su pequeño gesto encorvado, también
lo es, y eso es lo que quiero señalar aquí,
sus orejas, sus grandes puntiagudas orejas que están emocionando con ella. Sus oídos indican cómo se siente. Entonces a continuación, esto de aquí, lo
miré y sentí que se siente un poco demasiado vieja para mí en este momento. Creo que es un poco más joven. Para mi diseño, quiero hacerla un poco más joven. Pero lo que me gusta de este diseño, por ejemplo, son los ojos grandes. Eso es lo que me gusta de este. Además, en lo que realmente no pensaba antes eran los aretes y el anillo de la nariz que podría llevarme. Entonces la última imagen de referencia aquí es en realidad de una animación, que es increíble. Deberías ir a buscarlo porque es solo wow. Lo que me gusta de este diseño son sus dientes. Muestra sus rasgos animalistas. A continuación, he buscado fotos de referencia sobre niñas de ocho años porque sentí, sí, que podría ser su edad. Simplemente voy a encontrar algunos materiales, y no me decepcionó. Encontré algunas de estas chicas que se veían realmente lindas. Al mismo tiempo, realmente molesto, y un poco molesto. Me ha gustado mucho la expresión en este. Simplemente dice tanto. No sé qué ve ella, pero claramente no es algo que le guste. Entonces me puedo relacionar con estos, sobre todo porque creo que así me veía la mayor parte de mi vida de joven. Simplemente me llevaré con esos. Entonces hay otro rasgo que quiero cubrir, que es un poco animalista e impredecible de ella. Estaba buscando animales, y ya que me gustan las orejas en la referencia que encontré. Decidí que un gato probablemente
representaría lo que me gusta de este personaje o cómo creo que podría actuar el personaje. Ya sabes cómo son los gatos. Son como, sí si me acaricias, me gustas. Pero yo también podría decidirte sólo garra en un momento. Podría aceptar tu acariciarte ahora mismo, pero también podría morderte. Sólo ten cuidado. Se puede ver cómo giran sus oídos y cómo exponen sus dientes. Regresando a los dientes. Yo quería meterme más en eso, así que encontré algunos materiales de dientes irregulares para otro gato. Creo que es como un guepardo o leopardo o algo así. No lo sé. Justo esta muy típica boca infantil con grandes huecos ahí dentro. Sí, cosas así. Esa es mi hoja de referencia. Entonces empecé a anotar los puntos que tenía sobre ellos, así que no los olvido. También empecé a bosquejar encima de las capas. Saltemos a la siguiente lección y empecemos con el bosquejo.
6. bocetos: Ahora que he reunido todas mis referencias en una sola hoja, solo
iré y pondré otra capa
encima y luego solo tomaré notas encima de eso. Aquí están los rasgos que ya le había marcado en la sesión informativa. Señalé las características que me gustaron y cada una de las imágenes de referencia. En realidad es una pícara que informará un poco del diseño del personaje, por supuesto. Simplemente seguí adelante e hice algunos bocetos de personajes sin ningún plan realmente. Simplemente formas simples, bocetos rápidos, tratando de captar la emoción y en este caso, traducir un personaje que es el gato a un personaje que es duende, o como algún humano, forma a figurar. Si tienes fotos de referencia de animales, ese es un bonito reto para que intentes traducir, las expresiones en sus rostros a un rostro humano. Podrás entrenar tus habilidades observacionales mirando imágenes de
referencia e intentando capturar su esencia y bocetos rápidos. Cuando sientes que tienes una idea de lo que es este personaje, puedes empezar a esbozar algunas pequeñas poses, algunos pequeños momentos, cómo actúa ella, expresiones, cosas así. Sólo diviértete. Estaba pensando en cómo reaccionaría este personaje a ciertas cosas y cómo interactuaría con su entorno. Ahí vio a esta mariposa y luego la siguiente foto es como si estuviera [inaudible] disfrutara de la mariposa. Una vez que tienes que sentir por tu personaje, solo reúne todos tus bocetos en una hoja como lo hiciste antes con tus fotos de referencia y subirlos a tu proyecto.
7. Diseño de personajes: Ahora que conocemos a nuestro personaje, vamos a seguir adelante y crear un Diseño de Personajes. Ahora puedes atar las decisiones que tomaste en los bocetos que hicimos antes. Será una alineación del personaje para mostrarte cómo tratarla desde diferentes ángulos e informar su diseño que se moverá en el espacio 3D. hora de diseñar para animación, siempre se quiere tener en cuenta que cada línea que hagas se va a mover. Tan solo trata de mantenerte simple. También puedes ir por encima de la parte superior. Soy una persona perezosa, trato de reducir todo lo posible. No tengo tanto trabajo cuando se trata de animación. Se puede ver cómo construí el diseño a partir de formas muy simples. Una vez que he establecido la silueta para la vista frontal, solo copio eso y la pongo espejada en el otro lado. Para establecer la vista posterior, puedo borrar varias líneas. Se trata de mantener la silueta y de pasarla un poco más fácil. Es un poco tramposo, pero funciona. Tu Diseño de Personajes tiene que ser consistente en dónde estás poniendo las cosas, en los ángulos de cómo estás poniendo las cosas y esas cosas. Todo lo que haces es tener en cuenta tanto otras vistas del elemento que estás mirando. Una vez que hayas establecido tu Diseño de Personajes en bruto, puedes seguir adelante y crear las líneas finales. Cuando estés creando el trabajo de línea para un personaje que va a ser animado, ten en cuenta que vas a dibujar mucho estas líneas. También puedes mantenerte áspero. Eso depende de ti. Así es como lo hago. Así es como me gusta. Al igual que un poco de línea limpia y por eso creo mi trabajo de línea para la alineación final así. Yo he establecido que ella lleva un collar. Utilizaré este elemento para indicar espacio. Cuando la estoy dando la vuelta en el espacio 3D, en mi cabeza, puedo ver cómo se mueve la abertura del cuello, por ejemplo, y cómo se drapea el color alrededor de su cuerpo. Estas líneas te ayudarán a guiar la animación más adelante. Cada línea que envuelve la forma informará cómo se mueve a través del espacio. Cuando estés diseñando tu personaje, solo ten en cuenta tener esas líneas indicativas a lo largo de tu Diseño de Personajes. Te facilitará mucho más tarde tener un movimiento consistente y ver cómo se mueve el personaje en el espacio. Recuerda poner en detalles pero con moderación, solo ten en cuenta cada línea que estés dibujando en tu diseño tendrá que ser animada. Mantengo todo lo más sencillo posible dando la mayor cantidad de información para mí. Cuando agrego la ropa a mi personaje, tengo en cuenta la forma del cuerpo debajo y trato de imitar las formas, y trato de enfatizar la forma. Para las mangas, claro, podría haber ido con algo muy apretado, pero en cambio, las
dejo estar un poco sueltas y así tienen un poco de espacio para moverse alrededor de sus brazos si quiero mover los brazos. Eso me dará más posibilidades de jugar con movimiento en mi animación. No incluí una hoja de expresiones aquí. Quería ser flexible cuando se trataba de mi animación. Siempre es útil tener una forma establecida de extremos de lo que el rostro puede hacer. Piensa en calabaza y estiramiento. Si aprietas tu cara tanto como sea posible. Este es un extremo y si
levantas las cejas y abres la boca y haces ojos enormes, ese es otro extremo. Igual que con la hoja de expresión. También puedes establecer colores para tu personaje. No tengo una pauta sobre eso para ti porque los colores son muy subjetivos. Lo que sea que se ajuste a tu Diseño de Personajes, elige una bonita paleta de colores. Aquí te dejamos un poco de consejo avanzado para ti si
quieres comprobar cómo se relacionan tus colores entre sí. En términos de valor, puedes cambiar tu vista en Photoshop a blanco y negro y puedes ver cómo los colores se relacionan entre sí en un espectro a escala de grises. Si estableces colores para tu personaje para que puedas agregar eso a tu animación más adelante, te
recomiendo configurar bonitas pequeñas muestras de color ya que esto para que puedas escoger fácilmente los colores cuando estés coloreando en tu animación. Siguiente nivel hoja es algún sombreado si quieres sombrear tus animaciones. Usé un tono morado oscuro. Lo pongo en una capa de multiplicación en 50 por ciento y así es como hice mis sombras. Si quiere hacer eso, también ponga eso en su hoja de referencia para su uso posterior. Para resumir, manténgalo sencillo, recuerda tus bocetos, ten líneas indicadoras. Usa formas simples. Piensa en elementos que podrían moverse sobre tu personaje, como el pelo o la ropa, y recuerda, cada línea que uses tendrá que ser animada. ¿ Ya estás listo para la animación? Vámonos.
8. Historia: En esta lección, hablaré de historia. Ahora hemos establecido ese carácter. Sabemos un poco de ella. Tenemos una idea de quién es ella. Tenemos una idea de cómo es ella. Pero ahora queremos saber qué hace. Te doy el baile de graduación de que hay una mariposa volando. A lo que estamos apuntando es tener un pequeño lazo al final. Un poco de animación que da vueltas y vueltas, será de unos 5-10 segundos. No hay mucho tiempo que podamos contar una historia. Me preguntaba cómo reaccionará este personaje a la mariposa. Muchas personas pensarían, las mariposas son lindas. Podría tenerlo aterriza en su dedo o podría simplemente verlo volar,
o de lo contrario desierto linda mariposa volando por ahí, así que la pequeña duendes chica Grexit en, se lo come. Cuando cuentas una historia, siempre es un poco más interesante cuando tienes un punchline inesperado en su. Cuando estoy animando, quiero empezar con beats de historia, así que tengo pequeños puntos en el tiempo a los que puedo saltar de punto a punto así que tengo este punto y tengo este punto y tengo este punto. Cómo llego ahí es la historia que te estoy contando. Yo lo puedo decir de esta manera o lo puede decir de esa manera. Tener la historia paliza es la línea de base y la construcción de lo que vamos a hacer más adelante. Entonces cuando tengas tu constructo de historia, podemos pasar a la parte de animación.
9. Cómo configurar Photoshop para la animación: Vamos a configurar un archivo de Photoshop para la animación. ¿Deberíamos? Startup Photoshop, ve a Archivo Nuevo y crea un archivo, un 1,000 por 1,000 pixel con una resolución de 200 DPI. También puedes hacer un tamaño diferente. Así es justo como me gusta trabajar e ir a Ver y habilitar la línea de tiempo, y luego puedes crear una línea de tiempo haciendo clic allí. Entonces aquí hay un par de cosas que me gustaría asegurarme antes de que empecemos. Queremos configurarlo en 24 fotogramas, para que podamos animar en esto correctamente. Puedes ver si arrastras una capa, agarras una capa al final, tiene esta cosita de flecha negra. Puedes escalar la longitud de tu capa en el tiempo. Para empezar, configuro una capa de fondo y espero unos siete segundos. Si agarras esta pequeña flecha de ahí abajo y la arrastras a izquierda y derecha, te dará una vista más detallada de tus marcos. Por lo que cuanto más a la derecha esté, más marcos se pueden ver en su área de trabajo, y cuanto más a la izquierda está más visión general se obtiene. Ya ves cuando creas una nueva capa, te
va a dar esto tan largo como cosa, que no queremos. No he averiguado cómo es más fácil, pero así es como lo hago. Lo hago una vez y luego creo una capa que tiene dos fotogramas de largo, y luego puedo simplemente arrastrarla al nuevo botón de capa por ahí, y crea otra capa que también tiene dos marcos de largo. Si arrastras tus capas a una capa, creará un grupo de videos, lo cual es realmente bonito para una visión general. Entonces una vez que tienes muchas capas, se
pone un poco desordenado. De lo contrario, al empezar, es bueno tener tus marcos en diferentes capas para tener un control un poco mejor sobre la longitud de tus marcos. Por ejemplo, si haces tu animación y luego dices: “El tiempo no está del todo bien. Necesito que éste sea un poco más largo”. Eso se puede ajustar fácilmente, y muy importante, si se quiere dividir una capa, sólo
puede poner su cabezal de reproducción en algún lugar, seleccionar capa, y hacer clic en las tijeras para dividir la capa allí y crear una nueva capa. Si haces clic aquí abajo, convertirá tu animación en animación de fotogramas. Nunca he entendido cómo se supone que funciona esto porque te
da segundos para trabajar y es tan confuso para mí, así que no queremos hacer eso, sobre todo porque cuando lo vuelvas a convertir, va a hacer esto, y tendrás que volver a hacer todo, o simplemente puedes volver atrás en el tiempo si tienes tu configuración de historial en consecuencia. Sí. Ahora tienes tu archivo de Photoshop y deberíamos poder trabajar con eso.
10. Principios de la animación: Antes de empezar, necesito que te familiarices con un par de principios de animación. Este es uno de los principios más importantes, cuando se aplica, le da a tu personaje y objetos animados la ilusión de la gravedad y del peso. Piensa en cómo se lanza un objeto al aire y golpea el suelo. Se estirará cuando esté viajando arriba o abajo, y cuando golpee el suelo se aplastará. Es muy importante tener en cuenta el volumen del objeto. Mantener el volumen consistente. Cuando estiras algo se necesita para
adelgazar y cuando se aplasta algo se necesita para ensanchar. La anticipación ayuda a preparar al espectador para lo que está a punto de suceder. Cuando se aplica, tiene el efecto de hacer más realista la acción del objeto. Considera cómo podría verse si saltaras al aire sin doblar las
rodillas o quizás lanzar una pelota sin antes tirar de tu brazo hacia atrás. Parecería muy antinatural o incluso imposible. De la misma manera si tu movimiento animado no tiene esta anticipación hacia
él, se sentirá muy incómodo. Cuando algo llega a un punto muerto después de estar en movimiento, diferentes partes del objeto se detendrán a diferentes velocidades. Además, no todo en un objeto se moverá al mismo ritmo. Si tu personaje está corriendo por toda la escena, sus brazos y piernas pueden estar moviéndose a un ritmo diferente de su cabeza, esto es acción superpuesta. Cuando dejan de correr, probablemente
su cabello seguirá moviéndose por unos cuadros antes de que llegue a un descanso, es
decir, seguir a través. El mejor modo de entender la lentitud y la lentitud es
pensar en un auto y cómo arranca y se detiene. Cuando empiece, comenzará a moverse lentamente antes de ganar impulso y acelerar. Ocurrirá lo contrario cuando se rompa el auto. En animación, ese efecto se logra agregando más fotogramas al principio y al final de una secuencia de acción. Tienes más cuadros para un movimiento más lento y tienes menos cuadros para un movimiento más rápido. Al hacer una animación, quieres apegarte a las leyes de la física. La mayoría de los objetos siguen un arco o un camino cuando se están moviendo, por lo que tu animación debería reflejar eso. Cuando arrojas una bola al aire, sigue el arco natural ya
que el efecto de la gravedad de la tierra está actuando sobre él. Se utilizan acciones secundarias para apoyar o enfatizar la acción principal que se está produciendo en una escena. Por ejemplo, el movimiento repentino del cabello de un personaje mientras camina, o tal vez una expresión facial o un objeto secundario que reacciona al primero. Sea cual fuere el caso, la acción secundaria no debe distraer de la primaria. Para este principio de animación, tenemos que volver a mirar las leyes de la física y tenemos que aplicar lo que vemos en la naturaleza. En este caso, el foco está en el tiempo. Si mueves un objeto más rápido o despacio, de lo que naturalmente se movería en el mundo real, el efecto no será creíble. Usar el tiempo correcto te permite
controlar el estado de ánimo y la reacción de tus personajes y objetos. Eso no quiere decir que puedas empujar un poco las cosas, sobre todo si estás creando un mundo imaginario, pero si sí eres consistente. Demasiado realismo puede arruinar una animación, haciéndola parecer estática y aburrida. En cambio tal vez agregue algo de aceleración a sus personajes y objetos para hacerlos un poco más dinámicos. Encuentra formas de empujar los límites justo más allá de lo posible y tus animaciones estallarán. Dicen que hay dos formas de animar una escena. El principio uno se llama animación directa, y el otro se llama pose para posar. Digamos que tuviste acción implica dibujar marco por marco de principio a fin. Obtendrás movimientos fluidos y realistas pero podría sentirse un poco perdido. Podría perder consistencia en las masas y el diseño de personajes en contraposición a técnica de
post donde dibujas el marco inicial y el marco final y algunos fotogramas en el medio y luego vuelves atrás y completa el resto. Esta técnica te da un poco más de control dentro de la escena y te permite aumentar el efecto dramático de un movimiento. A la gente le importa, Squash y Stretch. Consistencia de las Misas. de Seguimiento y Solapamiento. Encendido lento y despacio. Acción Secundaria. El tiempo y el espaciado, y sus Arcos.
11. Animación: He trazado primero mis ritmos de historia para mi animación. Se puede ver en la esquina superior derecha, algunos de mis nodos en el tiempo. Hice básicamente una línea de tiempo para cómo se está moviendo del fotograma 1 al fotograma 5. Es útil tener en cuenta esas cosas. Una vez que hayas establecido tus ritmos de historia y dónde están en tu momento, solo
puedes animarte derecho. Es bueno tener la pose neutral como referencia en el fondo. Animo en 24 fotogramas por segundo. Eso significa que no dibujo 24 fotogramas por segundo, normalmente trabajo en dos. Eso significa que dibujo 12 cuadros por segundo, a menos que tenga un movimiento muy rápido. En ese caso, voy de dos a unos. En realidad dibujo marco por fotograma. Si quería ser súper suave, dibujo sólo en unos. Pero de lo contrario, basta si animas en dos. Estoy tratando de conseguir líneas limpias aquí, así que redibujo líneas, [inaudibles]. Es diferente de persona a persona cómo prefieren animar. Algunos podrían simplemente seguir adelante y diseñar las líneas y son perfectas al primer intento, pero yo no soy esa persona. También para mí, es importante tener en cuenta el panorama más grande, así que alejo mucho. Repito lo que ya he animado, así que veo cómo el primer fotograma, y el segundo fotograma, y el tercer cuadro funcionan juntos, y si realmente forman un movimiento o si es solo en un rato. Me perdí en el camino mientras dibujaba. Si tienes elementos en tu animación que se quedan quietos, solo
puedes copiarlos. Se puede ver cómo uso los oídos para enfatizar su emoción. Cuando lo ve sus ojos se mueven y sus oídos se mueven también. Cuando se prepara para saltar, sus oídos ayudan a anticiparse al movimiento. Entonces lo que tenemos aquí es un marco de frotis. Porque es una acción muy rápida, utilicé lo más pequeños marcos posible para contar lo que está pasando y para enfatizar el movimiento de su brazo, lo
dirigí a través del marco. Si tienes un movimiento que se está sosteniendo para que tu personaje se quede quieto, aún puedes agregar pequeños movimientos al diseño para darle un poco más de vida. Agrega algo de acción secundaria en un abrir y cerrar de ojos o un movimiento de un ojo porque si
solo tienes un fotograma fijo sin que nada se mueva ahí, se
pone un poco incómodo. Aquí he animado sólo a sus pupilas, así que todavía tengo movimiento, pero solo un poquito y el énfasis está en el punto de enfoque, la mariposa. Te he señalado los arcos en mi animación. Si habilitas los ajustes de piel de cebolla en Photoshop, puedes ver cómo se mueven los puntos de referencia de tu personaje. Aquí están los más extremos de mi diseño de personajes. puede ver que no he sido muy audaz, pero estaba siendo consistente en las masas y el squash y el estiramiento podrían haber sido un poco más squashy y más elástico, pero creo que funciona. Entonces me limitaré a llevar eso como una experiencia de aprendizaje. Cuando se trata de colorear, si quieres colorear tu animación, recomiendo primero exportar el trabajo de línea de tu animación de personaje y luego reimportarlo como un objeto inteligente, que no tengas que escoger los fotogramas correctos en cada punto del tiempo. De esta forma solo puedes ir al siguiente fotograma y luego utilizo la Varita Mágica para seleccionar el espacio vacío alrededor del personaje. Invierto la selección y luego la llene de color. Una vez que tienes la forma del personaje llena, es fácil para ti bloquear el canal alfa y luego simplemente pintar en las formas. También puedes usar la herramienta de selección, depende de ti. Mismo proceso para el sombreado. Como dije antes, uso el morado oscuro que me pongo 50 por ciento y pongo las capas para multiplicarse, así que de esta manera obtienes una sombra agradable y cálida. Cuando estés animando la sombra, ten en cuenta los elementos que se superponen entre sí. Simplemente no lo compliques más. Una vez que hayas terminado con tu animación, puedes darte una palmadita en el hombro por ello porque es una tonelada de trabajo. Simplemente puedes exportarlo como un video o como un GIF y adjuntar la animación final al proyecto de clase.
12. Palabras finales: Muchas gracias por tomar mi clase. Espero que lo hayas disfrutado y hayas aprendido algo. Si me diera una calificación, eso sería increíble. Deja algunos comentarios. Si tienes alguna pregunta, no dudes en preguntar. Me emociona ver tus proyectos de clase y hasta la próxima vez, adiós.
Vera Rehaag, Freelance Artist
