Transcripciones
1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Scott Baker y comencé en la
industria cinematográfica en 2009, trabajando en grandes
películas y programas de televisión, mientras también dirigía
mis propios cortometrajes, documentales y videos musicales. Si has tomado alguna de mis otras clases
que bienvenidos de nuevo. Si esta es tu primera vez, entonces es genial tenerte. Comenzaremos con
una revisión rápida de la configuración de iluminación de tres puntos, así
como de los tres tipos de
micrófonos que usaremos. Luego profundizaremos en los aspectos
técnicos como configuraciones de
cámara y micrófono para entrevistas a una persona N2. También discutiremos aspectos
no técnicos como elegir una ubicación y asegurarnos de que
tenga el aspecto correcto. Y en caso de que alguna vez te encuentres sin
un kit de iluminación, Incluso
hay una
lección sobre cómo colocar tus entrevistas usando ventanas y la luz natural
que entra. Y como bono, también
he agregado una lección rápida sobre filmar material detrás
de cámaras. Entonces, sin más
hablar, comencemos.
2. 3 tipos de micrófonos: Hay tres micrófonos
que estarás usando. Micrófono de escopeta,
grabadora de campo y un lavalier. Ahora sí recomiendo comenzar con el micrófono
de escopeta por su calidad y
su versatilidad. Y más adelante, agregando una grabadora de campo y un
lavalier a tu kit. Un micrófono de escopeta es el micrófono típico en el
que la gente piensa en un set de cine. Y eso porque es
lo más común, porque da el sonido
más natural a nuestras grabaciones de audio. Funciona mejor cuando la fuente se coloca
directamente frente a ella. Así como ahora estoy
con la cámara. No obstante, si tuviera que
dar un paso a un lado, notarán
que la
calidad se deteriora. Y si voy detrás de la cámara, se deteriora aún más. Para la mejor grabación, queremos colocar el micrófono
aproximadamente dos pies delante
del sujeto y justo lo suficientemente
alto para que
quede fuera de cuadro. También queremos
apuntarlo a su mentón. Ahora, para esta parte, finjamos que esto no es un atril y
en su lugar un podio. El grabador de campo es un
gran micrófono para usar. Si no puedes
acercarte lo suficiente tu micrófono de
escopeta al sujeto, o si no quieres ver el
micrófono lavalier en la toma, son realmente rápidos y
muy fáciles de configurar. Y son fantásticos para grabar a varias
personas a la vez. Son pequeñas y
por lo general se pueden ocultar fácilmente. Y cuando es posible, me gusta usar la grabadora de
campo como grabación secundaria
a mi micrófono de escopeta. Ahora bien, hay una falla es que una vez que
las colocas y golpeas record, no
puedes hacer ningún ajuste hasta que termine el disparo. Entonces, por ejemplo, si estás grabando a alguien que está
dando una demostración, y de nuevo, deciden
levantarse y
alejarse de un micrófono. Notarás que la mayoría de las
veces el volumen se volverá silencioso y
habrá más ruido de fondo
que podrás escuchar. Micrófono Lavalier, también conocido
como micrófono de solapa. Estos son los
micrófonos diminutos que
a menudo vemos recortados
a las playeras de la gente. Y son fantásticos para
grabar audio limpio. Especialmente en entornos muy
ruidosos donde un micrófono de escopeta no
puede acercarse lo suficiente. También son fantásticos si
tu sujeto se está
moviendo dando un discurso o
haciendo una demostración. Y eso es porque no importa a
dónde vaya tu sujeto, el micrófono de solapa permanece a
la misma distancia o la misma posición a la boca del
altavoz, por lo tanto, manteniendo la misma
calidad, pase lo que pase, es mejor colocar
un lavalier justo debajo de la línea del cuello
siempre y cuando esté bien que se le
vea en el tiro. Si no está bien
estar en la toma, tendrás que ponerte creativo y encontrar un lugar donde esconderlo. A veces la gente lo
mete en el color de una camisa. En teatro, incluso puede ir en el actor o
actriz su cabello. Y otras veces, la gente opta por ponerla
dentro de la camisa. No obstante, si se suelta o se
frota contra la ropa, eso terminará por
dictaminar el audio. El uso de laboratorios puede ser más lento y
puede ser difícil si la persona que usa el laboratorio no está familiarizada con ellos y no se
siente cómoda usándolos. Entonces asegúrate de tomar
eso en consideración.
3. Configuración de iluminación de 3 puntos: Primero comenzaremos
con la luz clave, que es la principal fuente a la
que están sujetas las luces. Y la luz de relleno se utiliza
para equilibrar la iluminación de la luz clave suavizando o eliminando cualquier sombra
sobre el sujeto, seguida de la luz de fondo, que ayuda a separar
al sujeto de el fondo
para lograr esta configuración. Echemos un vistazo a este diagrama. La luz clave se coloca
frente al sujeto y apaga hacia un lado a unos 45 grados
aproximadamente, brilla directamente sobre el sujeto. Si filmar afuera con luz
natural que el sol
será nuestra luz clave. La luz de relleno reflejará la luz clave y también
brillará sobre el tema. Pero no es tan brillante. Y si se usa solo luz natural, entonces usar un reflector para rebotar la luz funciona como una luz de relleno. Y la luz de fondo se
coloca detrás del sujeto, apuntando a su espalda para crear un borde de luz a su alrededor. Y esto ayuda a
separarlos del fondo. Para ir un paso más allá, podemos convertirla en una configuración de
cuatro puntos
agregando una cuarta luz para
iluminar el fondo, lo que agrega más
profundidad al disparo. La configuración de tres puntos es
ideal para entrevistas, pero no es una regla obligatoria, sobre todo cuando se filma una película narrativa
o un video musical. Al filmar entrevistas. Siempre es una buena idea
tener en cuenta esta técnica, pero siéntete libre de ser
creativo y hacer ajustes para encontrar
el look que deseas.
4. Entrevistas de una persona: En primer lugar, depende de si la entrevista es sólo la persona entrevistada
que está en cámara, o si el entrevistador también
está en cámara. Si solo se trata de una sola persona, puede ser una simple configuración de
una cámara. Para la entrevista de una sola persona, querrás usar
la regla de los tercios, recordando darles espacio
adecuado para la nariz y espacio para la cabeza. Y por lo general queremos componer el plano usando un primer plano medio ancho, medio o medio. Si vamos demasiado ancho, el público se
sentirá separado
del tema o
incómodamente cerca. Si estamos usando un primer plano. Eso no quiere decir que esas
tomas no se puedan usar siempre y cuando se cree el
efecto que vas por. Para una entrevista de una sola persona, adjuntar un
micrófono de escopeta a la cámara, o usar un micrófono lavalier
son las mejores opciones. Si es posible tener una
segunda cámara para entrevistas, hará
que el proceso sea mucho más fácil, sobre todo a la hora de editar. Porque ahora podemos cortar
fácilmente piezas de la
entrevista o encubrir cualquier error sin problemas sin
necesidad de agregar un montón de cortes también es
visualmente más interesante
para el público. En lugar de ver un disparo
continuo y tener que usar cortes de salto
duros como vemos en tantos tutoriales
o videos de YouTube. Si estás filmando
con una cámara, asegúrate de tener ideas en mente para tomas cutaway
para cuando estés editando. Esto te permitirá
planificar mejor el rodaje y el
flujo de la entrevista, además de facilitar mucho, mucho el
proceso de edición.
5. Entrevistas con dos personas: Si estamos mostrando tanto al
entrevistador como al entrevistado con una cámara que una toma
ancha como esta. O un ancho medio es
lo que mejor funciona. En cuanto a sus posiciones, queremos tenerlas ligeramente anguladas entre la
cámara y entre sí. Si tenemos dos cámaras, entonces podemos tenerlas sentadas una
frente a la otra. Al igual que una conversación regular
usando tomas inversas. Para esta configuración,
podemos optar por tener tiro
limpio donde cada persona es la única en el marco. O podemos configurarlo como un disparo
sobre el hombro. la versión argot de esto
se le llama tiro sucio. Y no es necesario que
los disparos se reflejen entre sí. Por ejemplo, podemos mezclar
los planos haciendo que el entrevistador sea
filmado en un medio ancho para darle a la
audiencia cierta distancia. Y una toma mediana para que el entrevistado haga sentir más cerca
al público. Sobre todo si están
contando una historia que es interesante o emocional. Y si tienes tres cámaras, entonces lo mejor es
configurar la tercera es una toma amplia para actuar ya tu maestro necesitará
tener dos orejas de nivel, una para cada persona. Usando un micrófono de escopeta. Tendrá que colocarse a igual distancia de
ambos sujetos, ya sea en la cámara
o en un boom. O si es posible,
podemos ocultar una grabadora de campo
entre los dos. Aunque estés usando un micrófono
lavalier o de escopeta, tener una grabadora de campo también
grabando como respaldo es
una práctica segura en caso de que algo salga mal con los laboratorios
o el micrófono de escopeta.
6. Elige la locación adecuada: Cuando estoy filmando entrevistas, mi primer objetivo es filmar en un espacio sobre el que
tengo control, sobre todo cuando se trata
de iluminación y audio. Queremos encontrar un entorno tranquilo donde podamos asegurarnos de que
no haya ruido de fondo preponderante o personas aleatorias que
entren en la toma. Esencialmente,
buscamos eliminar cualquier cosa que pueda distraer la persona entrevistada, así
como cualquier cosa que
pueda distraer a la audiencia. El otro aspecto importante de la
ubicación es la estética. Siempre trato de encontrar algo
que complemente ya sea la persona entrevistada o al tema que
se está discutiendo. En este ejemplo, estoy
entrevistando a un luchador. Por lo que rodamos en un gimnasio de fitness. Esta entrevista es
entre dos guitarristas. Entonces rodamos en el almacén de
Gibson. Aunque el fondo
no esté lleno personas o distracciones en movimiento. Y el hacinamiento de fondo es algo más de lo que hay que tener en cuenta. Un fondo abarrotado
también puede distraer, ya que
atraerá la atención del espectador hacia los muchos objetos diferentes. En estos dos ejemplos, un par de guitarras o unos pesos era
más que suficiente. Y tener el
fondo ligeramente suave también
puede ayudar a mantener el
foco en el tema. Si estamos filmando en algún lugar
con un fondo ajetreado, como una calle de la ciudad donde no
tenemos control
sobre el fondo. Entonces sacarlo de foco
usando una profundidad de campo baja es una gran manera de
reducir esa distracción. Si estamos filmando sobre la marcha y no tenemos un kit de iluminación a nuestra disposición entonces también queremos encontrar una ubicación
con buena iluminación. Recuerda lo que
aprendimos antes. Queremos aprovechar cualquier ventana si estamos filmando
en interiores durante el día, así
como cualquier luz existente
junto con nuestros reflectores, tableros de
rebote y banderas. También vale la pena señalar
que lo mejor es evitar las luces
fluorescentes porque
pueden causar un parpadeo en la cámara. Si tienes una de estas pequeñas luces de bolsillo
que comentamos anteriormente, podría ser lo que te salve. Por lo que de nuevo, recomiendo altamente
conseguir uno de esos. Si tienes un kit de iluminación, entonces esta es una
oportunidad perfecta para poner en práctica la
configuración de iluminación de tres puntos. De nuevo, si elegimos
una ubicación tranquila donde podamos controlar o
bloquear cualquier ruido de fondo, entonces todo será mucho más fácil, sobre todo en la edición. Cuando tengo una ubicación realmente
tranquila, entonces prefiero usar un micrófono de escopeta
porque captura el diálogo de forma natural y más cerca de la forma en que escuchamos la conversación
cotidiana. Pero si hay
ruido de fondo que no podemos controlar que usar
micrófonos lavalier son la mejor opción.
7. Iluminación con Windows: momentos, sobre todo
cuando
filmamos sobre la marcha, no tendremos kits de
iluminación extensos y eso está bien porque tenemos el sol y esa es la fuente de luz
más fuerte. Tan fuerte que incluso
al filmar en interiores, todavía puede ser una
fuente importante de luz para nosotros. Es entonces cuando Windows
se convierte en nuestro mejor amigo. Para este video musical que dirigí, no
usamos ni una sola luz. Todo el rodaje se hizo únicamente usando la luz solar que
entraba por las ventanas. Siempre empiezo con borrón y cuenta nueva inspeccionando la habitación y
apagando todas las luces. De esta manera, podemos ver cómo se ve la
habitación de forma natural, con solo la luz que
entra por las ventanas, que muy probablemente
será la luz del sol. A menos por supuesto que estés
filmando por la noche. En cuyo caso, lo más
probable es que sean farolas o luces
de otros edificios. Tal vez hasta un poco de luz de luna. Decide dónde colocar tu sujeto o dónde debe llevarse a cabo la
acción. Y recuerda de
la lección anterior, nunca filmes desde la misma dirección
exacta la
que viene la luz. Si lo haces, esto dará como resultado un look plano. Para entrevistas. Encuentro que colocar al sujeto
entre un ángulo de 1045 grados con respecto a la ventana proporciona suficiente
luz para iluminar a la persona sin dejar de
crear algunas sombras suaves. Pero pruébelo y vea qué funciona mejor para
usted y su proyecto. Al final del día, todavía
hay representación su país y
están representando la gente que vino antes que ellos en estas situaciones de interior. Otra razón por la que
no queremos configurar la cámara directamente
entre la ventana y el sujeto es porque
nuestra configuración de cámara muy probablemente
proyectará su
propia sombra en la toma. Este es un ejemplo perfecto de cuándo queremos
filmar en ángulo a la luz para poder capturar algunas sombras y añadir
profundidad a nuestra toma. El paso tres es dar
forma a la luz. Y lo que quiero decir con eso es
ajustar las cortinas o persianas para dejar entrar más
luz o para bloquearla. Si las ventanas tienen cizallas, podemos usar esas así como un difusor para suavizar la luz. O podemos usar un difusor real de nuestro kit reflector 51. Y recuerda, podemos usar
reflectores para hacer rebotar la luz y actuar como
luces de relleno o luces traseras. No te olvides
del fondo. Para dar más profundidad a nuestras tomas, todavía
tenemos que
asegurarnos de que se puedan ver partes del
fondo. Y aquí es donde
las luces prácticas pueden ser muy útiles. Algo tan sencillo como
encender una lámpara de escritorio o una lámpara de pie para
iluminar las paredes o muebles puede hacer
el truco a la perfección. O tal vez tener luces de otra habitación se derraman
a través de una puerta. Si eso no funciona
o no es posible, siempre
es bueno tener una o dos de estas
pequeñas luces de bolsillo. Son extremadamente potentes, T-Mobile y pueden cambiar
entre luz diurna y tungsteno. Algunos de ellos incluso tienen
ajustes de programas para imitar
cosas como sirenas, aligeramiento, o
televisión Flickr. Dos cosas de las que estar muy pendientes
en estas situaciones. En primer lugar, estarás limitado
al horario del sol. Así que prepárate y ten lista
tu preselección para
que puedas obtener todo el metraje necesario
antes de que la luz desaparezca o cambie
a drásticamente. Segundo, si es un día nublado, eso puede provocar que la
iluminación cambie mucho, lo que provocará problemas de
continuidad. Para estar preparado para esto, lo mejor es tener tu velocidad de
obturación, apertura e ISO configurada para que
tengas espacio para ajustar, ya sea hacia arriba o hacia abajo. Por ejemplo, si se vuelve más oscuro y la velocidad de obturación es
de 50 fotogramas por segundo, puedes bajarla más
para obtener más luz, al
menos no sin romper la
regla de obturación de 180 grados y dar el metraje y la mirada antinatural
y potencialmente borrosa. O si ajustamos la apertura
a 2.8 y se vuelve más oscura, no
podemos abrir más nuestra apertura para dejar
entrar más luz. Tener filtros ND,
como hemos aprendido, puede ayudarnos a mantener la velocidad de
obturación
y la apertura en caso de
que se vuelva más brillante. Así que asegúrate de esa parte
de tu kit también. Cuando se trata de iluminación, estas no son reglas,
solo lineamientos. Así que siéntete libre de hacer
ajustes y experimentar hasta
encontrar lo que te gusta, sobre todo cuando se trata
de películas, videos musicales,
o bodas, entonces realmente te
animo a que te pongas creativo, que te diviertas, y encuentra
la iluminación que se adapte a tu proyecto y
que lo haga destacar.
8. Configuración de los niveles de grabación: Una vez que hayamos elegido nuestro micrófono y esté configurado correctamente, debemos asegurarnos de que nuestros niveles de audio
estén configurados correctamente. Entonces abramos los ajustes del
menú en nuestra cámara y busquemos el nivel
de grabación. Podemos ver aquí estas dos barras
indican nuestros niveles de audio. El verde es bueno. Y cuando ves rojo, significa que está alcanzando su punto máximo. Pero no te preocupes demasiado si alcanza un pico un poco de
vez en cuando,
sumergirse en el rojo es normal. Sin embargo, si nuestros
niveles de audio están atascados en el rojo o golpean la
parte superior o al final del medidor, entonces nuestro audio estará distorsionado, recortado o ambos. Si esto está sucediendo, entonces necesitamos reducir
el nivel de grabación. Nuestro primer instinto tal vez para bajar niveles para
que siempre esté en verde. Hacer esto definitivamente
eliminará la distorsión
y el recorte. No obstante, si los
niveles son demasiado bajos, sí
corremos el riesgo de que el diálogo
sea demasiado bajo. Desafortunadamente, subir
el volumen después y posproducción
no es una solución simple si el diálogo es demasiado silencioso. Si probamos esto,
notaremos que el ruido circundante
de la ubicación, conocido como tono de habitación, se vuelve más fuerte en igual
proporción al diálogo. Y esto crea una
distracción hmm. Entonces, a pesar de que hemos
solucionado el problema de volumen, hemos creado un nuevo problema. Y ahora hay que agregar filtros y efectos de audio
para intentar arreglarlo, lo cual puede ser muy frustrante
y lento. Y dependiendo de lo
mala que sea la grabación, aún puede
que no suene natural. Por lo que el
nivel de grabación ideal para capturar audio
limpio es verde medio
a alto. Y de nuevo, no te
preocupes por el ocasional
chapuzón en rojo.
9. Conseguir tono de habitación: En esta lección, veremos
tres cosas
con respecto al tono de la habitación. ¿ Qué es?
¿Por qué lo grabamos? ¿ Y cómo grabarlo? En primer lugar, el tono de habitación es
una grabación de
audio de los sonidos naturales del
espacio en el que estás filmando. Puede ser la habitación de una casa,
una calle de la ciudad y espacio para eventos, un gimnasio, o un campo abierto. Hacemos esto porque cada habitación, espacio o ambiente tiene
su propio sonido único. Toma una escucha. El motivo por el que obtenemos
tono de sala es porque
descubrirás que cuando llegues
al escenario de edición, estas grabaciones de audio le dan a nuestra película un sonido más natural
y completo. También llenan
cualquier pequeño vacío y audio al cortar
juntos escenas de diálogo. A su vez, ayudándonos a enmascarar
ediciones y transiciones. Para conseguir buen tono de habitación. El estándar es
grabar por un minuto, y es realmente fácil. Todo lo que tienes que hacer es
llamar tranquilo para el tono de la habitación, golpear disco, y hacer que todos
se queden en silencio por un minuto. Al igual que esto. Pero creo que eso es
bastante largo no va a
hacer el minuto completo.
10. Peligros de audio que debes tener en cuenta: En esta lección,
vamos a ver algunos peligros comunes de audio. Porque si no
los atrapamos mientras estamos filmando, pueden causarnos grandes dolores
de cabeza cuando
lleguemos a la postproducción. Si se ha arruinado el diálogo, puede que tengamos que hacer ADR, regrabar o en el peor de los casos. Es posible que el metraje no sea utilizable. Por ejemplo, bodas
y eventos en vivo donde no hay
oportunidad de rehacer. Entonces para asegurarnos de que
esto no suceda, Echemos un vistazo a algunos de estos temas y
cómo tratarlos. Lo primero que
podemos hacer para ayudar a reducir el ruido del viento es en un
dirigible o un calcetín de viento, o una combinación de los dos. También podemos activar
la
opción de reducción de ruido del viento en nuestra cámara. Configura nuestra cámara y micrófono donde esté
blindado del viento. Lugares como detrás de
una pared o edificio o cualquier objeto grande que pueda bloquear el viento para que no
golpee el micrófono. Por último, si
no tenemos otra opción, siempre
podemos compartir el micrófono y la
cámara con nuestro cuerpo. Esto también se hace más fácilmente si nuestro sujeto lleva
un micrófono lavalier. Y luego solo hay
algunos lugares donde no se
puede hacer nada excepto reemplazar
el sonido en postproducción. No debería DSLR, no
debería ser un problema. Si nuestro metraje tiene un sonido chisporroteo
estático, eso es lo que
llamamos interferencia. Esto puede ser causado por otros dispositivos electrónicos cercanos
como teléfonos celulares, computadoras portátiles o cualquier dispositivo que
dé y reciba señales. Para resolver este problema, basta con ponerlos en
modo avión o apagarlos. Estar al tanto de las cosas
que están alimentadas, emiten un zumbido o un zumbido, especialmente cuando se
dispara en interiores. Siempre verifique si hay
electrodomésticos
como refrigerador, aire
acondicionado, ventiladores. Estos sonidos son tan comunes
para nosotros que a nuestros oídos, fácilmente
pueden pasar desapercibidos, pero nuestra cámara
no los echa de menos. Y cuando llegamos a
la sala de edición, pueden ser muy notorios
y muy distrayentes. Esos son sólo algunos ejemplos
de peligros comunes de audio. No obstante, puede
ser algo complicado porque hay tantos ruidos
diferentes
que pueden aparecer, razón por la
cual el
término Quiet onset es probablemente la
frase más repetida en cualquier set cinematográfico. Mi mejor consejo, cada vez que cambies tu
entorno, tómate un minuto, haz que todos estén callados y escuchen atentamente. De esta manera, podrás identificar cualquier ruido que
pueda ser un problema.
11. 12 BTS: Filmar detrás de cámaras o metraje
BTS para producción es algo que recomiendo ampliamente, sobre todo a los nuevos cineastas. Porque la cantidad de
conocimiento que puedes ganar en un corto periodo de
tiempo es increíble. Cuando era más joven, me encantaba ver
detrás de cámaras imágenes de películas. Y en realidad fue Lord of
the Rings lo que despertó mi
interés por la realización de películas. Todos saben cómo es el remate
final. Pero tener una demostración de cómo se hace justo frente tus ojos es como conseguir una educación y un cine gratuitos. Lo mejor es que no tienes que preocuparte por las configuraciones de
las cámaras o la iluminación ni nada porque el equipo ya lo
ha hecho todo. Solo tienes que
asegurarte de mantenerte fuera del elenco y de la manera de crucero
para que puedan hacer su trabajo. Cada vez que he filmado
detrás de cámaras, generalmente
hay escenas o
tomas o postura
específicas que han
querido que capture. Si no te dicen nada
específico para filmar de antemano, entonces lo mejor es
llegar temprano e indagar sobre producciones más pequeñas. Es posible que puedas hablar directamente con el
director o productor. Pero en producciones más grandes, Lo mejor es hablar
con el primer AD. Permitirles relacionar cualquier información entre
el director y el nuevo. Para detrás de escena, lo mejor es filmar de mano
o con un monopod. Con esta configuración, estamos móviles y listos para
cualquier cosa inesperada. Es muy parecido a filmar
conciertos o bodas. En cuanto a qué lente usar, sugiero un objetivo zoom porque proporciona
más flexibilidad y nos permite
hacer los ajustes rápidamente sin perder tiempo, cambiar lentes o
correr por todas partes el conjunto. Por ejemplo, si estamos
usando un lente prime wide, no
queremos tener que
correr por el set para obtener un primer plano de un actor y
director teniendo una discusión. Por lo que usar un lente zoom que nos
permita filmar desde distancia sin dejar de obtener una variedad de
tomas diferentes es lo mejor. Como
camarógrafo tras bambalinas. Queremos mantenernos fuera
del camino de todos. Entonces lo que sea que nos permita
mantenernos al margen mientras aún obtenemos el
metraje necesario es lo mejor. Para audio. La única
opción aquí es tener un micrófono de escopeta
conectado a la cámara. Para cualquier fotógrafo por ahí. Este ajuste es extremadamente importante cuando se dispara
detrás de escena. Y eso es porque no
quieres estar haciendo ningún tipo de
ruido mientras la acción
está pasando y el ruido del
obturador de nuestra cámara puede ser
muy distrayente. Entonces, para evitar eso, simplemente entra en el menú aquí. Y estamos buscando un escenario
llamado disparo silencioso. Podemos ver aquí mismo,
si seleccionamos eso, una opción simple
entre encendido y apagado, si hacemos clic en, ahora
podemos tomar fotos tanto
como queramos en
cualquier momento que queramos sin la preocupación de escuchar
el obturador ir. Ahora, esta opción
solo está disponible para cámaras
sin espejo
si estás usando una DSLR con el espejo, que la mecánica
de la cámara, hacen imposible tomar una foto sin
tener ese ruido. Si ese es el caso, tendrás que conseguir una funda
especial para cámara que acabe con el
sonido de ese obturador. Al filmar escenas
que están en progreso, no tiene sentido
filmar la escena en sí. Este es el momento para tomas
amplias porque se supone que
tu metraje
muestra cómo se están haciendo las cosas, no lo que está sucediendo
en la película. Queremos mostrar al público, todo el equipo y cámaras, y todos los diferentes
equipos y detalles
interesantes que
entran en la creación de la escena. Si eres capaz de filmar la escena y la cámara
en la misma toma. los productores y directores les encanta este tipo de forraje
porque
les permite pasar de
la escena real la película al metraje entre bastidores. Filmación de actores, PD y directores
trabajando juntos. Bloquear escenas,
tener discusiones es todo un gran metraje también, porque muestra las mentes
creativas en el trabajo. Lo mismo ocurre con ver grandes configuraciones de cámara o iluminación
que se están construyendo. Si hay efectos especiales cool
o maquillaje que se está aplicando, ese es otro must
film porque muestra la transformación de
actor a personaje. Esencialmente, vale
la pena filmar cualquier cosa
que muestre cómo se crean las escenas. Y siempre mantener un ojo hacia fuera
para la gente. Divirtiéndose un poco. Los sets de cine pueden ser algunos de los entornos de
trabajo más estresantes, pero también tienden a ser
los más divertidos y locos. Los equipos de cine son como
una familia grande y rara. Y a los productores les encanta ver este tipo de camaradería
en el metraje.
12. Conclusión: Eso es todo para esta clase. Espero que lo hayas disfrutado y tomaremos lo que
has aprendido aquí sobre la filmación de entrevistas y metraje
detrás de escena. Y úsalo para ampliar
tus conocimientos y habilidades como cineasta. Y asegúrate de compartir cualquier
entrevista que hayas filmado, o tal vez una breve compilación
de algunas
imágenes detrás de escena aquí en
Skillshare también. Es genial si
pudieras dejar una reseña, ya sea buena o mala, ya que esa retroalimentación me ayuda a crear mejores clases
en el futuro. Por lo que les agradezco mucho por
acompañarme en esta clase, y les deseo todo lo
mejor con su realización cinematográfica.
Scott Baker, Filmmaker
