Cómo mezclar tu música: obtén un sonido profesional | Mikael Baggström | Skillshare
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Cómo mezclar tu música: obtén un sonido profesional

teacher avatar Mikael Baggström, Music Composer | Sound Designer | Video Producer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción a la mezcla profesional

      3:00

    • 2.

      Los mejores consejos de Mike sobre la mezcla

      6:02

    • 3.

      El lienzo 5D de la música

      12:23

    • 4.

      La cadena de producción de música

      3:50

    • 5.

      Dimension 1: tiempo

      10:37

    • 6.

      Dimension 2: frecuencia

      8:06

    • 7.

      Dimension 3: nivel

      6:33

    • 8.

      Dimensión, con Panning

      7:02

    • 9.

      Dimension 5: espacio

      7:53

    • 10.

      Mezclar el flujo de trabajo de trabajo 1: la configuración de mezcla

      3:37

    • 11.

      Mezclar el flujo de trabajo 2: la mezcla en masa

      6:45

    • 12.

      Mezclar el flujo de trabajo de trabajo 3: la mezcla final

      5:50

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

1331

Estudiantes

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Proyectos

Acerca de esta clase

Aprende a mezclar
tu música y de producción de ProfessionallyAre ProfessionallyAre la música en tu ordenador? Bueno, si quieres conseguir un sonido profesional en tus producciones de música final, debes aprender a mezclar tu música.

Ejemplos de cosas que aprenderás

  • El lienzo 5D de la música
  • La cadena de producción de música
  • Cómo mezclar en 5 dimensiones
  • Flujo de trabajo práctico
  • Consejos y trucos de extra

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=de aprecios de Mikael de
Mikael de la
música de Baggström | Diseñador de sonido de video de

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Mikael Baggström

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My name is Mike, and I am a Music Composer, Sound Designer and Artist. I Share my Story, Journey, Experience and Knowledge, to Inspire and Empower Creative People like you. =)

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I believe that learning should be fun. I love to bring my personality into my teaching style. I also try to make my courses dynamic, to be more interesting to you. =)

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Mike from Sweden
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Transcripciones

1. Introducción a la mezcla profesional: Oye, amigos y creadores de música Mike aquí y ahora es el momento de que aprendas lo esencial de mezclar tus producciones musicales para obtener un sonido profesional. Empecemos. Entonces, ¿qué significa mezclar bien tu música en exceso de esencia? Mezclar música es en realidad muy sencillo. El objetivo general es crear un buen equilibrio frente a la producción general. Esto se hace mezclando todas las pistas individuales, utilizando diversas técnicas para llamar a su propio espacio único. En la mezcla final, te estás esforzando por obtener un buen grado de separación entre cada pista de tu proyecto para que cada uno tenga su propio lugar, su propio dominio en la mezcla. Sí, las pistas se solapan entre sí. Eso sólo es natural porque la separación total es básicamente imposible. Pero cuando sumes todas las técnicas que aprenderás en este curso, podrás crear una mejor separación entre pistas, lo que conducirá a una mayor claridad para todos los instrumentos y sonidos de tu mezcla. Imagina un restaurante lleno de gente hablando a tu alrededor. El sonido general será como un gran ruido roll off. Podrás escuchar que se trata de mucha gente hablando, pero no realmente conversaciones individuales. Esta analogía es como una mala mezcla en una producción musical, muchos instrumentos y temas peleando entre sí, lo que creará un gran lío de sonido fangoso. Pero digamos que tenías un control de volumen para cada persona en ese restaurante. Digamos que los podrías panjear de manera diferente en el espacio estéreo. Es sólo sus voces con e que y filtrar automatizar el volumen. Usa la compresión para domar el equilibrio de audio y el alma. Bueno, entonces estarías en control sobre todas las conversaciones para poder separarlas lo suficiente como para poder escuchar de qué hablan. Esa es una analogía de lo que se trata la buena mezcla. Increíble. Ahora ya sabes lo que podrás hacer cuando aprendas técnicas esenciales fuera de mezclar música. Es hora de que te pongas en control de tu música. Aprende el verdadero apagón, mezclando practica el o para mejorar tus habilidades. Conviértete en un maestro de tus producciones musicales. Podría, y te veré en el próximo 2. Los mejores consejos de Mike sobre la mezcla: Oye, amigos y creadores de música Mike aquí y en este video, te voy a dar mis 10 mejores consejos o mezclar música profesionalmente. Está bien, iré bastante rápido, pero siempre se puede volver atrás y ver otra vez. Punta uno. Enfócate en el panorama más amplio. Mezclar música es todo sobre el resultado final. El panorama grande. Por eso te aconsejo que enfoques la mayor parte de tu tiempo en cosas que tienen un gran impacto en el panorama más amplio. Al igual que los canales de grupo, por ejemplo, propina para hacer muchos pequeños cambios. Mi pauta personal es hacer muchos pequeños cambios en toda la mezcla. Aumenta un poco el parámetro aquí, reduce un poco allá. Los cambios drásticos en instrumentos individuales generalmente suenan cama, por lo que tener la mente se puso en marcha haciendo muchos cambios pequeños tienden a producir el sonido más natural y punta mixta profesional. Tres. Mezclar primero el núcleo. ¿ Cuál es el núcleo? Bueno, básicamente es el foco principal absoluto de tu música. Los elementos más importantes, si se quiere. Por lo general son cosas como batería, bajo y melodía de plomo o voz. Si obtienes esos buenos equilibrados y mezclados primero, el resto de tus pistas será mucho más fácil. Tip. Cuatro. Ponga estos focos en el centro. Piensa en tu música como escenario teatral y en tus instrumentos como actores. Siempre tendrás actores principales que tengan los principales focos sobre ellos, y de igual manera, tendrás instrumentos y sonidos en tu producción musical que demanden más atención. Se les da eso colocándolos en el centro, así que decide qué sonidos de tu mezcla o los actores principales. Tip. Cinco. Mezcla primero con tus orejas. El más importante para que tengas como compositor y productor musical o tus oídos. Aprende a usarlos para escuchar instintivamente la música, los instrumentos y las células individuales, y haz pequeños cambios mientras escuchas activamente con cuidado. Resistir la tentación de utilizar un análisis para gustar un analizador de espectro. Onley. Usa herramientas técnicas como esa para confirmar tus instintos. Tip seis. Utilizar pistas de referencia. Encuentra música popular publicada en un estilo similar a tu track y utilizada como referencia orientadora . Estos ya son mixtos profesionales. De hecho, escuchar y analizar música profesionalmente mixta puede ser una buena manera de entrenar tus oídos . A lo mejor tu música tiende a tener demasiadas frecuencias bajas o quizás muy pocas frecuencias altas . Tip. Siete. Aprende tu habitación y aún así monitoriza. Cada habitación agregará su huella dactilar acústica a lo que escuchas cuando escuches tus monitores de estudio. Por eso debes escuchar mucha música en tu estudio y en tus monitores para que aprendas el sonido mismo de la sala y tus altavoces. Tip. Ocho. Calibre tus niveles. Nuestros oídos responden de manera muy diferente a diversos niveles de volumen, lo que afecta cómo escuchamos las frecuencias y el equilibrio en la música va a escuchar. Es por eso que debes calibrar tus monitores de estudio a un nivel específico para que siempre mezcle tu música mientras monitorices a un nivel bajo de sonido predefinido. Simplemente busca calibrar tus monitores de estudio en Google y lleno de una de las guías para encontrar punta nueve. Consulta tu equilibrio estéreo y capacidad moral. Es importante saber que mucha gente escuchará tu música en un sistema moral como en dispositivos pequeños como smartphones, tablets, etc. Durante el proceso de mezcla. Es importante que revises tu mezcla en monoaural de vez en cuando en la mezcla final, debes tener un buen equilibrio estéreo y además suenas bien incluso en un sistema moral. Tip 10 mezcla a un nivel de sonoridad dedicado. Siempre hago mi música para que la producción final tenga un nivel de sonoridad promedio dedicado . Producirás mezclas mucho mejores si no estás demasiado influenciado por el nivel de sonoridad . A menudo nos engañamos pensando que un cambio hizo sonar mejor cuando simplemente lo ha hecho sonar más fuerte. Te recomiendo usar un contador loves enchufando tu salida estéreo maestro y decidiendo justo al inicio de tu proceso de mezcla, qué nivel promedio de sonoridad. Vas a mezclar lo atractivo, por ejemplo, menos 14 amores. Muy bien, esos fueron mis mejores consejos o mezclar tu música profesionalmente. Espero que algunas de estas cintas te haya hecho más consciente de tu propio proceso de mezcla. Ahora solo hay una forma de mejorar tus habilidades de mezcla, y eso es mezclando mucho música. Nada mejor que aprender. Al hacerlo. Asegúrate de implementar y probar algunas de las cosas que aprendes de mis consejos, luego hace tanta música como puedas todas y cada semana. Mi nombre es Mike, y te veré en el próximo 3. El lienzo 5D de la música: En este video, aprenderás mi concepto especial fuera de mezcla profesional de música, que se basa en el lienzo cinco D de la música, y tú o el pintor mezclando música versus pintura. Este es un concepto que he desarrollado para enseñar mezcla profesional, y también es una gran pauta para tener el respaldo de tu mente al trabajar en tu mezcla. Se basa en la analogía fuera de la pintura. Y no te preocupes. No tienes que ser Leonardo da Vinci para mezclar tu música en una producción profesional, pero creo que la analogía de pintura es genial para desarrollar un sentido fuera de perspectiva. Fuera de la música. El pintor tiene límites estrictos para trabajar dentro a la hora de crear su arte el tamaño del lienzo, los pinceles y las herramientas uso de los colores que puede producir con su paladar. Pero incluso dentro de esos límites, una pintura puede convertirse en una verdadera obra maestra. Los miles de trazos individuales del pincel, todas las capas de pintura y él cuadro y mezcla de colores trabajan juntos para conformar la pintura final. ¿ Cuáles asesinatos es la impresión que se obtiene cuando se pone de pie y observa el último cuadro en la pared? Cualquier marco complementario. Ahora vamos a comparar estas dos música. Al igual que con la pintura, tienes restricciones basadas en la física y las reglas del dominio digital, que conforma la grabación de audio de tu producción terminada. Ejemplo de tal restricción es el oído humano. No hay razón para hacer música fuera del alcance nuestros oídos pueden escuchar sonido. Tu misión es pintar tu música dentro del rango y límites que tienes disponible para audio y sonido. Entonces cuando mezclas música, puedes imaginarte como un gran pintor, un DaVinci cultivable Leone. Pero para la música, entonces ¿cuál es el lienzo cinco D de la música? Bueno, no es pintura ni colores, pero en comparación con una pintura física, realidad tienes un dominio más grande en la música para pintar tu final más apaciguamiento de sonido. esto lo llamo las cinco Cámaras D de Música, que representa las cinco dimensiones. Al mezclar tu producción musical, vamos a pasar por ellas una por una dimensión una vez la primera dimensión para pintar tu música en su tiempo. Si tienes dos sonidos diferentes, puedes hacerlos tocar exactamente al mismo tiempo, o puedes alinearlos ligeramente entre sí e incluso puedes separarlos completamente en la dimensión temporal. La dimensión del tiempo tiene el impacto más fuerte fuera de la separación entre instrumentos y sonidos en la mezcla. El mayor control a lo largo del tiempo está en la etapa de arreglos, que en su mayoría es manejada por el compositor. Pero puede, por ejemplo, por ejemplo, una línea de audio todos los medios pistas después de que las piezas terminaran como productor e ingeniero de mezclas. Y, por supuesto, muchos creadores de música en estos días lo hacen todo ellos mismos, desde componer hasta arreglar hasta producir y mezclar. Incluso ligeras variaciones en el tiempo pueden tener un gran efecto en la claridad y separación entre las pistas. Por ejemplo, digamos que hay que percusionar zonas empezando exactamente a la misma hora. Simplemente puedes arrastrar uno de ellos ligeramente antes en la codicia de tu D W y el otro ligeramente más tarde en la codicia. Ahora las dos celdas tendrán cierta separación en el tiempo fuera del punto de partida para sonidos percusivos . Puede ser una cuestión fuera de milli segundos para crear esa dimensión de separación a frecuencia. La segunda dimensión fuera del lienzo cinco D de la música es la frecuencia. Estás limitado al rango de audición humana para pintar tu música en la regla general es de 20 hercios a 20 mil hercios o 20 asesinos. Para corto 20 Hertz es el sonido bajo más bajo que los humanos pueden escuchar en promedio, y 20,000 hercios es la frecuencia más alta. Podemos recoger la música Tierra pero está conformada por 12 notas que se reparten en varias octavas. Cada nota representa una frecuencia fundamental diferente, pasando de la base muy baja al tono más alto. Y a la hora de componer y organizar música, es muy importante estar al tanto de dónde en ese rango de frecuencias estás colocando todos tus instrumentos y sonidos en el escenario de mezcla. Creo que los ajustes de frecuencia que haces a cada instrumento y pista es uno de los elementos más importantes sobre los que tienes control en el lienzo final de tu producción musical. Tienes varias herramientas disponibles como ingeniero de mezcla, como ecualización, Hi Paul's y low post filtrado, multi bad y compresión etcétera. Dimensión tres nivel. La tercera dimensión que tienes disponible en el lienzo cinco D de la música es nivel o volumen, si se quiere, ya que estamos trabajando en el dominio digital. Al mezclar tu música, estás restringido por los límites de la escala de audio digital el nivel de audio, lo que significa que el volumen en cualquier momento en el tiempo es descrito por un valor digital. Y este valor tiene un techo en nivel pico absoluto, que es Ciro decibel. Nada puede pasar por encima de ese límite, y si lo intentas, solo cortará la forma de audio directamente en ese nivel máximo. Al igual que su espada samurai o incluso mejor analogía es pensar en la escala de audiencia DD dos como un vaso de agua. Puedes Onley verter una cantidad limitada de agua en ese brillo antes de que esté lleno. El brillo completo representa cero decibelios en la escala de audio digital. Si intentas verterle más agua, esa agua se derramará alrededor de los bordes y creó desorden. Pero las chicas reales seguirán teniendo la misma cantidad de agua en ella. Al mezclar tu música, puedes equilibrar tus instrumentos y sonidos para estar más o menos enfocados ajustando el nivel fuera de todas las pistas. Esto se hace principalmente mediante el uso de todos esos fallos de nivel en el mezclador, pero también puede utilizar para, como compresión dinámica, turismo, compresión, limitar etcétera para dar forma tanto al nivel pico así como el nivel promedio fuera de todas las pistas individuales en tu mezcla. Dimensión cuatro. Panning En los viejos tiempos de la música, todo se grababa en mono, y de hecho, todavía hay dispositivos que Onley coloca en modelo hoy. Sé que es terrible, pero tristemente, es verdad. Por supuesto, la mejor experiencia auditiva de la música proviene de agregar la dimensión del sonido estéreo o incluso envolvente, en algunos casos colocando los instrumentos de izquierda a derecha o, en el caso apagado, rodean incluso de frente a espalda. Para estos, utilizas un perilla de panning en tu mezclador, y es muy importante aprender a usar esta dimensión. Si tienes dos instrumentos que están peleando mucho entre sí, como un piano tranquilo y una guitarra rítmica, por ejemplo, al tocar juntos, escucharás cuánto compiten, que es disminuyendo drásticamente la separación y claridad de cada instrumento. Pero simplemente agregando variación en la dimensión panning, mejorarás mucho la separación y claridad, así que hagamos algo de panorámica en la pista de guitarra rítmica así como en la pista de piano comm, girándolos en direcciones separadas y tomemos una escucha Si escuchas esto en un sistema estéreo, podrías escuchar claramente la mejor separación entre la guitarra rítmica y la tranquila pista de piano . No obstante, debes tener en cuenta que si tu personalmente desde a la pista en un sistema moral, por ejemplo, en una radio, un teléfono, etcétera, esa separación no estará presente. Por lo tanto, no confíes solo en panning. Dimensión cinco Espacio La última y quinta dimensión fuera del lienzo de la música es el espacio, y por espacio, me refiero al espacio acústico. Todo el audio puede tener diversos grados en tipos de salas acústicas. Sonido incrustado en el sonido. Por ejemplo, tu voz sonará muy diferente en un baño en comparación con una recámara. Esto se debe a la diferencia en las reflexiones de audio en la sala, los materiales de tamaño de la habitación, etcétera. El término musical para estos es reverberación o reverberación para abreviar. Ahora en la mezcla, puedes usar este hecho para crear separación entre pistas aplicando diversos grados y estilos de sonido de reverberación en diferentes pistas porque la variación crea contraste, que a su vez hace que sea más fácil para nuestro cerebro separar cada sonido. De hecho, debes recordar la palabra contraste. Es parte de la esencia de la producción y mezcla musical. Compara estos dos pintura de nuevo al año. Objeto bajo en la pintura destacará aún más si se coloca sobre un fondo azul . Porque si conoces alguna teoría del color, sabes que el azul y el amarillo o lo que se llama colores complementarios, que significa que están en los lados opuestos uno del otro en el color real. Básicamente, la relación de contraste es tan alta como puede ser entre los colores. Entonces si tienes un sonido muy seco que significa reverberación mínima, se sentirá aún más enfocado en punchy si se toca al mismo tiempo que un sonido con una alta cantidad de river. Increíble. Ahora has aprendido los conceptos muy importantes fuera de mezclar tu música profesionalmente, las cinco dimensiones fuera del lienzo de la música. Entonces recuerda estas cinco dimensiones. Escríbelos. Tómese un momento para verdaderamente Litton, hundirse y usarlos como su pauta. Las cinco dimensiones de los cánones de la música, tiempo, el nivel de frecuencia panning y el espacio. Porque cuando mezclas tus producciones musicales, tú o de hecho, el Leonardo da Vinci o la música, yo podría, y te veré en el próximo 4. La cadena de producción de música: en este video, vas a aprender una regla muy importante sobre mezclar música en relación con otros pasos de producción en el proceso de hacer una pieza musical final. No lo arregles en post. Voy a explicar estos usando otra analogía. Y esta vez es de la industria cinematográfica, porque una película dicha es un lugar muy agitado y se cometen errores todo el tiempo. Este hecho ha creado una frase cle she que se está utilizando tantas veces cuando no hay tiempo para corregir. El error en Set lo arreglará en post, lo que significa que se lo dejan al equipo de posproducción para tratar de resolverlo. Por supuesto, los chicos de posproducción están tan cansados de esto, pero se ha convertido en parte del proceso, por lo que simplemente lo aceptan por lo que es. Bueno, mezclando música y masterización para ese asunto o los escenarios finales en una producción musical. Entonces cuando mezclas tu música, estás esencialmente en el mismo paso que los chicos de postproducción. Para las películas, hacer música es una cadena de tareas. Se inicia con una idea continúa con el paso de componer, luego a la grabación fuera de instrumentos y sonidos que arreglar y luego mezclar. Y por último, dominar cada cadena es tan fuerte como su eslabón más débil. No debes arreglar las cosas en post, es decir, la etapa de mezcla y masterización. Si estás mezclando tu propia música, tienes todo el control. Y aunque no hagas tu música, a menudo puedes contactar al artista y sugerir cambios para mejorar una grabación. El arreglo, etcétera. Siempre es mejor corregir las cosas antes en la cadena. Permítanme darles un ejemplo. Si tienes una grabación vocal que suena demasiado brillante en lugar de corregirla con EQ te en la etapa de mezcla, que podemos llamar a los estados de postproducción. Es mucho mejor probar diferentes micrófonos hasta que lo encuentres mejor, uno que se adapte a ese vocalista y canción. Y en algunas situaciones podría realmente querer cambiar de lado al vocalista por completo. Permítanme hacer otro ejemplo. Digamos que tienes demasiado pasando durante cualquier parte de tu canción. Bueno, en lugar de tratar de corregir ese desorden y barro en la etapa de mezcla, cámbialo en el arreglo y en el proceso de composición en su lugar. Por lo que recuerda la producción musical es una cadena off pasos que todos son importantes y deben ser tratados con cuidado. No se apresure por ninguna etapa porque afectará mal el resultado final. Otra cosa importante a recordar es que esta cadena no es estática. Como creador de música, puedes y debes saltar de ida y vuelta a cualquier puerto de tu cadena para hacer cambios y mejoras. No dejes que ningún paso se vuelva superior a otro. Todos estos pasos todos de igual importancia. Recuerda la cadena de producción musical, y tendrás un tiempo mucho más fácil mezclando tu música para lograr un sonido profesional. Mi nombre es Mike, y te veré en el siguiente video. 5. Dimension 1: tiempo: En este video, te explicaré diversas formas de mezclar tu música utilizando la primera dimensión fuera del lienzo del tiempo de la música. ¿ Por qué empezamos con el tiempo como primera dimensión en el lienzo de la música? Simple, porque cuando separas instrumentos y sonidos a tiempo, creas la mejor separación entre ellos. Por lo general esta dimensión fuera pintar tu música en ella se hace en el proceso de composición y disposición de una producción musical. Pero también tienes formas de crear separación a tiempo en el proceso de mezcla. Tomemos un ejemplo práctico. Si tienes un kick drum y un bass drum tocando al mismo tiempo, todas las cargas que están figuradas y tocadas en el mismo punto del tiempo, tendremos un fuerte conflicto entre ellos, y ambos tracks perderán claridad como resultado. Entonces digamos que tienes un kick drum beat en 44 lo que significa cuatro beats por barra y una línea de base que juega un patrón de ocho beat recto. Todas las demás notas de bajo chocarán con el kick drum, y el bajo en espectro en tu producción musical se volverá fangoso e incontrolado. Pero si en su lugar componéis y arreglas los hits de bombo y las notas de base para que estén completamente separados en el tiempo, la mitad de tu trabajo de mezcla ya está hecho. Por ejemplo, si tocas las notas de bajo en los beats off en Lee, los hits de bombo sonarán claros y los acentos de notas graves seguirán teniendo su foco . Pero tal vez no quieras mantener la base Onley entre los golpes de bombo. Bueno, un truco ordenado es simplemente alinear la pista de línea base para activar las notas un poco temprano. Estamos hablando de milli segundos aquí solo para dejar que se escuche el ataque inicial fuera de las notas base antes del ataque fuera de los nodos del tambor de patada. Y esto es algo que puedes hacer en la etapa de mezcla, aunque no tengas el control del proceso de composición y disposición. En algunos casos, incluso puedes empujar estas segunda pista un poco más tarde en la codicia para agregar aún más separación. Pero para el tambor de patada, por lo general quieres tenerlo atado a la rejilla. Déjame mostrarte una demostración práctica, así que una forma de alinear tus pistas en el espacio es simplemente seleccionar un clip en el secuenciador, apagar el snapping, y luego simplemente arrastrar con el ratón, ya sea a la izquierda o a la derecho. Pero he encontrado que la mejor manera de realinear ligeramente las pistas en el espacio con más control y precisión es usar una característica que tiene la mayoría de DWS, donde se puede alinear automáticamente toda la pista agregándole un retraso, que puede ser tanto positivas como negativas, dependiendo en qué dirección quieras empujar a la pista. Esto podría ser diferente, dependiendo de tu D W. Pero en lógica, simplemente seleccionas la pista que quieres alinear y luego vas a la pista Inspector por aquí y encuentras una característica llamada DeLay está bajo más aquí, y puedes hacer que este retraso sea positivo o negativo. Déjame mostrarte qué pasa si uso un ajuste de alto valor aquí y ah, en el secuenciador. Las pistas siguen perfectamente alineadas con la codicia y en sincronía entre sí, pero ahora escucharás la pista de bajo tocando las notas mucho antes. Debido a este retraso, he agregado, lo que puedes configurar el retardo manualmente arrastrando hacia arriba o hacia abajo con la boca cuando mantienes pulsado el botón izquierdo del ratón o escribes algo con el teclado de tu computadora. O puedes usar este botón aquí para ver los valores reales de las notas y a qué corresponden en garrapatas así como en mili segundos. Entonces digamos que queremos empujarlo antes por un 16 notas completas, que son 240 ticks, que equivale a 136.4 milisegundos. Ahora escucha cómo suena la pista. Como se puede escuchar, el bajo suena totalmente fuera de tiempo porque lo empujé muy duro a la izquierda en la cuadrícula . Pero si eliges una sentada más moderada como, por ejemplo, eso es hacer alrededor de 20 milisegundos, lo que equivale a dos, una nota de 96 y 40 tomas ahora vas a crear alguna separación añadida entre el bombo de patada y el bajo, que puede sacar tu sonido base pluck. Y esto seguirá sonando apretado en la mezcla. Entonces escuchemos. De hecho, es bastante común que los bajistas coloquen al aliado Italia temprano en la parrilla. Ahora hagamos otro ejemplo si tienes una pista de guitarra rítmica y un hecho de piano tranquilo tocando al mismo tiempo y en aproximadamente el mismo rango fuera del espectro de frecuencias competirán entre sí. Bueno, siempre puedes preguntarte, Deberían estar tocando ambas pistas al mismo tiempo? Para empezar? lo mejor conmutas el piano mientras la guitarra proporciona la comping y el ritmo de la pista para luego cambiar al piano y silenciar la guitarra en otra sección de la pista. Básicamente, estás usando el principio off arreglar. Pero en el proceso de mezcla, considere eso como una opción. Si tienes dos pistas que compiten fuertemente entre sí, cualquier dominio de frecuencia específico el siguiente consejo que tengo es cambiar de enfoque a lo largo del tiempo cualquier producción, porque mezclar es generalmente sobre elegir. Pero el oyente debe enfocarse en qué pistas deben tomar las cuatro rondas y cuáles deben estar en segundo plano para el apoyo. Digamos que la guitarra entra primero en la pista y luego el piano. Bueno, un truco que uso personalmente para crear separación. Usar la dimensión del tiempo aquí es cambiar el enfoque entre dos instrumentos competidores no por muting o corte. Dos completamente los separan en el tiempo, pero para automatizar el nivel en cada pista para elegir Onley, uno fuera de ellos como primer plano en cualquier punto en el tiempo Así que cuando el piano entra en segundo lugar aquí, automatizo el guitarra rítmica para bajar en volumen para esta sección, y en otra sección podría volver a volver a enfocarme en la guitarra. Por lo que automatizo los niveles en ambas pistas en consecuencia. La dimensión de tiempo para mezclar y crear separación no se limita a organizar, silenciar , cortar y ajustar los niveles. Como mencioné en los ejemplos anteriores, puedes de hecho todo tipo de automatización en diversos parámetros para ajustar el grado fuera primer plano versus fondo en instrumentos competitivos en tu mezcla. Básicamente, estás usando diferentes puntos en el tiempo para enfocarte en diferentes sonidos e instrumentos en tu mezcla. Cada vez que introduzcas un nuevo instrumento o sonido en tu pista, considera en qué instrumentos puedes marcar hacia abajo el enfoque en la mezcla para que el nuevo instrumento se pueda escuchar claramente. El motivo por el que estos trabajos geniales es que nuestros oídos y cerebro ya procesaron los viejos instrumentos, Así que a pesar de que redujimos el foco en ello, todavía los escucharemos con claridad porque el patrón y presencia fuera de ellos ya ha sido procesados por nuestra mente. De acuerdo, vamos a resumir los puntos clave que has aprendido una vez es la dimensión más poderosa única para crear separación entre instrumentos y sonidos. mezcla interior a la mayoría de control sobre la dimensión de tiempo está en el proceso de composición y disposición separando cuando se activan las notas, así como organizar secciones donde los instrumentos tocan o no tocan tres en la mezcla. Siempre puedes alinear las pistas o secciones individuales para estar ligeramente temprano o tarde en la cuadrícula. Para agregar algo de separación de tiempo en el ataque inicial, Port off the instruments in your mix. Cuatro. También puedes cortar secciones silenciadas y redispuestas de los instrumentos en el proceso de mezcla para evitar la competencia. Y cinco, puedes usar el poder de la automatización para solo ciertos parámetros, como filtros de panning de nivel y e que para básicamente desplazar el foco para las pistas en tu mezcla. Recuerda esto. Se puede ir en dos direcciones por Lee. O vuelves a empujar el instrumento en la mezcla, significa menos concentración en él o lo tiras al frente, lo que significa más concentración en él para el oyente. Enhorabuena. Ahora has aprendido a controlar bien el tiempo en la música. Eso se debe a que las máquinas del tiempo aún no están disponibles en mi tienda local ahora toman acción y prácticas, agregando separación en el tiempo cuando las notas o activan el cambio y el enfoque entre pistas para diferentes secciones en su proyecto y empujando y tirando de instrumentos hacia la parte posterior o frontal de su mezcla utilizando la automatización. Te puedo prometer que esto es extremadamente potente para crear mejores y más mezclas profesionales . Podría, y te veré en el siguiente video. 6. Dimension 2: frecuencia: en este video, te enseñaré diversas formas de mezclar música utilizando esta segunda dimensión fuera del lienzo de frecuencia musical. Muy bien, así que llamé a estas dimensiones frecuencia, pero como probablemente sabéis, frecuencia y tono o afín en la música, tenéis varias octavas para componer vuestra música y sonidos dentro. Ahora esto significa que, igual que con la dimensión de tiempo, tienes el mayor control sobre la distribución de instrumentos antiguos y sonidos sobre el rango de frecuencias cuando estás en el modo de componer y organizar, básicamente, estás tratando de crear un equilibrio de todos los instrumentos y sonidos en tu mezcla para llenar todo el rango de frecuencias sin ponerte demasiado abarrotado en ningún rango específico. Digamos que tú, por ejemplo, tienes demasiado pasando en el rango medio, lo cual es bastante común. Bueno, cuando estás componiendo, puedes, por ejemplo, por ejemplo, considerar la transposición de instrumentos hacia arriba o hacia abajo de una octava para reducir la fresa en cualquier rango específico de frecuencias. O simplemente puedes silenciar un instrumento durante un cierto paso en tu pista. Porque una regla de mezclar es que cada vez que te quitas algo, las cosas que quedan automáticamente obtienen más poder y claridad. por lo que no se trata de impulsar niveles. mayoría de las ocasiones, se trata de eliminar o reducir otros elementos de la mezcla. Ahora, si eres un post el modo componer y arreglar, puedes hacer mucho en el modo técnico de mezcla así tus mejores amigos aquí o los ecualizadores en los filtros. Puedes usar el uso de EQ y filtros en básicamente cada pista de tu proyecto. Cuando mezcles para dar forma al tono y la frecuencia, curva fuera de todas esas pistas para que cada pista obtenga su propio espacio y punto focal en la dimensión de frecuencia. Permítanme darles un ejemplo práctico. Digamos que tienes un tambor de patada y una base que están peleando entre sí. Tu papel en la etapa de mezcla es asegurarte de que ambas pistas o audibles y distintas en la mezcla. Esto significa que tendrás que tomar decisiones creativas cuando des forma el tono y el punto focal de estas dos pistas. Aquí tienes una forma de trabajar. Empieza por usar un ecualizador Paramétrico en el tambor de patada, lo dijo a una banda estrecha y desliza con un gran impulso en decibelios sobre las frecuencias más bajas hasta que encuentres un buen pulgar claro que marca el pisoteo fundamental del tambor de patada. Digamos que te parece alrededor de 120 hertz. Después eliges un ecualizador específico, enchufando que quieres usar para dar forma al sonido del kick drum e impulsar un par de decibelios en 120 hertz en esa pista de kick drum. Después se agrega una e que en la pista de bajo, donde se hace exactamente lo contrario, reduciendo en un par de DB, todos 120 hertz. Después pasas a la pista de graves y haces el método e que swiper en ella también. Digamos que vuelves a encontrar una buena, basada en fundamentos propios alrededor de 60 hercios. Usa un impulso E que en 60 hertz en la pista de bajo y luego en la pista de kick drum, haces lo contrario, haciendo un pequeño corte en 60 hercios por un par de decibelios. Esta es básicamente la esencia de mezclar en la dimensión de frecuencia, elegir un punto focal para una determinada pista, impulsándolo un poco en ese punto focal en cortar un poco en pistas competidoras en la misma frecuencia. Esto creará la separación de los veteranos entre las vías. Una cosa más. Un instrumento no tiene por qué tener un solo punto focal. Por ejemplo, es posible que desee tener otro punto focal en la pista de kick drum para ampliar el hit inicial Port Off the Sound, que es una frecuencia mucho mayor. Digamos que encuentras una buena parte del ataque. Sonan fuera del tambor de patada para estar alrededor de dos kilohercios. Bueno, entonces agregas otro punto focal en esa frecuencia y haces el ecualizador. Vuelves a impulsar frente a la rutina de ganado. Un consejo general que me gusta dar al usar e que es tener cuidado con lo mucho que se aplica. Generalmente suena mejor en pequeñas dosis. Es por eso que impulsar un poco en una pista mientras reducir un poco en otra pista funciona muy bien. ¿ Qué pasa con los filtros? Bueno, filtra o básicamente, cada Uno Usted se inclina en cualquiera de los extremos del espectro de frecuencias. Un filtro poste bajo es una pendiente en la frecuencia más alta, y que permite que los postes de frecuencias más bajas y un filtro de paso alto es lo contrario, dejando que las frecuencias más altas pulsen. También puedes establecer qué tan empinada es la pendiente ajustando el filtro cortado en decibelios por cinta de roble . Aconsejo ser cuidadoso con el uso de pendientes muy empinadas porque, igual que con la ecuación pesada, puede quitarle fácilmente el carácter natural sobre un sonido. Alto. Los filtros de post son muy buenos para eliminar bajos innecesarios y retumbar en un sonido que no tiene que agregar esa base. Muchos productores e ingenieros de mezcla realmente ponen un poco de filtrado en todas las pistas excepto el kick drum y el bass, porque esos todos los instrumentos que deben manejar el extremo muy bajo de la dimensión de frecuencia en la música en el espectro opuesto, Los filtros de poste bajos pueden ser excelentes para reducir la dureza y la mordida en un instrumento y básicamente empujarlo un poco atrás en la mezcla. Una gran manera de obtener un sonido vocal claro en una mezcla es usar un poco de filtrado de post bajo en básicamente todas las pistas excepto los instrumentos de afrontamiento vocal como revivirlo todo vienen cuerdas de respaldo de piano etcétera no tiene que tener mucha frecuencia alta información en absoluto , porque su propósito es principalmente estar en segundo plano y el dominio de mayor frecuencia es lo que nuestros oídos tienden a enfocarse más. Entonces si quieres empujar un instrumento o sonido hacia atrás en la mezcla, una forma es reducir algunas de sus altas frecuencias. Increíble. Ahora has aprendido formas de pintar tu música en la dimensión de frecuencia, como equilibrar los instrumentos y sonidos en tono generalmente en el proceso de composición y organización. Reducir el desorden y fallar en un rango de frecuencia específico, por ejemplo, transponiendo pistas a otra octava o incluso silenciando una sección de un instrumento usando e que y filtros para dar forma a todas las pistas individuales en la mezcla a cada una de ellas su propio espacio y punto focal o puntos focales. Es súper importante que aprendas a equilibrar todas las pistas de tu proyecto sobre el rango de frecuencias completo. Entonces por favor recuerda, tienes una amplia gama de octavas para pintar tu música. Mi nombre es Mike, y te veré en el siguiente video. 7. Dimension 3: nivel: En este video, aprenderás a mezclar tu música en la tercera dimensión fuera del lienzo de la música, que es niveles. Si alguna vez tocabas en una banda, probablemente hayas aprendido una lección sobre la naturaleza humana. Todo el mundo parece querer siempre aumentar el nivel fuera de su instrumento y música inexperta . Compositores y productores también caen en este viaje porque no todo puede ser ruidoso al mismo tiempo. Déjame darte una analogía. Digamos que sientes un trozo de papel con texto. Ahora bien, ¿cuál debería ser el foco para el lector? Esa es tu primera decisión creativa que tendrás que tomar. El siguiente es de qué manera debes enfocarte directamente. Una de las formas más comunes es fuera de curso mediante el uso de titulares. Por supuesto, no todas las frases pueden ser titulares, porque eso es ridículo y no haría ningún bien práctico en absoluto. Otra forma de dirigir la atención es marcar de nuevo algunas palabras seleccionadas o grupo de palabras en negrita . Seleccionar todo el texto y ponerlo en negrita derrotaría el propósito mismo de dirigir el enfoque. Entonces esos son ejemplos extremos para ilustrar lo que haces como ingeniero de mezclas. El punto clave a recordar son los más instrumentos y sonidos en los que intentas enfocarte en cualquier punto en el tiempo. El poder de lista que tendrán cada uno, por ejemplo, volviendo al pedazo de papel con texto. Si solo tienes un solo título grande en la parte superior de la página y el resto del texto siendo párrafos simples, ese titular tendrá un enfoque súper poderoso. Cuantos más titulares o más palabras marques en negrita, menos impacto tendrán cada uno. Como ingeniero de mezclas, tienes el poder y la responsabilidad de establecer los niveles fuera de cada pista individual de una manera que guíe al oyente fuera de la producción musical completa. Qué o los titulares de tu track y lo que se debe marcar en negrita establecer los niveles es realidad una de las formas más naturales y musicales de mezclar música de forma rápida y eficiente. Aquí tienes un caso en el que recomiendo mucho aprender a usar tus oídos. Monto esas fallas sin mirar los medidores de audio u otras herramientas de análisis, pero primero, recuerda sentarte a todos los niveles con una gran cantidad de espacio para la cabeza antes de empezar a mezclar. El término técnico para esto se gana puesta en escena. Esto significa que ajustar el nivel de cada pista para que tenga mucho espacio para aumentar el nivel antes de entrar en el rojo. Esto significa que ajusta el nivel fuera de todas las pistas antes del fader Channel para que inicie tu proceso de mezcla. Con todas las fallas establecidas en la posición predeterminada, que es cero en algunos D. W's, tienes la opción de ajustar el nivel de entrada de todas las pistas directamente en el mezclador en la parte superior. Se llama Game Here in Reason. En otros d. A. W's, necesitas realmente insertar un tapón de ganancia como el primer efecto de inserción en todas las pistas para hacer el proceso de puesta en escena de ganancia. Pero el objetivo es asegurarte de que empieces a mezclar con una buena cantidad de margen de cabeza en cada pista , y personalmente me gusta empezar con todas las pistas teniendo alrededor del mismo nivel pico promedio alrededor de menos 20 decibelios. Por lo que simplemente restablecí las fallas de canal antiguas y luego uso un tapón de ganancia o ganancia de entrada en el mezclador para ajustar cada pista hasta que el medidor se muestre alrededor de menos 20 decibelios para las secciones de pico fuera de cada pista. Cuando reproduzca, asegúrate de equilibrar primero el cool off de la música y deja que todo lo demás se mezcle a su alrededor . El cool para la mayoría de la música son los tambores, la base y la melodía de plomo, motivo o gancho. Esos elementos generalmente deben tener el mayor enfoque y poder en tu mezcla. Cuando tienes esos elementos centrales equilibrados, el resto debe seguir más fácilmente. Entonces suelo empezar por equilibrar los niveles fuera de todos los canales del grupo. Y después de eso, usualmente paso por todas las pistas restantes una por una, montando las fallas, usando mi instinto y oídos solo a veces incluso mantengo los ojos cerrados cuando pongo los niveles . De hecho, mi principal consejo a la hora de mezclar los niveles es mezclar musicalmente. No técnicamente correcto. Esos fracasos con tus oídos para guiarte Genial. Ahora hemos aprendido a mezclar la dimensión más musical e instintiva de la música, que son los niveles. Todo se trata de decidir qué poner como titulares y qué marcar en negrita. Básicamente lo que quieres tirar hacia adelante en la mezcla todo empuje hacia atrás. Estás en el asiento conductor, el director fuera de la producción musical. Tienes que tomar las decisiones creativas que guían la atención del oyente, y Littles es tu herramienta de ir a eso. Así que toma acción ahora y practica montando esos niveles. Te recomiendo encarecidamente intentar incluso cerrar los ojos cuando mezclas niveles para realmente aprender a mezclar desde tu instinto, usando tus oídos de distancia, es sonido Estás trabajando con un doctorado. Mi nombre es Mike y te veré en el siguiente video. 8. Dimensión, con Panning: Ahora es el momento de entrar al mundo fuera del sonido estéreo aprendiendo varias formas de mezclar música, usando la cuarta dimensión fuera del lienzo off music, que es panning, Muy bien, así que antes que nada, necesitas aprender que no se puede depender de estas dimensiones. Todas las otras cuatro dimensiones fuera del lienzo de la música serán traducibles a siempre de escuchar música. Pero tristemente, no todos los dispositivos la gente solía escuchar música o en estéreo. De hecho, hay increíblemente muchos dispositivos que hay en mono, especialmente dispositivos pequeños y más dispositivos biliares. Y aunque ellos o en estéreo, es una imagen estéreo muy pobre, amable. Porque el sonido estéreo depende de la distancia física entre el altavoz izquierdo y derecho en relación con el oyente. Básicamente, estás creando un triángulo entre tú y los dos altavoces. Ahora podrías entender por qué tantos dispositivos o en mono o lo que llamo sonido estéreo mínimo . Con este hecho en mente, debes asegurarte de que tu mezcla tenga una buena separación entre los instrumentos y los sonidos , incluso sin aplicar ningún estéreo. Es por eso que muchos productores te recomiendan revisar tu mezcla en Mona de vez en cuando durante el proceso de mezcla, así que aprendamos sobre los conceptos básicos del sonido estéreo. Estéreo es una forma de colocar un sonido dentro de un campo de izquierda a derecha. Esto se hace con un concepto llamado panning. Si una pista es panorámica en el medio, significa que enviará cantidades iguales de señal de audio al altavoz izquierdo como el altavoz derecho . Mezclar en esta cuarta dimensión es básicamente separar las pistas individuales en el espacio estéreo al desplazarlas de manera diferente. El sonido estéreo tiene una gran potencia para agregar profundidad a tu música. Con el estéreo, la música no parece originarse de los propios altavoces, sino de un escenario invisible frente a ti. Por ejemplo, si reproduces un sonido modelo en un sistema estéreo, ambos altavoces pagarán el mismo sonido de la misma manera, lo que tiene apagado el efecto psico-acústico. Hacer que el sonido parezca venir de un punto justo en medio de los dos altavoces, pesar de que la realidad es que ambos altavoces o tocando el mismo sonido. De esto se trata el sonido estéreo. Colocar tus sonidos en un escenario invisible frente a ti aquí te presentamos algunas pautas para mezclar en cereal uno. Mantén el núcleo de tu música en el centro. El mayor poder proviene de los sonidos que parecen originarse desde el punto central imaginario creado por el sonido estéreo. Una de las razones de estos es que tendrás más enfocado en el centro y también que tendrás más energía sonora física proveniente de ambos altavoces. Por lo que la recomendación es mantener el kick drum, tambor de la caja, bajo y la voz principal paneada recta en el medio. Dos panning más igual empujan hacia atrás en la mezcla. Cuanto más encuentres algo, menos potencia y enfoque tendrá la pista, lo que básicamente significa que la estás empujando de nuevo en la mezcla. Tres. doble seguimiento equivale a usar la verdadera potencia del estéreo. ¿ Alguna vez has oído hablar del doble seguimiento? Bueno, es una técnica que utiliza sonido estéreo para crear un sonido mucho más grande y más potente. Asegúrate de que las notas, el tiempo, groove y todo lo más cerca posible en tus grabaciones. Después recorres una pista a la muy extrema izquierda y la media de las muy cuatro. este momento, has realizado una actuación de doble pista, la más común utilizada para el doble seguimiento o para voces principales así como guitarra rítmica, especialmente el riff de guitarra pesada y las pistas de comping. Utilizó esta técnica prácticamente todo el tiempo. Cuatro. De baja a alta mona a estéreo. Básicamente, las frecuencias más bajas tienen menos separación estéreo. En el mundo físico del sonido, ni siquiera podemos aquí de donde provienen las frecuencias más bajas. Es por eso que puedes colocar un subwoofer básicamente en cualquier lugar de la habitación. Esto se debe a que cuanto menor sea la frecuencia, más larga será la grasa de longitud de onda para el sonido, que en puerto es la razón por la que las frecuencias de bajos viajan por paredes tan fácilmente. Entonces, ¿cómo aplicas bien este conocimiento a tu mezcla? Básicamente, una pauta es tener menos separación estéreo en la base y menor rango de tus pistas en tu proyecto y separación estéreo MAWR en los medios altos y problemas que abrirán tu sonido. Darle más profundidad y dimensión mientras mantiene la producción de alimentos sonando apretada y enfocada debido a que los mínimos se mantienen principalmente en el medio cinco estéreo con ancho o estrecho. Tengo un último consejo avanzado para ti con respecto a la información estéreo en una pista individual. Empieza por encontrar histeria con control Pugin o tal vez tu D W tenga uno ya incorporado en tu mezclador. Porque panning es sólo una parte de separación estéreo. También puedes elegir en cada pista de tu proyecto qué tan anchos deben ser los campos estéreo haciendo una pista, tener menos steri con lo que esencialmente lo estás empujando de nuevo en la mezcla. Increíble. Ya has aprendido el apagado del sonido estéreo, cómo funciona y cómo implementarlo en tu proceso de mezcla. Incluso tienes mis mejores pautas y cintas sobre panning y separación estéreo, que me uso para la mezcla profesional ahora tomar acción y practicar ALS. Este concepto que acabas de aprender sobre cómo usar estéreo y panning en tu flujo de trabajo de mezcla con el fin de realmente agregar esa profundidad y separación extra en tus producciones musicales. Mi nombre es Mike, y te veré en el siguiente video. 9. Dimension 5: espacio: Ahora es el momento de que aprendas a usar el poder apagado de la quinta y última dimensión para pintar tu música al mezclar, que es el espacio, todas las grabaciones de instrumentos y sonidos pesado sentido del espacio en ellos. Eso se debe a que los sonidos físicos se ven afectados por el ambiente acústico en el que todos crearon el término técnico. Para esto es reverberación o reverberación para abreviar, La reverberación le dice a nuestro cerebro la distancia al sonido, qué tan grandes son los espacios e incluso hasta cierto grado, los materiales y la dimensión fuera de la habitación. Cuando escuchas una grabación de orquesta, escuchas el sonido de un todo en el que se grabó. Ahora, ¿cómo puedes prácticamente usar reverberación en la mezcla para crear más separación en el espacio para tu música? Bueno, déjame enseñarte. Ahora hay una reverberación, tamaño de habitación y cantidad. Puede usar diferentes tamaños de sala de reverberación así como cantidad fuera de nivel ingenio para diferentes fax en tu proyecto cuando mezcles tu música, esto separará las pistas en el espacio de tres profundidad D. Cuanto más grandes son las bahías del río, lo que significa una decadencia más larga del sonido. Cuanto más atrás lo empujas en la mezcla en los mismos goles. Si aumenta la relación húmeda a seca. Hola, tu nivel de ingenio significa más espacio. El término seco se refiere a tu sonido antes de que se haya visto afectado por alguna reverberación, lo que significa que no has añadido una sensación de espacio en él en absoluto. En el término nivel ingenio significa la salida procesada del río. Por ejemplo, si utilizas una reverberación completa orquestal en un sonido, hará que suene más distante en cuanto más ingenio se mezcle con la señal seca, más espacioso y distante se volverá el sonido. El extremo es ir todo al 100% lo que significa que solo escucharás la salida pros ist desde la reverberación misma en la dirección opuesta. Si quieres, hace un instrumento o vocal para estar más enfocado y en tu cara, la lista, reverberación o espacio que debes agregar. De hecho, algunos instrumentos. Probablemente quieras mantenernos secos ya que puedes darles ese carácter apretado, enfocado y punzón. Otro ejemplo de una grabación realmente seca, que significa mínimo sentido del espacio es una voz en off para un tráiler de película comercial etcétera. Cuando graban estas pistas vocales, se aseguran de minimizar la reverberación en el espacio de grabación tanto como puedan. Por eso esas grabaciones pueden sonar como si la persona estuviera de pie justo cerca de ti. Escucha este ejemplo de una grabación vocal seca, seguida de grabación con Reverb agregada. Esta es una grabación vocal seca. Se trata de una grabación vocal con reverberación. Ahora he cargado un plug river in a estos truco de guitarra ritmo que he vendido. Así que escucha lo que sucede cuando aumento la relación de reverberación seca a húmeda, pasando del porcentaje de sear, lo que significa sonido seco total a tal vez en algún lugar del medio, que será un sonido muy amplio y distante. Yo tocaré la pista ahora. Ahora bien, si estoy solo, la guitarra rítmico encendida volvería a escuchar toda esta pequeña pieza, podrás escuchar el piano tranquilo tomando el control como foco para el oyente, ya que básicamente está seco en comparación con la guitarra rítmico que ahora es muy distante y cuatro vuelta en la mezcla. Tomemos una escucha. Muy bien, así que este fue un ejemplo bastante extremo solo para ilustrar el punto principal para ti, que es que Si agregas reverberación a un sonido, lo empujas de nuevo en la mezcla, grande y más húmeda sea la base del río, más atrás empujas el instrumento, que a su vez ajusta el enfoque a otras pistas que están más secas y de frente en tu mezcla para reverberar con bastante pretsily, los elementos más importantes de una reverberación o este tamaño en el nivel húmedo, el tamaño se mide como cuánto tiempo la reverberación de Taylor antes de que se desvanezca por completo. En el nivel de amenaza es simplemente cuánto fuera de la salida pros ist de la reverberación que mezclas con la señal seca. Bueno, hay 1/3 elemento del río, pero eso es muy importante para dar forma al ataque del sonido de reverberación. Y se llama el pre Dele. Básicamente, agrega un retardo muy corto en la señal húmeda fuera de la salida de reverberación en comparación con la señal seca original . Lo que esto significa en la práctica es que el ataque inicial de tu sonido se mantendrá seco. Déjame compartir una pequeña historia contigo para ayudarte a entender el concepto off pre delay en el río. Digamos que te sientas en medio de un gran hoyo orquestal frente de ti. Tienes la orquesta. Si golpean una nota, escucharás el sonido fuera de los instrumentos en la orquesta ligeramente antes de que la reverberación fuera del todo. Esto se debe a que el sonido toma tiempo para viajar, y cuando tocan una nota, el sonido va en direcciones aleadas directamente hacia ti así como hacia las reglas en el otoño. Por la distancia, de la orquesta a ti es más corta que la distancia de la orquesta a rebotar en las bolas y luego venir a ti. Entonces esto es simplemente física que puedes usar en tu río. Enchufe usando la función llamada pre Delay. De hecho, si carga un río entero, preséntalo. Lo más probable es que ya tenga un tiempo de preretardo configurado porque es el estado natural. Como acabas de aprender de mi pequeña historia. Ahora, toma acción y usa esta quinta dimensión para colocar tus pistas individuales en tu proyecto de mezcla , usa diferentes tamaños de habitación, muy la relación húmeda a seca y tiempos de preretardo ajustados en diferentes enchufes de río. Usa en diferentes pistas de tu proyecto. Podrás no solo colocar tus pistas en el espacio estéreo, sino en la sala tres D que creas con tus marcas. Mi nombre es Mike, y te veré en el siguiente video. 10. Mezclar el flujo de trabajo de trabajo 1: la configuración de mezcla: en este video, voy a compartir mi trabajo de mezcla personal bajo con ustedes. Hay muchas formas de cocinar una comida, pero creo que puedes inspirarte y obtener ideas sobre cómo puedes crear tu propio sistema para mezclar profesionalmente tu música. Entonces así es como empiezo. paso uno organizó el proyecto como cocinar alimentos. Será mucho más fácil, y no perderás el tiempo si te aseguras de tener todos los ingredientes en casa y también que los pongas en el banco de tu cocina antes de su punto. Entonces, ¿cómo se traduce esto a mezclar música? Bueno, cosas como ordenar tus pistas y nombrarlas correctamente usando grupos de canales para aumentar la eficiencia, asegurándose de que todas las pistas o enrutadas correctamente, y básicamente arrancar el proyecto completo para que sea muy claro y estructurado antes de sumergirte en la etapa de mezcla. Paso para limpiar el proyecto como cocinar, comenzando con un banco de cocina limpio y Onley. Los ingredientes que usarás te ayudarán mucho, Así que antes de empezar a mezclar, paso por todo el proyecto para eliminar todas las pistas y sonidos que no se usarán en la mezcla final también elimino, o al menos, reduzco ruido no deseado mediante el corte de puertos o, ejemplo, reducción de los sonidos de la respiración. Después paso por todas las grabaciones para ver que tienen destinos adecuados así como destinos de cruz para evitar clics repentinos, pops y paradas. Escuché a través de todas las grabaciones de audio así como clips multimedia para asegurarme de que todas las actuaciones o de alta calidad en eso, no hay artefactos de audio en ellas como, por ejemplo, recorte digital, PLO tamices, ruido de fondo, etcétera. Ya que hago mi propia música, sólo yo puedo elegir volver al escenario de grabación para rehacer grabaciones de audio o presentaciones de medios también. Paso tres configurar prop Rogaine puesta en escena en todos los canales siempre lo hago. Ganancia adecuada La puesta en escena en todas las pistas gana. escena es un paso muy importante cuando se mezcla en el dominio digital porque se tiene una cantidad limitada de margen de ampliación antes de que el audio se recortará. Entonces, ¿cómo se hace esto? Bueno, ajustas el nivel en cada pista antes del fader del canal para asegurarte de que cada pista tenga una generosa cantidad de margen de ampliación. Personalmente lo configuré para que cada canal escuche alrededor menos 20 discapacidad más o menos cuando el Fader de Canal todavía está en su posición inicial. cual, por supuesto, es cero. Tener esta cantidad de espacio para la cabeza de sobra es uno de los secretos de la mezcla profesional, porque mezclar se trata de huesos. No, el nivel general que puedes y disparar siempre deciden el nivel de sonoridad final en el Merced durante la etapa, no en la mezcla. 11. Mezclar el flujo de trabajo 2: la mezcla en masa: en este video, voy a compartir mi forma de crear el primer draft fuera de la mezcla, que llamo una mezcla áspera. Hacer una mezcla áspera debe ser extremadamente rápido para que se obligue a confiar en sus instintos y oídos para su primer draft tras puesta en escena del juego y configurar todos los canales para tener niveles máximos iguales alrededor de menos 20 decibelios. El saldo de la mezcla será. El caos ahora es donde comienza la mezcla real. Entonces aquí están los pasos. Yo personalmente uso uno sentado niveles ásperos para todos los canales individuales. El primero que hago es hacer un barrido áspero por todos los canales individuales para obtener un nivel inicial áspero para la mezcla. Hago esto yendo por los canales grupo por grupo. Esto significa que vendí el grupo uno a la vez paso los niveles ásperos para las pistas dentro de ese grupo, luego yendo al siguiente grupo y así sucesivamente hasta que haya hecho estos dos canales todos individuales dentro del proyecto. Por lo que no estoy tocando las fallas del canal grupal en absoluto en esta etapa dos sentados niveles ásperos para todos los canales grupales. Una vez que los grupos tengan establecido su equilibrio interno. Es hora de equilibrar los grupos entre sí. Y aquí, siempre pensé, con el fresco fuera de la pista primero. En la mayoría de los casos, se trata del grupo de batería y percusión, el grupo basado y el grupo principal, por ejemplo, voces principales, ganchos, melodías, etcétera, básicamente la fuerza motriz y el enfoque de tu música. Una vez que esos grupos principales se han balanceado unos contra otros, paso por el resto de las fallas del canal grupal y en la mayoría de los casos reduje el nivel del mismo para aumentar el foco en el núcleo fuera de la música. Entonces balanceé esas otras conchas de grupo entre sí hasta que tengo despedajes ásperos todos los grupos. Tres filtros de pulso bajo y poste alto. Antes de empezar a agregar acusados dos canales y grupos, siempre agrego filtros primero, y personalmente prefiero empezar directamente en los canales de grupo porque eso va a tener el mayor efecto. Y aún quiero enfocarme en una mezcla rápida y áspera. Entonces, por ejemplo, suelo añadir filtros de pulso alto en cada grupo excepto el Grupo de tambor y el grupo basado. Entonces tenía filtros de post bajos en grupos de canales que quiero empujar un poco atrás en la mezcla como grupos de instrumentos de comping, por ejemplo. Entonces ajusto la frecuencia de corte y la pendiente de filtro fuera de todos esos filtros y en cada canal de grupo. Recuerda, se utiliza un filtro de paso alto para filtrar El Lewin en un filtro de poste bajo se utiliza para filtrar el extremo alto del espectro de frecuencias. Esto puede ser realmente confuso al principio. Cuatro canales de cola e. Después de agregar y ajustar todos los filtros de poste bajo y paso alto, continúo con los más quirúrgicos para dar forma a las frecuencias fuera de todas las pistas de la mezcla. El ecualizador. Me aseguro de seguir el método de impulso versus corte, lo que significa que para básicamente todos los impulsos, sí. Intento encontrar un corte correspondiente en un sonido que compite. De esta manera puedo hacer muchos pequeños ajustes que todos suman para crear una mezcla clara. Cinco. Panning. Establecer la posición estéreo para todas las pistas individuales es un factor enorme para agregar separación y claridad en la mezcla. Entonces, igual que con los niveles, hago un barrido áspero con las normas de panning en todos los proyectiles individuales. Tiendo a dejar el grupo Canal Fader está centrado en Onley hacer el panning para los canales individuales . Siempre guardo las pistas que quiero tener la mayor potencia y claridad por completo en el centro también. Al igual que el kick drum basado en la voz principal. De hecho, cualquier cosa que quieras sobresalir y estar en el frente fuera de la mezcla debe ser perfilada directamente en el medio. Seis en certificados. A continuación, agrego todo en certificados por canal por canal, cosas como compresores, distorsión, plug ins, de guessers, etcétera. Dado que esto cambiará drásticamente el personaje, el rango dinámico y el enfoque en las pistas individuales, también necesito ajustar los niveles en consecuencia en las fallas del canal. Siete. Enviar efectos. Lo único que yo personalmente usé efectos de arena para o qué se enfría UIT efectos estos o efectos que cambiaron la dimensión espacial de la pista, lo que significa rive hierbas en efectos DeLay. Ya tengo los efectos de sonido configurados en mi plantilla de producción. Entonces en este paso, simplemente necesito ajustar los niveles de envío en cada canal que quiero tener algo de espacio a ocho reproducciones y analizar después de tener una mezcla rugosa completa fuera de la producción completa, lo escucho. Al mismo tiempo que toma notas mentales. Escuché cosas como la mala separación entre pistas competidoras, temas que suenan demasiado brillantes o a Bumi e incluso pistas que siento que no son necesarias, y Onley crea un lío en el siguiente. Después vuelvo a los pasos anteriores y los repito y en algunos casos, incluso mudo secciones o pistas retiradas. Trato de robar, trabajar rápido y seguir mi instinto. Básicamente, quiero tener un áspero hace terminada en una hora. Después paso a la etapa final de mezcla, que se trata de la afinación fina, además de implementar técnicas especiales de mezcla para llevar la mezcla a ese tonto profesionales. 12. Mezclar el flujo de trabajo de trabajo 3: la mezcla final: en este video, te enseñaré mi etapa final fuera mezclando mi música para crear las finales profesionales . Está bien. Entonces aquí están los pasos que tengo en mi etapa final de mezcla. Una afinación fina. Paso por cada pista y hago ajustes menores para encontrarte los niveles filtros IK use panning, efectos de arena y en certificados. Ya que ya hice una mezcla ruda antes, no haré grandes ajustes aquí. También hago esto por los canales grupales. Me aseguro de que todavía veo una buena cantidad de margen de cabeza en cada pista en la mezcla, lo que significa que ninguna pista está cerca del rojo en los medidores de nivel a la automatización. La automatización de parámetros es probablemente la mayor diferencia entre las remezclas de inicio en las mezclas profesionales. Debes centrarte especialmente en automatizar los niveles en los canales que compiten entre sí . Orientar el enfoque para el oyente. Recuerda, no todos los sonidos pueden ser titulares. Mezclar se trata de opciones creativas sobre qué tirar hacia la parte delantera o empujar hacia atrás. Y la automatización es una gran herramienta para estas tres técnicas especiales de producción. Hay muchos trucos del oficio que puedes usar como ingeniero de mezcla, compresión y ecualizador. Ewing es sólo la base. Por ejemplo, la compresión de Shane lateral es una gran técnica para asegurarse de que un cierto sonido instrumental sea claro y distinto en la mezcla. Muy a menudo es el bombo de patada el que está en foco, y la base se comprime automáticamente para reducir la presencia en cada golpe o en el tambor de patada . Pero podría sorprenderte de cuánta ciencia en compresión se utiliza en estos días para cada estilo de música posible, porque en su esencia, la compresión de dimensionamiento te ayuda a automatizar la automatización. También tiendo a usar compresión de peligros en tambores y percusión, que básicamente está mezclando el audio comprimido de la ONU con el fuertemente comprimido o tú. Esto hará que los tambores baten duro pero aún así mantener el auténtico sonido abierto. También me gusta usar shapers transitorios para controlar el ataque y sostener los sonidos percusivos , sobre todo un shaper transitorio, es básicamente un tipo especial de compresor que tiene el propósito de sacar o marcar abajo el ataque inicial así como el sustain sobre el sonido. Por lo que esos son mis principales efectos especiales de producción se utilizan en la mezcla de compresión de cadena lateral, compresión paralela y shapers transitorios para pre mastering en la etapa de pre mastering. Me enfoco en Lee en los canales grupales aquí. Saquo las pistolas grandes, los enchufes del compresor de gama alta y el uso de EQ para hacer el pulido final de la mezcla. Y de nuevo, utilicé el método boost versus cat para agregar un poco más de separación entre los canales de grupo . También uso un regalo especial aquí que quiero compartir con ustedes, que es agregar algo de saturación extra en los canales de grupo cool de su producción musical. Básicamente el Drum Group, el grupo basado y el grupo principal. Hago esto usando un efecto de inserción en cada uno fuera de los canales del grupo núcleo, por lo general alguna saturación vintage Plug en cinco cadenas de masterización. Por último, agrego mi cadena de masterización a la salida estéreo maestra. mastering no es realmente un puerto fuera de la mezcla tradicional, pero personalmente me gusta hacer mi masterización en el mismo proyecto que la mezcla. No obstante, no activo los enchufes hasta el final. Mi cadena de masterización cambia de pista a pista, pero aquí está la cadena maestra se suelen utilizar como un compresor de bum de punto de partida para la luz . Equilibrar la dinámica en la mezcla cuánto depende de la pista de estilo que produzco a e que. Para dar forma a la anulación. Suene de la producción tres imager estéreo para abrir el extremo alto fuera del espectro de frecuencias ampliando la historia un campo y controlando el extremo bajo empujándolo hacia el centro. Cuatro limitadores para impulsar el nivel general de la producción por un par de decibelios. Cuánto depende del estilo de la música y cuánto quiero retener los transitorios naturales . Medidor de cinco niveles. Por último, tengo un enchufe de reunión para analizar el nivel de sonoridad promedio en el medidor de Lux estándar en el sistema.