Cómo usar acordes y armonía en tu música

1. Bienvenido y felicitaciones: bienvenida y felicitaciones por elegir adelantar tus habilidades como compositor musical. Después de estos núcleos, podrás utilizar el verdadero poder de los acordes y las progresiones de acordes en tu música. Podrás controlar el núcleo emocional de tu música y apoyar lo principal y melodías. Debido a que los cables es lo que Ed se sumerge y se movió a la música, los cordones hacen que la música sea más completa y más poderosa. Aprenderás los fundamentos de los tribunales y las progresiones frías. Uso profesional off acords en la composición musical, pautas poderosas sobre el uso de acordes en tu música. Y al final, al implementar mucho el concepto, lineamientos y trucos, podrás desatar el verdadero poder o composición musical dominando el uso de acordes y progresiones de acordes en tu música. Mi nombre es Mike, y llevo componiendo y produciendo música desde 1998 en muchísimos tipos de estilos, y realmente me apasiona compartir el conocimiento y la experiencia que he ganado contigo para que puedas avanzar mucho como compositor muc más rápido. Te doy la bienvenida para empezar estos núcleos ahora mismo y aprender el verdadero poder de los acordes y las progresiones de acordes para agregar emoción, estado de ánimo y muerte a tu música para apoyar tu plomo, melodías, anzuelos y motivos. Desbloquea los secretos, por supuesto, y los usó en tus composiciones musicales. 2. Introducción a la historia de la música: Ahora aprendamos la esencia misma de acordes y progresiones de acordes. En la música, la música es todo sobre el movimiento. Variación sobre movimiento. Siempre digo que la música es como una historia, y cada historia necesita algún tipo de progresión sin progresión. No es una historia sino una pulgada estática. Piensa en esto. Una sola nota no es una melodía. Una serie de notas es lo que crea una melodía. Un solo cordón no es serio, por supuesto, crea igual progresión. Y ahora esto es súper importante. Tus progresiones frescas, decir qué temas de corte y en qué orden en combinación con cómo tocas esos núcleos es lo que crea la emotiva, cool y storyline de tu composición musical. Sí, las canchas o, de hecho la verdadera raíz de tu historia musical. Pero lo grandioso es que no necesitas usar votos de cordones avanzados para crear música increíble porque,al música increíble porque, igual que con todas las cosas música, cómo tocas los nodos tiene más impacto. Pero entonces, ¿qué notas tocas? Es por eso que puedes usar solo tres acordes, tiró toda tu composición y aún así poder tocarlos en combinaciones casi infinitas porque puede usar potente para mantener, como versiones de enfriamiento y voz liderando diversos rítmicos estilos de juego, técnicas expresivas y mucho más para crear una actuación única a partir de Onley esos tres acordes. De hecho, esta cancha está enfocada principalmente en cómo tocas tu curso y llamas progresiones en tus composiciones musicales para dar forma a la base de tu música para controlar la emoción, la tensión, la energía, la acción, la intensidad y, básicamente, cómo contar tu historia con Porque como compositor eres como director de cine. Eres como Steven Spielberg. Pero en lugar de mover imágenes, creas tu historia con sonidos y en estas analogías, cuarzo y progresiones frescas, o como la ubicación y el fondo de cada escena de película. El escenario en una película es lo que crea contexto, movió una atmósfera, y como resultado, dicta la emoción fuera de cada escena sin está sentado. Sería como una película con todos los actores estando en una habitación completamente blanca, una habitación vacía. No es una película muy interesante, ¿verdad? Esta es la razón por la que los cables o la verdadera fundación fuera de la música, Así que vamos a aprender a usar los acordes de power off en tu música. Te veo en el próximo video 3. Aprender intervalos y armonías: Ahora es el momento de que domines todos los intervalos y armonías en la música. Ahora ya has aprendido que en Intervalo en, música es la distancia entre dos notas que crea una melodía tocando intervalos en una seria que las armonías o los intervalos tocan juntos, y que cuerdas o hechas de Stax off harmonies, intervalos y armonías. O de hecho, la misma construcción bloquea la música. usas para crear melodías para hacer líneas de armonía para construir cuerdas, básicamente intervalos y armonías, o los bloques de construcción de cada historia musical. Es por eso que realmente necesitas dominar todos los intervalos y armonías en la música y realmente desarrollar un instinto de cómo cada sonido porque todo lo que usarás para crear cada motivo Milady, gancho, riff, contador, melodía, daño en línea y, por supuesto, cada acorde de tu música. Ahora aprenderás rápidamente todos los intervalos principales y armonías en la música. El edificio bloquea cada composición musical que vas a crear, por lo que un intervalo es la distancia de una nota a otra, y eHarmony es un intervalo donde tocas ambas notas juntas. Aquí están todos los intervalos principales y armonistas. Todos tienen nombres de teoría musical de fantasía como Minor Sickened en un quinto perfecto en, debes aprender todos estos intervalos ya que cuántos medios pasos se hacen y tienen. Paso es básicamente dos notas justo al lado de la otra. Por lo que este es un segundo intervalo menor en cuando juegas ambos juntos. Es una segunda armonía menor. Entonces aquí está tu primera actividad principal de práctica y es realmente importante que aprendas estos Bueno, te recomiendo que primero escribas esto quién está abajo porque te ayuda a recordarlo mejor. Después usa tu teclado de piano o multimedia y toca primero cada intervalo. Subiendo como esta cosa pasando abajo, luego en armonía. Entonces repites esto al siguiente intervalo en que pasas por cada intervalo así. Incluso te recomendaría que agregues esto a tu rutina diaria de práctica musical para que en el tiempo puedas saber exactamente cómo sonarán cada intervalo y armonía. Te prometo que el entrenamiento del oído y ejercicios de memoria muscular como estos serán enormemente beneficiosos para ti como compositor musical. Buena suerte y diviértete practicando y dominando todos los intervalos y la hormona es una música. Y te veo en el próximo video 4. Aprende cómo todo está conectado: Hola otra vez. Genial ver que todavía estás en estas aventura de aprendizaje para dominar el uso práctico, por supuesto, y las progresiones de acordes cuando compongas tu música. Ahora hablemos de cómo todos los elementos de la música o interconectados esto es una perspectiva realmente importante y concepto fundamental para el que debes desarrollar un instinto central como compositor. Aquí va, melodías o intervalos en una armonía seria es un intervalo jugado juntos, Coors o apila armonías y progresiones frescas o acordes tocados en un Siri's. Entonces permítanme demostrar esto rápidamente. El fundamento absoluto de la música son, por supuesto, las 12 notas, las 12 notas, que todas repetían a lo largo de varias octavas. Entonces, si tienes una distancia entre dos notas como, por ejemplo, ir de decir Do this, eso se llama intervalo. Pasando de una nota, Teoh, hay un intervalo subiendo en el mismo intervalo. Bajar cosa se llama La Quinta Perfecta subiendo, y a esto se le llama el 50 perfecto. El siguiente es Armonía. La armonía es simplemente un intervalo jugado juntos, así que digamos este. Ahora es un intervalo. Si los toco juntos, eso es armonía. Entonces ahí o cuerdas y enfría o simplemente pilas de armonías. Entonces si apilar un tercio menor, que es esta armonía aquí, el intervalo se llama menor Tercera jugada. Juntos. Es un tercio menor de edad Armonía, y luego tomamos esta nota y apilar un tercio mayor. Encima de ella, mira solo un tercer intervalo mayor juntos. Tercera Mayor Dañar a un menor Tercera Armonía con una tercera mayor armonía sobre un menor. Y si hacemos lo contrario para apilar un tercio mayor con menor, eso es un mayor. Pruébalo, y así es básicamente como funciona la música. Melodías o intervalos en armonía seria es intervalos juegan juntos Cordes o pilas de armonías. Las corporaciones son acordes tocados en sus Siri como te acabo de mostrar, pero el punto es que no debes ver ningún elemento en la música como separado porque todos están conectados como una unidad entera. Formaron juntos la película completa. Sí, de hecho, esa es una buena analogía. Tu composición musical es como una película. El fundamento en tu composición es como el hilo que teje la historia completa la película desde el principio hasta el final. El tema principal gancho motivo y melodías en tu composición, o como los actores principales de una escena, actores que tiene el foco y foco principal, el fondo y la escena de lixiviación sentada. Es como las progresiones frescas que usas en tu música. Cada escena es como cada sección de tu canción. Una escena larga podría ser 16 aburridos, mientras que una escena corta en la película sería similar a una sección corta fuera de cuatro u ocho barras en tu composición musical. Los actores de apoyo de cada escena serían como las notas fuera de cada cancha en tus progresiones centrales y las líneas de armonía para tus melodías líderes, y cómo actúan sería similar al estilo de juego de cada cancha y armonía. Yo podría seguir, pero tú te sacas la foto. Cada elemento en tu composición musical es simplemente un puerto apagado. El panorama más grande, tu película completa o, como yo la llamo, tu historia en sonido. Otra lección importante aquí es que no debes mirar cada elemento como una unidad fija . ¿ A qué me refiero con esto? Bueno, por ejemplo, cada elemento de la música tiene un patrón rítmico porque todo tiene un punto de partida, una duración y fin. Esto significa que tus melodías tienen ritmo. Tus cuerdas tienen ritmo. Estás dañando las líneas tienen ritmo y, por supuesto, tus tambores y percusión o todo sobre ritmo. Pero vamos a llevar esto un paso más allá. Si desglosas una progresión de acordes en él no importa si usas 34 o incluso más notas para los cordones en tu progresión del núcleo. Piensa en esto. ¿ Qué obtienes si miras todas las notas fuera de las canchas en tu progresión central como secuencias separadas? Bueno, básicamente obtienes líneas de melodía, intervalos en una secuencia, canchas o esencialmente tres o más líneas de melodía apiladas una encima de la otra. No obstante, si tocas cuerdas de libro solitarias para un aburrido cada uno, no escucharás tanto de las melodías internas al escuchar el curso solo. Pero cuanto más cambies de núcleos, es decir, cuantos más acordes cabas dentro de tu progresión del núcleo, más tus orejas recogerán realmente estas líneas melódicas desde dentro de la progresión del acorde . Aprendamos 1/3 escucha aquí, ya que estás aprendiendo muchas cosas nuevas que ahora una tasa rápida sigue así, y que escuchar es cuando tocas cualquier acorde, la nota en la que tu oído se enfocará más es la nota más alta de cada acorde, y puedes aprovechar estos como compositor musical eligiendo creativamente diferentes inversiones de corte para básicamente formar un mijo e con solo tu progresión de acordes. Aprenderás sobre versiones de cortejo más adelante en este curso. Pero primero, permítanme demostrar esta gran técnica para ustedes. Digamos que quieres tener bien esta melodía, luego elige versiones de cortejo para que la nota más alta sea la misma que la línea de melodía como esta. Increíble. Ya has aprendido lo que considero una de las lecciones más importantes de composición musical, que es que cada elemento está conectado a una unidad completa. Tus tambores y percusión, tus cuerdas, tus líneas de Horman, tus melodías, motivos, tus riffs. Todo es simplemente una parte de toda tu historia musical. Recuerda estos. Escríbelo. Nunca lo olvides. Programa esto en tu instinto si puedes, porque esta perspectiva te dará un poder increíble. Como compositor musical comencé a componer música en 1998 y este concepto fundamental me llevó años darme cuenta Por eso ahora quiero que aprendas esto aquí y ahora. Vamos a resumirlo todo así. Ya ves, la composición es escribir y conectar elementos musicales de una manera creativa pero estratégica para terminar con una historia musical completa, coherente, enfocada y atractiva. Está bien, creo que ya tienes esto, así que sigamos en el siguiente video. 5. Aprende acordes de 204 en 15 minutos: en este video, vas a aprender los patrones enfriados para básicamente todos los cordones que personalmente considero que son los más utilizados en la composición musical. Si aprendes todos estos núcleos y, es más importante, cómo suenan, tendrás un increíble kit de herramientas, por supuesto, para usarlo como compositor de música. Pero primero necesitas aprender a aplicar los patrones de corte que obtendrás en este video. He nombrado a cada acorde como se juega en posición de ruta, lo que significa la forma estándar de jugar la cancha sin usar ninguna inversión. Todo patrón de corte comienza con la letra o que significa ruta, ya que este es el nombre de la clave que define el nombre de la corte. Por ejemplo, tomemos el simple ver Mayor. Pruébalo. Tiene la nota raíz. Vea, razón por la cual el nombre del cable comienza con la letra C. Después de eso, obtendrá un número serio de descuento que define los intervalos que se apilan para crear el cable. Cada intervalo es el número off media pasos, lo que básicamente significa el número off keys de un acorde. Nota a la siguiente nota en el tribunal, Por ejemplo, si tomamos el c registro mayor. De nuevo, tiene una fórmula fresca como esta, o más cuatro más tres, lo que significa que comienzas con la nota de raíz fuera del cordón. Ves, en este caso, entonces cuentas 4/2 pasos arriba, lo que significa cuatro claves como esta. 1234 Entonces de esa nota de cuerda, vuelves a contar. Pero esta vez tres llaves arriba. 3/2 pasos. Entonces comenzando con o luego 4/2 pasos, luego desde la nota de bajo, se cuenta hasta tres. Y eso es un gran triunfo en este caso, C mayor. Muy bien, ahora que has aprendido a aplicar estos patrones de acordes, aprendamos todos los acordes más comunes en la música. Empecemos a aprender el patrón de acordes para el acorde mayor. En primer lugar, es nuestro más cuatro más tres, por ejemplo, el acorde C mayor, que, por cierto, a menudo se acorta como ver simplemente se aplica el patrón de corte. Aprendes ahora mismo, y obtendrás la nota raíz. Ve, en este caso, cuenta hasta cuatro llaves 1234 y obtendrás la nota. E. Cuenta hasta tres notas más y obtendrás G. Felicidades. Acabas de aprender a tocar el acorde C mayor, C, C, E y G. Pero lo sorprendente de los patrones enfriados es que puedes aplicarlos a cualquier clave raíz. Por ejemplo, aplique el mismo patrón de corte con la nota raíz D, y obtendrá el acorde D mayor. O cuál no lo es. Es el día de los casos 1234 y terminas con offshore y luego 123 y llegas a un récord D mayor . Esto significa que al aprender un patrón de corte, aprendes automáticamente 12 nuevos cordones para cada patrón, uno para cada clave. Aprendamos el patrón para el acorde menor siguiente, que es ruta más tres más cuatro. Entonces en la raíz fuera, a ver que se ve, sube tres llaves. 123 que es e plana. Después sube otro beso de cuatro. 1234 que es G por lo C E plano G es C menor. Ahora, permítanme repetir que una vez que hayas aprendido un nuevo patrón de acordes, como éste para el acorde menor, puedes aplicarlo a las 12 claves de ruta. Entonces digamos que vas a tocar un acorde menor en Digamos que la clave de ruta fuera G Bueno, aplica de nuevo la fórmula este patrón de cancha, pero empieza con G como la nota raíz. Entonces g 123 que es B plana, y 1234 que es D G menor. Ahora aprendamos el patrón de cancha para el acorde disminuido, que es ruta más tres más tres. Entonces con la raíz apagada, a ver se consigue ver 123 que es e flett. 123 pulgadas G plano es una C disminuida. Ahora vamos a aprender el patrón de cancha para el acorde aumentado que es ruta más cuatro más cuatro. Entonces con la raíz de ver se obtiene viendo +1234 que es e +1234 que es G Shore ver aumentada. Y ahora el suspendido cuarto acorde que es ruta más cinco más dos. Entonces para la raíz de ver se obtiene ver +12345 que es F y uno al que es G C f g ce suss Por ahora, el segundo acorde suspendido que es ruta más dos más cinco. Por lo que lo contrario fuera el suspendido cuarto acorde en la raíz de ver se obtiene C +12 que es D era +12345 que es G C D G Ver salsa. Demasiado increíble. Estás aprendiendo acordes a un ritmo súper rápido. De hecho, ahora has aprendido todos los principales tipos de acordes de tres notas. Ahora pausemos este video para que puedas tomar notas a la derecha todos estos tipos y patrones de corte abajo en un bloc de notas o anotar hacia arriba porque es una forma probada de ayudarte a recordar y aprender más profundamente. Y eso es algo que realmente querrías hacer, porque estos seis cordones son tan esenciales que deberías poder contar los patrones de acordes para cada uno. Incluso si te estás despertando a mitad de la noche y cuando hayas terminado de anotar tus notas, sigamos aprendiendo curso más avanzado. Ahora aprendamos tu primer cordón avanzado, el sexto mayor frío. Cuenta con lo siguiente llamado Ruta Patrón más cuatro más tres más dos. Entonces con la raíz de Ver se obtiene ver 1234 que es e 123 que es G 12 que es una ver e g A . Que es C mayor seis. Y eso nos lleva al sexto acorde menor, que tiene la caída llamada ruta patrón 342 Así que a partir de ver se obtiene ver 123 e plano 1234 g 12 c menor. Seis. Ahora aprendamos tu 1er acorde 7º. El Séptimo Acorde dominante. Este es un acorde muy utilizado en toda la música, por lo que el patrón fresco es el siguiente. Ruta Más cuatro más tres más tres. Empezando por See you get Ver 1234 que es E 123 que es G 123 que es B plana. Se trata de C siete y ahora el acorde séptimo mayor, que tiene la siguiente ruta de patrón de acordes más cuatro más tres más completo. Entonces empezando por ver se obtiene ver +1234 que es e +123 que es G uno, 234 que está siendo C mayor siete. Y el séptimo menor Acorde, que tiene el patrón de acordes de la siguiente manera. Ruta 343 Así prevé que se consiga ver 123 que es e plana. 1234 que es G y 123 que es carne de vacuno. A ver, dijeron menores. Y ahora nos estamos poniendo realmente avanzados. El acorde séptimo mayor menor, que tiene el siguiente llamado Ruta Patrón Más tres más cuatro más completo. Entonces para ver se consigue ver correr a tres, que es E plana. +1234 Brujas G 1234 que está siendo C menor, mayor siete y el órgano ventilado. Séptimo Acorde tiene la siguiente ruta de patrón de acordes más cuatro más cuatro más dos. Entonces para ver se obtiene Ver +1234 que es e +1234 que es G corto +12 que es B plana, Ver Aumentado siete. Esto también se puede llamar C siete con un corto y quinto. Y aquí está la raíz de acordes séptima mayor aumentada más cuatro más cuatro más tres. Entonces para ver se obtiene Ver +1234 que es e 1234 que es G agudo, y 123 que es B C aumentada mayor séptimo acord, que a menudo se nos acorta Ver Mayor siete con un quinto afilado y ahora el séptimo acorde disminuido que es ruta más tres más tres más tres. Entonces para ver se obtiene ver +123 que es un piso +123 Mrs G piso +123 el cual es ser piso doble. Entonces, ¿por qué llamo a esta nota? Ser doble Fert en lugar de un Bueno, para ser honesto, el naming off course está más en el lado técnico de la teoría de la música. Pero la respuesta corta es que la fundación fuera de los tribunales se basa en apilar tercios uno encima del otro, lo que significa eHarmony fuera ya sea un tercio menor como éste o un tercio mayor como éste. Entonces en el caso terminado, digamos C mayor, si quieres convertir eso en un acorde menor, que es esta nota se llama desde el origen de la tercera aquí, que es el piso en el caso de C menor, y todos los cordones se nombran a partir de su relación con el caso blanco. Por lo que en este caso, la nomenclatura proviene de estos tercios de teclas anchas y o luego ya sea aplanada o afilada para formar estos patrón de núcleo fuera del acorde séptimo disminuido En este caso tan plano y este plano en este y esto necesitas piso doble 12 para bajar a esta nota. Es por eso que ahora aprendamos el séptimo acorde medio disminuido, que tiene esta ruta de patrón de cuartos más tres más cuatro. Por lo que en el caso de See se obtiene ver +123 que es un piso +123 que es G plano +123 cuatro, que es B plano C menor. Siete con un plano y cinco, también llamado medio disminuido séptimo Acorde. Y ahora vamos a aprender el acorde noveno dominante, que tiene el patrón de cancha como tontos Ruta Plus cuatro más tres más cuatro más tres más cuatro. Entonces en el caso de See obtendrás C 1234 que es e 123 que es G 123 que es B plana 1234 que es D. Así que el C dominante noveno Acorde o también llamado C nueve ¡Increíble! Estás aprendiendo increíblemente rápido ahora Aquí tienes un resumen. Un rápido, corto, apagado todos los patrones de acordes que has aprendido en este video. Te recomiendo que empieces por escribir estos leads abajo tú mismo en un cuaderno o aplicación de notas , porque tomar notas realmente te ayuda a aprender más a fondo. Ahora, ¿cuál es tu objetivo aquí? Bueno, básicamente, para aprender a tocar tantos acordes como sea posible y, es más importante, desarrollar un instinto de cómo suenan cada uno. Esto te hará avanzar increíblemente mucho en tu viaje como compositor musical. Entonces aquí está tu actividad de práctica para ayudarte con este objetivo. Usa este corto rápido y haz una rutina de práctica diaria donde te enfocas en el aprendizaje profundo en uno o un par de estos tipos de canchas a la vez. Toca el chulo de hablar. Quieres enfocarte en, por ejemplo, el acorde mayor en cada clave de ruta subiendo por mucho 12 teclas, luego bajando, luego saltando entre diferentes claves de ruta como quieras, pero con del mismo tipo cool. Ahora tomemos un momento para reflexionar sobre lo increíblemente mucho que has aprendido en el solo video. Has aprendido todos estos acordes y el respectivo patrón de acordes o fórmula, si quieres. Entonces eso son 12 llaves para cada tipo de cancha. Esto significa que ahora puedes tocar y usar 17 fuera de los acordes más comunes en la música. En las 12 llaves. Eso es 17 veces 12 204 y eso es sólo contar la posición raíz de cada acorde. El siguiente paso para ti es aprender de nuevo sobre las inversiones de acordes y las canchas abiertas versus cerradas . Ya has aprendido 204 acordes diferentes que puedes usar como compositor musical. Enhorabuena. Aprender un gran número de canchas y música tiene Bean una fuera de las cosas más beneficiosas para mí como compositor, porque abre un gran mundo fuera de sonidos y emociones que él puede aplicar cuando escribes tus historias musicales. Entonces, ¿diviértete practicando, aprendiendo a tiempo, dominando los acordes en la música? No, sigamos en el siguiente video. 6. Introducción a acordes en la acción: Hola otra vez compañeros compositores. Ahora nos vamos a sumergir justo en el extremo profundo de la alberca porque en este módulo te voy a mostrar ejemplos en vivo fuera de acordes en acción. Usaré diversas progresiones de acordes, ritmos de progresión de acordes pero también llamados estilos de juego e incluso llamados técnicas de expresión . De hecho, repitamos eso porque estos conceptos forman la esencia de cómo funcionan los coupes y las progresiones frescas en la música. El relato de tu música se basa en estos factores. Uno. La progresión fresca que elijas, significa qué núcleos usas y en qué secuencia al ritmo de progresión fresco, es decir, el ritmo interno fuera de tus progresiones de núcleo por cuánto tiempo tocas cada acorde antes de que se introduzca un nuevo acorde. Tres. El estilo de juego enfriado, lo que significa el ritmo y el estilo de juego fuera de cada voz de cancha en tu progresión de la cancha y para la expresión del cordón que significa ALS, las diversas formas de agregar variación dinámica, expresión y emoción en tus progresiones acordes. Ahora te recomiendo tirar este video para anotar estos conceptos en tu bloc de notas o app de notas, porque tomar notas es una gran manera de aprender más profundo y de recordar lo que aprendiste. Está bien, juguemos unas canchas y progresiones de acordes ahora mismo. 7. Acordes de bloque suave: ahora escucha con atención mientras toco este suave acordes de bloque tocando estilo en piano y cuerdas . - Entonces para este tipo de estilo de juego, que yo llamo estilo de juego de acordes de libros suaves, tengo un par de consejos para ti. Uno. Usa tu pedal de sustain para atar los cordones juntos. Entonces, por ejemplo, volvamos a tomar aquí la cancha F en tercera inversión. Simplemente mantenga pulsado el pedal de sustain. ¿ Ahora puedo seguir sonando? Y luego levantas momentáneamente y muy brevemente el pedal de sustain a la derecha mientras cambiabas el cable y luego vuelves a presionar el pedal de sustain mientras presionas la nueva cancha así y tan bien para usar inversiones de acordes que reducen el salto de voz para crear suave transiciones y por saltos de voz, me refiero a intervalos más grandes en los cambios de cancha. Entonces digamos que quieres ir de F a ver bien, esto sería una transición vertiginosa en posición de ruta, aquí arriba solo. Dispositivos en el trimestre suben gran intervalo. En cambio, puedes hacer esto puede permanecer, pero solo mover estas dos notas hacia abajo ligeramente me gusta como esta otra vez de nuevo, mucho más suave. Tres Usa la voz, liderando con muchas voces continuas para reducir la cantidad fuera nota que cambia. Entonces con esto me refiero a sostener algunas de las notas que están presentes en ambos acordes en el cambio de corte . Entonces, por ejemplo, si volvemos a tomar la cancha F y quiero ir a una menor, bueno, como se puede ver está aquí, Ver también está en una menor para que puedas quedarte en esas notas y simplemente bajar el dinero y luego ir de la base. Nota de F hoy en adelante. Si quiero enfocarme en ir con la melodía al año del mar, simplemente puedes airear esa nota así. Cuatro. Hacer uso de acordes suspendidos. No sólo ayuda a liderar la voz y crear transiciones más suaves, sino que añade mucha emoción y carácter a tu música. Entonces digamos que tienes si apareces en tercera inversión. Bueno, si simplemente bajo a la lágrima de Gino, es decir, si suss a en 30 versión como esta, y entonces simplemente puedo mover la base hacia abajo para ver cuándo llamaría a esto cesarnos cuatro. Entonces, uh, y entonces simplemente puedo bajar 1/2 paso con F dos años Onda, ir a la cancha mayor C. Por lo que toda la secuencia sonará así. Somos nosotros, también. Ver alguna forma y eso es todo. Cinco. Ata las notas de acorde juntas en tu d. W. Así que aquí estoy dentro del piano roll, y esta es una sección de cuerdas en una de mis composiciones, y puedes ver que esta nota se mantiene durante mucho tiempo. Y eso se debe a que la nota en realidad está presente en todos estos acordes de la secuencia. Entonces en lógica y la mayoría de los UW's, ¿tienes una función de pegamento? Si seleccionas dos notas, puedes usar la herramienta de pegamento y básicamente pegarlas juntas. Me gusta Así que déjenme borrar eso. Y eso es lo que he hecho para este tribunal aquí, y estos llamaron y esta cuerda para extender esta nota y esta nota. Yo podría haberlo hecho con esto también. Cuantas más notas pegadas entre sí, más suave sonará la transición cruel y fresca. Entonces escuchemos esto ahora tocarán las cuerdas con la forma del piano responsable y seis notas de cuerda superpuestas para que veas que hay una cancha aquí, y esto es en realidad cambio de corte en esto, también. Y si miras de cerca. Se puede ver que este aviso realmente se superpone en esta nota y nos escuchan bien y aquí también. Por lo que no tienes esta brecha entre ellos, pero en cambio se superponen ligeramente, y esto creará una transición aún más suave. Increíble. Ahora aquí un resumen de mis consejos sobre este suave bloque acordes jugando estilo. Asegúrate de tomar medidas para practicar mucho. Estos conceptos tú mismo aprendes haciendo porque siempre es la mejor manera. Diviértete y te estaré esperando en el próximo video. 8. Acordes de bloques y bloques y Rhythmic: ahora tocaré los bloques rítmicos jugando estilo en cuerdas staccato. Punta uno. Diseña un groove rítmico, Así que no solo juegues un ritmo sencillo, recto como este. Por ejemplo. 123123123123 Quiero decir, se podría hacer eso, y podría funcionar en algunas ocasiones, pero es bastante aburrido, ¿ verdad? Por lo que podría ser más fácil si te imaginas el rasgueo rítmico de las canchas en una guitarra acústica , porque ese es básicamente el estilo de juego del que estamos hablando aquí. Se quiere crear un patrón interesante al usar el rítmico A block acordes jugando estilo como este, por ejemplo, tip para agregar espías con los colores del cordón. Y con esto quiero decir que de vez en cuando se pueden usar diferentes refrigeradores refrigerados mediante alteraciones como, por ejemplo, ir de un mayor Teoh nos cuatro o un lanzamiento mayor. Nosotros, también, digamos, y también llamadas extensiones que van de, digamos simples. Pruébalo y agregando, Digamos, 1/7 o en el anuncio seis simplemente como variaciones cortas para que la progresión sea más interesante. Tip. Tres. Crear enfoque con inversiones de corte. El apunte más alto en un acorde siempre será el foco principal que nuestros oídos escuchan más . Por lo que puedes usar esto a tu favor como compositor eligiendo las inversiones de acordes para dirigir el enfoque de cada corte en tu progresión. Entonces, por ejemplo, digamos que quieres ir de C mayor. Si mayor a G mayor. Si todo usó la posición de raíz de cada acorde, tu oreja recogerá estas notas. G aquí desde el Tribunal del Mar. Ver aquí F Court, el D aquí desde el acorde D, porque tu oído escuchará la nota más alta de cada anotado más. Ese es el enfoque, por lo que puedes usar esto a tu favor eligiendo el enfoque usando versiones de cortejo. Entonces en lugar de usar C y posición raíz si puedes usar C y esta inversión de F por lo que ahora estás aquí lo recogerás, y puedes usar esta técnica para toda tu progresión cancha. TP cuatro. Elige los acentos. Ritmos interesantes también son muy dependientes de cómo elijas los acentos en el patrón rítmico . Entonces, por ejemplo, puedo jugar así sin acentos, lo cual es muy aburrido, y en cambio puedo agregar acentos en beats elegidos como, digamos, el uno o extender los acentos a crear un patrón rítmico más interesante. También puedo tocar la nota raíz con la mano izquierda sobre Lee en el acento como esta punta cinco capa con variación de voz enfriada. Entonces ahora por este consejo, estoy dentro del piano. Roll off, mi querida w y estos, dicen cadena insolvable staccato cuerdas patrón, que suena así en tan uno. Por lo que ahora este consejo es para arreglar estos libros rítmicos de corte sobre diferentes instrumentos. Yo diría para el mejor impacto. Si quieres capas, mantén el ritmo, pero cambia el tono transponiendo las notas, lo que significa que si tienes dos instrumentos tocando bloques rítmicos en lugar de simplemente estar pegando todo el patrón, cambiar las inversiones por una transposición del rango de las voces de la corte. Entonces digamos que aquí quieres una viola para capas sobre estas notas. Bueno, puedes transponerlos hacia abajo una octava como para copiarlo a la pista de viola o para buscar, por ejemplo, ejemplo, un violonchelo. ¿ Quieres duplicar estas voces? Bueno, tal vez quieras transponer esos hacia abajo una octava o incluso dos capas de Teoh con estos pegados a cadena patrón punta seis. Agrega notas entre los libros. Entonces, como pueden ver aquí, he añadido notas simples entre algunas de las miradas de corte rid me, lo que agrega más sabor y movimiento. Se puede ver un sencillo no aquí y por aquí y aquí y así sucesivamente. Se puede pensar en esto como similar a una guitarra acústica rasgueando acordes pero ocasionalmente arrancando cuerdas individuales dentro del patrón para darle sabor. Enhorabuena. Ahora aquí tienes un resumen de mis consejos sobre los acordes de Ville Nick Block tocando estilo. Escríbelas en tus notas para que las recuerdes mejor que divertirte practicando este estilo de juego para aprender haciendo, y te veo en el siguiente video. 9. Juega con Arpeggios: Está bien. Ahora vamos a aprender sobre el estilo de juego o PDO. Cuatro acordes. En primer lugar, ten una escucha a este ejemplo que grabé. - Punta uno. Elige la dirección por nota. Con esto, quiero decir que no tienes que tocar el arpegio como una simple secuencia de izquierda a derecha en tu teclado o de derecha a izquierda. Tienes libertad creativa para saltar en las voces de la o te pagó para crear más variación como esta. Por ejemplo, punta para agregar notas pasantes o pidio zor genial para pasar niños entre las notas de la cancha principal. Básicamente, puedes ver estos ALS pasando realmente está haciendo un nuevo acorde como una alteración o extensión de tu cable principal. Déjenme demostrar. Entonces digamos que tienes un acorde C mayor como este sobre de mesa de tres roble, y quieres agregar algunos post it notas en estas ópera hacen para que sea más interesante. Bueno, digamos que quieres agregar esto, que en realidad es el SAS cuatro fuera de la secuela. Es posible que desee agregar este wishy zc seven o incluso tal vez esto una nota, que se ve a las seis. Tocemos toda esa secuencia. De hecho, punta tres longitudes muy notas dentro del o Paju, un patrón simple, recto off tocando el arpegio como las notas de cuarto, por ejemplo, a menudo puede funcionar muy bien así. Pero también puedes elegir agregar variación en longitudes de nota dentro de tu patrón o Pedro como este, por ejemplo, bien, punta para tempo, variación para emoción extra. Personalmente creo que el movimiento gradual en tempo fuera del estilo de juego de tu arpegio, lo que significa frenar y acelerar en ocasiones elegidas en el arpegio puede hacer que un simple o Pajot suene increíble y hermoso. Entonces déjenme demostrar. En primer lugar, un templo estático que puede zona. Digamos, como esto suena bien, Pero quiero agregar dinámicas en el templo ahora, así que déjame demostrar cómo se puede hacer eso. Tip. Cinco. Elige la gama fuera del o Paju. Podrás jugar en arpegio como un simple pruébalo donde podrás añadir dobles de las notas dentro la gama arpegio sobre una amplia gama en tu teclado. Viniendo del rango medio, digamos, agregando una octava aparecen y digamos que aquí hay dos notas o una realmente grande o PDO, que a menudo es tocada por esperanzas, por ejemplo, y personalmente me encanta el sonido off wide o pidio debe. Aquí hay un ejemplo sobre piano, ¿eh? Tip. Six Ad Horman es para condimentar el o Paju. En realidad me gusta romper la habitación o PDO por ocasionalmente apilar dos notas como esta dentro del arpegio, creando una armonía. Técnicamente no es un verdadero o pidio si tocas más de una nota a la vez, pero ese no es el punto. El punto es que es una gran manera de condimentar tu o pidio con armonías. Las armas te muestran. Entonces digamos que vamos a jugar en arpegio on Digamos, la cancha mayor B plana aquí, ¿ verdad? Entonces ese es un verdadero arpegio jugando aquí con una sola nota en su momento. Ahora agreguemos algunas armonías para darle sabor. Digamos que quieres ir así o déjame tocarlo aún más para mostrarte lo que quiero decir. Enhorabuena. Lo estás haciendo increíblemente bien ahora. Aquí tienes un resumen de todos mis consejos sobre el estilo de juego o pidio, y hay tantas más formas de reproducir o videos que tus opciones son casi ilimitadas. Así que adelante y diviértete practicando este particular estilo de juego , claro, y te veo en el siguiente video 10. Tocar estilo 4 de ritmo: Ahora veamos el estilo de juego que llamo ritmo de comping. Ahora déjame darte algunos consejos prácticos sobre cómo usar el estilo de juego del ritmo de comping. Tip. Uno. Enfócate en el surco. Comping es principalmente sobre ritmo y groove, así que concéntrate en los patrones rítmicos más de lo que notas específicas usas. Esencialmente el tiempo fuera de las notas, lo que significa por ejemplo, 12341234 así como su longitud. Entonces, por ejemplo, usar notas más cortas y largas en varias longitudes de nota. Déjame darte un ejemplo, y empezaré con notas cortas y luego añadiré notas más largas dentro del patrón. Y así un consejo para mezclar todos los estilos como desees looks rítmicos, acordes de bloque largo o armonías pidio. Al componer puedes mezclarlos y mezclarlos todos en una actuación muy única. Déjenme demostrar. - Tip . Tres Acento con notas de bajo. Puedes usar tu mano izquierda para agregar acentos más poderosos con la nota raíz de la cancha en el registro base. Esto funciona especialmente genial en secciones de piano o conjuntos orquestales como cuerdas o pechos. Tocar notas cortas de manera rítmica. Ya te mostraré esto en piano. Entonces digamos que tienes en la cancha F. Puedes usar accidentes como este en. Entonces puedes acentuar incluso mawr con notas de bajo. Entonces déjame mostrar con esto en un consejo de secuencia real para Alter the cordones al componer básicamente todos los estilos de reproducción rítmicos. En realidad, los cordones se benefician de la coloración enfriada como cordones alterados o acordes extendidos. Puede agregar más flujo, más interés y básicamente apuntar o rendimiento dinámico. Déjenme demostrar. Entonces, por ejemplo, digamos que tienes un acorde mayor como este, agregando un acorde suspendido en el estilo de juego rítmico como este. Resolviéndolo de nuevo, tal vez épocas usarán inversiones y cuarzo Abd, agregando una nota como esta o grandes maneras de agregar colores y alterar el curso al compactar déjame tocar esa cualquier secuencia. Impresionante. Ahora hemos aprendido mis mejores consejos sobre usar el estilo de juego del ritmo de comping. Ten en cuenta que puedes utilizar todas estas técnicas simplemente escribiendo en todas las notas de las canchas en tu secuenciador, usando el ratón y el teclado de tu computadora en tu DW. Adelante y practica el estilo de juego de ritmo de comping con cuerdas ahora y cuando te sientas listo, sigamos en el siguiente video 11. Chord Inversiones: Ahora hablemos de las inversiones enfriadas primero ¿qué? O inversiones de acordes. Entonces aquí está mi breve definición. Inversiones fuera de cancha. Las inversiones de corte son varias voces fuera del mismo acorde al transponer denota núcleo en octavas. Bueno, si revisas tu piano o teclado midi, sabes que las 12 notas de música o repetidas en octavas, por ejemplo, tienes la C media aquí puesta. Si subes una octava perfecta, obtienes otro C que C es la misma nota simplemente una octava más alta o, para ser específico, exactamente la doble frecuencia fuera de la presidencia. Ese es el aspecto técnico off note octavas. Son múltiplos fuera de la misma frecuencia fundamental, razón por la cual suenan tan similares y por qué todos son la misma nota. Por lo que para cualquier acorde que juegues, puedes elegir asignar cada nota individual fuera del cable a básicamente cualquier lugar del teclado. Entonces tomemos un simple acorde C mayor. Por ejemplo, consiste en tres notas C, E y G. Si tocas la C media, seguida de la E justo encima de ella, y luego la G que se llama tocar el cordón en posición de ruta porque tocas cada de la cancha de manera lineal. El recorrido el tercero y el quinto en este caso. Pero ahora vamos a convertir este cable en una inversión. Si tomas la nota raíz, ves y la transpones hasta una octava, ahora estás jugando la cancha s 3ª ruta 5ª que se llama la primera inversión. Si sigues moviendo la nueva nota baja, que es la tercera o E en este caso, arriba una octava también, ahora estás tocando el cordón como quinta tercera Root, que se llama la segunda inversión. Básicamente, puedes tocar cualquier acorde de tres notas en tres variaciones. Posición de raíz, primera inversión y segunda inversión. Si agrega una nota a la cancha por lo que consiste en cuatro notas, por ejemplo, 1/7 acorde. Tienes otra inversión más para elegir, llamada Tercera Inversión, porque hay una nota más que puedes transponer ahora. Prepárate para aprender uno de los verdaderos métodos de poder que puedes usar como compositor al escribir progresiones de llamadas , porque puedes elegir creativamente qué tipo de inversión quieres tocar para cada acorde en tu progresión en tu historia musical. Entonces aunque solo tengas cuatro acordes en tu progresión cancha. Esta dimensión extra inversiones fuera de cancha añade una flexibilidad increíble y abre tantas posibilidades para ti. Permítanme demostrar esto tocando un par de variaciones diferentes fuera de la misma progresión exacta del acorde. Lo único que es diferente son las inversiones enfriadas que he elegido para cada acorde para - Sí , genial. Y como ya has aprendido, la nota más alta de cada acorde es en lo que nuestras orejas recogen y se enfocan más. Por lo que esto significa que ahora puedes usar inversiones enfriadas para decidir esencialmente el enfoque la progresión del acorde. Esencialmente, esto significa que en realidad puedes dar forma a una milady integrada dentro de tu progresión central eligiendo inversiones de corte para adaptarse a eso, Milady. Entonces aunque no tengas una melodía en tu pista aún tienes el poder de crear una milady por usado en inversiones de corte de una manera creativa en tu progresión de acordes. Y cuando combinas estos con tu milady principal, significa que tu tema principal tendrá un enfoque y claridad increíbles. Déjame mostrarte. Entonces digamos que tienes una melodía que va así. Ahora usaré el poder de las inversiones de acordes para escribir una progresión fresca para que cada acorde tenga su nota más alta como la misma que esta línea de melodía. Escucha atentamente la melodía dentro de la progresión del acorde. Increíble. Ya has aprendido las increíbles inversiones de power off court para elegir el enfoque, apoyar tu tema principal, agregar variación y hacer que tu historia musical sea más poderosa e interesante. Continuemos tu viaje de aprendizaje en el siguiente video. 12. Liderado de voz de corr: Oigan, compositores. Ahora hablemos de liderar la voz enfriada porque solo aprendes sobre las inversiones de acordes, lo que te mostró que las progresiones frescas raramente o simples, bloques rectos en una secuencia. En cambio , a menudo tiene mucha variación pasando. Una de esas variaciones se llama voz Leading, y está muy integrada con el concepto de inversiones frías. Aquí está mi corta definición off voice leading leading es el movimiento fuera de las voces internas, lo que significa que toda nota cambia de cada acorde en la progresión? Porque si volvemos a mirar el teclado de piano, digamos que queremos tocar una progresión simple y fresca como C mayor. Si Mayor G mayor y volver a ver a Major Bueno, si tocamos el centro comercial en posición de ruta, oirán que suena un poco desatado. Eso se debe a que los intervalos que mueve cada nota dentro de la cancha al cambiar de notas es más largo de lo que necesita ser. Comparemos estos dos usando inversiones de acordes de una manera para que la progresión fresca se sienta más suave. Yo puedo elegir tocar los acordes así en su lugar, y como escuchaste estos sonidos mucho más suaves. Pero ¿por qué suena, madre, madre, Porque cada declinación de Millo, también llamada voz suena más suave si tocas intervalos más cortos, lo que significa tener las notas más cerca juntas. Por lo que este concepto realmente aplica para las melodías a para la conducción de voz fría. A menudo quieres usar las inversiones de acordes de una manera de minimizar los movimientos de tus manos si lo tocas en tu piano o teclado ambos para que sea más fácil tocar, pero principalmente porque suena mucho más suave. No obstante, esto no es una habitación, y francamente, aunque waas, elijo romperla personalmente muchas veces cuando compongo música. Pero aún así, es un concepto del que es importante aprender porque cuando piensas en los tribunales esta manera, igual que las diferentes voces que se llevan entre sí, empieza a darse cuenta de que los tribunales realmente no están bloqueados armonías. Pero en realidad varios descensos Millo o voces tocadas en una secuencia. Al mismo tiempo, La mejor manera de practicar el liderazgo de voz, en mi opinión es tocar tus voces frescas, es decir, las notas individuales sobre diferentes instrumentos. Por lo que tengo una actividad de práctica para ti ahora primero creé progresión fresca en tu piano o teclado usando acordes Onley Triada, es decir, tres notas acordes más una nota de bajo añadida tocando la raíz de cada cancha con mano izquierda almacenada al hacer esta progresión de cancha usando Onley la posición raíz fuera cada acorde así, luego practicar organizar estas progresiones frías, usando cada voz individual fuera de cada acorde, tocado en un instrumento diferente en, Digamos, en sección de cuerdas orquestales, usa la doble base tocando la raíz y los Chelios, violas y violines tocando las voces del cordón de la tríada. Por lo que en posición de ruta, lo jugarías así. El doble base jugando el agregó la nota raíz fuera de la cancha, los escalofríos jugando la ruta principal. Observe las violas tocando el tercero de la cancha y los violines tocando el quinto. Ahora, cuando miras a los medios de comunicación así, es aún más claro que canchas o básicamente voces diferentes tocando en armonía entre sí. Y ahora el fondo almacena. Puedes usar tu libertad creativa s un compositor para elegir diferentes inversiones de acordes y decidir cuál de los instrumentos de cuerda o cualquier otro instrumento debe tocar qué voz fuera la cancha. Así que adelante y haz algunas inversiones en la corte y piensa en la voz que conduce como tú lo haces . Realmente no suavizarás las transiciones o quizás transiciones realmente jumpy. A continuación, puedes ir un palo más allá si quieres, y añadir una nota principal en algunas de las voces justo antes de que el cable entre en la siguiente cancha En la secuencia. Esto agrega más flujo e interés a tu progresión fría como esta. Entonces digamos que quieres ir de C a F. Lo primero que puedes hacer es usar una inversión que minimice la distancia entre estos núcleos. Entonces digamos que empiezo con Sian Root Position haciendo ir a si en tercera inversión. Y también puedes agregar una nota de liderazgo o nota de paso al final del mar para que fluyan aún mejor entre sí. Al igual que esto. Enhorabuena. Usted ha aprendido el poder del liderazgo de voz, que es como diversas voces se dirigen entre sí de un acorde a otro. E incluso has aprendido a agregar tonos principales de voz entre los cambios de núcleo, que puedes usar para hacer que la transición fluya más suavemente. Increíble. Ahora sigamos en el siguiente video 13. Estilo de reproducción de acordes: Ahora aprendamos sobre los estilos de juego de acordes, porque cómo tocas cada acorde en tus progresiones centrales es tu elección creativa como compositor, y hace una gran diferencia. Entonces, ¿qué quiero decir con llamado estilo de juego? Bueno, básicamente, el ritmo interno y la interacción entre las notas fuera del cordón, las voces dentro del cordón, la forma más fácil y sencilla de tocar un acorde se llama acordes de bloque. Se trata básicamente de grandes libros para cada acorde, donde cada nota dentro de la cancha se lleva a cabo hasta el siguiente acorde. En la progresión. Si utilizas el estilo de juego de bloques de cancha, usualmente usas alguna voz que conduce con un tono de liderazgo antes del cambio de cancha para darle sabor , no y también acordes largos y bajos que perdieron una pelota o más necesitan otra forma de hacer lo más interesante. Expresión y movimiento. Es por eso que este estilo de juego core de libro, se utiliza principalmente en cuerdas e instrumentos de latón porque tienen tanto control sobre la expresión en el sostenido el sonido Pasemos al siguiente estilo de juego o pidio. Significa acorde roto. Básicamente, significa que el bloque sólido fuera de las notas se rompe y se juega en una secuencia. El ritmo de las lentejuelas y cómo saltas entre las notas en la cancha depende totalmente ti y una forma súper poderosa de agregar interés y un flujo rítmico dentro de tus progresiones acordes . Siguiente estilo de juego, llamo bloques rítmicos porque sigue siendo canchas de libros. Pero en lugar de bloques largos entre cada cambio de cancha, los divides en pedazos más pequeños y agregas montadas. Básicamente, esto es lo que dijiste rasgueo es, pero puedes hacerlo en cualquier tipo de instrumento que pueda tocar canchas en un estilo corto y rítmico, por ejemplo, notas de ganado pegadas en cuerdas, pechuga y vientos madereros. Entonces tenemos el estilo de juego de cancha que yo llamo ritmo de comping, que es básicamente una mezcla entre varios de estos otros estilos en un patrón rítmico único , generalmente en guitarra o piano. El estilo de juego de comping puede, por ejemplo, ser mezclado entre notas simples, bloques cortos, Juno para la armonía y cambiar la longitud de las notas, todo para crear un ritmo de comping. Como dije, esto funciona especialmente bien en piano o guitarra, Así que ahora has aprendido que el estilo de juego que significa el ritmo y la interacción entre las notas o voces fuera de cada acorde es completamente libre de elección, incluso con una progresión de núcleo súper simple como, por ejemplo, ver Mayor F Mayor G mayor y volver a ver Mayor. Tienes opciones ilimitadas fuera de cómo sonarán estas progresiones frescas elaborando de estilo de juego para cada acorde en la progresión. Ahora prueba estos diferentes estilos de juego para tus cuerdas. Bloquean acordes que se llevan a cabo hasta la siguiente cancha. Bloques muy étnicos, que básicamente es lo que es el rasgueo de guitarra, o pidio, es cuál, o acordes rotos en notas individuales y ritmo de comping, que es una mezcla de estas cosas, incluyendo longitudes de notas para crear tu ritmo con. Así que diviértete practicando estilos de juego de acordes, y te estaré esperando en el próximo video. 14. Ritmo de progresión de acordes: Ahora ya has aprendido sobre tu apagado creativo usando estilos de juego de cancha. Pero hay aún más poder en tus manos de compositor porque también tienes completa libertad creativa de cuánto tiempo se juega cada cancha en la secuencia. Por lo que para cada cancha dentro de tu progresión core, puedes elegir si se debe jugar para una tabla para aburrir la mitad de la pelota o incluso 1/4 tazón la longitud de cada acorde. El tiempo fuera de la cancha cambia. Estas partes son completamente gratuitas para que elijas dentro de tus composiciones musicales. El punto es que técnicamente es la misma progresión de acordes, pero suena tan diferente. Déjenme demostrar. Si volvemos a tomar la sencilla progresión de acordes C F G C, permitiré que se juegue con diversa longitud de cada acorde. Por supuesto, esto también significará que la duración de la progresión en frío puede ser más larga o más corta, Pero eso también es parte del punto. Escuchemos ahora. Aquí tienes una lección muy importante para que aprendas. Un error común que cometen muchos compositores nuevos es a Onley agregar cambios de acorde cada bola. ¿ Por qué querrías restringirte así? De hecho, animaría a No. Te reto a empezar a usar los cambios de acordes MAWR porque agregará más profundidad, más variación y, como resultado, un personaje más interesante y atractivo en tu música. Enhorabuena. Ahora has aprendido sobre el ritmo fresco de progresión, lo que significa que la longitud fuera de cada acorde y el tiempo de tu núcleo cambia en tus progresiones. También te has liberado de las cadenas de un oriundo cambios de acorde. Así que adelante y practica cambiar el tiempo interno de tus progresiones centrales, y te veo en el siguiente video. 15. Acordes diatónicos: Ahora, por supuesto, la base fuera de tus progresiones frescas se basa en lo que enfría que elijas poner dentro ella. Y una cosa que te puede ayudar es aprender sobre los acordes diatónicos, las canchas dia torrey o todos los cordones que Onley utiliza notas desde dentro de la escala que has elegido para tu canción. Entonces, por ejemplo, digamos que usamos la escala A menor para escribir tu composición en, bueno esa escala. Onley usa teclas blancas en tu teclado. Entonces los acordes diatónicos también usarán Onley notas de la caja blanca. Ahora una escala estándar tiene siete notas, más la cinta de roble añadida fuera de la nota raíz para terminar con este juego. Entonces si toco todas las teclas blancas de A a una octava por encima de ella así, acabo de tocar la escala A menor, ¿ verdad? Bueno, cada clave que jugué tiene un número que básicamente es colocación dentro de la escala llamada grado de escala. la nota raíz, Ala nota raíz, que es a en este caso, se le llama una a la que se llama Siguiente B, y así sucesivamente hasta siete, que es G en este caso. Y entonces la escala termina con la A una octava por encima de la nota raíz bien, para ser precisos. En la teoría de la música, se utilizan los números romanos para indicar el grado de escala de cada nota o acorde como éste, esos todos los siete grados fuera de una escala estándar en la música. Y esto significa que tienes siete acordes diatónicos para elegir. Si utilizas todos estos acordes simples de tríada, puedes obtener aún más si extiendes tus núcleos o les agregas color agregando notas o alterando notas dentro del acorde empujándolas hacia arriba o hacia abajo. Entonces para la escala a menor, que usa en el caso Lee White, obtienes estas canchas diatónicas de tríada. Echemos un vistazo a esta secuencia cuidadosamente porque quiero que la recuerden bien, ¿por qué? Bueno, porque lo genial de los patrones de escala y los acordes diatónicos llenos de la escala es que es así para todas las claves fuera del tipo de escala específico. Entonces para este ejemplo, usamos la escala menor natural en una Así que cada vez que compongas música dentro de esta escala, en cualquier otra clave, obtienes las mismas lentejuelas diatónicas de acorde, el mismo orden el patrón que ves aquí, lo que significa que simplemente puedes eliminar las claves del mismo patrón y hacerlo así en su lugar. Y entonces simplemente nombramos a este patrón acordes diatónicos naturales, de menor escala. Ahora hagamos lo mismo. Pero para todas las escalas mayores, entonces obtenemos este patrón de acorde diatónico. Enhorabuena. Ahora has mirado este secreto para elegir acordes que suenan adecuados para tu composición. Los acordes diatónicos. Por supuesto, la secuencia de las canchas importa mucho, y algunos cambios geniales siempre sonarán más naturales que otros. Pero básicamente, los acordes diatónicos pueden ser un gran punto de partida como un banco fuera de curso para elegir a crear tu progresión de acordes, quiero darte un bonus final punta avanzada también. ¿ Notaste que tanto el tipo de escala menor como el tipo de escala mayor tienen un acorde decrecido en el patrón de acorde diatónico? Bueno, honestamente puedo decir que raramente se usan acordes disminuidos, principalmente porque tienen el temido intervalo de tono try dentro del cordón, que es muy disonante. Entonces, sabiendo que yo diría que puedes enfocarte principalmente en estos otros seis núcleos diatónicos como punto de partida en tus progresiones acordes. Y no olvides, también puedes agregar notas para extender el coito de tríadas con más de tres notas o alterar notas dentro del acorde para, por ejemplo, hacer suspendido. Enfriar. De verdad aprende esto. Tengo otra actividad de práctica para ti. Yo quiero que anotes estos patrones de corte diatónico tanto para la escala mayor como para la escala menor natural, porque anotar las cosas ayuda al proceso de aprendizaje. Pero no sólo eso. Entonces quería mirar tus notas mientras tocaba a través de los cordones de cada uno de estos patrones . Digamos que empiezas con los acordes diatónicos de gran escala. Bueno, entonces empieza por elegir la llave. Te recomiendo usar primero la escala C mayor y luego jugar cada dia. Tony enfrió la báscula, subiendo y luego bajando. Después cambia la tecla, pero usa el mismo tipo de escala. Digamos D mayor, escoge los acordes diatónicos de D mayor usando la fórmula de acordes diatónicos que acabas de aprender y tocarlos en las lentejuelas, pasando de 1 a 7 y 7 a 1 más la octava para resolver la escala. Después de haber practicado esto por un tiempo, empieza a mezclar las cosas. Cambie de forma aleatoria o creativa entre los grados fuera de la escala de 1 a 62 quizá tres de cinco. Y así uno. El propósito de este ejercicio es que te familiarices con el sonido y el carácter fuera las canchas diatónicas de la escala específica, pero también desarrollar un instinto de cómo los diferentes cambios de acorde suenan como, porque yendo de 4 a 1 tiene una emoción totalmente diferente a ir de 3 a 6, por ejemplo. Entonces este es el sonido fuera del tipo de escala mayor con los acordes diatónicos. 141 1541 16451 y así uno. Así que practica tantas opciones como quieras y asegúrate de practicar en todas las claves fuera de la escala mayor así como de la escala menor natural. Después de haber practicado este lote, encontrarás que sabrás de antemano cómo sonará un cambio de cancha específico en tu progresión de acordes. Y esto acelerará tu proceso de composición y te dará mucha más libertad creativa y poder. Diviértete desarrollando tus acordes diatónicos y acordes cambiando instintos, y te veo en el siguiente video 16. Los 3 acordes fuertes: Está bien. Por lo que has aprendido sobre los acordes diatónicos, y si bien no estás atado por ellos, son de hecho un gran punto de partida para escribir tus progresiones de acordes. No obstante, en este video vas a aprender sobre el concepto que llamo a los tres acordes fuertes en música porque s aprendiste tienes siete acordes diatónicos en su escala, uno por cada grado de escala de 1 a 7. Y también aprendió que para la escala mayor y menor, tiene un acorde decrecido como uno fuera de los acordes diatónicos. Bueno, esa rara vez se usa, lo que reduce tus opciones 26 acordes. Fuera de curso. Puedes usar la cancha disminuida de tu luz porque estás en control. Como compositor, solo estoy tratando de ayudarte a desarrollar un sentido para los diferentes acordes diatónicos aquí. Ahora, las tres cuerdas fuertes, todas las canchas que más usarás porque tienen una relación matemática en las mismas frecuencias fuera de sus fotos de nota que básicamente los unen. Estos cordones o el cordón raíz, el uno el cuarto acorde y el quinto llamado de la escala en la nomenclatura fuera de los grados de escala de todas las escalas. Estos se llaman el Tónico, el cuarto perfecto y el quinto perfecto. El tónico es el hogar armónico de tu composición musical en el cuarto perfecto y perfecto quinto o muy atado a tu tónico. Entonces, básicamente, si escuchas, digamos, música Pope, música Pope, hay millones de pistas que Onley utiliza estos tres fuertes cordones como base fuera de la progresión de la corte en el canción. Por lo que una pauta que puedes usar es darle un poco más de peso a estos tres acordes diatónicos cuando desarrolles tus progresiones de acordes, lo que significa que usaste y con más frecuencia que los otros acordes diatónicos dentro de tu composición musical . Por lo que aquí están los tres cordones fuertes para la escala menor natural a la izquierda y la escala mayor a la derecha notaron que el tipo de escala menor tiene las tres canchas fuertes como acordes menores en lo contrario para el tipo de escala mayor donde los tres fuertes los cordones son todos mayores. Es decir, de hecho, lo que crea el triste personaje emocional fuera de las canciones basadas en escala menor y las canciones edificantes , alegres, basadas en mayor escala. Permítanme demostrar esto tocando una progresión de acordes usando Onley, los tres bastiones primero usando la escala menor y luego con la habilidad mayor, permítanme empezar con la escala A menor, donde la progresión 1451 sonará así. Los tres núcleos fuertes y ahora juguemos el uno completo 51 progresión de acordes los tres fuertes acordes en la escala mayor C. En esencia, formaron el armónico CenterPoint de tu historia musical. Se puede pensar en el 145 como la familia cool, la madre, padre y el niño en los otros acordes diatónicos como tus mejores amigos, la familia cool pasará naturalmente el mayor tiempo juntos. Prueba esto por ti mismo. Ahora practica tocar acordes diatónicos desde una escala mayor y luego haz el mismo ejercicio en una escala menor y toma nota extra de lo natural que se siente jugar el curso 145 en la báscula. Pero a veces también quieres ver a tus amigos, también quieres ver a tus amigos, así que agregando un par de los otros acordes diatónicos a tu progresión de acordes. Diviértete, aprende voluntad y te veo en el próximo video 17. La armonía es como las relaciones: acordes y armonías es lo que suman profundidad en la música. ¿ Qué tipo de profundidad y tono emocional es tu elección como compositor? Para cada Milady, hay millones de opciones para que la historia armónica la apoye, es decir, los cordones que elijas, la longitud de cada cortejo, la progresión y el ritmo y estilo de juego de cada acorde. Ahora aquí hay una lección realmente importante que aprendí personalmente como uno de esos momentos ah ha . Esto es lo que me di cuenta años en mi viaje de composición se enfría y las armonías se forman automáticamente a partir de las relaciones. Básicamente, esto significa que siempre que tengas dos o más voces que significan líneas melódicas tocando diferentes partes al mismo tiempo, lo harás. Para una relación armónica entre ellos, esto significa ese curso y armonías. La música no tiene que ser tocada por un solo instrumento, como, ejemplo, un rasgueo un piano de comping alto. De hecho, los acordes y armonías se forman automáticamente a partir de la relación entre todos los puertos tocando en tu pista. Entonces digamos que tienes una composición en tu D W hecha a partir de instrumentos de software Onley, para que puedas ver todas las notas de los medios de comunicación fuera de cualquier sección. Al mismo tiempo, simplemente selecciona todos los puertos y abre la fila de piano. Y la mayoría de los D A. W's deberían poder mostrarte los medios fuera de todos esos puertos en un solo editor de fila de piano como este. Ahora fuera de curso, debes excluir todas las pistas de medios de percusión y percusión porque esas son conocidas, lanzadas y por lo tanto no pueden para muchos armonía. Pero selecciona todas las demás pistas y luego mira cuidadosamente dentro de la sala de piano, tu melodía principal, melodías de contador, comping de piano y cuerdas tocando cuerdas de libro. Cada nota fuera de cada instrumento suma aquí. Entonces donde quiera que coloques la cabeza de juego en el secuenciador, cuando estás dentro del piano y mira todas las notas así, ese es básicamente el cordón de ese momento específico en tu composición. Déjenme ser aún más claro. Tu melodía, tu melodía de contador, las pistas tocando cuerdas de libro o arpegios. Todo crea una suma total en todos y cada uno de los puntos de tu composición, y que algunos es la estructura armónica fuera de ese momento, es decir, el cordón. Es así como miro toda la música en estos días, y encuentro este punto de vista muy liberador y empoderador porque ahora puede ver todo como voces individuales que crean armonías con sus relaciones. Es como si tu composición fuera como un equipo. Digamos que un equipo de futbol. Si presentas a un nuevo jugador que significa una nueva voz en tu composición, el equipo s un resultado será diferente. Ustedes las relaciones se forman automáticamente porque esa es la esencia misma sobre un equipo. Todos juegan su papel, pero el resultado final siempre estará por encima del equipo completo. Entonces piensa en estos términos cuando compongas tu música, melodías, armonías, armonías, cancha y cualquier estilo de juego off, estos elementos forman automáticamente un equipo a partir de las relaciones entre ellos. Y esas relaciones cambian con el tiempo en tu composición, al igual que la colocación en el campo fuera de todos los jugadores del equipo durante un juego. Ahora, finalmente, te recomiendo profundamente en esta perspectiva y sentido de las relaciones en la música entrando en diferentes composiciones que has creado y alabando el play head en el secuenciador en diversos puertos en tu rastrear que analizar qué notas o presentes en ese mismo momento. ¿ Qué cordón se están formando esas relaciones en cada uno de los lugares de tu composición? Nuevamente, todas las armonías en la música son sobre las relaciones entre las notas en cada momento tu historia musical, así que asegúrate de que realmente aprendas estas de memoria, y te veo en el siguiente video 18. Directriz el factor de melodía: directriz uno Cortes versus Milady Factor, como ya has aprendido todas las voces melódicas de todos tus instrumentos o lo que crea el acorde actual en cualquier punto específico de tu composición musical. Esto es automático por la relación fuera de todos los intervalos entre las notas. Ahora bien, si tocas una progresión de acordes, por ejemplo, piano, normalmente cambias los acordes demasiado lentamente para que las voces internas de las canchas sean recogidas como melodía. Como se puede escuchar de este ejemplo, así que básicamente la forma habitual de mirar el curso en la música es como una fundación armónica, un marco para tu historia. No obstante, si cambias los acordes muy a menudo, como casi cada cuarto de nota, tu progresión cancha se sentirá más como armonía contrapunto, lo que significa que varias líneas melódicas individuales jugadas juntas. Entonces en este ejemplo, he cambiado los cordones muy a menudo, lo que de hecho crea Melo descensos dentro de la progresión del acorde. Hagamos una escucha primero, por lo que la nota superior de cada acorde siempre estará en la mayoría de los focos. Entonces la melodía que más escuchas es ésta. Pero si escuchas con atención, puedes escuchar otra línea melódica aquí y quizá ésta también. Uh, y de hecho aquí en la cabina, uh, la diferencia entre esta forma de fundación armónica de usar curso en entrar en armonía casi contrapunto es lo que yo llamo los cordones versus factor melodía. Y puedes usar este factor a tu ventaja para agregar aún más soporte a tu melodía líder . Porque cada vez que una nota dentro de tu cancha cambia incluso una sola voz, es como un micro acento, y ese micro acento puede apoyar a tu milady. Si eres mentalmente cambia la nota a la misma hora exacta también. Si cambias todo el cordón, eso es aún más acento. Ahora estás empezando a ver qué puedes hacer aquí? Puedes usar tus cambios de acordes y la voz que lleva dentro de los cordones para acentuar y apoyar tus melodías, ganchos, motivos y riffs, sobre todo si usas el liderado de voz que lleva una voz en el cordón a la misma nota como la melodía. Entonces, básicamente, cambiar los acordes más a menudo, estás entrando más en el reino de la armonía contrapunto en tu progresión fría, y esto agregará más apoyo a tu melodía líder. Ahora prueba esto por ti mismo, corrige una línea de melodía fuera de cuatro aburrimientos, luego primero los cordones de anuncio que cambian cada orificio. A continuación, intenta agregar cambios de corte en el medio, y si puedes manejarlo, ve aún más lejos e intenta cambiar acordes cada trimestre. Tenga en cuenta también. Aquí tienes un consejo para ti. Un cambio fresco no tiene por qué ser un acorde completamente diferente. Cordones alterados y acordes extendidos a menudo eran geniales también, como pasar de una tríada a un acorde add seis o acorde suspendido, tal vez 1/7 acorde. Y así uno. De hecho, encontrarás que estos colorantes de cordón suelen ser más potentes como soporte agregado a tu melodía líder que canchas completamente nuevas, porque a menudo solo necesitas cambiar una sola voz fuera del cable, y que voz puede luego ir a la nota de melodía. Buena suerte y te veo en el próximo video. 19. Directriz 2 el Factor de acción y la acción: directriz al estado de ánimo versus factor de acción distinto al tempo. Lo que decide la energía y acción de tu música, ritmo y ritmo no tiene por qué ser tambores y percusión. De hecho, si lo piensas, cada instrumento y sonido de tu música tiene el ritmo incorporado automáticamente, porque el ritmo es simplemente un patrón en el tiempo y cada nota y sonido como un principio, una duración y un fin. Por lo que un ritmo basie dará más acción y energía vibra. Y un ritmo muy lento, sencillo hará que tu música se centre más en el estado de ánimo y la vibra. Básicamente, se puede pensar en ello así. Si tomas, digamos, cuatro bolas fuera de tu composición musical y contarías cada nota individual, cambiarías todos los instrumentos y lo agregarías hasta un número total. Cuanto mayor sea ese número, más acción y energía tendrá esa sección y viceversa. Por lo que para progresiones frescas, esto significa agregar más acordes en una sección significa más cambios cortejados, lo que, como resultado, le dará a tu pista más impulso y energía, al menos en los puertos de la cancha. Aquí tienes un consejo que no necesitas cambiar el cable o la voz para agregar energía. Simplemente cortarlo en un ritmo funciona igual de bien. Piensa en una guitarra, rasgueando un acorde una vez y dejándolo sonar contra una guitarra, rasgueando un acorde en un patrón rápido. Entonces, ¿por qué llamo a esto el estado de ánimo versus factor de acción? Bueno, porque es como una escala de 0 a 10 0 siendo absolutamente mínima. Acción y energía, que es básicamente Onley se enfocan en el estado de ánimo y 10 siendo vibra de acción súper rítmica, que es muchos cambios de corte. Manera muy rítmica fuera tocando tus cuerdas. Entonces digamos que quieres ir de por una sensación mínima enfocándose en el estado de ánimo. Bueno, usa un curso largo y sostenido como este, y si quieres agregarles un poco más de flujo, puedes usar un liderazgo de voz suave, solo cambiando algunas de las voces de la cancha así. Y cuantos más cambios de voz y ritmo agregues a tus canchas en tu progresión, la acción mawr y energía En comparación con el estado de ánimo, déjame mostrarte un ejemplo de mucha acción y energía. Ahora el estado de ánimo versus factor de acción no se basa en el tono. Se basa en el ritmo. Cuántos cambios de nota ordenan incluso si las notas simplemente se están repitiendo. Por supuesto. También necesitas respaldarlo con tus tambores y percusión. Si realmente quieres agregar miradas fuera de energía y acción a tu composición ahora, muchas veces no quieres eso, sino que más bien quieres una cama suave fuera de la música bajo la escuela que está enfocada principalmente en el estado de ánimo . Después haz que tus cordones duren más. Enfócate en las inversiones de corte que crean un significado más suave que conduce la voz, teniendo las voces más juntas. A menudo se puede ir más allá de un registro de barras. En este caso, - puedes respaldarlo con un suave pad o dron en una sola nota que se mantiene a lo largo de una sección más larga de tu pista, quizás añadiendo algunos sonidos y texturas atmosféricas. Se obtiene el punto aquí. Esto es lo que yo llamo el estado de ánimo versus factor de acción. ¿ Con qué frecuencia estás cambiando los cables, o incluso simplemente cambiando una voz dentro de la cancha? Agrega movimiento y ¿cuánto ritmo añades a tu composición? Por lo que practica esto creando primero una progresión fría tipo subrayado completamente enfocada en el estado de ánimo y luego cortarlo. ADM. O fresco cambia ritmo en el movimiento interno de avena de maíz fuera de las voces dentro de la cancha y lo que quieras para conseguir tu progresión de llamada más enfocada a la acción y la energía. Diviértete practicando estos, y te veo en el siguiente video. 20. Directriz la estabilidad 3 de Factor de flujo: directriz. Tres. Estabilidad vs flujo Factor Las canchas tienen la capacidad de hacer que tu música se sienta estable, noble y llena de autoridad, o bien ir en la otra dirección y hacer que tu composición fluya como un río. Una de las principales formas de controlar estos factores de estabilidad vs gripe o bien mediante el uso de libros grandes estables frente a notas de cordón corriendo. Y al ejecutar Cornell me refiero a Orp Agios, que significa acordes rotos en y o pidio la avena de maíz o rota y tocó uno por uno en una secuencia fluida. El ordenar las notas y el ritmo de esta secuencia fluida depende de ti Como compositor. Encuentro que usar arpegios también puede ser una gran manera de condimentar tus acordes con tonos posando y tonos de liderazgo significando dedos fuera de tu cordón que se tocan en breve como una especie de transición o un desprecio añadido. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Entonces por la o lástima que acabo de jugar para ti. Yo estaba usando el disco mental C primero así, y luego fui Teoh e plana mayor, como esta tía. Aquí es donde empiezo a añadir notas pasajeras como esta primero, ésta que no está en la cancha mayor. En realidad está convirtiéndolo en el séptimo en y luego en parte de tesis de la corte. Pero luego tuve estos dos. Antes de bajar otra vez y convertirlo en un B plano mayor esto, ya sabes, y voy a hacerlo. Si vas a tocar acordes que gripe así, te recomiendo que uses instrumentos que puedan tocar sonidos cortos en un estilo staccato o Placke , por ejemplo, pianos o agradecidos o pedales. Pero si quieres ir más rápido que, digamos, ocho notas pianos, ocho notas pianos, tiendas para luchar porque las notas no son lo suficientemente cortas y empieza a sonar unas cuerdas orquestales un poco fangosas tocando una nota corta. La articulación funciona muy bien. Y, por supuesto, en sintetizadores. Tienes control total sobre la longitud del sonido para que puedas obtener sonidos cristalinos y plucky para usar para rápidas o palomas. Déjame mostrarte mientras toco una radio ORP rápida en cuerdas staccato. Aquí tienes un consejo para ti. No tienes que romper tus cuerdas en todas las notas simples Al tocar un arpegio. También puedes usar algunas partes que tocan dos notas al mismo tiempo así, ¿ verdad? También puedes darle vida a tus acordes de bloques largos sostenidos con voz liderando usando pequeños teasers, a menudo arpegio como este, Por ejemplo, Uh, así que básicamente, la estabilidad vs flow es dependiendo de cuánta estabilidad en bloques sostenidos largos. Que es el reporte inferior fuera de la escala A supuesto a la sensación y el flujo más o Peggy ated de tus canchas mediante el uso, como, digamos, o algo así. Ahora adelante y practica el factor de estabilidad vs flujo. Haz tus propios arpegios y pruébalos en diferentes instrumentos como piano, cuerdas staccato y demás, y te veo en el siguiente video. 21. Directriz 4 con Factor de sangre: directriz para el factor ascendente versus descendente. Se pueden utilizar las canchas para construir energía mediante el uso de versiones de cortejo y liderazgo de voz que van hacia arriba en tono. O puedes hacer lo contrario para bajar el nivel de energía simplemente haciendo lo contrario. Simplemente es cuestión de entrar en tu editor de medios, también llamado Pierrot, y controlar la dirección general en tono para tu progresión central. Si esa dirección va hacia arriba, construirá energía y anticipación, lo que funciona muy bien en, por ejemplo, transiciones hacia los Coors o cualquier otra sección poderosa fuera de tu pista. Entonces permítanme mostrarles un ejemplo apagado, yendo hacia arriba en dirección con los cordones hasta el clímax y terminando con esta composición. Y si eliges la dirección en tu progresión central que baja, bajará el nivel de energía a una sensación más relajada. Casi como tu héroe. Haber cumplido su gran tirado está de camino a casa de nuevo. Por supuesto, hay tantas opciones para direcciones de tus cordones. Puedes hacerlos ir en línea recta o puedes saltar y cambiar de dirección, lo que puede sumar desciende sobre la ansiedad y Kenia es una acción, sin embargo, el factor arriba versus abajo es uno de mis favoritos personales, especialmente para transiciones a nuevas secciones de tu pista. Por construir energía en un coro o sección de poder, o por traer a tu héroe de vuelta a casa al final de tu pista, déjame demostrar lo grande que es el efecto fuera de la dirección de tu progresión central. Permítanme mostrarles primero un ejemplo donde traigo el flujo y la energía de la progresión fría hacia abajo tomando la progresión fresca en un pupilos abajo. Momentum. Traer a tu héroe de vuelta a casa así. Ahora volvamos a traer al héroe a una aventura yendo hacia arriba en tu progresión central así. Ahora prueba esto por ti mismo, creando progresión de acordes. Digamos que ocho barras de largo, con cada cancha siendo media barra de longitud, luego entra en el rollo de piano y usa transposición en octavas sobre notas elegidas y cordas para hacer que toda la progresión fresca se incline hacia arriba en tono. Siente la dirección de apagado en tus cordones, la energía, tensión y la anticipación. Entonces haz lo contrario. Haz que la dirección baje, experimenta tanto como quieras, y luego empieza a usar esta dirección Técnica en tus propias composiciones musicales usa el poder off el factor arriba versus abajo. Increíble. Ahora sigamos en el siguiente video 22. Directriz 5 acordes para las transiciones: directriz. Cinco enfrías para transiciones. Las transiciones entre secciones de tu música es una de esas cosas con las que luchan todos los compositores al aprender y mejorar su oficio. Usar rellenos rosa La sincopación en otras técnicas sobre ritmo y percusión es una de las mejores maneras de crear buenas transiciones. Pero los cordones también se pueden usar con gran efecto. Acabas de aprender sobre el uso de la dirección enfriada para las transiciones. Bueno, otra forma es usar notas pasantes o notas principales en tus cordones. Se trata de préstamos en tus cordones que se utilizan en el extremo mismo del cordón específico antes el cambiado a la nueva cancha, a menudo simplemente alterando o agregando una voz de tu cable en el último trimestre. Nota o incluso octavo apuntes antes del próximo cambio de corte. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Entonces digamos que tienes una progresión de acordes simple como esta D g e a. on. Entonces resolverás con D en octava, mayor para la nueva sección, que, que, por ejemplo, podría ser tu curso. Entonces en lugar de simplemente ir directamente desde la A, pruébalo hoy puedes agregar un posando notas. Por lo que aquí tenemos la A probada en posición de ruta. Echemos un vistazo a esta nota, que básicamente convierte el en un siete en DA. Esto funciona realmente genial porque está en Lee. Han pisado de esta nota, que es, en el d acorde aparecen así, lo que hace que se resuelva aún mejor por la atención agregada fuera del medio paso que hay. Entonces en la secuencia, puede sonar así. Otra gran forma de utilizar las canchas para ayudar con las transiciones es mediante el uso del ritmo interno o estilo de juego de los cordones en la música. Cuando vas a hacer la transición a una nueva sección de tu pista, quieres guiar al oyente para estar consciente de que algo nuevo está a punto de suceder. Es como en una película, cuando la música está cambiando, quizá los ángulos de la cámara se están volviendo diferentes, y así y ya sabes que algo se acerca. Puedes hacer lo mismo con tus progresiones frescas y estilo de reproducción en tu música para que tus transiciones sean más claras. Básicamente, solo rompiendo el flujo, le estás diciendo al oyente que es algo que vas a surgir. Entonces si eres genial, progresión estaba tocando de manera rítmica. Se puede, por ejemplo, que la barra final antes del punto de transición B un acorde largo sostenido, o viceversa. Entonces si tomamos una escucha a este ejemplo aquí, primero escucharemos un flujo rítmico aquí. Y entonces las canchas están empezando a jugar un flujo completamente diferente en el puerto de transición aquí para preparar al oyente para la nueva sección, Vamos a escuchar. Otra forma es usar cordones para básicamente imitar un rollo de tambor tocando un ritmo recto con los cordones. Y luego puedes usar valores de expresión dinámica y velocidad para hacer que ese rol enfriado se construya en energía hasta el punto de transición. Entonces permítanme mostrarles un ejemplo rápido de usar esta técnica y fuera de curso. Uno de los aspectos más poderosos de la música siempre es una opción también. Silencio. Entonces básicamente simplemente no tener cordón en ese orificio final antes de la transición a digamos que tu coro hará que tu transición sea más poderosa por contraste. Entonces permítanme mostrarles un ejemplo de usar el silencio en el puerto de transición a la atención y la anticipación. Como puedes ver por todos estos puertos silenciados aquí, incluyendo la progresión de acordes aquí, tomemos una escucha para que puedas ver cordones o súper potentes para tus transiciones también . Ahora pruébalo por ti mismo. Experimenta con cambios en tus canchas y estilo de juego en esos momentos finales antes de una transición, audífonos y te veremos en el siguiente video. 23. Directriz Expresión para la emoción: directriz. Seis. Expresión para la emoción Uno de los aspectos más sorprendentes de la música es la emoción off dinámica , movimiento y el movimiento dentro de las notas y para las canchas. Estos pueden marcar una gran diferencia, sobre todo si usas acordes de libros grandes en cuerdas. Latón, etcétera, huérfano con sonidos largos y sostenidos en instrumentos de software, puedes controlar la dinámica con el Mudville en tu teclado multimedia. Se puede dar una vuelta de expresión a un controlador de respiración como este. Un controlador de respiración es un dispositivo en el que soplas aire, y cuanto más presión de aire reciba mayor valor envía a tu instrumento de software encendido Como puedes ver, una gran ventaja de estos es que ambas manos siguen libres para jugar los medios de comunicación. Mantén un pedal de expresión, un deslizador o sin hueso, tu teclado midi o lo que prefieras. Pero si lo prefieres, puedes, por supuesto, entrar en los datos de automatización para tus instrumentos de software y manualmente justo en la expresión de la aviación con el ratón y el teclado de tu computadora. De hecho, incluso si graba la automatización con un controlador de frontera de clave de medios, a menudo es bueno entrar y ajustar los datos de automatización. Piensa en esto casi como estación Qantas y corrigiendo fuera de notas de neumáticos. Pero en este caso, es para los datos de expresión. Ahora la forma más común de agregar variación en la dinámica es con los valores de velocidad carnosa de cada nota. Entonces digamos que has grabado una pequeña progresión de acordes como esta, y ahora quieres corregir manualmente los datos de expresión para ello. Por lo que primero necesitas entrar al editor de piano roll. Entonces necesitas abrir el carril de automatización en lógica. Se hace clic en un en el teclado de su computadora, y aquí tenemos el carril de automatización y aquí podemos elegir qué parámetro se va a escribir en los datos de automatización. Para En este caso, tenemos un instrumento de cuerda que controla la dinámica sobre la voluntad moderada. Entonces si hacemos clic aquí tu simple elige la modulación, que es la rueda de modulación, y ahora puedes usar el lápiz para escribir en los datos de automatización como este. Por lo que querías montar aquí en dinámica y luego bajar así y ahora sonará como si esta variación fuera clave en la música. Se aplica a todo. Las notas que utilizaste, el tiempo de cada nota, el templo, los cordones y, por supuesto, expresión y la dinámica. Sin variación dinámica, música sonará plana, estática y aburrida. Déjame mostrarte la diferencia entre una progresión fresca tocada en piano, con variación real de mí mismo grabando el puerto en mi piano digital aquí atrás. En comparación con la misma actuación cuando me siento solo las notas a la misma velocidad, la diferencia es como la noche y el día. Por lo que las dos formas principales de agregar expresión para el impacto emocional en tus cuerdas o variación dinámica en el ataque fuera de las notas de los valores de velocidad de los medios y variación dinámica en el sustain off. Las notas de los datos de expresión dinámica a menudo se mapean al modo real pero también se pueden mapear libremente a otro deslizador, noble o incluso un controlador de respiración. Ahora adelante y practica esto y trata de hacer un hábito de agregar variación y expresión dinámicas a todas las partes de tu música. Y cuando te sientas listo, sigamos en el próximo video 24. Directriz 7 la simplicidad es potente: directriz. Siete. La sencillez es poderosa. Lo tengo diciendo, repitió mis cursos de composición musical. Cómo tocas las notas tiene más impacto que qué notas tocas, y es lo mismo con tus acordes. De hecho, puedes usar solo tres o cuatro cursos en toda tu composición y aún así hacer que el sonido de cada sección sea diferente en toda tu composición. Único. ¿ Cómo es esto posible? Bueno, piénsalo. Casi toda la música popular moderna se sale con la suya, y la razón se basa exactamente en lo que acabo de decir, cómo tocas primero las canchas. La secuencia, por supuesto, luego la longitud y el ritmo interno fuera de la progresión de la cancha y, lo más importante, cómo se toca cada voz del cordón, que se puede arreglar en dos instrumentos diferentes, tienen un ritmo diferente. Y así ahora la sencillez es poderosa, y ya has aprendido sobre sus tres bastiones, el anterior y los cinco en la escala de tu canción. Estos grados de escala en los cordones que les corresponden tienen una relación matemática que los convierte en básicamente una familia fuera de la escala y clave que has elegido. Por eso los llamo los tres cordones fuertes. Si analizas qué escuelas se utilizan para todas las composiciones. Cada escrito encontrarás que el 14 y cinco o por cuatro los más utilizados. Entonces, aunque escribas música orquestal, cinemática o rock experimental, o lo que cada estilo que quieras, siempre debes estar al tanto de la increíble piscina que estos tres fuertes cuerdas tienen en tus oyentes. Entonces no los evites simplemente porque odias que la música pop moderna use. Básicamente, Onley. Estos cordones abrazan el poder apagado de ellos, y sobre todo en tus núcleos o secciones grandes y poderosas de tu música. Tienes tantas formas de usar el poder apagado de los tres núcleos fuertes. Uno. Se pueden extender estos núcleos fuertes desde triadas simples hasta la séptima novena y así uno a usted puede alterarlos en, por ejemplo, cuartos suspendidos o segundos cordones suspendidos y tres. Puedes, por supuesto, siempre usar inversiones geniales para dar forma a la progresión de la corte de la historia de tu composición musical y completa. Por supuesto, están tocando estilo de cada acorde, el ritmo interno fuera de cada voz, la dinámica fuera de cada nota. Este es el verdadero apagón de la música, cómo tocas las notas. Entonces digamos que tienes una súper simple llamada progresión, yendo 145 y luego de vuelta a una. Hagamos eso en C mayor primero, uh, uh, así que esa es la forma más fácil de jugar esta progresión del núcleo. Pistas de bloqueo largas sostenidas cada una en posición de ruta, que, francamente, es muy aburrida. Pero tienes formas casi ilimitadas de tocar estos acordes y cada voz dentro de ellos. Permítanme mostrarles brevemente un par de ejemplos. Añadirle un poco de ritmo y notas de liderazgo así, uh, plato. Al ser un arpegio como esta misma progresión de núcleo, pero una forma completamente diferente de interpretarlo. Puedes tocarlo en un estilo rítmico más probable como este, y las opciones continúan, sobre todo si combinas muchos estilos de juego diferentes y los combinas juntos. Entonces la lección principal aquí es que la sencillez es poderosa en la música y que puedes hacer tan increíblemente mucho con solo los tres fuertes cordones como tu base. ¿ Recuerdas estos tres acordes o el cool off casi cada composición alguna vez hecha? El uno el cuatro y el cinco. Es como una familia. El uno y cinco tienen más poder en toda la música. Ellos son como los padres de los cuatro es como su hijo. En ocasiones invitan a amigos a su casa, que son los otros acordes diatónicos. En ocasiones van de viajes en actividades, que son como cordones alterados de puerta extendida. Pero siempre se mantienen fieles a sus valores familiares fríos, que nuevamente es la forma esencial, la tríada de los 14 y cinco. Ahora puedes practicar la simplicidad de apagado haciendo una composición completamente usando los acordes 14 y cinco fuera de cualquier escala y clave de tu elección. Pronto descubrirás por ti mismo que todavía hay un número infinito de variaciones. Si consideras el factor de cómo juegas y los colores fuera de estos tres fuertes cordones, así que diviértete, y te veré en el siguiente video. 25. Directriz 8 acordes cerrados y abiertos: directriz. Ocho Núcleos cerrados versus abiertos. Ya has aprendido sobre las inversiones de acordes de poder apagado, pero hay otra forma de agregar variación, profundidad y espacio. Y eso es abriendo los cordones, lo que significa literalmente espaciar las notas. Porque con las inversiones llamadas, todavía tocas las notas del acorde sin ningún hueco entre ellas. Bueno, claro, tienes notas entre ellos, pero no una de las notas fuera de la cancha misma. Entonces déjame mostrarles la diferencia entre canchas cerradas y curso abierto. Tomemos un cordón sencillo como el C mayor. Pruébalo. Ves, esas son las notas dentro de esta cancha. Y como pueden ver, no hay C, e o G entre estas notas on Si elijo una inversión de ella como, digamos, tomo este g una octava abajo, todavía no hay orgía ce entre cualquiera de estas rosquillas . Podría usar otra inversión bajando con este e a este s o.Estas son todas las combinaciones posibles fuera C E y G posición cerrada la posición raíz Jueves Misión versión enfermiza. Pero se puede ADM o colores difundiendo las notas hacia fuera. Entonces digamos que tengan esta secuela. Ahora, en lugar de simplemente usar una inversión, puedes abrir el cordón para que puedas jugar aquí al mar, pero no usar esa. Se utiliza el G aquí en el tercero en la parte superior el aquí que sigue siendo un C mayores acordes de tríada. Pero en posición abierta, se puede abrir aún más por, digamos, la ruta la tercera aquí en, Digamos, si puedo llegar solía sostener pedal para el quinto aquí arriba. Eso también es un C mayor. Pruébalo, pero con un sonido muy abierto. Esta dimensión extra se llama acordes abiertos. Compáralo con la forma estándar de tocar acordes, que se llama posición cerrada. Al difundir las notas de los tribunales hacia fuera, hecho estás, agregando más separación entre las notas de la corte. En él también puede hacer que tu núcleo se sienta más lleno. Desde el uso de rango más amplio en frecuencias, Aquí hay un consejo de bonificación para hacer que tu curso sea aún más grande y más completo duplique algunas de las voces en la cancha mientras las extiendes, es decir, los acordes abiertos. Pero como pauta general, debes tener más poder en la nota raíz seguida de la quinta y ser un poco más cuidadoso duplicando los 3er 2 meses. Ahora. Vamos a crear un enorme acorde tonto y poderoso haciéndolo un acorde abierto con varios dobles fuera de las voces internas de la cancha. Como dije, recomiendo duplicar la una y la fe más que las otras notas a usar. Por ejemplo, Third y yo también recomiendo tener la nota de bajo más baja como la nota de raíz fuera del cable. Entonces digamos que usas un acorde C mayor que un za más bajo. Ahora sostendré el pittle sostenido para poder añadir una nota a la vez mientras acumulo este cordón en un sonido de acorde masivo. Hagamos esto con este C mayor. Pruébalo. Entonces empezando por el mar como la clave más baja, hagamos otra. Ver aquí. Favoritos aquí. Ver de nuevo. Hagamos el tercero aquí ahorra en. Es así como se crea un acorde abierto con las voces de los dobles fuera de la cancha para crear un sonido de corte súper grueso y completo. Cordones cerrados o más enfocados dentro de un rango una octava primaria, mientras que los acordes abiertos tienen más profundidad, plenitud y separación entre las voces. Genial. Ahora has aprendido el poder de apagar acordes abiertos en comparación con los cordones cerrados. Debes usar ambas opciones de forma creativa para lo que funcione mejor para tu composición específica. Además, recuerda que duplicar algunas de las voces de tus núcleos agrega aún más plenitud y poder. No obstante, si tienes un motivo de tema principal y una melodía líder tocando, asegúrate de que tus acordes y armonías no sean demasiado enormes y caigan porque corren el riesgo de adelantar el foco y nublar la claridad del tema principal. Y cuando el tema principal es orar, siempre debe tener una gran luz hablada sobre ella. Adelante y practica tocar acordes abiertos ahora y compáralos por el sonido off acordes cerrados . Entonces cuando estés abajo, sigamos en el siguiente video. 26. Directriz 9 Construir energía y reducir: directriz. Nueve Construir vs energía reducida. Ahora sólo has aprendido a usar la dinámica de apagado y expresión en tus tribunales. Agregar movimiento, movimiento y variación es la esencia fuera de la emoción en la música. Pero ahora centrémonos en la dirección primaria. Se puede traer un acorde en intensidad. Hablo de una intensidad y volumen gradual, creciente, que en términos musicales se llama crescendo, versus una disminución gradual de la dinámica, que se llama diminuendo. Realmente debes tratar de dominar lo usado fuera de estas dos direcciones fuera de la expresión dinámica porque son la base fuera de la energía y la intensidad en la música. Por ejemplo, cuando estás construyendo energía en tus núcleos, un crescendo es súper poderoso. De hecho, crescendos y las innuendos dim se utilizan en prácticamente todas las transiciones en la energía del edificio musical . Si vas a entrar en una sección de alta energía fuera de tu composición y viceversa, ahora aquí tienes un propina de bonificación. Si utilizas el power off crescendos y diminuendo, los que son direcciones fuera de dinámica en combinación con dirección, off pitch en tus cordones fue ella ya aprendió Entonces podrás crear verdaderamente impactante y transiciones emocionales, por lo que básicamente puedes usar el poder a menudo dirección ascendente con tus canchas como esta en combinación con un crescendo, ya sea aumentando gradualmente los valores de velocidad, por ejemplo, en un piano así, o al aumentar la expresión dinámica. Por ejemplo, en cadenas como esta. Por supuesto los crescendos y las innuendos tenues no solo se usan para transiciones, sino que quizás ahí es donde suelen ser más notables. Debes usar crescendos e innuendos como la dirección de expresión fresca y dinámica cuando añades movimiento y movimiento a tu música. Funciona especialmente genial para notas largas sostenidas sobre cuerdas, latón y vientos de madera todo, por ejemplo, tocar rítmicamente en piano o guitarra. Ahora es el momento de que practiques la construcción y la reducción de la intensidad y sonoridad mediante el uso crescendos. Y diminuendo está en tu música. Te recomiendo enfocarme en las cuerdas orquestales porque tienen un increíble rango de dinámicas. Pueden tener un crescendo o diminuendo en un solo cordón sostenido, lo cual no se puede hacer en piano o guitarra, por ejemplo. Buena suerte y te veo en el próximo video 27. DIRECTA de tensión vs resolve: directriz. 10 Tensión versus Resuelto Componer música es como hacer una película. Este es mi verdadero punto de vista personal, porque la música tiene una progresión. Secciones como escenas de una película la música tiene emoción, energía y movimiento y variación en todos los aspectos. Al igual que la acción y la historia sobre la música de cine, los hombros y los estilos pueden sentirse como cualquier cosa, desde una fantástica película de aventura hasta una película de terror suspenso tonta que hace que tu columna se estreche. Este es el verdadero poder de la música contando tu historia en emociones Ahora, como no tienes imágenes o actores que puedan sumar la tensión y el drama, necesitas algo más necesitas los cables de apagado y armonía, y todos los intervalos y música tienen diversos grados y clases off tensión incorporada en ellos. Y como la armonía es básicamente, intervalos juegan juntos y los cordones o armonistas apilados uno encima del otro, bueno, eso significa que puedes usar los acordes de apagado y las voces de acordes para crear cualquier cosa desde un super sonido feliz y agradable a una siniestra dimensión tonta tipo de sonido. Por lo que si quieres agregar un ambiente feliz y edificante en tu pista, puedes enfocarte principalmente en las canchas principales y sobre todo en las tríadas importantes. como, por ejemplo, ir por matemáticas mayores a G Major Baxter con Major, y también puedes tocarlo en un estilo de juego que sea más leído, haciendo jumpy, lo que puede sumar al personaje feliz como este. Y si quieres Eddie Dork Eliminado y mawr tensión en tu composición, puedes usar canchas que incluyan un intervalo decente como, por ejemplo, el segundo menor, el o el tono tri. Por ejemplo, los disminuidos Pruébalo aquí. Por lo que una de las mejores formas de utilizar la técnica de tensión versus resuelta en tus composiciones musicales es agregar un intervalo decente que luego resolvió a un intervalo constante, lo que significa un sonido agradable. Entonces digamos que tienes un intervalo fuera de un tono tri en este puntaje decreciente. Gracias puedes resolverlo porque esa tensión es tan alta si vuelves a vender esto a la manera perfecta . quinto lugar, se termina con un menor y se ve, en este caso, lo que al ir de tensión versus recurso, agrega tensión principalmente mediante el uso de canchas y voces que incluyen decentes e intervalos. Cuanto más tensión agregues, más alberca y necesidad se siente el oyente por querer volver a vender a un sonido agradable. Se puede agregar poco especias de tensión que rápidamente se resolvieron como, por ejemplo, arrendar curso suspendido que resuelve de nuevo al cordón principal. Digamos que vas de a en adelante, luego subes a d suspende ese cuarto, por lo que no es menor o mayor, pero esto en resolver esta nota de vuelta a una mayor aquí, por lo que esa secuencia sonará así encendido. En ocasiones incluso puedes ir de suspendido 4to 2 suspendido segundo y luego resolverlo así , o usando un cable de liderazgo o posando que tenga una piscina fuerte o tensión, que luego revendes con un fresco el cambio, o incluso volviendo al tónico. Digamos que tocamos una progresión de acordes en C mayor como este en Ahora queremos ir a si, pero ¿quién va a sumar en lugar de solo la tríada? Esta nota la séptima como posando. Tenga en cuenta alguna tensión que quiere resolverse. Incluso mawr, a esta nota, cuando vas a la G O y el tónico es como la seguridad y comodidad de tu hogar en tu composición musical, el cool que todos los acordes en tu alberca progresión hacia básicamente todo tu acorde progresiones quiere eventualmente volver a venderse al cable de casa el primer acorde fuera de tu escala. La mayoría de las veces usarás núcleos disonantes, intervalos y voces muy brevemente debido a su fuerte pool por resolver. La tensión es simplemente demasiado alta para la mayoría de los tipos de música, sin embargo, para la música de sentir, subrayado dramático o cualquier música escrita para medios, hay más espacio para jugar para la tensión y la disonancia, especialmente para thrillers, horror, drama suspenso y así uno. Te recomiendo que practique la creación de intención de suspenso en tus progresiones frescas sumando cortes y voces que incluyan un intervalo decente. Y recuerda, entre más notas que llamaron incluye los intervalos mawr que tienes dentro porque un intervalo es simplemente como una conexión de dos notas. Entonces digamos que tienes un simple acorde de tres notas. Bueno, entonces tienes un intervalo entre el nodo uno y el No. Dos. No a una nota tres, pero también de la nota uno y tres. Y esos intervalos dedo del pie también suenan diferentes, dependiendo de la voz de cancha que elijas qué inversión fuera del cable. Buena suerte, y te veo en el próximo video 28. Felicitaciones que eres increíbles: felicitaciones, tú o asombrosas, porque has completado todo el curso, lo que significa que has aprendido muchas bases, conceptos y lineamientos importantes , así como mis propios trucos profesionales y secretos que te ayudarán a mejorar como compositor musical para aprender y dominar el uso de acordes y armonía en la música. Ahora lo que sigue para que tomen acción y aprendan haciendo. Tomar acción es la única manera de avanzar en cualquier viaje, y aprender haciendo es la experiencia de aprendizaje definitiva. Es por eso que sinceramente recomiendo que actúe ahora mismo y aplique todo lo que aprendió aquí o las tres formas en que recomiendo una. Aprende repitiendo, pasa por las notas que has escrito durante el curso y también lee el resumen bonus pdf Porque la repetición es la madre de aprender a aprender practicando cada concepto , cada y cada consejo práctico que hayas aprendido en este curso en tu teclado multimedia o piano y también en tu DW en tres. Aprende creando start usando todas las técnicas y consejos prácticos directamente en tus composiciones musicales . Es la única manera de asegurarte de que realmente aprendas algo. Bueno, la única forma en que te convertirás en un maestro de usar curso en música. Por último, quiero desearte buena suerte y gran éxito en tu viaje profesional en la música. Ve y haz música increíble para que el mundo escuche. Ve y crea tus historias musicales. Mi nombre es Mike y te veré en otro curso.