Transcripciones
1. Introducción: Hola. Mi nombre es Arleesha Yetzer, y soy artista y creador de contenido de YouTube. Bueno, me encanta explorar varios medios diferentes en mi arte y en mi canal. Gouache siempre ha sido uno de mis favoritos, y no se puede negar que me encanta pintar retratos. hoy, estoy muy emocionado de acompañarte a través de mi clase magistral de retrato gouache. Esta va a ser una clase extensa para ayudarte a conocer tu gouache desde el color hasta la estructura y el valor de la construcción. Vamos a caminar por varios ejercicios preliminares antes de saltar no a uno, sino a dos retratos de gouache terminados. Durante esos ejercicios preliminares, nos vamos a centrar en dos componentes clave: el color y el valor. Para el color, vamos a estar experimentando con varias combinaciones diferentes de colores primarios, y viendo paso a paso cómo cambiar
ligeramente esos colores puede ayudarnos a crear paletas de colores ampliamente diferentes. Entonces vamos a tomar algún tiempo para enfocarnos en el valor. Haremos una escala de valor simple y luego pasaremos a un estudio de valor completo. Estoy separando el color del valor aquí porque ambas son dos habilidades completamente esenciales, así que vamos a abordarlas de una a la vez, y paso a paso. Siéntase libre de completar tantos o tan pocos de estos ejercicios preliminares como le gustaría. Si ya sabes qué colores quieres usar y sientes
que tienes un mango bastante bueno sobre el valor, puedes
saltarte directamente a nuestros retratos. Pero como siempre, si quieres caminar a través de las cosas paso a paso a mi lado, estaría más que feliz de tenerte junto para el paseo. Vamos a estar cubriendo un montón de fundamentos y construyendo un montón de habilidades que solo van a hacer que nuestro retrato sea mucho más fácil,
y estar atentos a este ícono durante nuestros ejercicios preliminares para un montón de extra útil consejos y trucos. Una vez que hayamos hecho esos ejercicios fundamentales o sintiéndonos confiados y estamos listos para saltar a nuestros retratos, voy a estar haciendo algo totalmente nuevo por primera vez con esta clase, y puedes encontrar versiones descargables a ambos de los bocetos que
vamos a utilizar para nuestros retratos finales en la sección de recursos de esta clase. Podrás agarrar esos, descargarlos, transferirlos con una caja de luz, sujetarlo a una ventana y usarlo como caja de luz. Copia el boceto, sin embargo quieras tomar esos bocetos, y úsalos para crear tus retratos finales, están ahí para ti para que podamos caminar por cada parte paso - a paso juntos desde la misma fundación. Si quieres saber qué es el gouache, así
como cómo empezar con algunos ejercicios de cuaderno de bocetos más casuales, puedes echar un vistazo a mi clase de gouache anterior. Hay mucho que hacer, y estoy tan emocionado de saltar a esta clase contigo, así que vamos a pintar.
2. Materiales: Empecemos con materiales. Saltando justo en las cosas con el papel, he encontrado que Gouache puede ser relativamente indulgente en cuanto a qué papel elijas usar. Para mí, a menudo encuentro que incluso solo un simple bloc de medios mixtos o lograr papel de
acuarela va a funcionar muy bien, sobre todo cuando no estás usando una tonelada de agua con tu gouache. Otra cosa que es relativamente indulgente es un lápiz y una goma de borrar. Muchas veces me gusta usar un lápiz de color para acuarelas y un borrador amasado, así que no estoy siendo demasiado abrasivo en el papel, sino con gouache porque es opaco, vamos a estar cubriendo nuestras marcas de lápiz. Tiendo a simplemente pegarme con un lápiz de grafito estándar, lápiz
mecánico es realmente agradable y luego un borrador para corregir según sea necesario. Para los pinceles, es otra cosa que estamos manteniendo bastante simple. Tengo unos pinceles sintéticos baratos y
dejaré tantos enlaces a los productos que estoy usando como pueda, en la sección de recursos de esta clase. Estos son solo unos pinceles sintéticos de varios tamaños que venían en sets siempre y cuando tengamos algo grande para hacer lavados y algo más pequeño para los detalles, estarás bien para ir. Tengo un par de tipos diferentes de cinta aquí, podemos usarlos para cinta fuera de los bordes, pero también los voy a estar usando para trazar el exterior de estos círculos para nuestro próximo ejercicio cuando hagamos nuestras ruedas de color. Hablando de ejercicios futuros, si tienes una caja de luz, quizá
quieras agarrar eso solo porque por primera vez en esta clase voy a estar brindando versiones
descargables de mis bocetos para que puedas en realidad pinta junto conmigo con los mismos bocetos que voy a estar usando. Si decides imprimir mis bocetos o si tienes esa capacidad, puedes usar una caja de luz para transferir este boceto a papel de acuarela, o puedes sostenerlo contra la ventana y usar la luz natural como caja de luz. Cuando se trata de elegir pintura, en su mayoría
queremos apegarnos al blanco y alguna tríada primaria de magenta, amarillo cian, o rojo, amarillo, azul. En nuestra siguiente lección, hablaremos de algunas variaciones en esa tríada primaria pero hay muchas maneras
diferentes en las que podría verse tu configuración particular, si estás buscando un conjunto en particular, te recomendaría, M Graham tiene un conjunto de mezcla realmente agradable que se ve así. Porque voy a estar usando acuarelas recién sacadas del tubo aquí. También voy a querer tener un paladar, algún servicio de mezcla, que limpiaré antes de usar y luego una toalla para limpiar y limpiar mi cepillo. He empezado a usar toallas como esta en lugar de toallas de papel porque son reutilizables, lo cual me gusta mucho y luego
terminaremos esto con un par de recipientes de agua. Me gustaría tener dos para squash porque se pone más descabellada que con acuarelas. Una vez que tenemos todo listo, estamos listos para irnos. Entonces pasemos a nuestro primer ejercicio y hablemos de construir tu paleta de colores.
3. Ejercicio 1: ruedas de color: A continuación, vamos a conocer nuestros colores elegidos y experimentar con unas cuantas ruedas de color. En esta lección, quiero hablar un poco más extensamente de lo que
tengo en clases anteriores sobre construir tu paleta. Qué variaciones en diferentes combinaciones de rojo, amarillo y azul pueden hacer para afectar el aspecto general de tu pintura que vamos a crear al final de esta clase. Vamos a caminar por un par de variaciones diferentes. Pinta unas ruedas de color, y te voy a explicar cómo estos tres colores funcionan juntos de diferentes maneras para crear paletas con diferentes looks,
diferentes atmósferas, y diferentes combinaciones de colores. Vamos a empezar aquí con algo bastante estándar para la paleta número 1, cómo va a funcionar esta plantilla y eres bienvenido a seguir si quieres. No se va a muestrear cada uno de los tres colores individualmente y luego hacer una rueda de color que va a incluir los colores primarios así como los colores secundarios. Mezclas de cada una de estas siendo naranja, verde, y morado. A lo mejor no en esos puntos exactos, pero vamos a hacer esos colores, colores
primarios aquí y colores secundarios en nuestra rueda. Tan solo para ver qué puede hacer esta paleta, empezando por la línea de base y luego haremos algunas variaciones. Voy a empezar por gritar mi lectura y añadir un poquito de agua sólo para ayudar a que esta pintura fluya un poco más. Si quieres etiquetar estos colores individuales a medida que vas, eres más que bienvenido para hacer eso, para hacer un seguimiento de lo que estás usando. Siguiente es nuestro amarillo, y este es Ezo amarillo de M. graham, parte de ese conjunto de mezclas que mencioné. Es un bonito amarillo brillante y nuestro azul es un azul cobalto. Los pinceles sintéticos son agradables para lavar, son baratos y fáciles de agarrar. No sostienen una tonelada de agua, razón por la
que me estás viendo usar tantos golpes como yo para esparcir esto por ahí. Eres bienvenido a colocar estos donde quieras en el volante. Acabo de entrar en el hábito de hacerlo de esta manera, así que solo pondré nuestro rojo en la parte superior. Voy a trabajar a mi manera y al mezclar en naranja, hay
que tener cuidado de no usar demasiado rojo porque el amarillo va a ser el color con la menor cantidad de fuerza de tintado. Vas a terminar usando mucho más amarillo que rojo en tu mezcla para naranja. Hablaremos de esto más en futuras lecciones. Pero cuando estás tratando de conseguir como un gradiente suave de un color a otro, una forma de hacerlo, hablaremos de otras formas en el futuro es
trabajar mientras tu pintura está húmeda, lo cual puede ser útil. Si estás haciendo este ejercicio, trabajar de esta manera puede ayudarte a conseguir una transición suave trabajando alrededor de la rueda lugar de hacer los colores primarios y luego volver a los secundarios. Aquí este es el amarillo puro ahora y mi pintura sigue un poco húmeda lo que está ayudando a que esos bordes se mezclen un poco más. Entonces de amarillo nos moveríamos a nuestro azul. Se puede ver que he usado casi todo mi amarillo ya con un pequeño toque de azul y poco a poco empezaremos a transitar esto hacia el verde, empezando por un verde más cálido. Más cálido porque actualmente está más cerca amarillo y con ello naranja y rojo que es demasiado azul que es un color más fresco. Ahora he añadido mucho verde y podemos mezclar un color entre aquí mismo en nuestro papel. Con un pincel limpio, simplemente agregando un poco de agua a esa zona, desplazando nuestra pintura mientras la agita lo menos posible. No es una transición perfecta pero ahí está y entonces necesitamos meter nuestro azul aquí, esto es azul puro. Si te gustaría mezclar un color que esté más específicamente entre ellos, eres más que bienvenido para hacerlo. Podría incluso sólo tratar de ponerme un verde medio un poco más fuerte y ahí voy y ahora entre un rojo y un azul vamos a estar trabajando hacia el morado. Nuevamente porque estamos empezando desde el extremo azul, vamos a empezar con mayormente azul con un poquito de rojo. Podemos simplemente suavizar este borde con un poco de agua donde siempre se puede ir por encima con más pintura y en realidad es mi pintura aquí es delgada, no
es súper gruesa. Podríamos mezclar el color entre un par de maneras. Podríamos simplemente agitar nuestros dos colores juntos aquí, es más fácil simplemente mezclar el color, conseguirlo ahí, y ponerlo abajo. Porque estás jugando un juego de equilibrio entre agitar el color para mezclarlo con el color al lado. Simplemente mezclándolos muy suavemente y tampoco queriendo simplemente levantar todo e irritar demasiado tu papel. Aquí vamos a cambiar un poco nuestros colores y para mi rojo, voy a cambiar un poco más cerca del morado y usar
filas de quinacridona nuestro amarillo va a ser un poco más frío, y vamos a tener un amarillo limón. Nuestro azul va a ser tan brillante azul, que técnicamente sería un azul que ha cae un poco más cerca verde que hacia el medio o hacia el morado. Es un poco de azul más frío a
diferencia de un azul más cálido que estaría más cerca del morado. Cuando miras una rueda de color individual por sí misma, puede ser difícil ver qué
tan única es esa rueda, por lo que crear múltiples ruedas puede ser realmente útil para entender cómo se mezclan los colores mirando esas cosas lado a lado. Al comparar mis dos primeras paletas, puede que incluso
puedas ver que algunas de las mezclas generales en este aquí,
esta rueda de color cian magenta amarillo produce colores
más limpios en general especialmente en los greens e incluso en algunos de los morados. Entonces cuando mires esta mezcla por aquí, que te va a dar un rojo un poco más cálido. A los colores más cálidos tienden a gustarles mezclarse entre sí, por lo que un rojo más cálido va a mezclar naranjas
más brillantes, más vibrantes y le va a costar mezclar púrpura. Estos morados son un poco más dustiosos, y aunque aún muy profundos cuando se mezcla con nuestro azul cobalto, el azul cobalto puede inclinarse un poco más hacia ultra marino y como un azul prusiano, eso estaría más cerca del morado, por lo que entonces sufre un poco yendo en la dirección opuesta, que
significa que nuestros greens se vuelven un poco más delgados. No son malos verdes, por supuesto, y realmente todo esto es cuestión de preferencia personal. Pero incluso sólo en mirar en estas dos primeras tríadas, se pueden
ver muchas diferencias, muchas sutilezas, y muchas formas que podrías preferir una sobre la otra. Una cosa que podría ser una buena opción es cuando estás trabajando con una paleta limitada para tener los seis de estos colores y luego puedes mezclar todas estas variaciones y sería solo una bonita paleta estándar de go-to. A mí me gusta mantener las cosas bastante limitadas cuando se trabaja en un proyecto como este, así que diría que escoge uno u otro. Pero para tu paleta general de todos los días, quizás
quieras tener acceso a todos estos colores solo para que puedas mezclar algunos de estos
más terrenales, más todos los greens, y al mismo tiempo puedes conseguir algunos de estos colores más limpios y bonitos que se ven por aquí. De verdad depende de ti y de tus preferencias personales. Para mi tercera paleta, quería agregar mucha variación para que puedas ver qué pasa cuando variamos mucho estos colores. Voy a estar usando filas, que va a ser similar a nuestras filas de quinacridona del ejemplo de color anterior. Pero mi amarillo va a variar mucho y voy a usar och-re amarillo, que es mucho más terrenal, y vas a ver cómo eso cambia las naranjas y los verdes que podemos mezclar. También voy a estar usando el gris de Payne en lugar de azul. Por lo que esta paleta en general va a variar más significativamente de nuestras dos anteriores. Otra forma de hacer una paleta realmente terrosa con estos tres colores sería en realidad intercambiar las filas por algo más cercano a como un carmesí alizarina que sería realmente bonito también. Respaldando un poco aquí podemos ver todas nuestras ruedas de color juntas a la vez. Creo que es realmente, realmente fascinante. Se trata de sólo tres ejemplos y se siente como si hubiera tantas variaciones diferentes que podrías crear solo variando estos tres colores. Seguimos guardándolo en esa zona roja, amarilla, azul, pero estamos cambiando mucho las cosas y puede ser realmente útil ver cómo tener ciertos colores puede ayudarte a llegar antes a tu efecto deseado. Usar ocre amarillo como eres amarillo a diferencia algo un poco más primario te va a llevar a esos tonos naturales de piel mucho, mucho más rápido. Esto me gusta mucho y probablemente estaré incluyendo el och-re amarillo en mi mezcla final. Entonces una vez que comienzas a combinar estos colores con el blanco, solo
estás agregando aún más variedad y aún más sutileza y oportunidad de variación. Tener demasiadas opciones de color puede dificultar aún más el
aprendizaje sobre el contraste y los valores. Empieza con solo una tríada agrega un poco de blanco y ve a partir de ahí. Si has estado siguiendo junto conmigo y has creado tus propias ruedas de color y variaciones en esta paleta de colores limitada, me encantaría verla, así que por favor sí comparte eso conmigo en la sección de proyectos de clase. adelante y pasemos a nuestro próximo ejercicio donde vamos a dejar nuestro color a lado por un rato y enfocarnos en el valor y la forma de construcción.
4. Ejercicio 2: escala de valor: Comencemos nuestro enfoque en el valor creando una escala de valor simple. Para este ejercicio, sólo vamos a necesitar dos colores, solo blanco titanio y gris de Payne. Tiendo a tener siempre un tubo más grande de peso, sobre todo blanco titanio un conjunto de color, paso por muy rápido. También tengo una diminuta hoja de papel de acuarela. Se puede notar que el gesto con las
manos puede no coincidir con lo que estoy diciendo en este momento, pero eso es porque cuando originalmente filmé esta sección de la clase, pensé que mi micrófono estaba encendido y de hecho estaba, no encendido. Para este primer boceto, lo
vamos a pasar bastante rápido porque quiero mostrarte un ejemplo de calentamiento, entonces entraremos en más de uno en tiempo real, donde en realidad tendré mi micrófono
encendido y tú puede escuchar de lo que realmente estoy hablando, va a estar usando un pequeño pincel plano para este primero. Cómo me gusta hacer estos ejercicios es comenzar con mi valor blanco. Sé que ver blanco sobre papel blanco no es súper efectivo en
cuanto a ser visualmente es estimulante, pero ahí está. Entonces vamos a sumar poco a poco más de nuestro color oscuro a ese blanco hasta que lleguemos solo al color oscuro por sí mismo. Estoy usando el gris de Payne aquí, pero también podrías usar el negro o cualquier otro color que tenga un tono de masa muy oscuro cuando lo usa él mismo. Algo así como umber quemado o incluso un morado o un rojo quinacridona. Cualquiera de esos podría funcionar realmente bien, siempre y cuando tu color más oscuro, puede ser muy oscuro, por lo que puedes obtener una buena amplia gama de valores. En este primer ejemplo, me estaba apresurando un poco. Tenemos algunas rayas de color y también algunas áreas donde mi consistencia rosada podría haber sido mejor. Saltemos a nuestro segundo ejemplo y hablaré algunos consejos para que este ejercicio sea un poco más efectivo, sobre todo porque tanto apresuré el primero. Con nuestro primer ejemplo hecho aquí, estaba pensando que podría ser útil probar uno más, y que tenemos lo esencial del ejercicio, y esta vez voy a estar hablando un poco más intencional. Tómese mi tiempo y vea cuánto progreso puedo hacer con algunos cambios de color más sutiles. Como dije, sí creo que es un poco más fácil empezar desde tu color más claro y trabajar para añadir poco
a poco un poco de color a la vez, porque una vez que estás oscuro, tienes que añadir mucho blanco para que ese color sea más claro. Puede ser un poco más eficiente trabajar de esta manera. Como pueden ver, sólo voy a estar agregando un poco más de mi color más oscuro, que Payne es gris a mi área blanca conforme vamos. Cada uno sólo va a tener un poco más del gris del Payne en ella, y sería mucho más una pelea para trabajar desde la dirección opuesta. También me resulta útil trabajar dentro de un área limitada, incluso justo fuera de mi paleta cuando trato de mantener las cosas un poco más sutiles y un poco más graduales. Eso es trabajar no sólo con un sistema monocromático como este, sino también con color. Cuando estoy mezclando mis colores, me gusta tratar de tirar de la misma zona y tener pedacitos de mis otros colores en mis mezclas. Es una transición mucho más gradual aquí que estamos viendo. No necesitaba eso. Bueno, tal vez lo haga. A ver ahora, estoy retrocediendo un poco porque mi pintura se está poniendo un poco delgada. Mucho por aprender aquí, porque no tenía bastante pintura en esa mezcla inicial para hacer toda la escala de mi blanco incluso, así que solo podemos agregar un poco más. Lo que estoy haciendo ahora es, este color puede no verse mucho más oscuro que este, pero estoy revisando para ver. Sí, como puedes ver, se ve un poco más oscuro desde la paleta hasta aquí. Eso podría ser sólo porque lo estamos viendo junto a un color oscuro aquí. No estamos viendo el verdadero valor. Además, el gouache simplemente tiende a verse un poco diferente en el papel, sobre todo una vez que se seca. De verdad se puede ver un poco más del azul en este color ahora, cuando se ha agregado el blanco a diferencia de cuando
solíamos en-masa tono para nuestras ruedas de color, que definitivamente sólo se veía un poco más cerca del negro, y aquí nosotros puede ver un poco más de ese azul tener el blanco para agregar algo de opacidad realmente ayuda
a mostrar lo diferente que es esto de un verdadero negro. Este es el progreso que hemos hecho hasta ahora con nuestro blanco estando
ahí arriba en la parte superior de esa franja y moviéndonos hacia abajo, estamos haciendo algunos buenos avances. Definitivamente un poco más sutil que la última vez. Este es un ejercicio visual y que estamos observando con nuestros ojos o viendo el cambio de color con nuestros ojos, pero también es solo un ejercicio práctico porque estás pasando tiempo usando la pintura y familiarizándote con la consistencia de ella, porque si bien mucha gente piensa en el gouache como este medio completamente opaco, puede tener mucha variedad en opacidad y luego textura. Esta muestra se siente un poco más de color de agua como, sé que mis muestras se están volviendo un poco más ingobernables a medida que avanzamos por la página. Realmente no he estado haciendo un seguimiento ahora del número de muestras que había estado haciendo, acabo de ir sumando poco a poco más del gris de nuestro Payne. Podrás empezar a ver que nuestros turnos se vuelven un poco más viejos, un poco más llamativos ya que nos acercamos al final de nuestro pedazo de papel, y definitivamente quiero golpear ese último tono. Ahora, veamos a qué distancia estamos de nuestro tono más oscuro. Yo sólo voy a saltar directo a eso. Agarrando esa recta gris de Payne. Ahí vamos. Tenemos nuestras dos escalas diferentes aquí. Definitivamente luciendo bastante diferentes el uno del otro. Este tiene mucho más de un cambio gradual y sobre todo en el principio mismo con algunos nivelando aquí hacia el medio, luego volverse muy oscuro. Una pintura también era un poco más gruesa aquí. Acabo de hacer éste estamos agregando un nuevo día hoy. Esto era lo que es mi pintura fresca, y parte de la pintura estaba realmente seca en la paleta que utilicé para esta desde ayer. Eso también puede afectar tu consistencia, sobre todo si no le das a eso una tonelada de tiempo para
realmente sentarse y volver a mojarse antes de empezar a trabajar con ella. Solo hay mucha variación y ninguno de estos tardó mucho, por lo que puede ser muy útil solo tomarte tu tiempo y hacer tantos de estos como quieras, y también experimentar con otros colores como rojo o azul o verde. Queremos algo con un tono de masa oscuro para que puedas conseguir ese lindo turno. Es posible que veas cómo el blanco titanio específicamente como un blanco realmente opaco, verás cómo eso puede cambiar el tono de tu color también. Un blanco opaco como este tiende a hacer que el color sea un poco más frío también, que realmente puedes ver sucediendo si quieres hacer una escala como esta con un rojo o algo así. Si le das una oportunidad a este ejercicio, puedes compartir esto junto con tus ruedas de color en la sección de proyecto de clase, pero pudiendo discernir valores, poder ver cómo las cosas se comparan entre sí y qué ellas
parecen estar sentados uno al lado del otro, y cómo manipular tus colores para llevarlos a ese punto, va a ser realmente importante a la hora de hacer un retrato efectivo. Es algo que se aprende con el tiempo, así que no tiene que ser perfecto en cada uno, pero cosas como esta van a ser realmente fundamentales a medida que avanzamos.
5. Ejercicio 3: boceto de valor parte 1: Para nuestro ejercicio final antes de saltar a nuestro retrato, vamos a hacer un boceto de valor de una simple forma tridimensional. Para nuestro próximo ejercicio vamos a pintar esta esfera. Voy a estar usando, al igual que en nuestra práctica de valor, voy a estar usando sólo blanco titanio y pintura gris. Puedes usar el negro si quieres o cualquier otro que se vaya a poner muy oscuro cuando solo es usado por sí mismo. El punto de este ejercicio es mostrarte cómo trabajar con algunas técnicas mojadas sobre mojadas y algunas mojadas sobre secas. Vamos a estar usando nuestro estudio de valores anterior aquí para medir algunos de los valores y estimar dónde estamos, y hablaremos un poco sobre la diferencia entre una sombra de reparto y una sombra de forma. Acabo de usar el interior de mi cinta de enmascaramiento aquí para conseguir este bonito círculo, y también voy a seguir adelante y bosquejar en algunas de las otras cosas que estoy viendo en esta referencia sólo por un poco de contexto. Voy a usar esta hoja plana de papel para meterme en la línea que corre detrás ese es el borde de la mesa que veo, y luego podemos tomar esa línea recta de vuelta así. Entonces también quiero capturar el otro borde ya que la mesa se remonta un poco menos de un ángulo como ese. No tiene que ser súper perfecto, solo
quiero darle un poco de contexto a nuestra forma aquí. También voy a bosquejar más o menos en forma de nuestra sombra. Lo que estoy haciendo ahora es medir. Busco ver hasta qué punto nuestra forma llega la sombra, dónde empieza. No tiene por qué ser completamente perfecto. No necesariamente vamos por el realismo fotográfico aquí, nuestro objetivo más grande es en realidad sólo entender el rango de valores y conseguir algo que se parezca menos a unas formas planas y más tridimensional. Está bien. Tenemos algo duro aquí dentro. Ahora bien, tal vez quieras saltar de inmediato y empezar a pintar nuestra esfera, pero quiero analizar rápidamente algunos de nuestros valores y conseguir algunos tonos generales antes de que empecemos. En realidad vamos a empezar con los antecedentes. En lugar de limpiar mi paleta aquí y simplemente deshacerme de toda la pintura que ya he puesto, puede que ponga solo un poco de pintura fresca grado así que tengo que trabajar con eso, pero generalmente voy a dejar lo que es aquí y trabaja con algo de la humedad y la pintura que ya está en mi paleta como eso algo que puedes estar haciendo también. Quiero mantener mi paleta lo más visible posible para que veas cómo estoy mezclando mis colores y qué estoy haciendo para llegar a donde vamos a ir. Vamos a empezar con el fondo y al comenzar con el fondo, nos
va a ayudar a medir nuestros valores un poco antes y lo que veo
es que veo un gradiente de algo ligeramente más claro de lado a más oscuro de este lado. Pero todo está cayendo en nuestro valor de gama media. Si tienes tu escala de valor, puedes mirar la imagen de referencia. Tengo el mío en mi teléfono y solo puedes medir dónde cae eso si lo entrecerras para ver los valores. ¿ Dónde cae eso aquí en este rango porque no es tan oscuro como nuestro oscuro más oscuro? En algún lugar en el medio, tal vez por aquí por nuestro fondo por un lado y luego se oscurece hacia el otro lado. Tener esa pequeña escala de valor que hicimos a mano puede ser súper útil. Voy a empezar con algo un poco más oscuro a lo que le agregaremos blanco. Algo que comúnmente pasa conmigo echando ese primer color es que
tengo que hacerlo un poco más claro de lo que creo que debería ser, sólo porque siempre tiende a lucir más oscuro en la página o seco más oscuro. Si quieres cinta esto abajo, eres más que bienvenido para hacer eso. Yo sólo voy a dejar la mía suelta ya que sólo un poco de ejercicio de práctica en este punto. Usando un pincel plano que en teoría me ayudará a conseguir líneas
más nítidas y limpias y solo cubrir un área más grande, pero tampoco estoy tratando de ser súper preciso. Por lo que podría ponerse un poco desordenado. Si bien nuestra pintura sigue mojada, quiero seguir adelante y oscurecer este color así como transitamos al otro lado. Voy a estar utilizando parte de la pintura que
ya está en mi paleta como ya he hablado. Simplemente mantiene todo un poco más cohesivo a pesar de que solo estamos trabajando con el blanco y nuestra profunda pintura gris oscuro. Apenas aumentando poco a poco en la cantidad de pintura gris que usamos, e incluso podemos ir en gota en un poco más de ese color más oscuro hacia el final porque puedo ver que esta esquina en particular, aquí mismo al borde de la mesa se pone especialmente oscuro. Si haces un desastre no te preocupes, es squash, es opaco, vamos a poder recuperar un poco esas líneas limpias y nítidas. Si miras muy de cerca, también
puedo ver que el borde de la mesa es un poco más oscuro incluso aquí. Ahora bien, no sé necesariamente si quiero que eso sea tan oscuro como nuestro tono más oscuro. Los valores son divertidos así, puede
parecer que está oscuro pero si realmente pongas esos dos uno al lado del otro, podría no ser todo un comienzo. Eso está bien. Sólo algo en la zona áspera está bien para empezar. Si queremos volver y afinar esto más adelante podemos. Nuestro valor de tabla va a ser mucho más ligero pero aún tiene un poco de ese gradiente pasando de algo especialmente iluminado en esta esquina para poco a poco
oscurecerse a medida que se desvanece con el fondo un poco más aquí. Pero ahora que nuestro valor de fondo está en, en realidad
estoy pensando en entrar con nuestro próximo valor muy oscuro, que es la forma de sombra. Las sombras son realmente interesantes porque tienden a difundirse a medida que te
alejas de tu sujeto dependiendo del ángulo de la iluminación y cómo funciona todo. Yo sólo estoy tendido en algo que va a ser un medidor en este punto, y ya estoy teniendo mis antecedentes en. va a estar ayudando porque ya me va a estar ayudando a calibrar mejor algo que no sea sólo el blanco del papel. Si no tuviera mis antecedentes en podría no hacer esto lo suficientemente oscuro, pero porque ya tenemos algunos valores abajo puedo ver un poco mejor qué estoy haciendo y cómo estoy llegando a donde estoy. Algo grande así como eso va a estar bien para empezar. Si quiero limpiar un poco este borde puedo. Incluso las sombras van a tener bordes afilados y bordes más suaves. A medida que nos alejemos, la blancura aumentará. Otra cosa que puedes hacer con los glaciares, no necesariamente tienes que cubrir cada superficie con pintura completamente opaca. Sólo estoy tomando algo de pintura húmeda ahora para manchar alrededor de este borde. Al igual que con las acuarelas, puedo agregar un poco de agua aquí para aligerar el borde exterior aunque acabe, solo nuestra sombra, y ya estás empezando a tener una idea aproximada de dónde
viene nuestra luz y el hecho de que esto es algo con un poco más de forma a diferencia de sólo una forma plana ya con tan solo un par de minutos rápidos de pintura. Ahora, digamos que queríamos que nuestra esfera fuera relativamente suave. No queríamos necesariamente líneas súper duras para este primer ejemplo. Una cosa que puedes hacer es simplemente mojar tu área antes de empezar a pintar y simplemente trabajar mojado sobre mojado. Tener papel mojado va a permitir que tu pintura fluya un poco más suavemente. Es lo mismo que podrías hacer con las acuarelas. Dejar caer nuestra pintura húmeda sobre nuestro papel mojado va a permitir que eso fluya. Empiezo con un valor más oscuro aquí arriba, y mi pintura está bastante suelta en este momento. Mucha agua en ella. Eso está bien. Otra cosa que quieres calibrar es el contraste y la diferencia de un valor a otro. Puedo ver que justo aquí abajo en la parte inferior se va
a quedar un poco más ligero en última instancia, cuando se compara con nuestra sombra. Hay algo de luz reflejada que está destacando ese borde inferior justo aquí abajo. Por lo que está muy oscuro en el fondo de nuestra esfera mientras perdemos esa luz. Entonces hay un poco de luz reflectante justo en medio ese espacio antes de que pasemos a nuestra sombra transicional aquí. Yo también estoy trabajando entre mis áreas de mezcla, así que tirando un poco de un lugar a otro, y cuando miro el contraste quiero tener en cuenta que esta pelota es técnicamente una pelota blanca sentada sobre una mesa, o por lo menos la bola muy ligeramente coloreada que no conozco. Este cuadro se ha hecho a escala de grises o si siempre fue así, pero solo estoy cambiando las cosas alrededor moviéndose en la pintura que ya tengo, para conseguir eso agradable y suave. Ya, tenemos una cantidad decente de forma. Queremos pensar en esto como trozos de luz y sombra en lugar de ir, acuerdo, sé que esto es una pelota, sé que esto es una esfera, y sé cómo debería ser eso. Tienes que tirar un poco tus preconcepciones por la ventana. Quiero pensar en las zonas más ligeras también donde mi esfera se va a ver la más ligera. Por supuesto, tenemos ese resaltado blanco, todos les encantan esos reflejos blancos, pero también solo este borde entero de esta esfera quiero que haya mucho contraste porque también queremos estar pensando en el color en relación con los colores a su alrededor. Hay mucho contraste de este borde
al fondo y quiero mantener eso bastante limpio. Debido a que nuestro papel sigue bastante mojado, puedo levantar parte del color que ya habíamos puesto. Si eres como yo y tienes tu foto de referencia en tu teléfono o un dispositivo más pequeño que en realidad puede ser bastante útil tenerla en un dispositivo más pequeño, porque te ayuda a ver la imagen casi como si la estuvieras entrecerrando. Lo estás viendo desde un poco más lejos porque es pequeño. Así que no trates de sacarlo súper cerca de tus ojos temprano en tratar de ver cada pequeño detalle, porque probablemente te va a beneficiar aún más para entrecerrarlo para ver las transiciones más grandes, más grandes formas de sombra y luz. Voy a dejar que toda esta área de sombras se
mezclen entre sí para que veas que estoy deslizando no solo mi sombra, sino también un poco del yo orbitario, porque definitivamente eso es algo que pasa en las sombras, tú perder la pista de los detalles en una sombra. Intento dejar un poco de espacio para nuestra luz reflectante, que cae justo en esta zona. Mi pincel está muy mojado aquí pero estamos haciendo buenos progresos. En este punto, solo tienes que decidir cuándo estás contento con ello. Mi papel se está secando, así que estamos empezando a ver un poco más nuestras pinceladas, así que la luz viene de esta dirección aquí y es llamativa aquí y como nuestra forma se curva lejos de la luz, nos ponemos un poco poco menos luz y luego en nuestra sombra real de este lado por aquí. En la órbita misma, todas estas transiciones son bastante suaves. Se puede ver si iba a dejar esta línea demasiado afilada, arruina la idea de un orbe suave perfectamente redondo. En este punto, he bloqueado en muchas de mis formas más grandes y lo que realmente va a vender el realismo de esto y hacer que se vea realmente efectivo sólo va a estar cruzando algunos de nuestros bordes y realmente definiendo el contraste. Mantener fuerte ese contraste es tan importante aquí dentro y también va a ser muy importante con nuestros retratos. Por lo que estoy tratando de ir alrededor de mi forma esférica y asegurarme que esta sombra más profunda donde nuestras dos formas realmente se están reuniendo para tocar, tenga ese alto nivel de contraste que queremos. Estoy mirando nuestra sombra para ver dónde es la más oscura,
donde es la más profunda y también la sombra misma es relativamente crujiente a lo largo de este borde. Yo quiero mantener eso un poco sin que sea demasiado desordenado.
6. Boceto de valores: parte 2: Seguiremos a medida que nos dirigimos hacia atrás. Pero para esta zona inicial donde esa luz es muy fuerte, quiero que esa sombra esté relativamente bien definida. También quiero mirar el color de la parte más profunda de nuestra esfera. Ese valor que viene alrededor de este borde y considera lo oscuro que es eso y de dónde viene esa oscuridad y se extiende a. Nuevamente, porque aquí no es realmente una sombra echada, que
significa que no queremos que sea súper dura, es más que una sombra giratoria y la sombra está ocurriendo porque la forma se está alejando de la luz. No queremos que sea una sombra súper dura. También quiero mantener nuestra luz reflectante, que corre por esta zona. Voy a entrar con un tono medio y añadir un poco más de blanco a
eso a medida que nos acercamos al punto donde la luz está golpeando la mesa con mucha fuerza, lo que está provocando que esa luz luego rebote fuera de nuestra esfera. Sólo estoy haciendo pedacitos de ajuste ahora, agregando un poco más de blanco en algunos lugares, un poco más gris de Payne en algunos lugares. retoque puede estar bien siempre y cuando se esté afinando con un propósito. Mi papel está en realidad relativamente seco ahora. Estoy trabajando menos mojado en mojado y un poco más solo mojado en seco. Tengo que tener cuidado con cómo hago eso. Entonces sólo quiero ablandar este borde con un poco de agua. Nos estamos acercando mucho porque no quiero trabajar demasiado esto. En este punto hay un par de cosas que están alterando la realidad general de nuestra imagen, sólo un par de sutiles pequeñas cositas. Por ejemplo, realmente no hemos pintado mucho de nuestra mesa, lo cual es un poco difícil y sí lo
guardé para el fin intencionalmente porque quería tener los valores circundantes en su lugar para que nuestra tabla pudiera ser simplemente relativa color. Ahora, estoy haciendo de este borde de vuelta aquí el más oscuro para nuestra mesa. Esta también va a ser la oportunidad de conseguir eso tan crujiente o tan borroso como queramos, y también tan recto como queramos. Trata de conseguirlo donde querías y después no tener que agitar eso de nuevo. Voy a entrar con un tono más claro en general para la mesa, pero va a cambiar un poco a medida que nos acerquemos a nuestra forma, a nuestra esfera. A medida que nos acerquemos a esa fuente de luz, se volverá un poco más ligera. Voy a permitir que estos bordes se reúnan y esto también
me va a ayudar a crujier ese borde de mi esfera y limpiarlo un poco. Cuando es hora de que nuestras dos formas se reúnan aquí en
cuanto a la mesa y la sombra que se está echando, también
queremos considerar qué tan aguda es esta sombra. Donde la sombra se encuentra con la mesa en este borde
, arranca afilada y luego se desvanece. Quiero crear ese efecto agregando una línea afilada de este lado y luego permitiendo que
ocurra esta transición donde nuestra pintura se vuelva un poco más húmeda y solo un poco más suave en general. su mayoría estamos pensando en el valor relativo. ¿ De qué color es algo comparado con el color al lado? También estamos pensando en los bordes blandos y los bordes duros. Tenemos algunos bordes duros en nuestra sombra, en los bordes de nuestra mesa. También tenemos algunos bordes suaves en nuestra esfera misma y teniendo una combinación de esas cosas y como verás cuando lleguemos a la forma humana, no serán las piezas separadas las que algunas tengan bordes suaves y otras tengan bordes duros. Eso lo vas a ver dentro de la propia cabeza. Va a haber muchas combinaciones de suaves y duros, ya que suceden diferentes tipos de sombras. Cuando tengas una sombra de reparto, una sombra realmente fuerte, eso va a crear un borde más duro y aquí hablaremos más de eso. Por ejemplo, una sombra echada sería la sombra que está siendo echada por nuestra esfera, por nuestro orbe. medida
que la luz golpea aquí, está lanzando la sombra al suelo y esa es una sombra muy afilada, a diferencia de una sombra transicional, que sería, por ejemplo, nuestro propio orbe. La luz está brillando por un lado y a medida que la forma se curva lejos de nosotros está creando esta sombra más suave. Entrar en algunos valores para nuestra mesa ahora va a ser realmente útil porque nos va a permitir ver algo muy cercano a nuestros valores finales. Entonces a partir de ahí podemos pasar a colocar los últimos bits de lo que sea que podamos necesitar. Estoy permitiendo que mi pintura sea muy acuosa aquí porque en realidad no necesitamos una tonelada de color. Nuestra mesa es muy, muy ligera. Pensando en este filo de luz y lo diferentes que quiero los valores de estar al lado de nuestro orbe. ¿ Son muy similares o los dos son muy ligeros? ¿ Hay algún contraste contra ese filo? Se puede ver que nuestra línea de lápiz en realidad está alterando la realidad general porque es una línea muy dura y líneas duras como esa realmente no existen en la naturaleza. Lo que voy a hacer es añadir aquí un borde ligeramente más oscuro, justo donde nuestra mesa va detrás de esa esfera y luego simplemente manipular eso un poquito. Mi papel se está rizando ahora, que no experimentarás tanto si pegas el tuyo hacia abajo. No está tan mal con la anulación. No está tan bien como la acuarela, está bien. Estamos bastante cerca aquí. Todavía no he puesto ningún blanco recto en nuestra pieza, que creo que puedo hacer. Podrás pensar que aquí hay algunos valores que ya están muy cerca del blanco y si bien eso es cierto, si no has agregado ningún blanco recto, solo 100 por ciento nada más que blanco, te puede sorprender cuánto de una diferencia que puede hacer. El contraste va a ser el punto de venta número uno de realidad y efectividad. Cuando se trata de pintar con medios opacos o cualquier medio realmente. Incluso si tienes unos colores realmente bonitos que has mezclado muy bien, contraste
débil va a hacer realmente
difícil que el espectador se involucre con tu tema. Tengo algo blanco callejero que estoy poniendo aquí para esta luz reflectante. Se va a querer mezclar con nuestros otros colores porque esta pintura está húmeda y porque nuestro papel sigue un poco mojado, van a querer mezclarse entre sí, que es solo la naturaleza de glotch. Tendrás que decidir cuánto quieres dejar que eso suceda. Tenemos ahí un poco de blanco crujiente. Entonces también, cuando estás trabajando con cal, cuanto más agua le agregues,
más se desvanecerá a medida que se seque, más se oscurece ese color y luego desaparecerá. Cuando entro con mis reflejos más blancos, trato de usar la menor cantidad de agua posible. En algún lugar por ahí es donde nuestra luz va a golpear. También tenemos un borde muy ligero por aquí y quiero ver si puedo interrumpir un poco ese lápiz. No te dejes llevar y solo pon esto alrededor de todo el borde. Arruinará el efecto si tienes demasiado de él. Yo sí quiero dejar caer un poco de nuestro blanco en el borde de nuestra esfera que podemos desvanecernos. Porque como dije, esa luz se está reflejando un poco. Aquí tenemos algo muy ligero, y puedo hacer esto agregando agua para hacer esta transición más suave o agregando pintura, y creo que preferiría agregar pintura para mantenerle un poco de opacidad, a diferencia
de a simplemente añadir demasiada agua. Tienes que tener cuidado de no interrumpir nuestros bordes en este punto, lo cual es difícil de hacer y siempre puedes volver a repasarlo si te metes algo o puedes conseguir pintura en un lugar donde tal vez no lo intentabas. médiums opacos son bastante indultantes de esa manera. Simplemente suavizando esto un poco. Aprendiendo a observar de esta manera, mirando tu referencia y mirando atrás y adelante. Es tan importante poder tomarse el tiempo para hacer esto. Puede que no sea tan emocionante como pintar todos esos colores en un retrato y saltar justo en las cosas divertidas pero aquí hay tanto que aprender, y podría hacer este ejercicio todos los días durante años y años, y sólo ayudaría si yo abordarlo con la intención de querer aprender y pensar críticamente sobre lo que podría hacer mejor la próxima vez. Hay mucho que aprender de tomarse el tiempo para hacer cosas como esta. Creo que esta está a punto de hacerse ahora. Debido a la perspectiva de nuestra referencia, este retrofilo en realidad está un poco borroso, y tengo curiosidad por saber cómo sería eso si
solo fuera a suavizar el borde trasero de esta mesa. No está del todo enfocado. Sólo deja que eso se desvanezca en el fondo un poco más. Todavía tenemos el borde implícito de nuestra mesa, pero sólo se está desvaneciendo un poco. Entonces por supuesto, mantendremos el filo más cerca del primer plano aquí. Mantén eso un poco más nítido, pero solo descolora ese borde trasero. Estoy bastante contenta con dónde está esto en estos momentos. Sé que podría modificarlo y modificarlo y seguir haciendo pequeños cambios pero una de las cosas más importantes es solo poder saber cuándo terminas. Eso no significa necesariamente que sea perfecto, pero estás diciendo que he aprendido lo que quería aprender o tanto como puedo aprender de este ejemplo. En ocasiones el resultado será que acabas de empezar de inmediato uno nuevo, lo cual está bien. Pero si te sientes cómodo con lo que has aprendido en esta instancia, está bien ir. Ya terminé, me voy a alejar, y eso va a estar bien. Porque trabajamos mojado sobre mojado, teníamos mucho. Estábamos haciendo bastante contacto con nuestro propio papel, empujando mucho las cosas en nuestra esfera. Pero sí me gusta mucho el efecto general de éste como una punta diminuta final. Cuando realmente quieres empujar tu blanco, a veces simplemente poner blanco encima de blanco puede ser realmente útil. Porque como dije, sobre todo aquí abajo, el blanco quiere mezclarse con tu capa anterior. Eso seguirá siendo cierto en capas adicionales. El blanco que estoy agregando ahora está encima de más blanco. Toda la capa debajo de ella, pero puede que quiera mezclarse con, es solo blanco. Voy a añadir un poquito de un trazo de blanco aquí dentro que quiero mezclar
para conseguir que ese laico reflexivo un poco más. Mantengo mi pincel mojado para que pueda dejar que ese color se mezcle y
sangre porque no es tan blanco como nuestro punto culminante. Si bien quiero que sea más ligero, no
quiero que sea tan ligero que distraiga de la forma que es donde está ahora mismo. Es un poco demasiado ligero. A ver ahora sólo estoy jugueteando. Eso se ve mucho mejor. Si decides hacer una esfera propia,
sí recomiendo mantener tu pequeño gráfico de valor que hicimos a
mano para hacer referencia a medida que vas mirando las zonas más ligeras, incluso nuestra luz reflectante abajo aquí, como se puede ver, puede ser más oscuro aquí abajo. Es luz, pero no va a ser tan ligera como nuestras áreas más ligeras aquí arriba. La mesa tiene algún bonito contraste donde el frente de la mesa es un poco más ligero y la parte posterior de la mesa cae un poco más abajo de nuestra escala. Lo mismo con nuestros antecedentes. Si bien es más oscuro en general, incluso en este lado, una vez que llegamos a este otro extremo, se pone mucho más oscuro en nuestra escala. Agradable, sutil transición. Estoy contento con esto como ejemplo. Si decides hacer este ejercicio también,
por favor, agrégalo a tu proyecto de clase. Me encantaría ver lo que se te ocurre. De nuevo, esto se hizo solo con nuestro blanco titanio y nuestro gris Payne.
7. Retrato monocromático: parte 1: Con nuestros ejercicios fundacionales completos, estamos listos para saltar a nuestro retrato de gouache monocromático. Para nuestros dos retratos, voy a estar trabajando con mi bloque de acuarela, apuntalado en un caballete de mesa. Esto me va a ayudar a verlo desde una perspectiva un poco mejor, y tendré mi imagen de referencia fuera a un lado también, justo al lado de todos mis materiales. Ahora que estamos todos configurados, tengo algo de pintura fresca exprimida en mi paleta, y estamos listos para empezar con nuestro primer retrato a escala de grises. Mi intención aquí va a ser enfocarse en valores, dentro de la estructura de la base, y podrás encontrar la versión descargable del boceto en la sección de recursos de esta clase. Puedes descargar este boceto si quieres, y puedes copiar el boceto, puedes imprimirlo, y transferirlo a través de una caja de luz o sostener el boceto contra una ventana con tu papel de acuarela, o lo que sea que estés pintando, arriba, y trabaja de esa manera. No obstante, te gustaría tener este boceto, porque quiero
enfocarme en la estructura, no quería que el bosquejo fuera demasiado molestia para ti. Si solo quieres pintar exactamente lo que estoy pintando, puedes seguir adelante y descargar esta versión de mi boceto, y pintar junto a mí. Al igual que la última vez, vamos a seguir adelante y empezar con nuestros antecedentes, y de acuerdo a nuestra referencia, tenemos muchos valores medios y oscuros, pasando en esa zona. No queremos nada demasiado ligero en el fondo, sí
queremos que sea sutil, y simplemente colgando ahí atrás. Voy a estar empezando con el tamaño de pincel más grande que tengo aquí, y disminuyendo lentamente en tamaño a pinceles más pequeños, solo según sea necesario. Quieres empezar con un pincel más grande, y mantenerte con ese pincel todo el tiempo que puedas. Esto te va a ayudar a bloquear en formas más grandes empezar, y a evitar que te enfoques en los detalles demasiado pronto, porque no quieres saltar a esos detalles de inmediato. Queremos bloquear en nuestras grandes formas, después refinar las cosas a medida que avanzamos. Tu pintura no tiene por qué ser súper gruesa. A medida que empieces, puedes agregar más agua, sobre todo en tu fondo. Siempre podemos enlistar las cosas según sea necesario a medida que avanzamos. Me gusta mucho el contraste a lo largo de este borde aquí, donde el fondo necesita la piel. Ahí abajo hay algunos valores realmente oscuros. Definitivamente quiero capturar eso. Queremos que el fondo tenga algunos intereses en cuanto a los valores, solo un poco de variación, lo que no es completamente plano en esta instancia, pero no tiene que ser súper elegante. Trabajar la pintura húmeda en pintura húmeda, va a ayudar a que las cosas se mezclen. Si quieres cambiar a un pincel más pequeño, para tallar algunos de estos bordes interiores, eres más que bienvenido a hacerlo si
sientes que no tienes tanto control con un pincel más grande. También estoy pensando en este punto en la diferencia entre el valor del cabello, y el valor del fondo. Hay algunos lugares donde el cabello es más claro que el fondo, como aquí arriba, este borde. Podemos dejar que nuestro fondo sea un poco más oscuro, y hay algunos lugares donde el cabello es
más oscuro que el fondo, específicamente aquí abajo. Particularmente a lo largo de este borde aquí abajo, vamos a agregar algo de ligereza a nuestro fondo, que nuestro cabello contraste cuando lleguemos a ese punto, y luego las cosas van a estar muy oscuras, abajo en la parte inferior aquí, ya que la forma del cabello se fusionará con el fondo, y eso es otra cosa importante es que queremos pensar todas estas diferentes piezas como formas geométricas, antes de descomponerlas en lo que realmente son. En realidad voy directo al área del cabello ahora. Tenemos algunos de nuestros valores más oscuros justo aquí en el cabello. Depende de ti si quieres empezar con los valores más oscuros, o un tono medio. Como dije, me gusta empezar con el fondo, en instancias como esta donde quiero que mis valores sean visibles y fuertes, y estoy pensando en el cabello como una gran masa, y luego podemos descomponer las piezas. Se quiere pensar en ello como esculpir. He usado este ejemplo bastantes veces en varias instancias. Estamos tallando las formas más grandes primero, y luego volveremos a entrar, y tallaremos detalles más finos. Si lo piensas de esta manera realmente puede ayudar a acelerar el proceso también. Cubriendo tanta área como sea posible empezar, sin demasiado enfoque en los detalles, sobre todo en este primer color interior de colocación, y constantemente vamos a estar comparando nuestros valores. Estoy mirando y viendo que la sombra lanzada por la cabeza sobre el cuello es más clara que el valor de nuestro cabello, pero al mismo tiempo es más oscura que la piel que lo rodea. Queremos que esté en algún lugar entre estos dos valores,
y debido a que esta pintura está húmeda, puede ver que esto es [inaudible] mezclan esta forma de sombra gigante por aquí. Eso está bien. También voy a entrar y añadir un poco de sombra aquí, y luego agradable y oscuro abajo en la esquina, y podemos manipular algunas de estas formas más adelante. Un filo que no quiero perderme tanto es donde está la barbilla. Yo quiero que el borde de la barbilla sea bastante visible, pero al mismo tiempo, definitivamente
quiero leer como sombra, y estaremos regresando para suavizar este borde, ya que esta es una sombra de forma. A medida que la mejilla se está curvando y la mandíbula se curva hacia abajo, nos estamos poniendo un poco más de sombra ahí, y es más una cosa transitoria. Voy a querer asegurarme de que pensamos en la forma, en todas estas instancias. Como dije, me estoy centrando en mi pincel más grande posible. No quiero cambiar a algo más pequeño demasiado pronto. Puede ser realmente fácil empezar a perder tu boceto mientras trabajas, y eso está bien. Si comienzas a encontrar que estás encubriendo tu boceto, y tal vez cambiando algunas de las características a medida que lo haces, no te preocupes, siempre puedes volver y volver a trabajar las cosas. Ojalá tengas tu referencia frente a ti, para que tengas eso que mirar. Ahora, las sombras de este lado de la cara, el lado más claro de la cara, incluso las sombras mismas van a ser mucho más claras, que las sombras de este lado. Si bien tenemos algo de sombra en la mejilla aquí, puede
que incluso acabe más ligero de lo que estás viendo ahora al final. Solo estoy mirando donde veo sombras, y bloqueando esos espacios dentro. No tiene por qué ser perfecto a estas alturas. Ahora, hice un boceto a lápiz esta vez, porque quería que fuera algo que te fuera fácilmente evaluable, pero muchas veces cuando estoy haciendo retratos en gouache, así, termino dibujando directamente con mi gouache, y me pareció que era muy, muy útil,
para establecer algún valor, y poner en mi boceto al mismo tiempo. La mayor parte de nuestro cabello va a estar más oscuro aquí. Voy a seguir adelante y poner en algo de esto, y volveremos a entrar, y definir nuestras formas un poco mejor más adelante. En este punto ya estamos empezando a ver salir a través de algunos de nuestros valores. sucede algo interesante en Aquísucede algo interesante en
el cuello donde tenemos ahí la sombra de yeso, pero también hay un poco de sombra de forma. el cuello, si lo piensas como un cilindro, se está curvando lejos de la luz también. Tenemos algo ligero ahí. Otro valor más oscuro importante que estoy viendo, aparte de por supuesto, las características en los ojos es la forma del cabello, y cuanto más preciso seas ahora, menos tendrás que volver a él más tarde. Si encubres algo o necesitas hacer algunos retoques, está bien hacer retoques, pero la paciencia ahora te podría ahorrar tiempo después si eso es algo que te preocupa. Esta es una de esas instancias donde quiero que la sección inferior del cabello aquí, sea más oscura que nuestro fondo. Si eso es algo que no soy capaz de lograr fácilmente, sólo por poner en mi valor más oscuro, puede que necesite aclarar el fondo circundante. Me verás tomando algunas decisiones aquí. Estoy usando un gouache más ligero, así que aún puedo ver mi boceto debajo, estoy planeando construir encima de él. Voy a estar cubriendo esta zona de ojos, con un color ligeramente más oscuro. Sólo para recordarme que este lado del rostro está en sombra, y aunque en mi cerebro sé que el blanco del ojo es blanco, el color va a ser todo relativo. Todo va a ser comparado con los colores a su alrededor. Este rincón interior del ojo va a ser
más blanco, que este lado del blanco del ojo. Estoy tratando de tener esas cosas en mente. También hay un poco de sombra arrojada abajo debajo de la nariz aquí. Ahí hay un poco de luz alta. Una vez que empecemos a sacar más de nuestros otros valores en torno a esto, las formas se harán más evidentes. Ahora que tenemos un montón de bloques de cosas aquí, quiero entrar y definir algunas áreas con un poco más de detalle. Estoy tratando de ser consciente del hecho sabiendo que he cambiado un poco la forma, y quiero pensar en cómo eso está cambiando los rasgos faciales generales. Creo que una cosa que va a ser importante es esculpir en la cara,
para que no se ponga demasiado ancha aquí a lo largo de la mandíbula. Eso lo haremos dando forma al cabello. A ver si puedo conseguir un gouache redondo un poco más grande, y aquí, mientras el hombro es relativamente ligero, esta parte de aquí, voy a tonificarlo un poco, y esto es algo de toma de decisiones, quiero tonificar esto hacia abajo, sólo porque no quiero que el propio hombro sea el punto focal, quiero mantener el foco en la base. Voy a poner un poco más de esto en sombra, lo
que pudiera ver en mi referencia. Simplemente dando un mejor contraste para ese borde superior. También hay un poco de luz brillando en la clavícula, que en realidad me gusta mucho el aspecto de. Aunque no finalice eso ahora, sólo
puedo colocar esa forma ahora, para recordarme que está ahí.
8. Retrato monocromático: parte 2: Continuemos con nuestro retrato y construyamos a partir de nuestro rango de valor. Donde estamos en este momento, quiero empezar a poder ver que la cara se junte un poco más. Tenemos algunos bloques grandes, y ahora voy a saltar a sacar algunas cosas específicamente el punto focal siendo la cara. Voy a empezar con el ojo encima de este lado,
y este son mis alfileres más o menos rectos grises. Estoy colocando eso en, puedo hacer algunos pequeños ajustes desde donde el ojo más adelante en mi boceto. No tienes que preocuparte por encubrir ese punto culminante, porque siempre puedes volver más tarde. Simplemente consiguiendo una forma de ojo áspera ahí dentro. Así como pondremos el pliegue del párpado también. Esto va a ser súper útil para ver nuestro valor más oscuro, y mantener algunas cosas un poco más definidas. También tapan un poco de esa mandíbula ya que esta sombra también muy oscura. forma oscura en esta zona va a ser ceja, que no necesita ser perfecta en este momento solo queremos conseguir la forma general en. Hay una sombra oscura que fluye hacia abajo hacia el pliegue. Aquí, este pliegue debajo del marrón, la curva de la cuenca del ojo. Voy a aligerar eso sólo un poco, pero aún así mantener esta y forma de sombra general justo por aquí. Mi pintura es mucho más gruesa ahora, y entonces también tenemos esta sombra bajo el ojo y es grande. Quiero pensar en la forma de sombra más grande que también se extiende aquí abajo hasta la frente, y quiero que todo esto sea una gran sombra. Entonces voy a conectar toda esa zona por ahí. También estoy pensando en cómo este blanco del ojo, como dije, está oscuro. Tengo algo de sombra por aquí. Estoy pensando primero en los valores, como lo estamos haciendo aquí, antes de que incluso empecemos con el color. Podrías pasar tanto tiempo en esta zona aprendiendo y permitirte darte tiempo para ver color relativo. Algo así como un color que puede parecer muy oscuro en un espacio, puede verse mucho más claro cuando pones ese mismo color en otro lugar, y tomándote el tiempo para ver cómo los colores se relacionan entre sí. Simplemente es absolutamente invaluable. Es tan importante. también me gusta la sombra de la nariz, y cómo todavía hay tanta variación de valor dentro de la nariz. Más cerca, digamos, de la punta de la nariz, hay un poco de un valor más ligero ya que eso es atrapar un poco de luz reflectante, por lo que podemos hacer eso un poco más tarde. Algo que puede ser un valor más ligero dentro de la nariz
se puede utilizar como sombra en algunas de estas otras áreas. Porque como dije, ese color es relativo, e incluso aquí se puede utilizar para los reflejos. Entonces estoy usando la misma pintura en mi prisa para hacer un destello aquí, sombra aquí, y luego volveré a resaltar aquí, es todo del mismo color que se ve diferente en diferentes lugares. Entonces camina a lugares como nuestra sombra más oscura en este ojo. No he hecho nada con mi pincel hasta este punto. Sólo estoy usando la misma pintura en prisa para poner en algunos de los valores de sombra aquí. Entonces conseguiremos parte de la oscuridad en este otro ojo también. Esta forma es un poco desordenada ya que estoy tirando de mi pincel en un ángulo extraño y también trato de mantenerme fuera del camino de mi cámara. Ahí tenemos un poco de nuestros valores más oscuros ahí dentro, y hace una gran diferencia y casi me olvido de las fosas nasales. Uno de otro hito para valores oscuros en la nariz. De verdad me encanta cómo este lado del labio también es muy oscuro. Simplemente insinuando de nuevo que la sombra va en la dirección que es. Podemos reforzar la forma de la barbilla colocando ahí también nuestro valor oscuro. Ya estamos haciendo mucho progreso, amando eso. Estoy tratando de ser consciente mientras pinto de cambios que tal vez no me gusten que están ocurriendo. Por ejemplo, puedo ver que el rostro en sí parece ser un
poco ensanchamiento al pintar y rellenar áreas
y salir de mi boceto para permitir que las cosas se ensanchen un poco. Hago en general como la mirada de la cara. Estoy bastante contento con la estructura, y luego solo tengo que decidir en este punto hasta dónde quiero alejarme de mi referencia. Con los labios aquí, de nuevo, estoy pensando en bloques de valor. El labio superior es en general más oscuro con el labio inferior porque en realidad está mirando hacia arriba está atrapando mucho más de esa luz. Por lo que podemos dejar mucho más reflejos en ese labio inferior tendido en algo que es un valor muy ligero solo para cubrir algún espacio que me había estado dejando en blanco. Aquí no es completamente blanco, pero todavía va a ser un valor muy ligero en general. Ahí vamos. Apenas eliminando algunos de los últimos del blanco en la página. Estamos llegando a un punto donde puedes elegir en qué momento quieres que te hagan. Puedo pensar en las cosas que me gustaría cambiar. Cosas que podría querer ser diferente, como tallar en forma de mandíbula otra vez, y traer eso de vuelta. Me parece muy interesante con retratos mirando algo en esta fase, y diciéndome a mí mismo que, esto podría ser, se podría hacer. Ahora podría alejarme y sabiendo que si elijo pasar más tiempo en
ello, tiene que ser para tomar decisiones específicas. Tengo que decirme cómo puede ser mejor, qué puedo estar haciendo para mejorar, y sabiendo que si no tengo un objetivo claro en mente, todo lo que estoy haciendo es juguetear por el bien de juguetear. Tan manchada de que estar atentos. Voy a entrar con alguna pegatina, color
muy claro aquí y notando que esto en realidad es un poco demasiado ligero. Porque como dije antes, con el color siendo relativo, un color que puede funcionar como destaque de
este lado de la cara por aquí en el lado más claro, puede ser demasiado tarde para un resaltado del otro lado de la cara que creo que es lo que está pasando aquí. Por lo que en realidad voy a oscurecer el punto culminante en el lado sombrío de la cara de la misma. Tonifica eso hacia abajo. Por lo que no sobresale tanto. También recordando que esta es una sombra de forma aquí, la curva de la ceja, por lo que queremos que sea sutil y un poco más suave como la sombra. Se puede ver que al aumentar el área más ligera, arrastrando esa luz al estar alrededor, en realidad
he cambiado un poco de la estructura facial. Fui a refrenar ese backend. Es un poco de empujar y tirar,
tirando y empujando y tirando de él en este punto. Simplemente cambiando formas y llevándolas a un lugar donde estoy feliz con ellas. En este punto, también quiero pensar en qué características quiero enfocarme y sacar y definir un poco más, y que quiero dejar más abstractas, que es algo en mi trabajo que realmente disfruto. Quizás quieras agregar una tonelada de detalle en todas partes y tienes totalmente la libertad de hacerlo. Personalmente me gusta tener un punto focal, así que tener un área donde sé que voy a trabajar en más, y permitir que otras cosas sean menos importantes y que se definan menos. Voy a entrar ahora y poner como en entre valores. En este ojo en particular, tenemos algunos valores oscuros, tenemos algunos valores de luz, y quiero trabajar en los espacios intermedios. Ahora, estamos cambiando al menos en esta zona de la cara lejos de los bloques de color y hacia un poco más de pensar en el diseño de las formas individuales. Voy a curvar mi tallado moldeador un poco del costado aquí. Siento que es un poco ancho. Ahí vamos. Notando también que hemos hecho lo mismo de este lado. Se acaba de poner un poco amplio en general. Entonces estoy usando un valor oscuro para curvar esta forma en un poco. También la nariz es un poco ancha sólo porque no hemos hecho una tonelada con estrechamiento de la nariz. No se necesita mucho para hacer, solo darle un poco de sombra a algunas de las otras áreas. Aquí hay tantas áreas donde la forma se curva en una cara. Tenemos montones de formas todas construidas juntas. Consiguió la cúpula más grande de la frente. Cómo eso va hacia abajo y profundiza en las tomas de los ojos. El nariz sale como una cuña. Una cosa que me encanta es en realidad eliminar mucho del blanco de la esclerótica, el peso del ojo puede ser realmente útil para hacer que tus reflejos blancos
salgan camino porque no están compitiendo como la última parte del ojo con algunos de las otras partes. Tonificaré eso hacia abajo para que mi resalte blanco, que sí creo que quiero poder colocar de manera más específica. En realidad voy a cubrir algunas de las cosas que me quedaban antes. Si bien tengo este color más oscuro en mi pincel, voy a sacar de nuevo algunos de los valores más oscuros.
9. Retrato monocromático: parte 3: Terminemos nuestro retrato monocromático con detalles finales y esos últimos reflejos. Yo estoy retrocediendo aquí así que queremos flotar entre
pensar en detalles más pequeños y pensar en los más grandes. Recuerda que el contraste es tu mejor amigo, y si te encuentras sintiendo que estás perdiendo detalles o realmente no puedes ver lo que está pasando, siempre
puedes agregar más de tu valor más oscuro o más de tu valor más ligero. Me gustaría decir si mi blanco resalta los valores más blancos, más ligeros para el último. Pero eso realmente va a hacer estallar todo. De verdad me encanta la experiencia de poner esos reflejos blancos en último lugar. En este punto, me gusta definir mejor la forma real del cabello. Tenemos muchos valores oscuros aquí abajo. Yo quiero que eso quede muy claro. Ahora que tenemos algunos de nuestros otros valores más oscuros en, es mucho más fácil ver la forma que debe tener el cabello y el valor que debe ser. Quiero mantener algunos de los detalles dentro de esta forma de sombra más grande, bastante suelta y vaga. Agregar demasiados detalles a un área de sombra es una gran manera de perder tu efecto de sombra general. Las cosas se pierden y se esconden en las sombras de la naturaleza, y no quiero perder eso aquí con mi pieza. Quiero conectar algunas de mis formas de sombra más grandes. Uno de ellos siendo la sombra echada por la nariz aquí. Bajar eso hacia la boca, y conectarlo a la forma de las sombras de forma de la mandíbula, los labios, y la mejilla así y ayuda a reforzar nuestra fuente de luz. Estoy notando pequeños detalles ahora como cómo esta mandíbula ha bajado un poco baja. Simplemente curviremos esos un poco. Sólo un montón de pequeñas cosas que pueden ser divertidas de cambiar. Quiero asegurarme de que la forma del cabello, sobre todo hasta la línea del cabello, sea clara y visible y podamos ver el flujo del cabello y decidir por dónde queremos que empiece eso en la frente. A lo mejor algunas áreas como aquí donde la línea entre el cabello y el fondo que se vuelve un poco borrosa. Se puede ver exactamente dónde empieza uno y el otro comienza, haciendo esto con una mezcla de agua y pintura. En realidad me gusta mucho la pequeña plata de la luz, ya sea un punto culminante del cabello o luz del fondo que atraviesa por aquí. Eso me gusta mucho. Conseguir un poco más gestual ahora, ya que quiero agregar solo un poco más intereses de mis trazos de pincel aquí. Par de cosas van a empezar a suceder ya que siento que me estoy acercando al final. Eso van a ser detalles finales y también opciones estilísticas. No quería hacer esto antes. Pero este es un punto en el que consideraría agregar mechones
individuales de cabello para agregar algún interés visual, y flujo, y ritmo y estilo, a nuestra pieza. Puedes cambiar a un pincel más pequeño o menos si quieres. Normalmente termino deseando tener si no lo hago. Voy a reforzar la oscuridad ahí de ese filo. Recuerda, estamos pensando en términos de luz y sombra. Ese es casi todo el propósito de este ejercicio. En lugar de ir, estoy pintando un mechón de cabello. Queremos pensar en el valor general de lo que estamos haciendo. Una cosa me encanta, incluso cuando solo estás pintando en mechones individuales de cabello como tal vez quieras ir por ahí con este color oscuro que tengo aquí,
que es más o menos una lacio pinta Grey, y poner mechones de pelo por todas partes con esto color. Pero eso no es realmente lo que estamos viendo. Hay algunas hebras que están captando la luz más que otras. Si bien algunos de los bloqueos y hebras individuales tal vez oscuros, todos lo estarán. Algunos de ellos atraparán la luz. Creo que estoy en un punto en el que me siento cómodo ahora moviéndome a nuestros aspectos más destacados. Durante todo este tiempo he estado usando estos dos pinceles, ambos cepillos más grandes y solo ahora en este punto
voy a cambiar a un pincel puntiagudo más pequeño e incluso este redondo, la etiqueta se ha ido mayormente, pero creo que esto es alrededor de la talla siete. Ahora hasta un pincel súper diminuto, pero voy a pasar a esto ahora por mis reflejos blancos. Algo de eso va a incluir hebras muy ligeras valoradas para algunos de nuestros cabellos. Aquí es donde vamos a empezar a ver que se agrega mucha vida. Por ejemplo, en este lado claro de la cabeza, vamos a tratar de hacer esto lo mejor que puedan desde este ángulo. Podemos agregar algunos trazos, textura, solo algunos lugares donde la luz va a golpear, y atrapar, y reflexionar. Si queremos volver con un valor aún más ligero podemos. No hay presión para conseguirlo exactamente ahora mismo. Siempre es divertido acumular los aspectos más destacados y dejarlos fluir, entrar y desaparecer de nuevo. Siempre escucha tu pincel. Si sientes que estás recibiendo mucho cepillado seco, trazos que no tienen un tono de pintura sobre ellos, siempre
puedes agregar un poco más de agua si quieres o no. Puedes dejar que ocurra esa textura de cepillado seco. Pero siempre tienes el control de cuánta pintura y agua hay en tu pincel y en qué combinación y solo tienes que estar dispuesto a escuchar lo que estás sintiendo. Esto es aún más ligero aquí. El contraste va a ser tu amigo en hacer que los blancos destaquen. Si encuentras que estás poniendo un valor súper ligero y no está apareciendo tanto como querías, eso podría ser en parte porque el área que lo rodea no es lo suficientemente oscura. Entonces puedes tomar la decisión en cuanto a si te gustaría
entrar o no y ajustar esas zonas aledañas. Va a añadir un poco de destaque al fondo de la nariz aquí, así
como al arco del cupido, este lado del párpado, así
como a esta curva aquí. Van a coger un poco más de luz así como el borde interior del ojo.Esa esquina interior siempre tiende a ser bastante ligera. Sé lo que estás pensando de esos reflejos blancos justo en la pupila y los estoy guardando para el final. Son muy llamativos y tienen un efecto realmente bonito en juntar las cosas. A veces el cuadro ni siquiera se siente hecho hasta que están dentro, pero vamos a llegar a ellos. Sólo estoy saboreando el momento. Quiero agregar un poco más de contraste a este borde superior aquí. Voy a tomar mi color más oscuro, traer eso. Tengo que estar pensando en cuánto jugueteo quiero hacer. ¿ Quieres que esta forma de sombra sea un poco diferente? y darse cuenta? Porque una cosa que pasa son las curvas de cejas aquí abajo, aquí mismo. Pero entonces comienza el pómulo y es un cambio definitivo en los planos de la cara. Si bien esto se curva hacia abajo de la luz, al comenzar hacia el pómulo, se curva de nuevo hacia la luz. Esta superficie en realidad comienza a captar más luz. Tan sólo por dejar eso como un borde duro, estás mostrando ese cambio de avión porque no estamos hablando de una sombra de forma. Estamos hablando específicamente del cambio en los aviones. Queremos un filo duro ahí mismo, que creo que es muy bonito y bastante efectivo. Nos estamos acercando muy a nuestros reflejos blancos. Ya sé, estás esperando con anticipación el momento. Voy a aligerar esta capa sólo un poquito. En realidad oscurece esa, es [inaudible] más blanco el papel que hay en ella. A veces con gouache volver a mi paleta solo queriendo más pintura. Pero si las cosas han empezado a secarse quizá tenga que añadir en realidad también más agua. Es una combinación de agregar pintura y agregar agua a veces. Lo cual por supuesto puede afectar tu consistencia. Pero la práctica va a ser la clave para dominar la consistencia con gouache. Simplemente te vas a dar un poco de tiempo. Una cosa que casi voy a enfatizar porque me gusta
tanto es la luz atrapando este borde de la mandíbula. Yo soy un gran fan de eso. A mí me gusta mucho, así que voy a dejar ese más ligero de lo que realmente sería. Podría entrar justo de este lado de la mandíbula sólo un poquito y añadir un poquito de luz ahí abajo. O si creo que es demasiado, solo bloquea eso con mi dedo un poco,
pequeños pedacitos. Está bien. Ya casi estamos ahí. Quiero implicar un poco de ligereza a la esquina del ojo. Aquí mismo donde el párpado se encuentra con el globo ocular. Lo mismo de este lado. Así. Hay múltiples cosas que pueden cambiar la expresión en una pieza. No hemos hablado de la expresión a su vez. Pero no todo es sólo si la persona está frunciendo el ceño o sonriendo hasta donde mira la boca, hay muchas otras cosas. El ángulo de la ceja, ya sea sentado muy alto, como una sorpresa o revuelto bajo en un cuero cabelludo. Hay muchas cosas que pueden cambiar la expresión. Estas cejas se levantan y un poco suaves. Nos da, casi como si el personaje estuviera mirando hacia arriba. También sonríe un poquito. Consiguió un poco de suavidad a su expresión, a su caso. Pongamos esos reflejos blancos en, en los ojos. Entonces podemos ver si hay algún toque final que queremos hacer una vez que estén adentro, ver si hay algo más que todavía se sienta como si falta. Para los reflejos blancos, la luz va a estar golpeando los ojos más o menos en el mismo ángulo. Queremos que esos dos en su mayor parte estén en el mismo lugar en el ojo, así. No tienes que tener exactamente la misma forma. general, lo que sea que esté causando el resaltado va a ser lo mismo para ambos ojos, por lo que las formas pueden ser similares. Entonces después de eso, podemos pensar en otros lugares que queremos esa misma ligereza también. Estoy pensando específicamente en estos bordes aquí. Quizá quiera sacar la parte inferior de la nariz donde la luz rebota de la piel aquí. Ahí dentro se refleja la luz. Lo mismo en algunos de los bordes del labio inferior, tienden a brillar un poco en este borde superior. Simplemente sacando algunas de esas áreas destacadas y recordando que el lavado de velorio reactiva las capas debajo, es posible que estés perdiendo parte de la ligereza de tu color. A medida que trabajas en una zona, vamos a definir un poco este pómulo. Entré un poco demasiado lejos aquí y en realidad interrumpí la curva de la cara ya que se curva hacia abajo de una manera que sí se oscurece un poco, así que no quiero interrumpir demasiado eso. Voy a mantener ese poco más oscuro. Como se puede ver aquí, hay algunas cosas estructurales que podría cambiar, algunas pequeñas cosas con las que podría seguir jugueteando. Pero nuestro retrato está prácticamente hecho. Es interesante porque siento que se veía muy similar a esto incluso hace 15 minutos. El bloqueo inicial en etapa, y conseguir el 80 por ciento del camino ahí, incluso el 90 por ciento de la forma ahí ocurre con relativa rapidez. Nuestra pintura está a punto de terminar ahora y pasé menos de una hora, lo que para un retrato es bastante rápido, creo. No tiene que tomar mucho tiempo. Puedes ralentizarte mucho empezando con pinceles que son demasiado pequeños y juguetear demasiado con los detalles antes de que te hayas encerrado en algunas de tus formas más grandes. De hecho, lo único que podría hacer es volver a un pincel más grande y agregar un poco más de interés y rango de valor a nuestros antecedentes. Específicamente cuando estoy pensando es que quiero un poco de ligereza aquí, quiero que esto contrasta un poco más
nuestra forma de cabello y puedo tallar esa forma de cabello un poco más también. Algo un poco más ligero ahí. Entonces algo un poco más ligero aquí abajo. A ver, así en esta esquina. Puedes elegir cuánto quieres mezclar estos trazos en que puedes dejarlo realmente pincelar trazos de la forma en que lo tengo actualmente. Puedes entrar con un poco más de agua y ajustar esos bordes. Otra cosa importante a destacar es que he estado agregando bits de grado de pinturas a mi paleta ya que he estado trabajando porque lo he estado usando todo. Mi blanco se está estirando un poco más, pero a veces sí tienes que añadir un poco más de pintura a mi paleta y eso sucede. Si te pasa a ti, no es gran cosa sólo voy a añadir un poco más. Siento que perdí un poco esta forma. Eso está bien. Yo sí quiero una forma relativamente crujiente aquí para el cabello, así que mantén eso en su lugar. Sí siento que he perdido algunas, no
quiero decir cosas clave, pero definitivamente perdí incluso un poco más de mi semejanza como he estado pintando aquí. Este boceto ya no era 100 por ciento exacto a la foto de referencia. Pero como he pintado, se toma aún más una vida propia. Este personaje simplemente se ve aún diferente, un
poco más único, lo cual está bien. Vamos más por valor y estructura como punto de estudio que por semejanza y 100 por ciento de precisión en ese sentido. En este punto, sólo tengo que mirar mi retrato y decidir si hay algo que quiera cambiar. He considerado cincelar un poco más esta forma de la mandíbula. También he pensado en agregar pestañas, pero no creo que vaya a hacer eso. Estoy bastante contento con donde se encuentra este retrato actualmente es diferente a mi referencia. Pero al enfocarme en los valores, soy capaz de conseguir algo con lo que estoy relativamente contento. De lo único que creo que voy a cambiar. Por supuesto una vez que comienzas a cambiar una cosa, terminas cambiando muchas cosas, es quiero que la sombra del costado de la cara sea un poco más oscura en algunas de las áreas. Al igual que específicamente desde aquí y hasta aquí. Yo quiero que se desvanezca en esa otra zona un poco más. Está bien, llevo unos minutos sentada aquí mirando esta cosa, y creo que finalmente está hecho. Si hay alguno de los ejercicios que has elegido no hacer hasta este punto, eso está totalmente bien. Eres bienvenido a escoger y elegir lo que te gustaría
hacer a lo largo de todo el curso de esta clase. Pero si vas a empezar por cualquier parte, te recomendaría al menos empezar aquí. Algunos de nuestros ejercicios anteriores, como nuestra esfera y nuestra escala de valor, estos son dos que van a ser realmente útiles hacer que este proyecto sea mucho más fácil para ti. Estarás mucho más familiarizado con cómo entender tus valores y cómo establecer diferentes tipos de sombras. Estos tres funcionan muy bien juntos. Pero ahora vamos a traer nuestro color, juntar nuestra paleta de colores final y trabajar en nuestro retrato final de color.
10. ¡Analización de nuestra referencia: Antes de saltar a nuestro retrato de color, tomemos un minuto para analizar nuestra referencia y elegir nuestros colores finales. Entonces antes de saltar a nuestro retrato de color, quiero repasar un par de cosas preparatorias contigo, específicamente la paleta de colores que he seleccionado, además de echar un vistazo más profundo a nuestra foto de referencia aquí. Como puedes ver aquí, tengo una variación en nuestra tríada primaria. El rojo que voy a estar usando va a ser quinacridona rosa. Mi amarillo va a ser ocre amarillo, y mi azul va a ser azul cerúleo. He elegido estos colores específicamente porque quiero algo que se va a mezclar. Mezclas que están un poco menos saturadas en realidad. El rosa de quinacridona siendo un poco más fresco, acercándolo un poco más al morado, mezclado con nuestro ocre amarillo va a conseguir unas naranjas realmente terrosas, menos saturadas, no súper brillantes, menos saturadas, no súper brillantes,
vibrantes, que es algo que va a ser realmente útil para la referencia para usar. Lo mismo con el azul cerúleo y la rosa quinacridona. El morado que obtenemos de esa mezcla va a ser diferente a si hubiéramos usado algo más. Estoy muy emocionado con esta mezcla en particular. Si vas a estar pintando desde la misma referencia de mí, para lo cual también estaré brindando una versión descargable de mi boceto, y tienes colores similares a estos, te recomendaría algo como esto si quisiera hacer algo muy parecido a lo que estoy haciendo. Entonces, claro, no podemos olvidar un bonito tubo grande de blanco. Si tienes un tubo más grande, tengo mucho gouache blanco porque parece ser el color que más se utiliza. Un par de colores más los voy a tener a mano, pero no he decidido por completo si los voy a usar todavía. Estoy bastante seguro de que voy a querer dorar porque
tenemos mucho marrón en esta referencia. Voy a tomar un poco de atajo en lugar de mezclar mi propio marrón cada vez y probablemente incorporar algún umber quemado a nuestras mezclas. Esto también va a ser realmente útil para mezclar con nuestro azul para conseguir algunos tonos realmente profundos, oscuros en ciertas áreas donde nuestros valores son los más oscuros. Los otros dos colores que guardo cerca, no
estoy seguro si los usaré o no, es un rojo más cálido. Entonces algo más cercano al naranja, y un amarillo más verdadero, más puro que nuestro ocre amarillo. No he decidido si voy a querer usar estos o si van distraer de la paleta de colores que tenemos aquí o no. Pero los estoy manteniendo cerca por si acaso, si los uso, claro, te lo haré saber. Para ser honesto, realmente me gustaría ver qué podemos hacer con sólo estos colores aquí. También he impreso mi foto de referencia. Podrás encontrar los enlaces para fotos de referencia en la sección de recursos junto a los bocetos. Tengo esto aquí para que pueda tener una referencia regular, visible a la que mirar. Por lo que puedo medir mayormente la estructura facial y los valores. Te darás cuenta de que al igual que nuestra pintura monocromática que hicimos antes, no
voy por una semejanza exacta aquí. En su mayoría estoy usando mi referencia para turnos de color, cambios de
valor, estructura facial, cosas así, y he omitido la mano aquí también. Porque quiero enfocarme mucho en los tonos de piel. Imprimí una segunda versión con un primer plano en la cara para que podamos ver mejor las transiciones y el color. Por alguna razón, mi impresora ha impreso algunos ojitos aquí, puedes ignorar esos, por supuesto, realidad no
son parte de la referencia. Lo que realmente quiero ver en un primer plano son los turnos de color. Entonces déjame acercarte un poco más. Hablaremos de lo que quiero decir con turnos de color y cómo vamos a amplificar y exagerar los de nuestra pintura. Exagerar cambios sutiles de color es una de las herramientas más grandes que utilizo para crear retratos muy coloridos que aún parecen que funcionan y que tienen sentido. Empecemos, por ejemplo, siento que los rojos son los más fáciles de sacar. Tenemos algunos valores más rojos sobre la curva de la mejilla aquí, así
como donde el cabello arroja un poco de sombra aquí atrás a lo largo de la parte superior de la línea del cabello. Por lo que esos rojos son muy obvios de ver. Tenemos un poco de rojo arriba aquí en la curvatura de la forma desde la frente hacia abajo hasta el hueso de la frente. Entonces, claro que tenemos unos rojos más alrededor nuestra zona de labios e incluso aquí abajo por la barbilla. Un perfil de color realmente interesante que veo en esta referencia en particular es la combinación de rojos y verdes. Ahora, puede que estés mirando este dicho “verde, ¿de qué estás hablando? No veo ningún verde”. Pero estoy hablando de color relativo y de cómo las cosas simplemente pueden aparecer un poco más verdes. Por ejemplo, si tomas este color aquí, el rojo a medida que se desplaza hacia abajo hacia la mandíbula, este color aquí mismo es un poco más verde, luego el rojo aquí arriba. Tener esos colores de cortesía uno al lado otro les ayuda a entrar ahí un poco más visible. Otro ejemplo que quizá puedas ver un poco más claramente. Deja que te traiga lo más cerca que pueda. Si entramos muy cerca aquí, se
puede ver un sutil cambio que ocurre. Tenemos un poco de rojo en la barbilla cambiando a un color menos rojo, pero no es tan marrón como aquí arriba. Lo que puedo hacer es tener rojo, un poco más marrón, y luego añadir un poco de verde a la mezcla aquí abajo en el fondo de la mandíbula. Por supuesto, no vamos a poner sólo rosa de quinacridona recta, umber
quemado, y alguna mezcla de verde aquí. Todos estos colores van a tener trozos unos de otros en ellos, y eso es lo que va a hacer que funcione la paleta de colores. También probablemente voy a estar agregando una justa cantidad de verde a la mezcla de sombras en el cuello aquí. Para mantener mi paladar relativamente cohesivo, hay una bastante buena probabilidad de que esté usando una mezcla de azul verde y grisáceo en los ojos, para que realmente podamos tirar de esa paleta de marrón, rojos, verdes, realmente terroso tipo de otoño otoño colores por completo para nuestro retrato. Podemos ver un poco más verde en este borde por aquí
así como aquí abajo y en las profundas sombras de la cuenca del ojo, en esta zona curva hacia fuera, y tal vez bajo los ojos. Yo sólo quería tomarme un minuto para hablar de algunos de estos sutiles cambios de color porque estas son las cosas que vamos a estar exagerando y amplificando en nuestro retrato final. Tenemos un bonito color cálido aquí abajo en la punta de la nariz que se aclara y se vuelve más rojo a medida que nos acercamos al puente y luego la curvatura hasta el hueso de la frente. Si miramos nuestra referencia para nuestro retrato a color junto a la pintura monocromática que ya terminamos, una cosa que noté casi enseguida es que la iluminación en nuestro retrato a color va a ser mucho más ambiental y menos duras. Si bien con la iluminación en nuestro retrato monocromático, teníamos una fuente de luz muy fuerte de esta zona que proyecta mucho de este lado del rostro en sombra. No tenemos ese escenario de iluminación fuerte casi tanto en esto. Las sombras que ocurren en este retrato se basan
mucho más en las curvaturas naturales de la fase. Entonces terminamos con muchas sombras naturales, como el cabello lanzando una sombra sobre la frente mientras la cuenca
del ojo se curva hacia abajo por los ojos de esas sombras,
sombras proyectadas por la curvatura de la esfera del globo ocular abajo debajo de los ojos, creando las bolsas de los ojos, y luego abajo debajo de la nariz, por supuesto, ya que la nariz sobresale sobre el resto de la base y arroja un poco de sombra hacia abajo sobre el área superior del labio. Una de las sombras más grandes y
fuertes que puedes ver es aquí abajo ya que la cabeza está lanzando una sombra hacia abajo sobre el cuello. Por supuesto, vamos a tener algunos valores más profundos en los pliegues, los ojos, y donde el párpado se encuentra con el globo ocular, así
como donde el cabello más oscuro, que ya es un valor naturalmente más oscuro, va a tener mucha oscuridad en ella, y las partes del cabello que están captando menos luz van a ser más
oscuras que los bordes superiores del cabello donde hay menos pelos afuera y crea este efecto de halo realmente bonito que nosotros puede amplificarse y exagerar en nuestro retrato final. Al mirar nuestra referencia junto a nuestro boceto de retrato, se
puede ver que las características mismas son diferentes. Hay algunas similitudes y forma, y en la estructura facial por supuesto, pero también hay muchas maneras en las que son diferentes, que en realidad estoy muy emocionado. Esta es la diferencia entre ir por el realismo fotográfico y simplemente usar tu referencia como referencia para guiarte a medida que creas tu propio retrato único. Ahora que hemos hablado de nuestra referencia, hemos hablado de nuestros colores, sigamos adelante y configuramos nuestro boceto y nuestra paleta para que podamos empezar a pintar.
11. Retrato de color: parte 1: Ahora que entendemos un poco mejor nuestra referencia, salgamos nuestro boceto y comencemos a pintar. [ MÚSICA] Conforme nos preparamos para empezar en nuestra pintura, tengo que decidir por dónde empezar primero. Creo que sería buena idea obtener un valor oscuro en primer lugar, que podría ser el fondo o empezar a poner en algunos de los tonos más oscuros del cabello. Nuevamente, lo que voy a empezar con el pincel más grande que pueda. Tengo
aquí un cepillo plano grande de tres cuartos de pulgada que voy a usar para empezar a bloquear en color. Voy a usar eso todo el tiempo que pueda. Creo que voy a seguir adelante y empezar con los valores más oscuros del cabello y para eso, voy a mezclar umber quemado con bonito azul cerulean. Algo que creo que es realmente interesante azul
ceruleo es el hecho de que esté un poco más cerca del verde. De lo que va a hacer cuando se mezcla con nuestro umber quemado que es un poco caliente y
es un poco naranja, va a crear algo que le tenga un tinte ligeramente verde. En realidad no hay mucha agua en mi pintura aquí. Yo sólo voy a estar bloqueando en el color. ocasiones lo que voy a hacer en lugar de pintar de esta manera, es que voy a empezar con lavados muy sueltos porque si
vas a estar pintando con lavado y quieres usar capas más sueltas, sobre todo cuando estás bloqueando de color a esta madrugada etapa, quieres empezar con esas capas perdedores si eso es lo que vas a hacer. Para esta pintura en particular, sólo
quiero empezar a bloquear en mis valores más oscuros ahora. En realidad voy a extender el cabello un poco más allá de lo que originalmente había esbozado con algo así. Tengo la sensación de que la forma del cabello va a cambiar a medida que seguimos pintando. No quiero entrar y poner este color en las cejas ni nada más por el estilo actualmente,
sólo porque quiero que tenga este valor oscuro. Podría entrar y bloquear en algunas formas más grandes y las cejas tienden a ser una forma más pequeña. Si empiezo a trabajar en ellos ahora, hay una muy buena probabilidad de que solo se vayan tapando más tarde ya que pinto en el resto de la piel que les rodea así que no voy a hacer eso. Justo como ejemplo, en color ligeramente cambiante, ahora
voy a hacer un color más claro dentro del cabello. Para eso, estoy mezclando un poco de blanco en mi mezcla de umber quemada, la que ya estaba usando y el blanco tiende a enfriar bastante el color. También estoy agregando algo de mi ocre amarillo y un poco de mi Rosa Quinacridona para
darle al color algo de calidez y luego algún umber quemado donde quiero que sea más marrón. Ahora mismo para el cabello, sí
quiero que esto sea blocky y suelto, voy a añadir un poco más de agua a mi pintura. No estoy tratando de hacerlo perfecto ahora mismo de ninguna manera. Solo estoy metiendo colores y
pensando en lo que tengo y a dónde podría querer ir a continuación. Recuerda, nada tiene que ser perfecto en esta etapa, literalmente
acabamos de empezar a pintar y poner en color. [ RUIDO]. Ahora que tenemos un valor suelto en, quiero seguir adelante y trabajar en la piel. Voy a añadir un poco de mi Rosa Quinacridona al borde de nuestra mezcla marrón para conseguir algo que sea un poco más rojo. También está bastante suelto. Este es un lavado bastante ligero. Yo sólo voy a colocar esto alrededor de nuestro borde aquí, y tal vez con un poco más och-re amarillo para calentarlo mientras lo empujamos con el och-re amarillo, sólo se va a poner más marrón también. Estaba pensando que mientras estoy trabajando en estas capas iniciales, puede
ser útil tener más de mi paleta visible para que puedas ver cómo estoy mezclando mis colores. Ten en cuenta que nada tiene que ser completamente perfecto en esta etapa. Simplemente estamos bloqueando las cosas y realmente conociendo la pintura si eso
tiene sentido en este punto y haciendo notas para nosotros mismos de alguna manera. En este punto, me estoy recordando que quiero que este lado del cuello sea más ligero y también hay algunas zonas que voy a querer estar más cálidas, algunas zonas que voy a querer tener más rojas y más amarillas. Yo
también tengo eso en consideración y sólo vamos a bloquear las cosas en este punto. Si mantienes tu pintura más transparente aquí, lo que
significa que tiene más agua, el beneficio de eso será que aún puedes ver tu boceto debajo. Estoy mirando mi referencia y estoy pensando en el valor. También estoy pensando como dijimos antes, esos sutiles cambios de color. Simplemente bloqueando en algunas zonas que no necesariamente son súper destacados, pero que son tan relativamente cálidas. Ese es mi objetivo en este punto y luego pensando, ¿de qué necesita más esto antes de hacer mi próximo color? He añadido un poquito de rojo a esa mezcla y puedo empezar a agregar valores que son un poco más rojos, si cubres algo más, eso está totalmente bien. Mucho rojo por aquí cerca de este pómulo y pondremos un poco en la punta de la nariz también. Como dije, se puede pensar en esta capa inicial, justo esta colocación de color suelto como algo dentro del ámbito de hacer notas para ti mismo sobre cómo podrías querer que la pieza se vea a medida que avanzamos. Una cosa que realmente me encanta hacer con los retratos de lavado es mantener el oído relativamente rojo a diferencia de un montón de rojo en los oídos. Eso es solo una preferencia personal mía con orejas y también alrededor de los ojos, agrega mucha emoción cuando puedes mantener algo de rojo en esas áreas. También tiendo a encontrarme muy propenso a olvidar pintar los labios en absoluto. A menudo cuando estoy empezando mis labios
no tendrán nada en absoluto durante mucho tiempo y luego pensaré,
más adelante, supongo que probablemente debería poner algo de color en los labios. Creo que necesitamos meternos en algo de ese verde del que te estaba hablando antes. Te vas a dar cuenta de que no es un color súper verde. Lo estoy mezclando aquí mismo, solo con trozos de amarillo y trozos de marrón. Simplemente va a leer como más verde que los colores que hemos bajado hasta ahora y ese es realmente el objetivo. También estoy usando esto como color de sombra, lo cual es muy importante notar. En algunas zonas esa sombra va a verse más oscura que en otras áreas. Se ve bastante oscuro cuando lo coloco aquí arriba alrededor de los ojos. Pero cuando me acerco al fondo donde ya había establecido algunos colores más oscuros, no lee del todo este oscuro. En realidad voy a mezclar ese algo un poco más oscuro simplemente tirando trozos de color, manteniéndolo alrededor del borde de mi mezcla. Si me pusiera esto como es ahora mismo, este color de aquí estaría bastante saturado y podría ser bastante distrayente. Déjame mostrarte a lo que me refiero con solo hacerlo. Si yo sólo dejara eso ahí dentro. Definitivamente es muy verde, porque es tan oscuro, en realidad no está tan mal. Puede que hasta lo deje por un rato, eso me gusta. Sí, definitivamente mucho más verde que los otros colores que habíamos estado usando. Para profundizar y contrastar el resto de la sombra. El rojo y el verde son colores complementarios, lo que significa obviamente que se
complementan muy bien cuando se colocan uno al lado del otro. Pero cuando se mezclan, se neutralizan unos a otros. Al mezclar mi rojo y mi verde, estoy consiguiendo este bonito marrón desaturado, que me va a conseguir un tono más profundo para algunas de mis áreas de sombra. Puedo dejar eso en puntos más oscuros. Ya que tengo este color oscuro en mi pincel, puede que entre y coloque eso en algunas de mis zonas más oscuras. Aquí es cuando definitivamente sentiré que estoy usando un pincel un poco demasiado grande para el trabajo, pero eso está bien. También bloquearemos en algunas formas aproximadas de cejas aquí. Esas obviamente no van a ser las formas finales que usaremos. Pero los vamos a meter ahí. Oh chico, esa ceja tratando de escapar, ¿no es así? Tengo que tomar algunas decisiones sobre este filo de la cara aquí. Al igual que en nuestra referencia, ahí hay una mano. Eso va a ser algo que depende un poco nuestra imaginación en cuanto a cómo se va a ver eso. Pero ya tenemos algunos colores realmente bonitos formando. Lo que generalmente tiende a pasar conmigo es, en este punto estoy viendo algunas áreas que estoy dejando blancas que quiero cubrir para que pueda enfocarme en áreas más pequeñas. Necesito tomar decisiones sobre el tono de algunas de las áreas más ligeras. Haciendo buenos avances hasta el momento y sólo han sido unos minutos. Una gran parte de eso tiene que ver con empezar con un pincel grande de inmediato. pensar en mis aspectos más destacados, una de las primeras cosas que puedes hacer obviamente es simplemente empezar a agregar blanco. Lo que voy a hacer es simplemente agregar blanco a una zona
que ya tenemos y poner algo adentro y ver qué tenemos. Se puede ver esto luce relativamente gris en comparación con nuestros otros colores muy cálidos. Eso es sólo porque la luz tiene un efecto de enfriamiento natural en otros colores. Naturalmente va a hacer las cosas más frescas y más cercanas al azul. Terminaré cubriendo mucho de eso. Incluso esto es más cálido pero aún no súper cálido, puede
parecer un poco sucio. Una cosa que no quieres hacer que puedo o no estar haciendo en este momento es si sabes que un color está mal, si sabes que no es lo que quieres y no necesariamente, ni siquiera
es parte de tu proceso de toma de notas donde solo estás poniendo cosas y para empezar, eso es una cosa y eso está bien. Pero si no estás haciendo eso y solo estás tendido en un color y ya sabes, no está bien, no lo pongas ahí. Si ya sabes que no es lo que
quieres y no te está ayudando a acercarte a lo que quieres, puede
que sea una buena idea simplemente pasar el tiempo extra mezclando y acercándote a lo que sí quieres. Ahora mismo busco un rojo más terrenal que sea poco más oscuro para los bordes de nuestra nariz aquí. No quiero perder el pliegues de la ceja. Sí. Ahora me estoy acercando mucho a sentir como si mi pincel es demasiado grande, ya que he cubierto mucho el área y usar un tamaño sin escobillas es muy pronto solo me va a empezar a interponerme en mi camino. Ahora es cuando quiero empezar a pensar en cambiar a un pincel más pequeño o simplemente por ahí, seguro. Estoy mezclando un poco más rojo, un poco más marrón. Por supuesto a medida que añades más pintura, probablemente
vas a querer agregar más agua porque tu pintura se va a secar lentamente. A mí me gusta cómo hemos establecido aquí algunas formas blocky. Pero veo que alguna forma está empezando a perderse. Creo que es hora de cambiar a un pincel más pequeño y reestablecer parte de la forma. No quiero cambiar a algo demasiado pequeño en este punto así que en
realidad solo estoy usando un cepillo redondo relativamente grande. Me encantaría decirte de qué talla
es esto pero está un poco desgastado y no tiene mucho. Sólo para referencia, este es un tamaño ya sea seis u ocho al lado de él aquí. puede ver que sigue siendo un pincel redondo relativamente grande. Estoy cambiando a esto ahora para que pueda establecer algunos hitos. Ahora que tenemos alguna estructura básica en, el color que estoy mezclando ahora es mi combinación de azul y marrón. Voy por algo muy oscuro porque nuestro azul ceruleo está tan cerca del verde. Puede que incluso necesite un poco de rojo para tonificar el color hacia abajo y conseguir que sea agradable y profundo. Casi como si los estuviéramos mezclando morado con marrón en lugar de solo azul con marrón, que es esencialmente lo que está pasando aquí. Voy a entrar y establecer los ojos para
que no empiecen a derivar mientras los construyo. Yo quiero mantener esos hitos oscuros en su lugar. Tenemos algo de oscuridad ahí para nuestros ojos. De nuevo, me gusta aprovechar un color mientras lo estoy usando. También voy a usar esto para algunos de los valores más oscuros del cabello. Alrededor de la parte inferior donde el cabello se curva hacia abajo y lejos de la luz si piensas en eso como una gran especie de forma de orbe, podemos conseguir algo de esa oscuridad ahí dentro. Quizás algunos incluso bajo nuestra barbilla donde hemos empezado a perder la forma de la barbilla. Podemos redefinir eso un poco con algo un poco más oscuro. Como dije, los detalles parecen desaparecer en las sombras. No queremos tener demasiadas líneas duras aquí abajo por nuestro valor de sombra. Tomando un pincel mojado y limpio, sólo
voy a mezclar eso en un poco. Esta puede ser, por supuesto, una buena oportunidad para redefinir algunas de nuestras características. medida que nos estamos metiendo un poco más de los detalles ahora, me parece que las cosas más importantes que hacer una vez que has bloqueado en color es conseguir esos puntos de referencia en cuanto
puedas para que tus características no solo se pierdan. Estoy pensando en la curva de los nodos aquí tratando de mantener el control de eso. Está bien, podemos entrar y arreglar los detalles. En un paso futuro, notarás que hice muy esta forma de ojo, esta oscuridad es muy gruesa. Parte de mi propósito para eso es que quiero agrandar el ojo en general. Nuevamente, ese soy yo
haciéndome una nota que me di cuenta de que me guiaban permitiendo que el ojo se volviera un poco pequeño, ese en particular. Cuando vuelva a ello, voy a querer oscurecerlo. Mis cejas pueden permanecer muy similares a lo que son ahora cuando la pieza está terminada. Puede que no les haga mucho más ya que no quiero que necesariamente sean un punto focal importante pero quiero que estén ahí. Otra vez, todavía sólo usando este color oscuro porque lo tengo en mi pincel. Muchas de esas notas que hicimos para nosotros mismos en las primeras etapas fueron realmente útiles para hacer. Ahora estamos empezando a entrar en un trabajo un poco más detallado. Podemos hacer eso cómodamente y sin miedo. Es casi pensar en ello desde baja resolución hasta alta resolución lo cual es una analogía que escuché hacer un artista recientemente. De verdad me encanta esa idea. Estamos aseverando, si fueras a entrecerrar tu cuadro, y solo puedes ver algunos de los detalles, solo
puedes ver los trozos más grandes de valor, ¿cómo sería? Las cosas que verías al entrecerrar, serían las áreas oscuras y las áreas claras. Una vez que puedas conseguir algunos de esos valores en, puedes conseguir que se establezcan. Entonces puedes entrecerrar un poco menos o acercarte un poco más o arriba esa resolución y ver los detalles un poco más claramente. Una cosa de la que no quiero cometer el error es hacer toda la estructura facial e ignorar el fondo, y necesitar hacerlo más tarde, que podría resultar un problema si invadiéramos algunas de nuestras otras áreas. No quiero hacer demasiados detalles ahora solo para necesitar pintar sobre ellos más tarde. Con nuestro fondo, si miramos nuestra foto de referencia más grande, hay mucha oscuridad que contrasta la piel más clara. Pero entonces también aquí arriba hay algunos valores más claros que contrasta la oscuridad del cabello. Creo que voy a jugar con el color de fondo y hacerlo diferente a lo que vemos aquí pero manteniendo esos aspectos fundamentales del valor. Valores más oscuros aquí abajo en la parte inferior para contrastar la piel con algo más claro alrededor de la parte superior para contrastar el cabello tal vez con dejar un poco de espacio de meneo para este efecto halo. Queremos algún contraste ahí con tal vez un poco más oscuro alrededor del borde del cabello para el fondo pero aun así algo, algunos pedacitos de ligereza para contrastar la oscuridad general. Deberíamos conseguir algo aquí abajo para el área de playeras también que va a estar muy suelto y no súper definido.
12. Retrato de color: parte 2: Con nuestras bases en su lugar, estamos listos para agregar un poco de estilo con nuestro fondo y algunos detalles divertidos. El color que tengo en mi pincel ahora mismo es una mezcla de ocre amarillo, un poquito de azul cerúleo y mucho blanco. Solo tengo curiosidad por cómo se vería esto en nuestro fondo y solo colocando eso en la esquina, siento que es muy similar a nuestros tonos de piel. Si añado un poco más azul, se vuelve un poco verde y lo que estoy sintiendo en general es que estos dos colores son muy similares a algunos de los colores que tengo en la piel. Ahora bien, si quiero mantener las cosas súper cohesivas, eso está totalmente bien. Puedo jugar con esa mezcla de colores tal como está. Pero sí quiero probar algo un poco diferente, que es comenzar con el blanco, agregar un poco de azul y conseguir algo un poco más limpio. Jugar con algo que contrastará nuestro fondo y jugar con algo que contrastará un poco más nuestros rasgos faciales y los colores en la piel. Como saben a estas alturas, he agotado casi toda mi cal fresca,
tengo un poco de blanco seco debajo de él del que solo estoy sacando, pero no tarda mucho en pasar por una lechada de cal, razón por la
cual es algo de lo que siempre me gusta tener un tubo más grande cuando pueda. Yo quiero conseguir algo más de ese azul ceruleo limpio mezclado con mucho blanco, así puedo tener algo que en realidad tiene menos amarillo en alguna parte. Tener algo demasiado similar a nuestros tonos de piel solo causaría que eso se mezclara bien. Yo sí quiero tener, por supuesto, mis valores en mente y pensar si quiero el fondo sea más claro o más oscuro que la piel. Como dije, quería que fuera más oscuro en la zona más cercana a la piel y luego más claro en algunos puntos cerca del cabello. Al agregar esta mezcla azulada más oscura aquí abajo en la base, puedo entonces simplemente agregar blanco o incluso simplemente agregar agua a este color cerca de la parte superior para contrastar el cabello. Ese Brown todavía va a ser más oscuro que el color que teníamos. En este punto de la pintura quiero enfocarme más en los ojos. he dejado relativamente sin pintar hasta ahora, pero no quiero que se queden así. Porque los ojos van a ser un gran punto focal para la pintura. Yo quiero conseguir algún detalle en ellos ahora. Lo que estoy haciendo ahora, es que estoy mezclando un color relativamente claro para los blancos de los ojos. Yo quiero que eso sea un poco guay. Tiene bastante azul en ella, pero no quiero que sea azul como nuestro fondo, también tiene un poco de rojo para cambiar el tono del color. Un error común que se comete cuando la gente está pintando ojos es que
van a hacer que el blanco del ojo sea demasiado blanco y a veces hacerlo realmente puede arruinarte. Porque entonces cuando vas a poner los reflejos, no
hay suficiente contraste entre el resaltado y el resto del ojo. No estoy usando un blanco puro aquí. Estoy tendido en un color azul ligeramente grisáceo y siempre está bien ir por los espacios si quiero cambiar las formas de las cosas. Consiguió un color muy neutro de nuestro azul y marrón mezclados juntos en este
momento y solo voy a ponernos este color realmente oscuro en. Sólo porque en este punto necesito calibrar la forma
del iris y de la pupila en su conjunto antes de tratar de diferenciar entre los dos. Al igual que con nuestra pintura general más grande, queríamos conseguir los trozos más grandes primero y luego trabajar en los detalles. Estamos haciendo lo mismo aquí, sólo en un área más pequeña, consiguiendo primero esos trozos más grandes y luego podemos entrar y trabajar en los detalles. Una vez estamos seguros de que esas piezas están bien y ya estoy mucho más feliz con esto. Los ojos, porque quiero que sean un punto focal, a menudo
son un lugar agradable para agregar pops de color y mi color favorito para estallar en los ojos definitivamente es rojo. Creo que puede agregar mucha emoción a las piezas. Tiendo a, en las esquinas de los ojos, añadir un poco más de rojo. Voy a aclarar el fondo del blanco del ojo y dejar
la parte superior un poco más oscura solo para mostrar que hay alguna sombra creada por el párpado. Al observar las diferencias entre mis dos ojos, puedo ver que este ojo se curva un poco más abajo en la esquina y quiero mantener ese borde bonito y alto. Si vas a estar pintando sobre el color anterior como lo estoy haciendo aquí, quieres asegurarte de mantener tu pintura relativamente gruesa y no demasiado húmeda. Es posible que tengas que hacer un par de capas especialmente si estás
cubriendo un color más oscuro con un color más claro. Pero si mantienes tu pintura un poco más gruesa a diferencia de acuosa, no reactivará casi tanto tu pintura. Tenemos un bonito color plano ahora para nuestros ojos y voy a experimentar con algo realmente verde,
pero algo que debería ser relativamente ligero, solo para reventar un valor más ligero en la parte inferior del iris. Aquí abajo así. Esto puede agregar mucha luz y vida a tus ojos de manera bastante simple y luego con un cepillo húmedo y
limpio, puedo mezclar eso. Como puedes ver, sí mantení un anillo oscuro raramente alrededor del exterior del ojo y este iris es un poco demasiado pequeño. Quiero agregar un valor aún más ligero a la luz de mi ojo y realmente me encanta construir gradualmente
hasta valores más ligeros como este y tengo que tener
cuidado de si esta pintura sigue mojada o no. Porque si estoy agregando sólo más de color a la pintura húmeda, se va a mezclar juntos, lo cual puede que quiera, o puede que simplemente empañe mis colores. Tengo que estar muy atento cuando estoy agregando mi pintura. Como se puede ver en tan solo un par de minutos, nuestros ojos están mucho más animados de lo que estaban antes de empezar. Muchas veces termino saltando de ida y vuelta en esta etapa para arreglar errores mientras los cometo. En este punto, vamos a estar trabajando en un par de objetivos realmente simples. Puede parecer que estoy saltando mucho, pero me estoy centrando en sólo algunas cosas. En primer lugar, quería agregar un poco más de variedad de color. Entré y agregué un poco más de rojo para
equilibrar todos los amarillos y marrones que estamos en la cara. Después de eso, quería recuperar y
reestablecer algunos de los valores más ligeros y esos planos más ligeros, las zonas de la cara que van a estar mirando un poco más
hacia arriba y captando algo más de la luz, como los pómulos y el hueso de la frente, la parte superior del labio. Yo quería hacer esos más ligeros para que los planos de la cara destaquen un poco más y le estamos dando más dimensión y forma a nuestro retrato. Una vez que tengo esos valores más ligeros en, puedo construir ese contraste aún más volviendo atrás y estableciendo algunas áreas más oscuras. nuevo, en realidad solo estoy trabajando en cambios sutiles en la variedad de colores y construyendo nuestro contraste para que esa estructura sea aún más sólida. También estoy volviendo a entrar y llenando algunas áreas que antes había permitido que fueran un poco más transparentes, algunas áreas donde pudo haber estado poniendo en lavados más ligeros, voy a volver ahora para aumentar el opacidad general para que todo sea uniforme en toda la pieza. En este punto de nuestra pintura, estamos en un escenario en el que muy fácilmente podríamos perdernos un poco. Hay mucha estructura que ya está definida aquí. Si observamos un cuadro de nuestra pintura en escala de grises actualmente, veremos que en realidad no hay una tonelada de variación de valor. Tenemos algunos puntos claros que son un poco más oscuros. A pesar de que tenemos varios tonos diferentes pasando en la base, nuestros valores en general son relativamente planos y nuestra foto de referencia también es relativamente plana, en cuanto al valor. Entonces no estoy demasiado preocupado por eso. Pero hay algunos cambios que podemos hacer para simplemente juntar todo ya que esperemos entrar en las etapas de terminar este retrato. Una cosa que creo que va a ser muy útil para llegar allí, es no tener un área que tenga todo el rango de valor. Bueno, antes de esperar hasta el último paso para sumar los reflejos a nuestros ojos, en realidad
voy a seguir adelante y hacer eso ahora. Tengo un área de mi rostro que tiene toda la gama de valores. Nuestros ojos van a tener el valor más oscuro y vamos a caer un destello en, para que también tenga un valor más ligero. Entonces podemos simplemente llevar todo en línea con esa gama. Para mí actualmente, en realidad han pasado unos días desde que hice las primeras secciones de este cuadro. En realidad estoy trabajando con gouache reactivado hoy. Si estás buscando algo realmente opaco y sería fácil es usar consistencia en un día fresco, siempre
puedes exprimir pintura fresca. Yo sólo voy a caer en un punto culminante arriba en la parte superior del ojo, ahí mismo. Eso es realmente útil solo para calibrar dónde estamos y dónde queremos
estar y voy a dejar caer este color claro muy suavemente hacia abajo en la parte inferior del ojo. De lo que esto ayuda a hacer es mantener el ojo esférico. A medida que el globo ocular se curva de nuevo en el espacio hacia la parte superior, se oscurece al desaparecer detrás del párpado. Ahora, tenemos un montón de alcance ahí dentro. Yo sólo quiero trabajar en asegurarme de que los valores en las otras áreas sean muy claros. En este punto, a veces también me gusta, puede
parecer un poco contra-intuitivo, pero tiendo a empezar a ignorar un poco mi foto de referencia. A lo que me refiero con eso es, este es el escenario donde quiero permitir espacio para alguna interpretación creativa. Lo que voy a estar haciendo es, sólo
voy a empezar a centrarme un poco en lo que quiero comunicarme con esta pieza. Si hay algún ambiente específico que
siento que me gustaría que esta pieza compartiera y se comunicara, este es el momento de hacer eso. Además, para conseguir algunos colores más fríos en, tenemos algunos valores muy cálidos actualmente. Creo que contrastar eso un poco con algo un poco más fresco podría ser realmente útil. Este color es de un color grisáceo, pero tiene mucho más de un grosero y azul en él y quiero que este sea un valor oscuro. Cuando estás introduciendo un nuevo color en tus piezas, una de las mejores cosas que puedes hacer es asegurarte de que, ese color exista en más de un spot. Puede parecer realmente fuera de lugar cuando tienes un color, lo traes y solo va en un lugar. Cuando estoy trabajando en un retrato, hay muy pocas instancias en las que voy a añadir un color recto, totalmente saturado sin mezclarlo con nada más. Por lo general esa es una manera realmente fácil de estropear las cosas, si tienes demasiada saturación por todo el lugar, tus colores no funcionarán entre sí. Para mí, la excepción a eso suele ser de un color de acento. Un color que elijo específicamente para permitir que esté mucho más saturado. Nueve veces de cada 10, ese color es rojo, para mí. Especialmente cuando se trabaja con retratos, rojo a menudo puede significar calidez para la piel en zona con mayor flujo sanguíneo. Siento que es un color que hace un gran trabajo de solo agregar más emoción a las piezas. Tengo mi cepillo un poco mojado aquí y estoy ablandando algunos de estos bordes. Eso lo estoy haciendo un poco selectivamente porque sí quiero que el rojo destaque. Pero no quiero que se distraiga en algunas zonas. Pero sí quiero que este rojo sea una combinación de bordes duros y bordes suaves. Habrá algunos puntos donde lo ablandaré, y en otros puntos lo dejaré bonito y crujiente. Me encanta cuando el enrojecimiento se mezcla en el ojo también. Ahí vamos. Otra cosa que realmente me falta en esta pieza son algunos valores muy ligeros en la piel. Siento que la piel, incluso nuestras zonas más claras se pusieron un poco gris. Voy a tratar de agregar algo de calidez a los reflejos de la piel, con solo blanco y un toque de ocre amarillo. Trata de mantener ese color tan limpio como pueda. También debe permanecer relativamente opaco. Si este color se pone demasiado acuoso, solo va a reactivar las capas debajo. Yo estoy tirando esto, se siente todavía bastante acuosa. Pero vamos a empezar aquí y si el resultado es que necesitamos capas sobre algo más de color encima de esto, está bien. Solo estoy tratando de sacar algunos de mis aspectos más destacados de nuevo en la piel, y hay muchas áreas claras en este ejemplo en particular. Tengo un marrón muy rico en mi pincel ahora mismo que solo estoy probando, es el color que principalmente hasta este punto se ha reservado un poco más para el cabello. Quizá quiera usarlo para agregar algo de calidez a nuestra cara. Puedes decidir como el artista, cuánto quieres pensar en tu papel, o si quieres tomar esas decisiones antes de pintar. Elegir pensar en tu papel, que es algo que estoy haciendo un poco aquí, como simplemente poner un color y luego decidir cómo me siento al respecto. El peligro de hacer algo así, por supuesto, es que si piensas en algo y luego cambias de opinión, por ejemplo, entonces eres responsable de cambiar tus colores. Puede ser mucho de ida y vuelta de esa manera. También estoy en este punto haciendo mucho entrecerrar mi papel para calibrar los valores y ver las áreas que son más oscuras, ver las formas más grandes un poco mejor. Creo que voy a suavizar un poco este filo.
13. Retrato de color: parte 3: Ya casi estamos ahí. Añadamos algunos toques finales. Ahora que la cara se ve más o menos como queríamos que es hora de trabajar en el cabello. El rostro en general tiene muchas formas grandes, más suaves así que quería que el cabello contrastara eso. Yo quería valores más profundos, oscuros en general y también quería agregar alguna textura que contrastara la cara mientras era menos detallada porque
quiero que los ojos y la cara sean el punto focal de nuestra pieza. Yo quiero que el cabello sea interesante y tenga mucho movimiento y mucha textura al mismo pero no quiero que sea tan detallado que distraiga de nuestra cara. Siento que finalizar algún color para el cabello me va a ayudar a saber qué necesito hacer para rematar el resto de la pintura. Algo que me gusta mucho de este pincel plano que estoy usando
es que en realidad es un poco libre que no está en las mejores condiciones. Cuando lo aplico directamente a mi papel así, me
da un poco más de textura y va a funcionar realmente bien para este cabello. Eso sí me gusta mucho, que tenemos un buen contraste entre el cabello y los fondos aquí. Nuestra forma de cabello se está alejando un poco de nosotros. De verdad me interesa si voy a tener el contraste necesario para agregar un poco de brillo, un anillo alrededor de los bordes del cabello. En teoría, es algo que realmente me gustaría hacer. Pero lo que necesito entonces es que las áreas alrededor de lo que sea que destaque sea ser muy ligero, por ejemplo, como aquí abajo, necesitaría esto para contrastar muy bien tanto el cabello el fondo y lo mismo tendría que ser para donde más elijo colocar este valor más ligero. Estoy observando en este punto para ver si hay algo que he perdido mientras he estado pintando algún valor que pudiera haberse conservado mejor de lo que me gustaría traer de vuelta. Estoy mezclando un morado marrón oscuro profundo para recuperar algunos de mis valores más oscuros específicamente como el pliegues del ojo aquí. Esto realmente puede ayudar a afilar todo simplemente redefiniendo esas luces y oscuros, limpiando cualquier borde desordenado
y esto ya se está sintiendo mucho mejor. Nuevamente, como este morado es un nuevo color que estamos introduciendo, no
quiero ponerlo en un solo lugar. Voy a asegurarme de que exista en varias piezas a lo largo de la pintura y púrpura como un valor de sombra oscura para tonos de piel más oscuros es en realidad realmente agradable. Agrega una calidez a las sombras sin hacerlas parecer un poco sucias o cenicientas, sobre todo cuando guardas mucho rojo en tu morado. Entonces quiero conseguir un punto culminante agradable, relativamente cálido para mostrar algo de luz reflectante. Hola mamá. Hola amigo ¿qué pasa? Haciendo un libro. Ah, está bien. ¿Vas a leer? Mamá ¿te gustaría venir aquí y leer conmigo? No puedo ahora mismo amigo, pero hoy voy a leer ese libro contigo. Puedes ir a mirarlo. Yo te amo. Te amo Mirando nuestro retrato en blanco y negro ahora, estoy mucho más feliz con la gama de valores y siento que es un poco más equilibrado de lo que había sido. De verdad solo tienes que decidir en qué momento vas a dejar de juguetear. Porque sé que podría seguir jugueteando con esta pieza y hacer cambios y hacer ajustes. Seguirá cambiando. No es que no vaya a cambiar nada si sigo jugueteando. Pero también podría quitármelo de un lugar que quizá me haya gustado mucho sin siquiera darme cuenta realmente. Me gusta que tengamos un poco del avión cambiante aquí desde la frente, que está mirando hacia arriba hacia la luz, y luego se curva aquí abajo con el hueso de la frente lejos de la luz y se pone un poco más oscuro. Podemos agregar un poco de un color transitorio entre ahí y luego volver a subir a nuestra zona de luz. Porque esta es una sombra curva, quiero que este borde sea un poco más suave y no
tan duro de una curva. Cepillo mojado en tu gouache, ahí vamos. Añade un poco de calidez a esta transición ya que se curva de nuevo hacia la luz también. Se puede ver que puedo tirar ese valor de luz justo ahí arriba. Cuando quiero mover la pintura así, tengo que estar muy atento a la cantidad de agua que hay en mi pincel ya que eso va a determinar cuánto estoy moviendo pintura y cuánto estoy reactivando capas anteriores. Estamos justo por ahí. He pospuesto pintar el área de ropa aquí ya que no he estado seguro de qué color hacer eso. No necesariamente recomiendo dejar toda
una sección de su cuadro y esperar hasta el final. Eso también fue algo que me olvidé. Lo que voy a hacer es que voy a caer en un color experimental y si decido que quiero cubrirlo más tarde, sólo lo
cubriré. Pero estaba pensando en experimentar con algo complementario a nuestro color azulado y hacer esta naranja. Es importante recordar que nuestra ropa no es el punto focal de la pieza. Puede acentuar y complementar la pieza en su conjunto, pero no tiene que ser tan detallada como el resto porque esa no es realmente la intención. Pero de nuevo, si estableces algo así antes de
lo que soy básicamente al final, puede ayudar a darte una mejor comprensión del ambiente de tu pintura. Siento que los colores de cortesía son muy amables y cuando los colocamos juntos, solo
quieren trabajar bien y ayudarse mutuamente a brillar y le da ese ambiente amable, feliz a una pintura siempre y cuando no se mezclen demasiado mucho porque entonces se pone fangoso y menos agradable. También puedo decidir si quiero dejar esto como un color sólido o si quiero agregar un poco de valor de sombra, algo bonito y sutil a nuestra ropa. Lo que hice ahora es que acabo de mezclar nuestra naranja con un poco azul
ceruleo y porque esos colores son complementarios como dije, se neutralizan unos a otros. Estos valores van a ser poco grisáceos. general lo último que me pregunté con un cuadro es si hay más destacados, quiero sacar, cualquier área que se ponga un poco oscura que pueda querer aclarar. Voy a los rincones interiores de los ojos con algo un poco más ligero. Recordando que los párpados están mirando hacia arriba hacia la luz como lo es el puente de la nariz se curva un poco. No quiero agregar demasiada luz a la parte inferior de la cara porque quiero que la luz brille principalmente en la parte superior de la cabeza y luego todo el lado inferior de la cabeza se curva lejos de la luz. A lo mejor algo reflexivo en este filo sólo por alguna dimensión. Un poco de luz reflectante puede ser realmente útil por solo agregar ese toque de 3-dimensionalidad a una pieza siempre y cuando esté adecuadamente contrastada con algo más oscuro. Otro consejo que podría recomendar mientras trabajas en tu retrato, si sientes que algo podría estar apagado estoy bastante contento con éste y aunque esto sí me revele algo, probablemente no lo cambie. Puedes tomar una foto de tu cuadro y luego voltearlo horizontalmente para ver si hay algún sesgo. Para mí puedo ver que hay un poco de inclinación, un poco de turno. Pero cuando volví esto de cualquier manera, estoy bastante contento con cómo se ve en ambas direcciones. Esta mandíbula obviamente es un poco más ancha de este lado, pero también podemos ver más de esta oreja. A mí me parece bien cómo se ve eso. Se puede ver la boca se levanta un poco aquí. Sí, voltear ese lienzo horizontalmente puede ser realmente útil para ver si alguna de tus proporciones se está
sesgando y creo que eso nos lleva al final de nuestro retrato en color.
14. ¡Comentarios finos!: Hola otra vez y felicitaciones por llegar a la clase. Si has estado trabajando en diferentes ejercicios durante el último par de horas, me encantaría verlos. Por favor, sí comparte cualquier cosa que hayas creado en la sección de proyecto de clase. Si tienes alguna pregunta o comentario, puedes dejar una opinión sobre esta clase o dejar cualquier comentario o pregunta encima en la sección de discusión comunitaria de la clase. Espero que se sientan mucho más confiados a la hora de acercarse al gouache, cuando se trata de acercarse a retratos, y todas las demás cosas que hemos discutido. No puedo agradecerte lo suficiente por unirte a mí en esta clase y estoy tan emocionado de ver lo que has creado. Nos vemos en el siguiente.
Arleesha Yetzer, Watercolor Illustrator & YouTube Artist
