Composición de disparos: crear fotos y videos cautivantes utilizando el movimiento de cámaras | Scott Baker | Skillshare
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Composición de disparos: crear fotos y videos cautivantes utilizando el movimiento de cámaras

teacher avatar Scott Baker, Filmmaker

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:55

    • 2.

      Los ajustes de marcadores ayudan a enmarcar el disparo

      4:49

    • 3.

      Ayudar a enfocar - Asegurar que el disparo nunca sea suave

      3:49

    • 4.

      Profundidad del campo

      3:54

    • 5.

      ¿Manual o automático? Ésa es la pregunta

      3:42

    • 6.

      Cómo enfocar manualmente

      4:43

    • 7.

      Movimientos de la cámara

      6:29

    • 8.

      Velocidad de movimiento de cámaras

      3:10

    • 9.

      Cómo mantener el disparo estable

      5:35

    • 10.

      Reflexiones, úsalos para tu ventaja

      6:49

    • 11.

      Técnicas de enmarcado para dibujar el ojo

      2:53

    • 12.

      Cámara lenta

      2:54

    • 13.

      Conclusión

      0:33

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

352

Estudiantes

2

Proyectos

Acerca de esta clase

Únete al cineasta Scott Baker para ver en profundidad Shot Composition para que puedas crear cortometrajes, videos musicales, bodas, material promocional o cualquier tipo de Videografía o fotografía que hagas.

¿Qué voy a aprender?

  • Ajustes de cámara: ajustes de marcadores, asistencia de enfoque
  • Estabilización — gimbals, handheld, lentes
  • Técnicas de enmarcado — líneas principales, simetría, profundidad de campo
  • Movimientos de cámaras — disparos Dolly y Trucking, velocidad de movimientos, Pan / inclinación / grúa

ESTARÁS LISTO PARA FILMAR:

  • A la calle, con un equipo mínimo
  • Con cualquier tipo de cámara dslr, smartphone o cámara de acción
  • Con un equipo de iluminación

¿Para quién es esta clase?

Ya seas un aspirante a Cinematographer, vlogger, fotógrafo de bodas o un videógrafo principiante, esta clase es para todos. Y no importa si estás usando una cámara de gama alta o tu teléfono, estas técnicas aplican a todos. Hay algún equipo adicional que voy a recomendar en todo, pero mientras tengas una cámara puedes beneficiarte de esta clase y participar en el proyecto de clase.

Para asegurarse de que entiendas a fondo el material que hay muchos diagramas, tutoriales y ejemplos de la vida real. Todo diseñado para que termines de esta clase sintiéndose seguro y emocionado de usar los conocimientos y habilidades que has aprendido para llevar tu cine al siguiente nivel.

Para aprender más sobre las emociones y los significados que la composición de disparos puede tener (y otras maneras de conectarse con tu público) echa un vistazo a esta clase...

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Scott Baker

Filmmaker

Profesor(a)

After graduating from film school in 2008 I dove straight into the Toronto film industry Directing and Producing a variety of projects such as music videos and short films that have screened at festivals such as Tribeca and Toronto International Shorts. In between projects I also work on big budget film and television such as Suicide Squad and The Boys.

When not on set I'm on the road working with bands, shooting documentaries, and creating other independent projects. Even while traveling for vacation I can't seem to put my camera down, because when you're passionate about something it becomes second nature.

 

Website: www.scott-baker.ca 

Email: 21.bakers.creative@gmail.com

Instagram: https://www.instag... Ver perfil completo

Level: All Levels

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Transcripciones

1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Scott Baker y empecé a trabajar en la industria cinematográfica en 2009. Trabajé en grandes películas y televisión mientras dirigía mis propios cortometrajes, documentales y videos musicales. Si has tomado alguna de mis otras clases, entonces bienvenido de nuevo. Si esta es tu primera vez, entonces es genial tenerte. Si tienes alguna experiencia en fotografía o videografía y quieres construir sobre esas habilidades, entonces estás en el lugar correcto. Porque en esta clase, vamos a bucear justo en, comenzando con una mirada más profunda a algunos de los ajustes y herramientas más avanzados que nuestras cámaras pueden ofrecer. Porque si queremos sacar el máximo provecho de nuestra cámara, necesitamos entender completamente cómo funciona y qué puede hacer. Después de eso, nos basaremos en nuestro conocimiento de una composición de tomas aprendiendo sobre cosas como los movimientos de cámara, cómo colocar y equilibrar objetos dentro del marco, cómo trabajar con reflexiones, y mucho, mucho más. El conocimiento y material que estoy compartiendo proviene de mi experiencia práctica en la industria y está diseñado con diagramas y gráficos fáciles de seguir, videos tutoriales que explican no solo cómo hacer las cosas, pero también por qué las hacemos, y ejemplos de la vida real donde vamos detrás de escena para ver exactamente cómo se crearon estas películas. Al final de esta clase, tendrás los conocimientos y habilidades para crear tomas mucho más interesantes y convincentes para ayudar a contar tus historias y llevar tus películas al siguiente nivel. Sin más hablar, comencemos. 2. Los ajustes de los marcadores ayudan a enmarcado el disparo: [ RUIDO] La configuración del marcador es una herramienta muy útil que puedes usar por algunas razones diferentes. Lo que hace es superponer guías en la pantalla de nuestra cámara o monitor de visualización con el fin de ayudarnos a enmarcar correctamente nuestras tomas. Aprendamos más sobre estos marcadores, comenzando con la opción central. Esta opción simplemente agrega un punto de mira al centro del marco como punto de referencia cuando estamos tratando de centrar objetos o personas. La segunda opción es la relación de aspecto, pero esto requiere una explicación mucho más larga. Dejaré éste hasta el último. Pasando a la zona de seguridad, que cuenta con dos opciones, 80 por ciento y 90 por ciento. Si seleccionamos esto, vemos que nuestro marco tiene una caja blanca. Sin entrar en la tecnología y ciencia de cómo se transmiten las cosas, lo importante que debemos recordar es que cualquier cosa dentro la caja será recibida y mostrada en un estándar TV doméstica. Si está fuera de la caja, existe la posibilidad de que dependiendo del televisor se pueda cortar. Lo mejor es no tener ningún detalle importante demasiado cerca del borde del marco. No obstante, es un espacio tan pequeño que es altamente improbable que lo hagas. Si quieres ser extra cauteloso, siempre puedes elegir la zona de seguridad del 80 por ciento. A continuación, tenemos marco guía. Si encendemos esto, reconocerás la regla de la grilla de tercios. Ahora vamos a saltar de nuevo a los marcadores de aspecto. Probablemente ya estés familiarizado con relaciones de aspecto como 3 por 2, 4 por 3 o 16 por 9, u otros términos como pantalla ancha y anamórfica. Al elegir una de estas relaciones de aspecto, podemos ver que se han agregado líneas blancas a la parte superior e inferior o a los lados. Pero, ¿por qué querríamos usar esto? Si vamos a nuestra configuración de relación de aspecto, vemos que nuestra cámara no ofrece todas las relaciones diferentes. En el caso de esta cámara, solo hay 3 por 2 y 16 por 9. Pero, ¿y si quiero que mi película esté transmitiendo anamórfica o una mayor buscando 4 por 3? A menos que estés usando una cámara de muy alta gama, es poco probable que tengas la opción de filmar en todas estas diferentes relaciones de aspecto. Pero hay una manera de que podamos engañar a esto en la edición. En nuestro software de edición, lo que podemos hacer es ir a nuestra configuración de secuencia y cambiar el tamaño del fotograma. Pero como podemos ver, cuando hacemos esto, nuestro metraje no encaja y nos quedamos con dos barras negras a cada lado o en la parte superior e inferior. Para solucionar esto, una opción es estirarla que mostrará todo nuestro marco, pero distorsiona la calidad de la imagen. Si se estira demasiado lejos, parece antinatural. Es por eso que no recomiendo hacerlo de esta manera. La segunda opción es agrandar el metraje y reenmarcarlo. Al hacerlo de esta manera, recortaremos parte de la imagen, pero no distorsionará la imagen. A menos que filmes en 4K y exporte a 1080, puede perder un poco de calidad de imagen. La tercera opción es donde entran en juego los marcadores. Esta es la mejor opción porque se hace en cámara. Una cosa que siempre estoy en espera es siempre que podemos hacer algo en cámara ya sea efectos especiales, un truco, o en este caso, enmarcar nuestras tomas correctamente, siempre es mejor que hacerlo en edición. En lugar de tratar de manipular el metraje y la postproducción utilizando los dos métodos que acabamos de discutir, si usamos los marcadores de aspecto, podemos enmarcar adecuadamente nuestras tomas desde el principio. Sabiendo que cualquier cosa fuera las líneas blancas se perderá, podemos asegurarnos de que todo lo que queremos ver esté enmarcado dentro de los marcadores. De esta manera, cuando llegamos a la etapa de edición, no nos preocupan las partes del marco que se están cortando. No tenemos que manipular el metraje ampliándolo o estirándolo lo que significa mantener su calidad al más alto nivel. 3. Ayuda de enfoques: para asegurarnos de que el disparo no sea blado: [ RUIDO] Focus Assist, también conocido como punto máximo de enfoque, es un ajuste en la cámara que ayuda a fotógrafos y videógrafos fácilmente encontrar y mantener el enfoque al esbozar los bordes en una imagen en un color brillante. Este es un ajuste que solo se necesita cuando se usa el enfoque manual. La cámara busca bordes afilados dentro de la imagen mediante el análisis del contraste. Si hay un borde duro, que solo sucede cuando algo está en foco, habrá un contraste más alto. Cuando la cámara vea suficiente contraste, delimitará los bordes en un color elegido. Por lo general, puedes elegir rojo, verde, azul y amarillo. Veamos este ejemplo. Esta pila de libros obviamente está fuera de foco, causando que los bordes sean borrosas y se desvanezcan en el fondo. Debido a que no hay ventaja dura, no hay suficiente contraste para lograr el Focus Assist. Pero a medida que ajustamos el enfoque, y los bordes de los libros se vuelven más definidos, también lo hace el contraste entre los libros y el fondo. Hasta el final, hay suficiente contraste para que aparezca el punto máximo de enfoque y esboce los libros. Cuanto más fuerte sea el contraste, más audaces serán las líneas. Es decir, cuanto más en foco está el objeto. Aquí mismo, los contornos son más delgados. Es decir, la imagen está ligeramente enfocada. Considerando que, ahora las líneas son más gruesas. Es decir, está en un enfoque más nítido. Dependiendo de lo que hay en la imagen, notarás que más objetos pueden llegar a ser delineados, cuanto más en foco esté la imagen. Esto puede variar un poco de cámara a cámara. Para esta parte, discutiremos algunos de los diferentes ajustes dentro de la herramienta Focus Assist. En primer lugar, los colores. Puede que no parezca tan importante, pero hay diferentes colores para elegir por una razón. A pesar de que el Focus Assist está funcionando, contornos amarillos pueden ser difíciles de ver en nuestra pantalla o monitor al filmar en lugares soleados. El azul es más difícil de ver en escenas oscuras, y el verde será difícil de ver en un bosque. Por defecto, siempre tengo el mío puesto en rojo, pero en ocasiones, eso no funcionará si hay muchos tonos rojos dentro de la escena, lo que hace más difícil distinguir los contornos y los objetos separados. En cuyo caso, uno de los otros colores funcionará mejor. A continuación se encuentra la sensibilidad o nivel. Esto determina cuánto se destaca. La mayoría de las cámaras tienen dos niveles: alto y bajo, y algunas cámaras como la mía también tienen una sensibilidad media. Nivel bajo resaltará solo las áreas más nítidas y con líneas más delgadas. A su vez, oscureciendo menos de la imagen. Un alto nivel resaltará más de lo que está en foco y usará líneas más gruesas. A su vez, cubriendo más de la imagen. Por último, y aunque este no es un escenario, es algo que simplemente hace la vida un poco más fácil. Es posible que desee poder activar y desactivar el Focus Assist regularmente. Encendido, para encontrar enfoque, y apagado, al filmar, ya que puede ser un poco distraente. Es útil programar esta herramienta como una opción de menú rápido o como un botón personalizado. De esta manera, no necesitas perder el tiempo desplazándote de ida y vuelta entre diferentes menús cada vez que quieras encontrar tu enfoque. 4. Profundidad del campo: Para empezar, primero definamos qué profundidad de campo es. Es el rango o área frente a la cámara lo que está en foco. Se puede tener una gran profundidad de campo o una pequeña profundidad de campo, también conocida como ancha y estrecha o profunda y poco profunda. A continuación hay tres factores que afectan si nuestra profundidad de campo es pequeña o grande o en algún lugar del medio. Esos factores son la apertura, focal y la distancia entre la cámara y el sujeto. Apertura. Un f-stop bajo, lo que significa que una abertura más grande nos da más luz, lo que resulta en una profundidad de campo menor. Un alto f-stop significa una abertura más pequeña que deja entrar menos luz y nos da una mayor profundidad de campo. Distancia focal. Para la distancia focal, es lo opuesto a la apertura. Un número bajo, lo que nos da un tiro más amplio también nos da una mayor profundidad de campo. tanto que una distancia focal alta crea un disparo más apretado y nos da menos profundidad de campo. Cuanto más pequeñas sean las distancias entre el sujeto y la cámara resulta en menor profundidad de campo y una distancia mayor proporciona más profundidad de campo. Como podemos ver en este ejemplo, cuando nos enfocamos en el camión que está más lejos los árboles en la mitad del suelo y el fondo profundo también entran en foco. tanto que cuando nos enfocamos en estas ramitas que están más cerca de la cámara, todo lo demás más allá de eso pierde foco. Cuando el sujeto está cerca de la cámara, a medida que ajustamos el anillo de enfoque para enfocarse en el sujeto, vemos que menos está en el foco. Si ajustamos el enfoque un sujeto más lejos de la cámara, vemos que la profundidad de campo se hace grande y más del fotograma entra en foco. El uso de la distancia para afectar la profundidad de campo también se puede aplicar entre el sujeto y el fondo. Un ejemplo perfecto de esto son los disparos a la cabeza para actores. Cuando el actor está de cerca contra la pared, la pared está relativamente enfocada. Pero si el actor da unos pasos de distancia de la pared y ajustamos el foco, el fondo se vuelve borroso. El bono añadido de esto es que hace que el actor destaque y dirige el enfoque del público hacia ellos. Entonces al componer un tiro en decidir qué debe estar en foco y lo que no debería, es la combinación de estos tres factores los que decidirán dónde aterriza la profundidad de campo y si es pequeño o grande o en algún lugar intermedio. Algo más a tener en cuenta es el tamaño del sensor de la cámara. Un sensor más grande tendrá una profundidad de campo más baja en general y un sensor más pequeño o un recortado tendrá una profundidad de campo mayor. Para mayor profundidad de campo elegimos una apertura más alta, una distancia focal más baja, o aumentamos la distancia entre la cámara y el sujeto. Por menos profundidad de campo, es exactamente lo contrario. Podemos elegir una abertura más baja, una distancia focal más alta, o podemos disminuir la distancia entre la cámara y el sujeto. 5. ¿Manual o automático? Esta es la pregunta: Una pregunta que me han hecho mucho es cuándo usar el enfoque automático y cuándo usar el enfoque manual. Para ser honesto, no hay una respuesta correcta o incorrecta ni definitiva a esta pregunta. Personalmente, prefiero usar manual con la mayor frecuencia posible porque me da un control total. No obstante, hay momentos en ciertos escenarios donde el autofocus ha demostrado ser la mejor opción. Echemos un vistazo a algunos de estos ejemplos. Al hacer primeros planos, nunca uso el enfoque automático. Porque como muestra este ejemplo, el autofoco actúa como si estuviera confundido. Eso se debe a que al filmar primeros planos, nuestra profundidad de campo es más pequeña y el más mínimo cambio en distancia entre la cámara y el sujeto, o entre dos sujetos diferentes hace una gran diferencia. Nuestra cámara no puede decidir qué debe estar enfocado y lo que no debería ser. Pero si cambiamos al enfoque manual, nuestra cámara ya no tiene que adivinar lo que debería estar enfocado, y en su lugar, nos centraremos en lo que decidamos debe estar enfocado. En este ejemplo, podemos mantener foco solo en el cuello de la guitarra y no preocuparnos por el cambio de enfoque a la mano a medida que la mano se mueve hacia arriba y abajo de la guitarra. A medida que avanzamos a la izquierda, sí perdemos el foco por una fracción de segundo. Pero debido a que tenemos el control total, es bastante fácil de ajustar y lo podemos hacer de una manera muy suave, manteniendo un buen primer plano limpio. Cuando estoy siguiendo a un sujeto, también conocido como una toma de seguimiento, usualmente tengo las cámaras configuradas para autoenfocar, y eso es porque la distancia entre el sujeto y la cámara va a ser constantemente cambio. Si escogiera el enfoque manual, entonces tendría que dividir mi atención entre enfoque, encuadre, y donde estoy caminando, lo cual puede ser mucho para coordinar, sobre todo cuando hay poco o nada de tiempo para ensayar. Por ejemplo, bodas y conciertos. Si mantenemos una distancia consistente entre la cámara y el sujeto, el enfoque automático de la cámara es genial para hacer los pequeños ajustes que se necesitan para mantener el enfoque. Si estamos filmando con una lente más ancha, entonces es aún más fácil para el autofocus porque una lente más ancha nos da una profundidad de campo mayor. En este tiro, es fácil ver cómo el foco cambia constantemente entre el primer plano y el fondo a medida que los luchadores se mueven dentro y fuera del marco. En esta situación particular, no me importa que el enfoque cambie, porque los turnos son suaves y se enfocan en diferentes temas. No obstante, si queremos que el enfoque se mantenga en un par de luchadores, tal vez porque son los personajes principales, entonces necesitamos cambiar al enfoque manual. En este tiro, hemos puesto nuestro enfoque a los luchadores de fondo, por lo que incluso cuando otros luchadores cruzan el primer plano, siguen siendo autofocus, lo que también tiene una mirada muy agradable. Un tiro como este puede funcionar tanto en autofocus como en enfoque manual. Simplemente depende de la mirada que queramos y de los elementos de la historia involucrados. Espero que esos ejemplos aporten claridad a algunas ventajas y desventajas tanto al enfoque manual como al autofocus y lo que funciona y lo que no funciona. 6. Cómo enfocar manualmente: Al jalar el foco, lo primero que hay que recordar es ajustar lenta y suavemente. Puede parecer obvio, pero cuando estamos en medio de la acción y el sujeto se mueve rápido, sobre todo viniendo hacia la cámara. El instinto es intentar recuperar la concentración lo más rápido posible. Pero si no ajusta el enfoque de manera constante, hay dos problemas que encontraremos. Podríamos perder la marca y tener que reajustarnos, haciendo que el sujeto entre y fuera de foco, lo cual es extremadamente distrayente y puede arruinar fácilmente el disparo. El segundo problema si estamos filmando mano es que es probable que haya algún movimiento de cámara. Si es muy sutil, la forma a veces se puede fijar en la edición. Pero para ahorrar tiempo y conseguir la mejor toma posible. Lo mejor es evitar el movimiento de la cámara durante la filmación, a menos que sea una elección estilística que estés haciendo intencionalmente. Quizás para que una escena de acción ayude realmente a que tu enfoque se mueva sin problemas, recomiendo encarecidamente obtener un Follow Focus. Actuará como asa lateral, lo que también ayuda a estabilizar el disparo. Y proporciona un movimiento más cómodo y natural, haciendo que sea más fácil sacar el foco. Otra opción si se usa un cardán es tener un enfoque de seguimiento remoto. De esta manera el punto de contacto de nuestras manos está en la plataforma de la cámara y no en la propia cámara. Por supuesto, esto depende de lo que estemos filmando. Pero cuando es posible, un poco de ensayo puede ahorrar mucho tiempo de inicio, y sobre todo en la sala de edición. Un ensayo rápido nos permite encontrar nuestras marcas de enfoque. Y si hay movimiento en la toma de ensayo también nos permite asegurarnos de que este tema se mantenga dentro del rango de enfoque. Si no lo hacen, es una oportunidad de practicar el pool de enfoque y obtener el momento adecuado creando marcadores para nosotros mismos y para el sujeto. Esencialmente, ejecutar un ensayo rápido ahorra tiempo mientras filmamos y nos impide filmar múltiples tomas malas, lo que significa menos metraje para pasar en la sala de edición, nuevamente, ahorrándonos tiempo. Entonces, ¿y si estamos filmando un evento en vivo y ensayando no es una opción ¿Qué hacemos entonces? En estas circunstancias, queremos encontrar puntos de referencia que sean iguales o cercanos a la misma distancia de la cámara que estará nuestro sujeto. En este corto aquí, utilizo los dos postes de luz como puntos de referencia. Entonces, en lugar de tratar de enfocar a los luchadores mientras se mueven, lo sabía simplemente enfocándome de nuevo en esos dos postes de luz. Yo también los tendría enfocados. Primero, si estamos usando un objetivo zoom, podemos acercar y hacer que sea más fácil establecer nuestro enfoque y luego alejar el zoom. Algunas cámaras y lentes tienen esta característica incorporada y nos acercarán digitalmente. Segundo, consigue un monitor. No tiene que ser uno grande. Algo como esto funciona perfecto y manda directamente a tu plataforma. La pantalla de nuestras cámaras puede ser engañosa. En una pantalla tan pequeña, la tienda puede verse enfocada. Pero cuando se ve en tu computadora o pantallas más grandes, si está desenfocado, aunque sea solo un poquito, será muy notorio. Cometí este error mucho al principio de mi carrera porque uno, era demasiado barato para conseguir el monitor. Y dos, pensé que mi visión era perfecta, solo para averiguarlo después de eso algunos de mis disparos seguían siendo un poco suaves. Así que no lo hagas. Sí te conseguí un monitor. Tercero y último, como todos los demás movimientos de cámara y tantas otras cosas de las que aprendemos. Necesitas salir y practicar usando el enfoque manual. Es una habilidad que necesitas para aprender y desarrollar. Y lleva tiempo hacer esto porque enfoque automático no puede hacer todo por ti. 7. Movimientos de la cámara: [ RUIDO] Además de los diferentes tipos de tomas, que incluyen de primer plano extremo, primer plano, medio de primer plano, medio, medio ancho, ancho y extremo ancho, también podemos crear composiciones interesantes por cómo nos inclinamos y cómo movemos la cámara. Empecemos con los diferentes ángulos. En primer lugar, está el ángulo alto, también conocido como vista de pájaro, que se logra apuntando la cámara hacia abajo sobre un sujeto. Esto hace que el sujeto parezca más pequeño e inferior. Un ángulo bajo, también conocido como vista de ojo de gusano. Esto hace lo contrario. Al apuntar la cámara hacia arriba a un sujeto, los hace parecer más grandes y superiores, y un ángulo holandés es cuando la cámara se inclina ligeramente hacia los lados para hacer que el disparo aparezca en diagonal. Esto se usa para crear un desequilibrado y una sensación de incomodidad. Ahora, pasemos a algunos movimientos de cámara y comenzaremos con una revisión rápida de los básicos. Pan. Cuando la cámara permanece en un lugar como lo haría en un trípode y gira izquierda a derecha o de derecha a izquierda. A esto se le llama cacerola derecha y sartén izquierda. Algunas personas también pueden decir pan arriba y pan hacia abajo. No obstante, este movimiento en realidad se llama inclinación. Si giramos la cámara de lado, eso se considera rodar la cámara y se llama tiro de rollo. Cuando la cámara se mueve hacia arriba y hacia abajo a lo largo del eje Y, esto se llama disparo de grúa o un disparo de pedestal. Rastreo de disparo. Este tipo de disparo se mueve de lado a lo largo del eje x. Luego está el tiro de dolly, que se mueve hacia o lejos del sujeto a lo largo del eje z. Esto también se puede referir como empujar y sacar. No se debe confundir con acercar y hacer zoom. Una toma de zoom es cuando la cámara permanece estática en un solo punto y nos acercamos y alejamos ajustando la distancia focal de una lente de zoom. Esto no se puede hacer con una lente prime. Si estamos usando lentes prime y cambiando las longitudes focales, esto se llama punzonado y punzonado. También se puede hacer manteniendo la misma distancia focal, pero moviendo la cámara más cerca o más lejos del sujeto mientras el ángulo de la cámara siga siendo el mismo. Por último, está el tiro de arco que es una versión de la toma de seguimiento pero como habrás adivinado, la cámara se mueve por un camino circular alrededor del sujeto. Si la cámara no se mueve en absoluto de ninguna manera, esto se llama tiro estático, que es exactamente lo que estoy usando para filmar estas lecciones. Por último, hay un PDV, que significa punto de vista, lo que significa que la cámara toma el lugar de un objeto, y puede ser cualquier objeto como una cámara de seguridad o un vehículo. La cámara también puede convertirse en los ojos del personaje, lo que hace que el público se sienta como si estuviera en la cabeza del personaje y viendo el mundo de la misma manera que el personaje lo ve. [ MÚSICA] Este tipo de tiro puede ser cualquiera de los movimientos que acabamos de discutir o combinaciones de ellos. Los disparos también pueden ser perfectamente quietos o muy temblorosos porque el mundo está siendo visto sin embargo el personaje o el objeto verían las cosas. La mejor parte de este tiro es que no hay reglas, y al editar, la forma más fluida de incluir estos disparos es mostrar el objeto justo antes o después de la toma de PDV. Para el personaje POV, normalmente, primero se mostrará al personaje mirando algo que se llama el disparo de configuración y luego cortamos a su punto de vista de lo que es que están mirando, ya sea un objeto u otra persona. Un consejo, lo mejor es no hacer estas tomas demasiado temblorosas o durar demasiado tiempo ya que puede causar dolores de cabeza y mareo para algunos miembros de la audiencia. El Proyecto de Bruja Blair es un ejemplo popular que hace que algunas personas sufran mareo, mientras que la película Being John Malkovich, en mi opinión, es un gran ejemplo que usa POVs también, pero sí no exagere. 8. Velocidad del movimiento de la cámara: [ RUIDO] Una cosa que he notado que casi siempre se pasa por alto al hablar de movimiento de la cámara, es la velocidad del movimiento, lo cual es extraño porque esto es tan importante como el movimiento sí mismo. Cuanto más rápido sea el movimiento, más energía, caos, o emoción que puede agregar, mientras que los movimientos más lentos pueden intensificar la emoción, aumentar el suspenso, o señalar el comienzo o el fin de algo. Moverse lento es bastante fácil, pero no siempre será posible que la cámara o el sujeto se muevan más rápido. ¿ Qué hacemos entonces? Aquí hay algunas formas muy simples de acelerar el movimiento dentro de un disparo. Cuando la cámara se está moviendo, ya sea una toma de seguimiento o un disparo de dolly, tener un primer plano u objetos pasen en primer plano puede crear la ilusión de un movimiento más rápido. Eso se debe a que cuanto más cerca está algo de la cámara, más rápido se mueve a través del marco. En este ejemplo de ángulo bajo, el suelo está más cerca de la cámara, lo que hace que parezca moverse más rápido. tanto que si levantamos la cámara Entanto que si levantamos la cámara y la cambiamos a una recta a tiro sin primer plano, es sólo el fondo el que parece estar en movimiento, a su vez ralentizando el derribo. Lo mismo con este ejemplo. Si filmamos cerca de la valla, se siente como si estuviera batiendo por muy rápido. Pero si damos unos pasos atrás, la valla ya no está en primer plano inmediato y no cruza el marco tan rápido. Ahora, el movimiento se siente más lento pesar de que sigo caminando al mismo ritmo. Otro truco es moverse en la dirección opuesta que el sujeto se está moviendo. Sin que el objeto o la cámara se muevan más rápido, el disparo se siente instantáneamente más rápido. Si queremos derribar lentamente, podemos mantener la cámara estática o para frenarla aún más movemos la cámara en la misma dirección que el sujeto se está moviendo. Tercera técnica es cuán apretado o ancho es nuestro tiro. Sin cambiar la velocidad de la acción, al tener un disparo más apretado, el disparo se siente más rápido porque nos acerca más a la acción. Con más del marco siendo llenado por la acción, todo se siente más rápido. Ahora bien, si vemos la misma acción en un tiro ancho, se puede ver más del entorno y el fondo y se tarda más en que las cosas crucen el marco, que hace que la acción y el tiro se sientan más lentos. 9. Cómo mantener el disparo constantes: [ RUIDO] En la lección anterior, aprendimos sobre diferentes movimientos de cámara. Ahora, que sabemos lo que son, necesitamos saber cómo hacerlos sin problemas para reducir cualquier sacudida de la cámara que distrae. Para estos movimientos, la cámara solo gira. La forma más fácil de estos es usar un trípode. No obstante, estos movimientos también son muy fáciles de lograr de mano. Personalmente, creo que tienen un look más natural cuando se hace mano porque el tiro no será demasiado inestable y tampoco será perfectamente suave, lo que le da al metraje un relleno más natural y orgánico. Para ello, la clave es mantener la cámara cerca de tu cuerpo para que se mueva como si fuera parte de tu cuerpo. Mantén ambas manos en la cámara, mantén los pies firmemente plantados, y haz la mayor parte del movimiento desde tu torso, manteniendo los hombros, los codos y las muñecas lo más quietos posible. Si eso no proporciona suficiente rango, por ejemplo, al hacer un tiro de inclinación, entonces lo mejor es moverse de los hombros mientras aún mantiene congelados los codos y las muñecas. El objetivo es mantener tu cuerpo y cámara lo más quietas posible mientras mueve la menor cantidad de tu cuerpo según sea necesario para poder obtener el disparo. Ahora, si vamos de mano para tomas donde se mueve la cámara, lo primero que hay que saber es que siempre habrá un poco de sacudida de la cámara, pero hay formas de reducirla. Una de las mejores herramientas es un asa superior, o incluso mejor, una jaula de cámara con asa superior. Esto nos permite montar la cámara, lo que ayuda a mantenerla nivelada y suaviza cualquier movimiento pequeño. A continuación, queremos aplicar técnicas similares que utilizamos para la cacerola y el tiro de inclinación con una diferencia. Ahora queremos mantener la cámara alejada de nuestro cuerpo ligeramente para que nuestros brazos puedan ajustarse y absorber cualquier choque que ocurra al caminar. Cuando caminas, lo mejor es agacharse ligeramente, convirtiendo tus piernas en otro tipo de amortiguador. Esto también te preparará para cualquier movimiento repentino que pueda ser necesario. Probablemente notarás que tomas esta posición de forma natural sin siquiera pensarlo. Lo más importante es que quieres caminar ligeramente como si estuvieras a escondidas. Adicionalmente, intenta mantener un ritmo constante ya que esto también hará que tu metraje se vea más suave. Al filmar de mano, es imposible tener un metraje perfectamente suave, pero el objetivo es que un metraje parezca fluido, y natural en lugar de nerviosismo y distracción. Ahora, que sabemos movernos, ¿qué puede hacer nuestro equipo para ayudarnos? Ya discutimos el mango superior, pero ¿qué pasa con las lentes? La forma más fácil y una de las mejores maneras de hacer que la cámara agite menos perceptible es mediante el uso de bajas longitudes focales porque cuanto mayor sea la distancia focal, más zoom en estamos. E incluso los batidos de cámara más pequeños se vuelven muy notables, mientras que cuanto más ancho es el disparo porque hay más que ver en el marco y debido a que los objetos son más pequeños, cualquier sacudida de la cámara se vuelve menos notable. Si quieres usar una distancia focal más alta, entonces necesitarás un cardán. También te recomiendo un cardán si estás haciendo seguimiento o tiros a dolly a un ritmo rápido porque cuanto más rápido te muevas, más difícil se vuelve estabilizar la cámara de forma natural. Puede ser un poco caro, pero valen cada dólar, libra, peso, baht krone, rublo, rupia, real, euro, yen, cualquiera que sea la moneda que use. Ellos valen la pena y hacen un trabajo fantástico de estabilizar nuestros disparos ajustándose hasta el poco más pequeño de sacudida de la cámara, pero no pienses porque estás usando uno, que cada disparo lo hará ser perfecto. Una vez más, cómo movemos nuestro cuerpo tiene un gran efecto porque cualquiera que sea la forma en que se mueva nuestro cuerpo, la cámara seguirá. Sólo porque el cardán está haciendo la mayor parte del trabajo, no debería significar que nos volvamos perezosos. Poner en ese poco de esfuerzo extra sólo hará que nuestro metraje sea mucho mejor. Algunas otras formas creativas de conseguir tiros suaves y rastrear, sencillamente, ponerse sobre ruedas. Podemos filmar desde un vehículo, contar con el operador de cámaras, usar patines, o sentarnos en una silla de ruedas. Para tomas de producto de primer plano, simplemente deslizar la cámara sobre una toalla de mano a lo largo de una superficie plana puede crear grandes tomas. Por último, también podemos configurar nuestra cámara a 60 o 120 fotogramas por segundo, porque en cámara lenta, todo se suaviza, pero sugiero solo usar esto como último recurso o cuando el tiro tiene sentido estar en cámara lenta. De lo contrario, esto lleva a hacer películas perezosas y terminarás con videos aburridos si todo está en cámara lenta. 10. Reflexos, Use a tu ventaja: [ RUIDO] En esta lección, vamos a ver cómo lidiar con las reflexiones. Ya sean de espejos, ventanas, agua, electrodomésticos, esencialmente, cualquier superficie reflectante. Al filmar, pueden ser un obstáculo que crea dolores de cabeza y desafíos, o pueden convertirse en una herramienta brillante. Para ello, primero debemos poder reconocerlos. Empecemos por echar un vistazo a algunos ejemplos. [ ANTECEDENTES] Como es posible que hayas notado el mayor problema con reflexiones es ver cosas que no deberían verse, como la tripulación, equipo o los puntos brillantes deslumbrantes de las luces. Para solucionar estos problemas, no todo es tan difícil. Simplemente requiere que prestemos mucha atención antes de rodar la cámara. Esto es lo que podemos hacer. Si alguien puede ser visto, que se mueva a otro lugar. Lo mismo ocurre con cualquier equipo que no debería estar ahí. Si algo no se puede mover, intenta enmascararlo con algo que está bien para ser visto. Como un prop o un trozo de aderezo. Si se trata de una ventana, considere ajustar las cortinas, persianas o cortinas. En ocasiones incluso un actor o actor de fondo se puede colocar estratégicamente para bloquear reflejos no deseados. Si se trata de un objeto pequeño, cambiar su ángulo también podría hacer el truco. Si nada de eso funciona, entonces mira si un ligero cambio el ángulo de la cámara puede solucionar el problema. Si es resplandor lo que está causando el problema, es un poco diferente. Pero esto es lo que podemos hacer. Ajusta la luz o tu disparo. Si eso no funciona, también podemos usar un spray opaco o laca para el cabello también puede hacer el truco. También puedes ensuciar la superficie reflectante si tiene sentido para el disparo. Un ejemplo de esto sería una superficie reflectante o herramientas brillantes pero en una tienda mecánica sucia. Elimina la luz o usa un difusor para suavizarla. Colocar un parasol a la lente puede bloquear las bengalas de la lente, lo hace agregar un filtro polarizador a tu lente y también puede reducir y, a veces, incluso eliminar reflejos del agua. Por último, si ninguno de estos funciona, una vez más, ajustar la toma de la cámara para encontrar un ángulo que no atrapa la luz siempre es una opción. Ahora que sabemos eliminar reflejos, entrémonos en las cosas divertidas y aprendamos cómo podemos usarlas para nuestra ventaja. Para ello, hay dos cosas principales que necesitamos saber, cómo funcionan los ángulos y cómo funciona la profundidad de campo. Conocer cómo funcionan los ángulos es una de las formas en que podemos ocultar nuestra cámara de las reflexiones. Lo primero que debemos recordar siempre al filmar reflexiones es que cualquiera que sea el ángulo de la cámara es a la superficie reflectante, ese es el mismo ángulo el sujeto u objeto que nosotros querer capturar también debe ser a esa superficie reflectante. decir, si el actor está en un ángulo de 45 grados con respecto al espejo, entonces la cámara también debe estar en un ángulo de 45 grados con respecto al espejo, o al menos cerca del mismo rango. Pero, ¿y si ese ángulo muestra la cámara en la reflexión? Bueno, moviendo ligeramente la cámara, podemos hacerla desaparecer del disparo. Pero esto también significa que es posible que tengamos que ajustar la posición del sujeto para obtener el marco que queremos. decir, es posible que tengamos que experimentar y hacer pequeños ajustes hasta encontrar la configuración correcta. El uso de tomas más apretadas también hace que sea más fácil ocultar reflejos. Cuando se trata de tirar de enfoque y ajustar nuestra profundidad de campo, es crítico recordar que no es sólo la distancia de la cámara al espejo que debemos medir, también debemos la distancia desde el espejo al sujeto. Eso se debe a que nuestras cámaras no reconocen el espejo o la superficie reflectante como una superficie sólida. En cambio, lo reconoce como una extensión del espacio en el que estamos filmando. Si alguna vez has mirado una pared de espejos en un gimnasio o un estudio de baile y pensaste que la habitación se veía dos veces más grande, bueno, a nuestras cámaras, la habitación es el doble de grande. que significa que para nuestra cámara, lo que esté en el reflejo está en realidad más lejos que las superficies reflectantes. Lo que significa que tenemos que ajustar nuestra profundidad de campo en consecuencia para asegurarnos de que nuestro sujeto esté enfocado. Dependiendo de nuestra profundidad de campo y donde establezcamos nuestro enfoque, incluso podemos ocultar nuestra cámara a plena vista. Al mantener nuestra cámara fuera del rango de enfoque, es posible desenfocarla lo suficiente como para que el espectador ni siquiera pueda decir que es una cámara. Si haces esto, solo asegúrate de que el operador de cámara no realice ningún movimiento grande o repentino. Conocer estos dos factores al tratar con espejos y otras superficies reflectantes puede ser una herramienta increíble, especialmente cuando se dispara en espacios pequeños. 11. Técnicas de enmarcado para dibujar el ojo: [ MÚSICA] Ahora vamos a ampliar esos conceptos, y aprender algunas más técnicas de composición para hacer que nuestro metraje parezca aún más interesante y atractivo a la vista. La primera técnica con la que comenzaremos se llama líneas de liderazgo. la misma manera que enfocarse en un solo objeto dirige el ojo del espectador hacia él, también lo hace la técnica de líneas de liderazgo. Vea cómo estos objetos llevan nuestros ojos hacia esta zona de la imagen, casi como si los objetos lo estuvieran apuntando. Conocer esto y colocar aquí tu tema donde las líneas parecen apuntar es una gran manera de darle más importancia al tema. Como cineastas, nos ayuda a asegurarnos de que el público esté prestando atención a lo que queremos que hagan. Las líneas de liderazgo también se encuentran muy a menudo en la siguiente técnica, la simetría. simetría esencialmente va completamente contra de la regla de los tercios, porque generalmente implica colocar al sujeto en el centro del marco. Pero si el sujeto está enmarcado con líneas de liderazgo o entorno coincidente, nos parece muy agradable a la vista. Naturalmente, como humanos nos gusta simetría porque da sentido de equilibrio y orden. Si estás eligiendo romper la regla del concepto de tercios, usar simetría para hacerlo puede ser una gran manera de mantener tus tomas luciendo interesantes. Nuestra siguiente técnica es el tamaño. Al componer disparos, el tamaño de un objeto sí importa. Esto no significa necesariamente que el objeto tenga que ser grande en la vida real, solo tiene que ser más grande en la pantalla, lo que significa que está tomando más del marco. Toma este tiro, por ejemplo. Cuanto más grande esté el objeto en pantalla, más importante asume que es el público. Cuanto más pequeño sea el objeto, menos lo nota el público , considerándolo menos importante. A la hora de componer nuestros tiros, tamaño dentro del marco sí importa. Como cineastas, estas son todas formas en las que podemos dirigir la atención de los espectadores a lo que queremos que presten atención. Pueden parecer técnicas simples, pero sí toman práctica. 12. Cámara lenta: [ RUIDO] Al elegir filmar en cámara lenta, desafortunadamente, no es tan fácil como simplemente cambiar la configuración de la cámara. Hay una serie de cosas que debemos tener en cuenta. Primero, va a ocupar más espacio en las tarjetas de memoria. Asegúrate de tener suficiente espacio o varias tarjetas. También debes asegurarte de que las tarjetas sean capaces de manejarlo. Lo que significa que tienen velocidades de lectura y escritura que son lo suficientemente rápidas. Segundo, se necesitará más luz. Recuerde, la regla de obturación de 180 grados establece que velocidad de obturación debe ser al menos el doble de la velocidad de fotogramas para obtener una exposición adecuada Aumentar la velocidad de obturación significa que la luz tiene menos tiempo para golpear el sensor de la cámara. Para compensar esto, necesitamos tener más luz. Si disparar afuera durante el día, esto no será un problema. Pero si filmando dentro o por la noche, necesitaremos añadir más luz. Disparar con una abertura más grande, aumentar el ISO o una combinación de estos. Por último, utilizar cámara lenta con moderación y por las razones correctas. Ya sea para enfatizar un momento específico o emoción, o para dirigir la atención de los espectadores a un elemento de historia específico. [ ANTECEDENTES] Utilizarlo cuando no sea necesario hará que el espectador se aburra del efecto y no preste mucha atención cuando se está utilizando para resaltar algo importante. Utilizándolo demasiado, disminuiremos rápidamente su impacto en comparación con usarlo selectivamente. Incluso puede volverse molesto para el espectador si se usa en exceso porque entonces el ritmo de la película también se vuelve más lento. Al filmar en cámara lenta, hay ciertas cosas que pueden ayudar a acentuar el efecto. Cosas como agua en movimiento, cosas que pueden flotar o revolotear al seguir, polvo y polvo que atrapa la luz, telas como banderas o ropa, vapor o humo, movimiento rápido acciones como deportes , peleas o explosiones. 13. Conclusión: Bueno, hemos llegado al final de esta clase y espero que la hayas disfrutado. Y tomaremos lo que has aprendido aquí sobre los movimientos y composición de la cámara y los ajustes de cámara relacionados para evolucionar como cineasta y seguir practicando y perfeccionando esas habilidades. Y asegúrate de compartir tus fotos o compilaciones de videos aquí en Skillshare, así como dejar una reseña. Bueno o malo, no importa. Me ayuda a mejorar mis clases así como a crear mejores clases en el futuro. Así que muchas gracias por acompañarme y te deseo todo lo mejor con tu realización cinematográfica.