Colecciones de patrones y portafolios: qué hacer y qué no hacer, y mitos

1. Introducción: Hola, soy Melissa Lee. Soy ilustrador profesional y diseñador de superficies. Y algunas de mis cosas favoritas absolutas para hacer nuestros patrones. Aprendí por primera vez a hacer un patrón técnicamente repetitivo en Adobe Illustrator allá por 2015, aquí mismo en Skillshare. Ahora tengo cerca de siete años de experiencia en la fabricación de patrones y colecciones de patrones. Alrededor de tres años de experiencia en la presentación de una cartera de diseño de superficies, y dos años de experiencia en ser un diseñador de telas con licencia. Si estás haciendo los cálculos sobre eso y pensando seguro. Le tomó un tiempo comenzar realmente a ganar dinero con su trabajo de patrones. Bueno, no te equivocas. Hay algunas razones para ello. Al igual que, por ejemplo, mis diversos trabajos diurnos manteniéndome ocupado, vida en general, interponiéndome en el camino, haciendo clases en Skillshare, ocupando mucho de mi tiempo. Pero también la dura verdad es que me estaba poniendo a mi manera dos cosas que veo una y otra vez que causaron que los diseñadores de superficies de inundación, incluyéndome a mí mismo, se estancaran y perdieran impulso o cobranzas y portafolios. En concreto, la idea de que tienen que ser absolutamente perfectos en todos los sentidos antes de que comiences a compartir tu trabajo o a presentar tu portafolio. Porque estaba tan concentrada, realmente obsesionada con la idea de que mi portafolio necesitaba verse de cierta manera y necesitaban seguir cada consejo que he aprendido. A T. perdí mucho tiempo en sentirme desanimado y abrumado, y lo más importante en no mostrar ni someter mi trabajo como debería haber sido. Cuando finalmente decidí que ya era suficiente. Y en realidad empecé a presentar mi trabajo. Aseguí un contrato de licencia de ensueño dentro de un año. Mi objetivo con esta clase es compartir contigo todo lo que he aprendidoa compartir contigo todo lo que he aprendido largo de los años en cuanto a colecciones de patrones y carteras de diseño de superficies. Si estás tomando decenas de clases yo mismo, y a partir de la experiencia práctica aprendida real. Y confía en mí, he aprendido mucho. Y mi primera clase en diseño de patrones, me centré en el lado técnico de crear un patrón repetitivo en Adobe Illustrator. Por lo tanto, es una clase muy pesada de demostración, mientras que esta clase está basada en conferencias y se centra en lo que se debe, no hacer y mitos de colecciones de patrones y carteras. Mi esperanza para esta clase es que pueda ayudarte a evitar el tipo de estancamiento que viví en mi propio viaje para convertirme en diseñador de superficies. Quiero que salgas de esta clase sintiéndote motivado para compartir tu trabajo y seguir creando patrones. Entonces comencemos. 2. Mi línea de tiempo: Al igual que muchas personas pueden relacionarse. Siempre me ha encantado el dibujo y cualquier tipo de artes y oficios. Creciendo. Clases de arte donde las clases divertidas en la escuela para mí. Y eso nunca cambió todo el camino hasta la universidad donde me especifiqué en arte de estudio y más allá de eso hasta ahora. Pero no fue hasta que aprendí sobre diseño de superficies y cómo hacer patrones que realmente pensé que podría ganarme la vida con la ilustración. Nunca antes me había sentido tan emocionada o motivada para tener éxito en una carrera creativa. Tenía aproximadamente un camión de determinación. Y por suerte, eso en última instancia me sirvió bien. Pero tuve algunos baches en el camino. Por lo que quiero mostrarles una línea de tiempo más detallada de mi viaje de diseño de superficies. En primavera de 2015, encontré Skillshare y aprendí a hacer un patrón repetitivo en Adobe Illustrator. Rápidamente me enamoré de hacer patrones. Y luego pasé unos tres años tomando más clases de diseño de patrones, haciendo patrones y colecciones aquí. Y están aprendiendo Illustrator, pero no lo usan lo suficientemente consistente como para sentirse realmente cómodos en él. Por eso me llevó tres años. En 2018, hice la primera colección que sentí que realmente me representaba a mí y a mi estilo. Y después hice dos más. Por lo que en 2019, pasé mucho tiempo haciendo un portafolio perfecto y consiguiendo imprimirlo para que finalmente pueda empezar a enviarlo a las empresas. Pasé una buena cantidad de tiempo investigando empresas a las que quería lanzar y comencé a enviar tanto un portafolio impreso físico como o un portafolio digital por correo electrónico en el verano de 2019. En octubre del mismo año, fui al Quilt Market de otoño en Houston, Texas y me reuní con algunas empresas de telas diferentes para algunas empresas de telas diferentes para poder mostrarles mi cartera. No conseguí un trato de licencia. Son como yo había soñado que podría. Así que pasé un buen mes más o menos sintiéndome bastante desanimado y apenado por mí mismo. Pero eventualmente me recojo de nuevo y comencé a presentar de nuevo. A pesar de mi trasero lastimó sentimientos, va a caer. Quilt Market fue una experiencia maravillosa y toda la nariz que recibí allí y después vía e-mail, somos increíblemente amables y alentadores. Entonces no dejes que mi experiencia te desaliente si también quieres probar eso. Descubrí la empresa, Riley Blake diseña en la feria comercial. Y me enamoré de su curaduría y su vibra general prácticamente de inmediato. Y rápidamente se convirtieron en una de mis tres principales opciones de empresa de telas. Entonces, naturalmente, fueron uno de los primeros lugares a los que envié trabajo después de llegar a casa y empecé a presentar de nuevo. Pasaron unos meses sin respuesta, y asumí que era otro no. C'est la V Pensé que ya estoy acostumbrado a saber. Planeaba volver a presentarme a ellos y a algunas otras empresas en cuanto tuviera nuevo trabajo. Entonces en mayo de 2020, recibí un correo electrónico del Director de Diseño de Riley Blake, preguntándome si todavía estaba interesado en fichar con ellos como el nuevo diseñador de telas, estaba como, estoy absolutamente quieto interesados. Sí, por favor. Naturalmente fui muy emotivo y tuve un llanto feliz al respecto. Por lo que en julio de 2020, firmé mi primer acuerdo de licencia con los diseños de Riley Blake. Desdeel primer día. Mi objetivo era conseguir que mi trabajo de patrones pasara a acolchar tela y todo lo demás. Después de eso se siente como un bono. De verdad quería volver a costura y ser diseñadora de telas me ha motivado seriamente como nada bueno. Ahora me considero un quilter, si muy inexperto. Y ha sido una alegría absoluta y una explosión. Simplemente va a demostrar que nunca se sabe cuándo podría obtener un sí. El momento puede no ser el adecuado de inmediato, pero podría ser en unos meses. Entonces sé paciente y sigue intentándolo. Entonces de todos modos, mi primera colección de telas en realidad no salió hasta dentro de otros 15 meses. Depende de la empresa y la industria realmente, pero un año desde que se acepte el arte hasta cuando el producto se envía no es raro dentro de la industria de la tela. que significa que no obtuve mi primer cheque de regalías de licencia hasta octubre de 2021. No me sentía lo suficientemente segura en mi trabajo como para empezar a lanzarlo a las empresas hasta finales de 2018 porque no estaba constantemente haciendo patrones y mejorando mis habilidades a través de la práctica para esoscuatro años. Y luego me llevó otros seis meses más o menos para crear un portafolio perfecto. Utilizo mi cartera que no esté terminada a mis altos estándares como excusa para posponer la presentación de mi trabajo por mucho más tiempo del que debería tener. Me llevó cinco años desde que empecé a soñar con esta carrera hasta que llegué a mi primer acuerdo de licencia. Y más de seis años a cuando recibí mi primer cheque de regalías de licencia. Ahora bien, no quiero que pienses que me avergüenzo de mi cronología. Nolo soy en absoluto. En realidad estoy muy orgulloso de que a pesar de que tardó tanto, nunca me di por vencido por completo. Tuve mis momentos, mis días, y a veces meses de sentirme desanimado y no crear obras de arte. Pero tenía tanta pasión y perseverancia que finalmente hice que sucediera. Hay 0 vergüenza en eso. Si tu timeline termina parecida a la mía, o si ya estás en el año tres o cuatro y sientes que no has avanzado mucho. Eso está bien. No eres un fracaso. Creo que es bueno estar al tanto de la posibilidad de que lleve mucho tiempo. Simplemente no quiero que pienses que tiene que tomarte tanto tiempo. Tengo tantos artistas, amigos que encontraron el éxito mucho más rápido, algunos incluso dentro de seis meses. Por lo que las posibilidades son infinitas. Tu historia no tiene que tardar tanto como te importa. Pero espero que te sientas alentado por no obstante. 3. PI: ¿Por qué diseñar en colecciones?: Entonces, ¿por qué diseñar en colecciones en primer lugar? Bueno, en primer lugar, las colecciones son la piedra angular de industrias como la tela, papelería y la artesanía de papel, y la decoración del hogar. Por lo tanto, el diseño y las colecciones abren su trabajo a tantas oportunidades que podría no haber obtenido de otra manera, pesar de que no todas las industrias requieren necesariamente colecciones, directores de arte pueden escojay elija fácilmente impresiones de su línea de colección. Ofrecer su trabajo en conjuntos de temas le da al usuario final, cliente o director de arte una visión completa de quién eres como artista y también les ayuda a reconocer mejor tus habilidades como artista. diseño y las colecciones te ayudan a ti, el artista, a desarrollar tus habilidades de tantas maneras. A través del diseño de colección tras colección, se ve esencialmente obligado a entender el color, la complejidad, la composición y el equilibrio, lo que a su vez permite una presentación muy cohesiva y pulida. También es simplemente muy divertido y gratificante. Es tan satisfactorio ver un hermoso conjunto de obras de arte que van tan perfectamente juntas. Te da la oportunidad única de contar una historia e infundir significado a tu trabajo. Ahora que entendemos los beneficios de trabajar en colecciones, Hablemos de cómo 4. PI: Los dos no hacen y los mitos de diseñar en colecciones: Hay muchas opciones a la hora de crear colecciones de patrones. Y no hay tantas reglas duras como puedas pensar. Hay mucha información contradictoria por ahí, que honestamente en mi mente, solo apoya aún más el hecho de que no hay reglas duras y que siempre hay excepciones a la mayoría, si no todos, consejos que puede recibir. Naturalmente, las personas dan consejos basados en sus propias experiencias y en lo que mejor les ha funcionado. Entonces como hay tantas experiencias diferentes que la gente ha tenido, tiene sentido que haya algunas ideas diferentes por ahí sobre qué funciona y qué no. Que esto sea alentador en lugar de desalentar aunque? Porque realmente lo que eso significa es que hay tantas formas diferentes de tener éxito como artista y específicamente como diseñador de superficies. No hay un solo camino con un conjunto de reglas rígidas que tienes que seguir para tu trabajo sea visto o licenciado. Ahora, definitivamente entiendo si esta noticia te sienta algo frustrante o abrumadora, porque tener un conjunto de pautas puede ser de tanta ayuda. Y dudo que estaría donde estoy hoy si no hubiera seguido la sabiduría y los lineamientos establecidos por mis mentores. No es que no haya mejores prácticas a seguir en el diseño de superficies. Simplemente que la mayoría de ellos son más flexibles de lo que podrías suponer. Voy a repasar algunas pautas generales para lo que hace una buena colección de patrones. Y luego voy a repasar algunas razones por las que algunos de estos lineamientos son flexibles. Una colección de patrones típicamente incluye siete a 12 patrones basados en un tema o historia. Cualquier cosa menos que eso se considera una mini colección. Las colecciones suelen tener un nombre, un logotipo, nombres para cada patrón y una descripción de cuento corto o sobre la línea. Las colecciones bien equilibradas generalmente incluyen ocho a 18 colores. Más sobre eso después, sin embargo, no es obligatorio, pero muchas industrias requieren múltiples formas de color. Dado que la tela de perno es mi apretón principal, siempre he hecho todas mis colecciones de patrones en al menos dos colorways para empezar. No sólo quieres asegurarte de que cada patrón tenga suficiente contraste, sino que la colección en su conjunto también tenga suficiente contraste. Debe haber un equilibrio entre diseños complejos y simples. Por lo que las colecciones deben incluir algunas impresiones de héroes o puntos focales, algunas coordenadas y prestamistas de símbolos, y hablaré más de esas más adelante también. Por último, debe haber una mezcla de patrones de pequeña, mediana y gran escala. 5. PI: Tamaño de la colección: Vamos a revisar primero el tamaño de la colección. Una colección completa de patrones típicamente incluye de siete a 12 patrones únicos. Parece haber un poco de desacuerdo sobre si siete u ocho patrones lo convierten en colección completa. Pero he visto tantas colecciones que se componen de sólo siete patrones, que aparentemente se refieren como colecciones completas. Entonces en mi opinión, creo que siete es más exacto que ocho. Pero su kilometraje puede variar en eso y eso está bien. No obstante, una colección de seis o menos definitivamente se consideraría una mini colección. Algo por lo que veo a mucha gente estresando es la cuestión de si siempre deben o no crear colecciones completas. Yo mismo luché con esta idea. He hecho exactamente para colecciones con diez a 12 patrones cada una. Y sí me encanta cómo resultaron la mayoría. Pero en mi experiencia, se siente consistentemente estresante y abrumador hacer que muchos patrones en una colección. Todo al mismo tiempo. He encontrado que tiendo a ponerme impaciente bien en medio de crear una colección completa. Y a menudo me encuentro con ganas de pasar a otro tema. También descubrí que a veces apresuraba los patrones porque realmente quería llegar a cierto número de patrones en una colección para poder pasar a otra. Por lo que con el tiempo, me di cuenta de que es mejor para mí tener una mini colección fuerte que una colección grande con algunos patrones apresurados más débiles. Entonces lo que he hecho es que he hecho la transición a hacer mini colecciones de tres a cinco patrones. Y luego porque sí me gusta tener un montón de opciones para que los directores de arte elijan y elijan. A menudo los revisitaré semanas o incluso meses después y agregaré a ellos. O una vez un director de arte con el que trabajé me gustó una de nueve mini colecciones y me pidió que hiciera un par de estampas más para ello. Entonces fue entonces cuando revisité esa colección en particular. Este flujo de trabajo me ayuda a ser más prolífico y sentirme mucho menos abrumado. También me permite tener una variedad más amplia de temas representados en mi portafolio más rápidamente de lo que tendría de otra manera. Lo más importante, sin embargo, es más fácil para mí comenzar una colección cuando sé que solo estaré haciendo unos pocos patrones versus diez a 12. Y empezar siempre es la parte más difícil para mí. Un consejo que me gustaría dar es buscar las cosas que facilitan el inicio de un proyecto. Aunque sea sólo un poquito. Una vez que los encuentre, aferrarse a esas prácticas e incorporarlas a su flujo de trabajo regular. El truco es encontrar qué flujo de trabajo funciona mejor para usted como individuo. Intenté hacer una colección completa de patrones en mes varias veces y descubrí que hacerlo todo el tiempo era demasiado estresante para mí. Me siento mucho más asentado y cómodo en cómo trabajo ahora, diseño y las colecciones también pueden ser muy dependientes de la industria como toqué antes. Entonces, por ejemplo, si tu corazón está puesto ya sea en las industrias de telas o scrapbooking, es una buena idea diseñar en colecciones, pero muchas empresas de telas también están abiertas a muchas colecciones. Entro más en esto más adelante, pero aseguré un acuerdo de licencia con una empresa de telas con una presentación de solo cinco patrones más uno más que vieron en el sitio web. Pero eso sigue siendo sólo seis patrones. Eso sigue siendo una mini colección. Crear una gran colección no es absolutamente necesario, ni es para todos. Es tarea de un director de arte ver el potencial en la obra de arte de una persona, sin importar cuántos patrones hayas incluido en una colección. 6. PI: ¿Es importante tener un enfoque en la industria?: ¿ Debes tener una idea del producto o productos finales que te guíen para hacer colecciones más cohesivas? O deberías hacer patrones primero y luego decidir dónde encajan? Esta es una pregunta que viene primero, la gallina o el huevo tipo de pregunta. En mi opinión, realmente no creo que haya una respuesta correcta o incorrecta. Es difícil de decir porque creo que estudiar una o dos industrias donde quieres ver tu trabajo y decidir si no eran colecciones o simplemente patrones independientes y dejar que así sea como te acercas haciendopatrones. Creo que eso puede ser de gran ayuda. Si tienes el corazón puesto en una industria en particular, entonces sí, probablemente quieras tratar de abordar tu trabajo con esa industria en mente. Soy diseñadora de telas, así que he aprendido que repeticiones lanzadas son útiles para cosas como la tela a granel. Porque a los solistas y especialmente a los filtros les resulta realmente útil tener impresiones no direccionales o multidireccionales. Por lo que definitivamente tengo en cuenta cosas así cuando estoy trabajando en nuevas colecciones para tela. Pero en realidad no empecé a hacer eso hasta que fui más bien un diseñador intermedio. Y hasta que no tuve experiencia como diseñadora de telas con licencia, eso no quiere decir que no deberías elegir una industria y realmente poner tu corazón en ella desde el principio. Porque tener un sueño así puede ser sumamente motivador. Sin duda fue para mí. Quería mi trabajo en tela a granel. Uno, porque quería volver a coser. Y dos, porque realmente me encantó la idea de que mi obra de arte estuviera en algo que otros artistas y crafters pudieran utilizar para expresarse creativamente. Tenía razón porque ver todos los proyectos increíbles que la gente hace con mi tela es una de las cosas más gratificantes de mi carrera. Pero puede ser tan fácil exagerar las cosas, sobre todo cuando eres principiante. Creo que los principiantes realmente deberían enfocarse más en solo hacer un cuerpo de trabajo. Haz patrones independientes, haz colecciones en cualquier tamaño que te sientas inspirado para experimentar. Dedica una cantidad significativa de tiempo a hacer lo que quieras hacer. Y entonces es cuando puedes dar un paso atrás. Mira tu trabajo y tus experiencias al hacer que funcione. Y busca lo que fue más fácil para ti, lo que funcionó mejor, lo que te gustó y no te gustó, etc. Creo que tener un cuerpo existente de trabajo de patrones puede ayudarte a analizar más fácilmente dónde piensas tu trabajo encajaría e iría a partir de ahí. Si tienes una industria específica en mente, puedes seguir haciendo trabajo hasta que sientas que encajaría bien dentro de lo que sea esa industria, tal vez. hice una tonelada de patrones independientes, Tambiénhice una tonelada de patrones independientes, colecciones y mini colecciones en mi propio viaje. Encontrar un estilo me sentí muy bien y confiado al lanzar a las empresas de telas. Específicamente. Como dije antes, realmente no creo que haya una respuesta correcta o incorrecta. Creo que si enfocarte en una industria ayuda a motivarte, ve por ello. Pero si hace lo contrario, si te paraliza alguna manera que solo enfocarte en hacer obra de arte. Y eventualmente llegarás a un punto que podrás reconocer mejor dónde puede encajar. 7. PI: Complejidad de la colección: héroes, coordinadas y Blenders: Piensa en diseñar tus colecciones como si estuvieras estilismo y atuendo. Todo va de la mano. Leila Rogers, por lo general, las colecciones de patrones deben tener un equilibrio entre diseños complejos y simples. Deben incluir algunas impresiones de héroes o puntos focales, algunas coordenadas y algunas licuadoras. Los estampados de héroes son las estrellas de la colección. Ellos son el principal punto focal. Generalmente son los más grandes y escalables, los más complejos y detallados y típicamente son los que más muestran visualmente tu estilo. Estos son los patrones que mantuvieron la atención del espectador y lo atraen. Ellos sentaron las bases para el resto de los padres a través de contar una historia o exhibir un tema. Y ayudaron a dibujar todas las huellas juntas. Coordine las impresiones, apoye y coordine con las impresiones del héroe. Ayudan a referenciar y apoyar el tema general. Y generalmente son menos detallados en composición que una impresión de héroe, pero más detallados que una impresión de licuadora. coordenadas suelen tener menos colores de los que normalmente se incluyen en una impresión de héroe también. Y realmente completan una colección. Las impresiones de Blender hacen lo mismo que su nombre lo indica. Se mezclan toda la colección. Típicamente son de menor escala, los menos complejos y de composición, y por lo general solo usan dos a tres colores que a menudo son tonales. Creo que las licuadoras hacen la mayor parte del trabajo cuando se trata de realmente traer equilibrio a una colección. Sin licuadoras, una colección puede aparecer como demasiado ocupada visualmente. Entonces, lo que hacen las licuadoras es que dan un lugar para el ojo descanse cuando estás viendo toda una colección. Por lo que los lunares, las rayas, y los reinos son todos muy buenos ejemplos de licuadoras. Este concepto de coordenadas y licuadoras de héroes a veces puede hacer gente se acerque porque realmente depende tanto de tu estilo como de cómo funcionan todos los patrones dentro de una colección con y uno al lado del otro. Entonces todo es relativo. Las impresiones se juzgan en relación con las otras impresiones que lo rodean. Si eres como yo y tienes un estilo detallado y complejo con muchos motivos diferentes, entonces naturalmente tus estampados de héroe deberían ser los patrones más complejos y detallados dentro de la colección. Pero si tu estilo es más minimalista, entonces no necesariamente necesitas tener estampados de héroes súper complejos. He visto muchas colecciones hermosas y exitosas donde todos los estampados podrían clasificarse como coordenadas y licuadoras si existieran en otra colección. Por ejemplo, Club Road tiene una preciosa colección llamada love struck con telas Paintbrush Studio que creo que entra en esta categoría. En la descripción de la colección se lee, hemos conocido a nuestro partido con CLIA broads primera colección, amores golpeados, inspirados en la magia del fuego. Esta colección abstracta engañosamente simple es perfecta para todos tus proyectos de cubierta casera o costura de bricolaje. Esta poderosa colección de cerillas tiene seis estampados disponibles en un colorway cálido y fresco que seguramente aturdirá. Es así como categorizo los estampados en esta colección solo de mirarlos a mí, la impresión strike se siente como la impresión principal o punto focal aquí. Y luego también creo que el hola que imprime es un héroe también. Mientras que el resto se siente como coordenadas y licuadoras. Después de leer la descripción, me sentí bastante validada en mis suposiciones y recogí todo eso a partir de solo visuales. Esta colección funciona porque todos los hermosos patrones van juntos tan maravillosamente. Pero todavía hay cierta variedad y complejidad. Por lo que aunque tengas un estilo más minimalista, aún tienes estampados de héroes en relación con los otros diseños. El punto principal que quiero que le quites a esto es que si tu estilo es más minimalista, abraza esa calidad. No es necesario tratar de obligarse a hacer algo más complejo de lo que se siente bien para usted. Si eso no fuera un verdadero reflejo del tipo de belleza y obra de arte que quieres poner en el mundo. Un último consejo que quiero dar con respecto a la complejidad es tratar entrar en la creación de impresiones de un héroe con el conocimiento de que puede llevar mucho tiempo crear. Este estampado se llama pradera zumbante, y es uno de los estampados de héroes en mi colección harmony. Es complejo seguro, lo que hizo que tardara mucho tiempo en crear. En realidad repaso mi proceso de creación de este patrón más detalle en mi primera clase de patrones en caso de que tengas curiosidad. Pero para resumir, pasé mucho tiempo creando secciones de flores, agrupándolas y probando la repetición una y otra vez a lo largo del proceso. Si tienes un estilo más detallado o maximalista y empiezas a escuchar una repetición, sabiendo que puede tardar mucho tiempo y mucho ensayo y error para hacerlo bien. Para mí, se siente menos frustrante cuando inevitablemente se necesitan aproximadamente 10 millones de pruebas de repetición para que sea perfecto. Su kilometraje puede variar en eso, pero me gusta compartir ese consejo de todos modos, si acaso algunos de ustedes encontrarán aquí impresiones para ser las más difíciles de crear. Y otros en realidad encontrarán que las impresiones de la licuadora son las más difíciles. Yo mismo solía luchar con las licuadoras, porque tiendo a querer simplemente agregar más, ya sea color o motivos o lo que sea. Esto es. Parte de la razón por la que trabajar en colecciones es tan valioso porque realmente te estira como artista y te ayuda a construir esas habilidades. Ahora realmente disfruto haciendo licuadoras porque se siente como un buen descanso de las impresiones de héroes súper lentas que hago. 8. PI: ¿Para repetir o no para repetir motivos?: Algo más con lo que a menudo veo que los diseñadores luchan es la cuestión de si está bien o no repetir motivos a través de múltiples patrones dentro de una sola colección. Recuerdo haber aprendido años atrás que debes evitar hacer esto. Y he visto mucha retroalimentación en las diversas comunidades de las que han formado parte a lo largo de los años sugiriendo lo mismo. Pero el hecho es que veo motivos siendo utilizados a través de patrones en colecciones con licencia todo el tiempo. Lo veo tan seguido que he empezado a buscarlo y a señalarlo por costumbre. Tanto es así que puedo pensar en bastantes colecciones fuerade bastantes colecciones fuera la parte superior de mi cabeza donde esto es cierto. Estoy de acuerdo en que generalmente es la mejor práctica no repetir un motivo particularmente llamativo a través de patrones. Pero creo que está más que bien hacerlo con motivos menos prominentes. E incluso esa no es una regla dura. Simplemente se vuelve un poco más complicado cuando el elemento que estás repitiendo es un motivo de héroe particularmente llamativo, por así decirlo. Esta es una colección de tela que he licenciado con diseños de Riley Blake llamada armonía. Y este pequeño motivo de flor se repite tanto a través de un patrón de héroe como de una coordenada. En el patrón de héroe, hay un montón de otros motivos florales que lo rodean. Mientras que en la coordenada, esta flor en particular es la estrella. También tengo un diseño beat muy simple que se repite través de tres patrones separados a héroes y una licuadora. El b es la estrella del print blender, pero no los dos héroes. Estos dos patrones son de Corinne wells y son parte de su hermosa colección llamada Rocky Mountain wild, también con diseños de Riley Blake. Si no me equivoco, estas son exactamente la misma repetición con todos los mismos motivos. La diferencia es que la coordenada solo usa dos colores y se reduce a escala, mientras que la versión principal del héroe es mucho más colorida y es significativamente mayor escala. Creo que este es un uso realmente inteligente de una hermosa repetición. Y funciona a la perfección porque estos dos estampados aún cumplen un propósito muy diferente dentro de la colección, pesar de que utilizan los mismos motivos. Es un ejemplo perfecto de lo que he estado hablando. Algunos diseñadores podrían no pensar en probar algo como esto porque están preocupados por romper una regla. Pero los patrones pueden compartir absolutamente motivos siempre y cuando te asegures de que todos ellos sirvan a un propósito diferente dentro de una colección. 9. PI: Paletas de color para colecciones: Las colecciones bien equilibradas generalmente incluyen de ocho a 18 colores. Debería haber algunos neutrales. Así que piensa cremas, jabones, grises y marrones y negros. A menudo encuentro que tener varios tonos del mismo color es bastante útil. Entonces en esta colección, tengo un par de morados, bastantes rosados y verdes y demás. Siempre se quiere incluir colores oscuros y claros para asegurar que haya mucho contraste. No sólo quieres asegurarte de que cada patrón tenga suficiente contraste, sino que la colección en su conjunto también tenga suficiente contraste. Al igual que la complejidad, el color también es relativo. Entonces lo que puede considerarse un color oscuro en una colección podría ser un tono medio o color claro y otro. En esta colección, considero que el morado ciruela y el verde cazador son de colores oscuros. Entonces este tipo de rico color terracota es un oscuro en este colorway. El color frambuesa es un tono medio, demasiado oscuro también. Creo que lo más importante a recordar es que quieres que tus colores proporcionen suficiente contraste. El fabricante de telas con el que trabajo puede imprimir 18 colores por patrón. No me citen en esto, pero eso parece ser un estándar de la industria. 18 es un número bastante común que escucho. Algo que realmente quiero enfatizar, sin embargo, es que uno de los errores más comunes que cometemos como nuevos diseñadores es usar demasiados colores en una colección. Realmente desafíate a limitar tu paleta de colores tanto como sea posible. Si observas las paletas de colores de los diseñadores de superficies más experimentados y maduros, encontrarás que la mayoría de ellos usan paletas bastante limitadas, a veces con solo seis u ocho colores en total. Tiendo a usar más que eso sin embargo. Yo uso alrededor de 151 colorway y 21 a 22 colores en general. Pero ahí es donde tres colorways. Entonces habría menos colores si tan solo tuviera que hacerlo. Este patrón se llama pared viva y es probablemente el patrón más complejo que he hecho nunca. Cuando volví a visitar este patrón para esta clase, en realidad me sorprendió bastante descubrir que solo tiene nueve colores. Casi parece que usa más que eso, al menos a mí. Pero seguro, estos son los únicos colores incluidos en esta repetición grande muy compleja. Una forma rápida de averiguar esto es seleccionando el rectángulo al que se aplica. Ir a cualquiera de las tres muestras y hacer clic y arrastrar el patrón repita en su tablero de arte. Y luego con él aún seleccionado, haga clic en, Nuevo grupo de colores. Haga clic. De acuerdo, y los hará aparecer todos en tu panel de muestras. Eso es algo que no compartí en mi otra clase. Y es una buena manera de averiguar qué colores hay en un patrón particular. Algo que creo que es útil tener en cuenta es que se pueden incluir tonos, tonos o tintes del mismo color. Y no necesariamente tienes que contarlas todas en tu paleta de colores ni usarlas todas en el resto de la colección. Lo que quiero decir con eso es que a veces tienes un motivo que requiere múltiples tonos del mismo color. Por lo que si vas por una acuarela o un look pictórico, a menudo necesitarás tres a cinco tonos del mismo color. Este patrón aquí es de Bonnie Christine, quien es una de mis mentoras y también mentora y maestra a miles de personas más. Y si no has comprobado sus clases en Skillshare, definitivamente necesitas hacer eso. Por lo que estas flores fueron creadas escaneando en acuarelas. Y usó, creo, cinco tonos de rosa para los pétalos y cuatro o cinco tonos de verde para las hojas. Entonces con el color crema de fondo y el oro amarillo en los estambres, técnicamente hay unos 13 colores solo en este patrón. No obstante, ella sólo usó quizá dos de los rosados y dos de los verdes en el resto de esta colección. Por lo que su paleta de colores en general sigue siendo bastante limitada. Probablemente la retroalimentación más común que he dado en las colecciones de patrones es que uno o más de los patrones necesitan más contraste. Si dos colores que son demasiado similares y de valor son conmovedores, son difíciles de diferenciar visualmente. No quieres que tu espectador tenga que entrecerrar los ojos para poder ver algunos de los motivos. Entonces, si estás tratando de seguir con una cierta cantidad de colores dentro de una paleta de colores limitada existente. Y te preocupa agregar otro tono o tono de uno de tus colores. Con el fin de solucionar un problema de contraste. Mi consejo es que no te preocupes tanto por eso y que no dejes que dicte ese cambio de color. Solía preocuparme por subir el número de colores totales en la paleta todo el tiempo. Ahora que he tenido cierta experiencia trabajando con una empresa de telas, sin embargo, he encontrado que es más importante asegurarse de que los colores tienen suficiente contraste de lo que es hacer seguro de que técnicamente sólo está utilizando una cierta cantidad de colores en una colección, siempre y cuando no haya más de 18 colores en un patrón, generalmente, la serigrafía fabricante puede hacer que suceda. Las empresas suelen hacer cambios menores de color de todos modos, y siempre han trabajado conmigo para asegurarse de que los colores estén funcionando y que no haya demasiados. Dicho todo esto, solo quería recordarte de nuevo que limitar tu conjunto principal de colores es una muy buena práctica, con la única excepción diferentes tonos o tonalidades cuando sea necesario. Espero que eso tenga sentido. Simplemente sé que es algo que he estresado sobre mí mismo. Por lo que quería hablar de ello ojalá para aliviar un poco de estrés para los demás. 10. PI: Colecciones de colores: Ahora hablemos de formas de color. Como mencioné antes, ya que siempre he tenido mi corazón puesto en convertirme en diseñadora de telas, siempre he hecho todas mis colecciones de estampados y al menos dos colorways para empezar. Siempre trato de finalizar mi primer colorway antes de pasar a la segunda. Pero a veces me inspira una idea de color en medio del proceso de creación de la colección. Y aterrizo en algo que termino usando en un segundo colorway. Entonces eso está bien. Pero puede ser realmente útil clavar realmente un colorway antes de pasar a un segundo. Y por cierto, mis paletas de colores suelen pasar por un montón de cambios a lo largo del proceso de creación de colecciones. Y eso está totalmente bien también. A veces piensas que tienes un paladar perfecto para empezar. Y luego a medida que construyes patrones, queda claro que necesitas hacer algunos cambios. La empresa de telas con la que trabajo hace tres colorways por colección. Así que tuve que crear una tercera forma de color para ellos antes de entregar mis archivos de Illustrator, estaba realmente emocionada por llegar a hacer eso, pero también simplemente no sabía realmente lo que estaba haciendo. Entonces esto es originalmente como se veía mi primera colección de telas Harmony. Presenté a Riley gustaron diseños con solo cinco de estos patrones en este primer colorway. Porque en su momento, eso era lo pedían sus lineamientos de sumisión , apenas cinco patrones. Entonces también quisieron imprimir esta colmena que realidad no incluí en el envío de cinco patrones. Y después me pidieron que hiciera otra licuadora con abejas. Entonces este es un vistazo general a los tres colores que se me ocurrieron para los siete patrones finales que fueron elegidos. Las entregué y le dije al director de diseño que estaba 100% abierta a cualquier cambio de color que quisieran hacer. Entonces me volvieron con esto. Por lo que cambiaron este. Este, y éste. Creo que debido a que tenía más azul en mi conjunto original de patrones, lo tenía en la cabeza que necesitaba para mantener ese azul. Sentí un apego a ella. Supongo. Ahora me parece salvaje que ni siquiera se me ocurriera deshacerme de él. No era una opción para mí ahora porque no estaba abierta a cambiarla, sino porque no lo pensé. Por suerte, el equipo creativo Riley Blake diseña con razón reconoce que era un color extra que realmente ya no necesitaba estar allí. Por lo que crearon esta magnífica versión verde salvia usando un verde que ya existía en la colección y limitando un poco más el paladar. Me encanta absolutamente esta versión verde dos, así que estoy tan contenta de que hayan hecho eso. De todos modos. Creo que cambiar estos dos colores Miel y tener más de este color ocre amarillo intenso fue una gran decisión también. Creo que también cambiaron el rosa en esta Blender B de un rosa bebé a un rosa más melocotón como tengo por aquí. Una vez más, limitando un poco más los colores. Y luego con este estampado de panal, cambiaron este por el gris morado. Ahora con algo más de experiencia, me di cuenta de que estas dos versiones eran demasiado similares antes, lo que hizo que estuvieran sirviendo al mismo propósito dentro de la colección. Entonces, si estuvieran en una tienda lado a lado, nadie necesitaría ambos, ¿verdad? Esa es una buena pregunta para hacerte. Cuando estás creando un segundo colorway, ¿ambas versiones de color del mismo estampado aportan algo diferente a la colección? Si a un cliente o dueño de tienda se le presentaran ambas opciones, ¿ querrían comprar ambas? Si son demasiado similares, más probable es que la respuesta sea que solo elegirían uno. Desea asegurarse de que cada impresión sea necesaria de alguna manera. Al darle a éste un fondo de tono medio, estas dos impresiones ahora están cumpliendo automáticamente una misión diferente dentro de la colección. El equipo creativo de Riley Blake designs me ha ayudado a finalizar el color en ambas colecciones que tengo con ellos hasta ahora, lo cual ha sido una experiencia de aprendizaje realmente maravillosa para mí. Claramente. Me gusta compartir eso porque creo que es reconfortante saber que tus colores no tienen que ser absolutamente perfectos para poder obtener licencia. Y que la mayoría, si no todas las empresas trabajarán contigo para finalizar colorways. Por lo que ahora quiero echar un vistazo más de cerca a estos dos colores y hablar de por qué funcionan. Recuerda que si vas a crear más de un Calloway, está bien que sólo te quedes con dos para empezar, y solo crear un tercero si una empresa te pide uno, no quiero que crees ninguna trabajo extra para ti. En Calloway uno, tengo dos colores oscuros, el morado y el marrón, que he usado en toda la colección. Siempre que necesito un Pop de contraste realmente claro. Tengo algunos colores de tono medio y el rojo, naranja, el gris y estos morados. Entonces bastantes tintes más claros. Tengo cuatro o así neutrales en las cremas, rubor, y también el gris y marrón. En el segundo colorway, casi solo usé diferentes tonos del verde oscuro para todos mis oscuros. Entonces en el estampado de colmena, realidad hay uno o dos tonos más de verde que no he sacado en la paleta de colores. Hay menos neutrales en este Calloway, solo los colores gris y rubor y crema. Pero eso está bien porque están haciendo el trabajo muy bien. Creo que también hay un color blanquecino que no he sacado en la paleta. Eso está en las orejas queridas y en el panal. Realmente no lo considero como parte de la paleta de colores en general porque solo está ahí para proporcionar contraste donde lo necesito. Pero incluso con ese color incluido, sigue siendo sólo 16 colores de esta manera de color. Los rectángulos más largos son los colores que se usan en ambos colores. Es una buena idea llevar varios de los colores desde tu primer colorway hasta el segundo. Porque eso ayudará a que las dos colorways se sientan equilibradas y cohesivas. Generalmente, quieres que tus formas bicolores sientan que se coordinan bien entre sí, al mismo tiempo que son diferentes. Piénsalo como una pareja saludable o matrimonio. Van bien juntos, pero siguen siendo dos individuos separados. Mi sugerencia es llevar algunos o todos los neutrales y también traer algunos de los colores primarios del primer colorway para que sean colores secundarios en el segundo colorway, luego introducir algunos colores nuevos en conjunto. Entonces los colores estrella del primer colorway, o los morados y melocotones. En tanto que las estrellas del segundo colorway son claramente los verdes. Pero los neutrales, los oros y los melocotones que se comparten permiten que ambos colores luzcan realmente relacionados. Ahora quiero volver a sacar a colación mi tercer colorway. Porque los primeros terceros colores tienen esencialmente la misma paleta de colores con tal vez una o dos diferencias. Y entonces ciertos colores se exhiben un poco más en uno que en el otro. No obstante, sí creo que estos dos colores son mucho más similares de lo que generalmente se aconseja. Yo quería hablar de ello porque creo que es importante señalar cuando hay excepciones a las reglas. Por lo general, no querrías que tus formas de color se vean así de similares, pero a veces está bien hacer esto. E incluso a veces las colecciones completas tienen solo un gran colorway. Esta encantadora colección se llama Blue Gene, y es de Christopher Thompson. Presenta azul en casi todos los tonos porque esa es una gran parte del tema en sí. Algo que veo que los nuevos diseñadores hacen bastante a menudo es que usarán el mismo color de fondo en muchas impresiones. Recuerdo una instancia donde alguien que usó el mismo color de fondo para patrones a través de dos colores, para campos como uno a muchos para mí, especialmente ingiere formas de dos colores. Solo hay un ejemplo del mismo color de fondo que se está utilizando para las impresiones 3D en esta colección. Se trata de una colección de tres colores. Entonces hay más espacio para eso. Pero incluso con tres colores, no incluiría cuatro estampados con el mismo color de fondo. Curiosamente, hay tres de los mismos fondos en esta colección también, con los otros colores de fondo solo reclamando uno o dos patrones. Una vez más, mi color de fondo más utilizado en esta colección también es el morado. Realmente no sabía que estaba así de atraído por este morado ciruela antes de hacer esta gran obra de arte. Una última cosa con respecto al color que quiero compartir es si estás diseñando con una industria específica en mente. Y si esa industria utiliza la serigrafía, quiere asegurarse de que todos los elementos sean motivos del mismo color de un colorway corresponden a los mismos elementos de la otra manera de color. En serigrafía, se corta una pantalla para cada color separado. Por lo que tenerlos corresponden hace que se puedan usar las mismas pantallas entre colores. Entonces, por ejemplo, los corazones rosados en el tablero de arte a corresponden a los corazones morados del tablero de arte B y los corazones blancos de las mesas de trabajo. Ver. puedes reducir los colores Sin embargo,puedes reducir los colores de un Calloway al siguiente. Entonces en este primer colorway, los corazones son multicolores, mientras que en el segundo, tercer color formas los corazones son todos un color sólido. No necesitarían cortar otra pantalla para las segundas dos colorways porque aún pueden usar las mismas pantallas que se cortaron para la versión multicolor. 11. PI: una nota rápida sobre los colores de Pantone: En primer lugar, si no lo sabes, Pantone es un sistema de coloración global que fue creado para simplificar la coloración en todo el mundo. En 1962. tono de pan establece el estándar para manejo del color a través de un sistema de numeración estandarizado, que permite a artistas, empresas y fabricantes comunicarse mucho más fácilmente el color entre sí. Hay dos sistemas Pantone. El sistema gráfico fue creado para impresión y empaque, y el sistema de moda y hogar fue creado para textiles, prendas de vestir y artículos para el hogar. Veo a muchos diseñadores nuevos preocupándose por si necesitan comprar una fan deck de color Pantone y si es así, ¿cuál? Son caras. Por lo que quieres estar seguro de que estás obteniendo el correcto. Bueno, déjame solo decirte, no necesitas preocuparte por esto hasta que una empresa te pida convertir tu obra de arte a colores Pantone. Si dicha empresa es una empresa de telas, entonces querrás obtener el sistema de moda y hogar. En tanto que si dicha empresa es una empresa de tarjetas de felicitación, entonces querrás obtener el sistema gráfico. Si aún no estás seguro, solo pregunta cortésmente y te dirán qué fan deck necesitas pedir. Dicho todo esto, aún no me han pedido que proporcione colores Pantone por acompañar Estoy licenciando con Pedí la fan deck de moda y casa tan pronto como firmé mi contrato de licencia con Riley me gustó diseños porque lo quería por razones personales y porque es bastante cool poder combinar los colores tú mismo y hacer algo del trabajo por ellos. Pero no me pidieron que hiciera eso. Así que por favor no te preocupes por ello. Si alguna vez terminas necesitándolo, simplemente puedes pedirlo entonces. 12. PII: Carteras físicas o digitales: ¿vale la pena enviar ambos?: Si no estás poniendo tu trabajo por ahí, no estás dando a la gente la oportunidad de encontrarte a ti y más arriba. Tú. Recuerda cómo conseguí un contrato de licencia de ensueño dentro de un año una vez que realmente empecé a presentar mi trabajo. Bueno, logré hacerlo con solo cinco patrones configurados en un PDF de 11 por 8.5 pulgadas. Sin lujos de lujo, sin imagen de portada o tabla de contenido, sin cartera impresa física enviada. Solo un correo educado y conciso presentándome con enlaces a mi página web e Instagram y un PDF de cinco páginas completas de patrones. El director de diseño para diseños de pierna derecha me dijo que ella en el equipo le gustó mucho la mini colección que envié, así como algunos patrones de otra colección que tenía en la página web. Por lo que definitivamente sí echaron un vistazo a mi sitio web, probablemente involucrar mi cuerpo general de trabajo. Pero lo que quiero que le quites a eso es que se enamoraron lo suficiente con apenas los cinco patrones que compartí con ellos inicialmente para mirar el resto de mi trabajo. Entonces eso es un buen segue en lo primero de lo que quiero hablar con respecto a los portafolios de diseño de superficies. Esa es la cuestión de los portafolios físicos o digitales y si vale la pena o no enviar ambos. Estoy en algún lugar en medio de esto. No creo que haya una respuesta correcta o incorrecta aquí. Cuando comencé a lanzar a las empresas en 2019, envié una cartera tanto digital como física siempre que fuera posible, a menos que eso se acompañe especificado en sus pautas de presentación para enviar únicamente un copia digital. Como lo mencioné antes, pasé bastante tiempo diseñando y armando mi portafolio de diseño de superficies. Tengo dos versiones impresas. El primero en este formato arquero, para que pueda crear esta hermosa versión hecha a mano, fantasía con tela impresa de Spoonflower y mi logo bordado. La segunda versión en un formato de revista más estándar, que pedí de libros de Blurb. Pedí alrededor de 25. Creo que salieron a unos siete o 8 dólares por libro. Las imprimí específicamente para poder regalarlas a las empresas. Te estaba lanzando y no sentirme tan preciosa por no volver a verlos nunca más. En blurb. Se pueden tener libros comerciales o revistas impresas por alrededor de tres a $5 por, creo 24 páginas. Creo que si volviera a ir por esa ruta, me aseguraría de que mi cartera solo tenga 24 páginas o lo que sea el número máximo de páginas para que haya un poco más asequible a continuación tiempo. Por lo que el consejo número uno, si planea imprimir una cartera física, busque en las dimensiones y precios de varios formatos y tamaños antes de comenzar a diseñar su cartera digital. De esa manera, podrás diseñarlo en este formato específico que elegiste. Y no tendrás que reformatearlo para imprimirlo. Accidentalmente formateé uno de los míos en el tamaño de página equivocado, así que desperdicié mucho tiempo reformateándolo. Ya lo estaba diseñando en dos tamaños porque quería que mi elegante versión encuadernada para libros estuviera en un formato diferente a la versión de la revista. Así que terminé teniendo que formatearlo en tres tamaños en lugar de sólo los dos que tenía planeado. Por lo que solo prepárate con el formato o formatos correctos cuando entres a crear tu portafolio. Los libros de Blurb son geniales por cierto. Yo estaba muy contento con la calidad y no se puede superar su precio. He incluido un PDF con todas las recomendaciones no relacionadas de mi portafolio que puedes descargar bajo la pestaña de proyectos y recursos. Si te estás preguntando qué programa debes usar para construir un portafolio, puedes crear el portafolio en Illustrator si no estás familiarizado con el uso de InDesign. Pero no necesariamente lo recomendaría porque construí mi propio Illustrator. E incluso usando una computadora con 32 gigs de RAM, el documento de mi portafolio de Illustrator se puso súper enorme y comenzó a rezagarse y se volvió realmente difícil trabajar con él. Si usas Illustrator, sugiero crear unas cuantas páginas en documentos separados, lugar de tener de 20 a 30 tableros de arte en un solo documento con un montón de patrones aplicados a ellos. Esa es una forma rápida de hacer un documento excesivamente enorme con el que es difícil trabajar. Por lo que 123 o cuatro páginas por documento es mucho más manejable. A partir de ahí, puedes exportarlos como PDF o jpegs y combinarlos en un solo PDF usando la aplicación de vista previa en un Mac o usando Photoshop o Adobe Acrobat. Creé mi cartera de lujo para tener algo realmente hermoso que llevar conmigo a ferias comerciales y mostrar a potenciales colaboradores. Lo llevé a cumplir mercado en 2019 y lo mostré al 6%. Entonces empresas, y me sirvió muy bien. También regalé seis o siete de mis portafolios en formato revista a las mismas empresas y envié el resto a diferentes empresas e industrias a lo largo de 2019. No me arrepiento de nada de eso. No obstante, había decidido que en el futuro, voy a confiar principalmente en mi cartera digital. Gasté bastante dinero y tiempo en imprimir y enviar mis carteras. Y el único acuerdo de licencias que pude aterrizar en ese tiempo fue abajo con una simple presentación digital y un enlace a mi página web. He decidido que preferiría ahorrar algo de dinero y priorizar gastar más tiempo en crear que en enviar portafolios físicos. En mi experiencia, usted es igual de probable que gane oportunidades a través de envíos digitales también, es ganarlas a través del envío de carteras físicas. Eso es todo. Me gusta tener un portafolio físico solo para mí y también para mostrarle a la gente si voy a más ferias comerciales en el futuro, sí planeo tener carteras actualizadas impresas de cualquiera de una empresa llamada Artefacto Levantamiento o libros borrosos otra vez. Pero solo planeo tener una copia realmente hermosa impresa a la vez que no voy a estar regalando. También existe la opción de simplemente usar una carpeta de tres anillas con sus patrones y obras de arte presentadas de forma limpia y hermosa en su interior. Esa es una opción realmente genial. Sé que ha funcionado maravillosamente para mucha gente. Otro beneficio de hacer eso es que puedes sacar fácilmente obras de arte antiguas y poner una nueva obra de arte y o curar tu portafolio dependiendo de con quién te estés reuniendo, tu lectura con un empresade papel tapiz, por ejemplo, puede optar por incluir sólo la obra de arte que creas que encajaría bien dentro de la industria del papel pintado. Si quieres probar para Dean copias físicas más baratas y enviarlas a empresas, si te sientes emocionado por eso, entonces por todos los medios ve por ello. Sé que eso ha hecho maravillas para mucha gente, pero solo sé que no tienes que hacerlo, para tener éxito. 13. PII: ¿Qué deberías incluir en tu portafolio?: Veo que mucha gente luchó con la pregunta de qué debes incluir en tu portafolio de diseño de patrones. ¿ Está bien incluir patrones independientes y mini colecciones? ¿ O debe esperar hasta tener dos o tres colecciones completas antes de comenzar a presentar? ¿ Debe tener al menos 100 patrones antes de empezar a presentar? La respuesta corta es que está más que bien incluir muchas colecciones son patrones independientes. Si los amas, encajan con tu estilo y te gustaría verlos licencia. Es tan sencillo como eso. No necesitas 100 patrones. Mi cartera sólo tiene alrededor de 30, y creo que la de mi sitio web todavía tiene menos de 50. Recuerden, conseguí un acuerdo de licencia con una mini colección de apenas cinco patrones. Creo que mientras tengas, digamos de diez a 15 piezas sólidas de portafolio con las que te sientas realmente bien. Ya tienes suficiente para empezar a llegar a las empresas. Si eres de los que trabajas en mini colecciones, este formato de mostrar un estampado de héroe con una o dos coordenadas es una forma popular de exhibir. No lo son. Muchos artistas empaquetan su obra de arte de diseño de superficie de esta manera hacia un gran éxito. Depende de la industria, por supuesto, pero muchas empresas a menudo solo compran uno o dos patrones a la vez de todos modos. Nuevamente, no, si eres de los que disfruta trabajar en colecciones completas, entonces ve por ello. No hay nada de malo en eso. Por supuesto. Simplemente no es absolutamente necesario. Quiero compartir un consejo sumamente útil que aprendí de Bonnie Christine. Y eso es solo incluir trabajo que te gustaría comprar, o al menos sentirte tentado a comprar si lo vieras en una tienda. Esto va tanto para colecciones como para portafolios. ¿ Compraría esto o me siento genial al respecto? Siempre son buenas preguntas para hacerte. Si la respuesta es no, entonces debes desechar ese patrón del que te sientes inseguro o trabajar para convertirlo en un sí. Esperé a empezar a lanzar a las empresas hasta que todos los patrones en mi cartera o sí para mí. Así que esperé hasta sentirme confiada en mi trabajo de patrones. A pesar de que tardé mucho en llegar, me alegra haber esperado porque hizo recibir todos los inevitables rechazos que obtuve y que recibirás una vez que empieces a poner tu trabajo. No hay forma de evitar eso. Hizo que esos rechazos fueran mucho más fáciles de manejar para mí. Creo que pude reconocer que no se trataba de la calidad de mi trabajo. Tanto como se trataba de timing o gusto o acompañar, no buscar trabajo a mi estilo o cualquier cantidad de cosas que no tienen nada que ver con mi valía y habilidades como artista y diseñador. Si amas lo que estás creando, eso es lo más importante. Si hubiera apresurado el proceso y comenzado a enviar mi cartera antes, me sentía muy bien con mi trabajo. Sospecho que habría lidiado con muchas más dudas en torno a mis habilidades como diseñador. Sigo por supuesto, siento duda e inseguridad a veces, ya que eso es realmente solo natural que nosotros los artistas lo sintamos. Todavía experimenté el síndrome del impostor. Todavía pido comentarios de mi comunidad creativa y de mi familia y amigos. Todavía a menudo realmente necesito esa validación de los demás. Pero aún con esas dudas, en última instancia, sabía que mi obra era hermosa y solo necesitaba encontrar a las personas adecuadas que se conectaran con ella y reconocieran su potencial. Sabía que necesitaba ser paciente y seguir perseverando. Y eventualmente el momento sería el adecuado para mí. Yo tenía razón. No podría estar más feliz con cómo me han resultado las cosas en un diseñador de telas, por una de mis mejores opciones de empresa de telas. ¿ Y quién sabe si eso hubiera pasado de no haber esperado? Mi único lamento y dudo incluso llamarlo un arrepentimiento porque eso se siente como una palabra demasiado fuerte. Pero sí creo que podría haber ganado más impulso un poco más rápido si hubiera empezado a presentar tan pronto como me sentí bien con mi trabajo y no esperé hasta tener un perfecto portafolioprístino con todos los lujos de lujo que se sintieron tan importantes para mí en ese momento. El director de diseño para Riley Blake designs me dijo que les interesaban algunos de los estampados otra colección que tenía en mi página web, que era tan emocionante. Yo quería compartir sin embargo, porque esa colección pasó por múltiples ediciones antes de que se finalizara. Me pidieron que cambiara la huella principal de esta a esta. No estaban seguros de las huellas de este héroe. Entonces lo cambié de esto a esto, para convertirlo de una raya a un patrón mucho más dinámico. Y por suerte, después de eso, decidieron que sí querían imprimirlo. Estaban interesados en imprimir algunas de las licuadoras que ya había hecho, me pidieron una más. Entonces hice esta licuadora. Mi punto es que los directores de arte a menudo trabajarán contigo para finalizar una colección. Así que si te sientes intimidado por las hermosas perfectas colecciones que ves, solo debes saber que muchas de ellas se mejoran enormemente a través de la colaboración. Y los artistas muchas veces han ayudado. Entonces, ya sea que quieras esperar hasta tener tres colecciones o armar un portafolio lleno de hermosas mini colecciones y patrones independientes. Creo que el factor más importante es que te sientas bien con tu trabajo y sientas que realmente te representa como artista. 14. PII: una nota rápida sobre las tendencias: No soy de ninguna manera un experto en tendencias. No voy a hablar de ello a fondo. Pero mi sensación sobre las tendencias es que sólo crearé dos tendencia si es algo que ya me interesa ilustrar, realmente no me preocupo demasiado por ellas para ser bastante honesta. Por ejemplo, no me preocupo por diseñar al color Pantone del año a menos sea un color al que ya me atrae. Por lo que una vez que el tono pan anuncia el color o colores, a veces, si es un color que ya está presente en mi trabajo, puedo tratar de contar con ese trabajo un poco más en Instagram o en mi página web. Pero por lo demás, en realidad no me preocupo demasiado. Si hay un tema de tendencia que realmente me habla que Seguro lo diseñaré. Pero probablemente ya lo habría estado diseñando en algún momento de todos modos. Si una empresa me pidió crear algo a la tendencia o pregunta Si tengo algún trabajo preexistente que sea dos tendencia, entonces por supuesto, señalaré ese trabajo o trabajo para crear algo para ellos si me inspira. Pero mi filosofía general sobre las tendencias es bastante relajada. Me tensa demasiado como para pensar en ellos. Entonces preferiría simplemente proteger mi salud mental y crear lo que quiero crear. Es realmente difícil estar al tanto de las tendencias también, sobre todo cuando eres principiante y estás tratando de meter el pie en la puerta, por así decirlo. Porque lleva tanto tiempo que los productos se impriman y se pongan realmente en los estantes. Es difícil conseguir su trabajo en esos estantes lo suficientemente rápido a menos que ya tenga una relación preexistente con una empresa de licencias. E incluso entonces, depende la industria y de qué tan rápido se pueda imprimir el producto. También hay un montón de tendencias perennes. En otras palabras, parece en motivos que prácticamente siempre serán populares. Justo de la parte de arriba de mi cabeza, Hay Navidad y Halloween. Cumpleaños. Gatos, perros, búhos, florales, por supuesto. Suculentas y cactus, plantas de Gangnam, lunares, hongos tropicales, hijos, lunas y estrellas , etcétera, etcétera. Entonces estos son temas que siempre venderemos. La gente nunca va a dejar de querer florales. Un consejo que tengo es si alguna vez te sientes atascado y probablemente puedas encontrar listas de tendencias de diseño de hoja perenne en línea con bastante facilidad con un poco de googlear. Y luego puedes escoger y elegir de la lista para ayudarte a idear tu próximo tema de diseño. Y automáticamente estaría en tendencia. Son muchos los diseñadores que sienten diferente las tendencias y que han experimentado mucho éxito al seguirlas más de cerca. Pero yo no soy uno de ellos. Entonces realmente no puedo hablar al respecto. Sin embargo, si tienes curiosidad por aprender más, te animo a que busques aquí en Skillshare, ya que estoy seguro que hay muchos profesores aquí que pueden ofrecer consejos más experimentados sobre tendencias. 15. PII: ¿Cómo te das cuenta de tu trabajo?: Una vez que estés listo para presumirlo, ¿cómo haces notar tu trabajo? Voy a leer un par de párrafos de Leila Rogers es entrevista y número 49 de Uppercase Magazine, en el que poco le da consejos sobre cómo conseguir trabajo en diseño de superficies. Cotiza, una vez que tengas un montón de imágenes fabulosas, colócalas en tu sitio, publícalas en Instagram y Pinterest, y comienza a contactar con empresas. Puedes encontrar empresas entregando los productos que ya posees, o encontrando nombres de fabricantes. Visita tus tiendas favoritas y anota nombres de fabricantes de productos que más te gustan. Después investiga a quién enviar tu arte yendo a su sitio web. Algunas empresas tienen políticas de envíos en sus sitios web. O llamando a la empresa, simplemente di, Hola, soy artista o ilustrador o diseñador, tu elección. Y me encantaría enviar trabajo al director de arte o a quien licencie nueva obra de arte. Aquí está la fórmula mágica. Agrega todas estas personas a tu lista de correo. Sigue haciendo un trabajo inspirado más hermoso y sigue enviando tu trabajo. Esto no es cosa instantánea. Se necesita tiempo y compromiso. Pero si de verdad, de verdad quieres que suceda y sigues el proceso anterior, llegaremos. Tendrás una brillante carrera y cita, creo que esto de manera tan maravillosa y sucinta resume este proceso en curso. El hecho es que hay que poner el trabajo, pero no tiene que ser todo a la vez. Recuerda que si te sientes abrumado, descompone tu investigación en trozos más pequeños y manejables. Haz tu mejor esfuerzo para no quedar empantanado en el panorama general y simplemente dale un simple pequeño paso a la vez. Puede dar miedo compartir tu trabajo en línea por una serie de razones. A lo mejor eres autoconsciente y temeroso de lo que un director de arte o pueda decir un director de arte o incluso solo un extraño al azar en Internet. A lo mejor temes que tu trabajo sea copiado. Todos estos son sentimientos con los que creo que la mayoría de la gente se puede relacionar. Y está bien sentirlos. Pero no quieres dejar que ese miedo te gobierne. Si no compartes tu trabajo con el mundo, cómo lo conseguirás ante los ojos de las personas que necesitan verlo. Tengo amigos que fueron contactados por empresas de ensueño solo a través de sus Instagrams. Esto no significa necesariamente que debas priorizar las redes sociales sobre tu obra de arte. Desde luego que no, pero sí lo uso y sí comparto mi trabajo con bastante regularidad. Entonces tómalo de mí. la pena los riesgos de compartir tu trabajo , las recompensas. Se necesita trabajo y tiempo y coraje, pero con la suficiente paciencia cultivada y perseverancia, lo harás realidad. 16. PII: Presentación de la cartera: Entonces como estoy seguro de que ya se han reunido, creo que la mayoría de las reglas son mucho más flexibles de lo que tendemos a suponer que hay muchas maneras diferentes de tener éxito como diseñador de superficies. hay un conjunto de pautas que sí creo Sin embargo,hay un conjunto de pautas que sí creoque más o menos siempre deben seguirse. Y esas son las mejores prácticas sobre cómo mostrar patrones dentro de un portafolio, ya sea en su sitio web, en un PDF digital o en un portafolio impreso. En primer lugar, no incluyas un golpe o un borde alrededor de los cuadrados o rectángulos de tu patrón. Puede distraer del patrón o a veces confundir a los espectadores. ¿ Es parte del patrón en sí o no? Presentar sus patrones sobre un fondo blanco limpio y sin borde, permite que sean las estrellas de la página. Y eso es lo que quieres. Quieres que tus patrones y las maquetas que puedes incluir con tus patrones aplicados destaquen por sí solos. Si vas a incluir un logotipo de colección, asegúrate de que la fuente o los textos del logotipo sean la estrella del logotipo y que los motivos utilizados, caso, estén apoyando el texto y no el otro manera alrededor. Si incluyes múltiples colores de una colección dentro de tu portafolio, asegúrate de que la escala y el posicionamiento de cada patrón sean consistentes en todos los colores. Quieres que sea fácil para los directores de arte encontrar el patrón hermana en el segundo colorway. Cuando se trata de mostrar tus patrones en un sitio web, tienes un poco más de libertad porque no estás limitado por el tamaño y formato de un PDF digital o portafolio físico. Dicho esto, todos los lineamientos de los que acabo de hablar siguen vigentes. Esta es mi página de portafolio y así es como los tengo mostrando mi trabajo de diseño de superficies desde 2018, cuando creé por primera vez mi sitio web de Squarespace. Tengo una pancarta giratoria en la parte superior. Y luego aquí abajo, el fondo es blanco. No hay borde alrededor de ninguno de los patrones y cada patrón duplicado y otro colorway se establece en la misma escala. En realidad se me debe una actualización porque hay algunos patrones más antiguos que quiero sacar y algunos nuevos que quiero poner. Y entonces puedo organizar estos por colección o tema. Todavía no lo he decidido. Dicho eso sin embargo, no hay nada de malo en presentar tus patrones así, solo quiero cambiar. Pero este estilo de presentación de patrones es lo que he usado desde 2018. Y he tenido algunos directores de arte que vienen a mi página web y elijan más patrones míos para licenciar desde esta página. Eres totalmente bienvenido a usar este formato si te gusta. Pero si no, te sugiero ir a los sitios web de los diseñadores de patrones que admiras y ver cómo muestran su trabajo de patrones. Puede sentirse realmente abrumador construir un sitio web de portafolio. Por lo que obtener ideas de otros artistas es sumamente útil. Yo, yo mismo me inspiré en los sitios web de múltiples artistas diferentes a los que admiro. Esencialmente, cuando se trata de presentación de portafolio, menudo menos es más. 17. PII: una nota rápida en los sitios de impresión a la carta (POD): Una vez más, no soy de ninguna manera un experto en vender obras de arte en POD o sitios de impresión bajo demanda. Pero sí tengo algo de experiencia y quería hablar de ello brevemente. Obtengo ventas mensuales en la sociedad seis, mientras que mis ventas de casos de Spoonflower y artes son más raras. Y eso es porque invierto más tiempo en mi sociedad seis tienda. Dicho esto, todavía no es muy lucrativo para mí, sobre todo por la cantidad de tiempo que dedico a subir obras de arte. No lo actualizo regularmente porque prefiero priorizar creación y presentación de mi cartera a empresas con las que quiero licenciar. A algunos artistas les va muy bien en los sitios POD, pero sí se necesita mucho esfuerzo y tiempo y marketing personal. En términos generales, los compradores en los sitios POD son individuos. He oído hablar de empresas y revendedores que encuentran artistas en la sociedad seis y llegar a ellos por correo electrónico para pedirles que trabajen con ellos. Por lo que los sitios POD no son una mala opción para que tu trabajo sea visto. Pero ten en cuenta que hay miles de artistas en los sitios POD. Por lo que también puede ser difícil destacar entre la multitud. Esto no pretende disuadirlo de implementar sitios POD en su negocio. No me arrepiento del trabajo que he puesto en la sociedad seis y caso de las artes. Pero solo para informarte de las realidades de hacerlo, parte de lo que es tan bueno acerca de las licencias, pesar de que a menudo tienes un porcentaje de regalías más bajo, entonces lo tienes en los sitios POD, es que la empresa es licenciado con, hace la mayoría de la comercialización para usted también. Suelen ser una audiencia mucho más grande. Y sólo están vendiendo la obra de arte de digamos, 40 a 100 artistas frente a los miles en, por ejemplo, Sociedad seis. 18. Algunas palabras de ánimo: Haz las cosas porque quieres, no porque tengas que hacerlo. Bonnie Christine, ya sea que esté hablando de diseño de personajes, caricaturas, acuarelas o patrones. Me gusta recordarles gentilmente a mis alumnos y a mis creativos conocidos y amigos que recuerden por qué estás haciendo esto en primer lugar. Es porque amamos el arte, ¿verdad? Nos encanta hacer arte. Nos encanta ser creativos. Queremos mejorar nuestras habilidades creativas. No sólo porque queremos ganarnos la vida, sino porque la creatividad es gratificante en sí misma, toda honestidad, ojalá no tuviera que ganarse la vida. Pero desafortunadamente, estamos atrapados en un sistema que nos obliga a tener que ganar dinero para poder cuidarnos. Pero no voy a entrar más en mis sentimientos en eso, no te preocupes. El punto es, creo que a veces nos quedamos tan empantanados en toda la ansiedad que rodea ser creativos. Nos distraemos tanto por el estrés y la preocupación de si somos lo suficientemente buenos para triunfar, ¿qué es incluso el éxito para nosotros? Este proyecto no está resultando como lo veo en mi cabeza, etcétera. Nos distraemos tanto con todos estos negativos que nos olvidamos de lo verdadero. Por qué. ¿Por qué estamos aquí? ¿ Por qué seguimos este camino cuando puede sentirse tan difícil y vulnerable a veces, o a menudo? Sí, la respuesta también puede ser que queremos una carrera más satisfactoria o queremos trabajar desde casa. Pero el verdadero corazón de ella, el núcleo de por qué estamos aquí es porque disfrutamos haciendo arte, ¿no? Y todo lo demás se deriva de ellos. Trata de no perder de vista el hecho de que disfrutas ser creativo. Puede ser tan difícil mantenerse motivado a lo largo de un proyecto estresante o decepcionante. A veces cuando estoy en medio de uno de esos proyectos, voy a dar un paso atrás y decir, vale, Melissa, recuerda que en realidad te gusta hacer que el arte se calme y respira hondo. No hace desaparecer por completo la ansiedad o la preocupación, pero sí ayuda a tierra. Y me recuerda que puedo superarlo. Y que siempre hay un medio desordenado en cada obra de arte o proyectos que hacemos. Además, si algo no sale como tú quieres, no es el fin del mundo. Pasa al siguiente proyecto e inténtalo de nuevo. El apoyo es enorme. Y por eso la comunidad es tan importante para mí. Como ya toqué, tengo periodos de dudas y luché con el síndrome del impostor. Y una de las cosas que más me ayudó a trabajar más allá de esos sentimientos es el amor, apoyo, la retroalimentación y me animó que obtengo de mi comunidad creativa y, o de mis seres queridos. Pero en su mayoría, he llegado a un punto que creo que todos podrán llegar también. Que es que en última instancia, creo en mí mismo y en el poder de la profecía autocumplida. Si digo que va a pasar y pongo el esfuerzo y el tiempo, voy a hacer que suceda. Esa es una actitud. Me ha llevado años cultivar y abrazar. Y a veces sigue siendo muy difícil, pero desde que empecé a abrazarlo, cosas que empezaron a suceder para mí. Ahí llegarás también. Permítete fracasar antes triunfar es mi tipo de mantra esquemático de carrera, ¿qué tienes? Porque creo que es tan importante recordar que fracasarás en tu viaje hacia el éxito y eso, está bien, y nunca estás solo en esa lucha. ¿ Te acuerdas de las cuatro P's? Práctica, persistencia, paciencia y perseverancia. Permita los altibajos de sus estados de ánimo y dudas y confianza, y sea amable consigo mismo acerca de esos sentimientos naturales. Pero mientras sigas siempre esas cuatro Ps en marcha, encontrarás el éxito. 19. ¡Gracias!: Sé que te he dado bastante en qué pensar si te sientes abrumado por toda esta información. En primer lugar, eso es totalmente comprensible. Es mucho para asimilar. Pero lo que espero que te puedas quitar de estas lecciones es que no tienes que ser un profesional perfecto que sepa lo que están haciendo a cada paso. Con el fin de tener éxito. Está bien hacer preguntas. Está bien pedir ayuda. Está bien si tus colores no son absolutamente perfectos. No tienes que internalizar y memorizar toda esta información. Uno, porque puedes descargar los PDF que he creado para este curso. Y dos, porque el aprendizaje es parte del proceso, incluso cuando, o sobre todo cuando te conviertes en una cotización, descotiza la cotización. He aprendido tanto de experiencia práctica que no estaba al tanto antes de obtener mi primer contrato de licencia. Cuanto más practicas, más trabajo haces, más interiorizas este conocimiento y realmente empiezas a desarrollar un sexto sentido e intuición para todos ellos que he estado enseñando. Entonces trata de tomar las cosas paso a paso. Centrarme en cada pequeño paso más que en el panorama general es la cosa número uno que me ha ayudado a no sentirme totalmente abrumada todo el tiempo. Para tu proyecto de clase que me gustaría que hicieras es compartir una captura de pantalla de tu cuerpo actual de trabajo o un enlace a tu portafolio de sitios web, Instagram o Pinterest. También me gustaría que compartieras cuál va a ser tu próximo paso. Si aún no tienes ningún trabajo que te gustaría compartir, está bien. Siéntase libre de simplemente aparecer en una frase o dos sobre sus próximos pasos. Y recuerda, estos pasos pueden ser tan sencillos como enviar un correo electrónico, investigar una empresa, o bosquejar para cinco. Enfócate en las tareas más pequeñas y fáciles que eventualmente te conducirán a tus metas más grandes. Si disfrutaste de esta clase, por favor déjame una reseña. Y si quieres mantenerte al día con lo que estoy publicando aquí. No olvides presionar el botón Seguir. También puedes seguirme en Melissa redesign en Instagram o suscribirte a mi newsletter en mi página web. Muchas gracias por acompañarme. Espero que hayas encontrado esta clase inspiradora y alentadora. Te deseo todo lo mejor y no puedo esperar a ver a dónde te llevan tus carreras.