Cómo jugar a los tambores: la guía definitiva para tocar

1. Video de promoción: Hola y bienvenidos a The Ultimate Guide to drumming. Mi nombre es habitación Barbara, y soy la creadora e instructora de este curso. Soy músico profesional con sede en Escocia. Y durante los últimos años después graduarme con un título de Música de primera clase, he estado ocupado giriendo por todo el país con diferentes artistas, y ha sido muy divertido. El objetivo principal de este curso es brindar una experiencia docente de calidad. Lleva a un principiante completo de tambores hasta nuestros músicos competentes y competentes. Músico competente, eso es bueno. Al final de este curso, tendrás un profundo y extenso conocimiento del ritmo, la batería y la música. Entonces, ¿qué hay en el curso? Como comienzo, tenemos más de nueve horas de video HD junto con audio de calidad de estudio. Cada sección de este curso tiene objetivos y cada lección ha sido diseñada de una manera en que gradualmente aumenta tus habilidades. Empezamos con lecciones sobre cómo conseguir el kit, la configuración, un nomenclatura a todos los tambores, y asegurándonos de que todo esté en 2D. Luego pasamos a la técnica de mano y pie, fundamentos rítmicos, para luego aprender nuestros primeros grupos y rellenos. medida que avanza el curso, llegamos a cosas más avanzadas, algunos ritmos más avanzados. También llegas a surcos más avanzados, rudimentos, trillizos, todas esas cosas buenas a lo largo del curso, hay exámenes de ritmo que puedes usar para probarte y ver cómo te estás subiendo que son fantástica manera de rastrear tu progreso. Ahora junto al contenido de video, tenemos PDF descargables de todas las partituras y lecciones, y también libros de trabajo y cuestionarios. Ahora estas son fantásticas porque puedes descargarlas, imprimirlas, y usarlas como material de referencia a medida que avanzas. Ahora por todo el material escrito que tiene más de 90 páginas y hay más de 360 ejemplos musicales. Entonces hay tanto por qué pasar. Pero claro, aprender todo esto para los tambores, no es muy divertido con su música. Y por eso he incluido pistas de respaldo de partituras y también listas de reproducción personalizadas de Spotify que están directamente relacionadas con el contenido del curso. También durante las lecciones habrá notificaciones pop-up, recomendaciones de canciones a lo que realmente estoy tocando en la batería en ese momento. Es realmente genial porque puedes aprender dondequiera que esté tocando en la batería en ese punto y simplemente ve y mira esa canción y puedes tocar a lo largo de esa canción. También hay una sección dedicada en el curso que habla todos los diferentes estilos de la música y cómo los planeamos en la batería. Incluso hay una lección sobre jugar con los más bajos. Entonces si eres un principiante completo o tú mismo baterista tenso que quiere aprender un poco más sobre los tambores. O tal vez solo eres un músico que Lakes ritmo y quiere aprender más sobre el ritmo. Este curso es para ti. Hay mucho más que eso, pero no puedo enumerar todas las cosas porque tomaría todo el día. Si quieres saber más, simplemente desplázate hacia abajo y mira el contenido del curso que, pero puedes ver cada conferencia y ojalá veros ahí dentro. 2. 1 parte de un kit de batería: Hola chicos y bienvenidos a la primera lección del curso. En esta lección, vamos a estar mirando las diferentes partes de la batería y sus respectivos nombres. Creo que si estás aprendiendo un instrumento, es realmente bueno aprender cómo funciona el instrumento y aprender todas las diferentes partes que vienen con ese instrumento. El borracho se vuelve bastante único porque originalmente en escenarios de orquesta, estas diferentes partes del kit de batería fueron tocadas por diferentes personas. Así que tal vez alguien está tocando los símbolos, alguien más está poniendo el tambor de la caja, y luego alguien más está tocando el bombo. El dinero del autobús se hizo más apretado y las orquestas se hicieron más pequeñas, terminó siendo una persona cargo de todas estas diferentes partes. Y así nació el kit de batería. Ahora este kit de batería que tengo detrás de mí es una configuración bastante estándar. Si sales y compras un kit de batería para principiantes, la configuración va a ser bastante similar, menos un par de símbolos tal vez. Entonces es una configuración bastante estándar que estoy usando. Y eso es porque la mayoría de ustedes estarán usando una configuración similar. Así que vamos a entrar en las diferentes partes del kit de batería. Pasaremos por todos los tambores y luego pasaremos por todos los símbolos también. Empecemos con uno de los tambores más importantes, el tambor de la caja. El tambor de la caja está físicamente ubicado en el medio del kit de batería porque vas a estar usando eso mucho del tiempo, el tambor de la caja es el kit de batería más único. Si lo das al revés, notarás que hay cables en la parte inferior del tambor de la caja. Estos cables metálicos a lo largo de la parte inferior del drama se llaman alambres de la caja. Estos cables le dan al tambor de la caja un sonido rápido. Lo genial es que en el lado del tambor de la caja, hay un mecanismo que puedes usar que desenganchará y enganchará los cables estándar. Realmente se puede escuchar lo diferente que suena el tambor de la caja con los cables de la caja apagados y los cables de la caja encendidos. Esos cables solo están en tambores de snare, y eso es lo que los hace tan únicos. Los tambores Snare vienen en una variedad de formas y tamaños. Pero lo que los hace un tambor de caja son esos cables en la parte inferior. Ahora veamos el tambor grande que está en el piso. Esto es lo que llamamos bombo o el bombo, y es operado por un pedal de bombo. El bombo es realmente el corazón golpeador del kit de batería y proporciona ese extremo bajo y ese golpe y esa carne de res. Una buena manera de recordar el nombre del bombo es pensar que está en la parte inferior de los kits de batería. Entonces es el sótano. Entonces sótano, bombo. Funciona para mí, podría funcionar para ti también. El bombo a menudo se llama bombo también, y son más o menos intercambiables. Los nombres suelen llamarlo bombo aunque, como dije, tocamos ese bombo con el pedal de bombo, pero hablaremos de cómo realmente operamos eso en otro video. Hasta ahora, tenemos nuestro tambor de caja, que tiene los cables y el fondo. Y tenemos nuestro bombo, que vive en el sótano, y es ofrecido por el pedal de bombo. Ahora tenemos otros tres tambores que se llaman toms o tom-toms. Estas drogas no son tan esenciales como el bombo y el tambor de la caja, pero son muy útiles para tener en un kit de batería. Tenemos dos categorías diferentes de Tom's. Tenemos tomos de cremallera y tenemos cuatro Toms. Los toms del estante generalmente se montan en el bombo o la montaña de los soportes del símbolo y luego cuatro veces o en el suelo y tienen piernas. No hay diferencia real aparte de la forma en que se montan. En una configuración normal, tendrás dos o tres veces y siempre son tamaños diferentes. Los tambores más pequeños suelen ser más altos a tono, y cuanto más grandes se ponen, el tono más bajo van. La configuración gratuita habitual de Tom es para rack toms y luego uno para Tom, normalmente tienes el primer término, que es el pequeño término. La segunda vez que el medio plazo y luego el tercero Thomas un fotón. Puedes llamar a estos Toms altos, medios y bajos si quieres. Pero el propósito de toms, o simplemente para producir agradables notas melódicas limpias. Cuando entremos en tocar el kit de batería, usaremos en rellenos de tambor y diferentes surcos, y realmente solo agregan un poco variedad al kit de batería. Una buena manera de recordar el nombre de los toms es que hacen esa nota. Van Tom, Tom, Tom, Tom, Tom, Tom, Tom. Eso funciona para mí. Podría funcionar para ti también. Eso es todos tus tambores en el kit de batería. Tienes tu tambor de caja. Tienes tu bombo en tus tres toms, generalmente para poner toms y luego uno para Tom en el suelo. A continuación, pasemos a los símbolos. En una configuración de kit de batería estándar, tienes tres categorías diferentes de símbolos. En primer lugar, tenemos nuestros símbolos hi-hat, los símbolos de sombrero alto, otros que son operados en el stand con el pedal del pie. Tienes los dos símbolos que se abren y cierran y se unen. Los símbolos hi-hat son probablemente uno de los símbolos más importantes que puedes tener en un kit de batería. Son increíblemente versátiles y crean una bonita ciencia del cronometraje y puedes usarlas mucho en grupos. Si tuvieras que escoger tres cosas de un kit de batería, tendrías el bombo, el tambor de la caja, y el hi-hat. Con eso, puedes pasar por muchas canciones. Como dije, el sombrero alto se puede abrir y cerrar con el pedal del pie. Si están cerradas muy bien, puedes conseguir una bonita nota corta. Cuando se abren, se obtiene un sonido más sobrio, explosivo. Por lo que son muy versátiles. Estarás poniendo bastante los hi-hats. Así que definitivamente acostumbrarse a las diferentes zonas. A continuación, tenemos el platillo ride. El platillo ride suele ser el símbolo más grande en el kit de batería. Y de nuevo se usa para el cronometraje, suele ser un símbolo más pesado y le tiene un bonito sonido de pinging. Por lo que es un gran símbolo para si quieres llorar y quieres tener un sonido diferente al hi-hat. La última categoría básica de símbolos o platillos de choque. Los símbolos de choque suelen ser más pequeños que los símbolos rojos. Y mucho más tarde, estos símbolos se usan a menudo como símbolos de acentos, y generalmente los golpeas una vez y obtiene un buen sonido explosivo de ellos. Hay mucha diversión para tocar y pueden producir un sonido realmente genial. La consulta un poco de emoción alrededor del kit de batería. Si ves algún drama, verás que agota un platillo de choque todo el tiempo. Y esas son tus tres categorías básicas de símbolos. Tienes tus gorros altos, que son los dos símbolos que se abren y cierran con el pedal del pie. Entonces tienes tus derechos y muévalos al grande y pesado. Y luego tienes tus símbolos de choque, que se usan como acentos y sonidos explosivos. Una cosa que quiero mencionar de los símbolos es que tienen partes diferentes en el símbolo. Si empezamos en el centro mismo del símbolo, tenemos un bache. Esta parte del símbolo se llama la campana. Y es realmente genial porque te dan un buen sonido de pinging. A menudo usarás esa parte del símbolo cuando estés tocando en el platillo correcto. A continuación tienes una gran superficie del símbolo y eso se llama el tablero, el símbolo. Ahí es donde vas a estar jugando. Mucho del platillo paseo y mucho del hi-hat también. Por último, tienes el borde del símbolo. Golpear el borde del símbolo te va a dar un sonido menos controlado. Te va a dar un sonido más explosivo, es un gran lugar para tocar. Los platillos de choque solo tocan en el borde del símbolo y obtendrás ese sonido explosivo de inmediato. Y esas son tus tres áreas de asamblea. Tienes tu campana para tocar más preciso y preciso. Tienes tu tazón para jugar en general, y tienes tu ventaja para más carga avión explosivo. Y esas son todas las diferentes partes del kit de batería. Hagamos un resumen rápido de todo. Empezamos con el tambor de la caja, que tiene los cables debajo. Después pasamos al bombo grande, que está en el sótano. Y tenemos a nuestros tres Toms. Hola Tom, Tom y nuestro término de piso o tono bajo. Para los símbolos, tenemos nuestro hi-hat, cuál de los dos símbolos así, entonces tenemos un platillo de paseo normalmente, que es un símbolo grande, generalmente bastante pesado. Y tenemos nuestros símbolos de choque, que son ensamblajes de capa explosiva. Y tenemos diferentes partes del símbolo. Tenemos nuestro cinturón, tenemos nuestro bot y nuestro borde, y todos estos producen sonidos diferentes. Ahora eso es mucha información para recordar. Entonces en la lección, dynodes, he hecho una pequeña hoja de trabajo que puedes usar para ayudarte a recordar todas las diferentes partes del kit de batería. En la siguiente lección, voy a hablar de cómo podemos afinar los tambores y sacar el máximo provecho del kit de batería. Nos vemos ahí. 3. 2.1 Afina tu batería parte 1: Hola y bienvenidos de vuelta. En esta lección, vamos a estar mirando cómo sintonizamos los tambores. Ahora específicamente, voy a hablar de cómo la higiene mis tambores, porque afinar es algo tan subjetivo. Honestamente puedes hacer un curso completo dedicado a afinar tambores porque hay tantas cosas diferentes que puedes hacer en diferentes combinaciones de cabezas y todo tipo de cosas. Con eso dicho, sólo voy a hacer lo que hago y mostrarte lo que hago. Y si te gusta y fantástico. Si no es del todo tu bolso, entonces llévala de ahí y simplemente ve a ajustarla y luego encuentra tu propio sonido de tambor que disfrutes. No hay respuestas correctas o equivocadas cuando se trata de afinación de tambor. Así que solo encuentra algo que funcione para ti y te inspira. Muy bien, entrémonos en el entrenamiento. Y la mejor parte es que no tienes que mirarme la cara por el resto del video porque está totalmente recortada. Voy a empezar sintonizando primero los toms. Y en concreto quiero sintonizar primero el medio plazo. El motivo por el que quiero sintonizar este 1 primero es porque entonces en realidad puedes lanzar y hacer referencia a que otros tambores de esto, puedes afinar tu Tom más alto ligeramente más alto que este. Y luego puedes afinar tu tom piso ligeramente más bajo que esto. Es un gran tambor de referencia para tus otros tambores. En primer lugar hablemos un poco sobre la física básica de los tambores. Los tambores tienen una superficie superior e inferior. Tienen las cabezas de bateador y el jefe del lugar de residencia. Las cabezas son solo las superficies plásticas que juegas. El lado del baño es el que golpeas, y el lado de resonancia es el que apenas resuena cuando golpeas un tambor, la cabeza de tejón vibra así. Entonces el sitio de resonancia también vibra. Y eso crea sustain. Una buena regla simple para empezar y afinar el tambor es que el sitio de bateador producirá el tono y el híbrido de resonancia producirá el sustain o la longitud de la nota. Pensar es sobre la cabeza del tambor es que en realidad producen alrededor del 80% del sonido del tambor. No importa demasiado si tienes un kit básico o un apropiado teniendo buenas cabezas en los tambores, te voy a dar un buen sonido. Hay muchos fabricantes diferentes por ahí tienen cabezas de tambor y todos tienen diferentes modelos y diferentes tipos de cabezales de tambor. Hay demasiados de los que hablar realmente en este video. Por lo que te recomiendo echa un vistazo a los fabricantes como el remoto Evans y una consulta y luego echa un vistazo a sus modelos y tendrán descripciones mucho mejores de las que te puedo dar. Lo que me gusta hacer es tener un sitio de bateador de dos fases claro y luego un sitio de Resonancia uno claro que funcione para mí y eso me da lo mismo que quiero, pero podría no funcionar para ti. Entonces la mejor parte es que afinar en la elección de la cabeza es totalmente subjetiva y realmente depende de ti conseguir lo mismo que quieres. No hay reglas correctas o equivocadas, solo hay preferencia realmente. De todos modos, dejemos de sonar y entrémonos en la afinación. Ahora lo que he hecho es quitarse las cabezas superior e inferior y los aros, que se pueden ver en la parte inferior aquí. Y lo que he hecho es que tengo un trapo y acabo de limpiar los bordes de los cojinetes. Los bordes del cojinete son solo la parte donde el, la cabeza del tambor entra en contacto con el drama. Y esta es la parte muy importante del drama, y ahí es donde se obtiene el sonido. Ahora cuando estoy afinando un tambor, me gusta empezar con la mantequilla de cabeza. Aquí está mi cabeza de licenciatura es sólo un Evans G2, que es una cabeza clara de dos filas. Y lo primero que me gusta hacer es asegurarme de que encaja bien en el tambor. Quieres asegurarte de que no haya demasiado movimiento ocurriendo en la cabeza del tambor y que solo estén sentados muy bien en la droga. Lo siguiente que hacemos es conseguir nuestro aro y lo ponemos sobre la cabeza del tambor. Simplemente pon el aro en el tambor y asegúrate de que estos, estos caminos de tensión aquí se atornillen a los pulmones, que son estas cajas aquí. Lo que queremos hacer es sacarlos dedos apretados, así que lo haré rápidamente. Muy bien, todos estos están apretados con los dedos y acabo de tenerlos apretados. El punto en el que realmente no puedo llevarlas más con los dedos. Y no va a haber absolutamente nada desgarrado de esto. Suena bastante basura hasta ahora, lo que me gusta hacer en esta etapa es poner mi mano en la cabeza del tambor y ponerme un poco de presión. Ojalá se pueda ver en el video que hay algunas arrugas alrededor de la cabeza. Por qué entonces hacer es dar la vuelta al tambor en extremos opuestos y sintonizar hasta que no pueda ver más arrugas. Así que tal vez empiezo en este log y luego voy al otro lado y luego sintonizar esto subió y luego voy a este lado, melodía que subió en frente. Y sólo sigue haciéndolo de esa manera. Pasar por las orejas opuestas como esta te ayudará a mantener la cabeza del tambor en el centro del tambor y asegurarte de que no se deslice hacia un lado. Entonces lo haré rápidamente. No se necesita demasiado para hacer esto, para ser honesto. Y eso ya está empezando a verse bastante bien. Entonces en este punto es bastante bajo. Si quieres un tambor de sonido bajo, este es un buen lugar para empezar. Voy a subir un poco más en lo que voy a hacer ahora es vuelta y tocar cada estirón y escuchar cómo suena cada uno de estos, porque queremos que estos sean iguales en tono alrededor del tambor. Porque lo que eso va a hacer es que te va a dar un bonito tono limpio en todo el tambor. Por ejemplo, si tienes éste realmente apretado y produce una nota más alta, renta esta zona. Y éste está realmente suelto y tiene una nota más baja. Va a producir algunos connotos extraños y no va a sonar tan bonito. Ahora escuchar cada lug toma un poco de tiempo acostumbrarse porque hay tonos bajos y vas a tener que escuchar y escuchar realmente cómo suenan estos diferentes tonos. Y eso tomará tiempo para ayudarte aquí ¿qué está pasando? Simplemente pongo mi mano en el tambor sin presión solo para humedecerlo. Y luego voy por ahí y toco. Entonces no sé si se puede escuchar esto desde el micrófono, pero éste es realmente alto y éste es realmente bajo. Es bastante difícil de escuchar y coger con el micrófono, pero esa es bastante alta y esa es bastante baja. Y la cosa es que tal vez quieras apretar este, pero Bob agallas y este increíble baterista y este increíble inventor de técnicas de afinación de tambor en realidad recomienda que no sintongas este si es bajo, pero no debería el opuesto. Porque entonces eso sentará la cabeza y la moverá hacia este lado. Entonces cuando sintonizo éste, en realidad hice este sitio a NEP, que es bastante cool. Realmente. Una vez que lleves tu cabeza de tambor a un tono donde lo quieras, simplemente da la vuelta y asegúrate de que todo suene igual alrededor de estas orejas. Ok. Lo tengo bastante a pesar de que ese es tu cabello, eso suena muy bien la ciencia. Ciencia bastante limpia. Y esa imagen es bastante baja, pero así es como la quiero. Por cierto, esta pequeña herramienta aquí se llama llave borracha, y es tu mejor amiga, aunque probablemente la vas a perder unas 20 mil veces porque tengo unas 50 llaves de tambor y Dios sabe dónde están. Me quedan unas tres. Así que disfruta comprando más de estos, ya sabes, pero, ya sabes, son muy útiles para afinar. Hagamos la nota lateral de resonancia. No afinar el sitio de resonancia es un proceso muy simple. Es exactamente lo mismo que el sitio de bateador. Si quieres que la droga resuene y sostenga durante mucho tiempo, vas a sintonizar esto al mismo tono exacto que tu otra cabeza. Lo que personalmente me gusta hacer es realmente sintonizar esto ligeramente más alto que el sitio de bateador. Lo que eso va a hacer es reducir el sustain y mantener las cosas en control. El primer paso es asegurarse de que estos caminos tangentes o dedos apretados alrededor del tambor en todas estas clavijas. Muy bien, eso es. Todos los dedos apretados. Y ahora hagamos lo mismo y pongamos algo presión sobre la cabeza del tambor y deshámonos de esas arrugas. Nuevamente usando estirones opuestos. Esta cabeza nunca es un punto donde si pongo presión hacia abajo, no hay arrugas en esto en realidad ya resonando bastante bien. Comparemos eso con la parte trasera. Ya está naturalmente inclinado más alto. En realidad estoy bastante contento de dónde esta foto está fuera del lado del residente. Por lo que ahora el paso final es asegurarse de que todos estos registros diferentes sean el mismo tono. Estoy de nuevo, un bonito tono de esta cabeza. Nuevamente, no sé si se puede escuchar esto, pero éste es realmente alto. Y éste es realmente bajo. Realmente ayuda si estás en un ambiente muy tranquilo. Por lo que realmente se puede escuchar lo que está pasando. Muy bien, eso ha sido entrenado por los lados de resonancia. Vamos a darle un buen top. Y estos son tambores míticos Saturno, y estos son tambores muy bonitos porque sí resuenan bastante y te dan mucha mancha, lo cual es muy bonito. Pero si quieres controlar eso, te recomiendo que consigas algunas cosas gomosas, meníngeas, cualquier cosa que quieras o cinta. Y si quieres controlar ese anillo, basta con parar algunos en el sitio de licenciatura. Ahora claro, quieres probar el tambor dándole un buen golpe con una baqueta. Entonces para mí eso está sintonizado bastante bajo, pero me gustó el sonido de ella. Y ese va a ser mi tono de referencia para los tonos altos y bajos. Voy a mantenerlo así, pero lo que puedes hacer es meterte alrededor y tal vez sintonizar el lado de la mantequilla ahí arriba entre el lado de resonancia hacia arriba, tal vez sintonizar el lado de la mantequilla hacia abajo y el resonante hacia arriba o hacia abajo. Sólo estoy arruinando con diferentes combinaciones. Hace falta un tiempo acostumbrarse a afinar, pero lo principal que quieres hacer es asegurarte todas estas agarraderas sean del mismo tono. Y eso te va a dar un buen tono limpio del tambor. Y entonces todo lo demás es algo subjetivo. Voy a ir por el mismo proceso exacto para el tono alto y bajo. Ahora si no eres consciente de cuanto más pequeño sea el tambor, el tono más alto va a ser el Tom de 10 pulgadas que tengo, que es mi hola Tom. Voy a afinar un poco más alto que esto. El piso tom, voy a bajar y te estás consiguiendo una bonita gama de tonos diferentes. Voy a hacer esos fuera de la cámara, pero se aplica el mismo proceso. Dedo apretado y todas las barras de tensión en los estirones, Pearson presión sobre la cabeza del tambor y se asegura de que no haya arrugas. Y luego levántate a un pitch que te guste. Y luego finalmente dar la vuelta y solo toca cada registro y asegúrate de que estén todos en junio. Si quieres que la droga resuene mucho, asegúrate de que esta cabeza superior e inferior o el mismo tono. Si quieres que la droga esté un poco más enfocada, basta con apretar el lado inferior de la cabeza y eso es todo para toms. 4. 2.2: afinar tu batería: Muy bien, pasemos a los bombos. Ahora, a diferencia de Tom, realmente no quieres sostener para saber, oh, el bombo. El único momento en el que podrías querer una nota sostenida es si estás tocando jazz o algo así. Pero para el rock, el pop y el funk, solo quieres un bombo bajo y pesado. Te voy a mostrar lo que hago para conseguir un bonito bombo sólido como los toms. Voy a empezar con el lado de la mantequilla y sólo voy a sentar la cabeza. Siguiente. Voy a agarrar mi aro y aseguraré de que eso encaja también. Ahora todo lo que necesito hacer es agarrar todas mis barras de tensión y cláusula de aro, que son estas cosas que están unidas a la cadera y apretar la cabeza hacia abajo. Y vamos a empezar igual que los toms. Voy a los dedos apretados y todas estas varillas de tensión en las orejetas. Muy bien, eso es todo los dedos apretados. Eso ya suena bastante pesado. El siguiente paso una vez que tengas estos todos los dedos apretados y es solo para poner un poco de presión en la cabeza y luego deshacerte de esas arrugas. Una vez más, vamos a troncos opuestos. Se ha librado de todas las arrugas. Estamos obteniendo un bonito tono carnoso del tambor. Ahora. Una vez más, voy a dar la vuelta al tambor y sólo conseguir cada registro enviando. Muy similar. Podrías notar que hay mucho traqueteo, pero no te preocupes, eso es sólo porque todas estas agarraderas, sigo levantando y una vez que pongamos esta cabeza delantera, estará bien. Ok, veamos el lado de resonancia del bombo ahora, antes de ponerme la cabeza, lo que me gusta hacer es realmente me gusta poner algo en el bombo. No tiene que ser mucho. Al igual que una almohada pequeña. Solo algo en el bombo que va a ayudar a bajar el tono y darte un sonido más enfocado. Voy a ponerlo así que solo toca tanto la cabeza delantera como trasera ligeramente, pero no demasiado. No quieres sobrepasar el bombo porque entonces no tendrás tono alguno. Solo quieres lo suficiente en tu bombo solo para amordazarlo lo suficiente, donde se vuelve más enfocado en un tono más bajo. Con eso dicho, vamos a conseguir la resonancia Aidan, para mí, es más o menos la misma técnica que antes. Sólo con el dedo apretado y todo, poner algo de presión sobre el bombo y deshacerse de esas arrugas. Y luego simplemente afinarlo y asegúrate de que todo esté en tono. Como notarás, tengo un agujero masivo en este bombo y eso es para meter un micrófono. Ahí también significa que puedo ajustar la amortiguación interna para que pueda mover la almohada alrededor y realmente tipo de afinación fina donde va a estar. Entonces cuando agregas un agujero masivo a la cabeza del tambor, hace que esta parte de la afinación sea un poco más difícil, pero bien vale la pena por las ventajas. Como dije, puedes moverte alrededor de tu muscling. Se puede añadir un micrófono ahí. Pero también porque tienes un todo, el aire puede escapar y te dan un bombo mucho más punchido. Quieres más ataque de tu bombo, luego agrega absolutamente todo un lado de resonancia interior. tiene por qué ser tan grande Tampocotiene por qué ser tan grande. Puede ser un poco más pequeño. Acabo de pasar un poco por encima. De todos modos, pongamos todas estas garras, intención, varillas, apretados los dedos otra vez. Está bien, todo está apretado con los dedos. Y así que solo pongamos algo de presión en la cabeza y solo busquemos algunas arrugas. Creo que en realidad estamos haciendo bien aquí. Sólo una pareja aquí. Pero en realidad, no quieres que el sitio de resonancia sea súper, súper apretado, solo quieres lo suficiente para resumir realmente. Eso me ha dado un buen extremo bajo. No sé si está siendo capturado en este micrófono, pero estoy recibiendo un buen estruendo de esto. Ahora suena un poco empapelado y eso es por este agujero aquí está haciendo las cosas un poco raras. Pero una vez que consigamos este muscling de este lado del tambor, se librará de eso. Por lo que finalmente solo tomamos nuestro mazo y simplemente damos la vuelta y solo nos aseguramos de que todo esté enviando. Muy bien. Creo que afortunadamente en realidad hemos logrado hacer todo esto en 2D, ¿verdad? Hagamos esto correctamente configurado y ordenemos todo el muscling en el interior. De acuerdo, vamos a meternos con el muscling dentro del bombo. Sólo voy a usar un Peter suave y simplemente golpearlo en el centro del tambor, al igual que un pedal de bombo. este momento las almohadas simplemente terminan ahí y no está tocando ni la cabeza delantera ni trasera. Ahora estoy escuchando mucha vibración desde esta cabeza delantera, así que en realidad voy a moverla hacia adelante para simplemente amortiguar esta broca frontal pesada. Y ahora está completamente fuera del gato murciélago sigue siendo la parte posterior de tu cabeza. Eso suena muy bonito. Quiero decir, eso suena bastante perfecto para mí. El micrófono está justo aquí, por lo que esperemos conseguir mucho de ese extremo bajo, pero honestamente en la habitación suena absolutamente carnoso. Quiero mencionar también que se trata un bombo de 20 pulgadas y no de 22 pulgadas base Trump. La mayoría de las configuraciones tienen un bombo de 22 pulgadas, pero éste es un poco más pequeño, por lo que no tiene tanto extremo bajo. Pero creo que lo hemos hecho bastante bien. Y ahí es donde se obtiene un buen día subrayar sonido de bombo. Simplemente consigue un buen tono bajo tanto en el lado de bateador como de resonancia. Y luego solo mete algo pequeño en el bombo. No tienes que rellenarlo completamente porque eso va a matar al extremo bajo. Lo final que vamos a ver es afinar un tambor de trampa. Dejé éste por fin porque creo que el tambor de la caja es uno de los tambores más importantes en el kit de batería. La forma en que sintonizas un tambor de snare es muy personal para ti. Y honestamente, muchos bateristas tienen un sonido de snare característico. Entonces en tu caso, te puede gustar un tambor de snare gordo afinado muy bajo , o tal vez te guste un tambor caja de tono alto realmente manivela. Eso depende totalmente de ti decidir un experimento por ti mismo. Personalmente, me gusta un tambor de snare de tono alto muy sensible que tiene una grieta y mucho poder. Y así es como voy a afinar el tambor de la trampa hoy. Hasta ahora lo que he hecho es que acabo de poner la cabeza y solo tengo los dedos apretados y todos los troncos. Así que ahora mismo estamos recibiendo un sonido bastante desagradable. Ahora antes de sintonizar realmente este lado del tambor de la caja, me gustaría darle la vuelta y realmente sintonizar primero el lado inferior, el lado de resonancia. Ahora podrías notar cuando estás afinando tu sitio de resonancia en el tambor de la caja, cuando lo pruebes unidad, los cables de la snare van a sonajero. truco fácil que puedes hacer es aflojar los cables de la trampa pero el mecanismo, y luego simplemente meter tu baqueta debajo. Y eso mantendrá los cables fuera de la cabeza del tambor. Ahora en realidad ya he sintonizado esto y quiero demostrar cómo suena. La forma en que me gusta dar vuelta mi lado de resonancia al tambor de la caja es muy alta. Ten una escucha. Esa es la forma en que me gusta junit. Electrogénico bastante alto, casi como mesa duro. Y eso es porque proporciona mucha sensibilidad y mucha transpiración y aire en el tambor de la caja. También puedes intentar cambiarlo un poco más bajo también. Pero para mí, estoy corriendo en lo alto, definitivamente más alto que el lado comprador. Cuando estés afinando este lado del tambor, asegúrate de prestar atención a estas patas delanteras junto a los cables. Eso es porque hay una sangría en la cáscara del tambor aquí en el borde del cojinete. Solo para que estos cables del tambor de la trampa se ajusten correctamente, puede ser un poco más difícil meterse en el tono, pero una vez que lo tienes, lo tienes. Y así es como vuelvo el lado de la resonancia. Pasemos al lado de la mantequilla. Nota para el sonido de tambor snare que quiero, que es realmente alto pitched. Es bastante fácil. Acabo de ponerme la mano y simplemente ponerlo todo levantado con afinación opuesta y luego solo ponerlo arriba, seguir lanzando hasta llegar al terreno de juego que quieres. Y luego solo da la vuelta y asegúrate de que todo esté en el campo de juego. Ahora, no te dejes intimidar por el tambor de la trampa. Es muy sencillo para junio es muy parecido a un TomTom. La única diferencia es que probablemente lo vas a estar afinando mucho más alto. Empezaremos por deshacernos de todas las arrugas. Y de nuevo, yendo a orejetas opuestas para asegurarse de que la cabeza esté sentada correctamente y no se resbale a un lado. Realmente ayuda si tienes una fuente de luz para que puedas ver las arrugas y el tambor de la trampa. Suena bastante basura. muchos tonos desagradables ahí porque realidad no hemos lanzado nuestros troncos todavía, porque no hemos terminado de lanzar el tambor. Así que eso suena bastante desagradable porque en realidad no hemos lanzado nuestro tambor correctamente y cada pulmón no está en sintonía el uno con el otro. Además, tenemos mucho traqueteo de los cables y lo arreglaremos en un segundo. Pero por ahora voy a seguir lanzándolo. De acuerdo, ahora estamos llegando a un bonito territorio neutral. Esta es una bonita sintonización media aquí. Ahora con solo cambiar esta cabeza de bateador, ya tenemos un buen tambor de snare sonando. Incluso nos hemos librado de la trampa Rattle. Ahora, si estás contento con ese tono del tambor, puedes dar la vuelta a cada suerte y asegurarte de que estén todos en junio. Quiero llevar esto más lejos. Muy bien. Estoy en la foto. Estoy bastante feliz. Es bastante alto pero aún le consiguió algún cuerpo. Si seguías yendo más alto y más alto, va a ser un punto donde el tambor de la trampa se ahogue y solo suena bastante basura. Voy a mantenerlo ahí para que no se tiza totalmente. Y como siempre, una vez que tengas el pitch V-Lake, voy a dar la vuelta y simplemente afinar estas clavijas y asegurarme de que estén todas en sincronía y motor entre sí. Ahora estoy bastante feliz con eso. Así que ahora estoy contento con el sonido del tambor, pero no estoy contento con los cables del tambor de la trampa porque están chocando un poco. Ahora lo que notarás en tu mecanismo es que tienes tu palanca para encender y apagar las trampas. Lo que también tienes es un pequeño ojal aquí. Ahora, girando esto en el sentido de las agujas del reloj aprietará los cables del tambor de la caja y girándolo en sentido contrario a las agujas del reloj o aflojará los cables del tambor de la caja. Entonces, ¿alguna vez escuchó los cables de la trampa aquí? Entonces suena. Entonces si los aprieto de nuevo hacia arriba, ese punto empieza a atajar los tambores. Por lo que hay que encontrar un punto dulce donde se obtiene un buen poco de sensibilidad. Y aún así te sacas el cuerpo del tambor y no se está asfixiando por ser demasiado apretado. Para mí, está por ahí, pero para ti mismo, podría ser diferente. Muy bien, estoy bastante contento con ese sonido de tambor de snare. Escuchemos cómo suena correctamente. 5. 3 ¿Eres de izquierda o de mano derecha: Ahora en breve te voy a mostrar cómo configuraste tu kit de batería. Pero antes de eso tenemos que responder a una pregunta muy importante. Y eso es si eres zurdo o diestro como baterista, ya sea baterista zurdo o diestro, va a afectar cómo configuras tu kit y también cómo lees la música del tambor en este curso. Ahora soy personalmente un baterista diestro y el noventa y nueve por ciento de ustedes lo será. Lo que esto significa es que mi mano derecha es borrar la mano en mi tambores. Entonces la mano derecha siempre está jugando primero en los rellenos y surcos y esas cosas. Si eres baterista zurdo, tu mano izquierda toma la delantera y tu mano izquierda hace la mayor parte del trabajo. Lo gracioso es que en realidad soy zurdo. Escribo con la mano izquierda, pero un tambor como diestro. Y eso es porque en mi escuela, los tambores estaban montados para una persona diestra porque acabo de empezar a tocar la batería. Esto no fue un problema. No puedes ser una persona zurda que toca un kit de batería de mano derecha o un baterista de mano derecha tocando un kit de batería de mano izquierda. Simplemente depende de lo que encuentres más cómodo. Una forma sencilla de probar si eres baterista zurdo o diestro es simplemente tocar golpes alternos en tu regazo. Si te sientes más cómodo comenzando con nuestra mano derecha, entonces absolutamente Eso significa que eres baterista diestro, viceversa. Si te apetece jugar primero con la mano izquierda es más cómodo, entonces eso significa que probablemente vas a estar más cómodo juego y kit para zurdos. Como dije, el contenido del curso se basa en ser un baterista diestro. La partitura que verás en este curso está basada en una ventaja derecha. Si sí decides que ser baterista zurdo es más cómodo para ti. Todo lo que tenemos que hacer es mirar la partitura y revertir el pegado. Entonces, por ejemplo, si hay un ejercicio que es derecho, derecho, derecho, izquierdo, simplemente revertir el pegado donde va. Izquierda, izquierda, izquierda, derecha. Es un poco más de trabajo, pero honestamente noventa y nueve por ciento de ustedes van a ser bateristas diestros. Así que ten en cuenta eso si decides ser baterista zurdo. La otra cosa que quieres saber es que kits de batería zurdos son imágenes espejo de niños ebrios diestros. Y porque toco una mano derecha, el kit de batería, eso es lo que se usa en este curso. Así que cuando estás viendo estos videos, podría ser confuso, traducir cosas que estoy tocando en mi curso a las cosas que estás jugando en tu kit zurdo. La mejor manera de pensarlo como solo una imagen espejo de tu kit. Personalmente, si fuera yo, simplemente seguiría adelante y sería baterista diestro porque ahorra muchas molestias. Pero si sientes que estás realmente más cómodo con mano izquierda liderando las cosas entonces absolutamente ir por ello. Yo sí creo que ser baterista zurdo en la mano derecha del kit tiene sus ventajas porque ya tienes mucho más control en tu mano izquierda en comparación con otros jugadores. Así que solo ten en cuenta compañeros zurdos, realmente no puedo decirte la respuesta si eres baterista zurdo o diestro, esto es algo que tienes que averiguar por ti mismo. Para el 99% de ustedes, realmente no se aplica porque todos ustedes son diestros de todos modos. Y esto sólo tendrá sentido. Para el 1% que son zurdos, que decidir si quieres ser un tonto oído izquierdo con unos kits completos de mano izquierda, o simplemente quieres jugar un kit normal de mano derecha. Ojalá eso tenga sentido sin embargo. Y ahora hablemos de cómo podemos configurar el kit de batería. 6. 4 cómo posicionar correctamente el kit de la batería: En esta lección, vamos a hablar cómo configuramos nuestro kit de batería. Los kits de tambor vienen en todo tipo de formas y tamaños, al igual que la gente. Así que ninguna juga va a ser igual. Lo que voy a hacer en esta lección, sin embargo, es darte algunos punteros y cosas que quieres tener cuenta cuando estés configurando tu propio kit de batería. Lo principal que quieres considerar cuando estás configurando tu kit de batería es que es cómodo y es ergonomía para que puedas moverte el kit de batería y no te estás esforzando ni estirando ni haciéndote daño a ti mismo. Tocar tambores es una actividad muy física y quieres asegurarte de que tus kits de batería estén configurados para que no te esfuerces . Así que empecemos. Antes de hablar de algo, voy a mencionar que tengo una alfombra abajo donde va a estar el kit de batería. El motivo por el que he hecho esto es porque si estás tocando sobre una superficie dura, el bombo puede rascar el piso. Tener una roca para evitar que eso es un buen comienzo, y también evitará que las cosas se escapen. Lo primero con lo que siempre empiezo es el taburete del tambor. Ahora lo primero que quieres hacer es ajustar la altura del taburete del tambor. La forma en que me gusta ponerme es que mis rodillas estén ligeramente por debajo de la cintura o que absolutamente no quieres tener es poner tu taburete tan bajo que tus rodillas están por encima de tu cintura. Ajustar el tambor aún demasiado bajo puede causar dolor lumbar. Y realmente no es aconsejable. Un buen lugar para empezar es solo tener los muslos ligeramente inclinados hacia abajo y luego puedes subir o bajar ligeramente desde ahí. Lo siguiente que quieres hacer es agregar el tambor de la caja porque esa es realmente la parte central esencial del kit de batería. Hay dos cosas que quieres ajustar en el tambor de la caja, y eso es el ángulo y la altura. Me gustaría ajustar la altura primero. Si tomo mi baqueta y lo coloco en el tambor así, siento que esto es demasiado poco porque voy a estar golpeando mi pierna con el baqueta de un avión como este. Así que voy a levantarlo. He llevado esto al extremo y lo he puesto demasiado alto. Ahora cuando me puse mi baqueta así y la sostenga ahí, notarás que mi hombro tiene estar así para tocar realmente el tambor de la caja. Y estoy un poco tensa. Quieres encontrar un terreno medio entre estas dos alturas. Ahora para mí, esta altura es perfecta porque si pongo mi baqueta en el tambor de la caja y lo agarro así. Mi mano y todo mi brazo y hombro no están tensos en absoluto, y esto se siente muy natural. Siguiente paso, tienes tu ángulo de tambor de snare. Conoce por mí, me gusta bastante plano. El motivo por el que me gusta los pisos porque puedes golpearlo y te dan mucho poder y no tienes que esforzarte demasiado. El baqueta naturalmente quiere estar en esa posición de todos modos porque ahí es donde está mi mano relajada. Entonces solo funciona para mí. A algunas personas les gusta orientarlo hacia ellos y a algunas personas les gusta angularlo, tener un lío con diferentes ángulos. Y mi recomendación es que no vayas al extremo con los ángulos y simplemente lo mantengas bastante plano. Esa es la configuración de mi snare drum. Me siento muy cómodo a la altura y el ángulo. No tengo que traer mi codo ni alcanzar así para tocarlo. Simplemente es muy natural y cómodo. Lo siguiente que hay que hacer es colocar la piedra del pedal del pie. Mi recomendación es simplemente sentarse y simplemente notar dónde aterrizan tus pies. Y esa es realmente la posición natural. Una vez que estés en tu posición natural, simplemente desliza los pedales debajo. Muy bien, este campo es ideal para mí porque no estoy retorciendo. No tengo que equilibrarme. Simplemente se siente completamente natural. Ahora que estoy feliz voy a unir el bombo al pedal del bombo. Muy bien, una vez que todo esté en forma, solo haga algunos ajustes menores y asegúrate de que todo esté todo cómodo. Y sientes que puedes jugar y sentirte cómodo al respecto. Solo toma tus palos y apenas llega alrededor del kit de batería y prueba los pedales y asegúrate de que las cosas se sientan naturales. A continuación, veamos a Tom. Cuando estoy configurando Tom's, siempre empiezo con un fotón. Es realmente fácil de configurar. Todo lo que haces es copiar ese ángulo y la altura del tambor de la trampa. Quédate. Entonces eso es más o menos la misma altura y el mismo ángulo. Y de nuevo, solo toma tus apestosas y solo asegúrate de que puedas llegar a eso agradable y fácil y no te estás retorciendo demasiado o no tienes que ir demasiado bajo o demasiado alto, solo hazlo agradable y cómodo. Eso es absolutamente perfecto para mí. Como dije, sólo coinciden con ese ángulo y altura de la trampa y habrá, de acuerdo. posible que quieras orientarlo ligeramente hacia ti de una manera diferente. Veamos los toms del estante ahora. Para las columnas correctas, quieres asegurarte de que no sean completamente planas y que no sean completamente verticales. Quieres tenerlos en una posición agradable y cómoda. Por ejemplo, en este momento hay manera demasiado vertical. Si estaba tocando esta nota, los combustibles son muy, muy incómodos. Me gusta jugar mucho más plano, así que voy a hacer eso ahora mismo, un buen ángulo, pero hay demasiado alto. Están muy por encima del bombo en esto, pero medio palo por encima del tambor de la caja. Por lo que hay mucho de llegar pasando. Podemos tener que llegar y estirarte para jugar a estos toms. Entonces todo lo que tiene que hacer es simplemente derribarlos. He bajado estos dos toms y se sienten fantásticos. Ahora. Ahora estoy en un punto donde puede llegar a cada tambor muy cómodamente sin estirarse ni sobrepasar y cosas. Sé que definitivamente puedo jugar estos mucho más cómodamente. Estos están ligeramente angulados hacia mí y son bastante bajos. Y así me gusta porque soy un tipo bastante pequeño y fornido. Necesito todo bastante apretado porque mis brazos son realmente pequeños. Podrías ser diferente si eres bastante lanky, posible que quieras esparcir estos tambores y difundir los símbolos son y el tambor de la trampa y el sombrero alto. Pero lo que sea que funcione para ti, ahora mismo, podemos añadir nuestros símbolos. Muy bien, los símbolos o la última parte del rompecabezas. Así que tengo un platillo de choque y un símbolo de tasa aquí mismo. Posicionemos primero este platillo de choque. En este momento estoy teniendo que llegar y extenderme demasiado para golpear realmente este símbolo. Lo he traído un poco, así que ahora es muy cómodo jugar. Es más o menos la misma distancia desde la parte superior, pero en realidad no se superponen como se puede ver, también he angulado es ligeramente hacia mí porque si lo ángulo completamente plano, sobre todo cuando eres principiante, podrías terminar agrietando el símbolo. Por ahora mientras construyes tu técnica, te recomiendo que pongas tus símbolos hacia ti así. Sí, ahora mismo, puedo llegar a la campana, puedo llegar al balón, puedo llegar al borde. Y todo es perfecto. Y no se está metiendo en el camino de nada que hayamos hecho exactamente lo mismo con el símbolo de raid. Ahora en este momento, estoy teniendo que estirar para llegar a esa campana, así que voy a traerla ligeramente. Lo traje entre el segundo mandato en el suelo, tom. Y se siente bastante bien ahora, no me estoy estirando. Puedo golpear la campana con bastante facilidad y simplemente se siente bastante agradable y cómodo. Si quieres agregar aquí otro símbolo o símbolo de crash, entonces ve por él. En términos de símbolo. Hola, me gusta mantenerlos bastante bajos porque se puede ver lo que está pasando. En primer lugar, se puede estar en un montón de pie de banda fue porque los símbolos no están en el camino. Pero también porque si están demasiado altos, vas a tener que alcanzar y va a ser bastante doloroso después de un rato. Simplemente manténgalas a una altura cómoda donde no tengas que moverte demasiado. Y va a hacer que tu juego sea mucho más suave. Vas a ser capaz de jugar mucho más rápido. Tomarte el tiempo para que tu configuración sea lo más cómoda posible para ti va a mejorar realmente enormemente tu plato. De verdad creo que tomarte esos 1015 minutos extra para hacer eso va a mejorar tu tambores diez veces. Ahora mismo. Estoy muy cómoda y estoy lista para empezar a tocar la batería. De acuerdo, así es como configuras tu kit de batería. Ojalá te quites algo de esto e irás ajustar tu kit de batería y asegurarte de que todo sea cómodo. Una vez que tengas tu configuración puesta, estás contento con ella. Sólo ve a tocarlo unas horas y escuchar a su cuerpo. Si hay cosas que empiezan a doler o doler, deja que tus hombros o tu espalda o algo así, simplemente regresa al tablero de dibujo y mira de dónde viene eso. Puede ser que tus asientos demasiado bajos o tus tambores de snare demasiado altos o algo a lo largo de esas líneas, es realmente importante estar al tanto de eso para que no causes lesiones. Junto con eso, lo más importante cuando estás tocando tambores es la postura. Quieres tener una espalda muy recta, pecho fuera y quieres tener muy buena postura. Realmente no quieres que te encorven o te inclines porque eso va a causar problemas. Tener una buena postura cuando estás tocando los tambores te permite respirar adecuadamente y te mantendrá relajado y suelto. Así que realmente, realmente concéntrese en la postura también. Ahora ya mencioné esto antes, pero si eres zurdo, se aplican las mismas reglas. Pero el kit de batería es básicamente espejado. Entonces tu bombo será operado por tu pie izquierdo, arriba por tu pie derecho, y tus símbolos Thompson van a ser al revés. Y sólo un recordatorio, si estás tocando zurdo, la partitura en este curso tiene que ser revertida en cuanto al pegado. Pero sí, así es como configuraste un kit. 7. 5 técnicas de la mano: Correcto, Así que sostener tus palos, sostener tus palos es probablemente una de las lecciones más importantes en todo este curso. Porque si no estás sosteniendo los palos correctamente realmente va a obstaculizar lo bien que puedes tocar la batería. Durante varios años, fui autodidacta y en realidad nunca aprendí adecuadamente a sostener el palo. ese punto, había recogido muchos malos hábitos, así que pasé mucho tiempo corrigiendo esos. Y cuando realmente aprendió, marcó una gran diferencia en mi juego. Para evitar que eso les suceda chicos y tener que regresar y corregirse. Te voy a enseñar la forma correcta de sostener un palo desde el principio. Y eso significa que tienes una base sólida. Y vas a poder tocar correctamente por cierto, hacer las cosas más fáciles para que pueda hablar mientras tocas el tambor. Tengo un tambor electrónico que no hace ruido. acaso te preguntabas qué era esto es solo un tambor electrónico y también es una pequeña almohadilla de práctica genial. Entonces sosteniendo la baqueta, ¿por dónde empezamos realmente? Pero lo que hacemos es tomar nuestro dedo índice y nuestro pulgar, y colocamos el palo de tambor en nuestra primera pequeña articulación de nuestro dedo índice así. Luego tomamos el pulgar y lo ponemos en el lado opuesto del palo con el dedo índice es que no estamos agarrando con el cercano así o el pulgar del lado así. Es igual de bonito, cómodo, estado relajado aquí. Ahora este es el punto en el que estás agarrando el palo. La mayoría sabe cuando estás sosteniendo tu palo entre el pulgar y el dedo índice, no quieres exprimirlo entonces realmente con fuerza, solo mantenlo suelto y relajado en este lugar en el pulgar y el dedo índice es donde giramos el palo. Ahora esto es muy, muy importante. Tenemos que averiguar dónde está el fulcrum de los boletos de este Trump. Ahora el fulcrum y el estado es solo el punto de equilibrio perfecto para tus manos es justo donde pones tu pulgar y tu dedo índice. ¿ En qué momento? Y el baqueta, cada baqueta es diferente, pero te voy a mostrar un pequeño truco que te ayude a establecer dónde está el fulcrum. Lo que hay que hacer es sujetar libremente el baqueta con el pulgar y el dedo índice. Y lo que tenemos que hacer es levantar la baqueta y vamos a golpear el tambor de la trampa o la almohadilla de práctica. Y todo lo que vamos a hacer es escuchar la cantidad de bonos. Todo lo que tenemos que hacer es mover el baqueta hacia arriba y hacia abajo hasta llegar a ese punto dulce donde más rebotes obtenemos. Y también tenemos el más equilibrado entre la baqueta. Si van demasiado lejos por la baqueta, no hay poder. Así que estoy recibiendo menos rebotes. Si voy al fondo de la baqueta, todos los rebotes van a ser ahogados por el paso en el baqueta. Todo lo que tenemos que hacer es encontrar el punto en el baqueta donde se obtiene más rebotes. Eso todavía se siente un poco ahogado. Voy a subir un poquito más. Eso se siente bastante bien. Voy a subir. Eso se siente un poco débil. Así que voy a volver a bajar. Y creo que para este palo de tambor alrededor de este punto, ahora encontrar este fulcrum es la parte más importante de sostener el baqueta. Porque una vez que tengas ese fulcrum, has conseguido el mayor apalancamiento y tienes más poder, y vas a poder tocar los tambores son mucho más suaves. Una vez que hayas encontrado esa falla viene en tu baqueta, puedes escapar Sharpie y simplemente dibujar una línea donde esté eso. Eso significa que solo puedes recoger los baquetas y mirar dónde está el fulcrum. A no, estás listo para irte. Y por supuesto, con experiencia en la práctica, solo podrías recoger un par de palos y saber exactamente dónde está el fulcrum sin hacer todas esas cosas. Muy bien, tenemos el fulcrum establecido y tenemos nuestros dos dedos sintiéndose bien alrededor del palo. La siguiente parte es envolver tus otros dedos alrededor y eso ayuda a controlar el baqueta. Y ese es tu agarre básico aquí. Entonces lo principal es que no agarres y aprietas la baqueta tan fuerte como puedas porque eso chocolateará el drama y causará daño a tu muñeca. Quieres mantenerlo agradable y suelto. Realmente buena analogía para sostener baquetas es que tienes un pájaro y que no quieres exprimirlo demasiado fuerte o dispositivo que podrías lastimarlo. Pero no quieres dejarlo ir por completo porque se va a volar. Así que justo en algún lugar en el medio donde se siente suelto, incómodo, pero aún controlado. Entonces estás agarrando el palo con estos dos dedos en su mayoría así. Es casi como una acción de balancín. Y luego los otros tres dedos están ahí para poder y control. Ahora tenemos un baqueta sintiéndose bien. Pasemos al posicionamiento de la mano. Ahora el posicionamiento de la mano es mucho más subjetivo y todos van a tener diferentes opiniones de lo que prefieren. Lo principal es que quieres hacer lo que te sea más cómodo. Tenemos tres posiciones principales de la mano que queremos considerar. La primera posición es que la palma está completamente orientada al suelo así. Esto es bonito porque los antebrazos sueltos en la baqueta solo se extienden a la mano así. La siguiente posición es donde tenemos el pulgar encima de la baqueta. Ahora personalmente, esto me siente muy cómodo y es algo que suelo tocarlo en el hi-hat y el platillo ride. algunas personas les gusta el pulgar en la parte superior, pero a algunas personas les gusta tener el pulgar al sitio y la palma hacia abajo. Realmente depende de usted y cómo funciona su cuerpo y lo que se siente más natural para usted. La tercera posición está en algún lugar entre la palma completamente hacia abajo y el pulgar completamente hacia arriba, está alrededor de esta zona y esto se siente muy cómodo. A este agarre se le llama el agarre estadounidense. El agarre de palma hacia abajo se llama el agarre alemán. En el pulgar hacia arriba se llama el agarre francés. Ahora la cosa es sobre el agarre del pulgar es que probablemente lo estés tocando en algún momento porque la forma en que el borracho está realmente posicionado con el símbolo correcto aquí arriba y el piso tom abajo aquí. Tiene más sentido jugar con el pulgar así. Puedes, por supuesto, mantener el agarre y mantener la palma abajo así. Pero para mí personalmente, prefiero jugar con el pulgar hacia arriba cuando estoy tocando que los toms o el sombrero alto para la trampa que suelo mantener al agarre americano. Hemos mirado es la mano derecha, pero eso es porque la mano izquierda es exactamente la misma. Es la imagen del espejo. Por lo que acabamos de establecer el fulcrum y un agarre en nuestra posición de la mano y luego estamos todos listos. Cuando tienes tus dos palos así, no quieres tener tu ángulo de los palos demasiado ancho o demasiado superficial porque eso va a ser muy incómodo. Quieres tenerlo para que tus codos estén metidos en tu lado de tu cuerpo pero no metidos en donde tus hombros están tensos, pero justo lo suficiente donde se sienta cómodo y posición natural. Así que avión como este están jugando que esto sería realmente enderezado en el cuerpo y tendrías dolor en la espalda y los hombros después de un tiempo, solo encuentra ese punto dulce donde se sienta cómodo. Y obviamente todo el mundo es diferente, así que va a ser diferente para todos. Y así es como sostienes tu baqueta. En primer lugar se inicia con la primera sangría del dedo índice y la parte suave de la diversión. Agarrando ese palo no demasiado firme pero no demasiado holgado. Sostenlo lo suficientemente firme donde no se resbale ni sus manos, pero no tanto donde esté realmente tenso y en realidad se puede maniobrarlo. Entonces establecer dónde está el punto de equilibrio o el fulcrum. Y luego envuelve tus otros dedos para el control y el poder y haz exactamente lo mismo con la otra mano. Ahora cuando en realidad estás golpeando los tambores, te recomiendo que uses una combinación de riesgos y un poco de dedo ahí también. Entonces estamos moviendo la muñeca hacia arriba sobre nuestros dedos, bajamos también. Y obtenemos mucho más poder de esa manera. Ahora todo el tiempo que estoy jugando, estoy apretando demasiado el palo o no aplastándolo en mi mano. Pero no voy a dejar que se suelte por el lugar. Simplemente manténgalo en control y solo juega sin problemas. Si quieres un poco más de potencia de tus golpes, no puedes usar un poco más de brazo. Si estás usando la mezcla de tu brazo, todo está suelto en tu cuerpo no está tenso cuando levantas el brazo y sigues usando el fulcrum y la muñeca y los dedos para obtener el poder y el control desde el palo así. Pero para tocar en general, recomiendo simplemente usar la muñeca y los dedos. Y así es como sostienes los baquetas. Simplemente experimenta con diferentes grupos y ve qué funciona mejor para ti. 8. Técnica de 6 pies: Hablemos de cómo operamos esta almohadilla de bombo o no. Y sí, tienes razón. calcetines navideños puestos, pero es diciembre. En esta lección, voy a cubrir dos técnicas de bombo, la técnica de talón hacia abajo y la técnica de talón hacia arriba. Empezaremos con la técnica de talón hacia abajo. Con toda honestidad, no hay mucho en esta técnica. Entonces lo que haremos es que lo tocaré para ti. Para que como se puede ver, nuestro talón está firmemente plantado en el pedal y estamos usando nuestro tobillo como punto de apalancamiento. Es una técnica bastante simple y te recomiendo encarecidamente que empieces con esta. Una vez más, sólo estamos levantando el pie hacia arriba y luego volviendo hacia abajo y golpeando el bombo. Ahora muchos jugadores de jazz usan esta técnica porque te permite tocar muy suavemente y tienes mucho control en este movimiento. Hay un par de cosas de las que quieres tener en cuenta. Ahora cuando empiezas a tocar esta técnica, puede ser bastante difícil porque estás usando los músculos de la espinilla que no se usan normalmente. Podría tomar un poco de tiempo que estos se desarrollen, pero una vez que se desarrollen, lo encontrarás mucho más fácil. Si estás encontrando que tus piernas están bastante doloridas y ardientes. Eso significa que estás construyendo tus músculos hacia arriba. Otra cosa es que siempre quieres tener tu fruta y contactar con el pedal del pie. No quieres levantarte así. Siempre quieres estar en control del pedal. Incluso cuando te levantas así. Siempre quieres estar en control del pétalo. No quieres estar así donde se está moviendo por todo el lugar porque entonces hay menos control. Entonces mi lugar predeterminado donde dejo mi pedal de bombo es donde el batidor está realmente en contacto con el bombo como este. Y mi pie está plano. Por lo general, ahí es donde empiezo y acabo de volver a bajar y hacer esto. También puedes jugar donde el batidor está fuera de la cabeza para la posición predeterminada. Y eso es lo que llamamos jugando fuera de la cabeza así. Obtienes mucho más extremo bajo del bombo, por lo que depende del sonido que quieras. A la otra técnica se le llama enterrar al Beecher porque nuestro batidor está enterrado en la cabeza. Por defecto. Produce un sonido más punchido. Así que aquí está tocando la cabeza. Aquí está enterrando al batidor. Simplemente intente ambos y vea cuál es más cómodo. Ahora la segunda técnica es un poco más avanzada, pero se llama la técnica talón up. Simplemente lo tocaré rápidamente para ti. La técnica de talón hacia arriba usa toda la pierna en lugar de solo tus músculos de la espinilla, y produce mucha más potencia. Y como se puede ver, la posición inicial tiene el talón arriba por encima del pedal del bombo. Compare eso con la técnica de talón hacia abajo. Entonces empezamos aquí y todo lo que hacemos es levantar la pierna y golpear el tambor. Lo que hacemos es levantar la rodilla como si estuviera siendo jalada por una cuerda. Y luego bajamos la rodilla y eso baja y golpeamos el pedal del bombo con el balón de nuestro pie, y luego sigue el resto del pie, y luego volvimos a nuestra posición predeterminada. Ahora como dije, se obtiene mucho más poder porque estás usando toda tu pierna. Ahora este movimiento se ve y suena muy complicado. Pero realmente solo estampar en el pedal, pero se asegura de que siempre estás en contacto con el pedal del pie. Ahora eso debería sentirse como un movimiento suave. En realidad no debería sentir como si fuera un levantamiento de la rodilla, soltar la pelota del pie y luego sanar. Sólo debería ser así. Ahora para mí, este movimiento por alguna razón tardó un tiempo en llegar, pero entonces un día se hizo clic totalmente y solo pude tocarlo. Ojalá pudiera decirte por qué, pero honestamente, solo un día podría de repente jugar muy bien. Simplemente practica el movimiento de subir y bajar con el pie. Cuando estás jugando cosas más lentas, no tienes que tener tu talón constantemente arriba así listo para ir porque eso causará mucha fatiga. Simplemente puedes ponerlo abajo en una bonita posición de descanso. Y luego una vez que toques el bombo, llévelo, muele el bombo. Y eso es más o menos. Levantas la rodilla hacia arriba, luego la vuelves a caer con la pelota, y luego seguirá el talón. Y es un movimiento suave. Realmente te recomiendo que empieces con la técnica de talón hacia abajo sin embargo. Y luego una vez que construyas tus músculos de la espinilla, puedes pasar al talón hacia arriba Técnica. Idealmente, quieres poder hacer ambas cosas. Muy bien, hagamos una comparación rápida. Vamos a bajar el talón, enterrando al batidor. Entonces tenemos talón abajo con los ritmos de bombo están saliendo de la cabeza. Entonces finalmente tenemos nuestra técnica de talón arriba, que se presta a enterrar a lo amargo. Las técnicas del pie izquierdo son exactamente las mismas. Puedes tener tu técnica de talón hacia abajo o tu técnica de talón hacia arriba. Yo uso ambos con bastante frecuencia, así que realmente solo acostumbrarse a ambos. En realidad, no vas a estar jugando el pie izquierdo tanto como el pie derecho. Así que sólo se acostumbra a la técnica que realmente te ayuda y te hace sentir más cómodo. Y eso es todo para la técnica del pie. 9. 7 Cómo obtener el mejor sonido de tu batería: En este video, quiero hablar de cómo puedes obtener el mejor sonido a tus tambores y también tus símbolos. Y lo que es más importante, cómo hacer que duren más tiempo. Empezaremos con tambores y luego pasaremos a los símbolos. Te prometo que esta información es realmente valiosa. Vamos a meternos en ello. Sé lo que estás pensando. ¿ Por qué necesito que me enseñen a golpear un tambor? Es bastante simple. Sólo lo golpeas. Quiero decir, no solo estás golpeando el tambor, sino que hay cosas que puedes hacer para sacar el máximo provecho del tambor. El primero de estas cosas es intentar siempre golpear el centro del tambor. Cuanto más cerca golpees el centro del tambor, más enfocado será el sonido cuando estés tocando cosas bastante normales, solo apunta al centro del tambor. Si quieres explorar los diferentes sonidos y el drama, entonces absolutamente muévete y ve qué pasa. Pero para jugar normal, apuntar al centro. Cuando estás tocando los tambores, quieres ser bastante consistente con tu tocar. Por lo que quieres golpear ese centro cada vez. De esa manera obtendrás un sonido profesional mucho más consistente. Muy bien, déjame comparar. ¿ Cómo sonaría el tambor cuando lo golpeas en el centro y fuera del centro? Como puedes aquí, cuando llego al centro, es realmente genial. Está realmente enfocado. Pero cuando me mudé al borde, es un poco más empapelado. Por lo que estaban sonando delgados. Entonces mi primer consejo es tratar de golpear el centro del tambor. Lo segundo de lo que quiero hablar cuando estás tocando el tambor es que no quieres dejar tu palo en la cabeza porque eso ahogará la deserción por completo. Lo que quieres hacer es golpear el tambor y dejar que el palo rebote y dejar que la cabeza resuene. El motivo por el que cogí el piso tom es porque es muy notable en los pueblos más grandes. Entonces esto es lo que pasa cuando dejo el palo en la cabeza. Comparemos eso con cuando dejé el palo se dobla de la cabeza. Ojalá realmente puedas notar que asfixiar esa cabeza de tambor realmente mata el sonido. No sólo eso sin embargo, sino cuando golpeo el tambor y ahogo así la cabecera, la vibración se traslada a mi mano y puede causar lesiones y fatiga. Hablar del drama es un síntoma común cuando estás agarrando demasiado tu palo. Entonces, si eso está sucediendo, solo afloje tu agarre. Me aseguro de que el palo esté rebotando de la cabeza. Pasemos a los símbolos, ¿verdad? Sé lo que estás pensando. Probablemente estás pensando en la ruina, estos son símbolos, solo golpearlos y luego Bob es tu tío. Pero hay un poco más porque puedes romperlos con bastante facilidad si no conoces tu técnica adecuada. Confía en mí, cuando digo esto, desearía haber aprendido mucho antes de esta técnica porque me habría ahorrado muchos símbolos. Muy bien, vamos a meternos en ello. Ahora. Podrías pensar símbolo, sólo vamos a darle. Y tal vez quieras ir a aplastar justo así. Entonces tomando tu palo y solo golpeando el borde del símbolo en eso. Pero eso es un gran no-no. Lo que podría pasar cuando llevas tu palo recto y luego el símbolo así es que toda tu energía se concentra en esa parte del símbolo. Entonces todo el símbolo toma esa energía golpeada ahí. Y lo que eso puede hacer es romper el símbolo, así que no lo golpees directamente así. Podrías terminar con un símbolo de crack. Y para ser honesto, bastantes símbolos de esa manera. En cambio, lo que te recomiendo que hagas, en lugar de simplemente ir recto así, es en realidad ir ligeramente a través del símbolo. Entonces estás mirando un poco el borde del símbolo a eso. Lo que eso va a hacer es que va a dispersar esa energía entre el símbolo y va a ser menos probable que se agriete. Entonces bajando así, no ideal porque eso va a llevar toda la energía en un solo lugar. Pero echar un vistazo va a ser mucho mejor. Entonces que esto, como se puede ver, los símbolos girando un poco más. Entonces eso significa que la energía se está dispersando por igual. De verdad quiero que aprendas mucho antes de eso . Hagámoslo una vez más. Es casi como un golpe lateral, pero si te acostumbras a esa técnica va a ser mucho mejor para tus símbolos. Es por eso que también ayuda tener tu ensamblado ligeramente inclinado hacia ti porque entonces puedes mirarlo mucho más fácil. Pero sí, así es como conservas tus símbolos y condición de punta y no los rompes. Es fácil reemplazar una cabeza de tambor, pero reemplazar símbolos es mucho más caro, así que solo trátalos correctamente y golpearlos correctamente. Y estos durarán toda la vida. 10. 9 conceptos básicos de la notación 1: De acuerdo, aquí estamos con una pieza de música en blanco, aunque como se puede ver, realmente no está en blanco. Lo que tenemos aquí son cinco líneas, y esto es lo que llamamos el personal. Esta es la base de toda la música escrita. El personal es donde ponemos todos los nodos. Podemos poner notas tanto en las líneas las brechas entre las líneas. También podemos poner notas más arriba y más abajo las cinco líneas, pero la mayor parte de la música está contenida dentro de estas cinco líneas. Tradicionalmente, si yo fuera a poner notas, lord dinamin staff, representarían lanzamientos más bajos y notas más altas, lanzamientos más altos. Pero somos tambores. Realmente no tenemos un instrumento afinado con lanzamientos. Por lo que no algunas partes diferentes del personal representan diferentes partes del kit de batería. Te proporcionaré una leyenda que te dice la notación estándar de drogas como referencia. Pero aún no necesitas saberlo todo. La forma en que leemos la música es similar a un libro. Leemos de izquierda a derecha. Cuando llegamos al final del staff o de la página, simplemente continuamos bajando a la siguiente abajo y así sucesivamente, igual que la lente de un libro. Por lo que ahora sabemos cómo funciona el personal. Veamos el concepto de bares. Las barras son lo que usamos para descomponer piezas largas de música en trozos de tamaño bocado. Un bar es un segmento del tiempo en la música que representa un cierto número de latidos. El número de latidos en el bar se decide por la firma de tiempo, pero vamos a llegar a eso en un poco. Así que aquí hay una pieza musical. Observe todas estas líneas a través de la música. A estas se les llama líneas de barras, y esto es lo que usamos para mostrar barras separadas, cada uno de estos segmentos y la música es A-bar. Estas barras hacen las cosas mucho más estructuradas y fáciles de leer. Las barras se utilizan para descomponer música para ser más manejable. ¿ Te imaginas leer esta música sin las líneas de barras? Sería mucho más difícil seguir reemplazando. La otra gran cosa de Barnes es que podemos numerarlos para que podamos encontrar fácilmente nuestro lugar en un poco de música rápidamente. Por ejemplo, sus guitarristas podrían decir, vamos a empezar la canción, pero lo haremos desde Bari en lugar de bar uno. Podemos mirar rápidamente la música, encontrar el bar ocho, y literalmente estamos en la misma página sobre las cosas y sabemos qué tocar y por dónde empezar. Por lo que es sólo una gran manera de encontrar rápidamente tu lugar en la partitura. Eventualmente, a medida que juegues más, interiorizarás la idea de bares y vendrá como segunda naturaleza para ti. Estos son simplemente los bloques de construcción de la música y simplemente te dan la estructura de una canción. Entonces los bares son increíblemente importantes, pero lo más importante es la firma de tiempo. Una firma temporal establece los límites para el granero, establece las reglas y nos dice cuántos latidos hay en cada barra. Pero antes de entrar en los detalles de las firmas de tiempo, quiero hablar de valores nada. Cada nota musical tiene un valor o duración. La duración o valor de una nada se cuenta en latidos. El valor naught más básico es una nota de cuarto. Así es como se ve un cuarto de nota. Este será tu pan y mantequilla como baterista, y es lo que estás acostumbrado a contar cosas. Un cuarto de notas de duración es solo un latido. Nosotros notas trimestrales actuales simplemente contando números. Entonces 1234, etcétera Entonces cada TPR los mencioné en eso nos mantiene tiempo. Podemos contar a tiempo con el metrónomo. Esto se debe a que el metro más pulsante en cada nota de trimestre. Por lo que la nota trimestral es su referencia a todos los valores de la nota. Vamos a ver otros valores de nodo en un poco. Pero por ahora, sólo acostumbrarse a la idea de que el cuaternario es un latido que fluye. Por lo que ahora sabemos de la nota de cuarto que dura un latido. Ahora podemos volver a las firmas de tiempo. Como dije, las firmas de tiempo nos dicen cuántos latidos hay en un bar, tiempos en intereses van al inicio de la música y nuestras retinas dos números. El que veremos primero es la firma de tiempo más popular de todos. 4444 se utiliza en la mayoría de la música moderna, del pop al baile, al rock, funk, etcétera. Es lo más fácil de bailar, y también es el más agradable de escuchar, ya que es un buen número par. Pero, ¿qué significan estos números? Veamos primero el número superior. El número superior nos dice cuántos latidos hay en el bar. Entonces antes de las cuatro, podemos decir que hay cuatro latidos en el bar. El número inferior te dice cuál es el valor de la nota con el beat. Si es un cuarto, la nota de cuarto como el beat. Una buena manera de recordar esto es si miras la firma de tiempo, la conviertes en una fracción y cumples con el número uno superior, tenemos un cuarto, que es igual a un cuarto de nota. No tienes que preocuparte demasiado por el número inferior. Simplemente concéntrate en ese número superior que representa cuántas pizza en un bar. Por lo que ahora sabemos cuánto podemos caber en una barra de 44. Llenemos estos cuatro bares de música. Entonces lo que tenemos aquí son cuatro barras de música con cuatro notas de cuarto en cada bar. Por lo que ahora tenemos una estructura de cuatro barras con cuatro notas de cuarto en cada una de estas barras. No tenemos que contar solo por cada número. Entonces yendo 1234567, etc, cortando todo el camino hacia arriba. Ahora sólo podemos contar hasta cuatro. Entonces si miramos estos bares, solo podemos contarlo como 12341234 y así sucesivamente. Entonces usando firmas de tiempo y barras, sólo tenemos que contar hasta cuatro. Hagamos un simple ejercicio de conteo ahora. Pondremos el metrónomo y aplaudiremos estas cuatro barras fuera, mientras que también contando en voz alta, conseguirán dos barras de conteo. Y luego nos uniremos a nosotros mismos. Aquí vamos. 1234123444 no es la única firma de tiempo libre para contiene notas de tres cuartos en una barra. 54 contiene 54 nodos en una barra, y así sucesivamente. Teóricamente, no hay límite a cuántos latidos puedes poner en un bar, pero solo hay unas pocas firmas de tiempo comunes que necesitas conocer, y 44 es la principal. El único otro concepto que quiero mencionar antes de que terminemos es el tempo. tempo es simplemente la velocidad en la que se convirtió en Beats. Contamos templo en latidos por minuto. Así que las canciones lentas tienen un tempo bajo y un BPM bajo. Y las canciones rápidas tienen un tempo rápido y un BPM rápido. Muy bien, Para resumir, ponemos música en el staff y leemos de izquierda a derecha donde está el nodo en el staff nos dice qué parte del kit de batería tocar. Utilizamos barras para ayudar a organizar música y firmas de tiempo para decirnos cuántos latidos hay en el bar. El cuarto nota dura un golpe. Por lo que una barra de 44 contiene cuatro notas trimestrales en ella. Y contamos esto yendo 1234123 antes de que podamos usar un metrónomo para mantenernos algún tiempo y ayudarnos a contar. Y podemos aplaudir y venimos con ella. Aumentar la sien simplemente aumenta la velocidad del conteo. Entonces una canción lenta tiene un tempo lento y una canción rápida tiene un tempo rápido. Oh hombre, acabamos de hacer un curso de choque en notación musical. Es mucho para tomar, así que siéntase libre de hacer una pausa, tomar un descanso, y dejar que la información digiera. Si alguna vez estás luchando, solo vuelve a este video y vuelve el siguiente video. Y ojalá, cuanto más lo leas y cuanto más veas este video y hagas las cosas por ti mismo, más estarás en sintonía y entenderás la idea de la notación musical. La próxima vez estaremos mirando octava notas y descansos. 11. 10 conceptos básicos de la notación 2: Genial. Ahora sabemos contar y tocar notas de cuarto, lo cual es excelente. No obstante, ¿qué pasa si no quieres jugar cada cuarto nota en bar enter descansa. Los descansos son similares a las notas musicales, aparte de en lugar de decirle al músico que toque una nota, para decirle que no toque, descansa como notas normales tienen un valor. El primero de los cuales vamos a mirar es el cuarto nota resto. Tiene el mismo valor que una nota de cuarto. Nos dice que no vamos a jugar nada por un solo golpe. Veamos esta pieza musical. Como se puede ver, ahora hemos añadido algo de descanso su normal por cuatro barras. Cuando tocamos esta música, aún contamos 12341234, como antes. Pero solo tocamos las que tienen notas. No jugamos a los que tienen descansos. Entonces vamos a darle un bash, luz de las velas y aplaudir junto con la música. Barras de té de Cantón y espejo off 12341234123 x. cuando hay más ejemplos para que aplaudir y un poco largo para en las descargas, recuerda usar siempre un metrónomo para que sepas exactamente cuándo estás a tiempo. Y así es como usamos las notas de trimestre y los descansos trimestrales. Sin embargo, no compres emocionado. Bueno, vamos a dar un paso un poco y hablar de octava notas. Octava notas, o el siguiente nivel a la baja de la nota de trimestre. Como se puede ver, tienen una cola, a diferencia de la nota de cuarto, octava anota un valor de medio latido, por lo que tienen la mitad de la duración de las coordenadas. Por lo tanto, podemos encajar dos en cada beat. Canta esta barra de 448 ya que el valor de una octava nota solo toma medio latido en lugar de un ritmo completo. Necesitamos ocho de ellos más que para llenar la barra completa. De ahí el nombre etanol. Podemos escribirlo temprano esto, pero lo que solemos hacer para hacer las cosas más fáciles de leer es que adjuntamos las colas de las notas en agrupaciones de dos o cuatro para ayudar a discernir cada latido. Si comparas los dos, ojalá puedas ver lo claro que está en la segunda versión. Una buena regla a la hora de escribir música es hacerlo lo más limpio posible. Como dice la gente, cuanto menos tinta en la página, más fácil es leer dentro de lo razonable, por supuesto. Ahora cómo hacemos actualmente pensamientos mientras seguimos contando los latidos, ya sabes, solo deja que el trimestre anote 1234. Pero como tenemos más notas que beats, hay que añadir más a ella. No podemos comer nueces así. 12341. Cosa a tener en cuenta, aunque es que el metrónomo sigue manteniendo el pulso de la nota de cuarto. Por lo que tendremos que contar con precisión para quedarnos a tiempo. Así que probemos eso. Miraremos el bar unas cuantas veces como de costumbre, contar y aplaudir. Si quieres. También puedes tocar junto con ambas manos y una almohadilla de práctica con palos o tu tambor de snare o con las manos en tu regazo. 12341234123412341234. Esos son valor de nota muy útil para sentirse cómodo con y son la base para innumerables surcos de tambor y rellenos. Por lo que ahora sabemos usar dos valores nada diferentes. Podemos empezar a combinarlas. Empecemos con una simple frase de dos barras. Todo lo que estamos haciendo es hacer una barra de notas de cuarto y luego en una barra de octava notas. Vamos a mirar unas cuantas veces y vamos a hacer el habitual de 2 bar Kente. Y de nuevo, contra-carga. 1234123412341234123412341234. Ahora empecemos a mirar barras individuales y cómo podemos hacerlas más interesantes con diferentes tipos de valores de nota. Uno, 234123412341234234123412341234123412. Y por un buen consejo para ayudar con cronometraje en cuanto a Kent y el valor de nota más alto en la pieza. ¿Qué significa eso? Bueno, en este caso, el valor de nota más alto es octava notas. Así que incluso cuando estamos tocando solo notas de cuarto, todavía podemos contar los octavos nodos. Por ejemplo, 12341241234. Y si te encuentras eso más fácil que siéntete libre de contar de esa manera, pasar por estos ejercicios te ayudará a entender las relaciones entre estos valores nulos y profundizar tu conocimiento de un ritmo de una manera enorme. Hagamos unos cuantos más, pero vamos a añadir un cuarto de nota de descanso ahí. 1234123412341234123412341234123 o 12341234. Excelente trabajo. Puede que aún no te des cuenta, pero lo que realmente estás haciendo es que estás aprendiendo un lenguaje completamente nuevo. Ya estás mirando un poco de música, analizándola, y eventualmente la estás tocando, lo cual es realmente impresionante, tan bien hecho hasta ahora. Para redondear nuestros fundamentos de teoría musical, veamos la octava nota de descanso. Al igual que las notas octava, estas duran medio beat. Nuevamente solo contamos estos como 1234. Hagamos algunos ejercicios de conteo y planeación que implementen estas octava nota descansa 1234, 12412341234123412341241234123412341234. Y por último, hagamos unos cuantos que combinaron todo lo que sabemos hasta ahora. 123412341234123412341234123412341234. Lo último que quiero mencionar que es único de las drogas es que no tienen duración. Si toco estas dos barras y piano, que tiene la capacidad de sostener una nota, suenan diferentes. Esto se debe a que en la primera parte estoy sosteniendo la nota para la nota de trimestre completa. Y luego la segunda barra, estoy parando la nota con los descansos en los extremos. No obstante, si toco estas dos barras en el snare drum and bass sonan idénticos. Eso es porque no puedo sostener una sola nota y el tambor. Si nos apegamos a la regla de querer menos tinta en la página para que las cosas sean más fáciles de leer. Probablemente iríamos por la primera opción. La segunda opción sigue sonando igual. A lo que me estoy metiendo es que podría haber múltiples formas de anotar las cosas, pero siempre ir por la que tiene más sentido. Y es lo más sencillo de leer y traduce lo más fácil. Una muy, muy última cosa de la que quiero hablar sin embargo, son notas enteras y media notas. Notas enteras y medias notas son un par de diferentes valores naught que a veces se usan en tambores, pero no mucho. Toda una nota, ocupa toda una barra de 44. Entonces son cuatro latidos de largo. Media nota ocupa media barra de 44, por lo tanto, es de dos latidos de largo. Tienen un bucle bastante distintivo con todo su cuerpo. También tenemos nada entero y descansos de media nota. Estos pueden ser bastante difíciles de diferenciar unos de otros. Una buena manera de diferenciar entre todo el norte y el resto de media nota es pensar ambos como un cartero atrapado en un árbol con un perro ladrando debajo de él. El porcelánico que representa todo el resto de la nota tiene sus piernas colgando hacia abajo. Como pueden ver, podemos imaginar que el perro va a estar ladrando ese árbol todo el día. De ahí toda una nota. Compare eso con el cartero que representa el descanso de media nota. Sus piernas están por encima de la línea, por lo que los perros sólo van a estar ahí la mitad del día se va a aburrir. Es un poco una forma rara de recordar, pero realmente funcionó conmigo por alguna razón. El rectángulo que está colgando hacia abajo es un descanso de toda la nota que dura cuatro latidos. Y el rectángulo que está por encima de la línea es la media nota descansa en los últimos dos latidos de largo. No te encontrarás tanto con estos valores nada, sino solo estar al tanto de ellos. Y eso es lo último que quería mencionar. Muy bien, ese es el curso de choque completo en teoría de la música hecho. Como siempre, son ejercicios suplementarios para que practiques y afines en el tiempo y el conteo. Aunque estoy seguro de que por ahora solo estás pensando, cállate y toquemos unos tambores. Pero te lo prometo, tener ese conocimiento base va a acelerar tu proceso de aprendizaje diez veces y te permitirá entender realmente lo que está pasando cuando estés tocando los tambores. Por lo que el siguiente video que vamos a estar enterrados en realidad en el kit y el aprendizaje son de ritmo fresco. 12. 11 tu primer Groove: De acuerdo, entonces sabemos tocar notas de cuarto y octava notas y cómo contarlas. También sabemos leer barras y latidos. Entonces estamos listos para tocar unos tambores y aprender nuestro primer groove de tambor. Entonces, ¿qué es una ranura de tambor? Bueno, una ranura de tambor es solo un patrón repetido que nuestro baterista toca para nuestra canción. Y sólo mantiene la columna vertebral y la base de una canción en marcha. Y es realmente más importante que un baterista puede hacer. Si escuchas los tambores son más canciones, oirás que solo están tocando un patrón de repetición y ese es tu groove. Entonces hay muchos grupos que puedes aprender, pero nos vamos a centrar en uno justo ahora. Y es el grupo más importante que se puede aprender es el grupo con el que todo baterista aprende para empezar. Y es tan versátil y útil que todavía toco hoy en mi función prohibida en mi banda de rock. Ya sabes, es tan versátil y por eso es tan bueno. La mejor parte es que es muy fácil de aprender. Así que vamos a meternos en ello. ¿Deberíamos? Este grupo está en 44 tiempo n es de una barra de largo. Y lo primero que vamos a hacer es llevar la mano derecha hasta el sombrero alto y sólo vamos a tocar octava notas para toda la barra. Por lo que ocho notas, como sabemos, se cuentan como 12341234. Así que sólo juega eso en el hi-hat. Y esa es nuestra base para el grupo que se mantiene constante por todo el surco. Entonces aquí hay un rápido ejemplo de eso. El metrónomo solo estaba poniendo pulsos de cuarto de nota, así que va 1234 y estamos tocando H naught hi-hat, así que vamos a 12341234. Y cuando estás jugando esto, lo único que quieres asegurarte es que eres agradable y relajado. Tienes buena postura. Y también la agrupación y el espaciamiento entre estas notas es muy igual. Entonces no vas a ir 1234, pero solo vas de una manera agradable y relajada. 1234. Y lo segundo quieres asegurarte de que estás haciendo es mantener ese pie izquierdo agradable y firmemente plantado en el pedal hi-hat. Y eso te va a dar un bonito y apretado sonido hi-hat que va a mantener tu groove sonando genial. Así que solo prueba eso y solo sigue haciendo un looping ese bar con un metrónomo y una vez que estés cómodo, seguiremos adelante. Entonces lo que vamos a hacer a continuación es añadir nuestra mano izquierda en el tambor de la caja y eso viene en los dos y los cuatro. Entonces estamos manteniendo esa mano derecha yendo simplemente constante. H-naught está en la mano derecha. Pero vamos a sumar la mano izquierda en el tambor de la caja en 24. Y cuando estás tocando esa mano derecha y la mano superior y la izquierda y la snare al mismo tiempo se asegura de bajar y golpear las superficies al mismo tiempo. Y eso te va a dar un buen boleto de sonido apretado, realmente, realmente almacenado. Estás luchando. Entonces estamos muy cerca de terminar la parrilla si solo tienes que agregar el bombo ahora. Y lo que vamos a hacer es tocar el bombo en el uno y el tres. Así que tenemos la caja en los dos y los cuatro, y tenemos el bombo en el uno y el tres. Entonces te voy a dar un ejemplo rápido y vamos a quitarle la mano izquierda por ahora. solo puedas enfocarte en avión esa mano derecha con el hi-hat y el pie derecho con el bombo. Y de nuevo, cuando estés tocando el hi-hat y el bombo juntos, se asegura de que bajando al mismo tiempo. Lo siguiente que vamos a hacer para construir la coordinación y tocar este groove es que vamos a quitarnos la mano derecha en el hi-hat y simplemente dejarnos con el bombo y el tambor de la caja. Y como notarás, ya no estamos tocando octava notas porque en realidad solo estamos tocando el bombo en el uno. Snare drum on the to, the bass drum on the free, y el snare drum on the four. Por lo que se convierte en un cociente o groove de nuevo. Y eso te muestra la relación del bombo y el tambor de la caja. Sólo están tocando notas de cuarto, y es la mano derecha la que mantiene esas octava notas en marcha. En realidad se puede jugar ese groove para hacer que quiero saber por Arctic Monkeys. Entonces si quieres tocar de inmediato algo de música, ten un ir a eso y te da un poco de contexto. Entonces lo final que queremos hacer es combinar la mano derecha tocando octava notas, el bombo tocando el uno y el tres, y el tambor de la caja que toca los dos y los cuatro. Déjame ir a añadirlos juntos y obtenemos nuestra ranura de tambor completo. Por lo que aquí vamos son tempo muy lentos. Y esa es tu primera ranura de tambor en la bolsa. Recuerda que va a tomar un tiempo acostumbrarse a la coordinación para que no te frustres. Si no puedes conseguirlo de inmediato. Sólo puedo jugarlo porque he estado jugando por diez años más. Pero si solo te tomas tu tiempo y lo tomas muy, muy lentamente, aunque solo vayas uno, dos, y bajo y snare. Y no hay nada malo en ir tan lento. Entonces realmente, lo importante es asegurarse de que estés a tiempo y que estés jugando las cosas juntas y que suene bien. Y por último, vamos a acelerar el pedacito de la gribble wee. Lo que haré es que jugaré el groove de campo y luego empezaré a sacar las cosas para que puedas ver la relación aquí, la relación de todas las partes diferentes. El modo en que me gusta pensar en este grupo es que me gusta pensar en lo más alto como la fuerza motriz manteniendo todo a tiempo. Los bombos son bonitos tipo de pensamiento. Y tienes ese tambor de snare entrando en el latido de atrás. El backbeat solo se refiere a tocar el tambor de la caja en los dos y los cuatro. Y escucharás en la mayoría de la música pop moderna y rock, etcétera Así que una vez que estés contento con esa tumba básica, lo que podemos hacer para embellecerlo es en realidad podemos reemplazar ese primer hi-hat en la primera beat del bar con un platillo crash. Entonces en lugar de simplemente ir 1234 y todo en la jerarquía, podemos ir crash y 234. Y eso agrega otro pequeño tipo de, supongo, parte interesante al grupo para que sea un poco menos repetitivo. Entonces ahí vas. Esa es la ranura del tambor de campo. No es demasiado complicado una vez que bajan la coordinación. Y la mejor parte es que en realidad puedes empezar a tocar música de inmediato con solo ese groove de tambor. Les daré un montón de canciones que se pueden tocar de inmediato con este sencillo groove de tambor. Y eso significa que en realidad estás poniendo esto en práctica y no es solo jugar solo. Se puede poner un poco de Billie Jean Bye Michael Jackson, ac-dc. Y en canción pop o baile en Katy Perry, Taylor Swift, todas esas cosas. Oirás tocar un rock groove. Así que disfrútalo. Te veré en la próxima lección. Nos vemos ahí. 13. 12 Tus primeros rellenos: Muy bien chicos, aprendieron su primer groove de tambor, lo cual es impresionante. Ahora vamos a conseguir algunos rellenos de tambor. Entonces, ¿qué llena nuestro tambor? Bueno, los rellenos de tambor son una especie de solo frases rítmicas que usamos para romper el groove. Entonces no es tan monótono. A menudo usamos rellenos para traer nuevas partes de la música o de la canción. Entonces podríamos poner un relleno justo antes del coro del verso, o puedo hacer sentir después del curso en el segundo verso, etcétera. Por lo que son solo formas de romper la música y añadir un poco más de emoción y variedad en el tambores. Por eso te voy a mostrar algunos campos que puedes usar para empezar. Y luego puedes empezar a construir tus propias recargas también. Tan buena parte de la tarea que puedes hacer antes de empezar a hacer estos rellenos es este pequeño ejercicio que tengo para ti. Entonces son sólo dos barras de octava notas. Y la primera barra de octava notas estaban tocando todas las octava notas sin mano derecha. El segundo bar de música es justo, estamos alternando mano derecha e izquierda en las octava notas. Si puedes conseguir esa transición de solo la mano derecha a ambas manos tocando octava notas. Bonito, esos van a ser mucho más fáciles. El primer campo es muy sencillo. Es sólo una barra de octava notas, y sólo estamos tocando derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Y sólo estamos poniendo eso en el tambor de la caja para todos estos tipos, sólo va a ser un comprador de octava notas. Y sólo va a ser derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Las únicas diferencias que vamos a cambiar donde van esas manos en el kit de batería. Entonces lo que haré es tocar una barra del grupo y luego haré el relleno, la barra, el groove, el relleno, etc. Así que esa es la primera fila. No muy emocionante, pero sigue siendo algo que uso todo el tiempo en una especie de slow pop y todavía rock chins. Una variedad de este pueblo. Puedes agregar un platillo crash en ese primer latido del grupo después del relleno. Y eso te da un poco de emoción y energía. Y hace que la película pueda destacarse un poco más. El segundo relleno que tengo para ti es retocar dos en la caja a la primera vez, t En el segundo mandato, t En el segundo mandato, y dos en el piso tom tipo de ir y snare, snare tom, Tom, Tom, Tom, Tom, Tom, Tom, Tom. Y de nuevo, sólo estamos haciendo derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Entonces estos son los términos de la partitura. Lo que haré es que los codigo por color solo por ahora para que puedas acostumbrarte a la notación. medida que seguimos aunque voy a perder la coordinación de color es sólo para empezar por ahora. Así también en esto cercano al primer término a segundo mandato al piso. Y de nuevo, lo que podemos hacer es sumar ese choque al final de la película, de vuelta al groove. Y va a sumar esa emoción y tipo de sonido explosivo en el relleno del tambor. Entonces esas son dos cosas para que empieces que son geniales. Pero lo que te recomiendo que empieces a meterte por ti mismo. Entonces lo que te voy a mostrar es un poco extra de mí improvisando con ese mismo patrón de mano de derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Como notas octava. Y sólo me estoy moviendo en el kit. Entonces podría hacer por y el tambor de la caja a y el segundo término y luego dos en el piso tom. Siempre y cuando sume hasta ocho, eres bueno. Sí, está totalmente improvisado, está totalmente inventado en el acto. Por lo que algunos de ellos tal vez no funcionen, algunos de ellos funcionarán. Es totalmente subjetivo. Entonces si te suena bien, suena bien. Así que eso está totalmente improvisado y es solo usar ese mismo patrón de mano y solo nos estamos moviendo alrededor del kit. Así que diviértete y prueba eso por ti mismo. Realmente lo recomiendo porque estos dos campos son geniales, pero realmente se trata de experimentar por ti mismo y encontrar tus propios campos y usarlos para ti mismo. Creo que eso es mucho más gratificante y escribir tu propio tambor llena de esa manera. Muy bien chicos, sólo una cosa más que quiero mostrarles en esta lección. Solo quiero mostrarte un ejercicio genial que acumula piso detrás del kit de batería, especialmente cuando estás haciendo esos tambores llena arriba y abajo del kit. Entonces cuando empiezas a tambores ese movimiento de luz moviéndose hacia arriba y hacia abajo el kit de batería probablemente no sea familiar para tu cuerpo. Entonces es un poco rígido y podría ser un poco difícil. Este ejercicio sólo va a cojear en ¿puedo acumular ese recuerdo muscular de moverse arriba y abajo el k? Y luego en general vas a ser un baterista mucho más suave. Y va a ayudar a tu postura y va a hacer que sea mucho más cómodo jugar estos rellenos. Por lo que este ejercicio tiene dos barras largo y son sólo ocho meses como de costumbre. Y el pegado es justo derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, etcétera. Repitiendo. Y lo que hacemos es poner esta snare drum dos veces, la primera casa dos veces la segunda canción dos veces antes que Tom dos veces. Ese es nuestro primer bar. Y luego volvemos a subir los kits. Si vas por Tom dos veces, segundo término dos veces, primero tono dos veces, y luego snare drum dos veces. Y acabamos de meter esos dos bares. Y eso va a hacer que te muevas por el kit de batería. Y te va a calentar. Y te va a conseguir mucho más ligar y sentirte mucho más cómodo detrás del kit. Pero eso apenas envuelve la lección. Ve y diviértete con este relleno de tambor y sube con los tuyos propios. 14. 13 variaciones de las Groove bajo: Muy bien chicos, en la última lección, aprendimos unos cuantos rellenos de tambor, pero a estas alturas probablemente te aburras de tocar ese mismo viejo groove de rock. En esta lección, les voy a mostrar una herramienta realmente simple pero efectiva que utilizo para venir con nuevos grupos se llama el sistema de grilla. Y si vas a los recursos para la lección, habrá una descarga para el libro de trabajo. Lo necesitarás para esta lección. El sistema de rejilla es muy sencillo. Se ve muy complicado si pasas por el trabajo, pero probablemente seas como, Oh Dios mío, hay tantas cosas pasando , pero es muy simple. Una vez que realmente lo desgloses, lo que tenemos pasando es solo columnas y filas. Tenemos filas de solo las diferentes partes del kit de batería. Tenemos el hi-hat, snare drum y el bombo. Y luego las columnas solo representan cada octava nota de una barra. Entonces lo que tenemos es sólo una barra de música, pero está en formato grid. Por lo que cada uno de estos cuadrados representa una octava nota en la cuadrícula. Lo que hacemos es alinear y tocar las partes que tienen pequeños símbolos en ellas. Para que como se puede ver en la fila superior, tenemos hi-hats tocando cada octava nota en el bar. Y luego tenemos el tambor de la snare en los dos y los cuatro. Entonces esas dos filas se mantienen consistentes para cada ejemplo. Entonces si solo jugamos esas dos filas por sí solas, solo obtenemos este sencillo patrón. Esa mano los padres se mantienen exactamente igual. Lo que estamos cambiando para esta lección son las notas de bombo y dónde se colocan en el bar. Entonces todo lo que tienes que mirar en estos ejemplos es donde va ese punto en la rejilla del bombo. Así que esencialmente este sistema de grilla es igual que la partitura, pero simplemente lo descompone y en realidad se puede ver dónde se alinean las cosas. Y es un poco más sencillo de entender. Ojalá, por cada ejemplo de la hoja de trabajo, también tengo la partitura para que puedas ver cómo se traduce de la grilla a partitura real. Ojalá tenga sentido. Y lo que voy a hacer ahora sólo va a jugar a través de todos estos ejemplos para ti. Estoy tocando estos ejemplos. Es posible que veas a un pequeño altavoz subir con una pequeña canción saliendo también. Y eso soy sólo yo mostrándote algunas de las canciones que puedes tocar a estos grupos para organizar sonidos bastante parecidos a la canción. Puede que no sea el mismo grupo para toda la canción, pero debería darte suficiente garrapata en un jam junto a la canción. De todos modos, aquí están todos los ejemplos de vista de código. Adelante y practicarlas. Si es demasiado rápido en un 100 BPM, que el templo estaba tocando. Solo leerlo de nuevo y solo concéntrese en el control y la precisión en lugar de la velocidad. Una cosa que me vas a escuchar decir mucho en este curso es que tomarlo despacio es en realidad mejor que tomarlo rápido porque tomarlo lento acumula ese control y precisión. Y a partir de ese control y precisión, vas a poder jugar rápido más adelante. Esos son todos los surcos de una barra. Y como notarás en la hoja de trabajo, hay muchos espacios en blanco para que puedas llegar a tus propios grupos. Entonces aquí es donde entra la interesante parte divertida del sistema de grilla. Lo que puedes hacer es simplemente poner algunos puntos con los bombos. Y entonces en realidad se podría jugar a estos grupos. Es una herramienta de composición muy simple pero efectiva que puedes usar para construir tus propios grupos. Así que definitivamente echa un vistazo a eso. Y de verdad te recomiendo tratar de llegar a tus propios grupos para ti mismo. Será una experiencia mucho más gratificante. Y obviamente tienes todos los ejemplos para empezar. Pero también te he dejado muchos espacios en blanco. Eso es mucho más importante. Sí, los grupos de un solo bar son geniales, pero a veces puede ser un poco repetitivo y llegar muy aburrido muy rápidamente. Entonces, lo que puedes hacer para evitar que esto suceda es que en realidad puedes hacer bloques de ranura de 2 barras. Entonces tienes un surco que está pasando. Ocupa dos barras en lugar de la una. Por lo que es menos repetitivo y es un poco más emocionante jugar, al igual que el ejercicio de una barra. Si tienes cuadrículas para dos barras para que sea más fácil llegar a estas frases de dos barras de realmente resaltó el primer beat de cada barra como una columna gris. Por lo que en realidad puedes diferenciar las barras en el sistema de rejilla. Y de nuevo, la partitura justo debajo para que en realidad puedas ver cómo se ve y se traduce en partituras. Una vez más, repasaré todos los ejemplos y volverá a haber recomendaciones de canciones. Y otra vez. Hay muchos ejemplos en blanco que puedes rellenar y llegar a tus propios patrones de bombo y ojalá llegar a algunos surcos geniales para ti. Estar en ese es el sistema de rejilla. Es muy sencillo. Es sólo básicamente la música del asiento, pero puedes llenarla. No es tan abrumador como tener todas las líneas y el personal es sólo tres cosas que hi-hat, snare y bombo. Y sólo estamos cambiando el bombo. La próxima vez que hagamos exactamente lo mismo con el sistema de grilla, pero esta vez vamos a estar mirando el tambor de la snare. Por lo que podemos llegar a algunos grupos interesantes que en su lugar nos divertimos un poco con que descargue la hoja de trabajo. Y si te acercas a algunos grupos para ti, envíenme a ellos. Me encantaría escucharlos porque honestamente hay un montón de posibilidades con estas cuadrículas. Así que con ganas de escuchar de ti, cuídate. 15. 14 variaciones de las Groove de la batería: Así que al igual que la lección anterior, vamos a estar mirando el sistema de grilla, pero en lugar del bombo, vamos a estar realmente cambiando el tambor de la caja. Entonces es exactamente el mismo proceso que aprendimos en la lección anterior. Todo lo que estamos haciendo es mantener el bombo por un lado, el libre de la barra. Y sólo estamos cambiando el tambor de la caja. Por lo que una vez más, hay un libro de trabajo que debes descargar y tendrá todos los ejemplos con la partitura y los sistemas de grid están ahí para ti. Entonces como dije, el grupo base, lo que estamos haciendo es sólo hi-hats cada octava nota en el bar y el bombo en el uno y el tres, que suena así. Ahora sé nuestro grupo basal al que entonces podemos entender gotas a. Una vez más, voy a jugar a través de todos los ejemplos de una barra para ti. Y una vez más, como la última lección, que son pizarras en blanco para que puedas agregar tus propias variaciones de tambor de snare a. Nuevamente, esta es una gran herramienta para llegar a algunos grupos interesantes. Entonces eso fueron todos los ejemplos de una barra, pero también tenemos algunos ejemplos de 2 barras . Entonces vamos a pasar por todos ellos. Una vez más, sin embargo, las cuadrículas en blanco que puedes llenar un ágil y snare tambores para saber por ahora de esta lección y la lección anterior, probablemente estés abrumado por todos los grupos que acabo de mostrarte. Eso es comprensible. No espero aprenderlos todos al mismo tiempo para esto en la última lección, solo quería mostrarles cómo suenan todos los diferentes ejemplos del libro de trabajo. Si hay uno o dos grupos con los que realmente estaban luchando, no se preocupe demasiado por ello, simplemente vaya más allá y simplemente vuelva a en un momento posterior. Estas dos lecciones solo te están mostrando cómo puedes usar el sistema grid para llegar a tus propios grupos. Ahora claro que puedes ir por cada ejemplo y eso sólo va a conseguir, cuantos más grupos juegues, más cómodo vas a estar jugando con todo este tipo diferente de mano patrones y patrones de ajuste. Entonces absolutamente, si te interesa aprender a estar de acuerdo con más, que pasar por todos los ejemplos. Todo lo que estoy viendo es que realmente he tirado en el extremo profundo aquí. Así que no te frustres contigo mismo si realmente estás luchando, solo tómalo despacio, aprendiz, batir a ritmo u octava nota por un pensamiento. Y eventualmente llegarás allí. Y siempre asegúrate de jugar con el metrónomo. Una vez que te sientas cómodo con todos estos ejercicios, sin embargo, puedes subir al siguiente nivel. Lo que puedes hacer entonces si te sientes valiente es que puedes tomar algunos de los patrones de bombo de la lección anterior y algunos de los padres de tambor snare y ponerlos juntos para crear un mucho más surco complejo. Aviso justo sin embargo, esto será bastante difícil cuando empieces, pero en realidad hazlo cada vez más y más. Se volverá mucho más natural y eventualmente no tendrás que pensarlo demasiado. Si miras el fondo de la obra, pero hay algunas pizarras en blanco que tienen bombos en blanco y saltos de snare en blanco. Así que sólo tipo de mantener eso en marcha. Y entonces el resto depende de ti para llegar a algunos grupos cool e interesantes que suenan. Trabajar en estos grupos y hacer sus propios grupos. Va a ser genial para la coordinación y las habilidades compositivas. Y también te va a ayudar a entender cómo funcionan las octava notas. Hay algunos ejemplos para que veas también, de combinar los patrones de bombo y los patrones de snare drum. Y sólo voy a jugar a través de ellos, solo sé. Muy bien, eso fue un montón de ejemplos para que te quedes atrapado. Así que adelante y tómate un descanso, ve en tu kit de batería y empieza a tocar estos surcos. Imprime las hojas de trabajo, invente tus propias cosas y diviértete. Mira si puedes escuchar algunas de tus canciones favoritas. Y ese trabajador, si están tocando un groove de octava nota y tal vez en realidad puedas transcribirlo, lo que significa escribir la parte del tambor y dentro de ese sistema de cuadrícula. Y entonces esa es una gran manera de aprender a tocar estos grupos. Muy bien, eso acaba de terminar la lección. La próxima vez vamos a estar mirando algunas ideas de relleno interesantes, más complejas. 16. 15 variaciones de relleno que combinan 1 notas 4 y 1 8ª: De acuerdo, a estas alturas ojalá tengas una buena idea de cómo funcionan los grupos y cómo podemos usarlos. Y ojalá hayas llegado a tus propios grupos. Pero ahora volvamos a algunos rellenos de tambor. Entonces todo lo que hemos hecho hasta ahora con rellenos de tambor es que hemos hecho la, ya sabes, la, la barra de octava notas 1234, lo cual es genial, pero de nuevo, con el mismo surco, sólo puede ponerse un poco aburrido. Lo que quiero hacer en esta lección es sólo un concepto simple que puedes usar que va a condimentar tus rellenos de tambor y hacerlos un poco más interesantes para escuchar. Cuando digo simple es muy simple exagerar, en lugar de solo tocar octava notas todo el tiempo, en realidad podemos agregar notas de cuarto en lugar de octava notas. Entonces solo hacemos un golpe en lugar de los dos en cada ritmo. Entonces en lugar de solo una barra de 1234 y lo mismo para toda la barra, podemos mezclarlo e ir, ya sabes, digamos 1234. Y porque de lo contrario solo estás poniendo el groove de la octava nota y luego no lo llenaste, solo suena tan rígido y justo como 1234, nunca cambia. Pero si agregas diferentes valores nada a los rellenos, rompe el ritmo y apostamos y lo hace más interesante y no tan agotador escuchar. He corrido algunas muestras de algunos rellenos y lo que haré es que solo jugaré a través de ellos a un tempo lento y rápido, además de cambiar los valores de la nota dentro de un relleno. Lo que puedes hacer es cambiar la longitud de la película. En lugar de ser un bar largo, puedes cambiarlo a dos latidos largos o regalos de largo donde quieras. Entonces, si fueran dos latidos largos, tendrías al grupo yendo por los dos primeros latidos, y luego tendrías el relleno para los otros dos latidos en el bar. Aquí hay algunos ejemplos de eso. Me gusta mucho cuando llena apenas los últimos dos latidos de largo porque entonces no es tan imponente y no es así en tu cara. Es genial para unos rellenos más sutiles. Si estás pensando musicalmente, tal vez una canción suave o algo así, no quieres un relleno de tambor grande para una barra completa. mejor sólo un beat o dos latidos harán el trabajo y meterse con el tiempo y espacio para que no tengas que jugar por cada nota, puedes dejar algún cuarto. Y en este ejemplo, tengo un descanso. Y eso crea un poco de tensión antes de volver a la ranura. Así que meterse con eso también. Muy bien, Sólo para recapitular, hay dos conceptos de los que estaba hablando en esta lección. El primer concepto es simplemente cambiar los valores de la nota y el relleno. Por lo que no se trata sólo de octava notas constantes y simplemente meterse con diferentes ritmos. El segundo concepto es cambiar la duración real de la película que haces. Por lo que pueden ser cuatro barras largas como quieras, dos latidos largos, medio beat, un beat donde quieras. La siguiente lección es realmente divertida. Voy a mostrarte una herramienta genial que uso es similar al sistema de rejilla, pero es para rellenos de tambor. Así que va a ser una manera para que usted pueda llegar a sus propios rellenos de tambor rápida y fácilmente. Y entonces vas a estar componer tus propios gurús y tus propias habilidades. Y ese es un gran comienzo para tu base de tambores. Así que te atrapa en la próxima lección. 17. 16 Ritmos de relleno modulares expande tu vocabulario: De acuerdo, hemos aprendido diferentes formas en las que podemos usar rellenos de tambor, pero voy a darle un paso más allá. En esta lección, voy a mostrarte el sistema modular de llenado de tambor. Suena muy complicado, pero en verdad, solo quiero el nombre genial para algo que sea bastante simple. El sistema modular de llenado de tambor es solo una forma sencilla para que ustedes básicamente escriban sus propios rellenos de tambor y los toquen con bastante rapidez. Sin embargo, antes de ir más allá, solo quiero decir que hay una hoja de trabajo en los recursos. Así que adelante y descárguelo. Tendrá mucho más sentido con eso frente a ti, ¿verdad? Entonces, ¿cuál es el sistema? Bueno, todo lo que estamos haciendo es que estamos tomando cuatro ritmos básicos. Estos son bloques de construcción, estos cuatro ritmos. Y solo los estamos armando y reordenándolos de diferentes maneras para llegar a diferentes ritmos. Para los ritmos básicos son notas de cuarto, un cuarto de nota descansa a octava notas, y luego una octava nota descansa con una octava nota también. Entonces juntamos cuatro de estos. Obtenemos una barra de 44 como relleno de tambor. Como se puede ver en la hoja de trabajo, tenemos cuatro bloques diferentes. En estos cuatro bloques diferentes, puedes seleccionar uno de estos ritmos para ir dentro de ese bloque. Una vez que llenaste esas cuatro cuadras, te tienes una barra de ritmo. Esa es la primera etapa del sistema, solo escogiendo algunos ritmos para ir en estos cuatro bloques. realidad, la siguiente etapa está tocando este ritmo. Como se puede ver en el primer ejemplo que tengo para ti, es sólo un sencillo patrón de apenas notas de cuarto y octava notas. La siguiente parte del sistema es simplemente aplicar eso al kit de batería. Entonces todo lo que hacemos es tomar ese ritmo que hemos puesto en las cuatro cuadras. Tocamos eso en el tambor de la snare como relleno de tambor. Eso no suena muy emocionante, pero definitivamente puedes usarlo como relleno de tambor. La tercera etapa es lo que lo lleva a ese siguiente nivel. En la tercera etapa es donde sacamos ese ritmo del tambor de la trampa y en realidad empezamos a movernos alrededor del kit de batería de diferentes maneras. Aquí es donde el sistema entra en su propio. Y ahí es donde realmente se puede experimentar con diferentes orquestación, donde la tocas en el kit de batería. Aquí está ese mismo relleno de tambor que tocaba en el tambor de la snare. Y ahora sólo voy a moverme alrededor del kit de batería de diferentes maneras. Eso en esencia es el sistema de archivos modular. primer paso es simplemente usar esos cuatro cuadrados y agregar una de cada cuatro opciones de ritmo que tienes para cada cuadrado. Entonces, pero luego el paso uno, tienes una barra de ritmo. Y luego el paso dos simplemente se toma ese ritmo y luego tocarlo en el tambor de la snare. El segundo escenario es realmente importante porque ahí es donde realmente estás tocando ese ritmo que acabas de componer básicamente. Así que tómate tu tiempo con este boleto despacio. Realmente siento y entreno lo que vas a estar jugando con WeChat. Ahora solo quiero señalar algunas cosas porque tal vez te estés preguntando, pero sí, pero ¿qué Handel, solía tocar estos ritmos? Bueno, como regla general, lo que haría es eliminar con mi mano principal para las notas de trimestre. Así que iría 1234, iría a la derecha, a la izquierda, a la derecha, a la izquierda. Por las octava notas, me iría 1234. Y así derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Y luego para la que es apenas la octava nota descansa que las octava notas son 123. Y en realidad tocaría esa nota con la mano izquierda. Y para el descanso de la nota de cuarto, no estás jugando nada, así que no importa demasiado. Ahora eso es sólo una regla general en la que mano solía jugar. Pero obviamente, dependiendo del relleno del tambor, podría ser cómodo con diferentes manos tocando diferentes partes. Aquí es donde entras y sabes lo que es más cómodo para ti. De todas formas, ese es el paso dos, solo tomando ese ritmo, tocando en el tambor de la snare como relleno de tambor. Y luego obviamente el paso tres es solo mover ese ritmo alrededor del kit de batería. Tocaré cada ejemplo como un relleno de tambor de snare, y luego te mostraré algunos ejemplos de cómo puedes moverte por el kit de batería. Y al final de la hoja de trabajo, tienes tus espacios en blanco que puedes agregar tus propios ritmos con esas cuatro opciones que tienes y llegar a tus propios rellenos de tambor. Pero sí, ese es el sistema de archivos modular. Si descargas la hoja de trabajo, vuelve a explicarlo para que puedas ver cómo funciona. Definitivamente tómate algo de tiempo con esto y llegar a tus propios rellenos de tambor porque eso va a ser mucho más gratificante que yo solo mostrándote un 100 rellenos de tambor. Y luego juegas en ellos como un robot solo copiándome. Venir con tus propias cosas sólo va a ser mucho más creativo. Y te va a conseguir entender cómo funcionan estos ritmos juntos. También te va a ayudar con la coordinación, saber qué mano por favor, qué, y qué se siente mejor para ti. Y eso básicamente va a desarrollar tu estilo personal. Eventualmente quiere que hagas esto cada vez más , al igual que el sistema de grilla. En realidad no lo necesitarás. Sólo podrás tocar estos ritmos y simplemente llegar a ellos sobre la marcha. Pero sólo para empezar, estos sistemas son geniales. Entonces cuanto más lo hagas, más te vas a familiarizar con estos ritmos. Y cuanto más sólo vas a poder jugar automáticamente estos. Y combinando tu memoria muscular del sistema grid y el sistema de archivos, vas a poder tocar una música improvisada muy pronto, y de eso se trata todo. La siguiente lección, sólo va a ser un examen de ritmo. Cuando digo examen, no quiero decir que vaya a estar aprobando o fallando. No hay calificación ni nada. Es sólo una oportunidad para que usted se evalúe a sí mismo y a su progreso. 18. 17 El medio tiempo y el doble tiempo: Muy bien chicos, tiene una oportunidad y sólo quiero hacer un pequeño video corto en un pequeño truco fresco que uso que cambia totalmente el ambiente de un groove de tambor. Lo bueno es que este truco es realmente fácil de implementar, pero sí cambia drásticamente el sonido de tu groove de tambor. lo que estoy hablando es cambiar tu surco de tiempo normal a medio tiempo o doble tiempo. Echemos un vistazo a un grupo normal que tenemos hasta ahora. Tenemos nuestro bombo en el uno y el tres, con nuestras octava notas tocando en los sombreros altos todo el tiempo. Y entonces lo importante es que tenemos nuestro tambor de snare aterrizando en los dos y los cuatro de la barra. Ahora ese snare drum landing on the two and the four es lo que llamamos el backbeat. Ese surco es lo que llamamos grupo de tiempo normal porque los tambores de snare aterrizan en los dos y los cuatro. Entonces tenemos nuestros surcos de tiempo normales al backbeat golpeado contra los dos y los cuatro. Y también tenemos grupos de tiempo medio y doble. Todo lo que tenemos que hacer para cambiar nuestro surco de tiempo normal en medio tiempo o doble tiempo es cambiar la colocación de los latidos bancarios para cambiar un grupo de tiempo normal a medio tiempo, todo lo que necesitamos hacer es cambiar las colocaciones de tambor snare desde los dos y los cuatro de la barra hasta apenas los tres de la barra. Y eso te da la ilusión de que estás jugando medio tan rápido, pero en realidad no estás cambiando tu templo. Para cambiar nuestro surco de tiempo normal a un doble groove de tiempo, todo lo que tenemos que hacer es cambiar nuestras colocaciones de la caja de los dos y los cuatro a los extremos de cada latido. Por lo que tocamos nuestros tambores de snare en el 1234. Y ha tenido los sonidos de grupo de tiempo doble. Y eso te da la ilusión que estás acelerando las cosas. En realidad, sin embargo, en realidad no estás cambiando la velocidad del grupo. Sólo estás cambiando cómo se siente el grupo. Por lo que el tiempo normal es la snare tambores en los dos y los cuatro. medio tiempo es la snare tambores en los tres del bar. Y luego el doble de tiempo es el final de cada latido. Realmente es como una ilusión rítmica. Estás cambiando cómo suena en términos de velocidad, pero en realidad no estás cambiando la velocidad. Simplemente suena como si te estás desacelerando o acelerando. Es realmente divertido meterse con estas cosas. Y mi cosa favorita personal es hacer grupos de medio tiempo. Simplemente las encuentro muy divertidas. Lo bueno es que puedes usar estos diferentes campos para diferentes configuraciones musicales. Es, tienes un lento frío junio. Es posible que quieras ir a un surco de medio tiempo. Si es una recta normal por la línea, rock June o pop June, tal vez el tiempo normal sea bueno. Y luego si quieres una canción que suena realmente enérgica, debes ir por el doble tiempo para acostumbrarte a estos diferentes campos. Te recomiendo jugar un par de barras de grupo de tiempo normal, y luego otro par de barras de doble ranura de tiempo, luego un par de barras o ranura de tiempo normal, luego un par de barras de grupo de medio tiempo clínico. Y solo sigue adelante y transita desde estos diferentes campos hasta que te sientas cómodo en los tres. Y realmente es una herramienta súper poderosa. Y todo lo que estás haciendo es cambiar la colocación del tambor de la caja. Si estás tocando junto a la música o estás atascando con tus compañeros, definitivamente probar ese truco es muy divertido. 19. 18 Cómo usar diferentes fuentes para las ranuras: Todos los grupos hasta ahora que hemos hecho, acabo de estar en el hi-hat y solo quiero hablar de algo que puedas hacer que cambie el grupo por completo. Y eso es simplemente cambiar la superficie en la que estás tocando esa mano derecha. Te voy a mostrar un par de ideas de que podrías hacer que cambiara completamente el groove sin tener que hacer mucho trabajo aparte del cambio del hi-hat a una parte diferente del kit de batería. Lo primero que podrías hacer es cambiar tu juego de la mano derecha en el sombrero alto para realmente poner justo el piso tom. Crea un ambiente totalmente diferente y es un poco más rock en un poco más rumbly. Y es genial porque ya estás tocando como una cosa de rock pesado. Una vez dispuesto a solo tomar todo el extremo bajo y simplemente ser realmente bajo. Y puedes pasar al hi-hat para las diferentes partes de la canción y crea un bonito contraste. Otra cosa que puedes hacer es mover tu mano derecha desde el hi-hat hasta el platillo ride, el símbolo correcto es mi símbolo favorito en el kit de batería. Me parece tan versátil y es tan divertido jugar las tarifas y fue algunos sonidos diferentes. Tienes tu golpe normal en el centro del símbolo. Tienes tu golpe de ventaja, que un poco le da un sonido mucho más chocante. Y tienes tu lado de campana. Muy bien chicos, sólo quiero mostrarles un par de semanas que en realidad pueden tocar la campana del platillo de paseo. El primer camino es solo la forma normal, que es simplemente tocarla en la punta del palo como cualquier otra parte del kit de batería, lo que crea aquí una bonita campana de sonido suave para ese sentido. Por lo que se mezcla bastante bien con el resto del símbolo. Y es genial para cosas de jazz y cosas más tranquilas. Y si no quieres una campana súper fuerte, esa es una gran manera de tocarla. Pero si quieres tocar cosas más arrojadoras como rock o punk o funk y esas cosas. ¿ Dónde quieres un bonito definido la campana? Puedes tomar el hombro del palo, que es la parte gruesa aquí. Lo estoy tirando a través de la boleta esta o en ángulo. Por lo que bastante, el palo en realidad está entrando en contacto con la campana y de esa manera se obtiene un cargador campana más pronunciada . Si comparamos los dos. Como probablemente se puede escuchar, la segunda versión donde estamos colocando el hombro en el palo, que tiene mucho más contacto, es mucho más fuerte, mucho más pronunciada. Y es genial para la música rock. Entonces eso es sólo un pequeño consejo para ti. Completa tu grupo con todos estos diferentes ajustes del platillo ride. Para que solo pudieras tocar un grupo con solo el símbolo de campana y justo el medio del símbolo. O puedes ir completo crash y simplemente usar el borde del símbolo y hacer un gran sonido lavado. O puedes usar combinaciones de estos. Un ejemplo típico es tocar octava notas en tu platillo de paseo, y tocar cada cuarto nota en la campana. Que los cuervos son frase realmente cool, realmente popular en la música rock. Otra variedad de esto es que todavía estás tocando tus octava notas en el platillo ride. Pero en lugar de poner la campana en el 1234 y lo haces en los offbeats ego 1234. Y eso crea un sonido mucho más animoso. Y es bueno para una música funk, música pop, música rock, todas esas cosas buenas. Por último, si quieres ir lleno en explosivo con tus surcos de tambor, solo puedes entrar en el platillo crash y simplemente tocar tus octava notas sobre eso. Si es una gran parte de la canción o quieres tener un sonido de explosión masiva. Eso es una gran cosa que puedes hacer. Sugieren que los prueben. Todos son solo sabores diferentes del mismo grupo esencialmente. Y como se puede escuchar el sonido completamente diferente. Y eso es sólo moviendo tu mano derecha, las diferentes partes del kit de batería. Realmente es algo bastante poderoso. Y es probable que tengas un buen número de grupos aprendidos ya. Así que ya tienes tantas versiones más de esos grupos para que te metas. Así que diviértete un poco con eso y ve la siguiente lección. 20. 19 Estructuras de una canción: En esta lección, quiero hablar de la estructura de la canción. A pesar de lo que el guitarrista y cantante ven los osteomas son músicos. Músicos por supuesto tocan canciones. Entonces va a decir que entender cómo funciona una canción es vital para ese proceso. Lo que vamos a hacer en esta lección, hablemos de la estructura de la canción y hablemos las diferentes secciones de la canción y sus características. Entonces en general, la estructura de la canción es justo cómo una canción es organizada por diferentes secciones. Hay algunas secciones principales diferentes de las que la mayoría de las canciones están hechas. Hay intros, hay versus hay coros. Hay pre-curso a veces también, y también hay puentes y luego otros. En primer lugar hablemos de la intro. El intro es bastante autoexplicativo. Normalmente es la introducción de una canción. Pueden ser una introducción de tambor o una introducción de guitarra, o la banda completa podría simplemente dar un tiro al mismo tiempo, la intro suele estar ahí para captar la atención del oyente. Realmente está ahí para presentar la canción. Después de eso, tenemos Vs, vs son donde patea realmente la canción principal. Vs están ahí para contar la historia de la canción. Por lo general hay múltiples versus en una canción. Y líricamente, los Vs cambian. El verso realmente está ahí para establecer la escena para el coro. Entonces empezamos con la intro, luego entramos en reversión, y luego a veces hay un pre-coro. El pre-curso podría estar ahí para cerrar la brecha entre el verso y el coro, que hablaremos en un segundo. El pre-coro podría ser una gran acumulación hacia el coro, o podría ser lo contrario con la música va realmente tranquila, lo que hace que el núcleo destaque aún más. Así que verso de introducción, a veces un pre-curso, y luego tienes tu coro. El coro es el clímax principal de la canción. Aquí es donde se unen todas las ideas principales de la canción. Y suele ser un coro realmente pegadizo que ocurre varias veces a lo largo de la canción. A diferencia versus el otro curso por lo general se mantiene el mismo sin importar cuántas veces el jugador. A veces hay que podría ser un doble rumbo hacia el final de la canción también. Después de este primer curso, generalmente vuelves al segundo versículo. Aquí es donde las cosas vuelven a enfriar y normalmente tienes una segunda parte de la historia que se ha contado en el primer verso. Cuando hablo de historia, líricamente, podría haber cambios sutiles en la música en comparación con el primero, primero y el segundo verso. El segundo verso podría ser un poco más escalofriante o podría ser un poco más acelerado después de que el segundo verso suele ser un pre-curso que un coro de nuevo. Y luego solemos llegar a un puente. El puente realmente está ahí para mantener las cosas interesantes en la canción. Debido a que es solo verso, coro, verso, coro, verso, coro, toda la canción, podría volverse un poco repetitiva. Puede que no siempre haya un puente aunque musicalmente, el puente suele ser bastante diferente del verso y el coro. Como dije, el puente se utiliza para romper la repetición del verso y el coro, por lo que suele introducirse algo nuevo. El puente suele llamarse Oriente Medio también, porque suele durar ocho barras después de que el puente suele ser solo un coro o un doble curso. Y luego el outro, elijo ahí para decirle un poco al oyente que la canción está terminando. El outro podría ser un gran clímax. Podría ser lo contrario donde se desvanece. Sólo un poco le dice al oyente que la canción ha terminado. Espero que lo hayas disfrutado. Entonces esas son las principales estructuras de asalto. Tienes tu intro, tienes tu Versus, tienes pre cursos, cursos, y luego un puente y luego un outro. Esto es realmente sólo seis estructuras principales. Todas estas diferentes estructuras de canciones son ya sea para 816 o 32 bares de largo. Podrías encontrar que hay una intro de cuatro barras, o verso de 16 bar que un 8 bar, que un pre-coro de ocho barras, y luego, uh, 32 bar coro. Y ese tipo de permanece igual para la canción. Pero ojalá eso te dé un esbozo sobre Estructuras Cantivas. Es realmente bueno aprender cómo funcionan las canciones porque significa que puedes contribuir a prohibir prácticas, puedes ayudar a romper canciones. También significa que si estás en un ensayo y alguien dice, lo tomaremos desde el segundo curso, sabrás exactamente dónde está eso. Pero sí, ve a escuchar algunas de tus melodías favoritas y tipo de trabajo en qué partes son cuáles son mis canciones de ejemplo bastante estándar, pero tienes un verso, coro, verso, coro, puente, coro. Pero entonces podría haber algunas desviaciones a eso. Ojalá que todo tuviera sentido sin embargo. 21. 20 Examen del ritmo 1: Hola chicos, bienvenidos al examen de ritmo. Como dije en la última lección, esto no es realmente un examen. No te voy a poner a prueba ni hacerte pasar una determinada marca ni nada. Pero es más sólo una oportunidad para que evalúe su propio juego y vea dónde está. Es sólo una simple pieza de tambor de snare que puedes descargar la partitura en los recursos de la lección como de costumbre. Y básicamente quítate eso, vete y solo aprende y juega por ti mismo. Y esa es tu oportunidad de mirar realmente la música. Y si entiendes lo que está pasando y puedes jugarlo. Increíble. Si no, no se preocupe. Solo vuelve a las cosas que hemos aprendido en este capítulo. Y sólo para ayudarte, voy a jugar a través de un tempo lento y rápido. Tómelo muy despacio, como alrededor de 90 BPM y protuberancia obtener o 20 BPM a la vez. Sienta a tu golfista alrededor de un 120 bpm. Porque si puedes tocarla y puedes leer la música y puedes entenderla a esa velocidad. Ese es un gran comienzo para tus cimientos de tambores, ¿verdad? Por lo que voy a jugar a través de eso a los 90 BPM y luego un 120 BPM. Otra cosa que puedes hacer, si quieres agregarle un poco de musicalidad, puedes convertirlo en un snare drum March agregando un bombo en las notas de cuarto por cada beat. Así que si lo estás encontrando demasiado fácil con solo el tambor de la caja, podemos tener ese bombo y tienes tu nivel extra de complejidad ahí. Sí, así que descarga la partitura, sal y empieza a tocarla y aprenderla. Y una vez que lo llevas a alrededor de 120 bpm, entonces impresionante. Estás listo para iniciar el segundo capítulo. El siguiente capítulo es impresionante. Se trata de meterse en la carne de todo el asunto. Así que estoy muy emocionado de empezar eso contigo y te veré ahí. Cuídate. 22. 22 notas 16.: Empecemos este nuevo capítulo hablando de notas 16. Pero en primer lugar, recapitulemos. Hay cuatro notas de cuarto en una barra de 44. Hay 8 notas octava en una barra de 44. ¿ Se puede ver una tendencia? Bueno, como era de esperar, hay 16 notas 16 en la barra para, para el valor de la nota 16 es mitad del de la octava nota y un cuarto de cuarto de nota. Eso significa que podemos encajar cuatro en un solo latido. No podemos 16 notas de la siguiente manera. 1234. Vamos a probar eso a un ritmo lento. Siéntase libre de aplaudir o jugar en el tambor de la snare con las manos alternas, comenzando con la mano izquierda. Las notas 16 son bateristas. Mejor amigo cuando tocaba tambores, siempre estoy pensando en la nota 16 como mi referencia valor nada. Lo que eso significa está en mi cabeza, siempre estoy contando mis latidos dividiéndolos en notas 16. Hace mucho más fácil contar en tempos lentos, y también me mantiene a tiempo cuando se quiere cambiar entre diferentes valores nulos. Por ejemplo, es posible que esté tocando un groove de octava nota, pero luego entra en un relleno de nota 16. Tener 60 los en tu cabeza ya, contar mucho lo hará mucho más fácil. Confortarse con notas 16 es esencial. No solo eso, sin embargo, quieres ponerte cómodo con cambio a través de diferentes valores nada a velocidad. Veamos cómo podemos hacerlo con nuestros tres valores de nota básica, el trimestre y las notas 16. Este simple ejercicio es una buena manera de acostumbrarse a cambiar valores nada sobre la marcha. Que tocan una barra de notas de cuarto, luego una barra de octava notas, luego una barra de notas 16. Después nos movemos hacia atrás en la dirección opuesta y jugamos otros pesos de barra. Y luego lo terminaremos en una barra de pasillos. Y puedes volver a subir y bajar esto tanto como quieras hasta que tengas confianza. Y luego puedes empezar a saltar de core a notas 16 y luego viceversa. Te recomiendo que no puedas abrir tu práctica esto ya que te ayudará cuando lleves este conocimiento al kit de batería. Lo final de lo que quiero hablar es la nota 16 descansa al igual que todos los demás recuperados, simplemente los contamos de la misma manera que lo harías con un valor nudoso normal. Simplemente no jugamos por esa duración. Hay un sencillo libro de trabajo de descanso de 16 notas en la descarga. Así que echa un vistazo. Voy a jugar a través de ese cuaderno de trabajo para ti ahora. Ahí vas. Eso es 16 notas hechas. A continuación, vamos a estar mirando cómo podemos combinar las notas sexta, séptima, octava juntas para producir patrones más interesantes. 23. 23 16ª notas con 8ª notas: Hemos mirado las notas 16 por sí solas, lo cual es un buen comienzo. Pero algo común que verás y escucharás en la música es la combinación de octava notas con notas 16 en un ritmo. En esta lección, te mostraré las combinaciones más comunes de estos valores nada. Empecemos con este primer ejemplo. Observe cómo los tallos en el octavo piso y las notas 16 se combinaron en un paquete limpio. Cada uno de estos es un latido largo. Ahora, ¿cómo podemos contar esto? Bueno, como mencioné en la última lección, una buena práctica es mantener a dieciséis y lo que está pasando en tu cabeza todo el tiempo, no importa lo que juegues. Y como sabemos, una octava nota duplica la cantidad de tiempo como nota 16. Por lo que se pudo ver una octava nota toma hasta notas 16. Usando esto, podemos llegar al ritmo de la siguiente manera. 1234. En la octava nota se retoma tanto el uno como el E del beat. Y luego solo tocamos o a las notas 16, los ands y la app. Entonces si fuera a contar las notas 16 voz alta a una jugada ese ritmo, obtenemos esto, 12341. así como se reprodujeron los sonidos del ritmo. He puesto el metrónomo para contar las notas 16 junto con el ritmo. Entonces si estás luchando, pruébalo porque sí ayuda. Ese es el concepto básico. Entonces. Sigue continuando hasta las notas 16. Pero cuando aparece una octava nota, solo cuenta hasta 16 notas seguidas antes de tocar la siguiente nota. Vamos a pasar por algunos ejemplos más. Podrás notar que algunos de estos ritmos tan similares a los que jugamos en el cuaderno de descanso de la nota 16. Eso es porque algunos de ellos lo son, son las mismas cosas escritas de manera diferente. No obstante, una regla general es que queremos menos tinta y cosas confusas en nuestra partitura. Por lo que probablemente escribiríamos la que tiene las octava notas. Pero debes ser consciente de que en realidad puedes escribirlos en ambos sentidos. Cuanto más juegues y lees estos ritmos, más reconoces los patrones y los tallos. Y solo sabrás de inmediato cómo suena. Por ejemplo, cuando veo estos ritmos, en realidad no tengo que recortarlos, sino reconocer las formas y simplemente entender cómo suenan. Podrás hacer exactamente lo mismo con alguna práctica y tiempo. No nos olvidemos de la octava nota de descanso. Entonces aquí hay un par de combinaciones de notas 16 y octava nota de descanso. El concepto es exactamente el mismo. Solo por diversión, veamos cómo podemos usar estos ritmos en contexto a un groove. Nos meteremos en ello mucho más en detalle en las próximas lecciones. Pero solo quiero mostrarte lo que puedes hacer con estos ritmos específicos. Lo que podemos hacer es tocar estos ritmos y la mano derecha en los sombreros altos. Y luego podemos sumar nuestro bombo básico al uno en el libre, y el snare drum en dos y el cuatro. De inmediato tenemos algunos grupos de envío interesantes. No soy como su curso de choque en notas 16 y hecho. Ahora podemos llevarlo a los kits y divertirnos un poco. Como siempre, cuanto más lo hagas, más lo entenderás. Así que ponte practicando. 24. 24 16ª nota: Muy bien, ahora sabemos contar. Me complace. 16 notas. Nunca los apliquemos a algunos grupos. El primer grupo que tengo para ti es probablemente uno de los grupos basados en notas 16 más básicas. Y empieza con solo tocar notas 16 en el hi-hat. Y solo las tocaremos como notas alternas como derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, etcétera. Soy una rodilla dorada y 234. Y subiendo la siguiente etapa, el grupo acaba de sumar un bombo en el uno y el tres. Lo final que tenemos que hacer es solo agregar ese golpe de espalda en los dos y los cuatro en el tambor de la caja. Así que por ahora vamos a quitarnos el bombo y simplemente enfocarnos en las manos. Vamos a tomarlo muy despacio. Entonces mantenemos nuestras manos en el hi-hat. Pero para ese tambor de snare aquí, solo estamos tomando nuestra mano derecha y moviéndola hacia abajo al tambor de la caja, los dos y los cuatro patas, 311234. Y así todo lo que tenemos que hacer es seguir tocando esas notas 16 y simplemente movemos su mano hacia abajo en el backbeat. Así que voy a jugar que realmente se ralentiza. Se puede ver exactamente lo que está pasando con esa mano. Y todo lo que tenemos que hacer ahora es solo agregar ese bombo de nuevo y tenemos nuestro groove de la nota 16. Este es un gran grupo para música funk, música disco, incluso música rock y música dance. Es realmente versátil y crea una fuerza impulsora genial para esos hi-hats. El siguiente grupo es muy similar exagerando, en lugar de simplemente hacer el bombo y el uno y los tres lo estaban haciendo en 1234. Así que tenemos un bombo de conducción, bombeo en cada cuarto nota. Y eso realmente ayuda a martillar a casa esa vibra de baile discoteca. Tener el juego de bombo en cada cuarto nota de un bar 44 es algo llamado cuatro en el piso. Solo significa que estamos tocando ese bombo en cada cuarto nota. Así que si alguna vez escuchas músicos son conductores hablan piso extranjero y solo significa que están tocando el bombo en cada cuarto notas. Una vez que tengas esa coordinación básica 16 con el hi-hat y el snare y el bombo, podemos empezar a meternos con diferentes variaciones de snare drum and bass drum. Entonces aquí hay un par de latidos de variaciones. Esto no será demasiado duro. Recuerda alinarte con el bombo en la mano derecha cuando estés tocando esos hi-hats. Aquí hay algunas variaciones de tambor de snare. Estos son un poco más difíciles porque vas a estar poniendo esos 16 y el hi-hat también va a estar bajando para diferentes partes en el tambor de la caja. Así que todo lo que estamos haciendo por las variaciones del tambor de la caja es que estamos manteniendo ese mismo patrón de mano, pero solo estamos moviendo diferentes partes hacia abajo al tambor de la caja. Así que vamos, sólo estamos manteniendo eso en marcha. Y luego pondremos la caja aquí. O podemos usar la mano izquierda, bajar eso a la caja y realmente divertirnos con ella. Entonces te mostraré un par de ejemplos. Y luego te mostraré una improvisación donde solo estoy guardando ese mismo patrón de mano de 16 notas y solo lo estoy moviendo en diferentes puntos del tambor de la caja. Esto tomará un poco de tiempo acostumbrarse y conseguir que ese movimiento fluya muy bien. Realmente tómelo despacio y simplemente acostumbrarse a mover esa mano derecha del hi-hat, abollado el tambor de la caja. Y lo mismo con la mano izquierda. Encuentro las manos izquierdas un poco más difíciles porque hay que maniobrar entre la otra mano. Vas a tener que ir debajo de ella. Pero si lo tomas muy lento, eventualmente se acostumbrará al movimiento. Y también puedes traer tu otro folleto derecho para darte un poco más de espacio. Lo principal a practicar es solo conseguir esas notas 16 y el hi-hat realmente bonito e incluso y asegurarte de que estás obteniendo esa bonita espalda entre los dos en el otoño con ese groove básico. Una vez que estés contento con esa acumulación y agrega algunos más bombos y tambores de snare como quieras. Lo final en esta lección quiero mostrarte es que no tienes que usar ambas manos para las notas 16 y el hi-hat. Si quieres tener un grupo de fuentes cool, ese es un tempo lento, solo puedes usar la mano derecha para esas notas 16 y crea un estuche de ambiente fresco, un combustible diferente cuando lo estás tocando. Y solo quieres una especie de recostarse y groove nos mordimos más porque es 16 con ambas manos es más rocoso y bailando con una mano. Si estás haciendo un tempo lento, simplemente crea un bonito no puede renunciar a eso. Quieres simplemente sentarte en el bolsillo y simplemente surco lejos. Por lo que te recomiendo practicar tanto las notas 16 como la alta hacia fuera con ambas manos y solo por una mano también. Y realmente concéntrate en conseguir esas notas 16 incluso y sonar bien. 25. 25 16ª nota: Muy bien, ahora conocemos unos 16 grupos conocidos. Veamos unos rellenos de mirada 16 que al igual que los grupos, vamos a estar incorporando esos a nuestros rellenos. Al igual que esas notas 16 y el hi-hat, sólo vamos a tocarlas como derechas, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, alternando trazos. El primer relleno que tengo para ti es el relleno más simple, básico y es el que escuchas todo el tiempo que se está jugando. Fueron estudiantes de golpes en el tambor de la caja, por trazos en el primer término, cuatro golpes en el segundo mandato, y luego cuatro golpes en el piso, tom. Y como sabemos, se necesitan cuatro semicuavers para hacer un golpe. Por lo que jugamos uno en cada una de estas cuatro cosas diferentes que tenemos en una rodilla, en la caja para estar bajo el primer término, tres E y a, y el tercer término. Y luego finalmente, lo adivinaste por ocho y en el piso tom. Y al igual que los otros campos que estábamos haciendo, sí tenemos que hacer todo un relleno de tambor de barra. Podemos incluso solo hacer uno latidos drama sin valor lleno. Así que si estás jugando a ese vencer a un semicuavers, eso es sólo las cuatro notas, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Y podemos jugar eso dondequiera. Aquí hay un ejemplo. Este no es el tambor de la caja. Podemos jugar que como cayó un grupo etilo o como una cuadrícula de 16 notas llenan esencialmente el cool con esa 16 nota hi-hat groove también. Ese es un gran campo que los bateristas usan todo el tiempo. Es realmente simple y no está demasiado en tu cara. Y por eso, puedes deslizarte en grupos y canciones y no es abrumador y se va a quitar de la sal. Podemos ser ese patrón simple para vencer canción si quieres. Lo que podemos hacer para que estos se sienta un poco más interesantes rítmicamente es que podemos sustituir estos cuatro semicuavers por 2 octava notas. El primer ejemplo que tengo para ti es para cada semicuavers, así que uno Neander, y luego a octava notas, dos y luego cuatro semicuavers de nuevo, tres. Y luego finalmente a octava notas para el ritmo es sólo una rodilla bajo 234. Y así es como suena. Si te mueves alrededor del kit. Aquí hay otra combinación donde he puesto dos latidos de octava notas juntas y luego dos latidos de semicuavers juntos. Entonces eso suena como 1234123 E y un 40. Y obviamente no tienes que jugar ese bloque de cuatro semicuavers en el Tom o el uno snare, o donde sea. Puede moverlo en diferentes partes. Entonces, por ejemplo, en esta película, estoy haciendo dos en cada término. Y suena genial. El relleno final que tengo para ti es algo muy parecido donde solo estoy haciendo dos semicuavers en cada tambor y toma dos latidos. Eso dice muy complicado, así que sólo voy a jugar para ti. Ahora debes jugar al menos se siente muy lento. Pero a medida que te vuelvas más rápido, podrías notar que cuando estás jugando esto llena y tu Andy en el piso tom es bastante difícil volver a meterte en la ranura al otro lado del kit en los sombreros altos. La mejor manera que pienso en ello es cuando estás jugando ese Phil y tú golpeas tu último golpe de mano derecha, ahí es cuando empiezas a moverte por encima de esa mano, vuelta al hi-hat. Y luego haces tu carrera de elevación final. Y luego tú, ahí es cuando básicamente sigues la mano y vuelves a la placa normal en posición. Un poco de ejercicio que puedes hacer para ayudarte a moverte hacia arriba y hacia abajo. El kit es donde haces cuatro en la caja por primera vez, para el segundo mandato, para el segundo mandato, y luego cuatro en el tono del piso, lesioné exactamente lo mismo trabajando tu camino de regreso hacia arriba. Entonces haces cuatro en el piso, tom, cuatro en el segundo mandato por primera vez, luego foráneos el tambor de la caja, y luego vuelves al inicio del pequeño ejercicio. Es similar al ejercicio que te mostré en el primer capítulo de Oriente y lo que es, pero ahora lo estamos haciendo como semicuavers, por lo que está un poco más involucrado. Ya sabes, no lo hiciste por un HP y tienes que moverte un poco más rápido. Como siempre, tomar esto se siente muy lento. Una vez que te acostumbras al control de las manos y al movimiento y al conteo de semicuavers, comenzarás a acelerar de forma natural jugando con lentitud. Conseguir esa memoria muscular significa que podrás jugarlo más rápido y mucho más rápido. Cuando estás practicando. Estos compañeros se sienten libres de usar un groove de la nota 16 y luego hacer el relleno. O puedes hacer una ranura de octava nota y luego hacer el relleno, o hacer ambas cosas. Diviértete con esas habilidades sin embargo, te veré en la siguiente lección. Nos vemos ahí. 26. 26 Ritmos de relleno modulados, parte 2 expande tu vocabulario: Bienvenido de nuevo a la segunda lección de llenado de tambor modular. Ahora los conceptos son exactamente los mismos que la anterior lección de tambor modular. Tenemos nuestra hoja de trabajo que debes descargar, y es básicamente lo mismo. Aparte de eso, ahora tenemos 16 notas con las que trabajar. En la primera lección modular, teníamos cuatro ritmos con los que jugar. Ahora tenemos 11. Eso es porque tenemos nuestras notas 16 para jugar, y tienen cuatro notas por beat. Por lo que podemos hacer diferentes combinaciones y combinar eso con octava notas. Y tenemos 11 ritmos totales. Hay más, pero pensé que 11 era suficiente por ahora. Aquí hay un par más, pero estos son los principales. Como dije, esto es muy parecido a la primera lección. Sólo tenemos más ritmos con los que jugar. Si no puedes recordar, el sistema modular es realmente sencillo. Así que tienes tus 11 ritmos que puedes elegir. Cada uno de estos dura un latido. Y como se puede ver en la hoja de trabajo, tenemos cuatro cuadrados en blanco. Todo lo que hacemos es escoger algunos ritmos, poner uno en cada caja, y luego esa caja de ritmo equivale a una barra de relleno de tambor. Lo que voy a hacer ahora es solo jugar a través de cada uno de estos ritmos que tienes que elegir. Yo no incluiría el cuarto nota resto porque eso es sólo silencio de todos modos. Podrías notar en la selección de los ritmos latinos que en realidad he incluido algunos pegados. Ahora ese es el pegado recomendado. Puede que no funcione para cada relleno de tambor, pero si sigues ese pegado, podrías terminar queriendo hacer otra cosa. Y si se siente más natural hacer eso, absolutamente ir por ello. Como puedes ver en la hoja de trabajo, tengo algunos ejemplos para ti. Entonces lo que haré es que los tocaré en el tambor de la caja, tempo lento y rápido. Y luego empezaré a moverlo alrededor del kit de diferentes maneras. Todos estos están improvisados, por lo que algunos de ellos podrían no funcionar. Algunos de ellos podrían sonar mejor que otros. Pero eso es todo parte de la diversión. Se llega a experimentar y probar las cosas por sí mismo. Y ahí vas. Esos son algunos ejemplos para que empieces. Eso es sólo para que empieces. Por lo que te recomiendo que realmente te vayas y vengas con tus propias cosas. Simplemente elige y elige algunos ritmos. No tiene que ser ritmos específicos. Sólo armar cualquier cosa. Se te ocurrirá un campo interesante que quizá no hayas jugado de otra manera. De todas formas, espero que te diviertas un poco con eso y me encantaría ver tus videos y rellenos. Hazme saber y hasta la próxima vez, cuídate. Adiós. 27. 27 Cómo usar el pie izquierdo en las ranuras: El pie izquierdo es algo de lo que realmente no hemos hablado hasta ahora cuando estás tocando los tambores, a menudo se descuida el pie izquierdo. Mucha gente realmente no lo usa tanto, pero creo que es una herramienta realmente valiosa para el cronometraje y la expresión. Hay muchas cosas que puedes hacer con él. En esta lección, te voy a mostrar algunos ejercicios diferentes que puedes hacer para acumular esa fuerza y control del pie izquierdo. Y una vez que terminemos con esos ejercicios, voy a mostrar cómo puedes implementar el pie izquierdo en grupos para que sea un poco más interesante. No sólo mantiene las cosas interesantes cuando te estás moviendo, también es un gran cronometrador. Verás muchos bateristas cuando toquen. Tienen ese pie izquierdo golpeando lejos. Y eso no es para un propósito musical, generalmente, suele ser con fines de cronometraje. Por ejemplo, Chad Smith de los chiles rojos calientes. Hace eso mucho. Y creo que lo usa sólo para el cronometraje. Entonces en mi humilde opinión, desarrollar ese pie izquierdo junto tus otras extremidades va a permitirte ser mejor baterista. Entonces en toda esta lección, tenemos tres variantes diferentes de un hi-hat patrones que estaban jugando en los pies. La primera variación es solo tocar notas de cuarto con tu pie izquierdo. La segunda variación es jugar octava notas con el pie. La tercera variación es solo jugar los offbeats, así que vamos en los extremos de cada beat. Por lo que 1234, la fruta hi-hat se nota con la cruz en el fondo del bastón. Probablemente notarás que en estos ejercicios, estoy usando una pandereta en mi hi-hat. Eso es puramente para que en realidad se pueda escuchar, pero los hi-hats haciéndolo simplemente lo hace un poco más audible. Eso no es una necesidad. Entonces para el primer ejercicio, exagerar es jugar octava notas en la mano. Y todo lo que hacemos es pasar por esas tres variaciones de patrones hi-hat. De la forma en que me gusta tocar estas notas, es solo hacer nuestra barra de trazos a la derecha, luego una barra de trazos izquierdos, y luego dos barras de trazos alternos o derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, derecha, a la izquierda por dos barras. Así que te dejaré escuchar ese ejemplo con las octava notas dando vueltas a través de las tres variaciones diferentes en el hi-hat. El segundo ejercicio es muy similar a eso. Aparte de que estamos haciendo en notas de cuarto en las manos en lugar de octava notas. Y de nuevo, lo que estamos haciendo es una barra de mano derecha, barra de mano izquierda y luego dos barras de trazos alternos. Y de nuevo, todo lo que hacemos es jugar a través esas tres variaciones de hi-hats. Primero en la nota de cada trimestre. Segunda versión es cada octava nota, y la tercera versión está en los offbeats. El tercer ejercicio que tengo para ti, es lo mismo de nuevo, pero estamos tocando notas 16. Cuando estás tocando las notas 16, solo estás tocando trazos alternos para todo el asunto. No tienes que preocuparte por hacer un comprador de tarifa y un comprador de izquierda y luego alterno. Sólo manténgalo en marcha. Derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, etcétera. Una variación de ese tercer ejercicio es, en lugar de simplemente mantenerlo en el tambor de la trampa para hacer ese mismo ejercicio de cuatro en la trampa para en el primer término, para el segundo mandato, y luego cuatro en el piso, tom, y luego haz lo mismo todo el camino de nuevo. La parte complicada es hacer esas variaciones del pie izquierdo mientras te estás moviendo hacia arriba y abajo del kit. Eso va a subir tu coordinación y va a acostumbrarte a tener ese pie izquierdo Gui. Me estoy moviendo arriba y abajo del kit porque puede ser bastante difícil equilibrar eso al principio. Así que sólo tómelo despacio. Ahí vas. Esos son tus tres ejercicios en los que te puedes quedar atrapado. Que cuando estés jugando estos ejercicios, realmente presta atención a ese pie izquierdo y asegúrate de que esté bajando al mismo tiempo que tus manos. Todos están cayendo juntos y todo está en sincronía. Realmente no quieres tener un retraso entre la mano y el pie izquierdo bajando en el ritmo. Porque entonces empieza a sonar bastante descuidado. Eso vendrá todo con el tiempo sin embargo. Por lo que esos ejercicios te acostumbrarán a jugar con ese pie izquierdo. Pero ahora veamos algunos surcos donde realmente podemos implementar ese pie izquierdo en. Vamos a estar poniendo estos grupos con la mano derecha en el platillo de paseo en lugar del hi-hat. Y como se puede ver que la cruz está en realidad en la línea superior en lugar del espacio por encima de ella. Y eso indica que estamos tocando un platillo de paseo. Lo que tengo para ti son tres grupos diferentes. Y en cada uno de estos tres grupos, solo tenemos esas tres variaciones diferentes hi-hat. Por lo que la nota de cuarto y luego la octava nota, y luego los offbeats haciendo estos surcos con el pie izquierdo va pueden ser bastante desalentadores al principio. La forma en que te recomiendo realmente construir este surco es empezar con los pies y simplemente conseguir los pies apretados y trabajar juntos. Y luego agrega la mano derecha haciendo octavos nodos en el platillo de paseo. Y por último, una vez que estés contento con eso, solo para añadir en la trampa de la mano izquierda durante la batería en los dos y los cuatro. Y terminarás con un surco de platillos de paseo fresco. Suena bastante fresco, pero la pandereta también. Así que una vez más, sólo voy a pasar por cada grupo y cada versión del pie izquierdo. Es bastante simple una vez que construyas ese grupo y lo tomas muy despacio, solo asegúrate de nuevo que tu pie izquierdo esté alineado con todo lo demás que estás jugando. Por último, lo que debes intentar hacer es mantener una versión del hi-hat en marcha. Entonces digamos que el pulso de cuarto nota, solo mantén eso en marcha y deja sin cambios el surco. Debería intentarlo con un pulso de cuarto de nota, el pulso de la octava nota, y luego el pulso fuera de ritmo en el pie izquierdo. Una vez que puedas fluir entre ellos, puedes jugar a todos estos grupos. Has clavado absolutamente ese pie izquierdo. Recuerda en el primer capítulo donde hicimos las variaciones de bombo con la rejilla, ahora podemos usarlas como tu groove, bajo con el patrón de bombo. Y puedes poner tu mano derecha hasta el platillo ride y luego probar las tres variaciones en el hi-hat. Así que diviértete un poco con eso y tómelo muy despacio. Si realmente estás luchando, simplemente deshazlo todo de vuelta. Empieza con los pies, luego agrega las manos. Una vez que estés contento con la coordinación de usar ese pie izquierdo. A continuación vamos a ver las rejillas abiertas hi-hat. 28. 28 consejos de Top tip Diferentes sonidos de un solo batería: Así que hemos hecho un montón de cosas en surcos, rellenos, partituras, diferentes valores de nada y cosas. Y pensé en sacarlo a la luz con esta lección aquí. En esta lección te voy a mostrar cómo puedes obtener múltiples sonidos de un solo tambor. Específicamente, vamos a estar mirando el tambor de la caja. Así que dejemos atrás el kit y te mostraré algunos ejemplos. Me voy a centrar en el tambor de la caja y te voy a mostrar algunas cosas que puedes hacer para sacar el máximo provecho de esta gota. He elegido este tambor de snare porque es el centro del kit de batería, es uno de los tambores más versátiles que puedes tocar. Y ya sabes, vas a estar sacando mucho. Por lo que es genial saber qué tipo de texturas y sonidos diferentes puedes sacar de este tambor. Por lo que empezamos con solo la cabeza normal del tambor de la trampa que acaba de golpear la cabeza en medio del tambor con la punta del palo y tu Bentsen eso apagado. Por lo que no chocolatea totalmente la gota. Así que cada groove y simplemente suena bastante normal. Entonces esa es tu forma básica de tocar el tambor de la caja. Eso probablemente es lo que has estado jugando hasta ahora. Y es genial para solo Griffin a lo largo. Y no quieres crear demasiado volumen a partir del tambor de la caja. Lo segundo que te voy a mostrar es donde quieres crear una bonita caja de corte de carga que va a cortar a través una banda de rock o una banda de metal. Podemos usar lo que se llama el tiro de llanta. disparo inverso es similar al golpear el tambor normalmente, pero estamos agregando mucho más del hombro del palo al golpe. Entonces en lugar de simplemente golpear el tambor con la punta, también usamos el hombro del palo por este ángulo y queremos golpear más de la superficie aquí, en realidad terminamos golpeando el borde por aquí. Y esa es una forma muy común de tocar el tambor de la caja. Ahora, cuando empieces a jugar tiros de llanta, probablemente termines golpeando la luz de la llanta esto todo lo que necesitas hacer es sólo enojado. Te pegas lentamente hacia abajo por lo que en realidad contacta tanto el borde como la cabeza del tambor de la caja. Esta es la forma en que normalmente toco mi snare drum. Y como probablemente se puede ver, no sé si se puede ver esto en la cámara, pero mi baqueta en realidad se libera en el medio porque estoy golpeando tanto el borde. Entonces como dije, crea un sonido de tambor de caja de corte mucho más fuerte. Para que como se oye, es mucho más fuerte. Es mucho más de corte y es algo muy satisfactorio jugar. Crea una buena grieta en el tambor de la caja y igual de genial para tocar porque te da ese bonito sonido de golpeteo. Pero también se siente mucho más sólido cuando lo estás jugando. La tercera cosa que puedes hacer en el tambor de la caja es la cruz gruesa. Es algo así como lo opuesto al tiro de llanta porque probablemente sea lo tranquilo es que se podría hacer en el tambor. Todo lo que tenemos que hacer es poner nuestro baqueta en el tambor de la caja y usar nuestro pequeño pellizco los dedos, así que el pulgar y el dedo índice pondrían que corrí el palo y simplemente dejamos nuestros otros dedos sueltos como eso. Entonces lo que hacemos es que sólo levantamos nuestro palo y golpeamos la llanta. Quieres apuntar a alrededor de las dos en punto de la llanta. Entonces una en punto, dos en punto alrededor esa zona porque ahí es donde está cómodo. Quieres tener una bonita muñeca recta. Entonces no es así ni así. No estás luchando por conseguir un buen agarre cómodo, sino que solo apuntas a esa zona de las dos en punto. Y tal vez quieras experimentar con cuán lejos sale el baqueta. La mejor manera de hacer eso es simplemente ir a lo largo. Para mí. Se trata de ahí. Obtienes un clic agradable, sólido, ingenioso. El lado se pega genial para si estás tocando un entorno más tranquilo, ya sabes, acto acústico o jazz o algo así, todavía quieres tener eso de vuelta, pero no quieres tocar un tambor de snare ruidoso. Otra cosa que podrías hacer es que puedas dar la vuelta al palo y jugar con el exterior. Y eso crea un buen cargador, clic más definido. Así como eso. Otra cosa que podrías hacer con acrostic ya que puedes mantener la mano ahí. Pero hay palo cruzado así. Pero puedes golpear la superficie del tambor con la otra mano y eso crea un buen tambor de envío muerto. Lo final que quiero mostrarte es que no tienes que jugar el centro del borracho todo el tiempo. Obviamente, apenas estamos iniciando el centro del drama es donde se obtiene el sonido de enfoque agradable. Pero si vas más lejos hacia la cinta recta esta área, obtienes mucho más connotaciones y mucha más preparación. Entonces si quieres agregar un tipo explosivo de acentos sonar, siempre puedes simplemente golpear el borde del tambor, golpear la habitación también. Y eso obviamente es como un mini tiro de llanta. Compare eso con. A menudo escucharás Reggae y bateristas latinos tocan eso al borde ahí porque manda un buen Tim Bali, que a menudo se usa en esos estilos de música. Ahí vas. Esas son algunas cosas que puedes hacer con el tambor de la caja. También podemos hacer es probar todas estas ideas con esto se aproxima apagado. Entonces inmediatamente tienes algo más de ciencia con la que puedes meterte. Ojalá eso te dé una idea de lo versátil que es este tambor. Hay muchas más ideas por ahí. Solo tienes que ir a explorar y experimentar por ti mismo. Acrostic es el único de estos cuatro que tiene su propia notación. Entonces donde suele ir el tambor de la trampa, tenemos una cruz, y eso significa que estamos destinados a estar tocando a través de gruesos y no un golpe normal de tambor de snare. Las otras variaciones como el borde aquí en el tambor de la caja, probablemente se escribirán como texto en la partitura para que sepas lo que está pasando. Pero ojalá consigan que tus jugos creativos fluyan y se diviertan un poco con él. 29. 29 Consejos principales para hh: Muy bien chicos, ¿cómo va? En esta lección, te mostraré un pequeño truco genial que puedes hacer que va a permitir que tus grupos fluyan mucho mejor. Este truco realmente aplica para cuando estás haciendo nota 16 florece en el hi-hat. Así que tal vez estás haciendo un groove de octava nota recta como 1234, y luego tal vez agregue alguna nota 16 florece en el hi-hat. Entonces podría ser algo así como 12348. Y quería mostrarte hoy es que no tienes que jugar tu mano todo el camino hacia arriba del otro lado del hi-hat para conseguir que esto florezca porque hay mucho movimiento de tu mano izquierda y el tambor de la caja a este lado del hi-hat. Ahí es donde normalmente tocarías 16 notas en el hi-hat. Para que como se puede ver, hay mucho movimiento de esa mano izquierda subiendo y bajando. Lo que les voy a mostrar hoy es una manera de minimizar ese movimiento desde la mano izquierda hasta la caja hasta el sombrero alto. Lo que me gusta hacer con ellos tocando esas notas hi-hat en la mano izquierda es en lugar de subir completamente así, pero en realidad solo mantener tu muñeca aquí donde normalmente está, en lugar de mover toda mi mano para golpear el hi-hat Así, ¿por qué hacer es en cambio solo girar la muñeca y golpear el hi-hat con el costado del palo. Entonces se vuelve más de un movimiento como un látigo. Tu brazo se queda donde está y luego solo te estás moviendo y girando la muñeca para llevar tu palo hasta el arte más alto como este. Lo demostraré para ti muy lentamente. Realmente comienza a entrar en su propia. Cuando aceleras las cosas. Una vez más, solo estás girando muñeca hacia arriba para golpear el hi-hat con el hombro del palo y estás volviendo hacia abajo casi como un golpe lateral. Para empezar, ese movimiento es ligeramente antinatural, pero usa los dedos para controlar el palo y añadir poder de esa manera. No es totalmente de lado así. Solo quieres agregarle una especie de movimiento rotacional. Ese pequeño truco va a ayudar a tus grupos a la gripe mucho mejor sin embargo. Así que ten en cuenta que si alguna vez estás haciendo ese tipo de groove y quieres embellecer, definitivamente prueba eso. 30. 30 groove de sombrero abierto: En la última lección, miramos cómo podemos usar nuestro pie izquierdo e implementarlo en nuestro surco de platillos de paseo. De lo que vamos a hablar ahora es de cómo podemos usar hi-hats abiertos para llegar a grupos de sonido cool e interesantes. Cuando te dan junto con el superior y lo abres en ciertas partes. Simplemente agrega un poco de textura y puede agregar mucho al grupo sin hacer demasiado. Es un bonito adorno que puedes hacer que pueda complementar otras partes de la música que estás tocando dos. Entonces, en lugar de solo jugar hi-hats constantes yendo todo el tiempo, podemos abrirla y añadir un poco de aire a esa ranura. Lo primero que te voy a mostrar es un pequeño ejercicio que puedes hacer. Vamos a conseguir cualquier ayuda que tu pie izquierdo se acostumbre a jugar junto a los surcos que vas a estar haciendo. Lo que vamos a hacer es solo tocar constantes octavas notas en el hi-hat. Y en el último, no está fuera de la barra. Vamos a levantar ligeramente nuestra fruta para crear un bonito hi-hat abierto. No quieres quitarte el pie completamente del futbol. ¿ Quieres estar siempre en control del pedal hi-hat? Así que solo levanta ligeramente y crea un buen chisporroteo. Cuando quiero usar un hi-hat abierto, por lo general solo lo abro ligeramente con el pie izquierdo. Entonces no es demasiado duro de repente. Pero si estás tocando los surcos de rock no son cosas más pesadas, entonces absolutamente levantado un poquito más. Pero como dije, no levante el pie izquierdo completamente del plato del pie porque solo será un poco demasiado duro cuando estés jugando. Y también se quiere tener el control. Quieres estar siempre en control de la placa de pie. Por lo que levantas ese pie para la H final nada y luego lo traes de vuelta al día siguiente. No está en el hi-hat. El peso y el hi-hat abierto está anotado es sólo un simple pequeño círculo sobre el hi-hat. Se puede suponer que si la siguiente nota hi-hat no tiene un círculo por encima de ella, significa que está cerrada de nuevo. Una vez que tienes la caída de eso, ahora puedes agregar el bombo en la nota de cuarto mientras haces ese mismo patrón de mano. Esto puede ser desafiante al principio porque probablemente no estés acostumbrado a usar el pie izquierdo así. Pero si te quedas con él y te aseguras que ambos pies estén bajando al mismo tiempo y que todo esté alineando como de costumbre. Entonces ojalá suene como lo que acabo de tocar. Tómelo muy despacio si lo necesitas y simplemente enfócate realmente en hacer que ese pie izquierdo, pie derecho y mano derecha se alineen. La siguiente variación del ejercicio es lo mismo, pero en lugar de tocar el bombo en cada cuarto nota, estamos tocando el tambor de la caja. Nuevamente, solo toma esto lento y asegúrate de que tu mano izquierda y mano derecha y pie izquierdo estén todos alineados. La variación final está tocando tanto el bombo como el tambor de caja en cada cuarto nota. Y eso significa que las cuatro extremidades están trabajando juntas. Así que va a ser un poco un acto de equilibrio. Pero sólo acostumbrarse a eso y tener buena postura. Y sólo se asegura de que todo esté alineando. Como siempre. Una vez que tengas la caída de eso, ahora podemos mirar algunos surcos. Así que como siempre, tengo un montón de ejemplos para ti. Puedes descargarlos todos en la hoja de trabajo como de costumbre también. Y así sólo voy a correr a través de todos por ti. Si estás luchando con alguno de estos grupos, solo empieza con el hi-hat en la mano. Después agrega el OpenNotes con tu pie izquierdo, y luego agrega el bombo. Y luego por fin añadir el tambor de la caja. Si luchas con algo en la batería, lo mejor que hay que hacer es simplemente romper cada extremidad y averiguar qué está pasando en cada extremidad por separado y luego ponerlo todo de nuevo juntos. Estás agregando un límite extra a tus alegatos. Entonces va a tomar un poco de tiempo acostumbrarse y eso está bien. Me llevó mucho tiempo acostumbrarme a abrir grupos hi-hat. Esto será un reto y solo asegúrate de que tu pie izquierdo y derecho esté jugando al mismo tiempo cuando lo necesiten, y que tus manos estén alineando sus pies también. La forma de sonar bien cuando estás de duelo es asegurarte de que eso suceda. Sólo quiero reiterar la notación rápidamente. Si tiene un círculo sobre el sombrero alto, eso significa que es un hi-hat abierto. Y si el próximo hi-hat nada no tiene círculo, eso significa que lo estás cerrando y ahí es cuando baja el pie izquierdo. Una vez más, lo que puedes hacer es volver a los grupos que aprendiste en el sistema grid. Y solo puedes agregar algunos hi-hats abiertos donde quieras. Incluso puedes usar ese sistema de rejilla que usamos en el capítulo uno y simplemente poner círculos aleatorios donde quieras. Y puedes probarlo y ver cómo suenan estos surcos. Así que diviértete y experimenta, y te veré más tarde. 31. 31 surcos de bajo sincopados: De acuerdo, la lección de hoy va a ser brutal, también va a ser una muy divertida. Te voy a mostrar cómo puedes usar notas 16 sincopadas en el bombo para llegar a unos grupos realmente interesantes. Entonces, ¿qué significa cuando algo sincopado? sincopación en la música es donde tocas ritmos que no necesariamente se alinean con el grupo normal. Entonces, si escuchas un baterista, hay muchas cosas diferentes que normalmente no ocurrirían en un groove normal de octava nota. Pero están tocando diferentes ritmos de tambor de snare y su acento en diferentes partes. Y todo se une y crea una pieza de música mucho más interesante. Cuando alguien habla de sincopación es solo ese término manta de ritmos simplemente interesantes que van en contra del ritmo. Y la base de esta lección es que vamos a estar jugando grupos de octava nota con las manos. Voy a estar jugando con esa sincopación con notas 16 en el bombo. Ahora esta va a ser una lección difícil porque no estás acostumbrado a hacer esto y va a tomar un tiempo. Así que no te enfades contigo mismo. Si no puedes hacerlo después de cinco intentos o 50 intentos o un 100 tries. Esto llevará tiempo. Esto me llevó mucho tiempo llegar, así que solo tómelo despacio. La estructura ballena de esta lección es que te mostraré el primer ejemplo, y te mostraré cómo lo trabajo y lo toco y lo descifraré todo en términos de extremidades. Y entonces es exactamente el mismo proceso para los otros ejemplos. Y luego solo voy a jugar a través los otros ejemplos en lugar de explicar uno por uno porque eso va a durar una hora de lección. Ahora, para todos estos ejemplos iniciales sólo va a ser el bombo y el sombrero alto. Y luego la segunda variación de estos ejemplos es solo agregar en ese tambor de snare en los dos y los cuatro. Pero por ahora solo estamos mirando el hi-hat y el bombo. Entonces veamos este primer ejemplo. Sólo lo estoy descomponer rítmicamente. Primero vio el ritmo en sí es apenas 1234. Y ese es nuestro ritmo básico. Sólo estamos tocando en diferentes partes del kit de batería. El modo en que abordo todos estos ejemplos es que en realidad solo pasaría por nota por nota y averiguaría qué se está tocando en cada nota. Entonces el primero que estamos tocando un bombo en el hi-hat juntos. La segunda nota es solo un bombo por sí mismo. Entonces finalmente tenemos un hi-hat por sí solo. Y si solo lo tomas muy despacio y lo tocas así, si solo vas juntos, bombo, hi-hat juntos, bombo, hi-hat, y solo tómalo tan despacio. Eventualmente levantarás la coordinación que se requiere y luego podrás empezar a acelerarla. Como siempre, con estos ejemplos, te recomiendo contar semicuavers todo el tiempo y eso te hará más fácil para tu conteo. Pero si ves un ejemplo y piensas, Oh Dios mío, ¿ cómo toco eso? Simplemente descúbrelo mirando primero el ritmo y luego mirando la orquestación, I E, lo que realmente estás tocando y cuando lo estás tocando juntos y cuando estás tocando las cosas por separado. Como mencioné antes, todos estos ejemplos tienen dos versiones. Tenemos la versión que es sólo el bombo en el hi-hat. Y luego tenemos el que es el bombo, los sombreros altos, y luego la caja en los dos y los cuatro. Entonces una vez que hayas construido esa coordinación con solo el bombo y el sombrero alto. La siguiente etapa es sumar eso vuelta entre los dos y los cuatro. Y te tienes un síncope y una ranura. Repasemos todos los ejemplos ahora. En, tocaré la versión que acaba de tener el hi-hat y el bombo. Y luego tocaré la versión que tiene el tambor de la caja también. Todos estos ejemplos sólo están destinados a construir la coordinación. Y luego puedes tomar estas ideas y ponerlas todas juntas de diferentes maneras, mezclar y combinar. Y puedes llegar a algunos grupos realmente locos. Pero por ahora solo vamos a pasar por estos ejercicios, boletos súper lentos, y solo levantaremos esa coordinación. Como dije, esto va a ser muy difícil empezar. Cuente en voz alta y no te enfades contigo mismo. Bueno. Eso es un montón de ejemplos. Así que no espero que hagas todos estos uno por uno en una sola vez porque eso va a ser un poco de un derretimiento cerebral. Solo tómate un par de tiempo acostumbrándose a ellos. Llévala al kit de batería y solo juega y practica, vuelve y haz un par más y solo trabaja de esa manera. De esa manera en realidad tienes tiempo para digerir eso y puedes acumular mucho mejor la memoria muscular. A continuación, te voy a mostrar algunos ejemplos de lo que puedes hacer si combinas estos diferentes patrones y puedes llegar a algunos surcos geniales. Cada uno de estos surcos es de una canción, así que pondré una pequeña anotación de lo que es esa canción. Ahora esta es la parte donde el tambor empieza a ponerse realmente interesante cuando se empieza a agregar estas notas 16 en el bombo y eventualmente el tambor de la caja, que es en realidad la siguiente lección. Empieza a convertirse en esta cosa mucho más expresiva porque eres capaz de tocar grupos de octava nota, pero luego salir de esa rejilla x-naught a notas 16 con diferentes extremidades. Y ahí es donde toda la música funk, todo el interés por los surcos, todo lo divertido es toda la zona de la servilleta. En mi opinión, no hay nada de malo tocar solo nuestra calle por la línea rock groove. Si eso es lo que necesita la canción. Se trata de tener esas habilidades en nuestro arsenal listas para funcionar. Entonces, si lo necesitas, puedes usarlo. Vamos a estar haciendo exactamente lo mismo ahora con el tambor de la caja. 32. 32 surcos de tambor de la ronda sincopada: Ojalá hayas construido algunos conocimientos de sincopación de bombo sobre. Tienes algo de independencia y tu pie derecho. Las notas tienden a mirar a la mano izquierda y cómo usamos el tambor de la caja de la misma manera. Los procesos son exactamente los mismos que el aprendizaje. Todo esto es lo mismo. Así que no voy a hablar sobre cómo hacer esto. Sólo voy a pasar por todos los ejercicios, así que no es un video súper largo. De nuevo, solo un pequeño recordatorio, lo que podemos hacer es que podamos mirar primero los ritmos. En este primer ejemplo es 1234. Y luego simplemente vamos a romper lo que está jugando juntos y lo que se está separando. En este caso, es juntos que la mano izquierda que la derecha. O simplemente juegas eso realmente despacio y eventualmente acudes a ti. Al igual que la última lección, sin embargo, tenemos dos versiones de cada ejercicio. Así que en primer lugar, sólo estamos haciendo el hi-hat en la mano izquierda y la caja. Y luego la segunda variación es que agregamos un Ford y para bombo. Por lo que está jugando cada cuarto de nota porque estás agregando ese pie derecho y es una coordinación de autopista. Por lo que será un poco más desafiante. Pero entonces es un ejercicio realmente bueno para hacer. Voy a dejar de hablar y sólo dejaré que escuches todos estos ejemplos reproducidos. Nunca conozcas esta lección y la última lección, solo hay tantos ejercicios y probablemente estés pensando que es tan aburrido. Y puede ser a veces, ya sabes, es un poco un molinillo en este punto. Pero te prometo que vale la pena porque lo que estamos haciendo es que estamos construyendo nuestro vocabulario. Y eso significa que ahora podemos tomar este vocabulario. Usas pequeños patrones y los construyes y los usas en contexto para ver algo en el kit de batería. Y eso es realmente emocionado. Sólo podría enseñarte 50 ritmos de tambor de 50 canciones. Pero eso significa que solo sabes tocar esas 50 canciones muy bien. Y todo esto se trata de enseñarte las herramientas para llegar a tus propias cosas. Como siempre digo, eso es mucho más gratificante. Te prometo que si realmente estás pasando por esto y simplemente haces todo el trabajo, valdrá la pena. Porque entonces comenzarás a reconocer patrones y sabrás cómo jugarlos. que puedas escuchar una canción y escuchar un baterista y pensar, oh, eso es lo que está haciendo. Está haciendo una rodilla y dos E y una libre en fin de Fourier tipo de cosa en el hi-hat entre la snare y lo alto. Así que puedo copiar eso y esa manera es mucho más gratificante solo para que empieces. Perro consiguió tres grupos de tres canciones diferentes más un grupo que acaba de componer yo. Así que ojalá puedas groove a lo largo dos canciones inmediatamente una vez que hayas aprendido todos estos diferentes bits y bobs del otro vocabulario y todos estos ejercicios. Bueno. Ese ejemplo es en realidad parte de lo que llamamos la ruptura de Amén. El break de amina es en realidad una parte de tambor realmente famosa que reconocerás en la música drum and bass, hip hop, música dance más fuerte. Y es sólo una simple muestra de batería de una canción llamada Amén hermano de los Winston's. Si solo Google la amina, habrá un montón de listas de canciones que han usado este beat. Así que si aprendes ese groove, vas a poder tocar mucha música. Además, voy a hacer un pequeño enchufe aquí si te interesa aprender más sobre cómo tocar música electrónica y música de drum and bass, y aprender más sobre el break de amina, he consiguió un segundo curso llamado el baterista híbrido que entra en todo eso con tanto detalle. De todos modos, ese es el tapón terminado. Sí, lo siento, realmente es Dalit un momento. Es un poco de grano estas dos últimas lecciones. Pero vamos a volver a encarrilar. Vamos a estar aprendiendo algunas cosas divertidas en un poco. Pero por ahora, practica esas dos lecciones y luego empieza a combinar las cosas del bombo para las cosas de la snare drum. Y serás como, Gracias a Dios, ya sabes, si escuchaste algunas cosas viejas de James Brown o las cosas de tono del centro comercial, habrá un montón de tambores realmente funky. Tengo esa sincopación. Entonces, una vez que tengas ese vocabulario en tu cabeza, ve a escuchar algo de eso, recrea. 33. 33 permutaciones Ejercicio Construye la independencia de las extremidades: En la lección de hoy, quiero hablar de permutaciones de nota 16. Ahora esa es una palabra muy elegante. Si no sabes lo que significa la permutación, la definición del diccionario es cada una de varias formas posibles en las que un conjunto o una serie de cosas se pueden ordenar o arreglar sobre lo que hace eso realmente media en términos de drop-ins? Pero cuando hablo de permutaciones de nota 16, estoy hablando de todas las diferentes formas posibles en que puedes tocar notas 16 en un beat o en un bar. Jugar a través de estas permutaciones es una gran manera de construir la independencia de las extremidades. Para que puedas hacer más complicado basado en cosas o cosas de tambores cuando estás de duelo. Es una gran manera de acumular precisión dentro de la ranura de la nota 16. Timing, todas esas cosas buenas. Y si estás confundido, no te preocupes, voy a romper todo por ti. Es bastante similar a las dos últimas lecciones, pero sólo vamos a profundizar un poco más en todo el concepto. Volvamos a nuestro buen amigo, el sistema de grilla que hicimos en el capítulo anterior. Lo que tenemos aquí es sólo un surco normal H naught rock, bastante estándar. Tienes tus hi-hats en cada octava nota. El bombo está en el 1234, y luego su snare tambores en los dos y los cuatro. La diferencia ahora es que tenemos nuestra configuración de grid en notas 16 y no solo octava notas. Entonces hay más plazas. Tenemos 16 plazas en lugar de x al cuadrado está en el bar. Entonces lo que vamos a hacer en estos ejercicios de permutación es que sólo vamos a mantener con el hi-hat y el tambor de la snare exactamente igual que nuestro beat básico, ese es nuestro ritmo esqueleto. Y lo que vamos a hacer es queen realidad solo cambiemos en realidad solo cambiemos nuestra nota de bombo a nuestro pequeño círculo de bombo. Vamos a cambiar a la derecha por un cuadrado. Y vamos a hacer eso a cada nota base en la cuadrícula. Así que cada bombo sencillo es desplazado por un semicuaver. Por lo que la primera variación es solo tocar en el 1234 en el bombo. Y luego lo cambiamos hacia la derecha. Entonces estamos haciendo eso por uno, comer y comer, y comer y comer. Y así lo hemos desplazado por un semicuaver. Esta es nuestra primera permutación porque es sólo una variedad y una secuencia de notas 16. Simplemente hacemos esto otras dos veces. Lo que entonces hacemos es volver a cambiar las notas del bombo por un cuadrado a la derecha. Para que luego juegue en los extremos de cada beat. Y la permutación final está jugando en cada ritmo. Entonces un Adafruit. Y si cambiamos esto una vez más a la derecha, realidad terminaríamos en la primera versión donde estamos tocando en el 1234 y los bombos. Eso es porque hemos desplazado hasta ahora que realmente hemos restablecido la cuadrícula. Por lo que el más alejado a la derecha en realidad acaba de volver al inicio del ritmo. Estamos en el 1234. Por lo que en realidad solo hay cuatro variaciones por las que preocuparse. Ese es el concepto básico de permutaciones en notas 16. Sólo estás tomando una de las notas y simplemente moviéndola a la derecha en una cuadrícula. Mientras que hacer es simplemente jugar a través de ese ejercicio. Y la forma en que realmente toco esto es solo tocar una barra de la primera permutación, un bar, el segundo, un bar el tercero, bueno luego un bar el cuarto. Y entonces solo puedes recorrer esa ronda tanto como quieras. Lo tocaré para ti. Un tempo lento y rápido. Ese es un gran ejercicio en sí mismo. Por supuesto, lo que podemos hacer ahora es que en realidad podemos hacer para basar sus notas seguidas en lugar de solo la una. Es exactamente el mismo concepto. Tenemos nuestros dos bombos y cada beat, y todo lo que hacemos es cambiar estos dos bombos y cambiar a la derecha en la parrilla. Y es aquí donde empieza a ponerse un poco más desafiante porque tienes que preocuparte por hacer dos bases a partir de notas. Y sobre todo cuando empieces a hacerlo, terminarás jugando teórico basado en notas y una regla. Pero por supuesto, si estás luchando, solo concéntrate en la mano derecha y luego en el pie derecho, y luego trae el tambor de la snare más tarde. Y por supuesto, sólo tómelo despacio. Tocaré esta variación de permutación de los dos bombos seguidos para que puedas escuchar cómo suena. Y por supuesto podemos hacer exactamente lo mismo con el tambor de la snare. Entonces nuestro esqueleto B va a ser apenas octava notas en el hi-hat, y luego bombos en 1234. Y luego hacemos exactamente lo mismo y simplemente hacemos el tambor de la snare en el 1234 también. Y luego nos desplazamos en la cuadrícula de notas 16 a la derecha. Y luego lo hacemos en el uno, comemos y comemos, y comemos, y comemos. Y simplemente lo seguimos cambiando. Una vez más, sólo hay cuatro variedades. Entonces así es como suena eso. Se puede hacer eso de nuevo con los dos tambores de snare seguidas también. Honestamente, jugar por estas permutaciones es algo tan poderoso que puedes hacer porque te vas a sentir tan cómodo dentro de la subdivisión de la nota 16, que en su mayor parte es lo vas a estar jugando. Entonces es algo realmente poderoso. Si puedes ponerte cómodo, entonces te estás riendo. Y una vez que estés feliz y puedes hacerlo con bastante facilidad, lo que puedes hacer es cambiar tus grupos esqueléticos. Entonces el tipo de cosa que solo estás manteniendo lo mismo , puedes cambiar eso. Entonces mi ejemplo que tengo aquí es que estamos cambiando nuestra mano derecha para jugar 1234. Y tenemos nuestro tambor de snare en los dos y los cuatro. Y luego solo hacemos nuestras permutaciones de bombo por eso. Y eso de nuevo es un monstruo, ejercicio de monstruos. Ahora eso es un reto por cierto. Así que no lo intentes y te molestes si no puedes hacerlo porque como digo, eso es algo más avanzado. Pero si te sientes seguro y sientes que puedes hacerlo, entonces absolutamente ir por ello. Y por supuesto, puedes pensar en tus propios grupos de esqueleto para poner sobre tus permutaciones. Jugar a través de esto y sentirse cómodo con esto es una cosa tan poderosa aunque honestamente, podrás escuchar los surcos y simplemente escuchar lo que están haciendo y solo poder jugarlo al instante. Estos ejercicios de permutación solo acumulan esa coordinación que te permite pensar en un groove y simplemente jugarlo de inmediato. En mi opinión, realmente es el secreto solo tener esa habilidad de simplemente jugar lo que quieres jugar, sobre todo cuando estás jugando ranuras es tan útil. Entonces, por ejemplo, solo voy a tocar algunas cosas que involucren todas estas diferentes permutaciones. Y simplemente haré un poco de improvisación de una cosa de grupo de barra solista de tambor. Para que puedas escuchar cómo realmente puedes aplicar todas estas cosas. Este material se está derritiendo correctamente el cerebro, así que te recomiendo que pares el curso ahora. Simplemente bájate y practica esto y luego vuelve más tarde. Si estás viendo atracón, conoce Fairplay, solo vuelve a esto porque es realmente importante. 34. 34 Agregar batería de bajo: Así que estás tocando tus dibujos, estás de duelo. Tienes un baterista de conducción realmente genial, tal vez como cuatro en el piso y el bombo. Y solo estás conduciendo la banda o la canción que estás tocando dos, y simplemente envía impresionante. Entonces cuando se trata del relleno del tambor, solo haces tu relleno de tambor estándar. Pero EBITDA belleza, belleza, repetibilidad P2P, que suena genial, pero te das cuenta de que en realidad podría perder algo de ese poder que tenías en el groove. Y eso es porque estás tocando a un grupo que tiene cuatro en el suelo, en el bombo. Y entonces de repente juegas un campo que no tiene ninguna base en absoluto. Por lo que se pierde mucho de ese extremo bajo, esa baja frecuencia, y mucha de esa potencia del kit de batería. Entonces un truco que hago todo el tiempo es que en realidad mantengo ese bombo yendo en los rellenos de tambor, agregando saltos base, rellenos de tambor es una gran manera de agregar energía a tus rellenos. También significa que tienes un enlace mucho más cohesivo entre el relleno del tambor y la ranura del tambor. Entonces en lugar de simplemente sentirme como un relleno de tambor, entonces crecí que llenar de tambor en una ranura. En realidad suena como más como una cosa mallada porque tienes un bombo funcionando todo el tiempo. Y no es tan discortante cuando se escucha un relleno de tambor y luego de repente no hay bombo. Entonces te voy a mostrar algunos ejemplos diferentes de lo que puedes hacer y cómo puedes agregar una base a partir de dos rellenos de tambor diferentes. Lo primero que podrías hacer con el bombo y el relleno de tambor es de lo que estoy hablando en el primer escenario al inicio del video, donde tienes un extranjero para impulsar el crecimiento. Y luego solo tienes que mantener ese bombo en el suelo y en el suelo. Cuando estás haciendo tu relleno de tambor, no importa lo que sea, mantener el bombo en nota de cuarto durante el relleno y el grupo es solo una gran manera mantener tu cronometraje y chequear. Y también mantiene el impulso y la sensación del surco. Si quisieras llevar esa sensación de conducción aún más lejos, puedes alegar angstroms en cada octava nota y eso crea un llenado de tambor aún más impulsor y explosivo. Oirás que muchos bateristas de rock hacen eso. Leían la obra octava notas en el bombo y luego tocan un gran rollo de tambor de snare en una nueva sección de la canción, que es casi como el clímax de la canción. Otra cosa que puedes hacer es separar las notas de bombo en el relleno. Ya que están haciendo octava notas todas en tus manos, puedes agregar unos bombos en lugar de manos. Entonces en este primer ejemplo, en realidad estamos separando las octava notas, trazos alternos en la mano, luego la fruta. También se puede hacer no sólo con octava notas, sino también con dieciséis, esas. Entonces intenta que ese concepto sea bastante simple. Simplemente agregas algunas notas de bombo a tus rellenos de tambor, ya sea en las notas de cuarto, en las notas octava, o en cualquier lugar que realmente quieras. Y encontrarás que tus rellenos de tambor solo tienen mucho más poder para ellos. Ahora, tocar el bombo en los campos es algo que hago todo el tiempo porque me encanta la sensación del poder detrás de ese bombo, sobre todo cuando lo combinas con los toms y sobre todo el piso tom. Si estás tocando cosas de rock y tienes el bombo y la cuarta vez tocando al mismo tiempo, puede destrozar paredes. Ya sabes, de verdad te recomiendo que le des un bash porque es muy divertido. Y ojalá eso te dé algunas ideas de cómo puedes usar ese pie derecho junto con tus rellenos de tambor. 35. 35 acentos de estudio de acento: Las próximas lecciones de este capítulo se van a dedicar a la dinámica. Ahora lo que nuestra dinámica, simplemente ponga dinámica o donde cambies el volumen de su juego. Entonces, por ejemplo, son pieza muy dinámica podría ser una pieza de orquesta. Berg estaba arriba y abajo en volumen y se compararon formas muy dinámicas con como una canción pop donde es mucho justo el mismo nivel todo el camino a través. No es muy dinámico. Las dinámicas son muy importantes para los bateristas y realmente separa el trigo de la paja. Creo que eso es una escena. Sí. Sí. Hay un dicho que es lo mismo. Tenemos la paja separar a los buenos jugadores de los no tan buenos jugadores. Si quieres ser un drama musical, quieres incorporar dinámicas a tu plano. Por lo que quieres ser capaz de subir en volumen y bajar en volumen y jugar dinámicamente. De esa manera vas a ser un reproductor muy musical y tus compañeros de banda te van a encantar por poder controlar realmente tu dinámica y no solo chocar todo el tiempo. Estoy seguro de que si ves algún famoso solo de tambor, vas a ver muchas dinámicas en juego. Vas a ver al jugador bajar en volumen y luego acumular algo de tensión y luego llevar la dinámica a un crescendo. En un clímax del solo es lo mismo que solo estamos tocando en la canción también. Voy a dejar de divagar sobre la dinámica y entrar en la lección. Pero solo debes saber que las dinámicas son muy importantes. En la lista de espera habla de acentos. Por lo que un acento es solo un énfasis en un OT o un conjunto de notas. El peso anotado es con una pequeña flecha por encima la nota que vas a acentuar. En pocas palabras, acabamos de golpear el tambor o símbolo un poco más duro de lo que lo compararíamos con las otras notas. Sin embargo, todo es contextual. Entonces si estás tocando una canción tranquila y los tambores y ves un acento subiendo. No solo golpees el tambor cuando surja el accidente. En realidad tocarlo solo un poco más fuerte. Por lo que se acentúa y se enfatiza. Pero no sólo está totalmente disociado con el resto del avión. Y de igual manera, como ya estás tocando muy fuerte, asegúrate de golpearlo y acentarlo muy bien. Entonces para poner un acento, es bastante simple. Acabas de jugar ligeramente cargador. Entonces con acentos, podemos tomar esta 16 nota snare drum roll. De esto a esto. No jugamos nada diferente aparte de solo agregar acentos a ese patrón de mano. Así que entrémonos en algunos ejercicios que van a acumular tus habilidades de acento. Vamos a empezar con notas de cuarto y simplemente acentuar las diferentes notas de trimestre. Entonces vamos a hacer nuestras octava notas, y luego finalmente nuestras notas 16. Y vamos a hacer diferentes patrones de acento cuando estés jugando estos ejercicios empiezan con solo poner el primer bucle de barra que hasta que estés cómodo que el segundo bucle de barra que hasta que estés cómodo y solo juega todas estas barras por separado hasta que estés contento con ellos por separado. Y luego ponerlos por completo en la línea y luego jugarlos uno por uno. Por lo que rápidamente pasaré por todos estos ejercicios para ti. Voy a jugar cada barra en ejercicio dos veces, y luego voy a dar la vuelta y hacer una tras otra dos veces más bien en el ejercicio. Todos estos ejemplos se acaban de tocar como un solo trazo. Así que han ido a la derecha, a la izquierda, a la derecha, a la izquierda, a la derecha, a la izquierda, a los golpes alternos. Así que solo pasa por todos esos ejercicios y solo asegúrate de que tus acentos tanto en la mano derecha izquierda o en el mismo volumen. Y las estás haciendo bonitas e incluso no tengas miedo de tomarlo despacio y solo asegúrate que tengas el movimiento y es agradable y fluido y no estás demasiado tenso ni nada cuando estás jugando a estos accidentes. Una vez que estés contento con esos ejercicios, tengo algunos patrones de acento con los que necesitamos meterte. Ahora estas se acaban de escribir como notas 16 en el tambor de la caja. Y como se puede ver, hay diferentes patrones de acento por los que vamos a pasar. Ahora puedes tocar estos patrones de acento justo en el tambor de la caja, igual que con los acentos. Pero algo divertido que puedes hacer es que en realidad puedas moverte alrededor del kit para que puedas tocar los acentos de la derecha en el cuarto término, en el acento de mano izquierda en el tono alto. Así que como siempre, voy a pasar por todos los ejemplos contigo. Empezaré con poner el tambor lleno. Es sólo los acentos del tambor de la caja. Entonces pondré los mismos patrones de acento, pero me moveré por el kit. Por lo que los acentos de la mano derecha irán al cuarto mandato. En los acentos de la izquierda subirán a este primer rack tom. Esos ejemplos deberían hacerte empezar, pero te recomiendo que simplemente te metas y veas si puedes llegar a tus propios patrones de acento y luego tratar de moverlos por el kit. No tienes que hacer esta regla específica de mano derecha en el suelo, tom y zurdos la primera vez. Puedes moverlo y ver qué puedes encontrar. Entonces tal vez hagas algunos choques de platillos en la mano derecha y luego te mueves a la mano izquierda arriba y abajo del kit de batería de diferentes maneras. acentos van a ser lo que el maestro drama en ese siguiente nivel. Simplemente agrega un poco de textura y dimensión a tu juego. Y eso hace que sea mucho más interesante para ti, el jugador y los oyentes por ahí. Espero que te diviertas con eso. Y la próxima vez estamos viendo cómo podemos aplicar estos acentos a los surcos. 36. 36 acentos en groove: La última vez estábamos mirando cómo podemos usar acentos y rellenos y cómo podemos construir algunos rellenos con patrones de acento. Esta vez vamos a estar viendo cómo podemos usar acentos en grupos y cómo podemos hacerlos más tridimensionales y más interesantes. Así que al igual que los acentos y los rellenos con los surcos por solo acentuar y enfatizar diferentes partes de la ranura. Entonces el uso más común de acentos en grupos es de la mano derecha, en el hi-hat o la tarifa en algún lugar o lo que sea. En este caso, estamos mirando el hi-hat principalmente. Y vamos a estar primero mirando a los grupos étnicos y cómo podemos agregar diferentes acentos para cambiar la sensación de un simple groove rock. Antes de hablar de algo, quiero hablar de cómo en realidad acentamos o notas sobre el hi-hat o más bien la forma en que lo hago. Y muchos otros bateristas lo hacen también. Así que en lugar de simplemente golpear más fuerte en el hi-hat como este, que es absolutamente una opción como esa. Lo que tiendo a hacer es en realidad usar el hombro del palo. Esta parte aquí, el pedazo grueso y en realidad cavan hasta el borde del hi-hat como para obtener un sonido mucho más grueso, más grueso. ¿ Nos vemos? Quiero decir, hay mucho más grueso que simplemente golpear la parte superior del hi-hat más duro. Entonces si comparamos los dos, se obtiene mucho más énfasis del hi-hat. Si cavas tu hombro en el borde del hi-hat, y eso no fue para todo. Si solo quieres un buen sonido limpio, entonces absolutamente solo pon la parte superior del hi-hat. Pero si quieres un sonido más grueso y absolutamente cavar eso, quédate en el borde del hi-hat. Ahora, cuando estés jugando a un grupo normal de etanol, probablemente termines realmente haciendo el cuarto sin acento de todos modos. Si solo lo estoy tocando así, tiendo a acentuar esa nota de cuarto cavando en palo. De todos modos, sólo por, ese es sólo mi estilo de tambores. Eso es algo que hago. Sólo estoy tocando esos acentos así. Te da un bonito movimiento fluido con tu muñeca. Y eso me lleva a mi siguiente punto cuando estás jugando más rápido y agresivo hi-hats en tu boleto de avión necesita para No muy rápido. No te vayas así. Eso va a ser tan agotador después de un tiempo porque solo estás jugando sombreros altos así. Todo el tiempo. Te vas a lastimar la muñeca y probablemente te vas a tensar y no vas a poder durar toda una canción tocándola de esa manera. Pero si lo tocas como la estaba tocando antes con cuarto sin acentos. Y está tocando así las octava notas. Terminarás con el movimiento de Evernote con el resto. Así que en lugar de ir completamente arriba y abajo, en realidad terminas yendo adelante y atrás más corto que la punta, más corto que la placa de punta que. Y esa es una forma mucho más fluida y fácil jugar grupos más rápidos. Lo jugaré despacio para empezar. Y luego como un speedup, ojalá puedas ver que mi mano se mueve dentro y fuera como un tren o, sabes, como Todd sacramento jugando billar para que puedas disparar el palo en los gorros altos. También verás que el movimiento hace más pequeño y más pequeño. Por lo que tienes una forma mucho más económica de tocar los tambores. Y eso significa que serás capaz de durar todo un set o una canción entera y no estarás cansado de esta manera. Entonces aquí vamos. Así que me cambié un poco a un surco del medio tiempo de la nota 16 allí. Pero como se puede ver, la velocidad de esa mano sigue siendo la misma. Y usando mucho más riesgo y mucho más movimiento dentro y fuera en lugar de arriba y abajo. Si traté de jugar esa misma velocidad con la muñeca, es muy duro y vas a terminar con una lesión en la muñeca. Entonces mi consejo para ti, si estás tocando grupos rápidos o quieres tener un agradable movimiento de riesgo que fluye cuando estés tocando los tambores y cuando me siento más relajada, si sólo un poco haces el in y hacia fuera movimiento y eso te va a ayudar a construir ese control. Y te va a ayudar a jugar mucho más tiempo y mucho más rápido a la larga. Así que pruébalo. Entonces veamos algunas formas en que podemos acentuar mi mano derecha en el hi-hat y un grupo etilo. Así que al igual que el ejemplo que acabo de mostrarte ahí, estábamos haciendo que los ejes de paso del eje pegan en el movimiento nocturno con el palo. Y lo estamos haciendo en el sombrero alto así que acentamos cada cuarto nota. Lo siguiente que podemos hacer es excelente lo offbeat. Entonces en lugar de hacer el 1234 y acentos, estamos haciendo lo contrario. Vamos 1234. Y es muy similar al movimiento de la muñeca o a los acentos cuadrienales. Sólo estamos haciendo lo contrario. de su acento es una gran manera de condimentar surcos que podrían ser simples y aburridos después de un tiempo, solo estoy haciendo esos acentos fuera de ritmo hacen que suene mucho más interesante. Te mostraré un par de ejemplos más de solo cambiar los acentos de la mano derecha en el hi-hat. Para que puedas ver cuánto puede cambiar un grupo con solo agregar diferentes tipos de acentos. Lo siguiente que te voy a mostrar es volver a los patrones de acento de tambor de la snare de la lección anterior. Voy a usar un par de esos patrones de acento de tambor de snare, y voy a ponerlos en el hi-hat. La primera variación que te voy a mostrar algunas, es donde tomamos ese patrón de acento puesto en el sombrero alto. Y luego sumamos nuestra snare en los dos y los cuatro, y el bombo en el uno en el libre. Entonces es ese mismo patrón de nota 16, pero ya hemos jugado un millón de veces. Pero tiene ese patrón de acento que lo hace mucho más interesante y evolutivo. Entonces no es sólo lo mismo una y otra vez. En realidad tiene un poco de dinámica hacia arriba y hacia abajo. La siguiente variación que tengo para ti es, si recuerdas de la última lección, estábamos tocando el tambor de la snare y luego ponemos los acentos de la mano derecha en el cuarto término, la mano izquierda atrás desde arriba y la primera vez, haciendo un tipo similar de cosas. Pero la base no es que el tambor de la caja está arriba en el sombrero alto. Tanto en la derecha como en la izquierda los acentos van bajando al tambor de la caja. Si agregas un bombo cuatro y el cuatro a ese patrón también, solo suena mega. Otra cosa de la que realmente no hablamos en la última lección es cómo podemos realmente usar el para Tom y tocar nuestro patrón acento en eso. Y simplemente suena como una fuerza impulsora realmente genial. Así que si estás tocando un gran rock pesado June tal vez solo entra por Tom y simplemente haz algunas cosas de conducción. Están cambiando los acentos. La variación final que tengo para ti se toma la mano derecha en el piso tom, y luego una mano izquierda hasta otro término o el tambor de la snare o donde sea, solo otra voz en el kit de batería. Si tocas esos patrones de acento entre esas dos voces diferentes, suena como un groove realmente genial, especialmente si obtienes ese par base 44, Meghan. Entonces ahí vas. Eso es todo. En realidad no es demasiado complicado. Y realmente puedes ver el poder de los acentos y cómo puedes usarlos de diferentes maneras. Realmente sí abren una enorme puerta de posibilidades y creatividad y simplemente haciendo que su groove suene mucho más interesante. Creo que eso es lo que pasa porque puedes tocar un rock groove de la misma manera y suena bien, Suena bien, o puedes atascar a lo largo de las canciones. Pero si empiezas a poner diferentes acentos, solo suena como algo tan musical en lugar de solo un bache, protuberancia, protuberancia, protuberancia, protuberancia, protuberancia. Puedes agregar muchas más dinámicas y simplemente cosas interesantes para el oyente. Deshacer. Así que sal por ahí, explora por ti mismo y cuida. Nos vemos más tarde. 37. 37 notas de Ghost: Whoa, whoa, mundo que hacen estos fantasmas aquí, ¿este lugar está embrujado? ¿ O es porque estamos hablando de notas fantasmas? Esa es la peor intro que he hecho al video. Lo siento. Pero sí, hoy estamos hablando de notas fantasmas. Estoy muy emocionado con el tema porque me encanta va no tanto. Y estoy muy feliz de que finalmente estemos en el punto donde podemos hablar de ellos. Ahora. ¿Qué son los cálculos biliares? Los cálculos biliares son básicamente lo opuesto a los acentos. Los acentos hacen las cosas más fuertes, mientras que las notas fantasmas hacen las cosas más silenciosas. Las notas del curso se notan con un corchecito alrededor de las notas que se publican. Entonces si ves eso en la notación, sabes que las vas a estar tocando más tranquilas que el resto de las notas. Las notas del curso son una herramienta esencial para cada baterista. Simplemente son geniales para jugarlo y luego solo agrega mucho más aire **** y textura a tus surcos. También agrega algunas dinámicas. Entonces no es todo lo mismo. Realmente son tan útiles y verás a todos los bateristas profesionales. Están tocando notas fantasmas que casi todo el tiempo están de duelo. La forma en que vamos a estructurar esta lección es vamos a empezar con algunos ejemplos y ejercicios que podemos usar para construir el control para tocar nuestras notas fantasmas. Y luego los vamos a implementar en grupos. Pero antes de entrar en eso, quiero hablar de este genial truco que uso para mis alumnos cuando empiezan a tocar notas fantasmas. Cuando estás jugando goles por lo que quieres tener tu palo bastante cerca de la superficie de la cabeza del tambor. Tan cerca, no quieres estar aquí ni nada. Solo quiero poder tocarlo y solo jugar eso. Y la forma en que consigo que mis alumnos construyan realmente esa disciplina y control es conseguir el inicio de ensamble. He puesto el brazo de la pluma por encima del tambor de la snare, y luego hay que tocar el palo debajo de ese brazo de la pluma. Lo bueno es que el símbolo Stan es su altura ajustable para que puedas mover tu símbolo de pie bastante por encima del estereotipo para empezar con. Y puedes derribarlo lentamente y darte cada vez menos espacio para jugar estos evangelios. Idealmente, quieres estar jugando bastante. Odia. Tienes un pequeño cuarto y va a construir ese control y disciplina. Con eso dicho, vamos a agrietarnos con unos ejercicios. Empezaremos con tres ejercicios diferentes que acumularán ese control para las notas del curso. Y luego te mostraré algunas técnicas que hacer con los movimientos de la mano y la muñeca para obtener los pensamientos más rigurosos. Cuando estás tocando surcos, para tener muchas notas fantasmas en ellos. Por ejemplo, una diversión de la vieja escuela puede llenarse. Encontrarás que tienes que tocar notas en una secuencia de notas y el tambor de la snare ese ajo, por supuesto nada y luego un acento. Entonces no te callaste ruidoso, tranquilo, ruidoso. Y entonces también tienes lo contrario a donde vas carga que tranquilo. Por lo general en notas 16. Estos pueden ser bastante difíciles y difíciles de sipar. Así que sólo quiero mostrarte algunos de los movimientos que haces con el palo que lo hacen mucho más fácil. Así que empecemos con una secuencia en la que va fuerte, así que un axón y luego va, no, justo después. Como dije, suelen tocarse un 16 notas. La forma en que me acerco a esto es bastante simple. Bajaremos por la primera nota, que es el acento. Por lo que normalmente los toco como un tiro de llanta. Y luego para la segunda nota fantasma, simplemente levante el palo y luego toque ligeramente en el camino de regreso hacia arriba. Entonces si hago mi acento y luego mi nota fantasma. Para que como se puede ver, es un movimiento fluido. Por lo que subimos al accidente y van a levantar retroceso para la nota fantasma. Es casi como si estuvieras empujando el accidente hacia abajo y luego estás tirando del palo. Y cuando lo sacas, obtienes una nota extra. Dow es muy útil cuando estás haciendo personal de batería y bajo, de Fung, cosas de rock , un montón de cosas. Yo uso ese movimiento todo el tiempo. Sólo hay una buena forma fluida de obtener básicamente dos nodos, i, si el de un golpe, la siguiente versión es verbing a la nota fantasma primero y luego haremos el accidente después. Me parece esto un poco más complicado, seré honesto, pero la forma en que me gusta hacer es a tus estructuras de gorra para la nota fantasma y ligeramente ángulo para pegarte hacia abajo para conseguir ese tiro de llanta. Se convierte en una especie de movimiento de ancho. Por lo que te da tu golpe de grifo. Y luego tienes tu carrera de salida simplemente cavando en el palo en el borde. Ahí vas. Esos son los movimientos de las manos que hago. Cuanto más practiques, más tocas la música, más te acostumbrarás y obtendrás una sensación y sonido más natural de los palos. Aquí te damos un par de ejercicios sencillos que puedes hacer para acumular esos riesgos, movimientos. Por último, podemos empezar a mirar algunos grupos y cómo podemos usar estas notas fantasmas en contexto. Ahora cuando se trata de notas fantasmas, la cosa es, creo que mucho del drama es que realmente no lo pienses cuando las estás tocando. Para que puedas notar todas estas melodías de fuentes geniales y habrá montones de cálculos biliares por todas partes. Pero una regla general es que se quiere tener los acentos de tambor de snare en los dos y los cuatro como el backbeat. Y luego puedes simplemente rellenar los huecos con notas fantasmas. Honestamente hay un montón de combinaciones diferentes y hay montones de diferentes grupos por ahí. Lo mejor es pasar por todos estos grupos que han llegado a enseñar por ti. Y luego solo bájate y empieza a escuchar viejas melodías funk, melodías de Motown, Red Hot Chili Peppers es una gran. Básicamente, cualquier música, porque mayoría de los tambores se ha bajado del centro. Sólo tienes que mirar hacia fuera para las bacterias y las dos de las cuatro. Y luego habrá un montón de pequeños golpes de tambor de snare suave en el medio que generalmente en la mayoría de las canciones, escuchando música y solo aprendiendo lo que todos estos bateristas hicieron con estos objetivos y lo que es, es sólo una gran manera de aprender. Recomiendo encarecidamente, acaba de salir y escuchar un montón de cosas y simplemente digerirla y entrar en el kit de batería y simplemente practicando por ti mismo. Diviértete un poco. Y realmente sí recomiendo poner algo por encima de la snare para que puedas construir ese control y realmente solo trabajar en los movimientos de la muñeca. En cuanto a las notas jugadas. No estamos haciendo nada loco diferente. Sólo estamos haciendo diferentes dinámicas. Y esa es la parte difícil. En realidad aprender a controlar tu palo es la parte difícil. ¿Dónde están las notas? Probablemente hayas tocado todas estas notas antes, enfocadas en Dinámica y Control. Y serás de oro. 38. 38 marcados dinámicos: Muy bien chicos, ¿cómo va? Solo quiero hacer un video rápido sobre marcas dinámicas. Las marcas dinámicas es lo que usamos en partituras para decirle al jugador qué tan fuerte tocar. Básicamente, son muy útiles porque solo miras un cierto símbolo o cierta letra y sabes exactamente cómo juega la longitud. Pero voy a mencionar antes de entrar en algo que todas estas marcas dinámicas, sus nombres oficiales son en italiano creo. Pero no te preocupes demasiado por eso. Simplemente memorizar los símbolos y las letras. Y eso en realidad va a ser mucho más práctico. Si quieres aprender los nombres sin embargo, entonces ve por ello. No hay daño en hacer eso. Primero echemos un vistazo a las marcas de letras. Hay tres letras principales que quieres aprender. Ahí está P, que significa piano, hay F, que significa 40. Y luego está M que significa meso. Empecemos con la dinámica silenciosa. P para piano es tranquilo. Y cuanto más paz le sumamos a esto, la habitación más tranquila o en juego si estamos leyendo partituras y vimos una P al inicio de la música. Sabemos que lo tocaríamos en silencio. Pero si vimos dos p o incluso tres P, eso es aún más silencioso. Por lo que cuanto más paz veamos, más tranquila repetición. Creo que los nombres son piano para 1-p. pianissimo para TPS. Y entonces creo que es como piano ECMO para tres piezas. No lo soy, no soy bueno en italiano. Entonces en términos de dinámica, si empezamos el más tranquilo, son tres P, luego a la paz, y luego uno P. Y luego bingo a NP, que es mezzo piano, que significa medio suave. Realmente nunca usamos m por sí solo. lo general es antes de alguna otra dinámica. Entonces, ya sea MP o MAF, que entraré en un segundo. Entonces eso solo significa que jugamos medio tranquilo. Si intensificamos o dinámicas una vez más, llegamos a M F. Ahora F significa forte, lo que significa carga. Entonces MF significa carga media. Eso significa que jugamos a volúmenes de carga media. Entonces no es demasiado abrumador, pero tiene algunos, consiguió algo de carne al VSEPR una vez más, llegamos a F, que es 40. 14 significa ruidoso. Y al igual que el piano de p para la tranquilidad, cuanto más F's añadimos, el encendedor significaba tocar. Entonces tenemos el 1.5, lo que significa 40. Y luego tenemos las dos Fs, que significan fortissimo. Fortissimo es muy ruidoso. Y luego finalmente, tenemos tres S, que es para el símbolo PTC, que es tan ruidoso como se puede jugar, básicamente super, super carga. Por lo que en realidad es bastante simple. Acabas de llegar, recuerda P, lo que significa silencio. Y cuanto más añadas, más tranquilo será tu brazo. Y tienes F, lo que significa forte, que es carga. Y cuanto más F's tengas, más grande significaba jugar. Y la M es algo que usas antes de las otras letras. Así mp es igual a medio tranquilo, I, M, F es igual a medio ruidoso. Es un bonito puente entre la P y la F, y eso es todo por las letras. Ahora podemos mirar crescendos y diminuendo. Imagina que tenías cuatro barras que tenían la P, mercado dinámico al inicio de la música. Y eso significa que tocas esos cuatro bares en silencio. Y luego las siguientes cuatro barras tienen la dinámica F, lo que significa que las juegas cargan. Eso significa que tocas los cuatro primeros bares realmente en silencio, y luego de repente juegas en carga. No hay aumento gradual en eso. Pero con crescendos e innuendos, ahí es donde tenemos un lento aumento o disminución de la dinámica. Veamos primero los crescendos. Crescendo significa que aumentamos en la dinámica y está representado por triángulo en expansión. Vemos ese símbolo en la parte inferior de las barras. Y la longitud de ese triángulo representa cuánto tiempo estamos aumentando realmente la dinámica. Si los crescendos más de dos barras, estamos aumentando nuestra dinámica en dos barras. Pero si está aumentando más de ocho barras, estaban haciendo un aumento más lento y gradual de la dinámica. Y por lo general en el inicio y remate nuestro crescendo, tenemos dos marcas dinámicas diferentes. Así que vamos a ver. Ahí está, al principio hay una P, y luego al final hay una F. Así que eso significa que sabemos que vamos de silencio a ruidoso y estamos aumentandoa ruidoso y estamos aumentando largo de esta cierta cantidad de tiempo. Es bastante autoexplicativo. Cuando veas ese símbolo, estás como, Ok, voy a hacer que el cargador diminuendo. Esos son exactamente lo mismo pero en la dirección opuesta. Entonces nos estamos volviendo más tranquilos. Nuevamente, sólo está representado por un símbolo que se está cerrando. Entonces es un triángulo que cierra esta vez en lugar de que se abre de nuevo, la longitud de este símbolo representa cuánto tiempo se tardaron en pasar de ruidoso a tranquilo. Una vez más, por lo general tendremos marcas dinámicas, como un FF para fortissimo, abajo a como una P, lo que significa tranquilidad. Y la combinación de los símbolos y letras crescendo y diminuendo. Tenemos un gran conocimiento y una gran comprensión de lo que el compositor quiere que toquemos. Y ese es el propósito de los mercados dinámicos. En los recursos de la lección, tengo una hoja de trabajo que te dice toda la información que hay en este video. Apenas unas bonitas hojas compactas para que puedas usar eso como referencia. Entonces consigue aprender eso. Y sí me disculpo por mi pronunciación italiana. Soy terrible en eso. 39. 39 diferentes firmas en el tiempo: Bueno, lo hemos evitado hasta ahora, pero creo que es hora de hablar diferentes firmas de tiempo. Por ahora. Estoy seguro que estamos muy familiarizados con la firma temporal 44, pero como mencioné muy atrás en el segundo capítulo, hay más de una firma de tiempo. En esta lección, quiero hablar las principales firmas de tiempo que vas a encontrar, tuvo que leerlas, cómo jugarlas. Y también quiero hablar de las diferencias entre el tiempo simple y el tiempo compuesto. Vamos a echar un vistazo rápido a 44 de nuevo. El número inferior de la firma de tiempo indica cierto tipo de valor de nota, y la nota superior revela cuántas de esas notas hay en cada barra. Una barra de 44 contiene notas de cuatro cuartos. Veamos gratis por ahora. Podemos aplicar exactamente la misma regla y podemos averiguar que va a haber notas de tres cuartos en cada barra. La firma de tiempo de caída libre se usa a menudo en como quiere música. Entonces como 123123123, ese tipo de cosas. Entonces te voy a mostrar un par de grupos que pueden usar en ese contexto. Otro ejemplo es el 54. Ahí es donde tenemos notas de cinco cuartos y A-bar se usa a menudo en metal progresivo y cosas más técnicas porque es un número impar y puede ser bastante difícil conseguir tu cabeza alrededor un poquito. El modo en que pienso en 54 es solo una barra de 44, luego solo agregas un beat extra encima de eso. Aquí hay un grupo que está en 54. Ahora aquí es donde si las cosas se van a poner un poco confusas, así que abrocha en flejes. Y aquí vamos. Echemos un vistazo a esta firma de tiempo aquí, 68. Podemos mirar el número superior y no, hay seis notas en la barra. Pero como se puede ver, el número inferior es un ocho, no cuatro. ¿ Qué significa eso exactamente? Bueno, en pocas palabras, significa que en una barra de seis, hay 6 octava notas en el bar. Y en lugar de usar el cuadrante o como nuestro pulso, ahora usamos las octava notas como nuestro pasado porque tenemos las ocho en la parte inferior de la firma de tiempo. La forma en que estas octava notas se congelan en realidad en la partitura es la parte más interesante. Lo que hemos visto hasta ahora en barras de 44 es que las frases de octava notas se han agrupado como cuatro notas o dos nodos. Pero en una barra de 16, el grupo tiene tres nodos. La forma en que en realidad contamos 68 es muy simple porque nuestra octava nota es ahora nuestro pulso. Sólo estamos contando 123456123456, muchas veces en el 68, los acentos aterrizan en la primera nota y la cuarta nota, que nuevamente enfatiza que los congeladores son libres en las octava notas. Aquí hay un par de 68 latidos de tambor. Estos son geniales para baladas lentas y una especie de música de espalda refrigerada. Observe que cuando estoy usando dieciséis, esos, suena como si estuviera usando octava notas contra el metrónomo. Y eso se debe a que nuestro metrónomo en realidad está contando octava notas ahora en lugar de notas de cuarto. Nuevamente, eso es porque nuestro nuevo pulso en los seis cada firma de tiempo, porque se llama la octava y la parte inferior no es octava notas. Y eso probablemente sea lo más confuso estas firmas de tiempo, pero las ocho en la parte inferior es el hecho, ya sabes, contar octava notas como tu pulso o no notas de cuarto, lo que hemos estado haciendo hasta ahora. Una vez que tienes la cabeza alrededor de ese concepto, los cantantes del tiempo no son realmente eso. Pero ahora puedes estar pensando cuál es la diferencia entre 686 para, bueno, si jugaras estos dos latidos al mismo tiempo, realidad enviarían lo mismo. Si tuvieras el mismo templo para que enviaran lo mismo, tendrías que estar contando el templo al mismo tiempo, pero uno de ellos estaría contando notas de cuarto. Estoy en, vamos a estar contando octava notas y esa es la principal diferencia en cuanto a contarlas. Pero también si fueras a hacer esta barra de 64 en h nada. Por lo que podemos ver que estos pensamientos simplemente se agrupan como 2s, mientras que en el 68, están agrupados tiene congelación. Realmente sólo se reduce a la congelación en ese punto y cómo sientes estas diferentes firmas de tiempo. Entonces en el 168 tendrías una frase de 3123456123456. Y luego con 68, tendrías 123456123456. Y así es una sensación ligeramente diferente. 60 es lo que llamamos una firma de tiempo compuesta, es simplemente significa que tenemos nuestras octava notas agrupadas como tres en lugar de dos o cuatro patas. Nos sumergiremos más en las firmas de tiempos compuestos cuando empecemos a hablar de notas punteadas en el capítulo de notación avanzada, tenemos nuestro tiempo compuesto, que es cosas congeladas en tres. Y luego tenemos nuestro tiempo sencillo, que es cosas enunciadas en N4, por ejemplo, o 64 firma de tiempo es nuestro tiempo sencillo porque podemos pagar nuestras octava notas en agrupaciones de dos, y se ve bien y funciona muy bien. Otras firmas de tipo común son 44345 para básicamente cualquier cosa con un cuatro y la parte inferior en la firma de tiempo. Hagamos otra comparación. Si comparamos 3468, que técnicamente sostienen la misma cantidad de octava notas, podemos ver la diferencia si sentimos ambas barras con sus nodos. El bar 34 se acaba de contar como 123 y tiene frases de dos. Entonces eso significa que es una firma de tiempo común. Mientras que los 68 bares simplemente contaban como 123456. Eso se debe a que el número inferior en la firma de tiempo define lo que el ritmo y los contadores. Y también porque está en congeladores de libre, es una firma de tiempo compuesta. Otras firmas de tipo compuesto tienen un número en la parte superior que es divisible por tres, y eso suele tener un ocho en el número inferior. Por ejemplo, hay nueve octavos y luego también hay 12812 años es una firma de tiempo muy popular y vamos a hablar mucho más de ello en la sección triplete. Pero solo sé que es muy, es muy popular en la música blues y slow blues. Y para empezar, aquí hay un par de grupos que implementan esa firma 128 veces. Bueno, eso es mucha información nueva en tu cerebro. Lo siento mucho, hay muchas matemáticas y números y cosas, y es un sujeto que se derrite el cerebro. Lamento mucho eso. Cuando te sientes despierto por ello y te has superado el trauma, esa es esta lección. Tengo un cuaderno de trabajo para ti que es genial para aprender más sobre estas firmas de tiempo. Habrá preguntas de opción múltiple con diferentes bits y bobs sobre diferentes firmas de tiempo. Y ojalá se construya sobre ese conocimiento. Siéntase libre de hacer eso en su propio tiempo una vez que haya digerido toda esa información. Pero por ahora, solo relájate, deja que se empape y solo toma un café o una taza de té. 40. 40 Examen de ritmo 2: Hola y bienvenidos al segundo examen de ritmo. Esto es igual que el primer día del examen. Aparte de que subimos un poco el nivel , al igual que el primero, sin embargo, esta es solo tu oportunidad de revisar tu progreso y ver cómo te estás subiendo y ver si lo entiendes todo. Así que adelante y descarga la partituras es sólo una pieza de tambor de snare y solo dale un escaneo. Si hay algo en la partituras que realmente no tenga sentido o sea un poco confuso, siempre se puede volver a las cosas del capítulo y hacer un poco de revisión. El objetivo final de este examen de ritmo es simplemente jugar la pieza con precisión. Ahora voy a tocar esta pieza en tres templos diferentes para que puedas escuchar tempos lentos y rápidos y tempo medio. Pero antes de hacer eso, sólo voy a señalar algunas cosas. Quieres estar al tanto del ritmo como los acentos de esta pieza. También tenemos mucha dinámica. Barton, y tenemos bajo crescendo, que es donde obtenemos cargador, que es esa pequeña cuña. Y luego en bar Eleven tenemos las dos P, lo que significa que somos muy tranquilos. De las barras 15 a 19, estamos haciendo un crescendo lento de PPE, que es muy tranquilo a tres Fs o para el sistema PTC o lo que sea, que básicamente significa muy bajo. Cuanto más paz haya, más tranquilo eres, más estrella f, la carga que estás visitando. Sí, sólo tienes que mirar hacia fuera para esos crescendos y esas dinámicas. Y hay otra cosa que quizá no hayas visto todavía. Para que como se puede ver en el bar Eleven, tenemos un poco de una rara línea de bar. Tenemos una barra gruesa y luego tiene estos dos puntos. Esto es lo que llamamos una repetición para marcar. Bueno, también puede notar que al final de esa línea también hay la misma barra con los dos puntos. Entonces lo que hacemos con estas líneas de barras especiales es que jugamos como normal desde la barra de repetición es al inicio en la barra 11. Y luego al llegar hasta el final donde tiene los otros dos puntos al final, la línea, vamos directamente de vuelta a la barra 11 y tenemos las marcas de repetición. Entonces cualquier sección de música que tenga esos dos bares con los dos puntos a cada lado es la sección que se quiere repetir. Dibujaré algunas flechas para que tenga sentido, pero ojalá puedas escucharlo cuando me escuches tocando . Y eso es todo. Simplemente asegúrate de que tengas la dinámica, tienes la repetición. Buena suerte con eso, y te dejaré escuchar cómo suena a un tempo lento, medio y rápido. 41. 42 técnicas de dedo y rodillas de un solo trazo: Como sabemos, el rollo de un solo trazo es simplemente alternando trazos. Entonces derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. O si estamos conduciendo con la mano izquierda, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha. No hay nada demasiado loco ahí. lo que nos vamos a centrar en esta lección es una técnica que podemos usar como puede mejorar tanto el control velocidad de estos roles de un solo trazo. Y esa técnica se llama técnica del dedo. Como saben, hay algunas formas diferentes en que realmente podemos golpear el tambor con su cuerpo. Podemos usar todo nuestro brazo y dejar la parte superior del brazo. Y eso va a producir una nota muy fuerte y poderosa. Pero realmente no podemos jugar rápido esa manera porque estamos moviendo una masa tan grande. Estamos moviendo todo nuestro brazo. Estoy usando grandes grupos musculares que no son tan rápidos pero poderosos. La siguiente etapa entonces es que podemos movernos hacia abajo y simplemente usar nuestros antebrazos. Y todavía tenemos mucho poder. Pero de nuevo, no es muy rápido porque todavía estamos usando grandes grupos musculares. Entonces podemos movernos más hacia abajo y usar nuestro resto, que probablemente sea el 90% de los tambores que harás es usar trazos de descanso. Eso es porque es un buen equilibrio entre potencia y velocidad y control. Porque estás usando un grupo muscular bastante pequeño, pero aún tienes un poco de poder detrás de él. La técnica del dedo implica mover la fuerza de la muñeca, los dedos, y de ahí es donde vas a conducir el palo. El razonamiento es porque estás usando grupos musculares aún más pequeños. Tienes mucha más velocidad y control de esa manera. Ahora voy a decir usar exclusivamente dedos para jugar roles de un solo trazo va a ser una temperatura muy alta. Así que al igual que los templos de metal de velocidad como 200 BPM más muchos de ustedes tal vez no quieran jugar realmente tan rápido o tal vez no necesite jugar tan rápido una gran parte del tiempo. Pero es importante aprender técnica de dos dedos porque a menudo la usas en conjunto con las muñecas. Tener ese control de dedo junto a la muñeca te da un buen equilibrio de control, velocidad y potencia. Por lo que vale la pena aprender el control de los dedos para eso. También ayuda con los roles de doble trazo, que hablaremos de la próxima lección. ¿ Verdad? Aprendamos esta técnica de dedo entonces. Con cualquier agarre, queremos realmente clavar en ese punto de fulcrum. Entonces el punto de equilibrio del palo, para mí, es por aquí. Es realmente importante clavar ese fulcrum porque estamos usando mucho rebote en la técnica del dedo. Una vez que tengas tu fulcrum, solo tienes que poner pulgar y el dedo índice en ese fulcrum y ese es tu agarre de tu palo. Y luego solo te envolvemos los dedos y estos dedos van a ser la fuerza motriz del palo. Ahora cuando pongo estos dedos alrededor del palo, guardo un poco de espacio entre cada dedo porque eso significa que hay un poco más de espacio para respirar y no estás agarrando el palo demasiado fuerte y es todo compacto en un poco apretado. Pero además no quieres estirarlos por lo que se sienten incómodos. Sólo tienes un buen agarre suelto. Eso es lo importante aquí. Simplemente mantenerlo suelto y mantenerlo relajado. Como dije, el meñique, el dedo anular y el dedo medio son los que realmente manejan el palo. Y el pulgar y el dedo índice son los que mantienen el palo en su lugar. Ahora curiosamente, cuando estoy jugando con los riesgos son así. Sólo con el resto. En realidad puse mi palma boca abajo en mis pulgares en el costado del palo de cara de esa manera. Pero cuando uso la yema del dedo Nick, me giro la muñeca así. Entonces los pulgares en la parte superior, soy una palmas mirando hacia los lados. De esa manera puedo conseguir un bonito rebote incontrolado palo muy bien con mis dedos. Por supuesto, esto es solo preferencia y todavía se puede mantener de esta manera. Pero con fines de demostración para que en realidad se pueda ver lo que están haciendo los dedos. Lo voy a hacer de esta manera. Y toda esta técnica implica es simplemente tocar el tambor y usar los dedos libres de bug-free para conducir el palo ida y vuelta. Así como esto. Observa cómo se mueven los palos pero en realidad no estoy moviendo mi muñeca. Eso son todos los dedos. Entonces así es como se ve. Entonces es un agarre bastante suelto y abierto y todo es básicamente rebote. Y estás usando estos tres dedos traseros para controlar ese rebote y luego traerlo de ida y vuelta. Lo que no quieres estar haciendo es agarrar el palo con fuerza, apretando así el puño. Porque incluso solo hacer eso, en realidad me está lastimando la mano. Quieres mantenerlo agradable y suelto y dejar que el palo haga el trabajo, y dejar que la gravedad y el rebote hagan todo el trabajo. ¿ Cómo construimos realmente el control de los dedos y la resistencia? Tenemos que hacer eso en realidad. Bueno, Jojo Mayer, que es un baterista fantástico, tiene este increíble ejercicio que te voy a mostrar. Ahora. El modo en que funciona este ejercicio es que sólo estamos poniendo octavas notas rectas. Y empezamos jugando con solo nuestro pulgar, dedo índice y dedo medio. Y ese es el que está conduciendo el palo. Entonces no usamos los otros dos dedos. Y de esa manera vamos a fortalecer nuestro dedo medio. Una vez que hemos hecho eso para un prestatario, dos, añadimos nuestro dedo anular n Entonces tenemos dos dedos conduciendo la nota pegajosa. Y lo hacemos por otros dos bares. Y luego agregamos nuestro meñique empieza con solo un dedo en la obra. Dos dedos no funcionaron. Y luego finalmente sumamos nuestro meñique, eso hace el trabajo también. Luego vamos por el camino opuesto y simplemente quitamos un meñique, luego nos quitamos el dedo anular, y luego nos quedamos con solo el dedo medio no funcionó tan bien. Es un ejercicio simple en teoría, pero en realidad es bastante difícil de hacer. Por lo que sí se necesita un poco de práctica. Aquí vamos. Dedo anular, meñique, dedo anular, el dedo medio. Dedo anular. Pensando. Dedo anular, dedo medio. Notarás que pongo eso bastante rápido y eso es porque necesitas un poco de rebote y un poco de velocidad para mantener ese impulso en alto. Por lo que sí me disculpo. Intentaré jugarlo despacio para ti. Aquí está un tempo más lento. Dedo anular, meñique, dedo anular, dedo medio. Ahora ese es un ejercicio duro. Así que en realidad solo concéntrate en que ese fulcrum esté bien. Punto tan bien equilibrado y además manteniendo el agarre agradable y suelto pero firme, realmente enfocado en el control del palo y consiguiendo el rebote controlado. Y vendrá la velocidad. Por supuesto, quieres construir estas manos por igual, así que vas a hacer exactamente lo mismo con la mano izquierda también. Porque no tiene sentido tener una mano realmente rápida y luego una mano realmente lenta. Porque cuando se trata de menospreciar, va a mandar muy descuidado. Entonces por supuesto, como todos los aspectos que caen, se quiere mantener estos consistentes e iguales todo el tiempo. Para que así puedas convertirte en un baterista consistente y te enviará mucho más profesional. Antes de terminar esta lección, quiero hablar de un par de cosas que son geniales para desarrollar velocidad con roles de un solo trazo. Y un par de cosas de las que quieres tener en cuenta te van a hacer sonar mucho más profesional. Tengo tres ejercicios simples para ti que todos están basados en el mismo concepto. El concepto es que si haces ráfagas cortas de roles rápidos de un solo trazo va a acumular tu velocidad de control y resistencia mucho más rápido que solo hacer roles rápidos de un solo golpe durante mucho tiempo. No voy a molestarme en explicar los ejercicios porque son muy simples en términos de notación que lo que realmente estás jugando. La parte difícil es acumular la velocidad y también probar diferentes técnicas. Entonces cuando estoy poniendo esto las octava notas que estoy haciendo con las muñecas. Entonces las últimas ráfagas de nota 16 están haciendo con una combinación de dedos o dedos y muñecas están luchando por hacer la técnica del dedo por ahora, puedes usar absolutamente el riesgos, pero encontrarás a medida que llegues a tener templos más altos, será bastante difícil. Pero por supuesto, mucho de las veces que tocabas la batería, no vas a estar haciendo estas cosas locas rápidas. Entonces no es una cosa súper, súper importante conseguir 240 BPM solo trazos o donde sea que estos ejercicios sean geniales como solo un calentamiento o simplemente pasando por diferentes técnicas como la técnica del dedo, la técnica de descanso, o una combinación de los dos. Lo final de lo que quiero hablar es de cómo sacar un buen sonido a tu rollo de un solo golpe. Y son cosas que ya cubrimos más o menos, pero solo quiero volver. Lo primero de lo que quiero hablar es por supuesto, sin consistencia. Y lo que quiero decir con eso es por supuesto que las notas están en el tiempo y siempre están igualmente espaciadas entre sí. Entonces no te va a gustar, pero en cambio estás haciendo un ritmo constante como este. Eso es lo primero que puedes hacer para que suene mucho más profesional y mucho más alto nivel. La segunda cosa es asegurarse de que tu palo odia cuando llegas a jugar, cada trazo es el mismo. Realmente no lo quieres donde 1 sexto realmente bastante alto y quiere explotar humilde esto. Porque eso obviamente crea un sonido desigual. Quieres asegurarte de que cada grueso desciende desde la misma altura. Y que se puede ver visualmente solo mirando dónde está la punta y dónde viene también. Y puedes ajustarlo a medida que avanza. Una gran manera de hacer esto es conseguir un espejo y ponerlo a tu lado mientras estás tocando y practicando en una almohadilla de práctica o en un tambor de snare o lo que sea. Entonces en realidad se puede ver con bastante claridad si uno se pega más alto que el otro y luego se puede ajustar en consecuencia. Cuando estés empezando , encontrarás que tus manos de plomo probablemente más poderosas. Y solo quieres asegurarte de que eso se iguala a medida que avanza. Tercera cosa es asegurarte de que tu mano izquierda sea una fuerte y poderosa como tu mano derecha. La mejor manera de hacerlo es simplemente hacer todos los ejercicios que hicimos en esta lección. Y es refrescante el pegado. Entonces empiezas con la mano izquierda. Entonces se ha ido. Así que son sólo los mismos ejercicios pero acabas de cambiar el pegarse alrededor para que cada trazo de la izquierda ahora sea trazo de mano derecha. Y cada tasa y trazo es un golpe con la mano izquierda. Hacer estos ejercicios con tu mano izquierda va a fortalecer tu fin de semana Por lo que los roles se vuelven mucho más consistentes. También te va a permitir hacer algunas cosas interesantes y frescas que suenan. Cuando se trata del kit de batería y solismo, vas a ser capaz de hacer fraseo más interesantes porque tu mano izquierda es poderosa y puede llevar las cosas. Y eso es todo realmente solo mantener un agarre suelto cuando estás haciendo la técnica de tu dedo, asegura de que las alturas de tu palo sean parejos. Y también quieres practicar con la mano izquierda. Y esas son las recetas para las reglas rápidas de un solo golpe. Esa es la base para mi hija. Hola, tú. 42. 43 rollos de doble pincelada: Muy bien, hemos mirado el rollo de un solo trazo, que es una nota por mano. Entonces derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Si estás empezando con una mano derecha o izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha. Ahora es el momento de mirar la cuerda de doble trazo. Como puedes imaginar, el rollo de un solo trazo es solo una nota por mano. El rollo de doble trazo es de dos notas a mano. Entonces va a derecha, derecha, izquierda, izquierda, derecha, derecha, izquierda, izquierda, izquierda, izquierda, derecha, derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda, tasa derecha. Los rudimentos de rollo de solo y doble trazo son tan importantes para aprender. El rollo de una sola y doble carrera se utilizan como bloques de construcción para otros rudimentos diferentes como el doodle de potencia. Pero también son geniales para aumentar la velocidad y el kit de batería aumentando el control y también aumentar la resistencia. Todas estas son grandes cosas obviamente. En esta lección te voy a mostrar la librada básica de ella. Y también te voy a mostrar una técnica que puedes usar similar a la técnica de control de dedos que sólo va a aumentar la velocidad, oblear el riff. Simplemente veamos primero el rudimento. Bueno, tengo para ti aquí hay sólo dos barras de octava notas. El primer bar es solo roles de un solo trazo, y el segundo bar es reglas de doble trazo cuando estás jugando los dobles en este ejercicio, solo juega a los restaurantes Phil para empezar. Nos vamos a meter en una técnica diferente en un segundo. Deberías practicar esto sangrando primero con la mano derecha y luego conduciendo con la mano izquierda también. Como siempre queremos construir estas manos por igual. Antes de hablar de la técnica, hay otra cosa que quiero mencionar. Hay un par de formas diferentes en las que en realidad podemos notar estos roles de doble trazo. La primera forma es simplemente anotar cada nota. Entonces, por ejemplo, tenemos un bar de vehículos y luego una barra de notas 16. Y las notas 16 se tocan como dobles trazos. La segunda versión es la que me voy a centrar en esta lección. Aquí es donde ponemos una línea para los tallos de las notas a las que queremos añadir un doble trazo. Entonces lo que voy a hacer es cambiar esta barf, notas octava y 16 en tan solo dos barras de octava notas, pero la segunda barra tiene las huelgas a través de ellas. Lo que eso significa es que en realidad las tocamos son notas 16, pero es sólo un poco más fácil de leer a veces, si alguna vez ves estas huelgas a través de los tallos de las notas, solo sé que en realidad eres duplicando la velocidad porque en realidad estás tocando dos notas dentro de ese OneNote. Puede ser bastante práctico a veces, pero a veces no lo necesitas. Es sólo algo de lo que debes tener en cuenta. En esta lección, voy a usar esa notación solo para que puedas acostumbrarte a ella. Ahora tenemos todo eso fuera del camino. Hablemos de la técnica. Al igual que el primer ejemplo que te mostré del rollo de doble golpe, en realidad puedes usar trazos de riesgo completos para obtener los dos golpes sobre cada mano así. Eso es algo genial practicar cuando empezaste con este rudimento. Te permite acostumbrarte al patrón de mano, pero puede ser bastante limitante cuando quieres llegar más rápido. Si traté de jugar una regla de doble golpe muy rápido usando trazos de riesgo completos, puede ser bastante desafiante y probablemente termines con muñecas doloridas si lo intentas. Es realmente difícil. Bueno, te voy a mostrar hoy es esencialmente un truco que te va a permitir conseguir dos notas sobre un solo golpe. Eso efectivamente va a la mitad tus cargas de trabajo para obtener los dos golpes. Entonces una comparación entre los restaurantes de comida y la técnica que te voy a mostrar. Empezaremos con restaurantes de comida. Si lo comparamos con la técnica te voy a mostrar. ¿ Verdad? Entonces hablemos de cómo hacemos esto. Apenas pondremos la técnica del dedo que aprendimos en la última lección. Todo se trata de Neil en ese punto de fulcro y usar el peso del palo para hacer otro trabajo y también controlar el rebote para sacar el máximo provecho del palo. Así que quiero que hagas es solo usar tu pad o snare drum o lo que sea, y simplemente golpear el tambor y dejarlo rebotar. Si es un buen punto en el fulcrum, debería hacer un montón de aguinaldos como ese. Una vez que estés contento con eso, lo que vamos a hacer es dejar que el palo golpee una vez con el golpe inicial y luego rebote una vez más. Y luego vamos a ****** a un palo distancia y detener el benceno. Por lo que obtenemos los dos hits de un golpe. Entonces ****** lejos, uno a ****** lejos, uno a ****** lejos. Y ese es el asistente base restringir nuestro tambor como de costumbre con los dedos y la muñeca. Y luego dejamos que rebote una vez y luego traemos el palo de respaldo arrebatando los dedos. Queremos practicar eso, pero la mano izquierda también. Una cosa que no quieres hacer cuando estás practicando esto es totalmente dejar ir el palo con tus dedos libres, con tus dedos libres de control, quieres asegurarte de que aún estén encendidos la serpiente y sólo están controlando el rebote. Una vez que tengas confianza en hacer eso con ambas manos por separado, lo siguiente que hay que hacer es encordarlas y obtener una regla consistente. No te preocupes demasiado por nada tempore, solo consigue una regla consistente. Estoy exagerando ligeramente los movimientos con fines de demostración. La clave es solo asegurarse de que sea agradable y suelto, pero aún firme. Y sigues sosteniendo el palo y no se mueve por todo el lugar. Y asegurándose de que estés en control con los dedos. Si has practicado la técnica de tus dedos desde la última lección, esto debería ser mucho más fácil. Un simple ejercicio que tengo para ti es donde tocamos octava notas. Y luego tocamos notas 16 de reglas de doble golpe. Ahora el propósito de este ejercicio es demostrar que en realidad estás manteniendo los movimientos de la muñeca tocando octava notas. Pero en realidad vas a hacer notas 16 con las manos porque vas a hacer dobles trazos, vas a conseguir dos trazos DE esas octava notas. Probablemente sea más fácil ver realmente de lo que estoy hablando. Así que lo tocaré para ti. Observe que mis muñecas no van a cambiar realmente la velocidad, pero cuando hago las reglas de doble trazo, en realidad son más de los dedos los que están haciendo el trabajo y controlando el rebote. Así que cuando una transición de octava notas a jugar a la nota 16 se duplica, los riesgos son más o menos permanecer iguales. Ahora solo toma esa lenta y manténgala relajada y solo concéntrate en conseguir ese rebote y controlar ese rebote. Esa es la clave de esta técnica. Ahora cuando quieras realmente aumentar la velocidad, lo que puedes hacer para ayudarte es realmente puedes agregar un poco de presión con el pulgar y el dedo índice cuando haces ese trazo inicial. Entonces en lugar de esto, que está totalmente suelto, se puede hacer esto, que es sólo sumar un poco de presión y los rebotes o simplemente un poco más rápido. Y eso te ayudará cuando empieces a acelerarlo. Ahora cuando estés practicando esto para empezar, probablemente te vayas a notar que vas a tener notas inconsistentes cuando se trata de volumen de las notas. Así que va a ser de repente así. Que es como la deuda, la deuda, la deuda a la deuda. Porque la segunda nota del doble es tranquila porque es sólo un stock de rebote. Ahora esto es un poco más avanzado para cuando has clavado esa técnica inicial. Pero lo que puedes hacer por ese segundo golpe de venganza es que en realidad puedes chasquear los dedos para obtener una nota de cargador para la segunda nota es que solo agarrando el bistec. Puedes hacer esto. El cual crea dos notas consistentes, lo que suena mucho más limpio cuando haces estas reglas de doble trazo. Entonces en lugar de que te pongas, se llama las técnicas de cierre abierto. Para que puedas abrir la mano y luego cerrarla de nuevo para el segundo trazo. Ahora esta es una técnica muy dura, así que no te molestes si no puedes hacerlo de inmediato. Simplemente enfócate realmente en clavar ese punto de fulcro, trabajar en la técnica del dedo y solo conseguir ese rebote y simplemente arrebatando el palo después de dos golpes. Y luego a medida que consigas ese control del palo, vendrá la velocidad. Una vez que sí conoces esa técnica sin embargo, significa que puedes tocar octava nota. Entonces esto significa que obtienes el doble de la cantidad de notas. Decir eso sin embargo. Hay una cosa más que quiero mostrarte antes de que terminemos esta lección. Lo que tengo para ti es un pedacito de tambores, no muy largos. Son ocho barras o algo así, y es sólo una práctica tus roles de doble trazo a este snare tambor piezas puede el control de edificio que te va a permitir la transición entre single trazos y golpes dobles. Así que diviértete un poco con eso y tómelo despacio. Practica tanto la técnica de tu dedo conocer esa técnica de cierre abierto. Y si practicas esos dos y los pones muy apretados, vas a estar en un baterista increíblemente rápido e incontrolado. 43. 44 El paradiddle: Muy bien chicos, ¿cómo va hoy? Quiero hablar de lo periodontal, el poder para hacerlo fue uno de mis favoritos deshacerse de él. Lo uso todo el tiempo y es tan versátil, lo que hablaremos en la próxima lección. Pero por ahora, solo vamos a aprender el patrón. El poder de hacer es una combinación de roles de un solo trazo y también dobles trazos. Entonces todo el patrón es derecho, izquierdo, derecho, derecho, izquierdo, derecho, izquierdo, izquierdo. El conducto parótido tiene solo cuatro minutos de duración, pero en realidad tenemos un plomo a la derecha, que es la tasa de tasa derecha-izquierda. Entonces también tenemos lo mismo, pero liderando con la izquierda, que es izquierda, derecha, izquierda, izquierda. Y solemos tocar Esas dos cosas, una tras otra. El 90% del tiempo que vamos a estar haciendo derecha, izquierda, derecha , derecha, izquierda, derecha, izquierda, izquierda, derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda, izquierda. Pero a veces un padre, solo podría ser tasa derecha-izquierda derecha o izquierda, derecha, izquierda, izquierda por sí misma. Solo para estar al tanto de esa paradoja se puede jugar en cualquier valor de nodo porque solo son patrón de mano. Pero la mayoría de las veces los estamos tocando como notas 16. Así que solo practiquemos eso en el tambor de la snare. Cuando practico antes de esto, a menudo accidente la primera nota de cada pirata paradisal hizo eso. Derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda, derecha, izquierda. Por lo que salimos de la primera nota de cada par de garabatos. La paridad, esas son fantásticas. Saltamos a la práctica porque estás haciendo rodar de un solo golpe, así que tienes la derechaizquierda. También tenemos los roles de doble trazo, que son la tasa correcta y la izquierda, izquierda. Y también lo que estás haciendo es que estás rebotando de la mano de plomo para liderar Han. Por lo que has pasado de plomo de mano derecha a mano izquierda plomo y U-boats y atrás. Y eso va a construir las manos por igual, lo cual es muy importante. Ahora esta es una lección corta solo para que te familiarices con el poder de hacer la siguiente lección, vamos a estar hablando de cómo realmente podemos aplicarlo al kit. Por ahora, sólo acostumbrarse a practicar el patrón de la mano y acostumbrarse a él y obtener una sensación por ello. Y luego pasaremos a tocar realmente en el kit de batería. 44. 45 Cómo aplicar el Paraddidle: En la última lección, te presenté a lo periodontal, que es una fantástica deshacerse de él. Y ojalá ya tengas el pegado y tienes una buena sensación por ello. En esta lección, te voy a mostrar algunos conceptos que van a dar vida a este parótido en el kit de batería. Ahora para este video están utilizando los conceptos con lo periodontal. Pero estos conceptos realmente sí aplican para cualquier raíz de n que quieras aplicar al kit de batería. Simplemente son geniales para si has aprendido en tu retiro y no sabes qué hacer con él, solo aplica estos conceptos y ya tienes algunos usos para la cinta en el kit de batería. En esta lección, estamos aplicando todos estos conceptos al periodontal. Pero solo ten en cuenta que puedes aplicar estos conceptos a cualquier otro redentor y debería sonar bastante decente. Te voy a mostrar un par de conceptos groove que van a aplicar lo periodontal para acordar de contexto. Y también un par de conceptos de relleno que hacen lo mismo y aplican al padre adulto a Phil's. Lo que vamos a hacer es muy sencillo. Todo lo que vamos a hacer es tomar nuestra mano derecha del tambor de la caja y moverlo hasta el sombrero alto. Así que ahora tenemos a nuestro pirata. Se dividirá entre dos voces en el kit de batería. Lo tenemos dividido entre el hi-hat de la mano derecha y la mano izquierda en el tambor de la caja. Y si tocamos este paralelo entre estas dos voces como notas 16, eso suena realmente genial. Y lo que me gusta hacer es en realidad hacer las notas fantasma de la izquierda aparte de los dos y los cuatro latidos de atrás. Y todo lo que tenemos que hacer después de eso es añadir unos bombos ahí. Tenemos un surco que suena realmente funky. Y ese es solo el poder de eso, o simplemente se divide en dos voces en el kit de batería. Por supuesto que no tiene que ser el hi-hat y la caja, pero ese es un gran punto de partida. El siguiente concepto que tengo para ti es donde reemplazamos la mano derecha en el rudimento como tambor base. Entonces en lugar de ir a la derecha, a la izquierda , a la derecha, a la derecha, a la izquierda, a la izquierda, que es el padre adulto vamos basado en levantamientos basados en la izquierda, izquierda, izquierda. Entonces todo lo que hemos hecho es reemplazado la mano derecha por un bombo. Y de nuevo, cuando toco esto, me gusta fantasma la mayoría de las notas de la mano izquierda, aparte de por los acentos en los dos y los cuatro. De esa manera el grupo es un poco más dinámico y es un poco más interesante escuchar. Una vez que tengas eso abajo, puedes agregar una mano derecha sobre el símbolo derecho o el hi-hat, tocando notas de cuarto u octava notas. Y te tienes un surco asesino. Ahora ese grupo es en realidad muy similar a la canción inmigrante de Led Zeppelin. Entonces si te sientes valiente y quieres quemarte el pie derecho, dale un golpe a eso. Entonces hay un par de cosas que puedes hacer para aplicar un O2 pirateado, un groove. Y como dije, se puede aplicar eso a otros rudimentos. Yo vería lo que pasa y me divertiría un poco con él. Pero ahora vamos a hablar de cómo podemos aplicar el poder de hacer a algunos rellenos. Lo que podemos hacer en primer lugar es mantener la mano izquierda en el tambor de la caja y podemos mover la mano derecha alrededor de los toms o símbolos o lo que sea, solo diferentes partes del kit de batería. Y de inmediato tienes un relleno sonando interesante. Aquí hay un par de ejemplos de cómo podemos usar eso. Otra forma que podemos usar el poder de hacer es que tenemos nuestro tambor de snare y guardamos las dos manos ahí. Y ese es nuestro tipo de hogar basado en nuestras manos. Y jugamos nuestro papel para hacer en el tambor de la caja, pero en los acentos. Entonces el primer latido de cada párrafo, dorsal, derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha , derecha, izquierda, derecha, derecha, izquierda. En realidad trasladamos estas manos a diferentes partes y el kit de batería. Por ejemplo, la mano derecha puede ir al término cuatro para el acento, y la mano izquierda puede subir a uno de los otros términos para el otro acento. Aquí hay algunos ejemplos de cómo podemos usar eso. De acuerdo, ojalá que eso te dé algunas ideas para que empiece sobre cómo realmente puedes aplicar rudimentos y específicamente el paralelo al kit de batería. La clave de esto es solo aprender el ritmo. Y primero, antes de aplicar al kit de batería, una vez que tengas ese poder que hacer, es que vas a ser conceptos muy simples y no deberías molestarte con él. Nos divertimos un poco con eso. Jam junto a algunas melodías exploró el kit de batería un poco más. Explora por ti mismo cómo puedes usar el poder para hacer y tal vez incluso desafiarte a un pequeño reto como, voy a tocar un solo de tambor solo involucrando paralegales. Es una gran manera de mejorar tus conocimientos de los Perdido y también mejorar tu creatividad. 45. 46 El rollo de 5 pinceles: Muy bien, el siguiente en nuestra lista de rudimentos que queremos aprender es el papel de cinco trazos. Como su nombre indica, tenemos cinco notas en este rudimento. El pegado del rollo de cinco tiempos es derecho, derecho, izquierdo , izquierdo, derecho, o izquierdo, izquierdo, derecho, izquierdo. En realidad es sólo para duplicar roles de trazo y luego un solo para terminarlo. Y ese rollo de un solo trazo suele acentuarse. Lo bueno del papel de cinco trazos es que en realidad estás cambiando la mano de plomo cada vez que haces la raíz de ella. Entonces vas derecha, derecha, izquierda, izquierda, derecha, y luego izquierda, izquierda, derecha, derecha, izquierda. Vete y adelante con el tiempo de entrega. Aquí ha tenido los rudimentos sonidos. Simplemente practica el pegarse por sí mismo sin norma de coincidencia ni nada. Y luego una vez que tengas eso abajo, podemos enfocarnos en cómo lo vamos a aplicar realmente al tempo y anotar valores y cosas. Una buena manera de conseguir que el Feistel crezca en un templo real es tocar primero este simple ritmo. Para esas dos primeras notas, las 2 octava notas, vamos a sumar dobles a esas como nuestra regla quinquenal. Así es como suena. Eso es cómo podemos realmente aplicar la regla de cinco trazos a un templo y sumar para darle algunos valores. Te recomiendo que practiques eso y asegúrate de que estás cambiando la mano de plomo cada vez que haces el rostro real crecer. En la siguiente lección vamos a estar hablando de cómo podemos aplicarlo al kit de batería. Una cosa que quiero mencionar antes de terminar sin embargo, es que vamos a estar haciendo algunas cosas que implica hacer semicuavers, pero hacer los dobles en esos semicuavers. Porque estamos duplicando semicuavers, eso significa que en realidad estamos jugando notas de treinta segundos, y eso es nu valor nada. me preocuparía demasiado por ello porque normalmente se juega a tempos más lentos. Y solo piénsalo como tocar notas 16 con turistas y luego solo agregando golpes dobles a eso. Si tocamos ese mismo ritmo pero usando los mismos temblones y octava notas, entonces duplicarlo hacia arriba. Se puede ver que en realidad no es demasiado confuso y suena igual. Es sólo a un tempo más lento. No te intimides porque vamos a estar usando en la siguiente lección, vamos a ponernos más en profundidad con ella y verás cómo se usa realmente. Entonces consigue aprender que la cara vuelva a crecer. Y una vez que estés feliz, puedes pasar a la siguiente lección y llevarla al kit de batería. 46. 47 Cómo aplicar el rollo de 5 pinceles: Muy bien, ahora tienes tu primer derribo de trazo. Vamos a aplicarlo al kit de batería. Realmente me gusta usar el rollo de cinco tiempos es un poco embellecimiento cuando le estás ranurando como una ranura de octava nota, crea un poco de chispas, ya sabes, y tu groove, y solo hace cosas un poco más interesantes. Se puede utilizar en el hi-hat, se puede utilizar entre el platillo ride y el hi-hat snare drum en el sombrero alto, hay muchas combinaciones diferentes. Aquí hay algunos que incorporan el hi-hat y la snare en surcos. No tienes que tocar esos exactamente como la retina, puedes cambiar la orquestación para que puedas ponerte el hi-hat, tal vez el símbolo correcto o dos toms o cualquier cosa que quieras. También puedes incorporar el rollo de trazo del muslo en un relleno de tambor. Aquí hay un par de rellenos de tambor que puedes usar. Hay algunos ejemplos de cómo se puede utilizar el papel pastoral en un grupo. O sentí que aquí no hay ningún secreto real. Todo lo que tienes que hacer es simplemente meterte por un tiempo. Crea tus propios pequeños congeladores o cinco roles de trazo. Tal vez Peter en los offbeats o diferentes partes del semicuaver, realmente simplemente se mete alrededor y diviértete con él. Incluso si solo te pones una pista de respaldo y apenas empiezas a hacer el rollo de cinco tiempos y comenzarlo en diferentes lugares. Una vez que tengas algunas frases, puedes intentar moverlo alrededor del kit de batería y ver qué te suena bien. Encontrarás cosas que te gustan y encontrarás cosas que no te gustan. Así que solo diviértete y explora. La siguiente lección vamos a estar mirando el rollo de siete golpes. 47. 48 El rollo de 7 pinceles: Hola y bienvenidos de nuevo a otra lección sobre otro rudimento. Hoy estamos mirando la regla del séptimo trazo, que por el signo del nombre se puede adivinar tiene siete golpes en ella, igual que el crecimiento de cinco años, el segundo rollo de trazo simplemente está hecho de dobles y solteros. En este caso estamos haciendo tres golpes dobles y luego un solo golpe. El pegado es derecho, derecho, izquierdo, izquierdo, derecho, izquierdo, o izquierdo, izquierdo , derecho, derecho, izquierdo, derecho. Entonces es sólo 1234567 o 1234567. Veamos cómo se ve ese patrón y el tambor de la caja. Justo en la cara para crecer, solo practica con un metrónomo o cualquier momento, solo baja el patrón de la mano. Y una vez que tengas ese patrón de mano hacia abajo, podemos mirar el régimen en contexto, igual que la niña de cinco años, podemos empezar con el ritmo esqueleto y luego sumar un doble trazo. En este caso, el ritmo esqueleto es solo x nada. Entonces no voy a molestarme en avión eso para ti. Lo que podemos hacer con esas octava notas, sin embargo, es que podemos duplicar la primera libre. Dejaré el último como sencillo, y ese es el último acento de la parrilla de séptima fila. A diferencia de la fila de cinco tiempos, que cambia la mano de plomo cada vez la séptima niñita se queda en la misma mano de plomo que tú lo haces. Así que asegúrate de practicar tanto el plomo a la derecha en el plomo de la mano izquierda del rollo de siete tiempos. Esa es una variación del rollo de séptimo golpe donde tienes los dobles libres y luego el single. Pero también se puede hacer es tener primero el solo trazo y luego hacer los dobles libres. Practicas ambas variaciones porque ambas son muy prácticas. Ve a divertirte con eso y ve a practicarlo. Nuestra siguiente lección, vamos a estar revisando el kit de batería. 48. 49 Cómo aplicar el rollo de 7 pinceles: Se siente un poco como Deja vu, pero hemos aprendido el rollo de siete tiempos y ahora lo vamos a aplicar al kit de batería. El principio es exactamente el mismo que crece el Feistel. Sólo vamos a añadirlo al tambor de la snare y al sombrero alto, el símbolo correcto en diferentes tambores y solo ver cómo suena. Tengo algunos ejemplos de contextos groove y también un par de rellenos. Como siempre, estos ejemplos son solo para empezar y realmente se trata de experimentar por ti mismo. Aquí hay algunos ejemplos de cómo se puede usar el papel de séptimo trazo en un contexto grupal. Me encanta usar 57 para niñas en mis grupos. De esa manera, usando el hi-hat para pequeñas florezas y cosas. Hace grupos y mucho más complicados de lo que realmente son. Todo lo que realmente estás haciendo es solo agregarle un par de rudimentos. Muy bien, aquí hay un par de ideas de relleno usando el rollo de siete trazos. Nuevamente, es una vibra similar a los cincos para crecer. Simplemente dura un poco más. La clave de esto es solo aprender los rudimentos como el dorso de tu mano. Y si haces eso, va a ser mucho más fácil si estás luchando con estas cosas, solo vuelve a la jubilación y solo practica eso un poco más. Voy a volver a esto. Ojalá eso te dé una comprensión básica de las 57 reglas del derrame cerebral. Y honestamente, si los aprendes, vas a ver una diferencia masiva en tu batería. A continuación, vamos a estar mirando los papeles de Buzz. 49. 50 el rollo de zumbido: Hola gente. Espero que te vaya bien. hoy. Vamos a estar hablando de rollos de autobuses. Los roles pasados son una forma de bateristas de sostener una nota en el tambor. Ya sabes, si ves una película o un programa de televisión y alguien dice drumroll y se van en el tambor de la caja, eso es un zumbador. Todo el bizarro también se puede llamar el ventral múltiple. La forma en que notamos una fila de autobuses es simplemente poniendo casi como una forma Z en el tallo de la nota que estamos zumbando. Y muchas veces veremos muchas notas sucesivas con el símbolo de la regla de Buzz. Si alguna vez ves esa notación de la Z, solo debes saber que es para una regla de bus. Pongámonos atrás del kit y te voy a mostrar cómo juegas una fila de autobuses. En primer lugar, escuchemos lo que duele nuestro zumbador o seno, ¿ verdad? Así es como una frase de palabra de moda. ¿ Y cómo en realidad logramos eso? Bueno, primero vamos a empezar bastante sencillo. Sólo vamos a tocar notas 16 con las manos, solo alternando trazos. Pero en lugar de usar los riesgos, vamos a usar un poco más de brazo. Por lo que el apalancamiento viene más del codo. Ahora obviamente eso es bastante simple, pero lo que vamos a hacer ahora es que realmente vamos a apretar el punto de fulcro de donde son. Y también con el dedo medio. Voy a volver a jugar eso. Y nota que esto va a ser bastante muerto enviando rollo de un solo golpe porque en realidad no estamos haciendo los zumbadores todavía. Ahora obviamente eso no suena genial. Pero lo que estamos haciendo es que estamos usando ese punto de fulcro. Y estamos apretando eso para darle un poco más de tensión. Apretar ese punto de fulcro nos permite tener rebotes más rápidos y notas más rápidas. Simplemente nos metemos con la forma en que la cinta grabando nuestros dedos y el punto de fulcro. Y eventualmente encontrarás tu punto dulce. Ahora cuando estás empezando, una gran cosa que hacer es solo tocar el borde del tambor de la caja porque hay un poco más de respuesta de snare y hay mucho más rebote. Y de esa manera se puede sentir donde está todo el zumbador. Lo que haré es meterme con las manos y encontrar ese punto dulce simplemente ajustando lo apretado que estoy usando ese fulcro. Observe que mis manos no van a cambiar la velocidad. Todo viene de los rebotes. Lo que quieres escuchar es una nota consistente. No quieres ningún pulsante entre las manos donde es como una especie de subir y bajar en volumen y consistencia. Solo quieres tener una bonita nota suave. A pesar de que tus manos van a estar bastante apretadas cuando juegas, esto todavía es querer tener un poco de movimiento y quieres mantenerlo suelto y relajado. Aquí vamos. A menudo es más fácil cuando tienes las manos yendo más rápido, pero solo para acostumbrarte al movimiento real y a la tensión en tus manos, solo juega lentamente. Y esa es la regla del autobús. Basta con meterse con tensiones en mano y sacar el máximo provecho de su derrame cerebral. Esto es bastante difícil de practicar en una almohadilla de práctica porque realmente necesitas el tambor de la caja para ayudarte porque los cables de la caja están vibrando. Y de ahí viene repentinamente el autobús. Pero buena suerte con eso y diviértete con él. 50. 51 llamas: En esta lección, vamos a estar hablando de colgajos, inundaciones o son fantásticos, estamos haciendo olvidar a una gorda firmada en las drogas. La llama se toca como dos notas separadas en las manos. El flam se nota como nota normal. Pero antes de esos nodos, tienes una pequeña nota de gracia. Si alguna vez ves esa pequeña mini nota antes de la gran nada, eso significa que estás jugando un piso. Esa rotación tendrá sentido una vez que añadas, entiendes cuál es el colgajo. Así que dejemos atrás el kit y hablemos de ello. Antes de hablar de cualquier cosa. Escuchemos sobre los sonidos flam como se puede escuchar, agrega mucha gordura y cuerpo al tambor de la caja es genial para cosas de Irak porque tienes una gran losa del tambor de la caja y solo envía fantástico, ¿cómo realmente tocamos el flam entonces, como dije en la intro, tenemos dos notas, pero me gusta pensar en el flam como solo una sola nota, pero sí usas dos notas en los palos. El flam consiste en una nota de gracia, que es una nota muy tranquila, seguida de un trazo principal. Estas casi se juegan al mismo tiempo. Entonces sí suena como OneNote, pero estás usando dos trazos. La forma más fácil de lograr esto es tener la mano es hacer la nota de gracia bastante baja al tambor y tener la carga principal y tener esa más alta por encima del tambor, y luego soltarlas al mismo tiempo. Cuando hagas eso, la nota de gracia bajará primero y será agradable y tranquila mientras ésta bajará todo el camino de aquí y habrá segundo, pero también estaremos más ruidosos y más poderosos. Se trata de un flam de la derecha, porque la mano derecha está bajando como el acento principal. El flam de la izquierda es lo mismo. Sube nuestra mano izquierda. Nuestra mano derecha es la que está haciendo la nota de gracia. No quieres que suceda es que los baquetas bajen al mismo tiempo exacto y golpeen el tambor al mismo tiempo. Contrario a lo que se podría pensar, esto realmente adelganta el tambor y simplemente lo hace sonar un poco débil. Lo que quieres es OneNote después del otro en rápida sucesión. Ahora el tiempo real entre la nota de gracia y el trazo principal depende de la interpretación. Podrías tener los dos golpes bastante cerca juntos y obtener un buen sonido apretado. O puedes jugarlos ligeramente separados para un campo más suelto, descuidado, que puede ser bueno en algunos contextos. Te dejaré oír la diferencia entre un flam apretado y un plan suelto. Es una diferencia bastante sutil. Pero cuando estás tocando música y la escuchas en contexto, hay una ligera diferencia y sí crea un ambiente diferente para la música. No hay una respuesta correcta o incorrecta. Simplemente depende del contexto musical. Por ejemplo, si estás en una banda de marcha en probablemente usaste el tipo flam y lo consigues corte agradable y limpio y simplemente sonando muy apretado. Considerando que si estás tocando en una banda latina, banda de jazz, puedes salir con la suya un poco más. Por lo que probablemente puedas hacer el flam más flojo y obtener un sonido más gordo. Deberías practicar las lámparas derecha e izquierda individualmente. Y luego una vez que estés feliz, puedes unirlos para ir a la derecha, a izquierda, a la derecha, a la izquierda, a la derecha, a la izquierda. Ahora cuando estás haciendo lámparas de ida y vuelta, algo bueno a lo que acostumbrarte. Es el movimiento de ir y venir. Lo que quiero decir con esto es el movimiento del palo. Así que cuando llegas a tu primer laboratorio, tu flam de la mano derecha, empiezas así. Ve abajo por el flam. Y después, esta mano izquierda sube y la mano derecha se queda abajo. Y esa estás lista para el flam de la izquierda. Y eso vuelve a bajar. Bam, bam. Y luego baja tu mano derecha, arriba, lo siento. Sólo sigues haciendo eso. Así como eso. Así se convierte en un movimiento de ida y vuelta. Eso es lo básico de la flor. Aquí te damos un par de ejercicios que puedes hacer van a construir esa coordinación en las manos. En el primer ejercicio, solo estamos pasando por diferentes permutaciones de las fincas en octava notas, recomiendo repetir cada barra antes de pasar a la siguiente. El siguiente ejemplo que tengo para ti es otra vez, ethos. Pero lo que estamos haciendo es que estamos haciendo las aletas al ritmo, así que 1234. Y luego también estamos haciendo una barra de banderas offbeat. Una vez que tengas los fundamentos del flam, realmente te recomiendo probar estos ejercicios. Si te sientes valiente, puedes probar estas pequeñas películas que tengo que están implementando el flam en el kit de batería. Lo divertido del flam es que no tienes que tocarlo en la misma superficie como el tambor de la trampa o el alto. Se puede dividir dos en dos superficies son realmente un gran uso para esto es dividir el flam de la izquierda entre el tom piso y el tambor de la caja. Si miras de cerca la notación, ves que la nieve gris está ahora en el suelo, tom. Y el trazo principal sigue en la mano izquierda y está en el tambor de la trampa. Y así es como podemos decir si las firmas se dividen entre diferentes partes del kit de batería. Simplemente podemos mirar la nota de gracia y la nota principal. Y eso es todo para firmas y en realidad rudimentos también. Por lo que hemos cubierto muchos rudimentos. Y lo bueno de las armas de fuego, solteros y dobles, es que conforman la mayoría de los otros regímenes. Una vez que tengas esos conceptos básicos, entonces realmente puedes seguir adelante y aprender todos los demás regímenes. Así que diviértete con esas banderas porque una vez que lo consigas, es muy satisfactorio. Simplemente golpeando el tambor de la trampa con la bandera. A continuación, voy a estar haciendo una pequeña lección sobre cómo podemos desarrollar la velocidad de las manos con rudimentos. 51. 52 Construir una velocidad a la mano usando los rudimentos: Muy bien chicos, ¿cómo va? Quiero hacer una pequeña lección rápida para ustedes chicos que sólo les va a mostrar tres ejercicios diferentes que sólo van a volar la velocidad de la mano, ola por el techo. Realmente van a acelerar tus manos. Y son muy simples de aprender, pero muy difíciles de dominar. No voy a pasear por eso demasiado. Sólo voy a mostrarte los ejercicios y dejarte seguir adelante. Incluso si practicas estos 510 minutos al día antes de empezar suave con melodías, va a marcar una gran diferencia en tu juego. Y como dije, son muy simples estos ejercicios, y sólo implican tres regimientos diferentes. Entonces tienes tu rollo de un solo golpe, el papel de doble golpe, y tu periodontal. Hagamos ese primer ejercicio. El primer ejemplo es muy sencillo. Sólo estamos tocando notas 16 y es un bar largo. Y tenemos dos latidos, un solo trazo roles, y luego dos latidos de reglas de doble golpe. Y puedes empezar por la mano derecha, y luego puedes empezar en la mano izquierda también. El segundo ejemplo de café es de dos barras de largo, y de nuevo es solo 16 notas. Lo que tenemos para la primera parte son apenas tres latidos de rollo de un solo golpe iniciado con la mano derecha. Y entonces la final b es sólo un pirateado ya que vamos derecha, izquierda, tasa derecha. Y eso nos lleva a la segunda barra para liderar con la mano izquierda. El segundo bar es lo mismo que el primer bar, aparte de ella liderando con nuestra mano izquierda. Ahora, tenemos tres latidos que son reglas de un solo golpe y que está liderado con la mano izquierda. Y luego para el latido final de la segunda barra, tenemos un periodontal izquierdo, derecho, izquierdo. Y eso nos lleva de vuelta al inicio del primer bar. Esta es una fantástica porque estás construyendo tus manos por igual y tienes entrenamiento tanto en la hoja derecha como en la izquierda. El tercer y último ejercicio que tengo para ti es una vez más dos barras de largo camino a las notas 16. Este ejercicio te va a permitir la transición entre diferentes rudimentos sin problemas. Lo que tenemos para la primera parte es exactamente lo mismo que el primer ejercicio. Tenemos dos latidos de roles de un solo trazo y luego dos latidos de roles de doble trazo. Y luego para la segunda parte, simplemente no somos bienes pirateados para todo el asunto. Entonces ahí vas. Esos son los tres ejercicios para ti. Como dije, son simples de aprender pero difíciles de dominar. Puedes sacar una tonelada de kilometraje de estos ejercicios porque todavía los uso hoy. Y porque solo puedes acelerarlos. A medida que aceleras, siempre van a ser un reto. Realmente te recomiendo probar estos ejercicios por como 510 minutos antes de llegar al kit? Quizás en la almohadilla de práctica en tus rodillas o lo que sea. Y en un par de semanas verás que tus manos son mucho más rapidas. Y ahí tienes mucha más resistencia. Así que definitivamente echa un vistazo y te veré en la siguiente lección. 52. 53 Rip Rudimental: Hola y bienvenidos a la rudimentaria lección rasgada. Este es esencialmente otro examen de ritmo, pero solo quiero darle un nombre genial. Lo que tengo para ti son tres dificultades diferentes para la misma pieza de tambor de caja. Las piezas de tambor implican un rudimentos rojos, de ahí el nombre. Tenemos uno fácil, uno mediano, y uno duro. Por lo que te recomiendo que empieces con la fácil. Y una vez que has clavado eso antes en el medio, y luego finalmente el duro. Una vez que te sientes muy confiado con estos rudimentos, no hay nada en estas piezas que no hayamos cubierto. Es sólo sentarse y en realidad aprender las piezas y aprender el pegarse. Y si lo haces bien, entonces vas a poder tocar la pieza. Así que descarga la partituras y Nakoda adentro y empieza a aprenderlas. 53. 55 ¿Qué son las tripletas: En esta lección, vamos a estar aprendiendo un poco sobre trillizos. trillizos son ritmos fantásticos que se utilizan todo el tiempo en la música. En pocas palabras, usamos trillizos para apretar tres notas igualmente espaciadas en un espacio que normalmente cabría. Dos nodos, aprenderán más sobre eso en un poco. Pero primero, veamos cómo se ven los trillizos en el papel. Como se puede ver, los trillizos pueden venir en muchas formas diferentes. No son específicos de un valor nulo, sino que son una herramienta de expresión que se puede emplear con cualquier valor nulo diferente. Hay un par de formas diferentes de anotar trillizos. En este primer ejemplo, tenemos un soporte que contiene las tres naughts y tiene un tres en medio de eso. Y el segundo ejemplo solo tiene un número de libres sobre los tallos. Encontrarás ambos en uso regularmente. Como dije, se usan trillizos cuando queremos meter tres notas al espacio de dos nodos. ¿ Qué significa esto en realidad? Bueno, veamos un ejemplo de un triplete de octava nota. Como se puede ver, hay 3 notas octava en el grupo triplete tiene libre. El valor real de este grupo de trillizos es igual a dos los valores nada dentro del triplete. En este caso, tenemos trillizos de octava nota. Entonces solo tomamos estos eventos trillizos veces por dos, y ese es nuestro valor del trillizo. Por lo que eso significa que este trillizo tiene el valor total de una nota trimestral o de 2 notas octava. Puede utilizar ese mismo método para otros trillizos a los trillizos de nota 16 tienen el valor de 2 notas 16, o 1 octava nota. O un bit de chip OK tienen el valor de dos notas de trimestre o nota 1.5. Todo lo que estamos haciendo es mirar las notas dentro del trillizo y llevadas a ellas. Y ese es nuestro valor del trillizo. cuarto, octavo y 16 notas Trillizos decuarto, octavo y 16 notasson los tres principales que usarás. Nos centraremos en ellos en este capítulo. Por ahora, volvamos al triplete de octava nota. Ahora sabemos que este trillizo tiene el mismo valor que 2 notas octava o nota de un cuarto. Lo que esto significa es que este trillizo dura o pizza larga. ¿ Cómo contamos entonces estos trillizos eternos? La forma en que me gusta crearlos así, uno, viaje iluminado para viaje, volteó tres, viaje iluminado para viaje. Deja que coincida tu triplete básico de octava nota no puede practicar este ritmo en el tambor de la snare para acostumbrarse a idear el pulso en tres. Combinemos los trillizos de octava nota con algunas notas de precaución para algunos ritmos simples en el tambor de la caja. Esos son tus fundamentos del triplete de octava nota en la que se tocan las tres notas. No obstante puedes agregar descansos dentro de los trillizos. No puedes usar exactamente de la misma manera que lo harías con unos nodos tripletes normales. A continuación te presentamos algunos ejemplos de cómo puedes usar descansos dentro de los trillizos. Ojalá eso te dé un conocimiento básico de los trillizos de octava nota. Pasemos a los trillizos de nota 16. Estos son muy similares a los trillizos de octava nota, pero en lugar de las tres notas que duran un beat, el último por medio beat. Por lo que estas tres notas están abarrotadas en 2 notas 16 o una octava nota. Se pueden contar trillizos de nota 16 como este. Uno, viaje iluminado y viaje iluminado a triplete y viaje iluminado tres, viaje iluminado y viaje iluminado para triplete. Triplete. Estos son muy divertidos de jugar y son muy útiles. Así que asegúrate de practicarlas lentamente y carga. Mirar este bar de trillizos puede ser un poco de dolor de cabeza. Por lo que podemos usar los tullizos sexuales para limpiarlo. Seis tabletas son muy similares a los trillizos. Es casi como si hubiéramos pegado a los grupos trillizos de la nota 16 juntos para convertirlo en un grupo de seis, suenan igual, pero los tullizos sexuales se ven un poco más limpios. También puedes contarlos de la misma manera también. tullizos sexuales son seis notas apretadas en cuatro. En este caso, los seis túllizos sexuales de semicuaver se aprietan en cuatro semicuavas. Entonces eso significa que estas seis notas equivalen a un latido. tullizos sexuales generalmente se juegan como semicuavers. Así que por ahora realmente no tienes que preocuparte por ningún otro. Aquí hay un par de combinaciones diferentes de notas octava y nota 16, trillizos y tullizos sexuales. Sólo hay una cosa que quiero mencionar antes de que termine esta lección, muchos estudiantes nuevos a menudo se confunden cuando ven, vamos a ver, 3 notas octava en una agrupación de tres en 68. El optimista, este grupo de libre como triplete porque tiene tres notas en el agarre. Sólo quiero mencionar que no es un trillizo. El motivo por el que no es un trillizo es porque no son tres nada apretados en el espacio de dos, sino más bien solo notas libres agrupadas. Si fuera un trillizo, tendría un tres por encima del tallo. Y también estaría espaciado más de 2 octava notas. Es sólo algo de lo que hay que tener en cuenta, así que no te confundas por los congeladores son libres y trillizos, Son cosas diferentes. Eso es lo básico para los trillizos. Estaremos mirando el triplete de la nota de cuarto en un video separado ya que es un poco más difícil. Pero por ahora, practica tanto para trillizos de octava nota como para los trillizos de nota 16. 54. 56 1 4 tripletas de notas: En esta lección quiero hablar de trillizos de cuarto de nota. Ahora la nota de esquina ágape trilliza su propia lección porque es muy confuso cuando estás empezando por primera vez, a diferencia de los trillizos de nota 16 y trillizos de octava nota, no está contenida dentro de un latido. Trillizos de nota trimestral son más de dos latidos. Lo que estamos haciendo es colocar notas de tres cuartos en el espacio de dos coordenadas, porque es más de esos dos latidos, puede ser bastante confuso contar para ayudarte a superar esto y aprender cómo para jugar trillizos de coordenadas. Tengo este sencillo proceso que puedes hacer. El primer paso para este proceso es solo jugando trillizos de octava nota. Para ayudarte con los ejercicios el metrónomo está contando cada triplete de octava nota. Ahora eso no es nada nuevo, eso es sólo octava nota trillizos alegan un solo trazo. La siguiente etapa del proceso es mantener ese trillizo de octava nota yendo golpes alternos. Pero lo que vamos a hacer es que vamos a actuar en cada dos trillizos. Ahora nota que cuando estés tocando estos trillizos de octava nota, tus acentos siempre van a aterrizar en tu mano de plomo. Ahora ese accidente que estás escuchando es en realidad lo que es el trillizo de la nota trimestral. Entonces, si te quitas las notas que están entre esos acentos, tienes tu triplete de nota trimestral. Definitivamente debes practicar ese ejercicio un poco porque te permite afinar tus oídos para escuchar realmente cómo suena un triplete de cuarto de nota contra el metrónomo. Así que asegúrate de marcar eso en. Ahora se toma la etapa final con las notas están entre esos acentos. Lo único que necesitas cambiar es en lugar de solo tocar la mano derecha, juegas unos trazos alternos. Pero si practicas ese ejercicio anterior y estás acostumbrado a ocultar los sonidos trillizos de la nota trimestral, eso no debería ser demasiado de un problema. Esa realmente es la mejor manera de pensar en el triplete de nota trimestral es como trillizos de octava nota, pero te quitan cada segunda nota. Entonces adelante y prueba ese proceso hacia fuera. Si estás luchando con una etapa del proceso, solo vuelve a la anterior y solo aprende eso primero y consigue eso realmente apretado y realmente memorizado y luego pasa a la siguiente. Y por supuesto puedes programar tu metrónomo para contar trillizos junto a ti. Y ahora puedes jugar trillizos de nota 16, trillizos octava nota, y ahora trillizos de nota de cuarto. Ésas son las tres principales que quieres aprender. Si realmente quieres derretir tu cerebro sin embargo, y quieres acostumbrarte a tocar estos trillizos y diferentes subdivisiones. Tengo un ejercicio para ti. Todo lo que estamos haciendo es reemplazar dos barras, un cuarto de nota trillizos, luego dos barras de trillizos de octava nota, y luego dos barras de trillizos de nota 16. Y luego volvemos a bajar a dos barras de trillizos de octava nota, y luego finalmente dos barras, un cuarto de nota trillizos. Y podemos subir y bajar esos norovirus tanto como queramos. Y podemos acostumbrarnos realmente a jugar y cambiar estas subdivisiones dentro de los trillizos. Yo sí te recomiendo que lo pruebes, pero es bastante difícil. Así que asegúrate de jugar con lentitud. Y te acostumbras a los trillizos en las subdivisiones contra las cuatro, de cuatro dimensiones. Esa es la parte difícil. Y por supuesto se puede mantener el pie izquierdo en la nota de cuarto también. Y eso es lo básico de los trillizos. Ahora vamos a estar mirando cómo podemos aplicarlos a surcos y rellenos. 55. 57 Groove de Shuffle: En esta lección, vamos a estar haciendo lo básico del groove aleatorio. Como baterista, el groove aleatorio es algo que realmente quieres aprender. Utilizas el ritmo shuffle en el rock and roll, en la música blues y la música country, muchas cosas diferentes. Por lo que realmente es algo valioso aprender. Lo bueno es que el groove shuffle básico no es tan difícil. Ahora llamamos a esto un groove aleatorio porque incorpora un ritmo muy específico que se llama barajada. Y sin ese ritmo no es realmente una barajada. Ahora, ¿qué es ese patrón de barajada? Bueno, empecemos jugando trillizos de octava nota en el hi-hat. Y por supuesto los contamos como un trillizo, trillizo, trillizo, pero programaré el metrónomo para que cuente cada trillizo. Ahora eso está bien por sí mismo, pero eso no es un ritmo aleatorio. Lo que hacemos para cumplir con que un ritmo aleatorio es simplemente sacando el triplete medio de cada agrupación. Así que ahora en lugar de jugar cada octava nota triplete, así, uno, triplete, triplete, triplete, triplete. Ahora vamos a jugar el primer y último triplete de cada agrupación. Entonces un trillizo, triplete, triplete, triplete, uno. Aquí, Eso suena. Y de nuevo, el metrónomo está tocando todos los trillizos, para que puedas ver lo que falta y lo que no. Ahora hay un par de formas en que en realidad puedes escribir este ritmo. Puedes hacerlo para que las dos notas tripletas en la agrupación no estén conectadas en absoluto. Y acabas de conseguir un soporte que te dice los trillizos ahí. O puedes escribirlo de la manera que prefiero, que es en realidad conectas estos dos trillizos. Y luego tienes una nota o descansas en el medio. Es un poco más agradable mirar, en mi opinión porque todavía parece un trillizo, pero solo te falta esa nota media. Y ese es el ritmo barajado. Para que sea un groove, todo lo que hacemos es sumar una snare de los dos y los cuatro. Entonces un bombo en el 13. El shuffle realmente viene de la mano derecha porque eso está haciendo todas las cosas trillizas. El bombo y el tambor de la snare. Sólo están tocando notas de cuarto, 1234. Y luego está la barajada y el tipo de sensación suelta viene de esa mano derecha haciendo los trillizos. Aquí hay un par de variaciones diferentes del groove shuffle. Ahí vas. Esa es la ranura barajada básica. En el siguiente capítulo, vamos a estar mirando barajadas un poco más en profundidad, pero por ahora ojalá eso te haga empezar. Acabo de practicar eso solo haciendo el patrón hi-hat realmente por sí mismo. Y luego incorporar las otras extremidades. Y honestamente nos ponemos algunas cosas azules y simplemente barajamos un tempo lento, lo hacemos agradable y suelto y descuidado. Sonará realmente impresionante. En la siguiente lección, vamos a estar mirando el surco del swing. 56. 58 Groove: Vale, hablemos del surco del swing. El swing groove es el pan y la mantequilla para la música jazz, realmente es la puerta de entrada al jazz. Y lo bueno es que no es demasiado complicado, pero puedes sacarle mucho kilometraje. Puedes tocar mucha música con este beat básico. Y hay diferentes variaciones que entrarán en el siguiente capítulo. Pero centrémonos en aprender ese surco básico. Ahora en la mayoría de la música moderna, el hi-hat es el símbolo principal que usas. La mayoría de los grupos incorporan el hi-hat, pero en el jazz, usamos el platillo ride. El símbolo correcto es realmente lo principal que necesitas estar usando en el jazz. Si vas a escuchar alguna música jazz como Miles Davis, John Coltrane, todas esas cosas. Encontrarás que los derechos y lo que fue muy prominente en la música. Mi símbolo favorito en el kit de batería es el símbolo correcto. Creo que es tan versátil. Y por eso me gusta tocar jazz. De todos modos, vamos a entrar en el columpio de las cosas. Jajaja, muy mal juego de palabras. El grupo de columpios no es demasiado diferente del surco aleatorio. El grupo de swing comienza con el cuadrante en el platillo derecho. Y luego hacemos un poco barajando para los dos. Y luego volvemos a la nota de trimestre para los tres. Y luego un barajado para el, para. El ritmo en el símbolo derecho es uno, triplete, triplete libre. Trip. Para viaje. Eso suena bastante jazzy. Ahora ese es tu pan y mantequilla. Podrías tocar una canción de jazz solo haciendo eso solo, añade un poco de acento y haciendo diferentes signos en el platillo derecho. Y eso te haría pasar, ya sabes. Pero vamos a añadir algunas cosas más para que sea un poco más interesante, así como el platillo de paseo, otra señal que dice que estás tocando jazz es poner un hi-hat de fruta izquierda en los dos y el cuatro. Y esa es una de las cosas más comunes que estás escuchando jazz también. Vamos a combinar ese patrón de símbolo correcto con los dos en los cuatro y el hi-hat. Desgraciadamente hacer es en realidad sumar los dos y los cuatro y el símbolo. Y eso simplemente crea un poco más de movimiento en la ranura. Eso es lo que me gusta llamar el latido esqueleto. Tienes tu platillo de paseo en marcha y tienes tu pie izquierdo en los dos en cuatro. Y eso te hará pasar. Lo que hacen muchos bateristas de jazz es mantener eso yendo constantemente y luego improvisar con la mano izquierda y el pie derecho en el bombo. Ahora eso es mucho más avanzado, así que vamos a mantenerlo sencillo por ahora. Esa improvisación con la mano izquierda y derecha, se llama comping. Entonces si quisieras meterte en él, solo puedes mirar hacia arriba el jazz comping en la batería. Por ahora. Vamos a mantenerlo básico. Y lo que vamos a hacer con el bombo es que vamos a sumar un cuatro en el piso. Así que sólo vamos a jugar cada cuarto nota. Ahora lo de Jan es que es bastante sutil, es bastante dinámico. que no quieras tocar un simpático símbolo de luz a la derecha y luego tocar una bonita luz en el pie izquierdo y luego pisotear tu pie derecho. También quieres jugar eso a la ligera. A eso llamamos emplumado. El bombo se usa a menudo en jazzy casi sentir la base y no escucharlo. Entonces si tocas ese Beecher, agradable y suave contra el bombo, solo agrega un poco de profundidad, pero no es demasiado abrumador. Lo que suelo hacer es que veamos, esa es la cabeza del tambor y este es el batidor. Cuando toco el bombo, lo entierro así y lo dejo ahí. Pero cuando toco jazz, golpeé el bombo y luego lo dejo volver. Por lo que la cabeza del tambor puede vibrar un poco más y simplemente crear un poco más de extremo bajo y solo un poco más de cuerpo. Aquí está ese ritmo de esqueleto básico con el extraño para bombo. Ahora lo que podríamos hacer es sumar un 24 en la caja. Otra variación que puedes hacer, en lugar de tocar el tambor de la snare en los dos y los cuatro, es sólo tocar un palo de sitio en el suelo. Y esos son tus fundamentos del grupo de swing. Me encanta jugar, balancearme, así que estoy bastante emocionado de que así que estoy bastante emocionado de que ustedes también lo estén jugando. Ahora cuando estás practicando esto, solo recuerda que el estilo de la música es bastante dinámico y bastante suave una gran parte del tiempo. Así que asegúrate de practicar que sean de bajo, bajo volumen así como un alto volumen y simplemente meterte con tu dinámica. Ahí vas. Eso es lo básico del columpio. Bofetear algunos discos de jazz y acaba de ponerse atascado. 57. 59 rellenos de tripleta: De acuerdo, hemos aprendido a usar trillizos en grupos. Tenemos nuestro grupo shuffle y tenemos nuestro surco de swing. Ahora vamos a aprender cómo podemos aplicar trillizos a algunos rellenos de tambor. Tengo un montón de grandes rellenos de sonido para ustedes chicos. Así que sólo vamos a entrar en la lección. Voy a hablar de algunas ideas diferentes que puedes emplear mientras usas trillizos. Podemos empezar hablando de cómo solo podemos usar roles de un solo trazo en nuestros trillizos. Podemos empezar con un simple triplete de octava nota, y podemos añadir algunos acentos ahí. O podemos tomar ese mismo triplete de octava nota y apenas empezar a movernos por el kit. Por supuesto, también puedes usar túllizos sexuales de semiquaver y por favor reglas de un solo trazo de esa manera. Otra cosa que puedes hacer es poner tus trillizos, tu sola lucha contra dos superficies diferentes en el kit. En este ejemplo, vamos entre la mano derecha y el platillo de paseo, mano izquierda del hi-hat. Y luego en los dos y los cuatro tocarán mano izquierda de nuevo hacia abajo en el tambor de la caja para el backbeat. Y se tocan sus trillizos de octava nota. Cuando estás tocando música blues y quieres tener una gran acumulación. Este relleno es fantástico. Es solo trillizos de octava nota tocados en el suelo, tom y el tambor de la caja al mismo tiempo. Permítanme solo añadir un cuatro en el bombo del piso también. Puedes agregar un poco de dinámica y construirla a medida que llegas al final de la película también. Ahora no tienes que jugar trillizos solo en las manos. Puedes dividirlas entre las manos y los pies. En este ejemplo, estamos haciendo precisamente eso, pero también estamos agregando solapas. Estos pueden ser corderos de mano izquierda o derecha, justo lo que sea más cómodo para ti. El siguiente ejemplo es otra forma en que podemos dividir las manos entre los trillizos. En este caso, estamos haciendo golpes alternos entre su mano derecha y el pie derecho. Otro favorito mío es tocar trillizos de cuarto de nota como relleno de tambor. El cuarto nota triplete y un relleno solo te da ese lado en cascada donde solo un poco ralentiza todo y es como un kit de batería cayendo por unas escaleras. Este primer ejemplo son sólo los dos latidos de largo y simplemente hacemos golpes. Segundo ejemplo de un triplete de un cuarto de nota, NFL involucra la barra de herramientas de trillizos de nota trimestral. Eso significa que jugamos esas teorías tripletas de libre dos veces para conseguir la barra completa. Otra pega favorita mía al jugar trillizos es derecha, izquierda, izquierda, derecha, izquierda, izquierda, derecha, izquierda , derecha, izquierda, izquierda, o al revés donde está izquierda, derecha, derecha, izquierda , derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha, derecha. Así es como podemos usar esos patrones de mano. Y eso es todo lo que han conseguido los campos. Tú en esta lección, tiene bastantes. Entonces ojalá que eso te empezar y realmente solo tomarlo de ahí. Pruebe estos diferentes sobresaliendo con la tasa de tarifa derecha, izquierda, izquierda o izquierda. O intente diferentes subdivisiones de los trillizos en el triplete de la nota de cuarto y luego la octava nota y los trillizos de la nota 16. Intenta dividir estos trillizos entre las manos y los pies y simplemente límpiate con orquestación y donde juegas estos trillizos en el kit. Puedes por supuesto, solo toca trillizos de octava nota y la trampa, y solo agrega diferentes acentos también. Obviamente, hay un montón de cosas que puedes hacer, pero ojalá estas películas te den un conocimiento base y luego puedes tomarlo desde ahí. 58. 60: tríptico y transiciones rectas: parte 1: Ahora tenemos una sólida toma de trillizos. Ahora es el momento de integrarlos nuevo en nuestros otros valores de nota. Tenemos dos categorías de notas, realmente, tenemos nuestras notas de calle, que es todo lo que hicimos antes de este capítulo. Así notas trimestrales, notas octava, notas 16 y demás. Y también tenemos nuestros tullizos, que en este caso estamos hablando de los trillizos. Vamos a combinar estas dos categorías de valores de nota para llegar a algunos ritmos de envío mucho más complicados e interesantes. Ahora eso va a ser un reto al principio. Entonces lo que vamos a hacer la estrella esta lección es solo ir por una gratis ejercicios diferentes que van a acostumbrarte a la transición de trillizos a recta y luego viceversa. El pirámide de notas es justo donde subemos y bajamos en diferentes valores y podemos hacer eso tanto como queramos. Y siempre se juega como golpes alternos. Y sólo por simplicidad, sólo vamos a tocar en el tambor de la caja. Podemos empezar con una barra de notas de cuarto. Déjame ir a una barra de trillizos coordinados que octava notas, y luego trillizos de octava nota. Después vamos a las notas 16, y luego finalmente 16 nota trillizos o tullizos sexuales. Y luego hacemos lo mismo en el orden inverso. Y esa es nuestra pirámide nada completa. Estos son todos los principales valores de nota probablemente vas a utilizar en tu viaje de tambores, al menos al inicio. Y así es realmente importante que aprendas todas estas diferentes y cómo interactúan entre sí. Y luego triángulo de trabajo es una gran manera de hacer esto. Pasemos a algunos ejercicios diferentes. Vamos a empezar simplemente moviéndonos entre diferentes subdivisiones. Para ese primer ejemplo, lo que podrías hacer en lugar de jugar trazos alternos es solo jugarlo todo por un lado. En este caso, en este ejemplo, voy a jugar en la mano derecha. Y eso va a fortalecer tus manos y construir el control. Necesitas tocar estos ritmos con un groove. En fin, aquí está el resto de los ejercicios. A continuación lo que vamos a hacer es que vamos a aplicar estos trillizos y notas rectas. No voy a hacer algunos surcos de ellos. 59. 60: tríptico y transiciones rectas: parte 2: Tocar a estos grupos étnicos y luego agregar trillizos y es algo muy común en como hip hop y rap música y música dance también. Especialmente en música como trampa y cosas donde tienes el aspersor hi-hats que son solo suenan como si fueran solo ametralladoras es todo solo cambiando subdivisiones. Entonces yendo de los trillizos callejeros y luego viceversa. Aquí hay un ejemplo de un latido de trampa. Por último, lo que podemos hacer es solo tocar algunos grupos normales de rock de octava nota y luego hacer algunos trillizos como nuestro relleno de tambor. Por supuesto, el grupo no tiene que ser estrictamente octava notas y en el campo tiene que ser estrictamente trillizos. Puedes mezclar y combinar. Y por supuesto lo que puedes hacer es usar los filtros de la última lección, y puedes usarlos dentro un contexto de ranura de octava nota. Tener ese conocimiento de ritmos y tener la capacidad de ir entre diferentes subdivisiones y diferentes valores nada realmente te va a diferenciar como baterista, la clave es simplemente entrenar tus oídos para reconocer todos estos diferentes ritmos y diferentes valores de nota. Y si puedes oírlo, puedes tocarlo. De todos modos, eso es mucha información. Hay muchos ejercicios. Creo que hay como 20 o 21 en esto. Entonces es mucho para la única lección. Pero esto te va a ayudar realmente como baterista. Pero ten en cuenta que esto va a ser bastante difícil de empezar porque esencialmente estás tomando dos cosas que suelen separadas y las estás juntando y machacándolas a todas. Y va a ser bastante difícil conseguir que encajen. A veces. Es un realmente clavar ese triángulo de nota en primer lugar y luego pasar por los ejercicios y luego empezar a aplicarlo en tu juego. Recomiendo revisarlo. Alguien como Benny agarró a quien hace estas cosas todo el tiempo. Es realmente impresionante. De todos modos. Te veré en la próxima lección. Cuídate. 60. 61 Triplets de Bonham: Ahora mismo estamos pensando que la intro es intensa? Es demasiado. Y probablemente estés pensando, ¿por qué es eso? Y el curso de principiantes, ¿ realmente vamos a aprender eso? Y la respuesta es sí. Por qué estaba tocando en la intro sólo se desmoronó. Soy trillizos y es lo que vamos a estar aprendiendo hoy. Rápidamente vas a aprender que eso en realidad no es demasiado difícil de jugar. Y realmente se trata sólo de aprender algunos patrones simples. ¿ Quién es John fondo? Bueno, John bottom es una inspiración masiva para mí y ha sido una gran influencia en mi juego. Era el baterista de Led Zeppelin y era conocido por esos trillizos locos en los toms. En esta lección, vamos a romperlo todo y te voy a mostrar que en realidad no es demasiado difícil. Los trillizos inferiores están hechos de tres nodos. Estas tres notas se agrupan como trillizos y se acaba de ver algunas variaciones diferentes del pegado. En esta lección, voy a explotar a través de algunos ejemplos diferentes de cómo podemos aplicar estos trombón y trillizos. Ahora en estos ejemplos iniciales y tocándolos como octava nota trillizos solo para mantenerlo agradable y fresco y agradable y lento por ahora. Lo que vamos a estar haciendo en estos ejercicios es pasar por algunas de las diferentes variaciones de los trillizos. El triplete de fondo John generalmente involucra un bombo sabe, y nodos de dos manos. Y aquí es donde entra la variación. Puedes tener primero un bombo y luego los dos trillizos en las manos. O puedes tener los dos trillizos en las manos primero y luego terminar en un bombo. Y entonces también podrías hacer las diferentes combinaciones de manos. Puedes ir a la derecha, a la izquierda o a la izquierda, a la derecha. John bottom en realidad lideran con la mano izquierda. Por lo que siempre iba a ir a pie izquierdo, derecho, pie izquierdo, derecho, o izquierdo, derecho, derecho. Lo encontrarás mucho más desafiante porque la mano izquierda suele no liderar las cosas. De todos modos, vamos a entrar en todos los ejemplos. La mano izquierda suele estar arriba en el primer término y la mano derecha suele estar en el tono del piso, pero también va a haber algunas variaciones diferentes ahí. Esos ejercicios realmente te ayudarán a capturar la esencia de esos trillizos de john Borland. Puedes usarlo para rellenos de tambor, puedes usarlos para solos. Puedes hacer lo que quieras con ellos. Esos se jugaron como trillizos de octava nota, pero lo que podrías hacer es que en realidad puedes duplicar la velocidad haciéndolos trillizos de nota 16. Ahora hemos mirado a los trillizos de John Bonham. Quiero mirar otro relleno que hace. Eso es impresionante. Yo lo llamo el cubo de pescado Llenar. Ahora lo llamo el cubo de relleno de pescado porque el ritmo real que estás tocando suena como cubo el cubo de pescado, el cubo de pescado para pescar. Lo que estamos jugando son tres trillizos de 16 notas y luego una octava nota. Podemos contarlo así. Un trillizo y dos triplete y 34. Y ya hemos visto ese ritmo, pero lo que vamos a hacer es cambiar la orquestación de ese ritmo. Lo que vamos a tocar es que vamos a tener una mano derecha o el tambor de la caja. Entonces mano izquierda en la primera vez que mano derecha en el piso tom. Y luego vamos a terminar con un bombo. Muy bien chicos, aquí hay un consejo superior para cuando estás tocando ese libro, el relleno de tambor de pescado, como sabemos que va snare, tom, Tom, bombo encendido cuando estás tocando tan rápido, puede ser difícil mover tu mano derecha desde el tambor de la caja hasta los cuatro tomo y tipo. En lugar de mover todo el brazo del tambor de la caja al tom piso, forma en que podrías hacer es que solo podrías rotar tu muñeca así. Es muy similar a lo que hicimos en el tercer capítulo donde estamos moviendo nuestra mano izquierda hasta el hi-hat para descremarlo aparte de que lo estamos haciendo en la mano derecha. Pero el cuarto trabajo, porque hay menos movimiento, podemos movernos entre los tambores mucho más rápido. Por lo tanto, ten en cuenta que mi brazo no se está moviendo realmente al cuarto mandato. No es así. Eso es mucho más difícil de hacer que simplemente mover la muñeca. Si estás luchando por conseguir ese filtro, tempo rápido, ese movimiento podría haber lo que lo hace. Ahora se oye ese campo bastante en la música rock y esas cosas porque es sólo un gran poder cumplir. Es una gran película si quieres tener un relleno antes de que la música se detenga, simplemente tira un freno de mano en los tambores. Así que intenta que al final de una canción o al final de una sección de una canción, o lo que podrías hacer en este ejemplo, lo tengo implementado en un groove. Lo final de lo que quiero hablar es que no tienes que usar estos patrones de manos y patrones de pies de los trillizos de fondo John. Al igual que un relleno de tambor, puedes tomar aquellos pegados como derecho, izquierdo, derecho, pie izquierdo, o pie, pie izquierdo, derecho, izquierdo. Y puedes aplicarlos en grupos. Aquí hay un par de ejemplos de eso. Esa es una de mis pequeñas florezas favoritas como hacer en grupos para que sea un poco más picante. Pie, pie izquierdo, derecha, izquierda en el hi-hat solo agrega un poco de algo. De todos modos, espero que hayan disfrutado esta lección. Diviértete con esos diferentes Jon Bon y patrones, y diviértete con el cubo de pescado, Llena y experimenta y pruébalo en algunos surcos son rellenos o prueba solo con eso Jon Bon y patrón . Y solo cambia donde estás tocando en el kit de batería. No lo olvides, también puedes cambiar la dinámica. Nos vemos en la siguiente lección. 61. 62 12 8 VS 4 4 Triplets: Muy bien chicos, solo quiero hacer una lección rápida sobre las diferencias entre 1284 para trillizos de octava nota. El motivo por el que quiero hacer este video es porque puede ser difícil diferenciar entre 1284 para trillizos, hay diferencias sutiles, pero generalmente es solo en papel que en realidad se ven estos diferencias. Lo que lo hace más difícil es 44128 puede ser intercambiable. En esta lección, voy a descomponer las diferencias. En primer lugar, como sabemos, 12 es apenas 12 octava notas en un bar. Estas octava notas suelen estar expresadas como tres. Si comparamos eso con una barra de 44 con trillizos de octava nota, tenemos cuatro latidos en el bar, pero en realidad tenemos 12 notas también, y son notas escritas, trillizos de octava nota. Entonces ya hay similitudes ahí. Tienes tu 128, que es cuatro grupos de 3 octava notas. Entonces tienes 44, que son cuatro grupos de tres trillizos octavos nodos. Por lo que hay la misma cantidad de notas en la barra. Vamos a comparar dos golpes se juegan de la misma manera, 112 y luego 14 para los trillizos de octava nota. Como escuchaste en el ejemplo 12 y ocho, el metrónomo está contando cada octava nota. Y eso es porque estás contando cada octava nota en la semana 12 porque ese es el pulso. Vas a ir 12322332423 o 123456789101112. Si comparamos eso con el 44, sólo estamos contando las notas de cuarto y luego los trillizos que un poco llenando los huecos. Eso es porque sólo estamos contando para cuatro, que es sólo 1234. Esa es una de las principales diferencias si lo estás escuchando y contándolo. Pero la principal diferencia suele venir del campo y también de la música escrita. Nunca imaginen que tuvieras una canción que está todo en trillizos, pesar de que es una canción de cinco minutos. Y todo el tiempo que estás tocando trillizos en el hi-hat, eso podría parecer muy desordenado en la partitura. Por lo que podría ser más fácil escribirlo en 128. Si lo escribes como 128, hay menos pasando en la partitura y es mucho más fácil de leer. Esa es una de las principales razones por las que podrías querer usar el 128 porque si está en 44 y es trillizos por todas partes, solo podría parecer una pesadilla leerlo en realidad. Otra razón por la que podrías querer usar 12 es para combustible. Por lo que mucha música blues usa 128. El motivo usado 12 es porque tiene esa sensación constante de H-naught. Y simplemente suena bastante bonito porque estás contando 128 como las constantes octava notas como 123456789101112. Pero si comparamos eso con para cuatro, solo estamos contando las notas de trimestre, 123. Tiene diferentes campos. Por lo que 12844 son intercambiables, pero las principales razones por las que podrías querer usar 128 sobre 44 es un sentimiento cosas. Por lo que tal vez quieras tener un pulso de octava nota yendo todo el tiempo, y eso puede ser más fácil de escribir con 128. Mientras que es posible que quieras usar para, para mantener las cosas bonitas y compactas y solo cuatro latidos en el bar y simplemente hacerlas como trillizos, especialmente cuando no estás usando trillizos toda la canción. Encontrarás que mucha música blues usa 12. Espero que eso no sea demasiado confuso, pero solo quería esbozar de alguna manera los fundamentos de las diferencias entre 44 trillizos de octava nota y 128. Tienen la misma cantidad y notas que suenan igual, pero están escritas de manera diferente y les tienen una sensación diferente. Pero encontrarás ambos de uso final, así que familiarízate con ambos. 62. 63 Examen del ritmo 3: Hola y bienvenidos al examen de ritmo final del curso. Se siente como si fuera sólo ayer cuando empezamos a hacer nuestros exámenes de ritmo por primera vez . De vuelta en el segundo capítulo, ahora estamos en el capítulo cinco y nuestros conocimientos han llegado hasta ahora. Sabemos todo sobre rudimentos, sabemos de trillizos, ya sabes , de diferentes subdivisiones. Sabemos tanto de tambores. Y esta pequeña pieza de tambor de snare ojalá encapsula todo eso. Como de costumbre, el examen de ritmo no es nada demasiado elegante o aterrador. Es sólo una simple pieza de tambor de snare que puedes hacer. Y si hay algo que te esté preocupando, puedes volver a las diferentes partes del curso y revisarlo. Ojalá no haya nada que te despierte demasiado mal. Y lo que vamos a hacer ahora es que solo tocaré esta nota sobre la paz a través para que puedan escuchar cómo suena. Si pudieras leer esa música y puedes entender lo que está pasando, entonces fantástico. Tienes un sólido conocimiento del ritmo y eso te va a llevar muy lejos en tu viaje de tambores. Como de costumbre, solo descarga esa partituras y consigue aprender. No tienes que aprenderlo por vista leerlo y poder ver leerlo. Apenas aprende la pieza. Simplemente disfruta del proceso de aprenderlo. Y si hay cosas que te están tropezando, solo vuelve a revisarlas. Y eso concluye el capítulo cinco. En el siguiente capítulo, vamos a estar mirando diferentes géneros como rock, jazz, funk, y montones de otras cosas. Vamos a estar mirando las propiedades estilísticas de esta música y cómo se puede hacer que suene bien en la batería. 63. 64 Rock: Muy bien chicos, aquí hay un buen. En esta lección, vamos a estar rompiendo algunas de las principales características del tambores de roca. También te voy a mostrar algunos de mis grupos de rock favoritos. Cuando estaba creciendo, me criaron como Deep Purple, Led Zeppelin, Black Sabbath, o los clásicos. Y luego a medida que crecí, miré más como cosas pop punk como parpadear cuando también, green day, todas esas cosas por esa música rock realmente sigue siendo uno de mis géneros favoritos para tocar. Creo que cuando estás tocando música rock en la batería son algunas cosas que puedes hacer para hacerte sonar más auténtico. En primer lugar, podemos hablar de nuestro papel como baterista en una banda de rock. Si escuchas mucha música rock, ya sabes, los tambores son realmente el motor detrás de la banda. El baterista es el que mantiene nuestro por completo y manteniendo la canción avanzando. Y esa es nuestra prioridad número uno como baterista de rock tocando un grupo sólido que simplemente mantiene la canción impulsando hacia adelante. Ahora que conducir grupo ebrio no tiene que ser súper ruidoso o como super complicado. Sólo tiene que realmente hacer que la canción se sienta bien. En la música rock y el tambor de rock, generalmente encontrarás que el tambor de la snare aterriza en los dos y los cuatro. Eso es por supuesto un concepto familiar, el backbeat. Pero encontrarás en la música rock que, ese dos de los cuatro snare drum es bastante constante a lo largo de la canción. En el tambores de roca, encontrarás que dinámicas no son tan extremas. Y otros géneros como el jazz, probablemente vas a estar tocando bastante carga porque hay que competir con los amplificadores de guitarra y toda la base y la cantante. Por lo que quieres tener un bonito juego de batería ruidoso. Eso no significa que tengas un golpe los tambores tan duro como puedas hacer. A veces si golpeas el tambor demasiado fuerte o golpeas este símbolo demasiado fuerte, en realidad ahoga el símbolo y tambor y en realidad suena más débil. Se trata de encontrar el punto dulce donde el tambor suene bien y estás sintiendo que estás energizado, pero tampoco estás asfixiando los símbolos o rompiendo símbolos. Pero realmente rock tambores cuando se trata desólo ser un jugador sólido que está tocando a sólo ser un jugador sólido que está tiempo y simplemente conduciendo el groove y simplemente haciéndolo sonar potente y grande y emocionante. El grupo no tiene que ser complicado, pero tampoco tiene que ser aburrido. Lo principal que quieres hacer es asegurarte de que estés jugando consistentemente. Y también estás tocando algo que hace que la banda suene bien en su conjunto. Estás tocando en una banda. Quieres asegurarte de que no solo digas y bueno, sino que quieres asegurarte de que todos demás suene bien también. De todos modos, voy a callarme y dejarte escuchar algunos de mis grupos favoritos de tambores de rock. Ojalá eso te dé una idea de tambores de rock. Hazlo potente y hazlo groove, pero también hazlo sólido como una ranura de tambor y asegúrate que estás tocando musicalmente. Supongo. Si quieres meterte en el tambor de rock, el mejor lugar para empezar es escuchando música rock. Aquí hay algunos de mis bateristas de rock favoritos. Tienes a Dave crecer de los Foo Fighters o Nirvana. Tienes nuevo periodo de Rusia es un fantástico jugador solar. Deberían echar un vistazo a sus solos de tambor. Por supuesto que tienes a John Bonham de Led Zeppelin. Tienes a Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers, quien es uno de mis cinco mejores bateristas de la historia. Simplemente me encantan tanto. Tienes en pasta de morado profundo, que es un jugador fantástico y realmente toca muchos rellenos geniales en su música. Y finalmente, una de mis mayores influencias fue Travis Barker de Blink 1A2. Escribe partes realmente impresionantes para canciones y son sonando muy únicos. Ojalá eso te dé una idea general de lo que es el tambores de rock. Obviamente estos puntos no se aplican a cada canción de rock nunca. Deberían darte un buen punto de partida. A continuación, vamos a estar mirando los tambores funk. 64. 65 Funk: De acuerdo, hablemos de música funk en pocas palabras para bateristas, música funky es muy divertida. La música funky es muy divertida para los bateristas porque la música silenciosa realmente trae a la batería a la vanguardia del sonido, la sección de ritmo en un funk bandas. Entonces el bajo, la guitarra y la batería van a hacer o romper una banda de funk. El tramo de ritmo es tan integral a ese sonido funk. Y por eso, los tambores llegan a divertirse mucho. Hablemos de algunas de las características de los tambores funk. Entonces. El tambores Funk se basa principalmente en ritmos y surcos. Entonces estamos usando un montón de hi-hat kick and snare o montar platillo kick and snare. Y lo que encontrarás en la música funk es que tienes un bar o dos de groove y que más o menos labios para toda la canción. Habrá algunos rellenos ahí, pero por lo general te vas a pegar en ese surco. Y eso es que mis tambores son tan integrales a la música funk es porque, ya sabes, están tocando todo el tiempo y usualmente tocan en algo que está enredado. Si comparas la música funk con música rock y la batería involucrada en ambos estilos, encuentras que hay algunas similitudes en ambos estilos. Los tambores están liderando la canción y ambos son bastante consistentes. Pero hay diferencias bastante permanentes entre funk y rock. Por ejemplo, en funk, el backbeat no siempre cae sobre los dos y los cuatro. Podría haber algunas diferencias ahí. Y también el bombo no siempre baja en el uno tres. Encontrarás que hay mucha más sincopación pasando. Entonces hay mucho más offbeats y a veces es un poco más ocupado. Pero también encontrarás es que hay mucha más dinámica en los tambores funk. Hay muchas más notas fantasmas. Hay mucho más nivel abierto hi-hats y cosas así y adorno. Ahora obviamente tambores de rock tiene eso también. Pero creo que en la música funk, porque el estilo de la música es diferente, es más prominente sonando un signo contador de algunos tambores funk es offbeat kick drums y offbeat snare tambores, ir mocos y abrir hi-sombreros. Y está basada en grupo. Si escuchas a algún James Brown o como Curtis Mayfield, encontrarás que los bateristas están muy involucrados en la música. Hay mucho pasando, pero también encontrarás que los tambores son bastante consistentes en lo que tocan. Entonces, si aprendes que una o dos barras de grupo, puedes prácticamente tocar toda la canción, además de estar basada en grupo y sincopada. Lo que también encontrarás en la batería y la música funk es que realmente siguen religiosamente el bajo. Y eso vuelve al punto que estaba haciendo que la sección rítmica tenga que ser apretada en una banda funk. De lo contrario simplemente no funcionará. Si escuchas la canción me duele de King Floyd, oirás que el bombo realmente está siguiendo ese ritmo de bajo. Y por eso, sólo se encierra. El surco es realmente apretado. Por supuesto, el tambores funk no siempre tiene que estar súper ocupado con cálculos biliares por todas partes y muchas cosas suceden en sincopación. Puede ser un simple cuatro y el cuatro ranura recta. Y mucho del tiempo que podría ser más efectivo. Realmente solo depende de la energía de la canción y lo que puede ascender que vas a buscar como banda en general. Ahora no podemos hablar de bailes funk sin mencionar más tono. Ahora más tiempo era una compañía discográfica y realmente dio forma a mucha del alma, la era del funk y la era disco de la música. Mantener registros tenían un sonido característico porque tenían una banda de house llamada los Hermanos Funk. Una de mis piezas favoritas de la era moderna. En realidad no estoy seguro de cómo se llama el ritmo . Simplemente lo llamo cuanto más tiempo. Básicamente involucra octava notas rectas sobre el hi-hat. El tambor de la caja va en el 1234. Y luego también tenemos cuatro en el piso, bombo. Así que estás tocando cuatro en el suelo con tu snare drum en tu bombo al mismo tiempo, Chris, un efecto cool. Lo encontrarás en la batería del funk es que muchas de las grabaciones no se cuantizan a un metrónomo y luego no como totalmente en la parrilla. Encontrarás que hay muchos elementos humanos en el tambores. El grupo podría ser barajado, por lo que podría estar un poco más suelto o podría estar por delante del ritmo. Por lo que crea un poco de un sonido apresurado o detrás del ritmo, lo que crea otra sensación floja perezosa. La clave de nuevo es sólo escuchar algo de música funk. Aquí tienes algunas recomendaciones de algunos de mis bateristas funk favoritos. El primer tipo es Bernard Porter, quien es nuestro jugador de sesión. Por lo que grabó cargas y montones de cientos, creo, de más discos de tono y funk. Así que échale un vistazo y revisa su juego. Tienes a Ziggy Medio Oriente que es el drama de los metros, que de nuevo es un fantástico pionero de los tambores funk. Tienes campo bastante estable que es famoso por jugar con James Brown. Y tienes a Steve Jordan, quien es nuestro moderno jugador de sesión, que es conocido por su campo asesino. Así que realmente te recomiendo salir a escuchar algunas de James Brown, Curtis Mayfield, Marvin Gaye, muchas melodías diferentes de Motown y melodías funk. Y sólo tener una idea de la música. Sólo tienes que escuchar al baterista y ver si están tocando un poco más sueltos, un poco más barajados. Mira lo que están haciendo con el bajo, mira cómo están trabajando juntos y simplemente escuchar la música y ver cómo funciona todo. Aquí hay algunos ejemplos más de algunos de mis grupos funky favoritos. 65. 66 6/8 Ballad: Muy bien chicos, bienvenidos de nuevo. En esta lección vamos a estar mirando el estilo de balada 16 de la música, ya que el nombre podría sugerir que esta música está en la firma 68 veces. Un encuadernado suele ser identificado por aproximadamente, suele identificarse por su tempo más lento. Y también sobre es una canción que un poco cuenta una historia. Por lo general me encanta la historia. El sexto compás de tiempo realmente funciona para la balada, especialmente a tempos más lentos, porque le tiene ese movimiento de ida y vuelta. Ya sabes dónde está justo como 123456123456. En general, los tambores canciones inválidas no están realmente a la vanguardia de la música aunque ahí para mantener el tiempo y realmente simplemente acompañar al cantante. Por eso, los tambores en las canciones por lo general no son demasiado ocupados ni complicados. Sólo están ahí para mantener el tiempo. Y por lo general el ritmo se mantiene bastante consistente a lo largo de la canción con pequeños adornos y campos como un hi-hat abierto o simplemente pequeños rellenos antes de que yo sección cambio del alma. En cuanto a dinámica, el equilibrio suele ser bastante suave, pero pueden subir en volumen hacia el final. Así que solo usa tus oídos y solo escuchaste a los otros músicos o la pista de respaldo y mira lo que está pasando y simplemente cambia tu tocar para que se adapte a eso. Si es muy tranquilo, es posible que quieras usar el palo cruzado en lugar del sonido completo del tambor de snare. Aquí hay algunos ejemplos de unos 68 surcos inclinados. Podrías encontrar que el grupo 68 está ligeramente barajado o balanceado. Y eso significa que si estás tocando notas 16 normalmente en 6812345, $0.06. Pero si se barajan es más como 1234561. Entonces le tiene un campo E más aleatorio. Aquí hay un par de ejemplos de algunos grupos balanceados 68. Son una sensación un poco más floja cuando escuchas en el contexto de la música, puedes escuchar totalmente cómo funciona. Ahora la clave para tocar buenas melodías de boleta lenta es en realidad aprender a jugar lento. Mucho tiempo jugando lento es en realidad más difícil que jugar rápido. El clave es solo seguir respirando y mantenerse relajado y pasar un buen rato interno. Pero también escucha otras partes de la música que podrían darte una pista a diferentes partes y mantenerte a tiempo. No hay vergüenza usar otros instrumentos para mantenerte a tiempo también. Ahora solo por diversión, veamos algunas películas que puedes usar para tocar junto a estos 68 grupos. Ojalá eso te haga jugar en un poco más porque se usa con bastante frecuencia al igual que para cuatro. Por lo que es bueno acostumbrarse a ambas firmas de tiempo. Simplemente tómelo despacio, sigue la partitura y solo usa tus oídos. Y de nuevo, cuanto más escuches música, y cuanto más toques esta música, más se acostumbrará a ella, sobre todo cuando se trata de diferentes firmas de tiempo. Así que cuanto más escuchaste y de hecho lo tocas en 68, mejor vas a estar en ello. Así que diviértete un poco con eso y asegúrate de no llorar tus ojos que cuando estés tocando todas estas canciones de amor. Pero sí, eso es más o menos lo que es un Ballard. Así que disfruten. 66. Baraja 67: En este video, quiero mostrar algunos de mis grupos aleatorizados favoritos. El ritmo aleatorio se basa en trillizos y va así. Como sabemos, un trillizo, triplete, 3412341. El groove shuffle se utiliza en todo tipo de diferentes estilos de música, pero se usa principalmente en música blues y la música country también. Y lo que podemos hacer hoy es mirar las diferentes barajadas utilizadas en diferentes estilos de música. No hay shuffle específico para diferentes estilos es solo que estos se usan en ciertos contextos y funcionan muy bien. En mi opinión, hay dos categorías principales de barajadas. Tienes tu tiempo normal, entonces tienes tu medio tiempo. El tiempo normal shuffles son los que tienen el backbeat en los dos y los cuatro de cada barra. Y luego las barajadas de medio tiempo tienen la snare en los tres de la barra, lo que le da una más suelta, poco lenta o sensación sin cambiar realmente el pulso. Veamos algunos de los barajos de tiempo normal. Ese surco específico shuffle ahí con la mano izquierda haciendo barajadas todo el tiempo. Y luego la mano derecha haciendo nuestro patrón de swing de derechos, Eso es lo que llamamos el Texas Shuffle. Se usa mucho en la música country y es muy efectivo por A es bastante desafiante. Vas a abordarlo. Te recomiendo comenzar con el grupo que estaba en el ejemplo anterior, donde tienes ambas manos haciendo el patrón aleatorio y luego finalmente quitarte una en estas notas en la mano derecha. Y luego terminarás con el patrón de swing en la mano derecha y luego la barajada sigue yendo en la mano izquierda. Ahora veamos algunos grupos aleatorizados de medio tiempo. Estos son muy divertidos de jugar. Algunos de los borrachos más famosos es que en realidad somos barajadas a medio tiempo. Te has llenado bajo la lluvia por Led Zeppelin. Tienes a Rosanna por total. Y luego tienes el famoso producto shuffle, que es interpretado por Bernard al día. Lo mencionamos en la lección de funk. Si aprendes todos estos diferentes surcos aleatorizados, entonces tienes un gran repertorio para escoger y elegir. Dependiendo del escenario musical, no hay una respuesta correcta o incorrecta cuando se trata de barajar, solo juega con estos diferentes barajados y encuentra una que mejor se adapte a la música. Y solo por diversión, aquí hay algunos rellenos diferentes que puedes usar cuando te estás arrastrando. Si quieres revisarlo más música con palas, y te recomiendo que veas estos bateristas. Tenemos a nuestro Jackson Junior, tenemos a Jeff pour Karo. Tenemos a John Bonham, y tenemos a Sam Lee. De acuerdo, ojalá que eso te dé mucho en lo que trabajar. Estos trillizos son muy divertidos de jugar, pero pueden ser bastante desafiantes. Mi consejo para realmente aprender estos es solo contar cada trillizo, incluso los que realmente no están jugando, solo cuéntelos en voz alta o en tu cabeza. Y verás cómo todo se une mucho más fácil. Y por supuesto, mi método favorito para aprender algo en la batería es dividir las extremidades. Entonces comenzando con la mano derecha, luego agregando en la mano izquierda, luego agregando en el pie derecho. Y luego finalmente, no dejé pie tiene un poco de diversión con eso y disfrutar. 67. 68 País: Muy bien, en esta lección vamos a estar mirando la música country. Me encanta u odiarlo. La música country es un estilo de música muy popular y probablemente la vas a estar tocando en algún momento de tu viaje musical. Ahora, la música Country es un estilo tan amplio de música es difícil arrodillarse en un estilo específico de tambores para ello. Lo que vamos a hacer en esta lección es mirar a un par de los principales estilos de países. Y vamos a ver los tambores que van con ellos. En primer lugar, ir a mirar algún país moderno, así como country rock y country pop. Entonces veremos un poco más de estilo de país de la vieja escuela también. Ahora, un país moderno que encontrarás es muy, muy parecido a la música rock. Es mucha la misma instrumentación que la música rock mostrada ligeramente diferente. No es tan pesado enviar, hay mucho más tonos limpios y la guitarra y las voces están mucho más limpias. El tambores es muy rocoso. El papel del baterista en esta situación es muy similar a la música rock. Tus principales objetivos son mantener un tiempo sólido, mantener un buen retroceso en marcha, y simplemente mantener todo avanzando. Realmente eres la columna vertebral de la banda y realmente tienes que mantener las cosas apretadas. Mucha música country moderna implica poner un ritmo sólido y solo agregar diferentes campos dependiendo de la situación. Algo común que sucede en la música country moderna son las paradas. Aquí es donde toda la banda se detiene, o un bar o un beat o dos latidos o lo que sea. Y el vocalista hace una pequeña línea y luego estás vuelta con algo más como podría ser antes de un coro. Podría ser al inicio de la reversión, podría ser la intro, lo que sea. Asegúrate de escuchar algo de música y acostumbrarte a esas paradas porque suceden con bastante regularidad. Pero sí, el country moderno es muy similar a la música rock, por lo que es muy divertido tocar, pero es un poco diferente en cuanto a la música real que se está tocando. Pero al igual que la música rock, el papel de los bateristas es mantener a todos juntos y mantener un grupo sólido en marcha. Aquí hay algunos ejemplos de algunos grupos de países modernos. Ahora el país clásico está un poco más refrigerado mucho del tiempo. Dinámicamente, probablemente vas a estar jugando un poco más suave. Muchas de las cosas de los países de la vieja escuela en realidad está usando guitarras acústicas en lugar de guitarras eléctricas amplificadas. Por lo que vas a tener que cambiar tu dinámica para adaptarse a eso y no vencer a los otros instrumentos. En general, vas a estar poniendo muchos surcos aleatorios y muchos grupos azulados. Así que realmente acostumbrarse a jugar barajadas. Pero además de tocar surcos normales y surcos aleatorios, también hay un ritmo especial llamado el beat del tren que es muy exclusivo de la música country. Se llama el latido del tren porque lo que tocas en el kit de batería es muy similar a un tren de vapor. Chugging a lo largo. El patrón en sí no es demasiado complicado. Estás tocando notas 16 en el tambor de la caja, tocas un 44 y el bombo. Y luego tu pie izquierdo está justo en offbeats. Y para que el tren sea un poco más interesante aquí, agrega algunos acentos al tambor de la caja. El más común es hacer el acento en los offbeats junto al pie izquierdo. Ahora puedes tocar las notas 16 en el tambor snare puramente recto como una rodilla y R2 y R3 y R4. Bajo muchas veces con estos latidos de tren están ligeramente hinchados. No son completamente cisne, pero también son un poco más sueltos que solo tocar notas 16 totalmente rectas. Si escuchas las canciones de las que son estos árboles y grupos, obtendrás lo que quiero decir. Aquí hay algunas variaciones simples del grupo capacitado. Muy bien, eso es lo básico de la música country. Entonces lo moderno es muy rocoso sonando. Eres muy consistente con tu tambores. Estás jugando una espalda sólida la otra vez. Y compara eso con lo viejo, que es un poco más dinámico, un poco más flojo sentimiento. Asegúrate de echar un vistazo a alguna música country. Un gran empieza a echar un vistazo al país monedero Spotify que tengo para ustedes chicos. Simplemente pon la playlist en shuffle y diviértete con ella. El estilo final de la música que vamos a estar mirando como música jazz. 68. 69.1: jazz - pt1: Muy bien, hablemos de música jazz. Ahora. No voy a intentar cubrir la totalidad del estilo de la música jazz en una lección, tomaría todo un curso para hacer eso. Lo que vamos a hacer en esta lección, echemos un vistazo a algunos consejos y trucos y ejercicios que te van a ayudar a iniciar tu viaje de jazz. Ahora, la música jazz es un poco diferente de los otros estilos porque se remonta aún más allá que cualquiera de los otros estilos de los que hemos hablado hasta ahora. Tiene una historia tan vibrante y es imposible cubrir en una lección, lo que hace que el jazz sea único es que muchas de las actuaciones están improvisadas, por lo que están totalmente hechas en el acto a medida que avanza. Y eso es a veces lo que pone a la gente. música jazz es el hecho de que tienes que inventar todo a medida que avanzas. Pero también hay lo que lo hace mucho más divertido porque tienes mucha más libertad para hacer lo que quieras. Obviamente eso no es siempre el caso. Es posible que consigas alguna música de big band que tiene que ser interpretada exactamente como es. Pero mucho del tiempo es ¿puedo improvisar? ¿ Verdad? Veamos algunos tambores de jazz entonces. El fundamento para una gran cantidad de tambores de jazz es el swing groove recuperado eso hace un tiempo. Pero aquí hay un refresco de esperanza que suena. Comparemos el tambor de jazz con la música rock. En la música rock, el bombo y el snare drum están realmente liderando el resto del kit. Pero en la música jazz es el platillo paseo es el símbolo derecho en el pie izquierdo sombrero alto que va sobre los dos y los cuatro. Y puedes pasar, tocando precisamente eso en una canción de jazz. El bombo y el tambor de la caja se utilizan para improvisar en torno a este patrón básico, esta improvisación en el bombo y el tambor de la caja se llama comping company es la parte que consigue gente realmente asustada. Cuando escuchas a los bateristas de jazz, eso parece que sólo están tocando cualquier cosa en cualquier momento y es sólo toda locura. Pero hay algún método en la locura. Mucho de las veces los bateristas de jazz están tocando patrones comping que coinciden con otras partes de la banda. Podría haber patrones en el piano que se tocan en el tambor de la caja para imitar. O puede haber cosas que se ponen en el bombo que acompaña al contrabajo. El modo de pensar en ello comping y jazz tambores es pensar en el kit de batería como un instrumento melódico. Pensando en diferentes melodías en una canción y solo toca junto con eso con tu mano izquierda y tu pie derecho. Eso podría ser cosas que hay en la canción o tal vez cosas que no están en la canción. Y aún suena genial. Ahora vale la pena escuchar esto. Entra. Escuchar música realmente te va a ayudar a llegar a diferentes patrones comping. Si has escuchado más tambores de jazz y melodías de jazz y diferentes melodías, te parece que esa compañía tiene mucho más fácil. Encontrarás ciertos patrones que funcionan muy bien con tu juego y podrás usarlos con bastante libertad. Y eso en pocas palabras muy, muy básico es lo que es el tambor de jazz. Saltar y tocar diferentes melodías en el kit de batería que coinciden con diferentes partes de la canción. Y luego tienes ese patrón de swing yendo en el símbolo derecho y el sombrero alto del pie izquierdo. Los símbolos correctos ahí como tu cronometrador y el bombo y snare drum y ahí como tu espacio. Ahora antes de meternos en estos ejercicios, quería hablar de Springfield. Springfield es esencialmente cómo tocamos el símbolo correcto. Hay tres campos de columpios principales. Tienes tu suelta, tienes tu normal, y tienes tu tipo de rebote apresurado. El campo normal es donde jugamos los trillizos bang on justo como la R. Así que es como un triplete, triplete, triplete, triplete uno. Y está mucho en la parrilla. Si vamos al combustible de swing apresurado, encontraremos que las dos notas consecutivas se juegan más cerca juntas y crean sensación mucho más hinchable. En el otro lado del espectro, tenemos nuestra sensación más floja donde es un poco más relajado y no es un columpio es un poco más relajado. Ahora no hay respuesta correcta o incorrecta tuvo que jugar eso. Pero son solo diferentes formas en las que en realidad puedes jugar el swing y obtener diferentes vapes. Si estás tocando una melodía de jazz lenta, descuidada, tal vez quieras simplemente acostarte y mostrar esa versión más lenta del swing. Si quieres solo un surco de swing normal, solo puedes jugar esa versión normal. Y luego si estás jugando cosas que es un poco más animoso y un poco más tempo arriba. Puedes jugar esa versión súper apresurada. Aquí hay un ejemplo de todas las versiones gratuitas placa. Ahora ya sabes de swing siente que quiero pasar a algunos ejercicios te van a ayudar a construir la coordinación para tocar jazz comping. Ahora voy a decir fuera del bate, esta cosa está avanzada. Este es el tipo de cosas que todavía he practicado hasta el día de hoy. Todavía lucho con eso. Entonces pensé que no lo puse en el curso porque el tambores de jazz no es fácil, pero esta es una gran manera de iniciarlo. Lo que vamos a hacer es que vamos a poner un grupo de swing para el platillo de paseo y el sombrero alto del pie izquierdo. Y vamos a sumar un extraño, el bombo de piso Eso es emplumar el bombo que acaba de tocar últimamente. Y eso se mantiene consistente para todos estos ejercicios. Yo, lo que vamos a hacer es que vamos a cambiar la colocación de la mano izquierda en los latidos. Vamos a empezar con el primer ejercicio, que es la mano izquierda tocando cada beat de la barra. Lo que entonces hacemos es quitar esa mano izquierda un trillizo a través. Entonces ahora está en el triplete, triplete, triplete, triplete o 1234. Y así lo hemos movido por 1 octava nota triplete. Y luego finalmente para el tercer ejercicio, volvemos a pasar eso una vez más. Por lo que ahora el tambor de la caja aterriza en el tercer triplete de cada latido. Entonces ahora es como un trillizo, triplete, triplete, triplete 1234. Mientras haces eso, el patrón de swing permanece igual. Entonces lo que en realidad estamos haciendo es snare permutaciones de tambor dentro de un surco oscilante. Estamos tocando todas las posibles notas de tambor de snare dentro del ritmo. Una vez que estés contento con esos tres ejercicios, debes intentar jugarlos uno tras otro. 69. 69.2: jazz - pt2: Los siguientes tres ejemplos son lo mismo, pero estamos tocando para trazar notas de tambor seguidas. Entonces tenemos el primero, que es 1234. Y entonces todo lo que hacemos es mover esos para enganchar notas de tambor. Entonces es 1234. Después volvemos a mover estos dos nodos y en realidad obtenemos un groove shuffle, que es 12341. Una vez que tengas esos tres ejemplos por sí mismos, tócalos consecutivamente. Ahora eso va a ser bastante duro, pero estos ejemplos van a construir que la independencia y coordinación en esa mano izquierda te va a permitir tocar la melodía que está en tu cabeza. Si quieres meterte en el jazz comping, entonces definitivamente pasa por todas estas diferentes permutaciones y otra vez hasta no tengas que pensarlo. Y luego tendrás la capacidad de reproducir estas frases de diferentes maneras alrededor del kit. Por supuesto, si quieres trabajar en tu independencia de bombo, puedes hacer estos ejercicios con el bombo en lugar del tambor de caja. Muy bien, eso es realmente difícil, pero quería hacer este curso a prueba de futuro. Para que puedas volver cuando estés un poco más avanzado y aún consigue algo fuera del curso para acabar, Aquí tienes algunos rellenos de tambor que puedes usar en tus grupos de swing. Muy bien, y que hay algunas cosas que puedes hacer para construir tus chuletas de jazz. La clave de nuevo es solo escuchar, escuchar, escuchar tanta música jazz como puedas. Por supuesto, tengo mi playlist de Spotify. Si quieres escuchar algunos bateristas de jazz específicos, recomiendo Elvin Jones, Buddy Rich, Tony Williams, Art Blakey, Max Roach, Joe Morello, Philly, Joe Jones. Hay tantos. Voy a dejarlo ahí porque eso es un montón de cosas que procesar. Solo ten en cuenta que el tambores de jazz es muy duro. Me tomó alrededor de seis o siete años de tambores antes que tuviera el coraje de incluso intensificar el jazz. Así que no tengas miedo de volver a ella más adelante. Solo quería incluir algo en este curso sobre el jazz. De todos modos, voy a dejarlo ahí. Ojalá eso no sea demasiada información. Diviértete un poco con eso. Disfruta del proceso de aprendizaje y tómelo despacio. Solo sé paciente contigo mismo, no te enojes. Lleva mucho tiempo acostumbrarse a estas cosas. Es un estilo de música totalmente diferente al que probablemente no estás acostumbrado. Así que simplemente no te golpees. 70. 70: notas con puntos: parte 1: Hola y bienvenidos al capítulo de notación adicional. En este capítulo veremos algunos conceptos más de notación y veremos cómo se pueden aplicar. Hoy estamos mirando notas punteadas. Las notas punteadas son algo bastante común para ver en partituras, y tendrás que familiarizarte con ellas. Afortunadamente, las notas punteadas no son demasiado complicadas. Siempre que veas un punto después de una nota, esto significa que el ruido a reproducirse por un 50 por ciento extra de la duración original. Entonces el valor de una nota punteada es 1.5 de las notas normales. Piensa en el punto como una extensión. Si tuviéramos una nota de trimestre normal que dure un beat, si tuviéramos una nota de cuarto de puntos que duraría 1.5 latidos. Si tuviéramos una media nota que normalmente dura dos latidos y luego lo salpicó, duraría tres latidos en su lugar porque es 1.5 veces el valor original. Una buena manera de pensar en las notas de perro es a la mitad del valor de la nota punteada, luego cuentas tres de ese valor. Entonces si miramos una nota de trimestre punteada, podemos tener ese valor. Así se convierte en una octava nota y nosotros veces eso por tres. Y eso significa que una nota trimestral punteada es la duración libre octava notas. Eso también significa que una media nota punteada es la duración de las notas de tres cuartos. Y luego una octava nota punteada es la duración de tres notas 16. Ojalá se pueda ver una tendencia ahí. Todo es sólo mapas. A quién, yay, yay, amo las matemáticas. Las dos notas punteadas, lo más probable es que veas nuestro cuarto punteado una octava nota. A menudo los verás escritos unidos a otra nota. Por ejemplo, una octava nota punteada y una nota 16. No te asustes si ves esos ritmos. Simplemente desvíalo nota por nota. Veamos este ejemplo aquí. Tenemos una octava nota punteada y luego una nota 16. Al trabajar ritmos es mejor usar el valor nada más pequeño en el ritmo. Así que utilicemos 16 esos. Como sabemos, una octava nota punteada también puede ser tratada como tres notas 16. Entonces podemos contar ese primer nodo como uno. Y luego terminamos con una sola nota 16 como el arte del beat. Con lo que terminamos es un ritmo que juega en la primera y última nota 16 de cada beat. Vamos a jugar. Veamos otro ejemplo, una nota de cuarto punteada, seguida de una octava nota, usando nuestra regla de tener el valor original del punto y luego poner en tres juntos, terminamos con un valor de 3 notas octava para la coordenada DOD. Eso significa que nuestra primera nota trimestral punteada dura por la duración de los 12 de la barra. Después terminamos eso con la octava nota, que es el final de los dos. Por lo que la duración de los dos nodos dura dos latidos. Nuevamente, juguemos ese ritmo. Recuerda contar en voz alta. Ahora hemos puesto estos ritmos antes. Entonces, ¿por qué necesitamos notas punteadas? Esto de nuevo se reduce a dejar las cosas claras en la partitura y usar la menor cantidad de notación posible, comparemos el primer ejemplo de la octava nota punteada, la nota 16, con el mismo ritmo sin la nota punteada. Si estás leyendo a la vista o teniendo que aprender las cosas rápidamente, la versión con todos los riesgos podría ser un poco más difícil de leer que la versión con los adultos. Aquí está la comparación usando la nota trimestral punteada que la octava nota. Simplemente se reduce a una cuestión de lo limpia que quieres que se vea tu música y lo que crees que funciona para la partitura. Simplemente te da opciones realmente. Puede haber momentos en los que tenga más sentido escribir con todos los puntos. Es buena práctica estar preparado para ambos aunque. Aquí hay un par de grupos que usan notas punteadas. Las notas punteadas tienen otro papel muy importante. Recuerde las firmas de tiempo compuestas. Estas son las firmas de tiempo que se basan en frases de tres, como 68 o 12 pies. Las notas punteadas se usan mucho en estas firmas de tiempo ya que encajan muy bien en ellas. Por ejemplo, una barra de seis, se puede resumir en solo dos notas de cuarto de puntos. Eso se debe a que cada nota trimestral punteada representa 3 notas octava. Por lo que sólo hay que sumar dos de ellos juntos para obtener el mismo valor que 6 octava notas, que es una biofísica comió. Lo mismo aplica para 12 pies, Toby. Se puede resumir en cuatro notas de cuarto punteadas. Nuevamente, ahí se aplica el mismo principio, muy práctico para limpiar las firmas de tiempos de componentes. Aquí hay algunos ejemplos de cómo se pueden usar las notas punteadas en firmas de tiempo compuestas. Ahora, todo lo que he hablado con notas punteadas se aplica a descansa a es totalmente posible tener punteado descansa la actina exactamente de la misma manera que las notas punteadas. Aparte de que no juegas nada, no abordar se encuentran comúnmente en compuestos. Firmas de tiempo. Aquí te damos un par de ejemplos de cómo puedes usarlo. Ahora como tu curso de choque en notas punteadas, si alguna vez te encuentras con ellas, simplemente desvíalas, actuallas solo y no te intimides por ellas. Cuanto más practiques con ellos, más eventualmente te acostumbrarás a cómo suena la combinación de ritmo diferente y no tendrás que pensarlo. Encontrará una hoja de trabajo de notas punteadas para que pueda trabajar en los recursos de la lección. Así es como esos ejercicios. 72. 71 corbatas: Casi hemos llegado al final de la teoría musical. Así que agárrate con fuerza mientras abordamos el tema de los lazos. Entonces, ¿qué son los lazos en la música? Los lazos son pequeñas líneas curvas que conectan las notas entre sí. ¿ Qué hacen? Notas de marea, seguro que se van a reproducir como una nota continua con el valor combinado de los dos nodos, lo que estás haciendo es simplemente agregar estos nodos juntos en un solo valor. Por supuesto, como las drogas no tienen duración, simplemente tocamos la primera nota y luego no tocamos ninguna de las otras notas que son apretadas. Veamos este ejemplo aquí. Tenemos octava notas que están empatadas porque estas están atadas a esas firmas que notas de trimestre. Hola, simplemente combina los nodos juntos. Por lo que estas dos barras realmente envían lo mismo cuando se tocan en los tambores. Además de atar los mismos valores de nota juntos. También puedes empatar diferentes valores nulos juntos también. Aquí hay un par de ejemplos de las notas tipo y son contrapartes no ajustadas. También puedes probar más de dos notas juntas. Aquí hay algunos ejemplos de eso. Ahora probablemente estés pensando, ¿por qué necesitamos lazos? Ya tenemos valores nulos normales y notas punteadas y, uh, sí, obtengo esa frustración. Los puntos diminutos se usan comúnmente cuando se combinan notas sobre líneas de barras. Esta es la forma más frecuente de usarlos. Cuando se usan de esta manera, a veces puede ahorrar mucha notación desagradable y limpiar las cosas. Parece inútil. Los tambores de madera no tienen una longitud de nota como un piano. Entonces, ¿cuál es el punto? En primer lugar, los lazos se pueden utilizar para mostrar el drama de lo que están haciendo los otros músicos. A veces los lazos se ajustan mejor al resto de la música y te ayudan a darte en la imagen más grande de las cosas lugar de solo ritmos en la página. A menudo verás corbatas en partituras para canciones de jazz de big band. Los lazos suelen coincidir con las frases de las secciones de cuerno y pueden ayudarte cuando están improvisando. Además, los lazos pueden ser útiles para tus símbolos que sí tienen un sustain. Es posible que necesites tocar un hinchamiento de platillos para varias barras y un empate podría ayudar a notar eso, quizás junto con algún texto. Entonces si alguna vez ves nodos atados, solo piénsalos como una nota larga. Son más versátiles para instrumentos con sostenido, pero pueden tener sus usos para los tambores. Es bueno acostumbrarse a ellos y ayudarte si medio va a funcionar. Quick quiz, revisa las descargas de la lección para eso. 73. 72 repeticiones y notaciones estructurales: La lección de teoría final de este curso aterriza sobre la notación estructural. Como músico, lo más probable es que te encuentres con mucha partitura en tu tiempo. Y deseo prepararlos para algunas de las notaciones más generales giran en torno a estructuras y repeticiones, veremos signos repetidos de finales múltiples. De igual manera marcas, barras, abigarradas por detenciones, y también codas. En primer lugar, recapitulemos nuestros conocimientos sobre signos repetidos. Los signos de repetición son líneas de barras especiales que contienen dos puntos. Cuando ves estos puntos, tocas a través de la música con normalidad hasta el final de la barra donde tienes los segundos dos puntos. Cuando llegas a este punto, regresas a la primera línea de barras con los puntos y vuelves a jugar desde ahí. Por lo que se repite la música contenida dentro de estas dos líneas de barras con los puntos. Por defecto, solo repites esto una vez, pero puede haber texto que le diga al jugador que repita varias veces. También tenemos terminaciones alternativas usando oración de repetición. Si alguna vez ves una sección de música con signos repetidos, pero también corchetes con números, vamos a tocar a través de la música hasta el final de la sección de repetición. Llegamos al final de la barra marcada una, y volvemos al inicio de la sección de repetición. Luego repetimos por segunda vez redondo y reemplazamos la marca de la barra por una, con la barra marcada con las dos colas. Ella eso sonaría. Esto es muy útil para cuando tienes pequeñas variaciones al final de frases. Significa que no tienes que escribir las secciones enteras dos veces. A continuación, echemos un vistazo a las marcas de manera similar. Estos se utilizan para desorden o un melocotón. Este símbolo le dice a uno que simplemente repita la barra anterior. Si tiene un número sobre él, significa que repites la barra para eso muchas veces. Por ejemplo, cuatro barras de un groove de roca se pueden escribir así. Lo hace de manera similar tiene dos barras. Se repiten las dos barras anteriores. Estos son muy comunes en la música de tambor ya que normalmente estás tocando un groove repetido. A continuación tenemos barras. Las barras son una forma rápida de indicar la improvisación. En la partitura, muchas veces habrá un par de barras de música y luego recortes para básicamente decirte que mantengas esa vibra en marcha. En ocasiones tendrás ciertos ritmos anotados entre las barras. Éstas son para mostrarte cuáles son los ritmos subyacentes. Nuevamente, las barras son muy útiles para desagrupar una página para la música. Otro truco de ahorro de papel que usan los compositores es multi por arrestos. Multíparas son una forma rápida de decirle músico que deje de tocar por una cierta cantidad de barras. El número en el símbolo refleja cuántas barras cuenta. Es bastante autoexplicativo. Imagina que estás tocando una canción que tenía una intro que duró 30 bares. En lugar de escribir cada barra sin nada en ella, se podría simplemente escribir un abigarrado por arresto con el número 30, ahorra mucho espacio. Lo final de lo que quiero hablar es del DS al Coda. Esto es un poco menos común, pero es bueno estar al tanto de ello. Hay dos símbolos que necesitas aprender. Hay una señal de señal y ahí está el pasillo. Veamos este ejemplo. Lo que haríamos es jugar a los textos que dice DS al Coda. Después de eso volvimos al segmento mismo. Después tocamos como normal hasta llegar a los textos que dice To Coda. Y luego saltamos adelante al codificador y seguimos adelante. Este es un poco más complejo, pero es algo que vale la pena memorizar para ayudarte. He hecho un cartel de referencia para mantener tu memoria troteada sobre todas estas diferentes rotaciones estructurales. Si alguna vez tienes problemas con algo, por favor deja una pregunta en los foros de discusión o vuelve a ver cualquiera de los videos aquí. Ahora, tienes una sólida comprensión de la notación musical, la estructura y la performance. Bien hecho. 74. 73 Aprende canciones y partes de escritura: Hola y bienvenidos al capítulo final propiamente dicho del curso. En esta lección, te voy a mostrar cómo me acerco a escuchar y aprender música. También voy a hablar brevemente sobre cómo puedes llegar a tus propias partes de batería para tu propia música. Lo primero de lo que quiero hablar es de cómo me acerco a aprender canciones y escuchar música. Cuando quiero aprender canciones muy rápido, uso este sencillo proceso de tres pasos. Y hasta ahora ha funcionado muy bien para mí. Empezamos por acercarnos y mirando el estilo de la canción. A continuación, acercamos un poco más y miramos la estructura de la canción. Y luego finalmente acercamos realmente de cerca y miramos las partes individuales del tambor de una canción. De acuerdo, entonces el primer paso es identificar el estilo de la música. Es realmente bueno simplemente sentarse ahí y escuchar la canción y entender qué estilo es. Primero, escucha la canción y pregúntate, ¿es rocosa? Es un cachorro. ¿Es día de frío? ¿ O es realmente enérgico? ¿ Es esa música de orquesta de cámara medieval? Realmente no importa. Simplemente identificar el estilo, entender cuál es el estilo de la música significa que en realidad puedes tocar la canción auténticamente y realmente obtener ese tipo de propiedades estilísticas en tu batería. Entonces si se trata de un cohete Union, completa en voz alta y realmente lo hacen poderoso. Entonces si es un cohete, tú y lo haces realmente fuerte y poderoso. Si es una canción más lenta y es un poco más niños, tal vez puedas cambiar la dinámica y hacerla un poco más suave. Realmente sólo identifica lo que es la canción en su conjunto. Siguiente fauna que hacer es pasar por la canción y en realidad aprender la estructura. Esta es sin duda una habilidad que mejorará con el tiempo con la práctica. Por qué me gusta hacer es conseguir un pedazo de papel en blanco y después escuchar la canción y luego anotar las sanciones a medida que surgen. Entonces, por ejemplo, podría ser intro, verso, coro, verso, coro, puente, y luego coro. Y solo anota eso no en la hoja de papel. Una vez que tengas esa estructura esqueleto de la canción, vuelve a escucharla y luego cuenta las barras de cada sección. Entonces para el final de eso, tu papel podría ver intro para barras, verso 18 bares, coro 16 bares, primero 216 bares, etcétera, etcétera. Una vez que tienes eso, tienes toda la estructura de una canción el lunes de papel. Es realmente útil si solo atascas una canción. Simplemente puedes mirar hacia arriba y ver dónde estás y ver qué viene a continuación. Yo uso ese truco todo el tiempo cuando estoy aprendiendo canción tan rápido, hace las cosas mucho más fácil y significa que no tienes que aprender realmente toda la canción nota a nota. Simplemente puedes mirar la estructura y luego tal vez mirar el estilo, tal vez escribir el estilo en la parte superior de la música y tendrás una buena base de lo que es la canción. Ahora viene la tercera etapa del proceso de aprender una canción, que en realidad está aprendiendo las partes del tambor. Aquí es donde tus oídos realmente entran en los suyos, realmente enfocándose en ese instrumento. Por lo que en realidad se puede afinar y visualizar lo que está tocando el baterista. Una vez que hayas enfocado tus oídos en los tambores, realmente puedes distinguir lo que está sucediendo. Lo primero que me gusta hacer es identificar el tipo de beat. ¿ Es un ritmo de rock? Es nuestro ritmo de jazz. Swing ser barajado. B es al medio tiempo, doble tiempo, tiempo normal. Obtener un sentido general de la sensación del grupo. Una vez que tengas la vibra general del surco, puedes llevarla aún más allá e identificar lo que está haciendo cada extremidad. Puedo empezar por averiguar qué está haciendo la mano derecha y el sombrero alto, o el símbolo correcto o los toms. Y luego podemos identificar lo que está haciendo el bombo. Y luego podemos identificar lo que está haciendo la mano izquierda. Y luego finalmente, podemos mirar el pie izquierdo y ver si eso también está haciendo algo. La clave es solo enfocar tus oídos y realmente enfocarte en el kit de batería en la canción y luego visualizar lo que ese baterista podría estar haciendo. Si quieres llevarlo más lejos, puedes escribir las partes del tambor en tu hoja de papel y luego tendrás un latido de coro, tendrás un beat reverso, y tienes la canción completa escrita en taquigrafía. No tienes que escribir todo el asunto en la hoja de papel. Simplemente puedes poner como rock beat y luego poner el patada y el patrón de tambores. Y entonces eso será suficiente. Simplemente puedes usar eso como tu red de seguridad. Pero en realidad, se trata de usar tus oídos. Por supuesto, lo que puedes hacer es buscar partituras para la canción, y esa es totalmente una opción viable. Eso es realmente práctico, pero a veces no hay tanta partitura por ahí para canciones. Entonces, si estás atascado, solo usa métodos de tres etapas y eso te hará pasar por esto. Por supuesto, lo que podrías hacer es simplemente jugarlo una y otra vez hasta que esté arraigado en tu cabeza. Y eso es totalmente genial también. Si realmente quieres aprender una canción o aprender cómo un cierto baterista textos son gran opción es transcribir sus canciones. Transcribir simplemente significa que tomas lo que escuchas en audio y lo escribes en partituras. Para uno de mis proyectos universitarios transcribí por canciones de caídas, una de mis bandas favoritas. Y realmente aprendí cómo el baterista en realidad tocaba sus ritmos y aprendí mucho sobre cómo toca la batería. Así que si realmente te gusta un cierto baterista o una cierta banda, te insto a que hagas lo mismo. Lleva mucho tiempo, pero también es muy gratificante. Aprenderás tanto sobre el ritmo y también aprenderás sobre cómo funciona el baterista. También puedes transcribir video. No tiene que ser solo audio. Puedes buscar un video de YouTube de alguien tocando los tambores y en realidad puedes ver lo que están tocando y lo hace un poco más fácil también. A continuación, hablemos de escribir tus propias partes de batería para tu propia música. Lo primero que hay que considerar al escribir partes de tambor es cuál será el papel del baterista. ¿ Va a ser simplemente empujando esto adelante? O va a tener un enfoque más melódico donde estás tocando cosas que son melódicas. Y por supuesto que no hay una respuesta correcta o incorrecta. Es tu música para que sepas lo que quieres hacer. Además, el papel puede cambiar. Puedes empezar tocando algunas cosas melódicas geniales de los tambores. Y luego a medida que entra la canción, te metes en fill back beat drum groove. En primer lugar, sólo identificar cuál será el papel del baterista. A continuación, si tienes cosas escritas para otros instrumentos como guitarra o bajo o lo que sea, puedes escuchar lo que están haciendo y realmente ver esto, cualquier cosa que destaque rítmicamente. Y puedes tomar eso y traducirlo a los tambores. Podría haber algunos ritmos divertidos que funcionaron para patrones de bombo o acentos de tambor de snare. O tal vez haya un ritmo que funcione bien como relleno. La parte divertida es que estás totalmente en control de eso y es tu música. Entonces simplemente lo haces, solo para demostrar cómo diferentes tambores pueden hacer sonar las cosas. Voy a tocar lo mismo de vuelta a la pista, pero voy a cambiar la vibra de los tambores. Hablaremos de esto con un poco más detalle en la siguiente lección. Por ahora, solo diviértete con estos pequeños trucos y o bien aprende canciones muy rápido o escribe tus propias canciones. 75. 74 Jugar con un bajista: Hola y bienvenidos a una lección muy especial. Hoy vamos a estar hablando cómo jugamos con base, la base y el drama de las dos fuerzas que entrelazan y abandonan que mantienen todo unido y sólido. Es realmente importante que te encerres con tu bajista. Es realmente importante que te quedes encerrado con tu bajista porque eso va a crear un sonido mucho más cohesivo para ayudarme a grabar este video. Tengo a mi muy buen amigo, Jonathan Levy tocando el bajo. Ahora todo lo que realmente hicimos es solo configurar las cámaras y solo presionar grabar. Ninguna de las cosas que vas a ver está realmente planeada en absoluto y está completamente hecha en el acto. Lo que espero demostrar de estos expertos son solo algunas ideas que puedes usar en tu tocar para atascar junto con el bajista en otros músicos. Ahora, como dije, todas las cosas que estamos jugando están improvisadas. No obstante, los conceptos de los que voy a estar hablando se aplican a cualquier situación. Hay dos cosas que quieres hacer desde el principio cuando tu base es empieza a jugar, lo primero que quieres hacer es tener una idea por el templo y simplemente tipo de interiorizar eso. Mueve tu cuerpo con ese templo. Una vez que tengas esa plantilla internalizada, solo toma una escucha de nuevo y toma una idea por el grupo que está jugando. Simplemente trata de escuchar algunos ritmos que se asoman y que podrían funcionar bien en los tambores son realmente buenos comenzando a ello porque cuando estás jugando con un bajista es doblar el patrón base con tu bombo. Entonces el bombo sigue al bajo. Tengo un poco sentido. Echa un vistazo a este ejemplo aquí. Note que empiezan a tocar ese bombo junto al bajo en esos ritmos. Cuando empiezo a copiar ese ritmo de bajo en el bombo, empezamos a mallar o mucho más. Aquí hay otro ejemplo donde estoy escuchando la base, estoy escuchando que empezaste a hacer un cuatro y lo cuarto con los acordes en el bajo. Y empiezo a seguir eso con mi bombo. Mucho tocar con músicos implica escuchar y reaccionar ante eso. Realmente escucha lo que está pasando con los otros jugadores. Y eso te va a ayudar a formar un grupo. Lo bueno es que este curso ha sido diseñado para darte la capacidad escuchar algo y jugarlo físicamente en los drop-ins. Por lo que ahora puedes escuchar cosas y escuchar lo que otras personas están jugando y formar grupos de esa manera. Y tendrás la coordinación, tendrás que habilidad técnica para realmente jugarla. Así que empiezas con el templo, te sientes por el groove, y luego escuchas algunos ritmos que podrían funcionar bien con el bombo. Otra cosa es que debes tener cuidado con la dinámica. Si la base se vuelve más silenciosa, también debes intentar ponerte más tranquilo. De esa manera de nuevo, eres mucho más cohesivo. Aquí hay un ejemplo de eso. Otro uso para Dynamics es cuando un jugador comienza a solista, se quiere darle a esa persona el momento de brillar. Así que tal vez sólo tira hacia atrás los tambores y deja que tengan su momento. Sólo estoy un poco mantener a un grupo en marcha. No quieres pisar sus pies tocando tambores muy ruidosos por ahí solo. Ahora eso es sólo la punta porque podría haber momentos en que un guitarrista soliendo y se pone realmente enérgico, quiere sacar los tambores para eso. De nuevo, solo se reduce a escuchar y solo saber lo que está pasando. Ahora otro consejo para cuando estás tocando con músicos y bases es que no quieres tocar tan fuerte como puedas, tan rápido como puedas todo el tiempo. Por supuesto, si es un solo de tambor, ve por ello. Pero si estás tocando con otros músicos, realmente quieres ser considerado lo que están haciendo. Y no quieres simplemente hacer lo tuyo por allá. Empieza a sonar realmente desarticulado y raro si acabas de empezar a hacer cosas realmente locas sin consideración sobre qué más está pasando en la música. Aquí hay un ejemplo de eso. Y mira el comienzo mismo. Podrías ver mi palo romperse. Es bastante gracioso. Simplemente va volando a través de la habitación. Pero sí, ojalá eso te dé una idea de cómo empezar a tocar con base y otros músicos. La clave es escuchar y reaccionar a lo que está pasando, y también hacer contacto visual y solo asegurarse de que estás en la misma página. Me gustaría asintirse el uno al otro cuando quieras ponerte más fuerte y esas cosas. Todo es sólo comunicación. Mi consejo para ti es solo agarrar un basest, ponerlos en tu sala de práctica, y simplemente empezar a jugar. Honestamente, tocar con otros músicos es una alegría y es muy divertido. Y esa es una de las mejores partes de la música. No tengas miedo. Y si estás intimidado, consigue a alguien al mismo nivel que tú. Y ambos estáis aprendiendo al mismo tiempo sobre cosas nuevas y cómo jugar entre sí. Nunca hay presión y es tan divertido. Así que honestamente dale una oportunidad. 76. 75 ¡Algunos libros que te gusten!: Muy bien chicos, ¿cómo va? Estamos cerca del final del curso. Así que pensé en aprovechar esta oportunidad para simplemente hacer un video escalofriante sobre algunos de mis libros favoritos para desconectar y simplemente descomprimir después de este curso loco y loco. Lo grandioso ahora es que tenemos el conocimiento para leer y escribir música, lo que significa que podemos extraer todo el asombroso contenido y conocimiento de estos diferentes libros. Realmente es uno de los beneficios de leer música es que en realidad se puede utilizar estos libros a todo su potencial. Y por eso al inicio del curso, realmente estaba martillando a casa la teoría. Esperemos que haya dado sus frutos. Ahora cuando vayas de compras por primera vez para los libros de batería, puede ser muy abrumador. Hay cientos y cientos de libros diferentes. Y todos suenan tan asombrosos. Y lo que hice fue comprar un montón de ellos y en realidad no he leído la mitad de ellos. Ojalá evitar que eso suceda a ti mismo y comprar demasiados libros y estar completamente abrumados por todos. Lo he reducido a seis de mis libros de batería favoritos en mi colección. Ahora estos son ladrillos de los que personalmente lo disfruto y tengo mucho, va a ser diferente para ti. Y realmente sólo depende de donde quieras ir con tu batería. ¿ Quieres ser un absoluto demonios triturados y solo poder jugar muy rápido y jugar todos los saltos todo el tiempo. Entonces hay algunos libros ahí fuera para eso. Pero si quieres ser un drama groove y solo toca a todos estos geniales grupos diferentes. También hay libros para eso. Ojalá estos libros te den un poco de ambos aunque. Empezaremos con uno de mis libros favoritos, favoritos de la historia, que es stick controlado por George Lawrence almacenado. Este libro es básicamente considerado como la Biblia para los bateristas. Esta cosa también es vieja. Creo que es de la década de 1930 o 1920. Pero son solo páginas y páginas de ritmos de tambor de snare que solo te van a ayudar a construir la velocidad de la mano, la coordinación, todas esas cosas buenas. Realmente es considerado como uno de los ebrios imprescindibles v6 para cualquier baterista. Lo bueno es que puedes jugar todos estos patrones con las manos, pero también puedes jugarlo con los pies. Así que si alguna vez quieres meterte en el bombo de contrabajo, esta es una gran manera de hacerlo. Continuando, tenemos a Ted leyó libro de sincopación. Ahora este es un libro muy versátil porque solo son páginas y páginas de diferentes ritmos y patrones que puedes usar. Puedes usar todos estos patrones como diferentes patrones comping que puedes practicar con tu surco de swing. Otro que recomiendo encarecidamente. Ahora uno de mis libros absolutos, absolutos favoritos es el lenguaje del dibujo de Benny grab. Ahora este libro es muy especial porque en primer lugar está firmado por él. Pero también porque te muestra cómo puedes usar un concepto simple en tambores y llevarlo hasta ahora y sacarte tanto de él. Ahora este libro gira en torno a un simple alfabeto de diferentes patrones. Y luego te muestra cómo puedes usar estos diferentes contextos. Simplemente me sale tanto de una simple idea. Así que realmente recomiendo este libro es sobre lenguaje de Drumming by Benny grip, es probablemente el que más he usado. O otro favorito mío son las técnicas avanzadas para el baterista moderno de Jim Chapman. Ahora dice baterista moderno, pero esto se hizo hace bastante tiempo. Entonces es realmente para la música jazz. Esto realmente te va a ayudar con tus diferentes frases de John's camping. Y te va a dar la coordinación que necesitas para hacer el jazz bien, así que de nuevo, si quieres meterte en el jazz, libro fantástico. Ahora si quieres ponerte rápido en los tambores, te recomiendo compinche más rico snare drum rudiments. Este libro pasa por un montón de diferentes rudimentos y es fantástico para construir tu velocidad, fuerza y resistencia de la mano. Aquí hay tantos rudimentos diferentes que vas a ser un jefe absoluto cuando termines esto, vas a poder jugar congeladores interesantes y jugarlos de forma rápida y precisa. Lo bueno de este libro es que te habla a través de cada regimiento. Por lo que no solo te saludan un muro de partituras. En realidad hay un poco de texto y te muestra cómo puedes usarlo en diferentes contextos, y es fantástico. Ahora, por último pero no menos importante, es el breakbeat Biblia. Ahora si quieres estar en baterista basado en grupo, este libro es la Biblia. Si quieres especializarte en música funk o música hip hop, o música de drum and bass quizás entonces este libro es por lo que quieres pasar. Se pasa por todos estos diferentes elementos de diferentes grupos y te muestra cómo puedes usarlos de diferentes maneras. Y también te muestra diferentes ejemplos de canciones que puedes ir y mirar aquí para ti mismo. Si realmente quieres quedarte en un funky que este libro es impresionante. Y que hay seis de mis libros de batería favoritos que no caen en la trampa de comprar un libro de batería. Y luego pensando, oh, inmediatamente tengo ese conocimiento. Realmente tienes que trabajar en ello para sacar ese conocimiento del libro. Practica con el libro, juega junto a las cosas, y entonces realmente puedes extraer el máximo provecho de cada libro. Dije libro unas 50 veces allí. Pero de todos modos, el punto sigue en pie. Si hay un libro que pudiera elegir, sería o bien un libro de control de palos o tambores de lenguaje. Ambos son libros fantásticos. Y sin embargo ojalá eso te dé algunas ideas de dónde puedes llevar tu aprendizaje a continuación. Si quieres aprender más sobre estos libros, solo echa un vistazo al enlace en los recursos de la lección. De todas formas, espero que haya sido un bonito video y puedas relajarte y descomprimir después de este curso loco. Pero ojalá disfrutes algunos de esos libros. 77. 76 Llevar tu juego al siguiente nivel: Hola y bienvenidos a lo que va a ser la última lección en este curso. Hemos pasado por bastante y han sido muchos retos en el camino, pero felicitaciones, lo has hecho hasta el final. En este punto del curso, vas a ser un baterista muy competente. Vas a ser capaz de jugar muchas cosas diferentes y vas a estar listo para el concierto. Y ese es un gran lugar para estar como baterista, puedes ir a tocar música con la gente y es realmente divertido. Se quería hacer en esta pequeña lección es, ya sabes, responder a la pregunta de qué anexado, dónde podemos llevar ahora nuestro tambores? ¿ Qué hacemos para que nuestro avión llegue al siguiente nivel? Si eres feliz al nivel en el que estás ahora, entonces increíble, estoy tan feliz por ti y espero que disfrutes tu batería. Si quieres llevarlo más lejos, te sugiero que hagas estas pequeñas cosas. Lo primero y lo más importante que va a mejorar tu batería desde aquí es solo tocar con otras personas, tocando con otros músicos. Jugar por ti mismo es realmente valioso. Y practicar por ti mismo es súper valioso y te hace un mejor baterista. Pero lo que sucede cuando tocas con otros músicos es que te conviertes en un mejor músico. Y el objetivo de tocar la batería es por supuesto tocar música. Por lo que tiene sentido que toques música con otras personas, tocando con otras personas. Va a ser una experiencia completamente diferente de jugar a tu iPod o a tu Spotify. Va a ser una situación en vivo. Vas a tener que mantener el contacto visual. Vas a tener que reaccionar ante diferentes músicos. Y vas a tener que escuchar muy atentamente lo que está pasando. Mejorar tus habilidades de escucha es una de las cosas más importantes que puedes hacer como músico. Si estás tocando tan fuerte como puedas, tan rápido como puedas todo el tiempo con otros músicos, entonces realmente no estás escuchando lo que está pasando. Tocar con otros músicos es una habilidad tan invaluable como un baterista. Así que acaba de enviar un mensaje de amigos a un músico, o ir a la Jamnagar local, o simplemente ir a un micrófono abierto y ver qué está pasando. Y si te sientes despierto, ve al escenario y diviértete con esa gente. hay absolutamente ninguna razón para estar nerviosa, y es muy divertido con. Mi segundo consejo para ti es escuchar mucha más música de la que normalmente harías. Así que cuando empecé a tocar la batería, escuché básicamente parpadear en ella también, y Red Hot Chili Peppers, y eso es todo. Pero cuando fui a la universidad, me presentaron todos estos diferentes tipos de música. Realmente puede ser abrumador, pero también es realmente emocionante, ampliar tu horizonte y tener una mente abierta sobre la música que quieres escuchar es una gran herramienta. Y es algo que va a ser muy valioso para ti si solo quieres estar en el baterista de rock down the line que increíble. Y te gusta escuchar rock que fantástico. Escucha eso al contenido de tu corazón. Pero también tal vez, quizá escuche algo de música latina o música jazz, y luego aplique esas cosas a tu rol. Tener todas estas diferentes influencias desde el rock, música jazz, la música folk, música funky, lo que sea, reuniéndolos a todos creará tu sonido. Y eso es realmente importante, en realidad elaborando tu propio sonido. Es genial que quieras mandar a tu baterista favorito. Pero lo que pasa es que vas a sonar como tú y te vas a la luz solar. El mejor. Escuchar una variedad de música te va a ayudar a desarrollar tu propio estilo. Podrías escuchar algo de música latina y Hera cool drum fill que vas a probarlo. Y es posible que escuches algo de música jazz y pienses que eso es un ritmo realmente genial. Y todas estas diferentes influencias van a conformar el estilo de tu música. Entonces mi segundo consejo simplemente se escucha tanta música como sea posible. Esos dos primeros ejemplos tenían que ver con la musicianship y convertirse en un buen músico y encontrar tu propia voz. Pero ahora hablemos de cómo en realidad nos convertimos en un mejor baterista. Lo principal que me ayudó cuando realmente estaba aprendiendo a tocar tambores en me mejoró. En realidad es tener un tiempo de práctica dedicado. Y en ese tiempo de práctica te recomiendo realmente estructurar de una manera en la que tengas diferentes resultados de aprendizaje y diferentes focos y diferentes partes del tiempo de práctica. Entonces, por ejemplo, los primeros diez minutos podrían ser un calentamiento. Entonces los segundos diez minutos podrían ser solo patrones de mano y trabajar en tu mano velocidad y técnica. Y luego los próximos diez minutos podrían estar trabajando en tu precisión y luego tu velocidad. Y luego 30 minutos podrían estar trabajando en canciones. Soy un firme creyente de que diez minutos de práctica enfocada en un aspecto de los tambores es mucho mejor que solo dos horas que acabo de patear y hacer lo que sea. Porque realmente no estás enfocado en que te estás concentrando en esa cosa durante diez minutos, y eso es lo único en lo que te estás concentrando. Lo aprenderás mucho más rapido. tienes que asegurarte de que dedicas embargo,tienes que asegurarte de que dedicas algo de tiempo a divertirte un poco. Porque lo que me pasó fue que acabo de pasar todo el tiempo que practico solo en una parte de práctica, practicando la velocidad de la mano y la coordinación y la técnica. Y acabo de odiarlo. Me convertí en un baterista mucho mejor por eso. Pero cuando llegué al kit de batería, simplemente no quería tocarlo más. Así que absolutamente recuerda divertirte cuando estás practicando. Pero sí, ese es mi tercer consejo. Usa la práctica enfocada y mejorarás mucho más rápido, pero no la lleves demasiado lejos y te quemes. Mi cuarto consejo es otra vez que ver con la práctica del tambor, que no quieras practicar, cosas que ya conoces. Ahora, soy super, super culpable por esto porque para sentarme y acabo de practicar cosas que sé que me sentiría bien conmigo misma. Pero el punto de práctica es que estás destinado a estar planchando las torcezas y mejorando cosas en las que no eres bueno. Si suenas muy bien cuando estás practicando, no estás practicando lo correcto. Estás destinado a mandar un poco de basura cuando estás practicando, ese es el punto de la práctica. Entonces si estás destrozando y estás enviando práctica perfecta, algo más que puedes hacer. Como dije sin embargo, soy muy culpable por esto, pero lo que debes hacer es identificar tus defectos y practicarlas primero. Entonces tal vez tu mano izquierda necesita trabajo y eso ha sido enfocado. Entra la práctica, te enfocas en tu mano izquierda y luego tal vez encuentres algo más que tu pie derecho no es tan fuerte. Y luego te enfocas en eso otra vez. Simplemente analiza constantemente lo que está pasando en tu tambores. Un gran consejo para señalar realmente defectos en tu tocar es grabarte tambores. Esto me pasa mucho. Grabé, creo que es increíble. Y luego una reproducción y luego pienso, Oh Dios mío, ¿qué estoy haciendo con mi mano izquierda? ¿ Por qué me sobresale mi mesita o estoy fuera del tiempo o algo así y la grabación no miente. Es una gran práctica para cuando realmente puede ayudar a identificar defectos en tu juego. Por supuesto, nunca vas a ser impecable. Siempre va a haber cosas que vas a nitpick y eso está bien, eso es sólo parte de ser músico. Creo que definitivamente va a destacar los grandes temas sin embargo. punta número cinco es simplemente no dejes de aprender. Siempre tenga un afán por aprender. Mi último consejo, que es la punta número cinco, es que no dejes de ser creativos y no dejes de ser curioso. Lo que quiero decir con esto es que siempre debe tener curiosidad por diferentes aspectos del tambores. Tal vez como batería de doble base o música latina. Son ellos, cómo hacen eso? Siempre tenga ganas de explorar diferentes partes de tambores. No te pongas complaciente. Creo que cuanto más aprendas sobre el tambores, más te das cuenta de que no sabes nada tambores porque hay tantas cosas ahí fuera. A lo mejor conseguir algunos nuevos libros especializados que te van a ayudar en un tema. O tal vez obtenga algunas lecciones con un baterista de jazz específico que te guste, o baterista de rock específico que te guste. Es un tema tan grande, puede ser abrumador. Pero creo que la clave es encontrar algo que quieras hacer y simplemente ir por ello. Este curso ha sido diseñado para llevarte a una meseta de alto nivel. Y luego puedes tomarlo desde ahí y cualquier dirección que quieras ir. Lo principal es que hagas lo que hagas, solo te diviertes con él. Sé que suena bastante cursi, pero es la verdad. Tambores es divertido. Se llega a golpear las cosas y hacen ruido y es ruidoso y es impresionante. Solo recuerda que llegas a golpear las cosas y te vas a divertir y llegas a hacer música con amigos. ¿ Y qué más podrías pedir? Realmente espero que este curso haya sido divertido. En realidad voy a hacer un video separado haciendo todo lo bien hecho. Entonces me voy a callar y ya puedes ir a ese video. 78. 77 ¡Bien hecho!: Estoy seguro que el título de este video ya está regalado el mensaje, pero hemos llegado al final del curso. Y solo quería decir un equipo masivo, masivo, Bien hecho para llegar a este punto del curso es un logro masivo en sí mismo. Y espero que estés orgulloso de ti mismo. Ojalá que por este punto te sientas como si estuvieras seguro de baterista y puedas salir a tocar tus canciones o tocar con diferentes músicos, empezar una banda, lo que sea. El punto de este curso fue llevarte a un nivel realmente alto de tambores, y luego puedes llevarlo en cualquier dirección desde ahí, el siguiente paso depende totalmente de ti en cuanto a lo que quieres hacer con tu tambores. Ahora esperemos que te sientas seguro de que tienes una base sólida y tienes una buena base de conocimientos de tambores. Realmente ha sido tan divertido hacer este curso, y realmente espero que lo hayas disfrutado. Empecé a hacer este curso hace unos 18 meses. Empecé a planearlo. Y la planificación son las lecciones y la partitura. Y ahora creo que este es el segundo último video que realmente estoy grabando. Entonces para mí, esto es un poco mentor. Para mí. Esto ha sido absolutamente increíble. Ha sido mucho trabajo haciendo toda la edición, filmando, soltando todo por mí mismo, pero espero que la pasión llegue y que la hayas disfrutado genuinamente. Quiero agradecerte muchísimas por poner tu fe en mí para enseñarte tambores. Y realmente espero que hayas aprendido algunas cosas y que puedas bajar y tocar la batería y sacar algo de alegría de ello. Pero sí, en realidad no tengo mucho más que decir aparte de bien hecho, estoy increíblemente orgulloso. Muchas gracias. Y además, no te detengas aquí. Sólo sal y haz lo que quieras hacer con los tambores. Y no te detengas porque el curso está terminado. Cuídate tambores infelices.