Kleines schaffen: Mini-Meisterwerke mit großer Wirkung

1. Introducción: Hola. Soy Jen Dixon y bienvenido a Creando Pequeñas: Mini Obras Maestras con Gran Impacto. Tengo esta clase en mente desde hace más de un año, y estoy tan emocionado de compartirla con ustedes ahora. He hecho esta clase para todos, principiante o artista experimentado. Nos basaremos en principios de varias de mis otras clases, pero también puedes sumergirte justo en aunque esta sea tu primera clase conmigo. Trabajar pequeño es una manera fantástica de pensar a través de ideas que otra manera parecen desafiantes y pueden ser una gran manera de salir de una ruina creativa. Puedes crear mucho arte con suministros mínimos y un presupuesto ajustado o incluso usar una mini obra maestra para planear una obra mucho más grande destinada al lienzo. Normalmente no toman mucho tiempo para hacer, son fáciles de almacenar y pueden ser muy divertidos para comerciar con otros artistas o regalar a amigos. En esta clase, te guiaré a través de ejercicios específicos sobre técnicas de pincel, pensando a través de composiciones, compatibilidad de materiales de medios mixtos, consejos de color, preservando tu arte, y más. Lo que aprendas en esta clase te dará las habilidades y confianza para pintar pequeños, grandes, y en cualquier lugar intermedio. Ya sea que tu tema preferido sea figurativo o abstracto, vas a conseguir que tus jugos creativos fluyan y te enamores de hacer mini obras maestras. No puedo esperar a ver tus proyectos. Tenemos mucho que cubrir, así que saltemos directamente a la lista de materiales, y empecemos. 2. Materiales sugeridos: No necesitas tener muchos suministros de arte caros para comenzar tus mini obras maestras. Estaré usando una variedad de stock de papel pesado como Strathmore Bristol Artist Trading Cards en acabado de viela para mi demostración, pero mientras tengas papel pesado o tarjeta cortada a 2.5 x 3.5 pulgadas, tienes lo que necesitas. También puedes usar papel de acuarela prensado en caliente. Si utilizas papel de acuarela prensado en frío, es posible que encuentres la textura demasiado distraer visualmente a pequeña escala, pero dale una oportunidad si eso es lo que tienes a mano. respecta a la fabricación de marcas, recomiendo bolígrafos, lápices, carbón vegetal, pasteles suaves, acuarelas, gouache, y acrílicos básicamente cualesquiera que sean los suministros secos y a base de agua que tengas a mano. Pensarás instintivamente lo que encuentres más versátil y agradable a medida que creas. Por supuesto, puedes usar otros materiales como aceites y pasteles al óleo, pero nos centraremos en base acuosa y seca en esta clase. Otras cosas que necesitarás son cinta adhesiva, algún cartucho pesado básico o papel de boceto para ejercicios, una variedad de pinceles de pintura grandes y pequeños e idealmente spray barniz o fijador para preservar tu arte. Al final de esta clase, hablaré brevemente sobre formas de presentar y enmarcar tus mini obras maestras. He incluido una lista de materiales en los descargables. Ahora, ve a buscar algunos suministros y empecemos. 3. Ejercicio: Calentamiento y control: Cubrí técnicas de pincel en algunas de mis otras clases pero en este video, crearemos un puñado de marcas muy específicas en tres tamaños para llevarte a un gran comienzo. Practica estos y estarás preparado para casi cualquier cosa. Prepara un color favorito en un tono bastante profundo. Mezcla mucho de ella, siempre puedes usar las sobras para más taladros la próxima vez que pintes. He mezclado dos colores I love by San Petersburgo White Nights, índigo y turquesa. Me gustan las pinturas de White Night porque ofrecen buena calidad agrandar sartenes por precio razonable. Estaré usando un cepillo redondo por proart en talla ocho. Usando papel de cartucho pesado o una página en tu cuaderno de bocetos, comenzaremos con nuestro trabajo de parches de práctica usando marcas cortas de escotilla. Tu primer bloque será delgado, el segundo un poco más gordo, y luego mucho más pesado para el tercer parche. Comencemos. Trata de mantenerte bastante uniforme con la cantidad de espacio en blanco entre tus marcas y también la longitud y tamaño de tus propias marcas. Ser desordenado es fácil pero el control de aprendizaje requiere práctica. Puedo decir que aún no me he calentado porque mis marcas son un poco erráticas, pero eso se ve bastante bien. Entonces eso fue todo en una carga de pincel de pintura. Entonces, ahora vamos a ir por marca de tamaño mediano. Por lo que una presión un poco diferente, pero también tratando de mantenerse consistente en tamaño y espaciado. Por último, las marcas más gordas. Entonces lo que estás haciendo haciendo ejercicios como este, es aprender control y poder crear marcas repetibles cuando se requieren. No hay atajo para este tipo de construcción de habilidades. Genial. Entonces tenemos escotillas pequeñas, medianas y grandes. A continuación trabajaremos en nuestras verticales. Otra vez empezando delgada, estoy descansando la mano sobre mi papel a medida que voy, y estoy jalando hacia mí mismo lo cual es mucho más fácil que alejarme. Por lo que de nuevo, ten presente el espacio en blanco entre tus marcas, e intenta mantenerte agradable y recta. Tiempo para la marca media, por lo que un poco más gorda. Entonces, acabo de presionar un poco más mi cepillo hacia abajo. Entonces, es más que la punta, proporcionando la marca ahora. Agradable y parejo. Hay algo casi meditativo en hacer este tipo de ejercicios. Ahora por fin, estaré empujando un poco más duro con mi pincel. Entonces, estaré sacando más tinta del vientre de las cerdas. Dije tinta pero estamos trabajando con acuarela. Eso está bien. Ahí vamos, lindas marcas de grasa consistentes. A continuación, horizontales. Entonces otra vez, empezando por lo delgado. Siempre encuentro horizontales más difíciles que verticales. Ahí vamos, eso está bastante bien. Pasamos a nuestras marcas medianas, parecía que las había llevado bastante lejos. Entonces, mis marcas medias podrían ser un poco más cortas. No puedo recalcar lo importante que es sólo aprender el control usando ejercicios como este. Por último, voy a probarlo. Me pongo un poco más de cepillo seco de esa manera así que de verdad presionaré hacia abajo sobre el vientre de las cerdas. Ahí vamos, necesitaba más pintura. Entonces esa es nuestra primera hoja de prácticas. Entonces, hemos hecho unas escotillas, verticales y horizontales. A continuación, vamos a hacer algún trabajo de forma. Entonces para esta parte, sólo estamos usando otra hoja de cartucho pesado y vamos a estar haciendo frijoles, Vs, y legumbres. Entonces, los frijoles son realmente solo pequeños óvalos y se puede variar la dirección de ellos solo para que los mezclen entre sí. Pero de nuevo, vamos a empezar con líneas delgadas, y tratar de controlar toda la forma con una línea delgada teniendo un bonito cerrado. Frijol. En ocasiones, mi cepillo sólo atrapa un poco el diente del papel, y tengo que levantarme y terminar de una manera ligeramente diferente. Aquí vamos. Pero está bien si haces eso. Me encantaría que pudieras practicar conseguir una línea continua. Entonces, empieza a terminar en un solo golpe. Pero a veces, las cosas no salen de la forma en que queremos que lo hagan. Entonces, puede que tengas que terminarlo de otra manera, y eso está bien. Simplemente haz lo mejor que puedas. Entonces, hay un montón de frijoles. Ahora, vamos a hacer frijoles medianos. Entonces, un poco más en el pincel, un poco mayor de presión. Me gusta mucho este color de azul que he mezclado. Nuevamente, esos son los colores índigo y turquesa de las Noches Blancas de San Petersburgo. Entonces, lindas formas repetibles. Aquí vamos, algunos médiums. Ahora, probaremos los grandes. Entonces, tratar de mantenerlos de un tamaño similar es difícil si quieres dejar un poco blanco en el medio, pero haz lo mejor que puedas. Entonces, bonitos frijoles gruesos. Genial. Ahora, pasaremos a Vs. Entonces, de nuevo, lindas marcas delgadas. Entonces, estamos tirando hacia abajo y empujando hacia arriba como una sola marca. Ahora, estos están un poco más cerca de ser como las escotillas y que puedes tener filas bastante uniformes. Es mucho más fácil crear un cuadrado bastante parejo. Aquí vamos. Entonces, ahí está nuestra delgada. Nuevamente, este es un pincel talla ocho que estoy usando. Es una cerda sintética. Es un poco más grueso para nuestros medios. Ponga más por ahí. Tengo un comedero de aves afuera de mi ventana. Puede o no escuchar pájaros en la grabación. Son tan lindos. Aquí vamos. Por último, algunos lindos chunky Vs. Poder cambiar de dirección con la misma presión es una habilidad importante en el manejo de pinceles, por lo que practicar. Aquí vamos. Por último, legumbres. Entonces, pulso es donde tienes cierta presión. Entonces, voy a ir duro a blandir. Estos son realmente difíciles. Entonces, suave a duro, duro a suave. Yo solo estoy alternando la mía. Realmente, muy buena habilidad. Entonces, en realidad estoy levantando físicamente mi cepillo cuando me pongo más delgado. Estoy presionando más para hacer los pedacitos más gordos. También puedo probar un pulso de esta manera. Entonces, pulso, levante, pulso, levante, pulso. poco diferente de marca. Cualquier cosa que decidas practicar será beneficioso. Aquí vamos. Estos son un poco más difíciles de hacer los diversos tamaños, pero le daremos un torbellino. Entonces, aquí vamos. He añadido mucha pintura, y eso es demasiada pintura en eso, pero está bien. Un poco más gordo que mis delgados y pequeños trazos. Probablemente no podré ensancharme mucho con este pincel en particular porque hay un límite a lo amplio que es el pincel, en general. Si cambiara a una talla más grande como 12, o algo así, verías un buen cambio grande en las grandes marcas. Pero sólo voy a experimentar y ver qué puedo hacer. Entonces, tal vez pruébalo. Eso no es tan bueno. Experimentar es bueno aunque porque de lo contrario, ¿cómo sabes lo que puedes hacer? Esa es una marca interesante sin embargo. Seguro que podría ser útil para algo. Ahora bien, si doy vuelta la mano, ¿cómo me pongo? Eso es interesante. Pero básicamente, estoy limitado al ancho de este pincel. Entonces, pequeño o mediano para mi talla ocho. Si quisiera hacer un pulso más grande, tendría que subir de tamaño en mi pincel. Pero básicamente, esos son tus trazos de práctica. Entonces, has hecho escotillas, verticales, y horizontales, frijoles, Vs, y legumbres. Entonces, practica esos como un calentamiento, y luego, te veré en el siguiente video. 4. Ejercicio: Elaboración de marcas intencionadas: Ahora que te has calentado con alguna práctica de marca de pincel, llevemos las cosas más allá haciendo marcas con intenciones más específicas. Echaremos un vistazo a los siguientes términos y exploraremos cómo transmitirlos en marcas. Ya sea trabajando pequeño o grande, realización de marcas considerada se sumará al interés visual de tu arte. En papel pesado, cartucho o cuaderno de bocetos, usaremos nuestra pintura de ejercicio sobrante y exploraremos estos términos. Cuando miramos el flujo, estamos pensando en cómo viajan las cosas a través de la página, solo una sensación general. Entonces, fluye si te puedes imaginar casi en cierto sentido con el agua, por lo que la acuarela es perfecta para esto obviamente, pero, ¿cómo simplemente fluye algo? Entonces, quiero que solo tomes ese término en mente y quiero que pienses las diferentes formas que puede ser el flujo se pueden lograr. Entonces, obviamente, grandes áreas de pintura agrupada pueden ayudar a describir el flujo. Pero, ¿y si quieres usar marcas más pequeñas para pensar en el flujo? Entonces, ¿y si hacemos pequeñas marcas? Algunos de ellos están unidos, algunos de ellos aparecen en el fleco, en el lado exterior del grueso de esta marca, pero todavía hay un flujo a esto. Por lo tanto, el flujo se puede describir de varias maneras diferentes. flujo puede ser con línea, así que si quieres pensar solo en marcas suaves. Entonces, ese es un ejemplo de cómo se puede explorar el flujo. Entonces, hablemos de desequilibrio, que también pueden ser números impares. Entonces, desequilibrio. Ahora, muchos principios de diseño giran en números impares y también tienes cosas como secuencias de fibonacci y hay todo tipo de cosas matemáticas numéricas involucradas con el diseño y el arte. Entonces, una manera fácil de recordar eso, es pensar en tres y cinco. Entonces, si fueras a crear algo con digamos tres marcas, eso proporciona algún desequilibrio. Si fueras a crear tres marcas en tamaño descendente, eso también crea desequilibrio. Pensando en las formas. Recuerda que estábamos haciendo frijoles en nuestros ejercicios. Si los empatamos un poco como apilar piedras, de nuevo desequilibrio. Te das cuenta de que todo lo que estoy haciendo hasta ahora está en tres, y no tienes que apegarte a eso, pero si piensas en reglas de tercios cuando estás haciendo composición y cosas así, desequilibrio es realmente fácil de lograr aunque todo lo que recuerdes son números impares. Entonces, miramos este ejemplo con el tamaño descendente y también hay algún desequilibrio. Entonces, algo de cada uno simplemente es eso, un poquito incómodo. Entonces, casi un poco como si algo pudiera salir mal fácilmente o algo simplemente se tambalea en el borde del colapso. Entonces, desequilibrio. Veamos a continuación el espacio en blanco y el espacio negativo. Entonces, el espacio en blanco también es un término que escucharás en relación al diseño. Entonces, si piensas en el diseño de páginas de una revista o un periódico, espacio en blanco es el área entre las áreas de contenido. También con la pintura y el dibujo, el espacio en blanco es el área entre tus formas y tus formas. Entonces, solo estoy creando áreas de espacio en blanco entre mis formas, y eso ayuda a darle algún interés visual a lo que está pasando. Entonces, espacio en blanco en el medio, así como dentro de las formas. Un espacio negativo también es esencialmente el espacio en blanco entre las cosas, pero muchas veces, el espacio negativo se puede utilizar para producir formas más detalladas. Al igual que aquí, acabo de hacer una silla abstracta, debí haber dejado otra pierna ahí dentro pero ese sería el espacio negativo. Entonces, básicamente he pintado todo el fondo y he dejado fuera la forma en la que quiero que te enfoques. Entonces, ahora veamos el ritmo. Una forma fácil de pensar en el ritmo es si lo piensas en términos de música o sonido. Entonces, una manera fácil de sintonizar cómo puede verse el ritmo visualmente es escuchar algo. Entonces, ¿cómo sería tal vez el sonido de la lluvia si necesitara dibujarlo? Podrías conseguir áreas de marcas escasas, escasas ampliamente espaciadas y tal vez si la lluvia se alivia, tal vez se vuelvan más pequeñas, más separadas. Entonces, algo de eso es, es casi visualmente audible si eso tiene sentido. A lo mejor una canción favorita tuya tiene guitarras crujientes al principio y luego tal vez se suaviza en algo antes de tener otra ráfaga de energía. Entonces, tienes un ritmo visual ahí. El ritmo es difícil de describir. Pero cuando lo veas puedes reconocerlo. Ahora estas formas sueltas son casi una especie de caligrafía. Alguien que hace muy bien este tipo de marca es el artista Cy Twombly, mucho ritmo visual en su trabajo, así que, es muy bueno para mirar. A continuación hablemos de dirección, que también vamos a incluir viaje y viaje. Entonces, todo más o menos el mismo tipo de término, pero cuando hacemos eso tenemos una idea de que podríamos estar yendo a algún lugar. Entonces, esta marca ha comenzado aquí y tal vez se va hacia la distancia. Entonces, hemos dado al ojo algo en lo que enfocarnos y algo con lo que gotear a la distancia. Si hago esto es básicamente un viaje horizontal, entonces, sólo vamos de ida y vuelta. Entonces, una línea de horizonte a menos que le des algo para señalarlo, simplemente tomarías la vista de una vez. Entonces, sólo míralo al valor facial. No obstante, si tuvieras algo así como pretender que se trata de un camino que se va a la distancia, de repente ahora tenemos algunos viajes. Entonces, tenemos una dirección en la que te estoy guiando. Entonces, digo que empiece aquí y salga a la distancia, y se puede tomar de lado a lado horizontal también, pero en realidad estoy dirigiendo que vaya a algún lugar. Simplemente usaré esa mancha que acabo de poner en su lugar, puedes hacerlo de formas más abstractas. Entonces, si tengo una forma como esta porque tengo casi una marca de estilo laberinto. Sigues las bobinas, sigues ese viaje de la marca. También puedes tener agrupaciones de marcas ayudando a llevarte a algún lugar. Entonces, viaje, dirección, y viaje. A continuación, hablemos de convergencia. La convergencia básicamente es simplemente unirnos, así que las cosas se reúnen. Entonces, la convergencia puede ser elementos que te lleven a un lugar central. De igual manera a lo que hicimos con la dirección, bobina que era casi similar a pétalo. Entonces, hemos reunido la forma hermética de la herida aquí, así que estamos convergiendo en eso. Podrías hacerlo más distinto agregando más formas. Entonces, todavía estamos teniendo nuestra convergencia focal aquí, hay una convergencia secundaria ocurriendo aquí sólo desviándose inadvertidamente por la forma en que las cosas anidan juntas. Ahora, te das cuenta cuando estoy haciendo este tipo de marcas sosteniendo mi pincel de diferentes maneras, cargándolo con pintura, solo haciendo algunas marcas suaves. Pero aquí tenemos otra convergencia vamos de líneas extrañas a un lío realmente roto, desorden de marcas más pequeñas. Por último, hablemos de tensión y conflicto. Ahora bien, fíjate mientras estoy haciendo estas marcas de ejemplo, no he pensado en todas las formas posibles que puedas transmitir visualmente estos términos. Entonces, estoy realmente emocionada de ver qué se te ocurre y cómo se podría usar el ritmo, o el espacio en blanco, o la convergencia. Tercero, tensión y conflicto. Si pensamos, me gusta mucho hacer este tipo de formas. Si pensamos en algo así, ¿cómo está eso en conflicto con otro elemento? Tenemos esta cosa blobby y tenemos una marca muy pura, recta, afilada. Entonces, son dos tipos de marcas muy diferentes, pero están interactuando entre sí. Podrías tener tensión textural y conflicto. Entonces, donde tengo cepillo seco en una zona, ahora tengo una marca muy húmeda, así que hay tensión y conflicto entre esos dos tipos de marcas. Por supuesto puede estar en la profundidad de color que se utiliza, por lo que, podría tener algo realmente oscuro y saturado junto a algo mucho más claro. También puedes usar algunas de tus marcas, como en el ritmo podrías poner algunas de esas pequeñas marcas rayadas, pero que jueguen con algo más suave. Entonces, hay tensión y conflicto por estos diferentes elementos en la página. Entonces, mirando hacia atrás a través de estos, puedes ver con tu vocabulario visual hay tantos tipos diferentes de marcas que puedes hacer con solo usar algunas palabras clave para desencadenar ideas interesantes. Ser capaz de crear interés visual con tus marcas puede tomar práctica, pero si tienes en cuenta algunos de estos términos y exploras cómo transmitirlos visualmente, mejorarás el impacto de tu trabajo incluso al crear a escala miniatura. Te recomiendo guardar una pequeña hoja de tramposos de estos términos, he incluido uno en el descargable. 5. Pruebas de compatibilidades de materiales de técnica mixta: Conocer la compatibilidad y el efecto visual de diversos materiales es crucial cuando se trabaja en medios mixtos. Aquí, caminaré por un puñado de los cientos de combinaciones posibles al usar diversos suministros de arte a base de agua y seco. Para estas pruebas, estoy usando un medio mixto, acabado liso, papel pesado de Clarefontaine. Se llama, Paint On. Primero crearé una página de prueba de tres columnas usando una fórmula estándar sin diluir, Winsor Newton Gouache, acrílico de fórmula fluida dorada, y el acrílico Heavy Body de Sennelier, llamado Abstract. Sea lo que sea que tengas a mano, crea tus propias columnas también. Deja que estas muestras se sequen y recojan un puñado de materiales de dibujo. Primero estoy probando tres durezas muy diferentes de pastel suave. El primero y más difícil es de Jaxell, el segundo de Art Spectrum, y el tercero y más suave es de Unison. Todos los pasteles parecen marcar bien en todas las columnas, con el acrílico de cuerpo pesado mostrando la textura más subyacente. A continuación, muestreé el lápiz pastel Derwent. Hizo una marca muy decepcionante en el gouache, pero parecía mejor en las dos muestras acrílicas. También tengo un gouache de fórmula acrílica. Entonces, probablemente voy a hacer una prueba para estos lápices en esa fórmula en el futuro. Seguí probando algunos bolígrafos y tinta india por cómo se comportan en las columnas de muestra. Encontré el Posca reactivó el gouache, y tuve que limpiar el plumín. tinta india parece tener un poco de problemas pegarse al acrílico, pero no tanto que no consideraría usarlo. Sea cual sea el material que intentes, toma notas en tus hojas de prueba y guárdalas como referencia cuando sea necesario. A continuación, quiero comprobar la intermezclabilidad y reacciones del gouache acrílico y la acuarela. Una palabra rápida sobre el uso del agua para adelgazar acrílico, pintura acrílica necesita un aglutinante de polímero acrílico para mantener su pigmento en su lugar. Funciona de manera diferente a la acuarela. Entonces, si quieres adelgazar mucho el acrílico, necesitarás agregar medio acrílico para mantener la pintura estable y permanente. Pero para lo que estamos haciendo aquí, no vamos a necesitar un medio porque no estamos adelgazando drásticamente. Este primer experimento será acrílico seco. Entonces, vamos a pintar algunas muestras. Fuerza completa y también diluida. Entonces, acabo de sumergirme mi cepillo en agua usando el acrílico que todavía está en él. Entonces este es el Acrílico Fluido Dorado. A continuación, toda la fuerza Sennelier Abstract Heavy Body, y el cuerpo pesado diluido. A lo mejor un poco más en uno diluido. Ahí vamos. Ahora, dejaremos que esos se sequen. Por lo que he pintado muestras tanto de acrílico fluido dorado como de acrílico Abstract Heavy Body Abstract de Sennelier, y he dejado que mis muestras se sequen. Entonces, tenemos las muestras de fuerza completa y tenemos la pintura como versión diluida de la suya. Entonces ahora, vamos a probar cómo se comporta la acuarela en muestras acrílicas secas. Entonces, tengo algo de esa pintura de Noches Blancas de San Petersburgo que usamos en los ejercicios. Todavía me queda algo de eso. Entonces, probarlo en el Acrílico Fluido Dorado, y se puede ver cómo la superficie plastilina, no permite que la pintura se adhiera uniformemente. Ahora, para probarlo en estos Sennelier, resultado muy similar, pero sí se obtiene un poco de esa textura corporal pesada mostrando a través, que puede ser bastante agradable. Por lo que la acuarela se sienta en los surcos hechos por las marcas del pincel. Entonces esas son las diferencias en acrílico de fuerza completa sobre papel. Nuevamente, se trata de esa pintura de medios mixtos sobre papel de Clairefontaine, por lo que tiene casi una superficie de cerdas, pero no del todo. Diluido, se puede decir que se empapa en mucho más a la pintura diluida. Por lo que la acuarela se adhiere de manera desigual en la superficie de muestras acrílicas secas de fuerza completa, y mancha mejor en los parches diluidos. Entonces, recuerda que si estás pintando acuarela sobre acrílico, que el acrílico será permanente pero la acuarela todavía se puede manipular o lavar. No se unirá permanentemente a la superficie acrílica seca. Entonces, la acuarela se empapará más en el papel en los parches acrílicos regados ya que encuentra huecos en el aglutinante de emulsión de polímero diluido. También tiñe el diente del papel. Entonces, si utilizaras medio acrílico en la dilución, el remojo de la acuarela aquí abajo en las brocas diluidas, sería mucho menos efectivo. Ahora, veamos cómo reacciona la acuarela en acrílico húmedo. Entonces, vamos a tener que trabajar parche por parche en él esta vez. Entonces aquí está toda fuerza Golden Fluid Acrílico, y entrando con la acuarela. puede ver que inmediatamente comienza a unirse al acrílico. Entonces cuando eso se seque, va a ser más permanente porque en realidad se está mezclando con la emulsión polimérica; especie de la acuarela y la clase acrílica se convierten en una. Esencialmente estás diluyendo el acrílico, el acrílico húmedo con agua pigmentada. Ya ves que la acuarela aún no empuja al acrílico ahí. No es lo suficientemente fuerte, por lo que aún ofrece un poco de resistencia. Entonces qué sucede con la reacción diluida, mucho más húmeda en húmeda, casi acuarela. Es un poco más de mezcla y sangrado y de fondo pasando. puede ver donde se tiñe un poco más en el papel. Entonces ahora, probemos el Sennelier, el acrílico de cuerpo pesado. Debido a que es una pintura acrílica de estilo mucho más sólido, la acuarela es una especie de sentarse encima de ella sin mezclar mucho; mientras que en el acrílico fluido, se convirtió en un color lechoso mientras se mezclaba con los polímeros acrílicos . Será interesante ver cómo se seca eso. Para cuerpo diluido, pesado. Entonces otra vez, diferente tipo de pintura, cuerpo pesado a diferencia del fluido. Pero aún consiguiendo un borde más suave, porque estamos entrando en lo que es esencialmente papel humedecido. Se puede ver por aquí de este lado la acuarela diluida en el acrílico fluido le ha dado un aspecto manchado realmente interesante, y aquí vamos a conseguir un efecto similar. Entonces, estas muestras con la acuarela serán un poco más permanentes que en el acrílico seco porque en realidad se está mezclando el polímero que hay en la pintura acrílica. Volveremos y echaremos un vistazo a las muestras una vez que estén secas. Por último, veamos cómo la acuarela gouache y el acrílico se comportan juntos. Entonces, el gouache y la acuarela son conocidos por jugar bien juntos. Se mezclarán, y ambos se pueden diluir con bastante facilidad. gouache es una pintura corporal mucho más pesada en comparación con la acuarela. Entonces, si lo dejas caer en acuarela húmeda, permanecerá bastante fuerte en forma y color ya que simplemente abusa su camino a través de la fina pintura. Por lo que caer la acuarela en la acuarela húmeda , ya sabemos, se extenderá bastante fácilmente y se mezclará, pero tratando de dejar caer la acuarela en el gouache, se mantendrá bastante aislada porque simplemente no tiene la fuerza para empujar su camino y eso se diluye. Entonces, ahora puedes ver algunos de los efectos posibles con solo gouache y acuarela. Las cosas se ponen extra emocionantes si quieres agregar metalicos. Porque Metallics realmente mete las cosas por la mica en la pintura. Pero de nuevo, si se le cae la acuarela metálica encima del gouache, especialmente el gouache que ya se está secando, se mantendrá bastante intencional en su forma, mientras que ponerla en la materia más húmeda, se puede ver realmente sucursales fuera. Ahora bien, ¿qué pasa cuando agregamos acrílico fluido a la mezcla? Agrega un poco de acrílico y prueba algo de acuarela con él, un poco de esa mezcla yendo pero puedes ver los acrílicos ya comenzaron a conseguir un borde duro debajo. Aquí vamos, sólo un poco de mezcla y vamos a añadir un poco de gouache. Ahora de nuevo, resultados bastante predecibles poniendo el gouache en la acuarela húmeda, pero no se extiende demasiado porque tenemos parte del polímero acrílico ahí también. Entonces, es un poco más fuerte, un poco plastilina, y vamos a conseguir una acuarela pequeña, se puede ver donde empezó a secarse por aquí también para que se sienta más arriba. Todavía puedo mezclarlo, pero es un poco más resistente. Si tratamos de caer el acrílico, lo puedes ver tan pesado, simplemente lo hace a un lado. Se va un poco fangoso también. Pero puedes ver solo estoy agregando más en un solo lugar y es solo empujar, empujar, empujar y solo por funzies, vamos a entrar con algunos de nuestros metálicos. Metálico simplemente no tiene la fuerza para hacer mucho. Encuentra el camino de menor resistencia y apenas rezuma hacia esa zona. Entonces, eso podría ser realmente útil si quieres algún tipo de efecto mármol. Por lo tanto, todos estos materiales son compatibles cuando están mojados y se pueden mezclar juntos. Pero al buscar ciertos efectos, ten en cuenta que la acuarela es más ligera en peso, gouache es segundo, y el acrílico es más pesado y menos probable que se mueva por algo más ligero que él. Cualesquiera que sean los materiales que tengas a mano, me encantaría que pruebes algunas muestras y veas cómo se comportan tus pinturas. No olvides subirlos a la sección de proyectos. Ahora, echemos un vistazo a cómo se están secando nuestras muestras anteriores. Entonces, aquí tenemos nuestro acrílico seco con acuarela sobre la parte superior. Ahora, mencioné que no se volverá particularmente permanente porque estás poniendo acuarela encima de una superficie muy plástica. Entonces, se puede ver que aún se puede molestar la acuarela encima del acrílico seco. No obstante, en las muestras diluidas, mucho más difícil molestar a la acuarela, y eso se debe a que realmente está empapada en el papel bastante más que cuando se sienta encima. Entonces, resultado mucho más permanente al poner la acuarela sobre los acrílicos diluidos. Esta muestra aún no está del todo seca, pero está llegando hasta allí. Pero esta fue nuestra acuarela acrílica húmeda y húmeda en ella. Entonces, mirando el acrílico fluido de fuerza completa con acuarela. Porque ponemos mojado en mojado, se pegó un poco más. Entonces, a diferencia de nuestras muestras acrílicas secas, se pegó un poco y un poco más permanente a pesar de que está en una superficie plástica. Esta parte no está seca, así que todavía puedo empujar eso. En el cuerpo pesado de toda fuerza, realmente se puede ver este interesante patrón que se desarrolla a medida que la acuarela comienza a sentarse dentro y encontrar su camino entre las partículas en la pintura acrílica de toda resistencia. Entonces otra vez, lo será, eso aún no está del todo seco pero será un poco más permanente de esta manera que poner mojado en seco. Por supuesto, con las muestras diluidas, se puede ver cómo realmente se han mezclado en el papel y en la pintura de abajo. Se trata mucho más de una unión de esos dos médiums. 6. Elecciones de tema y de composición: Hablemos de la materia. Simplisticamente, objetivo, y representacional del arte se refería a tener en ellos personas, animales, paisajes u objetos reconocibles . No objetivo y abstracto se refieren a sujetos mucho menos reconocibles, utilizando formas, colores, formas y marcas gestuales. No importa cuál sea tu tema, figurativo o abstracto, considera lo que es atractivo; ¿Por qué se espera que alguien mire tu mini obra maestra? ¿ Estás contando una historia con tu tema? ¿ Presentando algo decorativo? Participar con un patrón, o color, o una combinación, ritmo, estado de ánimo de flujo, emoción? No hace falta contestar todas estas preguntas antes de empezar. Pero empieza a cultivar el instinto de examinar tu trabajo a través de estas preguntas. Tengo toda una clase sobre los bloques constructivos de la composición. Pero para esta clase, solo cubrirá unos cuantos consejos rápidos para que rodar. Deja un seguimiento rápido aquí. Orientación paisajística o retrato? Borde a borde, o viñeta flotante? Te pregunté hace unos momentos, ¿por qué se espera que alguien mire tu mini obra maestra? ¿ Cuál es el elemento focal? Si sabes lo que es, entonces veamos algunas pautas fáciles de recordar para la colocación compositiva. Aquí y en el PDF descargable, Es una referencia de muchas maneras diferentes de colocar elementos en su página, grandes o pequeños. También está el amigo del fotógrafo, la regla de los tercios. Que típicamente se encuentra como una cuadrícula en los visores de cámara. Una forma quizás más instintiva y fluida de determinar la composición, es decidiendo cómo te gustaría que el ojo del espectador viajara alrededor de tu creación. Aquí te presentamos un par de ejemplos figurativos de planificación de la composición utilizando la regla de tercios. Prueba a crear bocetos en miniatura de tu sujeto con ligeras variaciones, para encontrar el equilibrio adecuado para tu mini obra maestra. Para más sobre composición, consulta mi clase, Reglas de composición: El arte y la ciencia de mejores visuales. 7. Consideraciones sobre el color: Cuando se trabaja pequeño, todo se pone enorme. ¿ A qué me refiero con eso? Bueno, al crear pequeñas obras de arte, cambios sutiles y el color se vuelven más difíciles lograr porque simplemente no existe el espacio para ello. Elegir una paleta limitada no sólo es útil para la disciplina sino más o menos una necesidad cuando se trabaja en miniatura. Es posible que encuentres que preplanear una paleta de colores usando muestras en papel de desecho útil. Pero más a menudo, tiendo a simplemente tener en cuenta que si estoy pintando pequeño, que podría ser capaz de salirme con la suya con una o dos variaciones de cada color como máximo. Por esta razón, mantener un ojo en el uso de colores que se juegan unos de otros tonalmente, que es el valor de un color si se traduce a escala de grises, o escoger tríadas de rueda de color o tonalidades complementarias es un gran lugar para empezar. Si buscas una mirada más suave, lanza algunos tonalidades análogas de la rueda de color, que son colores que aparecen uno al lado del otro. ¿ No estás seguro de cómo se ven tus colores favoritos en escala de grises? Tengo una clase corta de Studio Fu sobre eso. Pero en pocas palabras, intenta tomar una foto a la luz neutra de tus elecciones de arte o color. En tu smartphone, iPad o computadora, cambia la foto a mono o como se llame tu configuración más neutra, negra y blanca. Verás de inmediato qué aparece en valor y dónde podría necesitar un pequeño ponche. Las mini obras maestras también necesitan contraste. No intentes meter en más colores en lugar de sombras y reflejos porque eso te morderá en el trasero. Especialmente, si estás haciendo una pieza figurativa. Todo esto dicho, romper mis reglas siempre que se sienta bien. Pero si algo no funciona bien, revisita estas sugerencias durante la solución de problemas. Entonces, en resumen, elige una paleta limitada, elige colores que ofrezcan un rango tonal, y no olvides tus sombras y reflejos. Dilo conmigo. Ligero, medio, y oscuro. Ligero, medio, y oscuro. Juro que eso va a estar en mi lápida. 8. Cómo combinar todo: hacer miniobras maestras: Ahora es el momento de armar todo. Entonces, quiero que te cortes una generosa pila de cualquier stock que tengas a mano o tal vez incluso pruebes un par de diferentes. Entonces, dos pulgadas y media por tres pulgadas y media pulgadas es el tamaño estándar de la tarjeta comercial de artista. Entonces, eso es lo que estoy usando como modelo para las mini obras maestras. En métrico, es de 6.35 por 8.89 centímetros, lo cual es un poco peculiar para intentar cortar. Entonces si tienes algo que tiene pulgadas en él, eso probablemente va a ser más fácil. Las cartas de negociación de artistas son dos pulgadas y media por tres pulgadas y media como tamaño estándar, y eso es lo que vamos con, con todas nuestras mini obras maestras. No obstante, eso no te deja mucho espacio para grabar algo. Entonces, si tuvieras cinta algo abajo usando ese tamaño, tendrías esta frontera por ahí. Bueno, ¿y si quieres hacer todo el camino hasta el final? Te voy a mostrar un poco de tramposo manera de que lo puedes hacer con algo ya cortado a medida. Entonces toma tu cinta de enmascaramiento, y la vamos a poner en el reverso de nuestra tarjeta, los cuatro lados. Por lo que ahora tienes tu tarjeta pegajosa en la parte posterior y este borde pegajoso. El siguiente paso es simplemente tomar más cinta y ahora cinta hacia abajo. Por lo que ahora tu tarjeta está atascada en su lugar. Cuando hayas terminado, simplemente despegarla y despegue con cuidado la cinta de enmascaramiento. Aquí tienes una mini obra maestra que tengo en progreso. Ahora ya solo con estas marcas y estas opciones de color, tenemos cosas de las que ya hemos hablado en nuestro color y también en nuestra toma de marcas intencional, y también con composición. Entonces déjame contarte un poco sobre esta pieza hasta ahora. Entonces, ya tenemos tensión y conflicto entre esos dos tipos de marcas. Entonces tenemos esta marca muy remolinada y tenemos esta barra de una marca. También lo que está pasando es, el ojo de esa marca, el bit verde está en un tercio, y también está en un tercio en este lugar también, y la franja púrpura va esencialmente de un tercio de este lado a un tercio a este lado. Por lo que esto también nos está dando viajes. Entonces, con estos dos elementos solo en esta posición, justo en esta etapa, ya tenemos tensión, conflicto, dirección y tercios. Entonces, aunque parezca un par de marcas fortuitas, realidad están muy bien pensadas y ejecutadas. Aquí hay algo más hablando del color, ahora mismo, el verde y el morado, si miras una rueda de color ahora mismo, son dos partes de un split de cortesía. Entonces, tenemos verde y si miras este triángulo blanco aquí en la rueda de color, así que tenemos verde, hablando con violeta rojo. Ahora bien, si quisiera elegir el siguiente color para usar en esta pieza, una elección sabia y lógica podría ser ir con algo rojo naranja. Ahora voy a añadir otra marca pero ya he decidido que va a ser, echemos un vistazo a eso. Entonces este es un lápiz de acuarela. Por lo que ya va a ser un naranja rojo para ir con estos en la rueda de color. Entonces, si quiero hacer que algo interesante suceda, tal vez agrego una marca que entre en conflicto con lo que ya está pasando en la página. Entonces, solo estoy haciendo este desordenado encuentro de pequeñas marcas. Eso me gusta. Entonces, pondré eso por un momento y solo experimentaré ya que de hecho es lápiz de color agua, no quiere rendirse. Es el lápiz de acuarela. Correcto. Entonces eso no es moverse mucho. Entonces, eso está bien. Voy a entrar en mi paleta y sólo voy a recoger un poquito de lago escarlata y rojo cadmio pálido, sólo para darme este precioso color rojo naranja. Ya que he mojado algunas de mis marcas ahí, solo voy a apuntar algunas cosas, y me gusta que la concentración de que esté fuera del centro. Entonces otra vez, causando algún desequilibrio. Eso me gusta. Me gustan esos tres colores juntos y la rueda de color lo respalda por por qué me gustan esos tres colores juntos porque son los colores complementarios divididos del verde y el rojo violeta y el rojo naranja. Ahora, voy a dejar que eso se seque y luego tal vez entrar con algún otro tipo de marcas, tal vez con lápiz o realmente me gustan los revestimientos de pigmento también. Sé que dije que iba a esperar y dejarlo secar, pero decidí como se estaba secando, que la intensidad de la naranja roja simplemente no me basta. Entonces, encontré una tinta que también es de un muy fantástico color rojo-naranja. Sólo voy a dejar caer algo de tinta ahí, sólo por algún ponche. Vamos a conseguir burbujas con los goteros. En realidad creo que es mejor así, está bien. Chupa esas burbujas de nuevo. Ahí vamos. De eso hablo. Ese es un puñetazo de color realmente bueno. Entonces, esa es la tinta india Bombay del Dr. Ph. Martin en rojo brillante, que es una muy buena especie de naranja roja. No estoy seguro de poder dejarme lo suficientemente bien sola. Tengo algo de gouache en el costado y amarillo. Sé que dije que no iba a agregar más colores, pero por alguna razón creo que esto necesita amarillo. Entonces, ese parece un lugar fino para agregar amarillo y tal vez solo un poquito aquí arriba en ese blanco, y voy a tener un poco de mezclarse con mi rojo-naranja. Es sólo que un poco más ardiente, ¿no? No estoy al 100 por ciento en lo que acabo de hacer pero está bien porque es una mini obra maestra. Puedo hacer montones de estos y estos son para experimentar y puedes probar todas tus ideas salvajes y no preocuparte por tener demasiada inversión ya sea en tiempo, materiales o lo que sea. Entonces, aquí vamos. Ahora dejaré que eso intente, y ahora para una mini obra maestra no abstracta. Por la naturaleza de esto, no ser abstracto, necesita tener cierto nivel de detalle. He usado ese truco pegado donde lo grabamos desde la parte trasera y luego lo pegamos a la pizarra, esa manera no se mueve sobre mí. Ahora, se supone que esto termina siendo un tipo de pintura autorretrato. Esto podría salir bien, esto podría ir mal, no lo sé. Nunca traté de pintarme así de pequeño, pero sólo voy a mezclar algunos colores. Estoy usando ocre amarillo y carmesí alizarina para obtener un color vago, carnoso. Aquí lo probaré. Mi tez es un poco amarilla así que le añadiré un poco más ocre amarillo. Correcto, y sólo voy a acumbrar en donde sé que las sombras son las primeras. Entonces, sé de dónde viene la luz en esta foto en particular por la que voy y está bien si la saco al pelo porque eso ayudará a unificar el aspecto del cuadro. Podría añadir un poco de azul. Creo que eso es cobalto que tengo ahí dentro. Sólo para ser un poco más sombrío. Entonces, se trata de construir en etapas y capas en este momento. Ahí vamos. Entonces, estoy mezclando mis colores con colores que ya tengo en mi paleta porque quiero que las cosas se vean cohesivas y como si estuvieran en la misma familia. Entonces ahora me voy a llevar ese tipo de color warmish que he hecho. Voy a añadir un poco de pintura sólo para conseguir un color más sombrío. Neutralizar un poco ese calor. Yo sólo voy a apuntar un poco. Pero recuerda, con esto siendo una mini obra maestra, no te empantanes demasiado tratando de incluir cada detalle. implicación es suficiente, y también algo a considerar cuando estás trabajando en una mini obra maestra es negra será muy duro. Entonces, tu mejor opción es hacer algo que se aproxime a un negro. Ahora mismo me estoy tomando un poco de índigo y un poco de marrón y algunos de este otro color que tengo en mi paletita. Sólo estoy haciendo algo un poco sombrío. No es un negro verdadero, si lo pinto por aquí, es un poco negro azul. Pero el negro-negro apropiado, como marte negro o algo así, sería demasiado drástico. Entonces, sólo voy a entrar. Solo estoy mezclando nuevos colores en los colores que ya tengo. Simplemente permitiendo que todo mezcle porque todo se verá bien y fuera de la misma familia. Tendrá un bonito look cohesivo. Yo sólo voy a seguir construyendo y ver qué pasa. Entonces, mi primer intento de hacer un autorretrato de una mini obra maestra fue sobrecargado como diablos y no conseguí del todo la semejanza correcta. Entonces, aprendí mucho de esa. Porque son mini, estoy bien con sólo empezar de nuevo y ya estoy un millón de veces más feliz con cómo esta está resultando. Entonces, práctica y repetición. Ninguno de nosotros somos genios la primera vez que hacemos algo. Entonces, déjate explorar, date un respiro y sigue practicando. También me he movido hacia arriba en el tamaño de mi pincel. Estaba trabajando con pinceles muy diminutos y encontré que eso en realidad sólo contribuyó a mi deseo de exceso de trabajo, y así que ahora en realidad estoy mucho más feliz con la pieza que estoy haciendo ahora. Sí. Voy a seguir adelante y a ver cómo termina. Es algo divertido. Correcto. Yo lo estoy dejando así. Yo estoy mucho más feliz con esa. Entonces, ese fue mi primer intento y ahora ahí es donde estoy, y esta es una semejanza mucho más cercana. Entonces, aquí está mi referencia. Mucho mejor como un rápido mini boceto de autorretrato de obra maestra. Entonces, sigan practicando. Una de las grandes cosas de hacer mini obras maestras es que siempre puedes empezar otra mientras que la otra se está secando. Entonces, sólo voy a tener una obra de teatro con algunas formas. Eso es solo gouache blanco encima de la acuarela. ¿ Por qué no un poco metálico? Voy a cubrir todo ese rincón. A veces es solo divertido meterse, ver qué puedes hacer, que es exactamente por eso que probamos nuestros materiales. Eso se está volviendo fangoso. No es suficiente profundidad para mí. Tiempo de tirar algún índigo solo para conseguir ese contraste un gran ponche. Entonces, ya no tengo mucho espacio en blanco en esto pero el espacio en blanco que sí tengo es realmente importante porque está ayudando a romper las formas así que no es solo un gran tipo de cosa teñida de empate. Entonces, eso es fluir un poco. Un pequeño ejemplo de mini obra maestra más. Simplemente haz un paisaje rápido. Entonces, solo voy a entrar aquí y mezclar un poco de azul en mi paleta sucia porque me gusta tener una paleta sucia porque solo da algo de interés a los colores. Simplemente haz un poco de cielo áspero. Aquí vamos. Suaviza algo de eso, y tenemos algo de paisaje invernal aquí atrás en la distancia. Entonces, solo estoy haciendo ese tipo de gris verde. Esta es en realidad una fotografía que saqué afuera o por la ventana de mi estudio que ahora mismo está lloviendo. Entonces, puede o no escuchar alguna lluvia. Tenemos este precioso granero. Entonces solo estoy haciendo la idea ligera de ranuras de tablero y tiene un techo gris. Se va un poco de negro y un poco de cosas mucky fuera de mi paleta, solo cualquier cosa vieja para que se convierta en este color realmente mucky porque nadie limpia el techo. Ahora también hay un jet pasando ahora, es lluvia y un jet. Por lo general, es mucho más tranquilo por la noche cuando filmo que de día pero no en este momento. Entonces, estoy haciendo todo esto con ese pincel número ocho que me gusta mucho. Sólo necesito mojar un poco mi paleta. Se ha ido un poco seco. Entonces, hace difícil recoger pintura. Pero si simplemente lo rocias con un poco de agua, hace que todo sea mucho más fácil. Entonces, aquí abajo, un poco de arbustos. Simplemente poniendo alguna forma muy suelta. No hace falta que sea preciso. Voy a entrar y dejar que todo sangra un poco más. Algunos buenos contrastes pesados, algunos sombríos azul índigo que se están agregando. Manteniendo esto realmente rápido. El motivo de la imagen es el comedero de aves, que ahora está sangrado en mi cielo, así que sólo voy a ensuciar eso porque está bien. No importa. Un poco de amarillo solo para agregar un poco de interés a las plantas. Creo que tal vez más Posca hará mejor por este bit. Puede ser bastante cruda porque es negra pero le voy a dar una oportunidad porque, en realidad, el poste en el que está mi comedero de aves está recubierto de polvo. Entonces, es negro. Creo que más bien me gusta eso de la manera en que es. Sí. A lo mejor un poco más justo en el granero. A lo mejor poner unas hojas dentro. Ahí vamos y aquí está mi referencia. 9. Consejos para la conservación de miniobras maestras: Los medios mixtos pueden ser difíciles de preservar. No lo harías ordinariamente barniz o pintura acuarela, aunque hay algunos aerosoles especializados para eso. Pero ¿y si tu mini obra maestra utiliza acuarelas, pastel y carbón? Tendrás que preservar toda la obra. A menudo, el uso de un fijador de pulverización de calidad es suficiente. Unos abrigos ligeros de unos 30 centímetros de distancia es mejor que un solo recubrimiento pesado. Dejar secar el spray entre abrigos. Use aerosoles en áreas ventiladas e intente usar una máscara facial al rociar. No quieres esa cosa en tus pulmones. También hay fijadores no en aerosol disponibles, y dependen de una niebla fina. Compruebe siempre las boquillas para obstruir y acumularse antes de rociar su trabajo final. He estado impaciente muchas veces antes solo por ver fuertes gotas una salpicadera fijadora en mi trabajo, y esto puede suceder con aerosol o no aerosol. En términos generales, cualquier trabajo sobre papel deberá enmarcarse detrás de vidrio o plástico para evitar daños. Para el almacenamiento temporal, si no se enmarca de inmediato, utilizo bolsas de celofán destinadas a cosas planas como estampados y fotografías. Son muy baratos y vienen en una variedad de tamaños. Compro la mayoría de mis bolsas de violonchelo a vendedores en eBay. barniz en aerosol es el primo más duro del fijador y es muy útil para proteger el arte de medios mixtos. Utilizar de la misma manera que el fijador, limpiar la boquilla, mantenerla a distancia, usar protección contra humos y neblina, y aplicar en múltiples capas ligeras. Encuadre. No se debe permitir que los trabajos sobre papel toquen el vidrio o el plástico debido al riesgo de pegarse a él. En cambio, la forma más sencilla de evitar el contacto es utilizar un soporte, también llamado el tapete, para crear un espaciador entre el arte y el material de acristalamiento. Otras formas de enmarcar el papel son un poco más complicadas pero incluyen el montaje flotante que implica bisagras de cinta ocultas debajo del arte y espaciadores discretos debajo del borde interior del marco. En este ejemplo, en realidad he construido elevadores de tablero de espuma debajo del arte y lo enmarqué en un marco profundo. No obstante elijas presentar tu trabajo, asegúrate de dejar que el fijador y el barniz se sequen completamente. 10. Reflexiones finales: Gracias por tomar mi clase; crear pequeñas, mini obras maestras con gran impacto. Cubrimos muchas cosas en poco tiempo. Sé que todo, desde las técnicas de ejercicio hasta pensar en materiales y composición, te ayudará a crear arte satisfactorio que muestre un crecimiento real en tus habilidades. Soy un gran fan de la práctica y la repetición. Entonces, sigue los ejercicios siempre que tengas un poco de pintura sobrante. Trata de hacer arte todos los días. mini obras maestras son un gran formato para desafiarte a una semana, un mes o incluso un año de ser creativo diariamente. No obstante, utilizas tus habilidades e información, me encantaría ver qué haces. Entonces, sube a la sección de proyectos, y conéctate conmigo en Instagram @gendicsinarts. Si has disfrutado de esta clase, no olvides dejar una crítica positiva y espero que vuelvas a aprender conmigo pronto. Gracias, y que tengan un gran día.