Cómo pintar: flores libres con acuarela

1. Introducción NUEVA: Pintar vagamente parece un concepto aterrador porque no siempre dibujas ni tienes un plan. Pero pintar de esta manera me ayuda a liberarme de mi perfeccionismo y a desarrollar mi propio estilo. Hola ahí, me llamo Audrey. Soy acuarelista, calígrafa y educadora en el área de Chicagoland, y llevo enseñando sobre Skillshare desde 2017. Mi viaje con acuarelas comenzó en 2016, y florales sueltos fue mi primer amor. En esta clase, quiero enseñarte todo lo que necesitas para empezar en tu propio viaje floral suelto. Vamos a aprender conceptos básicos de acuarela como técnicas, teoría del color, y elementos florales fáciles, y luego aplicaremos ese conocimiento en la pintura de tres arreglos florales únicos. Esta clase es perfecta para principiantes que apenas están empezando en su viaje. Al final de la clase, podrás pintar todo tipo de arreglos florales, ya sean inspirados en fotos o en tu propia imaginación. Agarra tus suministros y sumémonos en el mundo de los florales sueltos de acuarela. Te veré ahí. 2. ¿Qué es el estilo floral libre?: ¿ Qué significa un estilo floral suelto? Si bien pintar vagamente puede verse diferente de un artista a otro. Para mí, pintar vagamente significa que no coloreas dentro de las líneas y en realidad no hay líneas para empezar. Por lo general no hay mucho bosquejo involucrado. Puede haber bocetos como en planear una composición, pero no hay bocetos de elementos florales reales en su papel de acuarela. Ya que no estás coloreando dentro de límites, puedes confiar en pinceladas y gestos mientras pintas. En lugar de usar tu pincel como una herramienta para colorear donde lo sujetas como un bolígrafo, ajusta tu agarre así lo estás sosteniendo más como una herramienta de pintura donde tendrás más movimiento con tu muñeca. Cualquier estilo de pintura siempre se fundamenta en técnicas básicas como observaciones, bocetos, y teoría del color, que discutiremos más adelante en esta clase. Ahora bien, no estaré cubriendo ninguna observación o bocetos en esta clase en particular pero cuanto más puedas estudiar la flor, mejor podrás deconstruir en pinceladas simples. Espero salir con otra clase que te ayude a hacer justamente eso. Por último, pintar vagamente significa que estás captando la esencia del sujeto. El objetivo no es pintar de manera realista o precisa, en cambio, solo esperas capturar la impresión, por lo que ciertos detalles pueden quedar fuera y solo los detalles más cruciales se mantengan dentro. Si esto suena como tu mermelada, veamos los suministros que vamos a estar usando y pongamos pintura. 3. Descripción de materiales: En este video, hablemos de los suministros que vas a necesitar. En primer lugar, hablemos de pinceles. Ahora, los pinceles vienen en todo tipo de formas y tamaños, e incluso la calidad podría diferir dependiendo de si tienes pelo animal real o sintético. A mí me gusta usar los pinceles sintéticos porque son más asequibles. La forma que necesitarás para esta clase es la forma redonda. A mí me parece el más versátil y genial para principiantes. En cuanto a tamaños, comience con una talla 2, y una talla 6 u ocho. Los dos serán geniales para pequeños detalles, y los seis u ocho serán geniales para trazos anchos, así como los detalles finos. Los pinceles redondos tienden a tener un bonito cuerpo completo aquí en el medio, y luego llegan a un punto que te ayudará a conseguir líneas realmente finas si lo necesitas. La marca que estoy usando es la Marca Creativa y se puede encontrar en el Artarama de Jerry's, pero realmente cualquier marca de buena reputación es buena. Algunas otras marcas que tengo son la serie Winsor& Newton Cotman, los pinceles Princeton Heritage, y Grumbacher. Una vez que tengas tus cepillos, asegúrate de cuidarlos bien, lávalos con frecuencia, no dejes tus cepillos dentro de tu taza de agua y de vez en cuando, lávalos con agua suave y jabonosa. El papel que voy a estar usando para esta clase es la acuarela Canson XL, y tengo aquí una gran almohadilla de 11 pulgadas por 15 pulgadas. Estas almohadillas son bonitas porque vienen igual de hojas individuales y así puedes simplemente arrancarlas fácilmente y cortarlas a medida si necesitas, o simplemente pintarlas aquí si quieres. El papel acuarela viene como prensado en frío, prensado en caliente o áspero. Personalmente nunca he usado un tipo áspero, así que no puedo hablar con eso. Todo lo que sé es que tiene mucha más textura que el papel de prensa fría. El papel de prensa caliente tiene una textura muy suave, por lo que es genial para tipo de trabajo muy detallado como la pintura botánica. Pero para fines generales y para el acuarelista principiante creo que la prensa fría es el mejor lugar para empezar. Algunas de las marcas que he usado antes son Canson, Strathmore, Arches, y las revistas Moleskine. papel realmente juega un papel en cómo se van a ver tus pinturas porque dependiendo de cuál sea la calidad del papel, va a afectar la absorbencia del agua y las pinturas. Si bien el Canson es asequible, generalmente no lo uso para piezas finales ni para piezas de comisión, para eso, usualmente uso los Arches. El papel de acuarela suele llegar a 140 libras y 300 gramos por metro cuadrado, y eso es bastante estándar. Si vas más bajo que eso, notarás que tu papel empieza a pandezar y deformar porque hay demasiada agua. Si puedes ir un poco más grueso, eso será aún mayor, pero 140 libras es bastante estándar. Hablemos de pinturas. La marca que estoy usando es la marca Lucas, y eso lo puedes encontrar también en el Artarama de Jerry's. Las pinturas se pueden encontrar como grado de estudiante o grado de artista. Grado estudiantil solo significa que tiene menos pigmentos y más elementos de relleno, por lo que se puede hacer más barato. Grado de artista, a pesar de que podrían venir en paquetes más pequeños, tienen mucho más pigmento, por lo que en realidad usas menos. Encontré que la marca Lucas es un medio agradable. Está en el grado de artista, pero es asequible. Las pinturas pueden venir en forma de sartén como están en mi paleta aquí, también pueden venir como tubos o líquido. Si eres principiante viendo este curso sí te recomiendo tal vez comprar una paleta de 12 colores más o menos. Cualquier color de agua te dirá que menos es más, así que no sientas que tengas que comprar cada color del arco iris. Empieza con los colores básicos, como las primarias, tal vez un verde o dos. mí me gusta tener un marrón, como un umber quemado o una siena quemada y tener un negro también es bonito que no tienes que seguir mezclando negro. Algunos de mis colores favoritos en esta paleta que uso con bastante frecuencia son rojo carmín, amarillo gamboge, verde óxido de cromo, azul ceruleo, umber quemado, rojo permanente y negro marfil. Como puedes ver en mi paleta, más he usado esos colores. He tenido esta paleta específica desde hace más de un año. No pinto todos los días, pero sí pinto bastante a menudo más que la persona promedio, y aún así duró y no he tenido que recargar ninguna de mis sartenes todavía, pero definitivamente me estoy quedando sin algunos de estos colores, así que pronto tendré que comprar algunas más, ya sea dos pinturas o las pinturas individuales de sartén para que pueda recargar estas. El tipo de paleta que tienes puede variar de plástico a metal a cerámica. Esta es una paleta de metal. Verás que sí mancha con el tiempo. Todo esto es sólo pintura seca, pero aunque fuera a limpiarla, verás un poco de color en ella. La cerámica es realmente genial si no quieres ninguna tinción. La cerámica también es genial si utilizas dos pinturas. De esa manera puedes exprimir pintura fresca justo en el plato y luego mezclarla ahí mismo. También puedes usar una bandeja de esmalte, una bandeja de carnicería, o realmente cualquier plato de cerámica que tengas tirado alrededor de la casa. Simplemente no lo uses para comida más tarde. Para mis tipos cotidianos de pinturas, me gusta usar mis pinturas de pan solo porque son fáciles y convenientes, pero si estoy haciendo un proyecto realmente especial donde tengo que tener colores muy frescos o necesito más de ese color específico, o necesito crear una mezcla, pero necesito mucho de ella, entonces probablemente usaré dos pinturas para que pueda mezclar colores personalizados y luego hacerlo en un plato de cerámica grande o bandeja de carnicero para que tenga más espacio para mezclar. En general, intenta mantener tus pinturas lo más prístinas y sin contaminar posible. Sé que con el tiempo va a pasar y eso está bien, y por eso muchos artistas usarán dos pinturas para otros proyectos especiales que necesitan colores frescos y limpios. Sigamos adelante. También tengo dos frascos de agua, y tiendo a usar frascos más grandes de agua porque no me gusta llenarme con demasiada frecuencia porque una vez que comienzas a pintar, te metes en un flujo, y luego si tengo que hacer una pausa y luego tirar mi agua, entonces interrumpe ese flujo, así que me gusta usar frascos grandes para que no tenga que vaciarlo como a menudo. A continuación, utilizo una pequeña botella de spray llena de agua para que pueda rociar mis pinturas y mantenerlas mojadas. De esa manera no tengo que usar siempre mi pincel para meter agua ahí porque a veces si hago eso entonces podría tener lavar mi pincel y luego pierdo mi pintura. También tengo alguna toalla de papel para borrar mi pincel. Creo que uno de los errores más comunes que tienen los principiantes es que o tienen demasiada agua en su cepillo o no suficiente, por lo que la toalla de papel te ayudará a mediar esos problemas. Si tienes demasiada agua, solo dale una mancha rápida, y luego si no crees que tienes suficiente agua, entonces dale una mancha rápida y ve si sale alguna humedad. Por último, solo ten a mano un lápiz y una goma de borrar en caso de que quieras tomar notas o bosquejar. Bueno, estos son todos los suministros que vas a necesitar para esta clase, así que adelante y agártelos y veamos algunas técnicas básicas de pintura. 4. Seis técnicas de acuarela básicas: En este video, vamos a hablar de seis técnicas básicas de acuarela. Definitivamente hay más técnicas que sólo estas seis. Pero como principiante, es bueno simplemente comenzar con lo básico y luego construir tus conocimientos y habilidades a partir de ahí. En primer lugar, voy a arrancar una sábana limpia de mi almohadilla de acuarela. Ahora para este ejercicio, no tienes que preocuparte por qué color estás usando. Sí sugiero usar un color ligeramente más oscuro, así que no hagas un amarillo o blanco muy claro. Elige un azul, un verde o un rojo. La primera técnica que veremos es húmeda sobre seca. Para preparar mis pinturas, solo voy a usar mi botella de spray. Entonces solo elige cualquier color. Voy a estar usando un tipo de color rojo-naranja, para que puedas verlo mientras estés en tu pantalla. Entonces empiezo usando mi pincel talla seis. Adelante y moja tu cepillo. Después notarás que al final del pincel se forma una gran gota de agua. Eso significa que tienes demasiada agua, por lo que está saturada. Adelante y tócala a tu toalla de papel y luego observa que el agua sale del cepillo y empapa en la toalla de papel. Ahora una vez que mi pintura esté bastante húmeda, me voy a llevar mi pincel mojado y luego lo froto en la paleta o en la sartén, y luego solo recubrir mi pincel con él. Ahora, mojado sobre seco significa que vamos a aplicar pintura húmeda sobre papel seco. Con ese pincel mojado, adelante y pinta un cuadrado de una pulgada. Eso es todo. Húmedo en seco. Bastante simple. Ahora de aquí, vamos a hacer otra técnica llamada lavado gradiente. Básicamente un lavado. Empezamos con un color bastante grueso y oscuro. Lo que quiero que hagas desde ahí es lavar poco a poco tu pincel, secarlo, y luego pintar otro cuadrado. Así es como funciona eso. Aquí está mi agua. Mi pincel no ha cambiado. Voy a remolinarlo alrededor en el agua sólo por un segundo y luego borra. Déjame traer mi toalla de papel, así que arremolina solo por un segundo. Viste que parte de la pintura acaba de dejar mi pincel en el agua. Cuando borro solo por un segundo, solo para quitar el exceso de agua y pintar, ahora pinta otro cuadrado y vas a notar que es visiblemente más ligero. Con tan solo cambiar la proporción del agua frente a la pintura de tu pincel, has cambiado el color. Hagámoslo otra vez. Remolino sólo por un segundo. Blot otra plaza. Ahora si no ves pasar mucha diferencia, está bien. Podría ser solo un color muy pigmentado o tal vez necesitas lavarlo solo un poco más. Es posible que notes que a medida que estás quitando la pintura, pero luego agregando agua a tu pincel, la consistencia de la pintura en el papel podría ser más rocosa, podría ser acuosa. Por eso vamos a borrar para que no tengamos demasiada agua ni demasiado moqueada de una consistencia de nuestras pinturas. A lo mejor tendrás que separ solo un pelo de segundo más. Para que cuando estás pintando estas plazas, no estén resultando tan moqueadas. Simplemente sigue haciendo esto hasta que te quedes sin color, y has conseguido el color más claro posible. Si solo hiciste un par de cuadrados y luego te quedas sin color, está bien porque lo vamos a volver a hacer. Nuevamente, para empezar con el color más oscuro posible, comienza con un pincel bastante seco, así que sécalo realmente bien. Entonces en tu sartén, ojalá no se haya secado demasiado, pero solo mojarlo un poco. Después recubre tu pincel con él. Vamos a intentarlo de nuevo. Es otra plaza. Debe ser de un color bastante grueso. Swirl, blot, pintura. Este ejercicio también te ayuda a determinar cuánta agua debes tener en tu pincel versus cuánta pintura. También te ayudará a poder llegar rápidamente a cierto color, porque ahora entiendes cuánta agua versus pintura necesitas. Otro término del que quiero que seáis conscientes es el valor. Básicamente, pasamos del valor más oscuro aquí de la izquierda al valor más ligero. Valor significa básicamente la ligereza relativa y la oscuridad de un solo color. El grandioso de la acuarela es su transparencia. Si empezaste con un valor más ligero, puedes ponerle un valor más oscuro encima y aún así ver un poco del valor más ligero debajo de él. O cuando capas una capa de luz y una oscura o una luz y una capa ligeramente más oscura encima de una el área superpuesta será aún más oscura debido a esta transparencia. Acabamos de aprender mucho en sólo esta lección. Dejemos que eso se seque y luego hablaremos un poco de estratificación más tarde. Pero por ahora, pasemos a nuestra siguiente técnica, que está mojada sobre mojada. Voy a quedarme con mi cepillo talla seis, lavarlo completamente y luego borrarlo. Entonces voy a recoger agua limpia. Voy a usar esa agua limpia y “pintar” un cuadrado de una pulgada. Ahora la clave mojada sobre mojada es que tu papel no está demasiado mojado. Simplemente significa que estamos aplicando pintura húmeda sobre papel mojado. Para asegurarte de que tu papel no esté demasiado mojado, puedes sostener tu papel y angularlo hacia una fuente de luz. Entonces si ves la textura del papel brillando a través y solo ves un fino brillo de agua, eso es perfecto. Si ves que ocurre una cúpula de agua, esa es demasiada agua. En ese caso si eres paciente, solo puedes esperar a que se seque. O bien, tienes dos opciones, puedes usar otro cepillo seco y luego empapar esa agua o puedes usar tu toalla de papel para empaparla también. En mi caso, desde que estaba hablando, estaba empezando a secarse un poco, así que sólo voy a mover esa agua para que haya una bonita capa. Agradable, fina capa uniforme. Ahora borra tu pincel, sácalo lo más seco posible, recoge esa pintura húmeda. Cualquier color. No se necesita demasiado de ella. Simplemente vamos a caer un poco a la vez y luego simplemente dejarlo caer en esta plaza y luego ver cómo se extiende la pintura. Ahora esto es todo un controlado mojado sobre húmedo porque a veces si tienes pintura muy húmeda, consistencia muy moqueada de la pintura, por lo que tienes mucha agua y lo pones en papel mojado, entonces vas a notar que la pintura tiende a se extendió muy rápidamente. Cuando tengas pintura más gruesa, vas a notar que no se extiende tan rápido. Es genial si aún quieres un bonito look pintado suave, plumas, pero quieres controlar el valor del color. Yo uso la técnica húmeda sobre seca probablemente la más frecuente. Entonces uso el mojado sobre húmedo algunas veces después de que ya he hecho la húmeda sobre seca. A lo mejor le aplicé un valor más ligero de un color, y mientras ese color seguía mojado, entonces caí en algunos otros colores de pintura. Eso también es bastante común. húmedo puede significar pintura húmeda sobre papel húmedo o pintura húmeda sobre pintura húmeda. A mí me gusta usar el mojado sobre húmedo incluso para animales. Tiende a dar ese aspecto de bordes suaves que es genial para pintar animales. A la siguiente técnica se le llama cepillo seco. El cepillo seco es exactamente lo que crees que podría ser. De nuevo, seca tu cepillo tanto como sea posible. Todavía me quedo con mi talla 6. Entonces voy a usar sólo la punta de mi pincel para recoger la pintura esta vez. No quiero demasiada pintura y quiero pintura muy gruesa, así que no vuelvas a mojar tu pintura. Esencialmente, lo que quieres es que vamos a crear estas rayas. Se quiere poder ver la textura del papel mostrar a través. Es por eso que el papel de prensa fría es perfecto para este ejercicio. Solo estoy haciendo estas rachas rápidas y mira cómo ya estoy viendo la textura del papel mostrando a través. Esta técnica es genial para agregar cualquier detalle final. Si necesitabas añadir un aspecto rústico al ladrillo o a la piedra, o si estás agregando bigotes o pelaje de pelo, si estás agregando hierba a un paisaje. Vamos a ver dos técnicas más, el lavado variegado y las capas. Ahora para el lavado variegado, vamos a empezar igual que el lavado degradado de arriba. Pero como estamos pintando ese color, vamos a cambiar rápidamente a un nuevo color, y donde se reúnan los dos colores, va a tener esta bonita mezcla, linda mezcla que está pasando. Piensa en los dos colores que quieres usar. Voy a usar mi rojo permanente. Empezaré con eso y luego usaré mi amarillo gamboge. Adelante y refresca tus pinturas si es necesario. Tu cepillo debe ser semi seco o así. Recoge ese color. No necesitas demasiado. Pero empecemos solo pintando así. Es un valor bastante oscuro. Voy a lavar bastante mi pincel solo para deshacerme de parte de la pintura y luego convertirla en un valor más ligero para que parezca que estamos haciendo un lavado graduado. Ahora lo voy a lavar por completo. Recoge mi gamboge amarillo, y luego sube justo contra eso, y luego mezcla eso bien, y luego continúa. Después cojo algo más del amarillo gamboge para obtener un valor más oscuro. Esta técnica es genial para pintar el cielo y los paisajes. Vamos a intentarlo de nuevo. Si quieres seguir experimentando, intenta usar múltiples colores en lugar de solo dos. A continuación hablemos de estratificación. Voy a volver a subir a mis plazas aquí arriba en la parte superior. Voy a añadir estratificación. No podía usar uno de los valores más ligeros. Voy a recoger un color azul porque si pongo una capa azul claro encima de este rojo claro, entonces debería conseguir un morado claro donde se superponen los dos colores. Si pintabas un color azul, podrías envolver un rojo encima de eso y podría ser un poco más difícil de ver, pero aún así es posible. Si hiciste un color verde, tal vez capa un morado o naranja o rojo y solo ve qué sucede en la sección superpuesta. Recojo mi azul civil y trato de hacer un valor más ligero también. Bastante inconsistencia moqueante. Yo sólo voy a pintar un pequeño círculo justo aquí en la esquina, sólo para que veas la superposición y el color puro. El color sigue secándose un poco, pero ya se puede decir que hay ese azul aquí mismo a la derecha. Pero luego en la zona donde se superpone, es ligeramente morado, apenas ligeramente. La clave de la estratificación es que la siguiente capa no debe estar demasiado húmeda porque si está demasiado húmeda, ese agua podría meterse con la pintura debajo a menos que quisieras mezclar la pintura debajo con la nueva capa, lo contrario, mantén tus nuevas capas inconsistencia bastante delgada, puede ser moqueante, no me malinterpretes. Puede ser moqueante, pero luego asegúrate de que solo pintes una capa muy delgada de ella y que no te estás fregando el cepillo dentro de ella porque así es como vas a meterte con el debajo de la pintura. Estas son las seis técnicas que miramos, la húmeda sobre seca, la húmeda sobre húmeda, cepillo seco, lavado graduado o lavado degradado, lavado variegado y estratificación. En el siguiente video, vamos a utilizar principalmente la técnica húmeda sobre seca y hablar de teoría del color y pintar un color todos juntos. 5. Teoría de color: Ahora hablemos de nuestra rueda de color. Pintar esto juntos realmente te va a ayudar a aprender a mezclar tus colores y te familiarizarás realmente con tus colores. Esta impresión está disponible en las descargas de clase, y puede imprimir directamente su papel de acuarela si su impresora puede manejarlo, o puede imprimirlo en papel normal, colocar un papel de acuarela encima, y luego dibujarlo, de cualquier manera, adelante y prepara tu rueda de color en blanco y hablemos de los colores que estaremos usando. Ahora tengo una paleta ligeramente diferente a la que usé antes. Esta es la misma marca, pero tiene 48 colores en lugar de los 20 o así que tengo en mi paleta más pequeña. Obtuve esta paleta hace poco y la razón por la que saqué esta paleta es porque creé esta gran cuadrícula de muestras y solo quería demostrarte o simplemente mostrarte lo diferentes que pueden ser los amarillos y los azules y los rojos. Esos son nuestros colores primarios, y esos son los únicos tres colores que vamos a usar para pintar toda nuestra rueda de color. Si miras esta rejilla de muestras y los amarillos, hay toda una gama, pero solo quiero enfocarme en estos tres, así que tenemos amarillo limón, luz amarilla cadmio, y luz amarilla permanente. Cada color o matiz tiene una temperatura a ella ya sea son cálidos o fríos. Si miraras el amarillo limón y la luz amarilla cadmio, el amarillo limón definitivamente está en el lado más fresco y la luz amarilla cadmio está en el lado más cálido y porque quiero que mi rueda de color se vea tan neutral como posible y no realmente virar hacia cálido o fresco, me voy a quedar con mi permanente luz amarilla. Echemos un vistazo al blues por aquí. Si también miras el blues, algunos de estos son múltiples colores de pigmento y eso no siempre es algo malo, pero generalmente cuando tienes un solo pigmento, por lo general el color es más, es más rico y más vibrante. Por ejemplo, el color índigo por aquí, es muy similar al gris de pintura de aquí abajo, pero tiene tres pigmentos diferentes en él. Eso significa que si fuera a mezclar ese color con otro color de pigmento múltiple, entonces eso es mucho pigmento en una mezcla y normalmente, más pigmentos tengas, más barro se va a ver el color. Definitivamente no quiero usar índigo plus no es del todo el azul que estamos buscando. Estamos buscando un azul verdadero, así que eso nos lleve al azul ultramarino. Este es un profundo y este es un color claro pero también tengo un azul fthalo aquí abajo. Pero para los efectos de la rueda de color de hoy, me voy a ir con el azul ultramarino profundo. Ahora veamos los rojos, aquí tengo un rojo permanente, que es un color que utilicé en nuestra práctica anterior y se puede decir que tiene una calidez para ello. Se ve casi rojo-naranja que solo un rojo. El rojo cadmio profundo casi le tiene una calidez marrón oscuro. El rojo cinabrio está más del lado fresco, así que me voy a ir con el color carmesí alizarin. Esos son los tres colores que estaré usando. Si no tienes esos colores exactos, está bien pero mira los nombres de los pigmentos. Por ejemplo, la luz amarilla permanente es PY155, pesar de que en mi paleta se llama luz amarilla permanente. En tu paleta, es posible que tengas el mismo nombre de pigmento, PY155, pero podría tener un nombre de color diferente si eso tiene sentido. No te preocupes tanto por no, solo tengo un amarillo fresco o solo tengo un amarillo cálido, eso está bien solo quédete con lo que sea amarillo que tengas por ahora pero solo ten en cuenta que hay matices a las pinturas y a las variedades que son disponible. Una vez que tengas tu rueda de color lista, solo etiquetémoslas para que no nos perdamos. Voy a empezar con el rojo aquí arriba, si miras esto como un reloj, va a ser el espacio entre las 12 en punto y la 1 en punto. Entonces me voy a saltar tres y luego el amarillo estará aquí abajo entre las 4 en punto y las 5 en punto, luego saltaré tres, y luego el azul estará por ahí. Ahora la razón de las múltiples secciones dentro una pequeña rebanada de pastel es que vamos a mostrar los diferentes valores. Vamos a empezar con el valor más oscuro en la sección más exterior del círculo para luego lavar nuestro cepillo forma gradual y luego llegar al valor más ligero hacia el centro. Empecemos. Voy a empezar con el azul y sólo me muevo porque soy diestro, si eres zurdo si quieres empezar con el amarillo y dar la vuelta, eso también está bien o siempre puedes dar la vuelta a tu periódico sin preocupaciones. Estoy usando el azul ultramarino y quiero una mezcla bastante gruesa así que mi cepillo es como semi-húmedo, realmente estoy trabajando mi cepillo ahí dentro en la sartén y solo estoy moviendo parte de ella a un área de mezcla diferente porque lo voy a estar usando para mezclar más tarde. Yo estoy haciendo doble deber. Empecemos con el azul o el color que quieras y no te preocupes por pintarlo completamente hasta la línea simplemente no tiene que ser perfecto. Después de hacer eso, solo lava un poco tu cepillo, haz la siguiente sección. Voy a pasar a mi rojo, que es el carmesí alizarin y otra vez, voy a mover sólo algo de ello. Nuestro último color primario será amarillo, y estoy usando la luz amarilla permanente. A partir de aquí, vamos a mezclar nuestros colores secundarios. Esos se hacen mezclando dos colores primarios. Si mezclas rojo y amarillo obtienes naranja, amarillo y azul hará verde, y luego azul y rojo hará morado. Vamos a poner nuestros colores secundarios justo entre los colores primarios. Si tienes tus dos colores todos dispuestos así, solo tienes que seguir adelante y mezclarlos juntos. Simplemente todo completamente. Es posible que tengas que ajustarte solo un poco. A lo mejor necesitas añadir un poco más del azul para conseguir un morado más verdadero. Siento que esto es bastante bueno en el medio, así que sólo voy a trabajar con eso. Eso va a ir en lo más exterior aquí. Asegúrate de lavar tu cepillo cada vez, para que tengas un cepillo limpio. Adelante y empiezo a mezclar el verde. Ese es un bonito color. De nuevo, tus colores podrían verse un poco diferentes dependiendo de los colores primarios con los que empezaste. No te preocupes tanto por tratar de igualar el color. El último color primario será este naranja. Este definitivamente tengo demasiado rojo. Voy a lavar mi pincel, recoger un poco más del amarillo, y el trabajo que ahí dentro. ¿ Cómo lo estamos haciendo hasta ahora? Con las partes restantes de nuestra rueda de color, los vamos a llenar de colores terciarios. Los colores terciarios ocurren cuando se mezcla un color primario con un color secundario. Si mezclamos el rojo y el naranja aquí, aquí mismo va a ser el color rojo naranja, y el nombre del color primario va a ser primero. Por aquí, no va a ser amarillo anaranjado va a ser amarillo anaranjado. Este será amarillo verde, azul verde, azul morado, y rojo morado. Vamos a tomar la mezcla es que acabamos de hacer aquí. Si necesitas hacer más de ello, está bien. Pero de cualquier lado, ahí es donde voy a añadir ese color primario. A este morado aquí voy a añadir un poco del azul de un lado a ese morado, y luego pintar eso aquí. Entonces agrego ese mismo azul a este verde de aquí. ve genial hasta ahora. Voy a añadir amarillo a este verde de aquí. A continuación, hagamos la naranja amarilla. Voy a añadir un poco de rojo a esa naranja. último pero no menos importante, agrega un poco de rojo a nuestro morado. 6. Esquemas de color: Impresionante. Gran trabajo pintando esta rueda de color. Ahora hablemos de esquemas de color, porque cuando pintamos unos arreglos florales, los esquemas de color realmente te van a ayudar a averiguar qué colores realmente necesitas, y qué colores van bien juntos, y qué colores debería ser más dominante. En primer lugar, empecemos con esquema de color monocromático. Eso es bastante básico. Es solo un color, un tono, y podrías usar los diferentes valores de ese color. cortesía es cuando usas colores en los extremos opuestos de la rueda de color. Si usas este rojo puro por aquí, podrías usar este verde puro. El naranja y el azul son colores de cortesía. Ahora, cuando usas colores de cortesía, es importante que solo uno de los colores sea más dominante. Por ejemplo, en este cuadro donde usé tanto el naranja como el azul, usé las flores naranjas pero usé todo tipo de valores del azul y ocupa más de la zona del arrecife, por lo que no es tan dura a la vista. Un gran ejemplo de usar el rojo y el verde es en cualquier tipo de arrecife navideño o invernal. Puedes usar mayormente verdes para el acebo y los pinos, luego caer solo un poco de rojo para las bayas. Ese equilibrio cuando un color es más dominante en realidad ayudará a realzar el otro color y viceversa. Un esquema de color triádico es cuando se utilizan tres colores que están espaciados uniformemente. Si miras todos los colores primarios, están espaciados uniformemente así como todos los colores secundarios. Ahora, al igual que los colores de cortesía, incluso los colores en un triádico, quieres algo de equilibrio. A lo mejor un color es más prominente que los otros dos, ya sea en valor o simplemente la cantidad pura del mismo. Un esquema de color rectangular es cuando se tienen dos colores que están justo al lado del otro y dos colores que son completamente opuestos a los dos primeros, haciendo así algún tipo de forma rectangular. Entonces un cuadrado, serían cuatro colores que están uniformemente espaciados en la rueda de color. El último esquema de color es el análogo, y esos son tres colores que están justo al lado del otro en la rueda de color. Por ejemplo, el rojo, naranja rojo, y el naranja. Usar colores análogos es realmente genial porque puedes pasar sin problemas de un color a otro, algo así como lo que hicimos para el lavado variegado. Volveremos a los esquemas de color a la hora de pintar nuestros arreglos florales. En el próximo par de videos, practiquemos pintar hojas y algunas flores. 7. Pinta hojas: Una de mis cosas favoritas para pintar siempre que consiga un nuevo color rosa o pincel o incluso papel es pintar hojas. Podría pintar en serio hojas todo el día. Déjame mostrarte solo varias formas diferentes en las que puedes pintar hojas que podrás usar en tu arreglo floral más adelante. Voy a usar mi pincel talla 6 principalmente y puedes usar cualquier color que tengas. Siéntase libre de usar cualquier pintura que tenga en sus áreas de mezcla o usar un color que normalmente no use. En cuanto a mí, estaré usando un color verde sólo porque sea apropiado. Vamos a empezar por crear unas pequeñas hojas flacas. Empieza con tu pincel talla 6 con una punta al papel, y luego pinta una línea corta muy delgada. Ese será básicamente nuestro tallo. Entonces a partir de ahí, vas a doblar el cepillo hacia abajo y luego abanicarlo, arrastrarlo un poco, y luego empezar a levantar hasta otro punto. Intentemos eso otra vez. Tan solo la punta del pincel a tu papel, arrastra un poco y luego presiona hacia abajo, desplegando o abanicando las cerdas de tu pincel, luego arrastra y comienza a levantar. Haz esto un par de veces hasta que el movimiento se vuelva un poco más fluido, sin pensar demasiado en ello. Observa cómo estás sosteniendo tu pincel. Entonces una vez que hagas un puñado de estos, trata de manipular lo ondulado que se ve o lo curvo que es. Ahora, intentemos juntar dos de ellos. El primero va a lucir muy parecido. Pero ahora finjamos que eso es sólo la mitad de la hoja. Vamos a pintar la otra mitad, pero como lo hacemos, quiero dejarla sólo una astilla de espacio en blanco entre los dos y eso le va a decir al espectador que esa es la vena de la hoja. Entonces voy a empezar mi segundo golpe justo aquí y eso es sobre el punto donde empecé a presionar hacia abajo sobre mi pincel en el primer golpe. Yo sólo voy a dar vuelta a un lado, dejar esa astilla de espacio en blanco, y luego encontrarme en el medio. Nuevamente, ese primer golpe y un segundo, voy a empezar justo por aquí, dejar una astilla de espacio en blanco, nos juntamos. Ahora bien, está bien si tu espacio en blanco no está perfectamente en toda la hoja, está bien. Incluso sólo un indicio de ello es todo lo que necesitamos. Sin ese espacio en blanco, esa hoja se va a ver un poco como una blob. No nos gustan las manchas aquí. Nuevamente, después de hacer una pareja y te sientas cómodo, intenta manipular cómo se ven porque si haces uno que se ve así, parece que estamos mirando la hoja al perfil. Eso significa que el otro lado de la hoja va a ser bastante flaco, y eso es todo. Hasta el momento sólo hemos pintado hojas individuales. A continuación, pintemos un tallo con múltiples hojas. Voy a empezar pintando primero justo el tallo largo. Estoy usando sólo una punta de mi pincel para crear un tallo largo y luego pintar una hoja al final de la misma. Al bajar a la hoja, puedes tenerlos superpuestos. Trata de variar la dirección de tus hojas. Si quiero hacer que una de estas hojas parezca que se esconde detrás o delante, entonces podría tenerla curva alrededor así. Vamos a intentarlo de nuevo. Nuevamente, tallo largo. Incluso puedes tener una pequeña hoja de bebé ahí mismo. Hagamos una vez más. Ahora bien, si eres zurdo tus hojas podrían estar frente al revés. Podría estar virando hacia la izquierda y eso está totalmente bien. Se me olvidó mencionar. Soy diestro, así que por eso todas mis hojas se inclinan hacia la derecha. A continuación, hagamos algunas curvas C. Estas son hojas redondeadas. Nuevamente, incluso mientras lo haces, intenta dejar esa astilla de espacio en blanco en el medio. Todo lo que estoy haciendo es solo crear un buen trazo redondo grueso y luego llenarlo como necesito. Estoy usando como un muy redondo, la letra forma C. Ahora voy a usar eso y pintar un tallo de eucalipto. Ahora algunas hojas de eucalipto, sobre todo cuando lo miras de perfil, se ve igual a una línea. Voy a tener algunos de esos como si lo estuviéramos mirando desde perfil así como así. Después que salgan unas hojas más. Ahora, algunas hojas tienen como un borde irregular para ellas. Para esos lo que me gusta hacer es usar un múltiplo trazos para crear un lado de la hoja. Si tengo esta delgada línea actuando como la vena o el centro, entonces voy a usar múltiples trazos realmente cortos como ese y luego tratar de que superpongan ligeramente entre sí para crear ese borde irregular, o incluso una hoja de rosa es ligeramente más redondeada y puntiaguda pero aún irregular. Si pienso en eso, entonces tengo que pensar en cómo hacer que mis trazos sigan esa misma vena. Hacer este lado un poco más ancho y luego llegar a un punto. En general, como estás pintando hojas, realmente intenta pensar en el trazo del pincel o en el gesto que estás haciendo en lugar de intentar crear un tipo específico de hoja. Porque cuando estamos pintando vagamente, no estamos realmente enfocados en la anatomía de la flor o de las plantas, estamos realmente enfocados en crear armonía de color y armonía compositiva, y así en lo que quieres enfocarte más está en la técnica de los trazos de pincel y tus gestos. Por último, veamos algunas agujas de pino y será muy similar a estas hojas dentadas, pero vamos a usar trazos aún más delgados. Aquí es donde puedes usar tu pincel talla 2 si quieres, pero me voy a pegar con mi talla 6 y solo usar trazos aún más delgados, muy cortos y espaciarlos un poco más separados. Están enfrentando todos en general de la misma manera, pero tengo unos pocos que están torcidos y de cara al revés. Eso sólo le da a las agujas de pino un poco más de vida y parece más natural. No todos son de la misma longitud, aviso. Las agujas de pino son divertidas porque aquí es donde se puede mezclar con diferentes colores. Si pintaste un par de estas agujas de pino y luego agregaste un poco de marrón a la punta de tu pincel, entonces ese marrón y luego el verde que ya está en tu pincel se va a mezclar espontáneamente y luego salir en el papel también. Siéntete libre de meterte con eso y explorar. Siéntase libre de hacer otra hoja de práctica antes de pasar a las flores. Pero si estás listo, pintemos algunas flores en el próximo video. 8. Pinta flores: Espero que estés emocionado. Vamos a pintar unas flores al estilo suelto. Empecemos con un girasol, que también se puede retocar ligeramente para que parezca una margarita o una flor de cono. Empecemos con el girasol. Estoy usando mi pincel talla 6, recogiendo algún umber quemado y solo punteando justo en el medio. Ahí será donde estarán nuestras semillas de girasol o la cabeza. Voy a lavar mi cepillo, recoger un poco de amarillo, mezclarlo con sólo un poco de naranja, amarillo gamboge, ocre amarillo, algo así. Sólo para que no sea como un amarillo brillante puro, pero también quiero un poco del amarillo brillante puro solo para mostrar alguna variedad en los colores usando esos colores análogos, si se quiere. Voy a usar esa misma técnica de pincel que usamos para las hojas donde empezamos flacos, vamos de ancho y luego regresamos flacos. Justo así. Entonces sólo tienes que ir a la derecha uno al otro. A medida que vas por ahí, juega con el valor, agrega algunos colores ahí dentro. Esta es una forma de flor bastante básica donde todos los pétalos apenas están mirando hacia una dirección. Voy a recoger un poco más de ese umber quemado y sólo oscurecer ese centro, eso es todo. Si quisieras hacer una Susan de ojos negros o incluso una flor de cono, usaré ese mismo color amarillo. Pero digamos que tenemos la sección media así. Los pétalos que van a estar en primer plano van a ser más largos y más caídos. Los pétalos que van a estar al fondo como aquí arriba van a ser realmente cortos y curvos. Yo uso ese mismo color amarillento, pero tengo los pétalos largos abajo así. A medida que suba a la cima, se van a acortar considerablemente. Entonces sólo un poco curvo ya sea a la izquierda o a la derecha. Si hiciste la flor de cono púrpura o la rosa, es el mismo concepto, pero solo usa un color diferente. Me encanta pintar tulipanes. Voy a usar un color rojo, naranjado para esto. Si piensas en tulipanes, sobre todo si lo miras solo directamente. Tengo una sección grande a un lado así. Entonces sólo porque quiero mostrar un poco de valor o diferencia de valor, voy a lavar un poco mi pincel, hacer el otro lado, hacer el otro lado, y luego encontrarme en el medio, entonces tal vez sólo tener otro pétalo ahí mismo en el medio. Si quieres que sea aún más flojo, solo podrías dar la impresión de la forma de los pétalos y luego llenar parte de ese espacio con un valor más ligero. Pero la forma más fácil es simplemente crear esa media forma y la otra media forma. dalias también tienen la misma forma que el girasol. Yo uso un color morado para eso. Para las dalias, solo hay tantas capas. Voy a empezar con la formación de estallido. Entonces al salir, voy a lavar periódicamente mi pincel y luego pintar los pétalos en el medio. Al salir, empiezo a hacer pétalos más puntiagudos. También estoy jugando con el valor. No todos los pétalos tienen el mismo valor. Algunos van a ser un poco más ligeros que otros. Yo sólo voy a añadir un poco de verde oscuro justo al centro ahí. A continuación tenemos algunas amapolas. Voy a empezar con el centro negro oscuro. Recoge mi color rojo, naranjado. Dependiendo de cómo mires a la amapola, los pétalos siempre van a verse un poco diferentes. Pero empecemos con una forma bastante básica. Tenemos dos pétalos grandes a ambos lados, así. Normalmente tenemos el pétalo que sobresale hacia ti, y luego tal vez algunos pétalos superpuestos como en la espalda. Si lo miras de una manera diferente, podrías tener un pétalo grande como ese. Solo estoy usando esas curvas C justo desde antes. Se puede tener un pétalo más ligero saliendo del otro lado. A lo mejor tienes otros pétalos que están sobresaliendo así. De verdad depende de cómo estés mirando la flor. Es realmente importante observar las flores que estás queriendo pintar, y simplemente pintar las formas que ves. Echemos un vistazo a la anémona. Voy a usar ese mismo color púrpura otra vez. Entonces anémona, voy a volver y hacer ese centro negro al final. anémonas también tienen pétalos muy ligeros. Sólo estoy usando esas C-curvas otra vez para llenar esto. Pintar una serie de cuatro a cinco pétalos, y luego volveré al final para pintar el centro. Tengo más florales en mis otras clases como lavanda, lilas, magnolia, y cerezos en flor. Pero en esta clase, sólo quiero ir a más flores, que son la rosa y la peonía. Para la rosa, quiero empezar con los valores más oscuros. Voy a secarme el pincel tanto como sea posible y luego recoger mi pintura. Puedes usar cualquier color para esto, pero voy a hacer ese color rojo-naranja que he estado usando. Empezaremos con el centro de la rosa como si lo estuviéramos buscando. Haz unos trazos cortos aquí mismo en el medio, y luego haz una curva C así, y tal vez otra luego lava poco a poco tu pincel mientras pintamos el siguiente conjunto de pétalos. Ya que estamos pintando la siguiente capa de pétalos, asegúrate de que los estés superponiendo con la capa anterior y no sólo pintando los pétalos justo al lado del otro. ¿ Ves cómo eso se superpone ahí mismo? Por otra parte, lava periódicamente tu pincel solo para mostrar diferentes valores de tus filas. A medida que voy más lejos, nota cómo mis pétalos se están haciendo más largos así como más ligeros. Siéntase libre de dar la vuelta a su papel como acabo de hacer. Como siento que la rosa está llegando a ser completa, voy a hacer que mis líneas sean realmente delgadas, básicamente como líneas delgadas solo para ayudar a llenarla. No tiene que ser un círculo perfecto per se, pero las líneas delgadas hacen que parezca que todas esas capas delgadas son pétalos. Vamos a intentarlo de nuevo. Empieza con el valor más oscuro, ahí mismo en el centro, un par de curvas C, y luego empieza a trabajar tu salida, y luego lava tu cepillo. Ya que estás superponiendo estos pétalos también ten en cuenta dejar algunos espacios en blanco. A continuación, pintemos nuestra peonía. La peonía puede ser bastante complicada, pero pintaremos una peonía más simple. Voy a tener tres capas de pétalos. Dos capas van a conformar la parte superior de la peonía, luego la tercera capa va a estar en la parte inferior. A la parte superior le va a tener esta forma de copa, y así todos mis pétalos tienen que llegar al borde de este punto central imaginario. Observe cómo mis pétalos apuntan a este centro imaginario aquí mismo, e incluso este pétalo central va a bajar justo y encontrarse con él, lo mismo con este pétalo lateral. Ahora, voy a maquillarme el otro lado de la peonía. Ahora la parte inferior de la peonía, sólo voy a tener los pétalos encendidos así. Pero de nuevo, nota cómo sigue llegando a este punto medio. Voy a hacer otra donde deje el espacio entre. Muy bien, ahora agreguemos algunos de los detalles que necesitamos agregar a nuestra anémona y a esta peonía aquí mismo. Para esta anémona, voy a usar mi color negro y solo ponlo en el medio, pero tengo algunas líneas realmente delgadas saliendo del centro, y luego salpicando el final de la misma. Para la peonía, voy a usar mi amarillo gamboge. Puedes usar un ocre amarillo o algo también y luego usar mi pincel tamaño 2 para pintar algunas líneas rectas cortas y luego puntear el final de la misma. Si realmente no está apareciendo, está bien. A lo mejor añadir solo un poco de negro o incluso umber quemado para que destaque solo un poquito. Está bien, ahí lo tienes. Esas son algunas de las flores con las que vamos a estar trabajando en nuestros arreglos florales. Ahora empecemos a ponerlos juntos. 9. Inspiración: Hablemos un poco de inspiración. Algunos de mis lugares favoritos para obtener imágenes de stock libres de derechos de emisión son Unsplash y Pixabay. En estos sitios, puedes escribir casi cualquier cosa, ramo de boda, o puedes buscar algo realmente específico, como un ramo de lavanda, girasoles, amapolas, etc. Las imágenes libres de regalías generalmente no tienen ninguna restricción de cómo puedes usar estas fotos. Entonces si eras fotógrafo, puedes manipularlos, editarlos, y está totalmente bien. Tienes todos los derechos para hacer eso. Incluso si fueras a pintar desde la fuente y luego hacerlo tuyo, todavía puedes vender eso como tu propia obra original. Ahora se pone un poco peludo cuando no usas imágenes libres de regalías y solo buscas algo en Google. Cuando usas Google o Pinterest u otros motores de búsqueda así, tienes que tener cuidado de no pintar exactamente lo que ves. Puedes inspirarte en ello, por ejemplo, solo tienes que elegir un par de flores de esta o un par de otros elementos de otra, y luego ponerlos todos juntos para crear tu propio arreglo único. Entonces, si bien puedes crear un tablero de Pinterest para inspirarte, solo ten mucho cuidado de no pintar exactamente lo que ves, sobre todo si lo vas a usar para cualquier propósito comercial donde te estés beneficiando monetariamente de ello. Para los arreglos florales que hoy vamos a pintar, voy a usar mi tablero de Pinterest como inspiración, pero te voy a mostrar cómo tomo algunos de los elementos, ya sean colores o los elementos florales específicos para crear algo único en mi propio estilo. Entonces, empecemos. 10. Proyecto 1: colores complementarios: El primer arreglo floral que vamos a hacer es esta hermosa corona de oreja de cordero con unas peonías brillantes. Como puedes ver en esta corona, tenemos básicamente colores de cortesía. El oído del cordero tiene una variedad de verdes, en algún lugar entre el azul-verde y un verde regular, y luego las peonías son este hermoso tipo de color rojo-naranja, casi coral. Son básicamente opuestos en la rueda de color. A mí me gusta cómo en esta corona, la oreja del cordero retoma la mayoría de la corona, pero entonces las peonías son tan brillantes. Eso es lo que me voy a llevar. A pesar de que hay más de la vegetación, es más de un color silenciado. Quiero asegurarme de que mis hojas sean más suaves o ligeras en valor, y que las peonías realmente tengan espacio para brillar. Empecemos. Voy a usar mi tarro de agua, y no voy a trazar todo el círculo. Yo sólo voy a trazar tal vez sólo partes del círculo, sólo para darme una idea de cómo se ve el círculo, pero no voy a bosquejar todo el asunto. Acabo de bosquejar algunas líneas tenues alrededor, y definitivamente dejé esta zona en blanco para que pudiera agregar las peonías ahí mismo. Ahora bien, como mi papel es bastante pequeño, voy a usar principalmente un pincel Tamaño 2. Si tu papel es mucho más grande, siéntete libre de usar tu pincel Talla 6. Ya que no quiero pintar exactamente lo que veo, voy a pintar sólo las tres peonías, la oreja de cordero, y luego sólo voy a añadir algunas ramas saliendo de forma aleatoria, solo para poder variarla y hacerla mía. Empecemos con las peonías. Voy a tener este brillante color rojo-naranja. Para mí, es mi rojo permanente. Entonces voy a tener alguna rosa genuina en el costado porque quiero que ese color coralmente venga también. Voy a poner esa rosa genuina de este lado. También voy a practicar un poco del amarillo, porque veo en ese centro peonía o esa peonía media, tiene un poco de tintes amarillos ahí dentro. Sólo prepararé eso. Ahora, estas peonías van a verse un poco diferentes a las que pintamos. De nuevo, puedes pintar las que ves aquí, o puedes pintar cualquier peonía que sea cómoda para ti. Voy a hacer una variedad. Voy a empezar con la peonía central. Tengo un poco de ese tinte amarillo ahí dentro, y ahora voy a añadir algo de ese rosa. Se parece más a una rosa, pero está bien. Ahora, la otra peonía, sí quiero que se parezca más a la peonía que hicimos antes. Voy a tenerlo de frente de esta manera. La otra peonía aquí arriba también, trayendo algo de ese rosa aquí también. Está bien. Ahora, voy a hacer algo de ese verde. Eso va a ser una mezcla de un verde regular más un verde azulado. Vamos a hacer unas hojas simples, todas yendo en una dirección. Voy a empezar con sólo una sola hoja por ahora. A medida que voy, voy a mezclar algo de ese verde regular y regular, y voy a mezclarme con el azul-verde, y esto sólo me está ayudando a establecer una forma. Sé que van a haber algunas calvas, y eso está totalmente bien. También estoy tratando de tener en cuenta, tratando de hacerlo un poco más de color mudo, por lo que un poco más claro. Pero al mismo tiempo, no quiero que todos sean demasiado ligeros. Sigue jugando un poco con el valor. Sigo dando vueltas y agregando algunas hojas más. A medida que te sientas cómodo, si la capa ya está seca, siéntete libre de recubrir tus hojas una encima de la otra. Voy a empezar a llenar algunos de esos huecos, y también voy a añadir unas hojas entre mis peonías, y voy a añadir sólo una capa más de hojas, un poco más delgadas esta vez, solo para ayudar a llenar algunos de los espacios más vacíos, y tengo un par de hojas metiendo en el centro de la corona. Eso hace que la corona sea un poco más orgánica de aspecto. Por último, voy a usar un umber quemado y pintar algunas ramas. Voy a tejer las ramas entre las hojas y a tener algunos asomándose también. Estoy usando sólo la punta de mi pincel, para que el marrón realmente no se vea como nada. Yo solo quiero que las ramas realmente solo se mezclen con las hojas. También puedes usar el color marrón para cubrir tus líneas de lápiz si quieres. Ahí está nuestro primer arreglo floral usando colores de cortesía. 11. Proyecto 2: colores análogos: El siguiente arreglo floral que haremos es esta hermosa exhibición de amapola. Lo que más me gusta de esto son los colores análogos. Tenemos ese color rojo naranja que se desvanece en una luz Quirrell en un amarillo, en unas naranjas puras. Entonces hasta tenemos algunas flores blancas y amarillas. No tienes que hacer todas esas flores, pero quiero que uses ese esquema de color análogo en tu pintura. Voy a empezar por establecer el centro de mi arreglo. Voy a usar ese color negro. Ríguela solo un poquito, así que no es tan duro porque realmente quiero que brillen las flores. Entonces pinta el jarrón aquí abajo. A partir de aquí, voy a añadir primero mis flores rojas amarillas. Al hacer esto, me aseguro de dejar espacio para el centro de las flores. Ahora aquí mismo veo esas flores naranjas mientras pinto eso ahí mismo. Después pinto algunas de las otras flores anaranjadas que veo. Ahora tenemos algunas de estas flores de coral por aquí. Flor al azar todo el camino aquí arriba. Después hay algunas flores amarillas a un costado. Porque quiero que esto se vea un poco más de equilibrio, voy a añadir algo más de las flores amarillas, naranjas aquí mismo en el centro. Ahora voy a añadir las hojas y tallos. Asegúrate de agregar algunas hojas entre las flores que también ayudarán a romper donde están las flores. Voy a empezar a añadir el centro de las flores. Empecemos con un anillo de verde amarillo. A partir de ahí voy a usar mi amarillo gamboge, que es similar a un ocre amarillo, y añadir otro anillo en el medio y justo fuera de él. Entonces voy a añadir sólo un anillo muy delgado de umber quemado justo entre esa sección verde amarillo y la amarilla. Es una línea muy delgada. Está bien si no es un círculo perfecto. En realidad es sólo para mostrar la distinción entre los dos colores, y sólo hacer que ese centro de la flor sea mucho más distinto. 12. Proyecto 3: monocromo: El último arreglo floral que hará es pintar flores dentro de una forma de círculo. No es realmente un arreglo per se pero es solo una forma única de capturar tu pintura dentro de un marco específico. Tengo aquí mi posavasos aleatorios. Sólo lo voy a usar para trazar un círculo. Me gustó mucho la flor de la anémona. Yo quiero hacer mayormente las blancas. Suena desafiante, pero te lo prometo, puedes hacerlo. La forma más fácil de hacer una flor blanca es simplemente pintar las sombras. Yo sólo voy a usar un color negro muy, muy aguado y usar eso para pintar las anémonas. Necesito hacer un seguimiento de dónde están todos porque necesito crear ese centro. Una vez que creas ese centro de la anémona, ahí es cuando realmente va a estallar. Ahora voy a añadir unas hojas ahí para, de nuevo, sólo ayudar a llenar esa forma, pero en su mayor parte, va a ser en su mayoría anémona. Vamos a usar mayormente un esquema de color monocromo. Está realmente regado, este negro. Ahora puede ser difícil verlo aquí en la pantalla pero trataré de que la mía sea un poco más oscura sólo para que puedas ver. Pero el truco es obviamente no ir más allá de este marco de círculo. Podría agregar solo un poco de verde justo al centro de estos solo para que puedas decir que es una flor sólo un poquito. Estoy usando un poco de la técnica húmeda sobre húmeda para hacer eso. Ahora, algo de eso va a ser cubierto por el centro negro de todos modos. Pero al menos por ahora, puedo decir dónde están las flores. Ahora mismo, solo estoy estableciendo dónde van a estar mis flores más grandes. Voy a tener tres bastante grandes. Entonces tal vez el resto del marco del círculo, voy a rellenar con hojas. Yo entro ahí con unas hojas grandes aquí. Agregando sólo otra anémona aquí mismo, una más pequeña, como si estuvieran espiando por detrás de la hoja aquí. Agrega una segunda capa de anémonas. Agrega algunas hojas más pequeñas. Simplemente llenando esta forma. Ahora si tus flores están secas, entremos ahí con tu pincel más pequeño. Asegúrate de que sea un pincel muy seco y el valor más oscuro de tu negro. Voy a empezar con el centro y luego empezar a puntear el otro extremo de esa línea recta. Tengo un centro de anémonas más para pintar. Está bien. Voy a rellenar los espacios con un poco más del verdor solo para que cuando borre la línea de lápiz, claramente puedas ver la forma del círculo, y sólo porque quiero llenar algunos de estos espacios en blanco un poco más. Pero estoy usando lo más ligero de un valor como puedo. Eso es todo. Simplemente borra la línea y luego terminas. 13. Tu proyecto: Ahora que has pintado un par de estos conmigo, me encantaría ver tus propios arreglos florales. Para tu proyecto, quiero que crees tres arreglos florales usando diferentes esquemas de color. En realidad, está bien si haces las tres pinturas usando colores de cortesía, pero luego usa diferentes colores de cortesía. Lo mismo vale para el monocromático. Todas tus pinturas pueden ser monocromáticas, pero luego solo usa diferentes colores. El propósito principal es que solo te pongas cómodo usando diferentes colores y también seas estratégico sobre cómo los usas. Siéntete libre de publicar las pinturas que pintamos juntas y luego crear las tuyas propias también. No puedo esperar a ver lo que creas. 14. Reflexiones finales: Enhorabuena por terminar esta clase en florales sueltos. Esta clase se publicó en realidad por primera vez en 2017, septiembre, y luego se rehizo en mayo de 2021. El motivo principal de eso, fue porque en 2017, realmente fue al inicio de mi viaje en acuarela, y desde entonces, he crecido tanto como artista. Quería rehacer esta clase, compartiendo más consejos y trucos que he aprendido, y más de mis conocimientos, más de mis consejos de pintura de flores, para que puedas ser el mejor artista que puedas ser. Creo que conocer la teoría del color es una ventaja tan enorme. Permitirte explorar y divertirte es tan importante. Te voy a dejar con sólo un par de consejos. Número 1, estar bien con la cagada. Creo que esta es una de las primeras lecciones que todo artista realmente necesita aprender y conquistar. Está totalmente bien si tienes más papel terminando en la basura, solo asegúrate de reciclarlo. Cada pincelada, cada papel tirado a la basura, realidad es solo una lección de tu crecimiento como artista y es un paso de ti mejorando. El mejor modo de replantear tu error es mirarlos como oportunidades de aprendizaje. Si lo estropeaste o no te gusta, intenta averiguar por qué. ¿ Es porque los colores no se están juntando? ¿ Es porque tu calidad de pintura no es lo suficientemente buena? ¿ Es porque tu papel se está pelando y es demasiado delgado? Trata de solucionar problemas y descubre por qué algo salió mal. Número 2, toma montones y montones de fotos. Como mencioné antes, está bien usar fotos de referencia e imágenes libres de regalías. Pero tu inspiración realmente solo viene de dentro de ti. Al caminar por tu barrio, en los jardines, en la reserva forestal, dondequiera que estés, solo toma montones y montones de fotos. Observe cómo se están uniendo los colores. Incluso crear una pequeña cuadrícula de muestra de esa foto en particular. A lo mejor puedes empezar a crear paletas de colores para diferentes temporadas del año. Puedes utilizarlos para cualquier propósito que desees, ya sea personal o comercial. Por último, sólo practicar. Para mejorar, para mejorar, realmente sí se necesita práctica. ¿ Recuerdas las hojas que hicimos antes? Mencioné cómo me encanta pintar hojas. Probablemente ya he pintado como un millón de hojas y aún así me encanta pintarlas. Podrías tener algún tipo de tema o un color que simplemente amas, y eso está totalmente bien. Eso también podría ser solo una señal de cómo te estás afinando en tus preferencias y tal vez incluso en tu estilo. Si has practicado uno de estos esquemas de color o una de estas flores, pruébalo en un color diferente, pruébalo con un pincel diferente. Cuando modificas un factor a la vez, es posible que obtengas resultados completamente diferentes. Volviendo a la propina número 1, cuando se tienen en cuenta esas diferentes variables y se estropea, está bien. Sólo tienes que estar de acuerdo con ello porque lo estás viendo como práctica. La próxima vez será mejor. No olvides subir tu proyecto. Si estás en Instagram o Facebook, por favor siéntete libre de etiquetarme @Audreyradesign, y usa el hashtag: pinta con Audrey. Pintar con florales sueltos realmente me ha cambiado la vida y me ha hecho ser más libre como artista. Espero que haga lo mismo por ti a medida que comienzas o continúas en tu viaje de acuarela. Muchas gracias por tomar mi clase. No puedo esperar a ver tu trabajo. Te veré la próxima vez. Adiós.