Clase magistral de orquestación, parte 3: líneas y doblados

1. Introducción: Hola a todos, bienvenidos a la orquestación parte tres. En esta clase, nos vamos a centrar en escribir para la orquesta y en particular el tipo de elemento horizontal. La siguiente clase nos enfocaremos en el elemento vertical, pero en realidad va a haber muchas cosas verticales a esto, a lo que significa que es cuando tenemos una pieza musical, hay mucho que pasa horizontalmente y mucho ahí sucede verticalmente. Verticalmente. Sería como todos los instrumentos en la partitura. Horizontalmente sería como melodías y paso del tiempo. Así que vamos a enfocarnos en líneas individuales y mirando cómo podemos sacarlos dentro de la orquesta. En particular, vamos a ver diferentes formas de duplicar las cosas para hacerlas sonar más gruesas. Esta es una gran parte de la orquestación. Entonces vamos a empezar por decir cosas como, si tengo una flauta tocando una línea, ¿qué pasa cuando la hago tocar? Hacer que el oboe juegue la misma línea? Entonces vamos a expandirnos y decir qué pasa si tengo que pasar esas dos cosas, pero hay una octava entre ellas. ¿ Y si agrego una trompeta a eso? ¿ Y si agrego una trompeta y una octava y una tercera más alta? Esos son todos los diferentes tipos de sistemas que vamos a mirar en esta clase. Entonces sin más preámbulos, vamos a bucear y empezar a escribir algo de música para orquesta. 2. El formato de esta clase: Vale, hablemos de cómo vamos a organizar esta clase. Hay mucho que cubrir. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a hablar líneas y color en esta parte de la clase. Lo que eso significa es cuando tenemos mucha mirada, veamos un ejemplo. Digamos aquí mismo. Vamos a escribir oleaje. Esto funciona. Seguro. Veo esta pequeña línea. Esta pequeña línea de violín. Esto es violín uno. Eso es genial. Lo que este compositor decidió hacer fue duplicar que en violentos a violentos, violentos dos es lo mismo. ¿ Por qué harías eso? Sonaría diferente si solo estuviera presentando uno? ¿ Es meramente una cuestión de volumen sumar la segunda violencia o hay una madera o razón para hacer eso? Ese es el tipo de cosas de las que vamos a hablar. También tenemos nota sobre el final aquí de este primer bar. Entonces aquí hay diferentes tipos de duplicación. Y luego todo el mundo tocando el mismo ritmo, notas diferentes, forma diferente. Pasando al siguiente bar. Todo eso es lo que vamos a ver. ¿ Por qué se duplicaría? No tiene ningún sentido. También estamos duplicando en los fagotes. Esto creo que es el oboe. Todo el mundo está tocando ese riff justo ahí. Entonces las lecturas un poco se lo quitan y van de ahí. Lo que vamos a hacer es mirar las seis formas diferentes que puedes hacer esto. Hay seis formas diferentes en que puedes duplicar o no duplicar. No se puede duplicar, se puede duplicar, se puede duplicar la octava, se puede duplicar una armonía, etcétera Hay un montón. Hay aproximadamente seis formas diferentes de hacerlo. Lo que creo que vamos a hacer es que vamos a ver un chorale de Bach. Esta es una especie de forma estándar de hacer esto en una clase de orquestación. Vamos a ver un chorale de Bach. Lo vamos a escribir para orquesta. Lo vamos a hacer de un montón de maneras diferentes y vamos a ver cómo cambian los sonidos cuando nos duplicamos de diferentes maneras. Probablemente nos vamos a enfermar de verdad de este chorale de Bach porque vamos a trabajar mucho con él. Tal vez lo cambiemos y hagamos múltiples corales de bach. Pero la razón por la que estoy usando un chorale de Bach es porque generalmente solo me encantó la forma en que suenan. En realidad no me canso de ellos muy a menudo. Y no quiero pensar demasiado en la composición. No quiero preocuparme por eso. Quiero piezas cortas que suenan realmente agradables para que trabajemos. Esos son un gran material para eso. Ok. Pasemos y hablemos de una especie de rápida recapitulación de lo que ya hemos hablado. Entonces vamos a entrar en algunas cosas técnicas nuevas y divertidas. 3. ¡Antes antes en la orquestación!: Aquí está mi teléfono cosa genial. Anteriormente una orquestación. Sólo me encantó hacer eso. De todos modos. En las dos clases anteriores aquí hemos hablado casi exclusivamente de instrumentación, cómo funcionan los diferentes instrumentos. Entonces ahora vamos a estar aplicando algo de eso como estamos escribiendo. Al estar haciendo este tipo de experimentos melódicos con Bach, sí necesitamos pensar en lo que sabemos de los instrumentos. Rangos, periodos prolongados de juego, fatiga del brazo, cualquier cosa así, respiración. Cualquier cosa que sepamos que es particularmente difícil para cualquier instrumento que tengamos que tener en cuenta. Como estamos haciendo estos proyectos. Vamos a prestar atención a esas cosas. No veo nada aquí que realmente destale como, Wow, eso es complicado. Porque esto es como una pieza profesional. Bueno, aquí hay algo. Veo muchas notas aquí. Echemos un vistazo a lo que está pasando ahí. Así que piensa, estoy pensando es que tienes un montón de cosas bajas aquí. Entonces vamos a ser niños Toga, toga, toga, toga. Pero en realidad no es muy baja. La base está aquí abajo, poco profundas allá abajo, todo lo demás es en realidad bastante alto. Eso no va a llegar a chug. Chug. Tenemos este oboe realmente va por mucho tiempo o no, no, no, lo siento. Va a aquí y luego hay un descanso y vamos aquí abajo. Sí, van por mucho tiempo. Sin aliento. Ahí está nuestro descanso, así que van a ser coladas y respiraciones que tiraré aquí. Eso quizá sea algo en lo que pensar. De todos modos. Esas son las cosas en las que vamos a estar trabajando. Además de nuestro gran tema, vamos a estar aplicando algunas de esas cosas. Entonces considera ese tipo de como un subtema, pero muy importante para esta clase en el futuro. 4. Herramientas que estoy usando: De acuerdo, herramientas que vamos a estar usando para esta clase. Vamos a hacer algo un poco diferente. Como saben, si has tomado algunas de mis otras clases, sobre todo en mis clases de teoría, realmente me gusta usar MuseScore porque mu score es gratis, aunque eso ha cambiado un poco últimamente. Es como gratis con un asterisco. Ahora. Es gratis. La mayoría de la gente puede ponerle las manos encima. Y está en múltiples plataformas. Funciona muy bien. Sigo pensando que MuseScore es un buen programa. No obstante, subiendo a donde vamos, realmente creo que necesitamos actualizar a una herramienta más profesional para esta clase, para nuestro programa de notación, voy a estar usando Dory co, La fila dórica es un programa relativamente nuevo. Se trata de un programa de notación de nivel profesional. Es significativamente, sí, creo que diría significativamente más difícil de usar que la puntuación Mu. No obstante, tienes mucho. El motivo por el que es más difícil de usar es porque tienes mucha más flexibilidad. Puedes agregar cosas que no puedes hacer en algo como MuseScore. Es una herramienta mucho más profesional. Ahora es muy posible que todo lo que hacemos en esta clase todavía se pueda hacer en mu score. Si quieres apegarte a la puntuación mu, eso está bien. Puedes hacer eso. De hecho, si estás usando algún programa de notación, probablemente esté bien. Eres más que bienvenido a usar cualquier programa de notación que quieras. El motivo principal por el que estoy cambiando el MuseScore es porque quiero poder cargar bibliotecas de muestra externas, orquesta de mayor calidad. Ahora creo que se puede hacer eso en MuseScore, pero no estoy seguro. Parecía un poco torpenteante. Y estoy mucho más cómodo en más oscuro ahora, usa cualquier programa de notación en el que estés más cómodo. En realidad podrías incluso simplemente omitir programas de notación y simplemente usar un punto si quieres trabajar en la mini cuadrícula, eso también está bien. No tienes que comprar dora co, no tienes que cambiar a puerta co. No obstante, yo diría, si usted está haciendo trabajo profesional de notación, escribiendo música profesionalmente para instrumentos acústicos, o aspira a escribir profesionalmente para instrumentos acústicos. Realmente lo necesitas en algún momento para actualizar a una herramienta profesional para que las nuevas puntuaciones aún no es del todo. A pesar de que la música, nuevas partituras, bastante impresionante , falta en algunas, algunas habilidades. fila dórica es un gran programa. Hay algunos otros por ahí también. Voy a estar usando Doric row. Y para mi biblioteca de muestras, principalmente voy a estar usando la biblioteca de la Orquesta Sinfónica de la BBC. No es la biblioteca de orquesta de más alta calidad, pero es bastante buena. He sido bastante feliz con eso. Hay una versión gratuita de la misma disponible. Y pondré un enlace a eso en sólo una pareja. A lo mejor el siguiente video o la siguiente lección o la posterior a eso. Te daré un enlace a ella. Hay una versión gratuita, hay una versión pro. Creo que hay uno en el medio. Creo que estoy usando la versión gratuita, aunque puede haber instalado la versión pro en algún momento, no estoy realmente seguro. Es un poco difícil de decir. En realidad, es un poco confuso, pero creo que probablemente estarías bien con la versión gratuita. Te voy a guiar a través de cómo configurar eso en tan solo un minuto. este momento, en realidad, ve a un nuevo video y haz eso. 5. Configuración (Dorico y la Symphonic Symphonic de BBC ): De acuerdo, entonces voy a caminar por la configuración de la biblioteca de la Orquesta Sinfónica de la BBC en fila Doric. Si no estás usando Doric row, esto podría no ser terriblemente útil. Aunque podría ser porque te voy a mostrar cómo funcionan estas cosas juntas. Ahora no vamos a pasar un montón de tiempo en esta clase. El material técnico debajo de las bibliotecas de muestra. Llegaremos a eso eventualmente cuando trabajemos en este material de ilustración. Pero aún no estamos del todo ahí. No obstante, necesito entrar en algo de ella para que todos comprendan lo que estoy haciendo. Indoor CO, Lo que hago es ir a New, New from Template e ir a Orquesta. Y puedo hacer cualquiera de estos, pero hagamos orquesta clásica. Voy a hacer un nuevo archivo que sólo va a ser de su plantilla de orquesta clásica. Esto sólo me va a dar todos los instrumentos que necesito. Ahí vamos. Aquí está la orquesta clásica. Ahora, lo que necesito hacer es ir a la pestaña Play aquí arriba. Ahora, esto es algo así como una secuencia de audio o en este punto no lo es, pero lo es. Esto me muestra todo lo que está pasando. Entonces aquí están todos mis instrumentos. Ahora, todos los instrumentos van a jugar a través de esto. Haley en Sonic SE, Ese es el jugador de muestra de fila Doric predeterminado. Suenarán bien. El material predeterminado en Doric no va mal. Es algo gracioso en realidad. Pero si queremos utilizar una biblioteca de orquesta diferente, como yo lo hago, lo que hay que hacer es cargar en sus jugadores de muestra aquí. Por lo que estos tres botones aquí son algo importantes. Esto significa que este dispositivo está en el botón de encendido. Éste va a hacer estallar la interfaz para este reproductor de muestra en particular. Puedo dar click en eso. Y ahora veo, aquí están todos mis instrumentos. Y tengo algunas opciones de efectos y algún enrutamiento midi si lo necesito, y niveles y cosas así. Entonces éste nos da algunas preferencias para esta pista, que realmente no necesitamos ahora mismo, pero podemos cambiar el nombre de la pista y cosas así. En lugar de cargar todos los instrumentos que necesitamos, hay una forma más fácil porque cargarlos y luego enrutar todo a través de midi es en realidad como realmente un poco complicado. Lo que voy a hacer en cambio es que voy a ir al menú Play y luego bajar a la plantilla de reproducción. Y ahora tengo estos BBC Symphony Orchestra core, discover y pro. Voy a hacer click en pro core. ¿Qué carajo? Ahora puede que no tengas estos, estos probablemente no te aparecerán. Aferrarse a eso. Volveré a eso en tan solo un segundo. Golpea Aplicar y Cerrar. Y ahora ves que todos aparecieron aquí y todo se está cargando. Entonces voy a cerrar esto por un segundo. No ahorres y déjame volver a éste que había abierto hace un segundo. Esto es solo una especie de pieza por defecto que creo que viene con Doric row. Creo. Simplemente mirando bonita pieza clásica. Tiene muchos instrumentos. Y cuando vuelvo a cambiar a este archivo, realmente toma un segundo para que se cargue porque está poniendo mucho en la RAM de nuestra computadora. Aquí. Voy a Play. Verás que aquí hay una especie de lo que parece una secuencia midi. Aquí están todos mis instrumentos de la BBC, SO. Y puedo subir hasta aquí, volver al principio y golpear play. No sé por qué fue una locura fuerte. Creo que cuando saltaba entre archivos, se volvieron algo. Me cambié para hacer eso locamente ruidoso. Una de las cosas meticulosas es de estas bibliotecas de muestra midi y tener múltiples archivos abiertos, es cosa muy peligrosa de hacer. Así que eso no fue loco ruidoso para ti. Significa que o bien grabó bien o volví y sobredubí el mismo volumen. Intenta no tener varios archivos abiertos cuando estés haciendo esto. Pueden pasar cosas locas. Lo último en esto. Hace un minuto dije aferrarse a esta idea de que no tienes esas plantillas de reproducción en tu sesión. Te voy a dar esos. Tienes que descargarlos por separado e instalarlos. Cuando vayas ahí. Cuando vaya a reproducir plantillas de reproducción, puede escuchar clic en Importar, importar plantillas de reproducción. Te voy a dar la Orquesta Sinfónica de la BBC quiere descargar que te ahorrará horas de tu vida y configurando estas. Te voy a dar esos, así como un enlace a la versión gratuita de la Orquesta Sinfónica de la BBC. Y lo siguiente, si estás usando Doric row, puedes descargarlos y usarlos para configurarlos. 6. Caveats: Vale, una salvedad respecto a nuestra configuración en la forma que quiero que trates esto. Recuerda que lo que dije en las clases anteriores sobre dinámica y sobre cómo la computadora no es realmente genial en darnos una representación precisa de cómo va a sonar. Déjame darte un ejemplo explícito de lo que quiero decir. Puedo abrir aquí el mezclador. Ahora con este mezclador, puedo decir, hagamos de los fagotes lo más ruidoso de la orquesta. Sólo por hacer eso. Eso arroja orquestación por la ventana. Entonces lo que vamos a hacer es que no vamos a tocar esta batidora. Todo lo que hacemos con crear nuestro sonido de nuestra música aquí y los colores específicos que vamos a hacer con la orquestación. No vamos a ver con el mezclador. No estamos, en términos de orquestación, usar el mezclador sería engañar. Y puedes hacer algunas cosas geniales con eso. Pero si estás trabajando con instrumentos acústicos, no tienes un mezclador, solo están haciendo lo que están haciendo. Entonces necesitamos entender realmente el sonido que les estamos pidiendo que produzcan y cómo se mezcla con todo lo demás. No hay mezclas. Muy bien, sigamos adelante. 7. ¿Por qué líneas: De acuerdo, empecemos a hablar de líneas Instructure y en lo que tenemos que pensar. Hablando. Si piensas en apenas ahora estoy recordando que no soñé con este micrófono anoche. Creo que he estado haciendo esto de la enseñanza en línea demasiado tiempo cuando estoy soñando con mi micrófono de diálogo. Extraño, creo que en el sueño que era sí, estaba demostrando cómo realmente debería esto es en realidad un sueño fáctico. Estaba demostrando cómo debería estar hablando de ello. Está bastante cerca porque es un, no es un micrófono súper sensible. Es un gran micrófono para el diálogo y para todas las cosas vocales. Pero debería ir directamente a ella. Pero en lugar de ir a un costado, porque creo que es importante para ti poder leer mis labios y no ser así. Tan aleatorio. Tan aleatorio. De acuerdo, Así que ese es mi día hasta ahora. Hablemos de orquestación. ¿ Verdad? Líneas. ¿ A qué nos referimos cuando hablo de líneas? Entonces vamos a empezar por enfocarnos en líneas, no necesariamente en líneas individuales, sino en líneas que se cruzan entre sí. El motivo por el que este es un buen método es porque la mayor parte de la armonía se compone de líneas que se cruzan. Bueno, no debería decir más. Mucha armonía se compone de líneas que se cruzan, dos líneas que juegan una al lado de la otra en armonía o algo así. La otra cosa es que mayoría de los instrumentos la orquesta son instrumentos monofónicos. Solo pueden tocar una nota a la vez, o solo pueden tocar una nota a la vez sin algunas técnicas especiales. Eso es algo de lo que aprendimos. En la sección de instrumentación. Como un clarinete de fluido, cualquier pieza, cualquier instrumento de viento o latón está realmente diseñado para tocar una nota a la vez. Las cadenas pueden reproducir más de una nota a la vez, pero la mayoría de las veces están tocando una nota a la vez. Algunos instrumentos de percusión pueden tocar múltiples notas a la vez, como recordar cualquiera de los instrumentos del teclado. Entonces obviamente piano, arpa. Hay algunos instrumentos que son más instrumentos de acordes, pero la gran mayoría de instrumentos en la orquesta están tocando una nota a la vez. Partiendo desde la perspectiva de mirar a una, a una línea. O incluso podría ser capaz de decir sólo una melodía, lo mismo. De verdad. Una melodía es sólo una línea que es la línea más prominente. Mirando una idea melódica de la melodía, una línea donde quieras llamarla. Y es algo que se centra en lo que podemos hacer con eso. No sólo vamos a orquestar a Mary Had a Little Lamb, 100 formas diferentes. En realidad vamos a mirar algo de música real. Y por eso quiero usar estos corales de bach, porque gran parte del tiempo y clases de orquestación que sí usan María tenía un pequeño cordero, 100 formas diferentes. Y sobre eso, así que utilicemos algo de música real. Pasemos a hablar de un par de principios más. 8. Primer plano, plano medio y fondo: Vale, ahora un concepto que es un gran concepto y orquestación y uno con el que no creo que vamos a trabajar mucho en esta parte de la clase, pero quiero presentarlo para que esté en tu cabeza como algo. Esa es esta idea de primer plano, tierra media, y fondo. Ahora si eso te suena familiar, podría ser porque has tomado una de mis clases de mezcla, mezcla de audio, estás haciendo, has hecho una grabación, o estás haciendo una pieza de música electrónica o algo así. Y vas a la etapa de mezclarlo que está equilibrando todo y hay más que eso. Pero ese mundo, cuando estamos mezclando una pieza musical, pensamos en primer plano, medio y fondo. Lo mismo ocurre con la orquestación, que es una idea interesante. Cuando estamos orquestando, estamos haciendo muchas cosas similares a las que estamos haciendo cuando estamos mezclando música. Muchos de los principios son los mismos. Estamos tratando de enfocarnos en esa profundidad creando ese fondo de tierra media en primer plano. Estamos tratando de enfocarnos en el espacio llenando el escenario o el salón. Simplemente lo estamos haciendo completamente acústicamente y no con faders y cosas, sino con oleadas dinámicas y cosas así. Bueno, muchos de los principios son los mismos. Es realmente una especie de, algo fascinante. Cuando hablamos de primer plano, medio suelo y fondo. En primer plano, la cosa que más de antemano se podría pensar de esto como. Lo que realmente queremos que la gente escuche más, más en su cara. Tal vez la melodía. La mayoría de las veces, si tienes una melodía realmente pronunciada, probablemente la quieras en primer plano y hay orquestación, todas las cosas que podemos hacer para que salga adelante. Es posible que quieras cosas en el fondo. Entonces antecedentes significa que son menos importantes en muchos sentidos, pero no ampliables. Vamos a llamarlos de manera diferente importante. Podrías decir algo así como la base. La base está en algo. En muchos casos, la base podría no ser algo de lo que necesito que todos estén súper conscientes, pero necesito que esté ahí para dar la pieza o la succión. Una capa de puesta a tierra, una especie de hablar. Y el terreno medio podría ser, podría ser cualquier cosa. Pero gran parte del tiempo usamos el terreno medio para ideas rítmicas extra, ideas textura, cosas que dan el ambiente de la pieza. Cosas que no son tan importantes como la melodía, sino cosas que no son tan importantes como la melodía. Pero definitivamente queremos que nos escuchen. Eso sería materia de tierra media. Ten en cuenta esas cosas cuando estés mirando música orquesta. Trabajaremos más con los de futuro. Pero por ahora, porque sólo vamos a estar trabajando con unas cuantas líneas a la vez. Puede que no podamos realmente sumergirnos en lo profundo de ese concepto todavía, pero quería estar sentado en tu cabeza. Mantén una oreja fuera para eso. 9. Una pieza de ejemplo: una corde de bach: Vale, entonces lo que iba a hacer aquí es escoger qué chorale de Bach vamos a usar para toda esta clase. Pero como lo he estado pensando, creo que podemos cambiar. Puede que no nos quedemos con lo mismo en todo el tiempo porque podríamos estar súper hartos de ello. Pero estos son realmente hermosos corral. Así que tal vez no nos enfermaremos súper de ello. A lo mejor nos va a encantar. Ya veremos, pero escojamos uno. Tengo aquí el libro de Bach Raman Schneider. Se trata de 371 corales armonizados, el gran libro de corales de bach. Si has tomado algunas de mis clases de teoría y tal vez un par de otros lugares he mencionado este libro. Es sólo una gran cosa para atravesar si quieres, corrales. Gran manera de practicar la lectura de la vista. Este libro. Como se puede ver, está bastante desgastado. Esta es mi segunda o tercera copia. Tengo estos 371 corrales. También tengo porque soy un super nerd 20 dados de cara. Entonces así es como vamos a escoger. Voy a doble cara 371. Entonces creo que solo voy a rodar esto dos veces y luego multiplicar esos números juntos. Y esa va a ser nuestra Chorale. No exactamente preciso, pero lo suficientemente cerca. Tengo un nueve. Nueve. El número dos es la avena aterrizó en mi teclado. Vamos a rehacer eso. Lo suficientemente cerca. 89 veces ocho es 72. Echemos un vistazo al número 72. Bastante bajo. Número 722. Bueno. Corto uno. No quiero tratar de pronunciar esto. Parece ser la clave de G menor, creo. Sí, estoy viendo a G menor. Así que vamos a sumergirnos y miremos las líneas en esto. Déjame ponerle esto en la pantalla por ti. 10. Cómo encontrar las líneas principales: Bien, así que aquí está la primera pieza con la que vamos a trabajar. Así que lo he entrado en Dory co. Déjame apagar estos divertidos colores. Esta es la que recogimos a través del rollo de dados número 72. Este es el nombre de ella. Google me lo dice. Se traduce como mantenernos baja la fe a tu palabra o Señor, guárdanos en tu palabra y obra, algo así. Lo que sea que no nos importa realmente. Como dije antes, G menor. Tiene esta bonita Piketty tercera al final. Eso significa que es un tónico es un acorde menor, pero al final ponemos el acorde mayor de eso de todos modos, sólo por diversión. Como esperaríamos para un corral menor como este, tenemos mucho tono líder, por lo que tenemos un montón de F sharps pop-up ayudan a empujarnos hasta G. Vamos a oírlo. He inputado justo en la parte del piano, porque vamos a traer una obra de teatro con ella todo un montón. Aquí está en el piano. Digamos sólo las primeras observaciones. Esa cosa de fondo de primer plano, tierra media es bastante evidente justo en esto. Tenemos una especie de una, una melodía distinta y la voz soprano. La mayoría de las veces en un corral, escuchamos la voz superior como la melodía principal, aunque no siempre. Entonces lo tenemos, así que llamaría a ese primer plano. Tenemos línea de base, algún movimiento agradable en ella. Pero yo llamaría a eso tal vez antecedentes. Algunos movimientos bonitos en el medio. Los altos y tenores, así, dándonos buen material de tierra media. Todo eso será realmente útil para orquestarlo. En cuanto a líneas, aquí tenemos cuatro líneas, cuatro líneas que componen una armonía. Nos vamos a centrar en cada una de estas líneas y haremos un poco algo diferente a cada una y ojalá construir un escenario de orquestación a partir de ahí. Bien, un par de cosas más. En esta sección. 11. Cómo no distribuir esto dentro de la orquesta: Vale, entonces lo primero que quiero mostrarte es lo que no debes hacer. Hay algo que cada vez que miro partituras de orquesta de jóvenes compositores, hay algo que veo que la gente hace mucho que realmente solo grita. Ambos. Soy un experimentado en esto y realmente no sé cómo quiero que suene esto. Realmente no he pensado cómo quería sonar. Entonces hablemos de cómo evitarlo mostrando cómo hacerlo. Voy a tomar mi máxima voz, mi primera línea aquí. Creo que si lo selecciono y luego voy a filtrar voces, todas las voces de tallo arriba. Ahí vamos. He seleccionado sólo la voz de arriba aquí. Esta es la voz más alta. Así que lo voy a poner en algunos de los instrumentos más altos. Ponlo en la flauta. Flauta también. Seguro. Oboes, clarinete. Fui allá arriba alto. Muy bien, y luego el fagot se pone un poco más bajo. Así que quizá vayamos a la segunda voz. Todo abajo. Pongamos esto en el fagot. Muy bien, así que pongamos eso. Zoológicos, ponlo en el otro fagot dos. Ahora, esto es súper alto. Tal vez bajemos una octava. Bajemos esto una octava. Vamos. Ahora, ¿qué tal cuernos? Vamos a poner esto en un cuernos también, ¿qué demonios? Tenemos que volver arriba y activos. Seguro. Eso lo pone bien en mi gama de confort de más cuernos, lo cual es algo muy estrecho. Vamos a seguir adelante. Consigamos nuestra línea tenor. Vamos a ir Seleccionar Filtro. Voces, hasta voces de tallo. Se está poniendo un poco más bajo, así que los cuernos estarían bien. Eso es bastante bajo. Vamos a tirar eso hacia arriba. Una octava. Fue nuestro primer nodo D, como pensaba. Vamos a ir cuernos 34 por estos. Vamos también a los trombones. Eso se ve bien para los trombones. Entonces tal vez trompetas. Las trompetas se pueden poner bastante altas. Así que tomemos nuestra línea superior. Pon eso ahí y las tres trompetas. Seguro. A lo mejor esa última trompeta vamos a hacer nuestra línea alto. Y llevémosles una octava. Se ve bien. Muy bien, entonces último solo necesitamos nuestra voz más baja. Voy a hacer lo mismo que antes. Sí. Realmente no quiere dejarme copiar esos primeros descansos. Vamos tuba. Y luego iremos a seleccionar voces todas las facturas de arriba y eliminarlas. Voy a seleccionar eso. Está en nuestras dos balas puestas en trombón bajo también. Dejemos la percusión en paz por ahora. Eso parece una cosa buena, densamente orquestada para cuerdas. Hagamos justo lo obvio. Tomaremos nuestra línea de arriba allí. Vamos a conseguir nuestra línea alto. En realidad, hagamos el violín 12. Y entonces nuestra línea alto, que es esta línea, la viola son línea tenor. Creo que esa fue nuestra primera línea. Lo vamos a poner en el violonchelo. Es una gama bastante buena. Se está poniendo alto. Pero un poco cavar violonchelo ahí arriba así que vamos a dejarlo. Muy bien, y luego nuestra base. Como pueden ver, lo que estoy haciendo es copiar y pegar todo esto alrededor y no hay nada de malo en copiar pegar en parte. Esto se ve bastante alto aunque. Vamos a mover esto hacia abajo una octava. Vamos. Lo que tenemos aquí es grande. Tenemos un gran sonido enorme. ¿ Qué realmente vamos a escuchar? Oigamos lo que dice la computadora y luego vamos a caminar a través de ella. Vamos, sólo vamos a darle una oportunidad. Aquí vamos. Entonces eso en realidad sonaba algo bueno. Muy Oregon como yo creo que está en un órgano como porque solo estaba volando. Anteriormente en este video. Lo que dije fue cuando veo cosas como esta, veo algo que parece una escritura muy inmadura. Y la razón es que es el fregadero de la cocina. Sólo estamos usando todo. No necesitas usar todos los instrumentos. No necesitas usar la mitad de los instrumentos. Si volteas a través de una partitura de orquesta. La mayoría de las veces, menos de la mitad de los instrumentos están tocando a la vez. Si dices, realmente quiero esto, realmente quiero usar los vientos aquí. Eso no significa que necesites usarlas todas. Por ejemplo, veamos esta flauta. Flauta uno y fluido dos están al unísono. ¿ Va a sonar diferente? ¿ Si me deshago del fluido dos? En este caso, ¿qué va a hacer la computadora? Probablemente va a hacer un poco menos volumen en la flauta. Pero realmente no estamos escuchando mucho esa flauta de todos modos. No es muy alto en absoluto. Realmente no estamos escuchando eso. Estamos escuchando la trompeta. Eso es real. Eso es, así es como sería en una situación del mundo real. Escucharíamos la trompeta sobre cualquiera de los fluidos. Entonces, ¿por qué tengo esto? ¿ Por qué me dupliqué esta gripe, haciendo una duplicación al unísono, verdad? Ambos están planeando exactamente lo mismo. Eso no tiene sentido. De hecho, esto no tiene sentido, porque no vas a escuchar esto sobre la trompeta. Para que podamos deshacernos de eso. Oboe, tal vez lo mismo. Puede que no suene muy diferente. De hecho, vamos a deshacernos del oboe, los clarinetes, los fagotes. Deshaznos de todos los vientos y veamos si suena algo diferente para nosotros. Aquí va. En realidad no, tal vez algunas cosas realmente sutiles, pero en realidad no nada diferente al deshacerse de todos los vientos porque los vientos no estaban orquestados muy bien. Podría sumar los vientos, una manera que definitivamente los escucharías, pero la forma en que lo hice aquí no fue. Así que sólo para recordar, no necesitas el fregadero de la cocina cada vez. Queremos ser un poco más delicados, en realidad, mucho más delicados con la forma en que estamos distribuyendo las cosas a lo largo de nuestro marcador. ¿ Cómo decidimos? ¿ Cómo decidimos qué instrumentos queremos tocar, qué y a qué hora? Tenemos que empezar pensando en cómo queremos que suene. Es como cualquier cosa. Entonces vamos a un nuevo video y hablemos de eso. 12. Adjuntos: ¿cómo queremos que suene esto?: Pensemos en cómo queremos que suene esto. Simplemente, solo usaremos esto como ejemplo. Podríamos hacerla sonar ligera y resistente y ligera. Podemos hacer que suene pesado, que es bastante donde estamos ahora. Pero podemos hacerlo sonar más pesado. Podemos hacerlo sonar oscuro, podemos hacerlo sonar brillante. Podríamos hacerlo sonar delgado. Puedes hacerlo sonar grueso. Prácticamente cualquier adjetivo que quieras lanzar ahí. Podemos emular o reforzar ese adjetivo, debo decir. En nuestra orquestación, estamos en un entorno muy grueso aquí. ¿ Qué lo hace espeso? Realmente tipo de todo este latón, bajo, bajo latón y nuestras cuerdas bajas aquí. ¿ Y si lo hicimos sonar más ligero? Así que hagamos algo que va a ser mucho más ligero de una situación. Voy a deshacer un montón entero y recuperar mis vientos. Porque cuando pienso luz para orquestación, queremos algunas victorias. Veamos, hagámoslo. También queremos flauta delgada uno? Esto es bastante bajo para la flauta uno, pero eso está bien. Sigamos con él por ahora. Ovo no hagamos que oboe haga lo mismo que el fluido está haciendo. Vamos a tener oboe hacer la línea alto, creo que es esta B? D? Eso es justo aquí con el cuerno está haciendo. Pongamos aquí el oboe. Ahora voy a ver los intervalos aquí. Solo quiero asegurarnos que sepamos que los intervalos están bien. Quiero decir, porque es pieza escrita, no me preocupa como contrapunto ni nada por el estilo. Estoy mirando la distancia para ver el oboe. Quiero estar bajo la flauta, pero no por mucho. Ves que en realidad están muy cerca. Están a sólo un tercio de distancia para la mayor parte de esto. Entonces eso es bueno. Eso va a hacer un sonido bastante ligero. Ambos son muy bajos. Tal vez quiera hacer estallar eso, pero Claire, loco. Voy a dejar fuera fagotes, me voy a dejar fuera. Y creo que todo latón. Voy a dejar fuera. Tal vez. Haré algo raro con la trompeta. Mira esta trompeta. Va a entrar justo ahí en esas últimas notas, sólo vamos a añadir trompeta uno, sólo para darle un poco de patada extra. Eso tal vez habrá demasiado. Veremos cuerdas. Hagámoslo todo. Hagamos lo mismo. Vamos a sacar cuerdas por aquí. Bueno, tomemos la línea tenor. Ponlo aquí, pero voy a eliminar estos primeros. Y luego pongamos la línea de base y el violonchelo una octava. Y nos libraremos de eso, y nos libraremos de la viola. Veamos qué tengo aquí. Tengo flauta, oboe, tocando sus líneas a las líneas soprano y alto. Trompeta, una que viene justo al final, doblándose al unísono. La línea de flauta que tengo. La línea soprano entrando, el violín. Creo que diez o línea entrando aquí, y luego línea de base viniendo aquí. Puede que no tenga la línea alta en ninguna parte. Eso está bien. Nos ocuparemos de eso más tarde. Tengo el piano silenciado por cierto, así que no vamos a escuchar el piano. Por lo que esta debería ser una orquestación que suena bastante ligera. Oigámoslo. Oigámoslo una vez más. Creo que voy a deshacerme de este violonchelo hasta ese primer fermata. También, incluyendo que Fermata. Incluyendo aquí las fermatas. Eso me estaba molestando. Sí, justo ahí. Quiero que éstos entren después de los fermata en la Armada. Oigámoslo ahora. Tratamiento mucho más ligero de ese mismo material. No necesitaba todos los instrumentos para hacer esto. Esto es muy tipo de más de un enfoque de cuchilla de afeitar. Aún tengo un buen sonido grande. Es fácil olvidar lo gruesos que son los violines. Recuerda que eso es como 1015 personas jugando eso. Si realmente quisiera un sonido más ligero, podría dejar esto más ligero que esto, podría vivir con cuerdas por completo. Simplemente juega con sumar más vientos a lo largo de esto. Siempre tenemos que empezar pensando en qué tipo de sonido queremos. No es sólo cuestión de como tirar pintura a la pared y ver qué se pega. Piensa en lo que quieres antes de escribirlo. 13. Doblar es una palabra con un doble significado.: De acuerdo, muy rápido, quería sólo interponer un poco sobre esta palabra duplicando que vamos a estar lidiando con un montón. Esto que estamos duplicando tiene dos significados y orquestación completamente ajena el uno del otro. Súper molesto. Pero quiero asegurarme de que seamos claros en estas dos reuniones. Ya hemos hablado de uno de ellos. Cuando estábamos hablando de instrumentación, hablamos de duplicar en términos de tal vez se espera que el flautista se duplique en piccolo. Eso significa jugar ambos instrumentos no al mismo tiempo, sino que eso sería una duplicación aceptada o duplicación desconocida o algo así. El camino, solo significa la forma en que se podría esperar que alguien tocara dos instrumentos. Ese es un uso de la palabra duplicar. Pero de lo que estamos hablando ahora no es eso en absoluto ajeno. lo que estamos hablando ahora es duplicar el mismo material musical en dos o más instrumentos. Esto de aquí no es una duplicación. Estos están tocando dos instrumentos diferentes a diferentes, están tocando material musical diferente. Violín uno y esta barra en particular, violín y la flauta se están duplicando. Están tocando el mismo material. Se están duplicando al unísono. Podríamos incluso decir, lo que significa que no hay una armonía que estén jugando. No hay una octava que estén tocando. Están tocando exactamente las mismas notas. Ese es el tipo de duplicación del que estamos hablando ahora que vamos a estar trabajando para la mayoría, la mayoría de esta clase, para todo el resto de esta clase. Cuando digo duplicar, de eso estamos hablando. No estamos hablando de alguien planeando instrumentos. Es raro cómo tenemos en una disciplina muy específica, orquestación, tenemos una sola palabra que significa cosas completamente no relacionadas, pero es la forma en que va. Si cuatro son el resto de esta clase, si necesito referirme a alguien como tocando dos instrumentos diferentes, concretamente diré que en lugar de la palabra duplicar, ir adelante, duplicar significa mismo material musical o material musical muy similar tocado por los mismos instrumentos, interpretados por diferentes instrumentos. 14. Los seis métodos: De acuerdo, Así que dicho eso, como orquestación se trata de combinar colores, ahora vamos a pasar por las seis formas principales en que podemos combinar colores. Cuando me siento combinando colores, estoy siendo bastante literal aquí. Por supuesto estamos hablando de colores sonoros, los colores de los diferentes instrumentos. Pero si piensas, si se lee un fluido en un oboe es azul y los toco juntos, me pondré púrpura. No es muy diferente a eso. Tenemos todos estos colores, todos estos instrumentos en la orquesta, cada uno hace un color diferente. Y vamos a empezar a combinarlas para hacer que las paletas de colores realmente bonitas sean realmente feas dependiendo de lo que quieras o cualquier cosa entre ellas. Las seis formas en que mezclamos estos colores juntos. Hay más que esto, pero estas son sólo las seis formas estándar que usamos como punto de partida. Así que eso es lo que vamos a hacer. Más o menos el resto de esta clase, vamos a trabajar a través de estas seis vías. El primer camino es un solo instrumento tocando la línea. Eso significa usar el color de ese instrumento y cómo podemos sacar eso más? El segundo camino son dos o más instrumentos. Dos o más del mismo instrumento tocando una línea al unísono. Entonces eso sería como ambas flautas tocando esta misma línea. Eso sí cambia el color. Es leve, pero sí afecta un poco el sonido. Es una técnica que, eso vale la pena considerar usar en las situaciones correctas. Eso también es camino. Número Tres, dos o más del mismo instrumento tocando la línea en diferentes octavas. Entonces eso sería como si tuviera ambas flautas tocando, pero una flauta en octava. Eso es un sonido muy distintivo como tocar una octava versus tocar un unísono. Número para dos o más instrumentos diferentes, tocando la línea al unísono. Entonces eso es como lo que tenemos aquí. Flauta, oboe. No hagamos lo que tenemos aquí, porque esos no se están duplicando. Esto se duplicaría si estos estuvieran tocando el mismo material. Uy. Ahora, eso es lo que tenemos aquí. El mismo material al unísono, dos instrumentos diferentes. Número 52 o más instrumentos diferentes tocando la línea en diferentes octavas. Separado estos por una octava, probablemente tomando la flauta una octava. Entonces tenemos este tipo de Quinto Caso. Número seis, varios instrumentos tocando la línea con los intervalos entre los instrumentos siendo distintos al unísono una octavas. En otras palabras, agregando una armonía en otros instrumentos. Entonces esas son las seis formas principales en las que mezclamos el color con la orquesta. Así que vamos a sumergirnos en el método uno. En este momento. Aquí vamos. 15. Método 1: fino y limpio: De acuerdo, entonces lo que quiero hacer a continuación es que vamos a pasar por cada uno de estos métodos. Entonces nuestro primer método, método uno es solo un instrumento tocando una línea. Otra forma en que voy a hacer esto. No sólo vamos a escribir una línea por un instrumento. Voy a hacer las cuatro líneas, pero cada línea solo en un instrumento seguirá trabajando con múltiples líneas. Pero cada línea está en y por sí solo en una calle. Los mantiene más interesantes. Básicamente voy a hacer lo mismo cuatro veces para hacer ejemplos más musicalmente interesantes. Ahora podrías estar diciendo a ti mismo, ¿por qué vamos a empezar con un instrumento tocando? Una línea? Eso parece realmente rudimentario y sencillo. Sí, pero espera, joven saltamontes. Pasos de bebé que vamos a construir desde aquí. Y hay mucho que podemos quitarnos con solo mirar cómo va a sonar. Y si le damos, darle la línea a solo una sola flauta versus dársela a múltiples fluidos, diferentes problemas. Entonces en realidad voy a pasar y hacer esto por todas las diferentes familias porque cada una tiene sus propias cosas únicas. Ahora hay un millón de cosas que hacer un seguimiento aquí. Y lo que realmente vas a querer hacer es difícil de decir, pero no quiero que escuches lo que digo y justo como memorizar como mil reglas para el camino, si lo hacemos de esta manera, va a sonar de esa manera. Si lo hacemos de esta manera, va a sonar así. Trata de no memorizar todas estas reglas. Lo que realmente quieres poder hacer es escuchar internamente lo que estás escribiendo. Piensa si pongo esta melodía en la flauta, ¿cómo va a sonar eso? Detente, pausa, piensa. ¿ Cómo se siente con esa melodía en la flauta? Piensa a través de él y di, bueno, eso no funciona, Eso sí funciona. Eso me gusta. Ahora digo que como es lo más fácil del mundo de hacer y no lo es, se necesita mucha práctica, pero ahí es donde quiero que me hagas contarte todas estas cosas que soy como visualizar mientras estoy armando estos juntos es realmente sólo mi forma de ayudarte a llegar a eso. Estas son cosas buenas que te estoy diciendo, pero lo que realmente quiero que seas capaz de hacer es internalizar y tipo de escuchar estas cosas. Escuchar mucha música orquestal también ayudará. Vamos a sumergirnos en las cuerdas. 16. Cuerdas: Ahora lo que hay que pensar con las cuerdas es que probablemente debería hacer como los vientos y el bronce primero. Pero aquí estamos. Hagamos la fuerza. El asunto de las cuerdas es que cuando le damos una melodía a uno, a la violencia 11 instrumento, no se la estamos dando a un instrumento. Lo estamos dando a gusto de diez o 15 personas, dependiendo del tamaño de la orquesta. Entonces tenemos un sonido muy único de eso, pero vamos a hacerlo. Tomemos nuestra parte de piano. Voy a tomar parte uno y ponerlo aquí. Ahí vamos. Ahora voy a ir a Editar y seleccionar voces adentro, deslizarme por voces aguas abajo y deshacerme de ellas. Ahí vamos. Entonces ahora solo tenemos voz uno en el primer violín. Voy a poner voz en el segundo violín. Ahora tengo voz a en violento también. Bueno, terminemos esto. Vamos a poner en la viola, poner la línea tenor. Entonces en el violonchelo pondrá la parte del bajo. Por lo que ahora tenemos las cuatro voces separadas. Entonces lo primero que voy a buscar es ¿tenemos alguna nota fuera de rango? No creo que lo hagamos. Parece que se sienta en las gamas de estos instrumentos bastante bien. En realidad. Una cosa es Doric WHO en realidad tiene una característica donde las notas van a ponerse rojas o verdes o algo así. No recuerdo si está fuera de alcance para ese instrumento. Entonces puedo ver rápidamente que no creo que nada esté fuera de alcance mientras esa característica sea propia, que estoy bastante seguro de que lo es. Tomemos algunas conjeturas aquí sobre lo que va a pasar. A qué va a sonar esto. Esto va a ser en realidad un sonido bastante grueso porque esto es mucha gente tocando estas líneas individuales. Así que veamos solo violín uno en realidad. Voy al violín solista uno. Sólo escuchemos violín uno aquí. ¿ De acuerdo? Ahora, ya me molesta nuestras bibliotecas de muestra no sean muy buenas. Ahora, hay mucho que podríamos hacer aquí si quisiéramos hacer esto más delgado. Como vas a encontrar. Cuando hacemos esta técnica de dar una línea por instrumento, generalmente el resultado es limpio y claro. Es un sonido muy simple, puro y limpio. Las cuerdas fangosas que suben un poco. Lo que podemos hacer si realmente quisiéramos, podríamos escribir solo aquí. Mira esto también. Esto no le va a hacer nada al midi. Pero si escribimos solo y lo ponemos en los cuatro instrumentos, entonces lo que estamos pidiendo es literalmente que una persona juegue esto. Podemos decir que sólo una persona juega esta línea. Y entonces básicamente hemos hecho un cuarteto de cuerdas dentro de la orquesta. Tenemos para instrumentos en solitario, se puede hacer eso y va a sonar muy diferente a si fuera toda la sección. Va a ser más tranquilo, va a ser más delgado, va a ser más limpio, por así decirlo. Un sonido realmente encantador en realidad. Ahora hay que tener cuidado con lo que haces alrededor eso porque es mucho más tranquilo, pero puede ser un sonido realmente genial. Oigámoslo por completo. Con todas las cuerdas en. Aquí vamos. Agradable. Una cosa que creo que ayudaría es si con estas muestras particulares es si la ralentizamos. Esto es otra vez, una de esas cosas donde las muestras no lo están haciendo justicia. Esto no es realmente lo que va a sonar. Definitivamente hay este empuje que nos ocuparemos de configurar mejores muestras más adelante. En este momento solo quiero enfocarme en denotar. Tenemos que usar un poco nuestra imaginación. Porque eso es sólo parte de la naturaleza de componer. Lo ralentizé un poco. Veamos, veamos qué pasa. Tal vez un poco mejor. Si realmente quisiera que esto fuera delgado y limpio, lo que haría es escribir solo en las cuatro partes aquí. Simplemente lo llevamos a ese cuarteto de cuerdas. Se va a adelgazar una tonelada y hacer un sonido realmente limpio y prístino. 17. Latón: Vale, probemos en el latón. Entonces recuerda lo que vamos a por aquí está limpio y claro. Voy a tomar nuestra primera línea. En este caso, nuestra primera línea es nuestro sonido más alto. Entonces lo voy a poner en una trompeta. Y nuestra segunda línea. Bueno, veamos eso. Esto es relativamente bajo para el juicio. En realidad, este es un buen rango para la trompeta. Comienza aquí abajo en la G, baja a una F afilada, esa es la nota más baja. El nodo más alto es hasta esta F natural. Y eso está bien. Esa es una buena gama. Con este rango, lo que eso significa es que esta trompeta no va a estar gritando si esto fuera una octava más alta, bueno, si ésta fue una octava más alta, BTU alta. Pero si esto, si esta aplicación estaba arriba alrededor de una C o algo así por encima del libro mayor, en las líneas del libro mayor, entonces va a estar gritando. Tienen que tocar eso realmente fuerte. Si queremos limpio y claro, no queremos eso. Esta es una buena gama para hacer algo limpio y claro. Está justo en su zona de confort. No tienen que ceñirse. Pueden mantenerlo agradable y sencillo. No tenemos que escribir solo sobre esto porque esto es solo una persona. No es un conjunto. Ahora si queríamos sumar nuestra segunda línea, vamos a ver. Lo que sería bueno ponerlo. No quiero ponerlo en trompeta también. Um, porque lo que voy a tratar de hacer aquí es usar solo un instrumento por voz. Va a ser un poco complicado, pero pongámoslo en la bocina. Eso está bien, eso es genial. Veamos qué va a pasar en el cuerno. El rango está bien. Ahora ya sabes lo que siento por los cuernos, pero esta gama en realidad está bastante bien para un cuerno. Creo que está bien. Sí, creo que eso va a ser genial. Vamos a nuestra tercera línea. Vale, entonces esto es como líneas tenor, estoy pensando en trombón. Vamos a probarlo en nuestro trombón. Ahora nos estamos poniendo bastante alto aquí por nuestro trombón. Pero no estamos fuera de alcance. Voy a dejarlo. Esto no es gritar por trombón, pero no es bajo. Pero recuerda, trombón no funciona de la misma manera que la trompeta que cuando un trombón va a unas notas realmente altas. No lo hacen, en realidad pueden tocar unas notas realmente altas con algún control. No tienen que gustar, wow, para conseguir esas notas altas, las notas inferiores en el trombón. Y hacen algunas de las notas bajas. Y si quieren conseguirles esas notas bajas de pedal que miramos, quieren sacarlas, tienen que sacarlas así. Realmente ponga algo de aire detrás de ellos. Pero el rango superior del trombón puede ser realmente dulce. Creo que esto podría funcionar bastante bien. Dejemos eso ahí y luego probemos nuestra línea de base. En la tuba. Esto nada consiguió un alcance. Estas cosas rápidas pueden ser bastante torpe. El trombón o quiero decir, en la tuba, depende un poco de nuestro tempo. Están bien. Están totalmente bien en cualquier jugador de tuba va a decir, puedo jugar eso. Tienen razón. Es sólo por mi gusto personal. Ese tipo de grandes líneas de archaea se ponen realmente rojas. Se quitan de la ligereza que estamos tratando de crear. Dejémoslo. Creo que está bien porque vamos en un tempo bastante lento. Pero me cuesta conseguir un verdadero sonido de legato de una tuba. Supongo que lo pondré de esa manera. G aquí abajo va a ser un sonido realmente agradable en una tuba. Este acorde se ve realmente bastante bonito para mí. Tenemos este gran tercio aquí, g para ser una octava intermedia. Tenemos otra octava de la G y luego supongo D debajo de eso. Eso parece en la cancha muy bien apilada, creo que será un buen sonido. Oigámoslo. Aquí vamos. Lo que hemos oído aquí es en realidad bastante correcto. Creo que eso es de lo que hemos oído. bastante bonito, sonido muy ligero, sí, pero la trompeta claramente dominando. ¿ Cómo podemos lidiar con eso? El rango para la trompeta es bueno. La trompeta, normalmente va a cortar más que todo lo demás. Podríamos hacer algunas cosas, podríamos hacer dinámicas. Vamos a nuestra Dinámica y digamos la trompeta. Les voy a dar piano. Si hago eso, necesito dar dinámicas a todo el mundo. Entonces digamos mezzo forte a todos los demás. Esta no es una gran manera de lidiar con esto, pero puede estar bien. menudo cuando tienes un trozo de música que está diseñado para ir juntos, eso para mezclarse. los conductores realmente les gusta tener la misma dinámica en todos ellos. Entonces los equilibrarán. Nuestro caso, lo que estamos haciendo aquí es básicamente decirle al conductor, hey, no dejes que esta trompeta sobresale demasiado. ¿ Qué conductor asumiría de todos modos? Pero esto dejará bastante claro lo que queremos. Veamos qué hace la computadora con esta información. Vamos a intentarlo de nuevo. Más bien eso a excepción de esa extraña nota de cuerno que saltó al final. ¿ Qué fue eso? Fue como una cosa de muestra rara. No hay razón para que eso esté aquí. Sólo un jugador de cuernos que quiere ser escuchado, supongo. De todos modos. Entonces eso funcionó definitivamente tonificaba la trompeta, tal vez un poco demasiado. A lo mejor podría subir a un piano mezzo aquí para equilibrar eso un poco más. Pero si no quisiéramos hacer dinámicas, una cosa que podríamos hacer es que pudiéramos centrar, podríamos considerar un mudo en esta trompeta. Podríamos hacer algo realmente tonto como fuera del escenario. Esto es algo que los compositores han hecho un montón donde se toma algunos, generalmente esto se hace en el latón. Tomas algunos jugadores y los pones literalmente fuera del escenario como en el lobby de la sala de conciertos. Esto no es un buen uso para esto, pero es algo que puedes hacer. Um, pero sobre todo si le estaba dando esto a una orquesta de verdad, generalmente me gusta este sonido. Lo que probablemente haría es que probablemente escribiría esto de la misma dinámica que todo lo demás. Era así, y yo había dejado el conductor equilibrarlo. Pero es un buen sonido. Cuando la trompeta está equilibrada, ese es un buen sonido. Nuevamente, un instrumento por parte por línea, debo decir. Realmente bonito, sonando casi barroco. Bueno, quiero decir, está de vuelta. Ahí vas. Pero Finn y limpio. 18. Viento: Ahora si me diste esta música y me dijiste, escribe esto y hazlo lo más delgado y limpio posible. Mi instinto sería, voy a ir a los vientos. Los vientos son realmente donde está para delgados, limpios, ligeros. Sonido aireado, aireado, suena como mucho aire, mucho sentido porque instrumentos de viento, vamos a ponerlo en los vientos, ver si podemos hacer un buen sonido ligero y aireado. Voy a tomar la primera parte. Pongamos esto en nuestras cosas más altas. Probablemente va a ser la flauta. Voy a deshacerme de este mezzo forte, sólo para que veamos lo que sacamos del bate. Nuestra segunda parte, o parte alta. Podría ponerlo en el oboe. No obstante, los oboes consiguieron eso. Es una caña doble. Es un sonido muy brillante. No va a ser el sonido más meloso del mundo. No obstante, aquí sólo tengo cuatro instrumentos, así que tengo que usar el oboe. Muy bien, utilicemos el oboe. Me gustó el oboe, me gustó el sonido del oboe. Pero cuando estamos tratando hacer un sonido realmente ligero como este, no son mis partes favoritas de trombón. Vamos al clarinete. Supongo que va a ser capaz bajar pero lidiar con eso en un segundo. Entonces. Parte de bajo vamos a poner en el fagot. Veamos lo que hemos hecho aquí. Deshazte de esto. En realidad, dejemos esos todos ahí. Creo que ese tipo de ayuda con playbacks. En otros fuera también están hacer la misma dinámica. De acuerdo, así que veamos las partes del oboe. Rango sabio. Estamos bastante bajos. Nada está fuera de alcance. Nada es realmente como en ese tipo de área de cuclillas de ganso. Eso es una especie de rango superior del oboe. Sonido. Bastante bonito. Clarinete es bastante bajo aquí. Pero no estamos muy fuera de alcance. No lo creo porque estamos en cuenta o pitch. Fagot. Realmente me encantó el registro superior o el fagot se mezcla muy bien con el oboe, pero dejémoslo aquí abajo por ahora. Casi estoy tentado a tomar parte de ella, como cambiar algunas de estas voces alrededor para que consigamos una voz que tiene algunas notas más altas en el fagot. Pero no hagamos eso. Vamos a mantenerlo simple por ahora. Nos estamos complicando más tarde. Entonces, en definitiva lo que estoy viendo aquí es bastante bonito. Vamos a probarlo. Vea cuáles son nuestras muestras aquí. Piénsalo. Necesito silenciar Todos mis sujetadores. Sólo estamos escuchando victorias. Tenemos que intentarlo. Es bastante bonito. Si quisiera hacer esto aún más ligero. Una cosa que podría considerar hacer es simplemente deshacerme de la parte base. Sólo haciendo eso. Eso lo haría sentir un poco más ligero. Ese low-end, Es una especie de molestarnos un poco. Esto lo aligeraría aún más. También podría llevar este clarinete una octava. Déjame probarlo. Es un poco de engaño, pero ¿a quién le importa? De acuerdo, así que ahora tengo esta limpieza que hasta una octava. Eso va a hacer del clarinete la voz más alta. Lo cual es interesante. Ok. Pongo mi clarinete por encima de la flauta. ¿Eso es malo? No, tienen diferentes colores. Realmente no tenemos que preocuparnos por como cruzar la voz y cosas como lo hicimos en clases de contrapunto. Esto es algo diferente. Hay muy buenas razones para hacer el clarinete por encima de la flauta. Recuerda que el extremo bajo del fluido va a ser difícil de escuchar. Esto no es tan bajo que no se va a escuchar en algunas de estas notas bajas son bastante bajas. Pero veamos qué tenemos. Sí, tan liviana y limpia en la costa, esa es probablemente la mejor manera de obtener esa luz agradable y sonido limpio. 19. Percusión: Soy una especie de lista de finalización, así que sentí la necesidad de incluir la percusión aquí. Esto realmente no va a funcionar, y la percusión. La percusión funcionaría para complementar lo que estamos haciendo aquí. Pero por sí mismo, realmente no hay percusión que yo quiera hacer aquí. Tenemos demasiadas notas para usar. El timpani. El dron lateral es, es raro, pero bombo, tambores de snare, platillos. Ninguno de estos va a ser particularmente útil para nuestros propósitos aquí, consideraría usar percusión malate, tal vez el xilófono, especialmente el xilófono, podría tocar esto en una persona con formalistas. Tal vez dificultad. Pero el xilófono es un bonito instrumento poco ligero y aireado. Es un poco torpe. Entonces eso lo hace sentir menos ligero. Pero lo es, es en su mayoría frecuencias altas y lo será, podría funcionar. Um, no puedo pensar en ningún otro instrumento de percusión que realmente, incluso el instrumento de percusión malate que realmente atraviese este sentido de como delgado y limpio que estamos buscando. Tal vez como catalase o algo así, pero esos son como tan brillantes que no querría usarlos. Vale la pena considerar para este tipo de cosas. No usaría la percusión para tratar de obtener un sonido ligero y delgado. Percusión fuera probablemente. 20. Piano/Harp: Tan rápido podemos hablar de piano y arpa. Sabemos cómo es esto en el piano. Qué es, va a sonar como un arpa. Déjame poner todo el asunto en el arpa. ¿ Es jugable? Veamos. Sí, creo que lo es. Creo que un arpista puede tocarlo como está. El arpa es muy amable de plucky. Es casi como una guitarra de esa manera. Como la guitarra clásica de esa manera. No va a ser buena manera de obtener este sonido luminoso y aireado. Um, me vendría bien si quisiera usar duro, podría usarlo para complementar los vientos. De hecho, hagamos eso. Vamos, vamos, déjame mostrarte cómo hago esto. Este tipo de sale un poco de nuestro método. Entonces considera esto como un desvío. Lo que podría hacer aquí es que vamos a ver este acorde. ¿ Qué tenemos aquí? G, D, G, B. Bien, Así que tenemos un acorde G mayor. Así que voy a ir al corazón. Y voy a hacer algo como esto. Vamos g, g, g, y luego vamos algo así. Sólo haz un bonito cordón grande. Sólo están pensando a través de él. Hagámoslo aquí también. Y hay otro GK. Entonces hagamos el mismo acorde. Lo que estoy haciendo aquí es sólo va a decir que un arpista para arpegiar algunos de estos downbeats, debería conseguir esta armonía. Esa es la misma armonía. Está bien, genial. Hagamos uno más. ¿ Tenemos aquí un código diferente? Tienes un CFC, así que tenemos un acorde F mayor. Un poco cool. Va a ser un sonido raro. F. Claro, podría seguir, pero básicamente escribiría así. Entonces vamos a seleccionarlos y decirles que lo rueden. Ese es el símbolo de nuestro arpegiado o simplemente una especie de como rodarlo gran línea ondulado ante él. Voy a jugar esto y los vientos. Veamos qué tenemos aquí. Vale, eso es algo genial. incluso deshacerme de estas cosas bajas en realidad, si realmente quiero conseguir ese sonido ligero, solo dales un par de notas altas para arpegiar. Sería una buena cosa ligera. Arpa en realidad puede elogiar aquí. Pero dando esto, cualquiera de estas líneas al arpa como cosa propia para, para crear este tipo de sonido ligero, delgado y limpio. Realmente no va a funcionar muy bien. Pero para complementar, puede ser bastante agradable. 21. Método 2: calentamiento y agitación: Ok, El 22 o más del mismo instrumento, doblando la línea al unísono, conocen octavas. Lo que vamos a sacar de esto es tal vez diferente de lo que piensas. Vamos a conseguir un poco más de calor por tener dos instrumentos allí. Y que se puede pensar en eso de la misma manera que nos calentamos de las cuerdas. Así que piensa en cuando la cuerda, cuando hay un violín en solitario tocando. Entonces si tú, la diferencia entre eso y toda la sección de violencia, como muchos de ellos todos jugando lo mismo. Es este un sonido mucho, mucho más cálido que calidez proviene de las imperfecciones de todos. La entonación de todos es muy ligeramente diferente, como todos pueden estar en sintonía pero aún así hacen ese calor porque todo el mundo es un poco diferente a todos los demás. Eso hace calor. Si eres guitarrista, es algo así como un pedal de coro. Lo grande que vamos a conseguir duplicando los mismos instrumentos al unísono es un poco más de calidez. Ahora lo que vamos a perder es Vamos a conseguir un poco más de lo que yo llamo vacilante, solo porque me gustó el calor y la vacilación. Pero vacilar no es una palabra perfecta aquí. Estoy tratando de encontrar lo contrario a la precisión. Es como la imprecisión, supongo. Piensa en cosas como las articulaciones. Si quieres que la nota salga así. Para ser muy corto y preciso, tienes dos personas haciendo exactamente lo mismo. Podría ser un pelo apagado, y eso podría hacer un poco de imprecisión en él. También entonación, si tienes dos flautas tocando exactamente lo mismo y solo están sosteniendo una nota sin vibrato. Eso es un poco peligroso porque pueden estar un poco fuera y eso puede sonar algo que no es bueno. Si están perfectamente sintonizados por el oído humano, entonces obtendrás esa calidez. Pero si solo están un poco fuera de sintonía, solo vas a sonar fuera de tono. Entonces ahí hay un poco más de peligro. Ahora una cosa que vale la pena señalar es que hay otra razón para duplicar así. El motivo es la seguridad. Como si estás trabajando con un grupo no muy bueno o tal vez un grupo de secundaria , secundaria, algo así. Entonces podrías duplicar por seguridad. Por ejemplo, podríamos decir, pongamos la línea en dos fluidos cuando realmente solo lo quiero en una flauta, tal vez solo usando la gripe como ejemplo. Pero tal vez no tenemos que ponerlo en ambos fluidos solo porque es una especie de línea difícil y puede que no se juegue muy bien por uno u otro. Obtienes una especie de seguridad añadida agregándola. Dándole un dos personas contra uno. Básicamente, no es una gran razón de orquestación para pensar así. Pero si tu preocupación es que la línea no se va a jugar, entonces dársela a la gente en grupo amateur puede ayudar. Puede ayudar a asegurarse de que se juega. Lo grande que vamos a sacar de este método es el calor. Pero al sacrificio de menos precisión. 22. Viento: Bien, veamos primero los vientos esta vez. Esto va a ser un efecto que no es muy bueno para que la computadora haya descubierto. Permítanme volver a decir eso de una manera menos extraña. La reproducción de muestra no va a mostrar con precisión esto. Y te explicaré por qué en un segundo. De acuerdo, entonces voy a dar nuestra línea superior para ajustarme a los dos fluidos. Al unísono, flauta uno voló al unísono perfecto. Ahora, ¿qué vamos a escuchar aquí? En el mundo real? Lo que creo que vamos a escuchar es un poco más de calidez. Porque los dos, estas ligeras imperfecciones que pueden ser buenas aquí en tal vez no estemos tocando realmente estas fermatas, pero estas fermatas con esas cosas largas sostenidas en perfecto el unísono puede ser un poco peligroso porque pueden salir de sintonía un poco. Pero en un grupo profesional, realmente. No obstante, lo que creo que en realidad vamos a escuchar cuando golpee play con solo estas dos líneas, es esencialmente una, flauta más fuerte. Creo que debido a las imperfecciones muy leves que esperamos que haga un humano , la computadora no va a hacer. Va a ser exactamente lo mismo. En realidad escuchemos a uno solo y luego ambos juntos y veamos si podemos escuchar alguna diferencia. Ahora hay una manera de sacar esas imperfecciones. Podríamos D2, N1, solo comprar un par de centavos. Podríamos hacer algo así, pero no lo es. Vamos a guardar eso para las cosas de ración de síntesis. Silenciar el piano. Y voy a silenciar la flauta, caso T2. Sólo vamos a escuchar flauta uno aquí. Muy bien, así que vamos a oírlo. Ahora. Hagamos eso con ambos fluidos. Aquí vamos. Sí, suena igual excepto un cabello más fuerte. Pero escucha esta F sharp aquí mismo. Simplemente enfoca tu oído en ese F-agudo cuando lleguemos a ella una vez más con ambos fluidos. Vibrato, vibrato en ese F agudo. Eso es lo que haría un flautista normal. Vibrato es algo que realmente contribuye a esa calidez porque realmente no estamos diciendo qué velocidad haces que por Bravo en diferentes jugadores van a hacer vibrato a diferentes velocidades ligeramente. Eso va a espesar el sonido y crear ese tipo de calidez. En este caso, la reproducción de la computadora no es precisa a lo que escucharíamos en el mundo real. Sonaría un poco más cálido si lo estuviéramos haciendo. Lo mismo es cierto, va a ser cierto en todos estos. Podría doblar poner la segunda parte, la parte alta de este corral en los clarinetes para salir. Tercero, el oboe 22 aparte, y cuarta parte en el fagot a dos aparte. Y de nuevo, sólo vamos a escucharlo como si fuera 12 aparte pero más fuerte porque así funciona la computadora. Entonces pensemos en esto un poco más cuidadosamente. Si ponemos la parte exterior en los clarinetes, déjame hacerlo para que realmente podamos ver lo que estamos haciendo aquí. Ahora tenemos el clarinete tocando la segunda parte con 22 aparte. Así que ignoremos los fluidos por un minuto y solo miremos los clarinetes. En los clarinetes, una especie de lo mismo que vamos a escuchar. Va a ser un poco más caliente porque estamos duplicados. Algunas de estas articulaciones podrían no aterrizar perfectamente, pero no es que sean complicadas articulaciones, así que, uh, probablemente esté bien. No vas a escuchar como ataques de notas por todo el lugar. Si tuviéramos un pasaje rítmico más complicado, eso me pondría un poco más nerviosa. Pero debido a que esto es rítmicamente bastante simple, las articulaciones probablemente estén bien. Nuevamente, vibrato en estas notas sostenidas va a añadir un poco de calidez. ¿ Qué pasa con esto combinado con los fluidos? Va a estar un poco más caliente. Sonido. Será un cabello más fuerte, pero no realmente. El aumento en volumen al hacer esto es leve. Tener dos instrumentos duplicó lo mismo. No lo hace el doble de ruidoso en absoluto. Porque si dijimos algo como esto, dijimos, Ok, quiero que toques este piano mezzo. Quiero que toques este piano mezzo. Tenemos dos personas tocando piano mezzo. Tienen oídos y probablemente se van a asegurar que su sonido resultante se trata de mezzo piano. Incluso podrían tocar un cabello más tranquilo solo para asegurarse de que los dos suenen juntos. Un piano mezzo. Se van a equilibrar ellos mismos. También hay como algo fisiológico con sonido, donde como duplicar el sonido en realidad como si tienes dos altavoces y luego agregas dos altavoces más, y ahora tienes cuatro altavoces. No son sólo automáticamente el doble de ruidosos. Hay algo de física sonora pasando. De todos modos. Esto lo hará más fuerte, ligeramente, pero no el doble de largo. Dependiendo significa que no es realmente una cosa de volumen aquí. Menos claridad, más calidez. 23. Latón: De acuerdo, vamos a la respiración. Tomemos esta primera línea. Aquí. Voy a silenciar mis flautas, clarinetes. Vale, digamos, ¿y si le dimos esa primera línea a los cuernos? Uy, necesito toda la línea. Dámoslo a los cuernos. Primogénito. Dámoslo al segundo. Ahora, cuál es nuestro resultado aquí va a ser el mismo tipo de trato. Va a ser un poco de calor. Las articulaciones son un poco más cálidas. Las articulaciones van a ser menos precisas. El cuerno no tiene tonelada de vibrato, por lo que no va a sumar una cantidad más de vibrato. Veamos a través del resto de ellos. Quiero decir, podría hacer Lo que va a pasar si hago esto. Tengo para los cuatro cuernos jugando la misma línea. Esto ahora va a entrar en el reino de sumar volumen significativo para las personas es diferente a una persona. Eso agregará un poco de volumen. También agregará calidez, pero estamos un poco dando vueltas de vuelta a la calidez aquí. Porque esto es un poco confuso. Pero pensemos en ello así. Si tienes un instrumento y tiene que tocar el ritmo. Muy apretado y preciso. Si le pides a un jugador que toque eso, sonará bien. Asumamos jugadores profesionales. Sonará genial. Lo tocarán así así. Si le pides a dos personas que toquen eso en cualquier instrumento, va a sonar potencialmente menos bueno. Porque es muy complicado para eso, que dos personas alineen perfectamente eso. Por lo que va a sonar menos bien. Así que entonces estás, vas a obtener un sonido más cálido de las notas más largas. Si tienes tres personas, va a sonar aún menos bueno. Va a ser como por el bien, quiero decir preciso. Va a ser aún menos preciso. Pero vas a tener un sonido cálido de esos huesos largos. Si tuvieras cuatro personas, va a sonar aún menos preciso, va a ser como oscuro, oscuro, oscuro, ¿verdad? Probablemente. Pero ahora has sumado cuatro personas y este sonido que vas a conseguir va a ser menos preciso. Pero va a ser esto es que estamos listos para decirlo, pero va a ser tan y preciso que va a ser algo bueno Otra vez, como el sonido no será un sonido preciso, pero será un sonido preciso. Es como si borro las líneas en algo, hago algo nuevo, casi. Puede ser un buen sonido. Para hacer eso. Es como dos cosas. Puede sonar descuidado, pero cosas como bienvenida tipo de descuido, es extraño. Pero este será un sonido bastante cálido. Va a ser ruidoso y tener ese tipo diferente de precisión a ella de la que acababa de hablar. Lo mismo es cierto en todos los instrumentos. Trompetas aquí. Lo mismo. Trombón, tuba, tuba. Supongamos que teníamos dos tubas. Realmente no los duplicaría al unísono en cualquier caso lógico, sobre todo porque son difíciles de conseguir esos ritmos precisos. Así que si les vas a dar ritmos precisos, realmente quieres que sean solos para que no se ponga aún más torpe de lo que la tuba ya puede ser. A veces. Estoy seguro que voy a conseguir toneladas de odio de los jugadores de tuba, los comentarios sobre esto, pero ni siquiera te digo lo que me hacen los trombolistas. 24. Cuerdas: Hablemos de las cuerdas. Las cuerdas son una especie de complicado porque si dijéramos solo, o si tratáramos de duplicar algo al unísono, ya lo estamos duplicando al unísono con cuerdas, porque cuerdas significa 1020 personas. Si se lo doy a uno violento, déjame llevar aquí mi violín o mi primera voz. Si se lo doy al violín así, ya hay 215 personas tocándolo y eso le agrega esa calidez. No tiene que ser así. Podría convertirlo en un solo. Solo significaría que el calor desaparecería, pero obtendrías más intimidad de ella. A ver si se puede imaginar eso por un segundo. Imagina que el violín en solitario tocando esta línea están tocando, Mary Had a Little Lamb o dondequiera que puedas hacer. Sólo imagínate eso. Ahora imagina el sonido de toda una sección de violencia tocando esa música. Son muy diferentes. Ese es el tipo de calidez del que estamos hablando aquí. Todos están jugando al unísono. Probablemente por lo que imaginas. Pero yo podría hacer esto. Podría añadir uno violento y violento a jugar lo mismo. Ahora tengo un montón de gente jugando a la línea al unísono. Eso es algo interesante, pero no va a añadir mucho más calidez. No hay una gran razón para hacer esto aparte de volumen, esto agregará algo de volumen. Si nada más, entonces es un símbolo para el conductor. El conductor podría ver eso y decir, quieres que esta línea salga realmente y tratarán de potenciarla y agregarle volumen. Que sea más fuerte que todo lo demás. Supongo que debería decirlo. Eso va a ser significativamente ruidoso. Ya va a estar caliente porque está siendo tocada por una sección. Entonces no es realmente que las articulaciones ya van a ser menos específicas porque ha sido jugado por una sección. Entonces no estás ganando mucho haciendo esto. Ahí estaba yo te voy a decir esto, había una razón por la que haríamos esto. Y a veces se pueden ver cosas escritas de esta manera en puntuaciones más antiguas. siglo XIX creo que fue el apogeo de esto. No era por volumen y no era por madera, no era por claridad fue por una razón totalmente diferente que ya no tenemos. El motivo fue y Tiffany Hall, que es una manera elegante de decir panning. Es decir, allá en el siglo XIX y un poco antes de entonces creo que solíamos montar la orquesta un poco diferente, donde el violín uno estaría de un lado y dos violentos estarían por el otro lado. Si pudiéramos hacer este tipo de cosas donde se duplicaron, básicamente obtendríamos el sonido de los primeros violines o toda la violencia en estéreo. Si tuvieras apenas la primera violencia, sería del lado izquierdo, apenas el segundo sería del lado derecho o viceversa. No lo sé. Los compositores jugarán con eso mucho. Ya no configuramos las cuerdas así . Es algo violento. Uno está encendido, si estás mirando el escenario de la izquierda, entonces sangra en dos violentos. Entonces las violas y poco profundas. La mayoría de las veces a veces todavía lo hacemos de esa manera, pero no muy a menudo. Esto sí se ve mucho en puntuaciones más antiguas por esa razón. Pero en las puntuaciones modernas es realmente, creo que sólo una cosa de volumen. Creo que es sólo una forma de agregar volumen. 25. Conjunto combinado: Pongamos esto en práctica un poco. Voy a mantener el piano silenciado y voy a dejar uno violento como tener solo esta línea, que para mí se duplica al unísono porque es la sección. Pero voy a tratar de hacer alguna orquestación real de pegatinas aquí. Tomemos nuestra segunda línea, que es ésta duplicando los clarinetes. Eso más bien me gustó. Entonces pensemos en eso. Deshaznos de todos estos cuernos. Buen riddance. Lo que tenemos aquí, ignorando el piano, tenemos a los violines tocando esta voz superior. Eso va a ser bastante pronunciado y muy cálido. Entonces vamos a tener la segunda parte, la segunda voz tocada por los clarinetes. Y voy a poner dos clarinetes al unísono, lo que significa que le va a tener un poco más de calidez. Creo que eso se va a mezclar muy bien con la violencia por crear un sonido cálido. Eso es lo que voy a tratar de hacer aquí. Sonido cálido. Ahora veamos qué más podemos hacer. ¿ Qué debemos hacer con la tercera parte? Podría usar fagotes, oboes, y fluidos. Voy a tratar de crear un sonido más cálido que pueda. Voy a dejar fuera fluido y oboe, sólo porque están un poco altos, son muy brillantes. Fagoones también porque son cañas dobles. Déjame tomar mi tercera voz. Kat intentó ir cuernos. Sí, vamos cuernos. De acuerdo, así que voy a ir cuernos, pero voy a conseguir sólo mi tercera voz. Ahí está la tercera voz y los cuernos. Y de nuevo, duplicaremos al unísono doblando para bajar un poco de calor. Esto es agradable y bajo. Ellos sí tienen algunas de estas cositas rápidas aquí. Pequeñas cosas rítmicas rápidas. Dejémoslos. Estará bien. ¿ Qué podemos hacer con nuestra parte de bajo? Nuestra cosa más baja de voz? Para conseguir que sea agradable y cálido. La tuba por sí misma puede ser cálida. Uy. Vamos a probar esto. Esto es un poco rompiendo nuestro patrón, pero estoy pensando que es, vamos a hacer tuba, doblado al unísono con trombón bajo. Sobre eso. Creo que esto podría crear una calidez agradable, agradable sonido cálido. Es casi una duplicación del mismo instrumento. Están en el mismo rango. Pero creo que me gusta. Está bien, genial. He usado un par de estas duplicaciones para hacer el máximo calor. Creo que para este pequeño chorale de Bach, voy a dejar de silenciar todo excepto el piano. Oigámoslo. Veamos lo que hicimos. Ahora, recuerda, realmente no estamos escuchando estas duplicaciones porque es una computadora, pero un poco bien, Computer no equilibró tan bien. Nos dio mucha tuba. Deshaznos de la tuba y solo veamos con trombón bajo. Sé que se supone que debo duplicar cosas, pero creo que fue un sonido mejor. También consigamos algunas dinámicas aquí. Así que vamos con un clarinete mezzo-forte, sólo para que estemos seguros de que está tocando todo al mismo volumen. Definitivamente no fue mezzo piano y las cuerdas que no he marcado como me gustaron donde estaban las cuerdas, pero ahora todo es más así. Mezzo forte. Así que vamos a oírlo ahora. Bastante bueno. No estoy seguro de por qué mi cabeza de juego se congeló aquí, pero más bien agradable. Sonido, bastante cálido. Una de estas notas de cuerno se pegó y me hizo pensar trompetas apagadas, como la trompeta 12 al unísono con un mudo recto, en realidad sería un sonido realmente agradable para mezclarse con lo que tenemos pasando aquí. Creo que eso funcionaría muy bien. Pero genial. No sé si es útil, pero te daré este expediente para que juegues con al final de esta sección también. 26. Piano/Harp y percusión: De acuerdo, sólo rápido, percusión, arpa, piano. Esta plantilla incluía bajo, guitarra, que no es inaudito. Eso es lo que puede pasar. Pero no lo voy a usar. Doblaciones aquí. Podemos tener dos pianos y una orquesta. No es inaudito. No puedes tener dos arpas. En una gran orquesta. A veces encontrarás dos arpas. Gran parte del tiempo. Eso es un efecto de volumen o una forma de moverse por algunas de las afinaciones engorrosas del corazón. Pero no vas a conseguir un sonido más cálido doblándolos. En su mayoría va a ser por volumen en todas estas precauciones. Doblar la percusión con el mismo instrumento de percusión, como si tuviera una parte de snare, teniendo que trabar partes, que consideraría extremadamente raras y bastante inútiles. No puedo pensar en una sola pieza de orquesta que he encontrado donde se pidió a dos percusionistas hicieran lo mismo, los mismos instrumentos. Realmente no puedo pensar en ningún lugar que eso haya pasado. Entonces, ¿normalmente no harías eso? Sí. Creo que eso es todo lo que tenía que decir sobre arpa y piano y percusión en esta técnica en particular. 27. Método 3: poder y órgano: Hacia la tercera cosa, la tercera técnica. Esto se está duplicando en una octava. Los mismos instrumentos se duplican en una octava, como dos trompetas en una octava en lugar de un nuevo usuario. Esto tiene características diferentes y un sonido diferente al mismo. Esto crea generalmente un sonido más potente. Es tipo de cortes mucho mejor que doblarlo al unísono. Y los problemas de entonación que pueden ocurrir al duplicar al unísono generalmente no son tan grandes como un trato. Pueden ser si hay realmente mal, pero más o menos, van a ser mucho mejores. Doblar en una octava. No somos tan sensibles a cuestiones de inclinación muy leves. También le da un tipo mucho más de Oregon como sonido. Si haces esto mucho, puedes tener esta sensación de como un Oregon, como un órgano grande de la iglesia. No sé si los órganos siempre están en octavas. Creo que es solo la serie sobresaliente que obtenemos de esos grandes órganos de la iglesia. Muchos de ellos se sienten como si estuvieran en octavas. Entonces cuando doblamos cosas en la octava, puedes conseguir ese tipo de sonido de Oregon . Pero eso no está mal. En realidad es bastante genial. Con esto. Pensamos, con esta técnica, pensamos en un poco más de potencia en la línea si realmente queríamos cortar, esta es una buena técnica que hacer. También pensamos en Oregon como una última cosa que señalaré antes de sumergirnos en ella es que encontramos que esto suele ser el más efectivo y no tienes que hacerlo de esta manera, pero tiende para ser los más efectivos cuando nos duplicamos. Eso significa que si tienes como dos líneas, entonces quieres la línea inferior. Quieres sumar una octava hacia abajo. Y la línea superior se sumaría una octava hacia arriba. Entonces se están duplicando así para hacerlos más gruesos. Si tomas una línea superior y duplica la octava agregando una más baja, simplemente no es tan poderosa como doblarlas hacia afuera. Ahora tienes cuatro líneas. Probablemente no duplicarías los cuatro en la octava. Simplemente duplicaría la de arriba. Porque realmente querías atravesar un poco más. Las cuatro líneas serían como una especie de lío. Pero el de arriba, tal vez incluso el de abajo. Si realmente quieres sacar ese tipo de sonido de Oregon, tal vez tenga énfasis en la interesante línea de base son una base importante. Podrías hacer eso también, o una voz interior. Pero no lo harías con todos ellos. Por lo general, solo harías esto con una, tal vez dos líneas. En paz. Vamos a intentarlo. Vayamos primero a los vientos. 28. Viento: Vale, probemos esto en nuestro clarinete. Aquí tengo nuestra primera voz. Se ve bastante bien. Pongamos nuestra primera voz de nuevo en el otro clarinete. Deshazte de este texto si lo necesitas. Vale, entonces esta es nuestra máxima voz. Estamos pensando en duplicar hacia afuera. Entonces eso significa que quiero tomar esta y moverla hacia arriba una octava. Hagámoslo. Eso parece ahora mismo que hace que esta parte aquí mismo gritando, todavía dentro del alcance. Para el clarinete. Está bien. ¿ Pero eso es 40 alto o no ruidoso? Es bastante alto. Pero creo que está bien. Clarinete es una de estas cosas, es uno de los instrumentos que puede bastante bien controlado. Es de rango superior. Creo que este será un sonido único. Buen sonido. Ahora, ¿qué va a hacer la reproducción? Porque de nuevo, al igual que lo del unísono, creo que va a reproducirlo con un poco de la Oregon como calidad a ella. Creo que va a atravesar un poco más. No vamos a escuchar realmente los efectos completos de la octava. Como lo haríamos si fuera tocada por humanos. Porque queremos que estos sean sólo un pelo fuera de tono para conseguir realmente ese sonido. Pero vamos a oírlo. Déjame silenciar el piano. Eso es aquí. Lo que hace la computadora con esto. Realmente no se puede escuchar que a Oregon le gusta la calidad. Si lo sabes, si escuchaste mucha música de órgano, ya sabes, las pipas superiores de un Oregon, realmente suenan así. Eso es muy órgano como creo que si hicimos algunas otras cosas como hagamos esto. Déjame simplemente, voy a tomar las dos primeras voces y ponerlas en el violín. Se dividirá la violencia. Y las siguientes dos voces y las puso en la viola. No sé, lo que sea. Seguro. Ok. Así que ahora vamos a escuchar fortalezas. Eso es todo lo que quería hacer. No quiero subrayar lo raro que es esto. Lo que estoy haciendo en cuerdas. Trataremos con las cuerdas en un minuto. Solo quiero tener cuerdas tocando para que podamos escuchar cómo cortan los clarinetes porque están en esa octava. Oigamos esto. Realmente probablemente escuchamos principalmente esa voz superior. Pero creo que el fondo, el segundo clarinete en la voz inferior, creo que eso fue aquí y eso fue audible. Se estaba mezclando bastante con las cuerdas porque estaba en el mismo rango. Pero realmente estaba apoyando el clarinete y lo hizo destacar un poco más. Y nos dio ese Oregon como sonido. Esto funciona en casi todos los instrumentos. Los vientos. Sí, nada se destaca como algo que no funcionaría. Solo hay que tener cuidado con el alcance porque estás moviendo las cosas por una octava, generalmente en los vientos. Si realmente quieres una melodía para atravesar cuando los vientos, esta es una buena técnica para hacerlo. 29. Latón: Bien, hagamos lo mismo en el latón. ¿ Dónde queremos hacer esto? Cuernos, trompetas, trombón, bajo, trombón, tuba. Recordemos eso, ese tipo de cosa de duplicación hacia afuera con la octava. Entonces si lo hacemos con, bueno, sólo hemos ido a ello, así que realmente no podemos hacer eso. Entonces serían trombones. Podríamos hacer una voz interior, pero abajo abajo y bajar. Eso va a hacer que sea un poco fangoso. Voy a guardar las cuerdas aquí para que aún escuchemos eso. Probémoslo con, probémoslo con trompetas. Déjame en espera. Ahora esto va a conseguir un grito. Veamos qué podemos hacer aquí. Tal vez tengamos que hacer un poco moviendo las cosas por ahí. Deshaznos de esto. Veamos nuestra trompeta una parte. Ya estamos en lo más alto de nuestra gama aquí mismo. Eso es súper alto. D, Wow, eso es como un streamer. Y luego todo el camino hasta esta F, Mira, hago clic en él y no oigo nada. Eso significa que nuestra muestra ni siquiera tiene una muestra de ese alto. Sí, tocamos en D. Eso está realmente fuera de alcance. Aunque tuviéramos un jugador que pudiera conseguir esas notas, lo cual es posible. Teóricamente, van a tener que fijarlos. Van a tener que tocarlos tan fuerte que no va a funcionar. ¿Qué podemos hacer? Bueno, podemos engañar un poco nuestro camino a través de esto. ¿ Y conoces ese término engañando a nuestro camino? Eso es como un actor. Si un actor está en el escenario hablando con otro actor y son como hablar cara a cara y las audiencias de aquí, y están hablando. Tienen este término que dice como, quiero que engañes eso un poco, lo que significa que no voy a enfrentar directamente a este actor porque entonces mis hombros al público. Entonces lo que voy a hacer es que en realidad voy a hablar con este actor que está aquí hablando por aquí. De esa manera. No hablando directamente con ese actor, pero el público realmente no se da cuenta de eso porque sólo estoy un poco a escondidas mi salida hacia el público mi salida hacia el público. Se llama engaño. Me gusta usar mucho ese término. En términos de orquestación. Podemos hacer algo un poco astuto. Aquí. Lo que podría hacer, hay dos cosas que podría hacer. Una es que podría doblarse. Entonces en otras palabras, toma esto, intentemos eso primero. Puedo tomar éste, ponerlo en mi primera trompeta. Entonces puedo tomar esta y moverla hacia abajo. Esto no es exactamente hacer trampa. Veamos. Estamos en el alcance. Estamos en el alcance, pero no me encanta porque es tan flácido ahí abajo. El extremo bajo de la trompeta no es mi cosa favorita. Voy a hacer algo diferente. Vamos a volver a donde estábamos con esto alto. Voy a dejar que esto esté muy alto, pero me voy a escabullir mi salida justo aquí. Vamos a bajar a ese final G de una frase. Voy a tomar esto ser todo el camino. Tratemos de escuchar esto mucho de ella. Voy a derribar una octava. Entonces si aún quiero que me dupliquen, voy a ir a aquí y derribar esto una octava. Entonces bajemos también estas dos notas, tratando de encontrar una manera suave de volver allí. Para volver a subir esa octava. Todavía va a tener una octava aparte. Pero voy a dar el salto de línea. Ahora, mi línea no es demasiado desigual. Ahí mismo hay un gran salto. Y luego volvemos a subir. Allí hubo un gran salto. Entonces estamos recibiendo algunas notas altas rurales, pero creo que esto podría funcionar. Así que estoy empezando un final. Con la octava anterior y en el intermedio la parte media estoy en una octava debajo. Así es como tengo que hacerlo para que esto sienta en el alcance sin ser ridículo. Vamos a intentarlo y escucharemos también las cuerdas. No está mal. Creo que lo que haría si esta fuera realmente mi pieza, probablemente no haría esto. Me daría cuenta de que porque esto me va a poner en un punto apretado en un rango. Simplemente no me duplicaría en las trompetas y esta línea. A menos que pudiera vivir con la duplicación, agregando una octava debajo. Ya sabes, ¿qué funcionaría? Déjame mostrarte. Voy a salir del guión aquí. Porque siempre estoy tan guionado como ustedes saben. ¿ Puedes llevarnos una octava a donde estaba originalmente? Va a tomar esto de nuevo en octava. Sí. De acuerdo, así que ahora estamos de vuelta al original. Esto es lo que podría hacer. Tomemos esta, nuestra de arriba, abajo una octava. Vamos a doblar debajo. Voy a tomar este ahora abajo una octava. Estamos doblando debajo. Esto puede o no funcionar porque recuerda, preferimos doblar hacia afuera así. Y esta es una justa, esta es la primera voz, es la voz de arriba. Entonces no es ideal, pero aún podría funcionar. Sin embargo, lo más grande que no me gusta de esto, es que pone trompeta a, en este rango realmente bajo, que es para la trompeta, no un gran rango soportado. Es realmente un poco flácida. A mí. No hay mucha estabilidad en este rango realmente bajo en estas notas realmente bajas. Para contrarrestar eso, voy a duplicarlo al unísono. Tenemos tres trompetas no, a apoyar esa parte baja. Eso le va a dar un poco más de estabilidad y un poco más de grosor por esa cosa de intuición de la que hablamos en la última técnica. Y luego en la primera trompeta, vamos a ser una octava más alta. Creo que eso me va a conseguir el sonido que quiero. Vamos a darle un tiro. Vale, un poco interesante. Creo que con verdaderos jugadores humanos, este sería un sonido que me gustaría. Pero no me encanta la forma en que se está jugando la computadora este momento es un poco demasiado flácida, como dije. Pero creo que si realmente escuchamos el ancho que viene con esta duplicación, tendríamos algo interesante, una técnica difícil de hacer en el latón solo por las gamas. 30. Cuerdas: De acuerdo, vamos a las cuerdas. Ahora lo que hemos hecho mucho en las cuerdas hasta ahora es solo hablar de cómo es esto. Las cuerdas ya se duplican porque hay muchas de ellas jugando a la vez. Y así muchas de las técnicas que hemos mirado hasta ahora, mayoría de las técnicas y las otras dos técnicas que hemos visto hasta ahora, no particularmente efectivas ni tipo de ya integradas en las Cuerdas. Éste, no tanto aunque. Este se puede tener un poco de buena diversión con en las cuerdas. Así que voy a tomar mi primera línea de nuevo. Ponlo en uno violento. Pongámoslo también en violento. Así que dupliquemos la octava. Así que tomemos el violín uno y subamos. Y puedo decir que el rango va a estar bien aquí. Sí, esto se pone bastante alto para el violín, definitivamente no fuera de su alcance. Esto va a atravesar un poco más. Vamos, Escuchemos esto por sí mismo y luego agregaremos el resto de las cuerdas. Entonces esto es con lo que se duplica. La violencia. Todavía tengo una trompeta que entra ahí. Sí. Yo estaba como, wow, hay mucha trompeta que Nicea en doblar por octavas y otras trompeta tocando. Vale, una vez más. Está bien, bastante guay. Vamos a sumar el resto de nuestras partes y vamos a tratar de realmente llenar esto con los violines doblados en la octava. Entonces vamos a eso. Se ve mejor. Escuchémoslo ahora solo para recordarte lo que tenemos. Tenemos nuestra primera parte en el violín, una hasta una octava. Tenemos nuestra segunda parte en violenta a en el campo de juego. Entonces eso está haciendo un arrepentimiento, tenemos nuestra primera parte también en violenta a en el campo de juego. Eso es hacer el violín 12, ambos tocando la primera parte, pero en octavas que deberían hacer que esa primera parte realmente cortara el resto de las cuerdas. El papel de la viola está jugando nuestra parte alta. El violonchelo está planeando nuestra parte tenor, y la base está planeando nuestra parte de bajo. Bueno, vamos a oírlo. Siguiente. Sonaba como que había este órgano como la calidad en la parte superior de él. También perdimos algo de volumen en las voces internas. Nuestra base realmente cortó por alguna razón. No sé por qué nuestra biblioteca de muestra estaba haciendo eso. Teníamos tanto poder entre la violencia y la base. La viola y el violonchelo estaban un poco enterrados. Nos gustaría pensar en eso. Otra forma en que podrías hacer lo mismo es realmente cambiar todo hacia arriba. Entonces pon la parte del bajo en el violonchelo. Poner la parte de violonchelo y la viola, poner la parte de viola en el violín dos, y luego dividir una violenta. Puedes decirle fácilmente a media sección que la juegue una octava más alta y la otra mitad de la sección la reproduzca una octava más baja. Para que pudieras dividir el violín, uno que estás consiguiendo la octava ahí dentro, solo en una violenta. Lo harías escribiendo DVC o simplemente DIV, eso significa dividir. Y luego puedes escribir dos líneas. Um, tendrás que dividirlos en dos partes o dos pentagramas cuando hagas partes, ese es un tema separado. Si estás tratando con humanos. Pero si solo estás lidiando con lo electrónico, que la palabra es DVC, significa dividir. O si quieres ser elegante, puedes hacer div con un acento en él también. Eso significa dividir en dos. También puedes hacer div off por donde dices dividir en 44 grupos dentro del violento. He hecho una pieza antes donde hice div O3. Y puedes hacerlo totalmente, pero crea un montón de confusión. Porque recuerda cómo se configuran las gradas y escritorios con violín, hay dos personas a las que soportar. Si están haciendo divisiones de números impares, ellos pueden decir fácilmente, Ok, ustedes lo hacen, Hacen la parte superior, vamos a hacer la parte inferior, ustedes hacen la parte superior, vamos a hacer la parte inferior. Si lo hacen en tres, tienen que hacer ustedes chicos y la mitad de mi stand hacen la mitad superior de mí y se complica. Intenta usar números pares para DVC. De acuerdo, sigamos adelante. 31. Conjunto combinado: De acuerdo, hagamos una cosa de conjunto combinado. ¿ Qué tal, vamos a dejar nuestras cuerdas se pueden duplicar ahí arriba. Entonces tomemos nuestras partes de bajo. Vamos a sacarlo de la base, el bajo de cuerda. Veamos si podemos duplicarlo. O trombón y trombón bajo. ¿ Recuerdas eso? trombón y el trombón bajo son muy, muy similares. Esto es algo así como doblarlo el mismo instrumento. Lo que tengo que hacer. Ya he bajado esto una octava. Vale, Así que recuerda que en la parte de bajo que acabo de borrar el video anterior, lo dejé caer una octava. Ya estamos bajando una octava. Entonces voy a tomar nuestra parte superior, moverla hacia arriba una octava. Aquí vamos. Entonces ahora tenemos esta parte inferior, doblada a una octava en los trombones. Eso es genial. Y nuestra parte alta. Entonces pongamos nuestro campo, o sean voz alta. Pongámoslo en un clarinete. En realidad. Creo que eso podría ser un poco agradable. Porque esto es, tengo, tengo las cuerdas duplicando la voz soprano. Tengo el trombón duplicando la voz del bajo. Ambos en octavas. Voy a duplicar el clarinete, la voz alta, pero va a duplicarlo al unísono. Sólo para darle un poco más de poder. Pero no, no el corte porque queremos que sea como una especie de línea secundaria. Esa fue la voz alta. Todavía no he hecho nada con la voz tenor. Bueno. Pongamos la voz tenor en los foros, tal vez. Trompeta, trombón. Pongámoslo en los cuernos. Nuevamente, doble al unísono porque los cuernos probablemente lo necesiten. Devuélvate eso. Sólo quiero deshacerme de estos. Repasemos lo que tenemos Una vez más. El soprano voz de nuestro coral está en la violencia 12 que se duplicó en la octava. El piano está silenciado. Debo señalar que la violencia, o el doble una octava hacia arriba. Tenemos la octava original más una octava mayor. Nuestra parte base está en el trombón, con el trombón bajo doblando una octava hacia abajo. Entonces eso nos da esa duplicación externa de la octava que nos gusta. Nuestro cuerno está tocando nuestra parte tenor, doblada al unísono, y nuestro clarinete está tocando. Nuestra parte alta se duplicó nuevamente al unísono. Muy bien, vamos a oírlo. ¿ Qué oímos? Escuchamos mucha base. Nuevamente, no sé por qué dora CO es tan bajo pesado en este momento, pero definitivamente una cantidad antinatural de trombón en eso. Pero lo que era preciso a lo que escucharíamos en la vida real es que escuchamos principalmente la base y la voz del bajo y la voz soprano. Escuchamos trombones y violencia. Eso fue lo principal que escuchamos porque se duplicaron en octavas. Van a cortar. Todo lo demás estaba apoyando. Nosotros hicimos aquí estos bastante bien. No sé que la duplicación al unísono esté haciendo mucho por nosotros. Probablemente un poco solo en términos de volumen. Creo que en la vida real sin embargo, que el grosor que se añadiría a esto sería un sonido muy agradable y cálido a esto, nos ayudaría a tener un sonido extra. Pero esta es una forma bastante decente de orquestar esto. Yo creo. 32. Piano/Harp y percusión: Yo sí quiero señalar una cosa sobre el arpa de piano y la percusión. Con esta técnica. Siempre que tengas una línea individual en el arpa de piano o percusión, considera duplicarla en una octava. En otras palabras, si vas a darle al piano la melodía, en lugar del piano tocando notas individuales para esa melodía. Considera darles la melodía en octavas. Creo. Cualquiera que sea guitarrista sabe esto, que tocar una sola melodía es genial. Pero si quisieras tener algo de poder, juega en octavas. Entonces eso es cierto del arpa y el piano. Cualquier percusión melódica, xilófono, marimba, hasta campanadas. Siempre que quieras que esas cosas corten y realmente se escuchen cuáles esos instrumentos, sobre todo el piano, es relativamente tranquilo dentro del contexto de la orquesta. Si realmente quieres que el timbre del piano corte a través de una especie individual de idea melódica. Considera siempre duplicar en octavas. No tienes que hacerlo. Pero si realmente querías atravesar, normalmente va a funcionar para ti. Así que siempre piensa eso. Eso es todo lo que realmente quería decir. Pienso en esta técnica y piano, arpa y percusión. Te daré este expediente para que juegues con si eso te resulta útil. Y luego pasaremos al método para. 33. Método 4: colores nuevos: Vale, método para que vamos a romper un poco el patrón aquí. Vamos a hablar de éste un poco diferente porque estamos empezando a hablar de combinar familias de instrumentos. Aquí. Realmente estamos hablando de hacer nuevos colores. Entonces no tiene sentido hacer esto solo con los vientos y el latón y las cuerdas, porque todo esto se trata combinar cosas diferentes y hacer nuevos colores. Si tuviera que resumir, lo que estamos sacando de esto de este método. Es nuevo color, nuevo, nuevo sonido, nueva madera. De lo que estamos hablando aquí es de hacer algo como esto. Tomemos nuestra primera línea. Vamos a Seleccionar, ajustar nuestra voz superior. Digamos que queremos esto en el oboe y lo dupliquemos al unísono en la trompeta. ¿De acuerdo? Entonces tenemos unísono, pero dos instrumentos diferentes a diferentes familias de instrumentos. Incluso. Entonces, tenemos que pensar en cómo se van a combinar estos. ¿ Van a mezclarse? Esto no es exactamente como no todo se mezcla. Estoy tratando de hacer una analogía de cocina aquí y decir como, no se puede simplemente tirar cada especia y esperar que tenga buen sabor. Pero no sé lo suficiente de cocinar para que esa analogía funcione. Por lo que ojalá entiendas aquí, no todo funciona. Algunos instrumentos se mezclan con otros instrumentos y otros no. Francamente. Ahora, cuando digo que no lo hacen, eso es un asunto de opinión y es polémico. Podrías hacer que cualquier cosa se mezcla con cualquier cosa. Sí, podrías. Y en la situación correcta, se puede hacer que cualquier combinación de instrumentos funcione. Pero para mí realmente se reduce a 21 cosa. Una cosa que nos diré, si los instrumentos se van a combinar bien. Lo que quiero hacer en esta sección es mirar esa cosa y mirar hacer esa cosa como correctamente y usar esa cosa incorrectamente, porque ambos tienen algunas aplicaciones. Esa cosa es el sobre del sonido. El sobre del instrumento podría ser una mejor manera de decir eso. Creo que vamos a sumergirnos justo en esto. Entonces vamos a un nuevo video y hablemos de lo que quiero decir con el sobre y cómo averiguarlo para cada instrumento. 34. Considera el sobre sobre de relieve (ADSR): Quiero mostrarles este gráfico aquí. Ahora. Si has hecho algún trabajo en música electrónica, en síntesis, entonces esto probablemente te sea realmente familiar. Y si tienes un libro de texto de orquestación y miras esto hacia arriba, tratas de encontrar este gráfico en tu libro de texto tradicional de orquestación. Probablemente no lo vas a encontrar. Esto es sólo algo lo que realmente me he enganchado por mis antecedentes tanto en música electrónica como orquestal e instrumental. Creo que es una de las cosas más ampliamente pasadas por alto de la orquestación. Lo que vemos aquí es un gráfico llamado sobre ADSR. Y esto se usa todos los días en síntesis cuando estamos diseñando un sonido. Cuando estamos haciendo un poco fresco poco de sonido sintetizador sintético. Esto es en lo que pensamos y esto es con lo que trabajamos. Permítanme explicar eso y luego saltaré hacia atrás y explicaré cómo se relaciona esto con lo que estamos haciendo. Entonces básicamente, se puede pensar esto como el volumen del sonido. Esto se puede aplicar a un montón de formas diferentes, pero pensemos en ello en términos de volumen. Tenemos el ataque inicial, ese es el ataque de ADSR. Eso significa que tan rápido toma el sonido para pasar de la nada para subir a todo su volumen? Ejemplo. Si lo hago, si hago esto, ahí hay un arco. Hay una línea que va de 0 a volumen completo sobre, no lo sé, 2.5th o así. Se sube. Ese es nuestro ataque inicial. Ahora si pensamos en un instrumento como la trompeta, la trompeta puede pasar, en cuyo caso hay una línea. No sé por qué fui afilada ahí, lo que sea. Pero también puede bajar. En cuyo caso, no hay línea o hay una línea extremadamente rápida que hace que esta línea sea virtualmente recta. Está encendido a plena explosión. No es necesario entender completamente estos sobre ADSR. Así que sólo te estoy mostrando los cuatro elementos del set. Entonces en la mayoría de los sonidos, hay una decadencia inicial, esa es la decadencia D. Eso significa que el sonido sube a todo su volumen, retrocede un poco. Y entonces ahí es donde nos sentamos. Esto es como el llamativo del sonido. Si pensamos en una guitarra, guitarra es un buen ejemplo, rasguemos un acorde a una guitarra. Este es en realidad el punto más ruidoso desde cuando nuestra púa está bajando. Esa es nuestra selección en las cuerdas. El sonido resonante real de la guitarra. Una vez que terminamos de rasguarlo, se baja un poco y luego suena. Este es el anillo. Entonces en algún momento detenemos el sonido. Ahora en una guitarra, sólo podemos dejar que se desvanezca. En cuyo caso va a tener esta liberación lenta. Se va a desvanecer y parar. Liberar es el, son los o podemos detenerlo con mano y luego va a tener un lanzamiento muy rápido. Entonces esta línea va a ser básicamente recta hacia abajo. Ataque, decaimiento, sostenga, libere. Todas estas líneas son básicamente una función de volumen a lo largo del tiempo. Con excepción de sostenida. Sustain es una función de es una especie de un sustain estático, este tipo de una cantidad estática. Este es nuestro volumen sostenido. En realidad no se basa en el tiempo. Nos sostuvimos durante el tiempo que vamos a sostener y luego activamos un lanzamiento. ¿ De acuerdo? No te preocupes demasiado por eso. Lo que realmente nos importa aquí es el ataque y algo el lanzamiento. A lo mejor esta decadencia, en algunos casos, esta decadencia. Pero vamos a centrarnos sólo en el ataque por ahora. Para mantenerlo sencillo, queremos emparejar instrumentos que tengan un similar. Entonces volviendo al elemento de orquestación, los instrumentos que emparejan realmente bien tienen un ataque similar. Tienen un sobre similar el uno al otro. Entonces veamos. Flauta y oboe. Pensemos en cómo ataca una flauta. Tiene un poco de rampa arriba. A menos que hayas pedido unas notas staccato muy específicas, entonces una flauta tocando como una línea como esta, va a tener un poco de ataque. No está muerto. Queremos emparejarlo con uno que tenga un ataque similar. Cuerdas. violín tiende a tener un ataque mucho más lento que todo lo demás. Entonces emparejar, duplicar algo así como una trompeta con violín va a ser un poco peligroso porque el violín, porque vas a escuchar la trompeta estallar. Porque va a ir a punto, punto. Y las cuerdas van a ir, wow, wow, wow. No coinciden. Vas a escuchar esa trompeta y luego vas a escuchar las fortalezas que pueden ser más útiles en eso en un segundo. Pero si querías ser un sonido cohesivo y mezcla, eso no lo va a conseguir, correcto. Va a ser un desastre. Va a cambiar con el tiempo. Vale, déjame explicarte esto una vez más. Tomemos un trombón. Y timbales. Genial. El trombón tiene un sonido. Por eso definitivamente tiene algún tiempo en su ataque. No lo es, pero eso no es lo que hacen los trombones. Tiene algún tiempo en ese ataque. Un tímpano es un instrumento de percusión. ataque es virtualmente instantáneo. Se va vago, porque lo golpeas con un mazo de su ataque como muerto. Si emparejan esas dos cosas juntas, vas a escuchar los timbales antes significativamente el trombón. Esa no es una gran mezcla. Si quieres que coincidan perfectamente. Sostener eso tiene sentido. Cuando estés mezclando sonidos, piensa en ese ataque. Quieres mezclar sonidos que tengan un ataque similar. Si quieres crear solo un color cohesivo. Hablemos de, vayamos a un nuevo video y hablemos de emparejar unos sobres no coincidentes. 35. Combinar los sobres,: Vale, así que probemos unos cuantos que creo que coinciden bastante bien. Oboe y Oboe. Sí, esos coinciden bastante bien, pero eso no es lo que estamos haciendo. Estamos haciendo diferentes instrumentos aquí. Veamos, la flauta tiene un ataque bastante rápido, y oboe tiene un ataque bastante rápido. Esos se mezclarían bastante bien. Clarinete tiende a tener un ataque un poco más lento. Entonces oboe. Si puedes oír esto, voy a subir esto. Esta muestra de clarinete, escucha. Piensa, mientras que el volumen en ese OneNote, ¿dónde está el volumen su más alto o su más alto? No es lo primero que oímos, ¿verdad? Ese es el sobre aquí, este oboe, lo mismo, y estos tienen sobres muy similares. Sienten como si estuvieran tomando la misma cantidad de tiempo. Por lo que estos deberían mezclarse bastante bien. Oigámoslos juntos. Déjame silenciar nuevamente el piano. Bastante bonito. Tratemos de pegarnos con el, pegando con el clarinete. Deshaznos del oboe. Pensemos pronto. Sí, vale, vamos a mezclarnos al unísono. Tenemos que ir camino hasta aquí, pero eso está bien. Oigámoslo. Vale, no está mal. Probemos un cuerno. Similar. Creo que estos se mezclarán. Ok. Siguiente tipo de mimo etéreo. Estos en realidad no se mezclan tan bien, en mi opinión, creo que sólo podrían ser las muestras que tenemos aquí, pero estamos, estamos escuchando más sostener en la trompeta. Son una especie de ese sobre. Se están quedando en ese pico más tiempo que el cuerno. Ahora hablemos también de articulaciones. Si hago esto, vamos a la trompeta. Ese fue un ejemplo que señalé hace un minuto. La trompeta. Estos no se van a combinar muy bien para mí. Esta muestra en particular que estamos escuchando tiene un sobre bastante largo. Se ha tomado una cantidad bastante significativa de tiempo, lo que significa menos de un segundo, pero en algún momento llegar a ese volumen completo. Considerando que esto es un poco más rápido de lo que, creo. Oigámoslos juntos. Y entonces quiero hacer algo raro. Uy, aquí vamos. Oye, para que uno no funcione tan bien, escucho mucho más trompeta luego clarinete. Yo consigo un poco de destello del clarinete, que es una especie de sonido genial en realidad. Pero eso cae en esa categoría de maridajes que no creo que funcionen muy bien. Esos sobres no coincidentes que pueden funcionar bien porque lo conseguirás. Es ese sonido de Trompeta, pero con un poco de halo a su alrededor desde el clarinete. Pero déjame hacer otra cosa. Siempre puedo cambiar ese sobre con dinámica. Si me va a gustar esto, acabo de agregar puntos a todas mis notas de trompeta. Ahora deben ser punto, punto, punto, punto, punto, punto, punto. Como realmente bastante corto. Eso no va a coincidir con esto en absoluto. Pero vamos a intentarlo. Ahora, algo interesante ha sucedido. Estos no coinciden en absoluto. Pero, ¿qué oímos? ¿ Qué escuchamos realmente aquí? Escuchamos el ataque de la trompeta y el sustento del clarinete. Ahora, eso es algo interesante porque ahora sólo hemos hecho un instrumento completamente nuevo. De esto se trata realmente la orquestación. Usando. Desmontando ese sobre y haciendo un nuevo instrumento fuera de él tomando el ataque de una cosa y lo sostuvo otra cosa. Estos no se mezclan por el sobre. Así no es como lo haces. No obstante, hacen algo realmente interesante porque no se mezclan. Vamos a burlarnos de eso un poco más. Bajemos un poco más por ese agujero de conejo y hablemos de cosas que no coinciden. En el siguiente video. 36. Combinar las ventas con sobres descontrolados: Veamos si podemos empeorar esto aún más. Peor es el término equivocado. ¿ Sabes a qué me refiero? Saquémoslo del clarinete. Mantengamos las trompetas staccato, bonitas y cortas. Vayamos a violentos. Violento, uno va a tener un ataque lento. Pero de alguna manera consiguió la rápida articulación. Algo en mi software aquí lo está diciendo para tocar esta articulación, articulación staccato. Y eso no es lo que queremos, pero déjame ver si realmente hace eso. Oigámoslo tal como está. No oímos este corto, pero tampoco creo que hayamos escuchado la trompeta. ¿ Podemos sólo escuchar la trompeta? De acuerdo, hagamos esto. Vamos a marcar estos con una dinámica solo para que estemos seguros de que estamos escuchando cosas al mezzo forte. Ahora vamos aquí estos dos. Ahora lo que deberíamos tener es staccato, trompetas y legato, violín. Todavía no estoy escuchando mucho en absoluto la trompeta. Vamos a marcar eso por etiqueta sólo para ayudarnos un poco. Ahora lo que deberíamos estar escuchando son estos como un ataque agudo de las trompetas al inicio de la nota y luego el sustento de la nota sobre el violín. Se va a cambiar de una trompeta a un violín, y luego de vuelta por cada nota. Creo que en este caso, ese no es un sonido muy atractivo. Es un poco nauseable un poco porque simplemente estamos como que siempre estamos haciendo esto. Por, por, por tipo sonido. Podría ser genial en algunos contextos. Pero en realidad no está funcionando para mí aquí. Vamos a probar algo un poco más corto. Vamos a probar oboe. Quizás sin el staccato. Sólo voy a marcar estos tenuto. Sólo voy a marcar estos tenuto para que nos ayuden. Eso significa jugarlos a lo largo. Vamos a probar eso. También tengo ese fuerte marcado. Este es el problema de las puntuaciones. Tienes que hacer que todo sea realmente pequeño para verlo todo en una sola página. Aquí vamos. Oboe, largo, violín, no marcado, pero bastante largo. Oigámoslo. Este es un buen ejemplo. Esto es lo que oigo. Por un lado, me gusta lo que estoy escuchando porque estoy escuchando mayormente violín. Eras mucha Irlanda. Pero escucho esto casi parece que alguien silba a lo largo de la distancia. Ese es ese oboe, porque se están duplicando al unísono. Y tienen un sobre similar. mí me gustó ese tipo de silbato y el sonido de distancia. No obstante, también escucho sobres que no coinciden, sobre todo en el ataque. Incluso habiendo marcado estos tenuto, el ataque oboe es mucho más corto que el ataque de cuerda. Todavía escucho esto como dos cosas diferentes a diferentes ataques. Están fuera el uno del otro. Suena como un accidente. Escucha de cerca. Es un poco difícil de escuchar, pero si escuchas muy de cerca, escucha por estos dos ataques que suceden. Sí, es muy difícil de escuchar. No es tanto el ataque. Es la parte superior del ataque. Eso es lo que estoy escuchando. Cuando oigo al oboe llegar primero y luego los violentos llegan allí un poco después. Es así o así, supongo. No me gusta. A lo mejor sólo soy yo. Ahora podría finesse esto y hacer que funcione por les podría dar a ambos un marcado tenuto y veamos si eso ayuda. No sé cómo va a interpretar eso la computadora, pero veamos qué hace eso. Ese tipo de lo resolvió, pero creó algunos problemas de afinación extraños. Podría ser sólo uno que escuchó eso. Creo que estos B pisos de aquí abajo, estaban como fuera de sintonía el uno del otro. Eso es realmente extraño. De todos modos, nos encargaremos de eso más tarde. Solo algo a considerar. Estamos haciendo nuevos sonidos aquí y el nuevo sonido no necesariamente tiene que ser perfecta combinación de los dos sonidos. Puede ser una combinación imperfecta de los dos sonidos. Y la forma en que harías eso es con sonidos que no tienen el mismo sobre. Se obtiene el ataque de uno y el sustain del otro. A medida que nos ocupamos de más orquestación, vamos a llevar eso en una medida bastante grande donde podríamos orquestar completamente eso donde tenemos un hit y luego de las cuerdas y luego un sustain de la vientos. Esta es una especie de nuestra introducción a ese concepto, pero es un concepto importante. Así que vamos a jugar con esto un poco más. Tratemos de hacer algo con las cuatro voces y usando esta idea y veamos qué podemos hacer. 37. La Orquesta completa: Vale, vamos a divertirnos un poco. Voy a sacar esta parte de cuerda. Y veamos dónde queremos que esté nuestra primera voz? Lo tenemos ahora mismo en la OBO. Eso es genial. Tal vez hagamos oboe. Y tiene estas marcas de tenuto en él. Vamos a probar oboe y cuerno. Escuchemos a esos dos juntos. Voy a quitar estas articulaciones. Vamos a intentarlo ahora. Sí, ya sabes qué, casi puedes oír que el sobre esté apagado en este F-sharp. Escucha cerca de esa F afilada aquí, eso me vuelve loco. Creo que eso es sólo en nuestras muestras, pero vamos a asegurarnos de que no hice eso. Entonces no utilicemos cuerno. Vamos a usar Asumiendo clarinete. Necesita clarinete uno. Vamos a probar eso. Eso es lindo. Estoy escuchando mucho oboe, escuchando. Clarinete nos da un poco de un sonido de fondo. Entonces es una mezcla bastante unificada. Estoy hablando de orquestación, como si hablaras de vino. Y es algo así. La mayor diferencia es no sé porquería sobre el vino. Pero sé mucho de nuestra ilustración. De acuerdo, vamos a nuestra voz alto y veamos si podemos hacer que algo guay sucediera con la misma idea. Pongamos nuestro Alto en fagot. Entonces. ¿Cómo podemos igualar esto? Fagot y cuerno podrían coincidir bastante bien. Sí, siento que esos sobres se alinean muy bien. Vamos a seguir adelante porque realmente no puedo solo a esos dos ahora mismo. Vamos a nuestra tercera voz. Hagamos nuestra tercera voz. El horror y también el segundo cuerno. Vamos a duplicar eso en. El trombón podría funcionar. Creo que eso va a funcionar. Entonces haremos nuestra última voz. Nuestra última voz en tuba. Nuestra última voz en tuba. Pensemos en el sobre de la tuba. Bastante lento. Estoy tentado de ir con el violonchelo. Creo que podemos hacer esas mezclas. Eso es raro. Pero vamos a intentarlo, supongo. Ok. Veamos si tenemos a las cuatro voces en marcha ahora, veamos qué pasa. Aquí vamos. Creo que eso funcionó muy bien. Tenemos un sonido muy combinado por todas partes. Tenemos mucho peso extra detrás de él. Lo hace. Suena muy diferente a lo que hizo cuando lo hicimos. Lo mismo con sólo cuatro instrumentos. Ahora tenemos cuatro instrumentos. Cada uno de ellos se duplicó con un instrumento que funciona bien dentro de su sobre. Creo que le tiene un poco más de color, un poco más de profundidad por eso. Es sólo mucho, mucho más lleno. Realmente está empezando a sonar como una orquesta. Genial. Estamos en el camino correcto. 38. Método 5: más colores y síntesis: Bien, ahora que cinco, de nuevo, estamos como fuera del guión que empezamos con los tres primeros. Porque ahora realmente nos estamos metiendo en mezclar y hacer nuevos colores y mirar instrumentos individuales o incluso familias para que eso no va a ser algo que valga la pena hacer. lo que estamos hablando en este método ahora es tomar donde lo dejamos, donde estamos combinando múltiples instrumentos para hacer nuevos sonidos, nuevos colores, y separarlos por una octava. Vamos a conseguir aún más octavas o más colores. Esto es realmente una especie de ampliar nuestra paleta. Aún más. Tipo de pensar en ello como, bueno, piénsalo literalmente mirar la paleta de colores. Estás así, este artista y tienes este palet y estas son todas tus pinturas que vas a pintar con lo que estábamos haciendo antes en el último, el último método, teníamos un color Digamos que habíamos leído en nuestro paladar lo que agregamos al doblar al unísono. Todos estos otros instrumentos, lo que agregamos fueron diferentes tonos de rojo. Agregamos. Bueno, no, lo que agregamos fue, estoy tratando de averiguar la analogía correcta. Agregamos todos los colores primos. Agregamos rojo, azul, amarillo. El verde es verde y de primer color dondequiera que sea verde, tal vez púrpura. Agregamos los colores principales y pudimos mezclarlos un poco con ellos. Ahora vamos un poco más profundo. Y ahora lo que estamos agregando es como a nuestro rojo, estamos agregando rojo, rojo oscuro, rojo claro, rosa, tipo de marrón quemado. Nos estamos poniendo mucho más detallados en cada color. Podemos hacer mucho más con cada uno. Ahora, realmente empiezo a pensar en síntesis. Sé que hablé como síntesis de música electrónica cuando hablábamos de sobres en la última sección. En lo que nos estamos metiendo ahora se parece mucho a la síntesis de FM. No es realmente, realmente no estamos haciendo FM. No te preocupes. No vas a tener que hacer FM en división larga. Pero la forma en que estamos combinando sonidos para hacer nuevos sonidos. Pienso en una, de la misma manera que pienso en la síntesis de FM. Si no estás familiarizado con la síntesis de FM, échale un vistazo. Es bastante interesante, pero creo que en realidad vale la pena que cualquiera que estudie orquestación también estudie diseño sonoro y síntesis. Creo que estas son cosas valiosas que van juntas por completo. Si fuera a escribir un libro de orquestación, lo haría. Se llamaría algo así como orquestación y síntesis, o síntesis y orquestación y diseño sonoro. ¿ Podemos realmente hacer esto? Esta es una buena idea. De todos modos. Seguir adelante. Lo que vamos a hacer es que vamos a tomar algunas de nuestras duplicas. Veamos dónde lo dejamos aquí. Tenemos el oboe y el clarinete se duplicó al unísono. ¿ Qué va a pasar si doblamos estos en una octava? Subimos al oboe una octava. Ahora tenemos dos octavas de esta línea divididas entre dos instrumentos diferentes. Nos va a dar aún más color. Gas. Entonces eso es con lo que estamos trabajando aquí. Lo que creo que quiero hacer por éste, ya que éste terminó bastante bien. Quiero comparar esto con este mismo con las octavas agregadas. ¿ Qué tipo de AB prueban estos? Vamos a un nuevo video y agreguemos octavas y luego veamos qué pasa. 39. Explorar las diferencias: No sé con qué precisión las muestras que tenemos van a reproducirlo, pero no quiero probarlo. Voy a ir a, tengo dos versiones de este mismo archivo abiertas en este momento. Voy a ir aquí y subir esto una octava. Ahora mi parte oboe y parte del clarinete está separada por una octava. Veamos qué más hicimos. Esto parece, sí, cuerno, uno, uno, fagot, unísono. Por lo que todavía quiero obedecer esa cosa externa. Si estoy en la línea alta, que no creo que esté aquí. Lo que quiero hacer tal vez es bajar el fagot en octubre porque está tan alto. Pero eso va en contra de la apertura hacia afuera. En realidad, lo que yo haría aquí es probablemente dejar las dos voces internas, la alta y el tenor, dobladas al unísono, y no con una octava arriba o hacia abajo. Les dejo octava duplicada al unísono. Pon la voz superior, la voz soprano se duplicó en las octavas, y la voz del bajo se duplicó en una octava hacia abajo. Eso haría que esta bonita textura gruesa. No obstante, de verdad quiero volverme loca con esto. Voy a mover el fagot por una octava. Eso ha bajado una octava de eso. Ahora tenemos esta parte de cuerno y es parte de trombón son probablemente parte tenor. Podría llevar esta parte de cuerno hacia arriba o esta parte de trombón y hacia abajo. va a complicar mucho si tomo esto, pero creo que lo voy a hacer. Creo que eso sonará mejor en este caso. No tenemos tantas cosas realmente bajas. Ahora esto va a hacer un incómodo cruce de voz. Donde cuerno a va a estar por encima del cuerno uno. Lo que yo quisiera hacer, bueno, déjame hacerlo primero. Lo que debo hacer aquí probablemente es cambiar bocina a bocina uno, como voltear esas dos partes, o dar bocina a dos cuernos, tres, porque recuerda que muchas veces 13 son jugadores más fuertes en el cuernos. Pero probablemente solo voltear 12 en este caso sería lo más inteligente de hacer. Pero se juegan digitalmente este momento, así que realmente no importa. Ambos son igual de buenos. Dejaremos el trombón. Contamos con tuba y base de violonchelo de dos botones. Bueno, la forma más fácil de hacer esto sería tomar esto y deshacerse de él y llevarlo aquí abajo. Y ahora podemos derribarla una octava. No podíamos bajarla una octava en el cuadro de chat. Creo que eso nos habría sacado de alcance. Creo que esto funciona un poco mejor. Ahora esto es lo que quería hacer. Ahora tenemos lo mismo que teníamos antes , pero con octavas. Oigámoslo primero sin octavas. Ese es este. Sólo para volver a ponerlo en la cabeza. Escucha cómo suena esto. Pasaremos a la versión con activos. Genial, Ahora veamos cuánto diferente a éste suena. Se siente un poco más contundente, más cortante. Obviamente esa base es como lo más grande. Poca demasiada base para mí. De hecho voy a poner esto de nuevo en el violonchelo y traerlo una octava. Dejemos la base como unísono. Por ahora. Hagamos eso. Oigámoslo una vez más. Un par de cosas que no me gusta de eso. Lo que más me destaca de verdad es lo alta que está esta parte de cuerno. levanta aquí y es solo chirriante y gritando. Simplemente no es un sonido que me guste en absoluto. Pero es que probablemente cambiaría eso para ir tan alto. De lo contrario, sí, es un sonido más complejo. Tiene más densidad a ella y también tiene más. Simplemente atraviesa más. Hay mucho, quiero decir que es como este bonito sonido, pero está como este bonito sonido, hecho de cuchillas de afeitar porque es más como más como el vidrio. Es sólo una especie de cortes afilados a través. No lo sé, me estoy quedando sin palabras. Pero ojalá hayas escuchado la diferencia ahí. Tratemos de ajustar esto una vez más y ver si podemos conseguirlo a algo. En realidad regresemos y hagamos lo que dije, la forma en que realmente lo haría. Hagamos eso. 40. Otra forma: De acuerdo, así que voy a volver a este es el que antes de sumar la octava. Así que ahora todavía tenemos los unisones aquí. Tomemos este OVO. Hagamos esto. Probablemente lo que podría hacer aquí si realmente quisiera sacar esto a cabo en una octava, podría no empujar ese oboe hacia arriba porque no quiero que sea realmente alto en tenso. Podría ponerlo en la flauta y luego sacó eso una octava. Ahora ese fluido es muy alto, realmente yo, sí, pero eso está bien. Ahora, voy a sumar una octava en la parte superior, una octava en la parte inferior, pero sólo estamos consiguiendo un sonido tan gordo con esta octava baja. No quiero hacerlo. Hagámoslo. Así que voy a hacer esto, me voy a llevar esto aquí. Pero voy a tratar de controlar esto con dinámicas. Vamos a derribar una octava. Y luego sólo para que esto no sea tan intenso, con nuestras muestras, voy a marcarlo como piano. Ahora tengo una octava entre la tuba y la base. Entonces una octava en el fondo. Y tengo una octava entre la flauta y un clarinete en el inactivo en la parte superior. Y entonces todo lo demás se ha duplicado al unísono en medio. Esto creo que va a hacer un mejor sonido todo alrededor. Cuando estamos tratando de hacer un buen sonido suave. Una cosa creo que vamos a conseguir un poco demasiado alto. Creo que esto va un poco más alto de lo que quisiera. Podría considerar algo más para eso. Pero vamos a escuchar qué hace nuestra computadora con ella. Vamos. Eso fue en realidad un bastante equilibrado que estaba más equilibrado de lo que esperaba. Aún un poco demasiado alto que podría ser por este forte que ponemos aquí. Tratemos de deshacernos de eso y reemplazarlo por como, no sé, mezzo piano. Vamos a piano y sólo asegurémonos de ponernos un piano. Ahí. Estaban diciendo que el fluido fuera un poco más tranquilo que todo lo demás. Veamos si eso hace alguna diferencia. La base funcionó. De acuerdo, creo que vamos a escucharlo una vez más. Eso me gustó mucho mejor. Tirando hacia atrás esa flauta nos dio solo un poquito de esporas más erógenas, menos de esa perforación cosas altas aunque no es esa perforación, sino un poquito. Bonito sonido de bajo, muy equilibrado. Tengo esto funcionó muy bien. Buena técnica. 41. Método 6: densidad armónica: Proceso número seis, métodos sexo. El último. Entonces lo que vamos a hacer ahora es que vamos a hacer duplicar en una armonía, doblándonos en una nota diferente que no sea una octava. Esto a veces se compara con como paradas de mutación. Entonces hablemos de las paradas de mutación muy rápido. En un Oregon. Hemos estado hablando mucho de Oregon y hay una enorme relación entre la orquesta y el órgano. Me siento tentado a decir que la orquesta está diseñada para emular al Oregon, pero no sé si eso es cierto. O el órgano está diseñado para emular a la orquesta. Tampoco sé si eso es cierto, pero ciertamente parece que una de esas dos cosas es correcta. El Oregon que tienes paradas que sacas. Esos, agregan un nuevo conjunto de pipas y se pueden conseguir octavas. Y por eso antes cuando dijimos esto suena muy Oregon como si fuera porque los obtenemos. Pero hay algunas paradas en el Oregon llamadas paradas de mutación. Y esos agregan una armonía a la nota. Podrías haber parado de que te sacaras. Eso es justo la longitud correcta para crear como un quinto perfecto. Ahora a medida que tocas acordes, tienes este quinto perfecto moviéndose en paralelo contigo por todo el lugar. Ahora si tomaras teoría musical y piensas, whoa, ¿por qué haría eso? Porque ahora tengo cada nodo es un quinto paralelo. Sí, esta música funciona un poco diferente a eso, pero es cierto. Definitivamente no quieres hacer eso. Pero gran parte del tiempo podemos usar ese quinto perfecto para solo tipo de influenciado en la madera y hacerlo para que no necesariamente escuchemos ese quinto. De todos modos. El motivo por el que estoy comparando agregando una armonía a estas paradas de mutación es que podemos usar esos tanto la armonía como la parada de mutación para agregar una madera más de lo que podemos añadir la armonía misma. Permítanme explicar eso una vez más. Si añadimos, digamos que añadimos, tenemos una nota y le agregamos una octava encima de ella y luego una quinta encima de eso. ¿ De acuerdo? Por lo que ahora tenemos nota Octave quinta. Nos movemos eso en una melodía. Lo que podríamos hacer es realmente escuchar esa octava y sólo un poquito aquí, esa quinta. Y de esa manera, tal vez no lo percibimos como tener un quinto, pero teniendo un color particular, el color que obtenemos de cualquier instrumento que pongamos eso. Entonces más sobre eso a medida que empezamos a hacer esto. Esta técnica se usa con mayor frecuencia en la melodía. Lo principal de una pieza musical. No lo usaríamos tanto en una voz interior, aunque podríamos y simplemente tenerla sea nota diatónica. Otra cosa a considerar es que cuando estás haciendo esta idea de entonación entre los instrumentos se convierte en una especie de gran cosa aquí. Si tengo algo que es como una octava y una tercera más alta. Y está tratando de armonizar con una nota, una octava a tercera hacia abajo. Eso puede ser algo bastante difícil de igualar, sobre todo cuando tienes un jugador por aquí haciendo lo fundamental y un jugador por aquí haciendo un activador tercero más alto, tal vez no puedan oír el uno al otro. Para que puedas tener problemas de entonación con este método, pero es algo a considerar. No querrías hacer mucho de esto en un verdadero grupo amateur. Lista. Algo de eso podrías. Pero en un grupo profesional, sonará genial. Whoops. Vamos a bucear y hacer algunos. 42. Fórmula 1: melodía en Thirds: Vale, este método no es perfecto para el tipo de cosas que estamos haciendo aquí porque estamos haciendo un chorale para armonizar algo en tercios. Un poco complicado, pero hagamos esto. Tomemos esto y seleccionemos nuestra voz superior. Vamos a ponerlo. Por ejemplo. No, no el fluido. El clarinete. Ahí está en el clarinete. Genial. Ahora, lo que voy a hacer es que voy a armonizar esto con la flauta. Voy a ponerlo también en la flauta, y sólo vamos a armonizarla por un tercio. Ahora, una cosa que quise decir en el video anterior es que ¿cuál es el efecto? Cuál es el efecto más grande aparte de conseguir la armonía que vamos a crear aquí es realmente una cuestión de densidad. Vamos a hacer una densidad armónica, un sonido más grueso. De acuerdo, al hacer esto, no es como una octava donde una octava es un sonido relativamente delgado, pero realmente puede atravesar. Esto es sólo un sonido más grueso. Aquí está mi clarinete tocando nuestra máxima voz. Ahora voy a ir a mi flauta. Voy a armonizar esto en un tercio. Entonces mi primera nota es una G. Voy a subir a una B. Lo que quiero hacer aquí es quedarme en la llave. No tienes que hacer esto. Podríamos hacer armonización cromática, donde hacemos literalmente tercios mayores por cada nota. No va a sonar bien aquí, pero eso sonará, eso podría sonar bien en una pieza más moderna. Aquí quiero quedarme en clave. Estamos en la clave de G menor. Por lo que voy a trasladar estos D pisos a D natural G flats. Estos son un poco más complicados. Sí, deberían ser Gs. Vamos, oigámoslo sólo estas dos líneas. Aquí vamos. Ahora en este caso, ¿esto va a funcionar con el resto de nuestra Chorale aquí? Probablemente no. Porque lo que hemos hecho aquí es que hemos asumido que cada nota en la primera línea es la tónica porque agregamos un tercio encima de ella. Entonces eso probablemente va a hacer un gran viejo lío con aquí abajo. Este tipo de textura de chorale no es un gran uso para este método. Podríamos hacerlo en algo donde tengamos un poco más escaso, un acompañamiento un poco más escaso. Como, digamos, hagamos un acompañamiento. Hagamos una carta de acompañamiento de cuerdas. Hagamos como un acorde G menor. Whoops. Sólo voy a hacer algunos acordes para encajar con esto realmente rápido. G. B plana, D, G, G menor. Aquí, vamos a ver, tenemos, va a ser a, B, y D. Así que vamos a llamarlo piso B. Vamos a llamarlo como un acorde mayor plano B. B plana. Sólo voy a hacer dos más. Aquí. Vamos a conseguir otro piso B y un D. Así que eso podría ser de vuelta a G menor. Una C más, E-flat, llamemos a ese C menor. Eso podría ser extraño, pero deberías ir a E-flat. Bueno ver. Puedes ir a G. Ok. Sólo intentemos eso. Bien, veremos si funciona. Así que acabo de conseguir algún tipo de acordes genéricos que creo que funcionarán con estas notas. Vamos a intentarlo. Yo tipo de trabajos, pero es muy tranquilo. Así que pasemos a nuestra próxima, próxima fórmula. Entonces la primera fórmula que se me ocurrió aquí es que solo podrías agregar una melodía de tercer nivel. Piensa en el timbre de los dos instrumentos que estamos combinando. Ahora construyamos eso un poco más grande y agreguemos una octava y una tercera. Esta es otra cosa que puede sonar realmente agradable y hacerla más gruesa. Vamos a probar eso. 43. Fórmula dos: melodía en octaves y tercios: Bien, ahora estoy trabajando con una pieza completamente nueva aquí, ¿verdad? Al igual que acabo de tomar esta melodía e hice mi propia progresión de acordes. Ve con él. Estamos tirando el corral en este punto, pero eso está bien. Para que tenga sentido, creo que necesito volver a ponerlas en clave. Probablemente sólo ese nodo servirá. Sí. Simplemente porque sin el corral completo, ese tono principal simplemente no tiene sentido. Así que lo voy a volver a poner en la llave y creo que va a funcionar mejor. Para esta siguiente técnica. Voy a usar las mismas ideas de todo, excepto que voy a sumar una octava. Vamos a tener la melodía una octava por encima de ella y una tercera por encima de eso. Esta es la de la que hablé antes. Ahora puedo hacer esto fácilmente ya que estamos trabajando efectivamente en una pieza completamente nueva. Puedo hacer esto fácilmente simplemente tomando esto, mi parte de clarinete abajo una octava. Entonces, ¿qué va a funcionar? Bueno, vete fagotes. Los cuernos pueden bajar ahí. Trombón. Hagamos fagotes. Mantén todo esto en los vientos por ahora. Lo puse en los fagotes, entonces voy a derribarla una octava. Ahora tenemos, si tratamos esto como nuestra melodía principal en los fagotes, ahora tenemos octava y una tercera. Genial. Saquemos este texto de aquí porque eso es un poco frustrante. Oigámoslo ahora. A lo mejor sólo para ayudarnos, nos daré un poco de dinámica aquí. Sólo vamos a darnos un forte aquí. Podemos cortar esas cuerdas un poco mejor. Vamos a probar eso. No está mal. Es un sonido bastante genial, sin embargo, todas mis cuerdas son demasiado ruidosas. Así que hagamos esto de manera poco ruidosa. Vamos a intentarlo de nuevo. Sonido bastante interesante. Oigámoslo sin las cuerdas, solo para que puedas tener una buena idea de qué, cómo suena esta técnica. Vale, no hay cuerdas son diez. De acuerdo, tan bastante grueso, como si estuviéramos recibiendo un sonido mucho más grueso aquí. Pero también tenemos eso activo en el fondo, por lo que corta un poco más. Hagamos una cosa más. Agreguemos una nota más a este acorde que básicamente se movía. Se irá a una tercera fórmula para hacer esto. 44. Fórmula tres: melodía en Octaves, Fifths, y tercios: Esto es lo que vamos a hacer. Nuestra fórmula, probada y verdadera. Así que lo que vamos a hacer es que vamos a ir melodía más una octava, más una quinta, más una sexta. Y tú eres como, ¿Por qué es Sexo? Escúchame. Sexta por encima de la quinta, que es una tercera, llegará ahí. Probémoslo con lo que tenemos aquí. Tenemos una octava aquí. A continuación, necesitamos un quinto por encima de este G, por lo que necesitamos una nota que empiece en D. Podríamos usar nuestras flautas aquí. Pero voy a usar nuestros fluidos para esa nota más alta. Vamos a nuestros oboes y llevémoslos a eso. Ahí está. Ahora quiero volver a meter todo a la llave aquí. Sólo un aburrido estos para ponerlos en línea con nuestra firma clave. No vamos a ir tan lejos, así que no importa, pero lo haré de todos modos. Es bueno. Vale, entonces ahora tenemos un quinto y ahora vamos a ir como sexto por encima de eso. Entonces si vamos un sexto por encima de un quinto, solo contemos eso. Entonces nuestro nodo raíz es G. Así que subimos a una d, que es el quinto. Si subimos un sexto mayor de D, obtenemos D, E, F, G, a, B, B. Que la relación de esa nota, B con nuestro nodo raíz G es un tercero. En realidad es una octava y una tercera. Pero sigue siendo una tercera. Pero no es como ser una octava más alta que esta. Tomemos esto y subamos una octava. Este puede ser un sonido realmente agradable. Esto es bastante alto en esa flauta. Entonces lo que podría considerar hacer es bajar todo el asunto una octava, pero intentémoslo. Oigámoslo por sí solo y luego lo escucharemos con nuestra rara pequeña armonía. Aquí vamos. Ahí dejé de volver a meter todo, en clave. A lo mejor yo, tal vez debería hacer eso sólo por diversión. Termina de poner estos en clave. Ahí vamos. Cielos, probablemente, esa f probablemente esté bien. Pero de todos modos, de todos modos, lo que se puede oír es bastante grueso. Porque recuerda lo que tenemos aquí. Si nos deshacemos de todos los octetos de todo, lo que tenemos es nuestro nodo raíz, un tercero, quinto. Estamos moviendo tríadas en cada nota, pero las estamos extendiendo por un montón entero para que sea solo esta pared de melodía. Lo bueno de esto sin embargo, es que las notas se extienden tanto que aún podría identificar probablemente la melodía. Y si tuvieras que cantar junto con la melodía, probablemente verías esta g o esta G aquí una vez más. Bastante genial. Oigámoslo con nuestras cuerdas. Aquí está con las cuerdas. Definitivamente se sienta por encima de esas cuerdas. Y todas las notas no entran en conflicto a pesar de que están pasando muchas notas. Ellos, encajan en esa armonía. Bastante agradable. Quiero hacer una cosa más que quería probar lo mismo en bronce. Vamos a intentarlo. Tomemos esto. Tomemos nuestro fagot como lo más bajo. Ponlo en nuestro trombón bajo. Voy a tener que derribarla una octava, estoy seguro de ello. Bajemos una octava. que significa que si quiero sostener el mismo patrón, necesitaba derribar todo una octava. Entonces aquí está nuestro clarinete. Vamos a poner eso en el primer trombón. Definitivamente va a tener que bajar una octava. Deshazte de eso. Nuestro oboe, que es hasta el quinto. Pongamos eso en la bocina. También bajó una octava. Entonces nuestra flauta, trompeta, obviamente abajo una octava. Aquí vamos. Muy bien, entonces tenemos los mismos intervalos de pila aquí. Aquí, estos sin las cuerdas. Y sólo escucha cómo suena esto. Me gustó, pero creo que hubo ese problema de envolvente. No sé si escuchaste eso. Casi de repente como si hubiera un clavecín coló por ahí en alguna parte. El piano fue silenciado. Lo que eso fue, fue como una muestra extraña. Está sucediendo. Extraño. Oigámoslo con nuestras cuerdas y solo veamos qué pasa. Muy bien. Creo que van a volar las cuerdas porque marcamos las cuerdas es piano y todo lo que el latón tiene forte. En realidad vamos a tomar este piano va a pesar. A ver si podemos equilibrar un poco mejor. Pero se puede ver esta pila de intervalos funciona realmente bastante bien. 45. ¡Aquí es posible lo que quieras!: En esta sección, he dado estas tres fórmulas para hacer esto y tipo de cantidades crecientes de densidad. Empezamos con solo tercios. Después sumamos octavas en tercios, y luego sumamos octavas quinta tercera en la parte superior. Estas son todas las cosas que funcionan muy bien, pero no quiero que te limites por esas. Puedes apilar armonías como quieras. Si esta fuera mi propia música, realmente no lo haría de tan innumerables maneras. Sólo lo estaba haciendo. Realmente pensaría en la armonía que estoy tratando de reforzar y realmente hacer que funcione dentro de esa armonía. Um, por lo que no siempre tiene que ser unificado. Como si vas a hacer algo y seguir a tercios y luego en un lugar quieres que ese tercero se abra hasta un cuarto, lo abrió hasta un cuarto. Vuelve loco. Cuando estás orquestando En este tipo de textura espesa. Puedes romper tu patrón. Se pueden romper reglas paralelas. Puedes dejar todas esas cosas en el pasado. Eres un compositores modernos, así que puedes hacer lo que quieras. Cualquiera, cualquier cosa. El cielo es el límite en cuanto a las armonías que construyes de esta manera. Solo piensa en esa regla de envolvente todavía se aplica. La forma en que estás combinando colores aún se aplica. El espaciado de la forma que espacias las notas realmente puede importar. Entonces piensa en todas esas cosas mientras estás construyendo tus armonías de esta manera. 46. Hallarlos en el salvaje: Entonces lo que pensé que haríamos a continuación es mirar a través de algunas piezas del mundo real. Algún verdadero profesional, música orquesta de alta calidad. Encuentra ejemplos de estos. Ahora estas técnicas de las que hemos estado hablando son cosas que podremos encontrar en cualquier pieza orquestal por todo el lugar. Creo que podré abrir aleatoriamente algunas puntuaciones, dos páginas y encontrar ejemplos de las cosas de las que estamos hablando porque estos seis conceptos se usan en todas partes, como si realmente no se puede evitar. Si vas a escribir para muchos instrumentos, vas a tener que hacer estas cosas. Vamos a precisar algunos de ellos en algún trabajo importante. Así que he agarrado al azar tres puntuaciones de mi pequeña biblioteca de partituras. Tengo muchas partituras porque como dije al comienzo de la primera clase de orquesta, realmente me encantaron estas partituras. Me encanta mirarlos. Una cosa que encontrarás si terminas comprando puntajes es que tenemos estas series en miniatura Dover, estas que son pequeñas y hace que la impresión sea realmente pequeña. Al igual que éste no es tan malo porque la orquesta es pequeña. Pero éste es como increíblemente pequeño. Es muy, muy difícil de leer. Es por ello que la mayoría de los compositores y prácticamente todos los conductores usan gafas. Debido a estas diminutas puntuaciones. Lo que agarré aquí fue Bach B Misa Menor. Podemos ver cómo Bach orquesta algunas cosas. Agarré una de mis piezas favoritas de todos los tiempos de música orquestal. Consulta seis, que es la manera elegante de decir la sinfonía número seis de Tchaikovsky. Me encanta esta pieza. Entonces una de las orquestación más célebres, supongo, de la historia de alguna manera es Mussorgsky Pictures en una expedición. Esta pieza es realmente fascinante desde un punto de vista de orquestación. Y es realmente uno que estudiamos todo el tiempo. Porque esta pieza fue escrita por el compositor Mussorgsky. No recuerdo cuándo fue escrito, probablemente alrededor de cambio de siglo más o menos. Veamos. Esta edición fue 931873, creo. embargo inédito hasta después de su muerte en 1881. Mussorgsky escribió esta pieza. No obstante, fue escrito para piano, pieza de piano solo. Y se acercó revile. Rebel fue ampliamente considerado por sus técnicas de orquestación e ideas y habilidad. Y así revile orquestó la pieza Mussorgsky para orquesta completa como pieza de piano de Mussorgsky. Pero ravel lo escribió para orquesta completa. Estudio realmente interesante. Es por eso que a menudo lo ves como el renacimiento de guiones Mussorgsky. Este no es un nombre con guiones. Hay dos personas. Mussorgsky escribió la pieza, revuelta orquestada. Se verá en algo de eso. De acuerdo, así que vamos a bucear en diamante con el bock. Déjame decir primero, es posible que puedas encontrar PDFs de estas puntuaciones. Para emisión de derechos de autor. No puedo por razones de copyright, no puedo simplemente darte PDFs de ellos. Estas son cosas publicadas, estas están a la venta. Si cavas por Internet y lugares raros, probablemente los puedas encontrar. Creo que lo que voy a tener que hacer sólo para demostrar, sólo voy a tomar fotos de un par de páginas y ponerlas en las pantallas que podemos separarlas. Sólo tendremos que hacer eso por cosas de derechos de autor. Aquí vamos. 47. Bach, masa en B menor menor: Cambié de opinión al tomar fotos de cada página porque quiero rebotar entre un montón de páginas. Así que sólo voy a tratar acercar con mi cámara aquí en algunas cosas. Veamos esto primero. Por lo que estamos justo al inicio del bloque B Masa Menor, sólo un par de páginas en la barra 12. Veamos este pequeño pasaje aquí. Entonces tenemos dos flautas, dos oboe y fagot. Tenemos flauta, una, una oboe, una duplicada. Tenemos flauta T2 y Ubuntu se duplicó. Por lo que ambos se duplican al unísono. Pero son una relación entre sí. Esta es una armonía de la cima. Entonces veamos solo la parte de la flauta. flauta t2 es una armonía de flauta una, por lo que esto se está duplicando a diferentes intervalos y se está moviendo entre intervalos. Tiene una forma un poco diferente. Es una línea similar. Es reforzar esa línea a través de una armonía, pero se duplica al unísono por el oboe, el fagot, añadiendo una tercera línea, que podríamos llamar parte de ella. O podríamos decir que es cosa propia porque tiene una forma diferente. Un tipo de movimientos en dirección diferente. Lo mismo en el violín aquí, podríamos llamarlo cosa propia, que probablemente lo haría en este caso. Pues aquí eso en un segundo, pero quiero ir adelante a un par de cosas más. Vayamos aquí. Esto es solo unas pocas páginas hacia adelante de eso. Veamos estos patrones de octava nota aquí. Esta idea de duplicar la flauta uno y Obama ganó al unísono y fluido a un Ubuntu al unísono. Creo que eso es muy amable de indicativo de este estilo. Esto es una especie de sonido barroco. Pero lo que lo vamos a encontrar mucho aquí. Aquí se duplica al unísono todo el camino a través y luego voló T2 y OB2 se duplicó. Leves variaciones aquí. Leves variaciones aquí. Podemos ver eso. Veamos cuál es nuestra armonía aquí. Porque ahora tiene la misma forma a ella. Entonces de B a D, así que estamos en un sexto, y luego subimos un sexto o un tercero invertido. Que en toda esta pieza, creo que vamos a encontrar mucho de ese fluido, uno sobre uno doblando al unísono, Gripe T2 y CO2 duplicando al unísono. Y mucho del tiempo, la flauta 2s a ti y a AVO2 va a estar en soporte de flauta uno y más de uno. Así que vamos aquí. a ir desde el inicio de la pieza y trataré de seguir adelante en el marcador. Entonces es un poco difícil de hacer, pero veremos que podemos hacerlo solo conseguirá un par de páginas en. Y veamos qué pasa. Trataré de señalar esos pasajes que acabamos de mirar. Aquí vamos. Me voy a centrar en los vientos. Muy bien, me adelanté un poco. Esto es extrañamente difícil de seguir, especialmente cuando estás mirando a través de una cámara retrasada y tratando de averiguar dónde estás, pero ojalá hayas cogido algunas de esas cosas. Puedes encontrar toneladas de grabaciones de esta pieza en línea. 48. Tchaikovsky, Symphony #6: Consulta seis. Otra pequeña puntuación. Vamos a bucear. Quiero ir a esta parte, así que tenemos razón al principio. Otra pieza justo al principio, porque puedes encontrar ejemplos de esto por todo el lugar y el comienzo es fácil porque entonces podemos cargar como un video de YouTube y escuchar y llegar a esto spot. Quiero enfocarme aquí mismo. Entonces primero veamos este pasaje aquí. Esto es todo cuerdas. Violín, uno violento a viola. Violonchelo dividido por la mitad, y la cara se divide por la mitad. Entonces primero violín, violín uno. Veamos, tenemos F-sharp, AAD, violento para duplicar en armonía. Bosque abajo. Lo siento, un quinto abajo. Por toda esa línea. Viola en octavas con violín, uno. Por todo este pasaje. Violonchelo, primera mitad de la sección. Veamos qué tenemos aquí en D E, F sharp, B sharp. Entonces en otra armonía, cuéntanos segunda sección. Segunda mitad, en realidad al unísono con el primer tiempo. Entonces no hay nada diferente entre las dos mitades de los compañeros. Se podría decir a sí mismo, por qué, por qué estamos dividiendo el violonchelo es entonces debe haber una necesidad antes o después. Simplemente no están divididos en este momento en particular. De hecho, si retrocedemos solo unas cuantas notas, tenemos aquí dos nodos diferentes. Entonces hay razones. Bases, creo que el mismo trato, van a ser lo mismo en este bar en particular. Pero, ¿qué están haciendo? D? Son una especie de variación de lo que están haciendo los retos. Una especie de versión simplificada de lo que es el violonchelo, están haciendo. Y luego abajo otra octava. Así que un poco interesante ahí. Hay cosas aún más interesantes pasando. Subimos hasta aquí, justo aquí. Tenemos flauta, oboe, clarinete en una. esto no es una puntuación de transponer. No, lo siento, esta es una puntuación de transponer. Entonces no estamos mirando los lanzamientos reales que suenan aquí. Estamos mirando los lanzamientos de placas, lo que significa que estoy decidido a arruinar. Nota lateral si quieres saber realmente rápidamente si estás mirando o no una puntuación de transponer o no, mira las firmas clave. Si hay diferentes firmas clave, estás mirando una puntuación de transponer. Las cadenas están todas en C. Van a tener la misma firma de clave, claves diferentes, pero la misma firma de clave. Podemos ver aquí este clarinete en una, que es lo que dice ahí, tiene una firma clave diferente, por lo que sabemos que no se transpone. Pero veamos lo que está pasando aquí. Tenemos una F y una F, Así flauta uno, una octava arriba, oboe uno. Entonces esos están al unísono. Perdón, esas son una octava aparte. Y se están duplicando en la octava. Está claro que una a, voy a, voy a limpiar transposición de doneness aquí, pero estoy bastante seguro de que esta es otra octava abajo. Se trata de tres octavas son lo mismo. Genial. Escuchemos un poco de esto. Voy a poner esto aquí para que pueda llamarlo cuando lleguemos a través de unas cinco páginas dentro, pero esto no tiene una apertura muy lenta, así que veremos si podemos llegar allí. Esta es solo una de mis piezas de orquesta favoritas de todos los tiempos , por lo que recomiendo encarecidamente que la escuches en su totalidad. Pero veamos al principio, este bonito fagot solo y material base para abrir. Ir más rápido, se convierte en nuestra parte. Empecemos aquí abajo para conseguirlo justo ahí. Los vientos en eso y ver dónde estaba eso. Eso fue justo aquí. Lo mismo. Doblar. Esta vez nos trasladamos a flauta a buen ejemplo de Dublín activo. 49. Mussorgsky (Ravel), fotos en una exposición: Bien, ahora estamos en fotos en una expedición. Entonces esta es esta maravillosa pieza Mussorgsky orquestada por un rebelde. Te animo encarecidamente a escuchar todo esto, conseguir una copia de la partitura y realmente estudiarla porque es una obra maestra y orquestación. Empieza con esta cosa de la fanfarria de bronce. Esto es en lo que realmente quiero enfocarme. Así que a pesar de que aquí parece que tenemos a Trumbull, esto es en realidad trompeta porque creo que estamos adentro, creo que fueron los franceses aquí. Entonces traumas, trompeta, cursi es Cuerno y trombón. El trombón suena terriblemente italiano, lo que sea. Entonces tenemos este solo de trompeta y luego todo este tipo de fanfarrias de bronce aquí. Quiero centrarme justo en esto y ver si podemos recoger un corazón, cómo se ha orquestado esto. Escuchemos esto primero. Aquí vamos. Vale, entonces primero tenemos esta melodía de trompeta. Ahora veamos primero. Lo primero que hay que notar aquí es que definitivamente tenemos algo en todo esto que es la ventaja, esa es la melodía. Porque es sólo esto repetido de nuevo. G, F B plana, C, F D, G, B plana, CFD. Genial. Veamos cómo hemos descubierto nuestros instrumentos aquí. Estamos, estamos en transponer tierra aquí hay cuernos o una F, O las trompetas están en C. En nuestros trombones tampoco son. Veamos justo lo que nuestras trompetas están haciendo aquí. Tenemos tres trompetas y cada una está recibiendo su propia nota aquí, que puedes hacer. Eso está bien. El G, Se está duplicando en una armonía para hacer tríadas completas fuera de todos estos ¿verdad? Aquí, no tiene una octava. Y luego hasta esa F, y luego abajo. Esto es como ese ejemplo que miramos, creo que el sexto método 1, sexto que estaba haciendo donde terminamos con tríadas doblando todo con octavas. Dejó fuera esta 1 octava nota. No armonizó eso. Pero es porque creo que eso hubiera sonado gracioso si todo se moviera y le quitara la calidad en solitario de eso, esa línea de melodía. Pero creo que estamos viendo en los cuernos también es sólo más apoyo de estas armonías. Y lo mismo en la tuba. Vamos a encontrar otro lugar genial. Tal vez justo aquí en la siguiente página. Grupos, tenemos algunas duplicaciones de octava en las cuerdas que son bonitas. Aquí mismo. Una octava entre los dos violines, tipo de ir todo el camino por aquí. Otra cosa que es realmente genial de la partitura mientras estamos aquí es si subo un poco, Aquí está la pieza original de piano. Todavía es algo así aquí. Esta edición de la partitura. Dejaron la pieza de piano adentro. Se puede ver como lo que escribió Mussorgsky y cómo tipo de revolución lo sacó aparte en esta cosa más grande. Déjame volver aquí arriba por ti. Entonces él tiene esto, estos patrones de octava nota y está aquí en las cuerdas, pero también agrega estos florece en los vientos. Es realmente bonito. En fin, tan agradable octava duplicando aquí en las fortalezas. 50. ¿Qué viene después?: De acuerdo, llegamos al final de esta sección. No obstante, tiene que haber una más de la carne real de la porción de orquestación de esta clase. Así que creo que vamos a estar en grupos de dos. Entonces tuvimos esas dos primeras clases, parte 12 de esta serie, que estamos enfocados en la instrumentación. Ahora vamos a tener dos que estén enfocados en la orquestación propiamente dicha. Y entonces tendremos al menos uno probablemente para enfocarnos en las cosas más desde la ilustración. Entonces uno más arriba siguiente, cuarta parte va a ser orquestación de nuevo. Pero en el siguiente nos vamos a centrar en conjuntos particulares y familias de instrumentos. Se puede pensar en esto como más de la orquestación horizontal. En tanto que en esta clase lo que hicimos principalmente fue el peso vertical. Enfrente de eso, el vert, horizontal es lo que hicimos en esta clase. El siguiente será vertical. Miramos líneas, um, cómo apilarlas en doblarlas crea sonidos únicos. Pero a continuación vamos a mirar las cuerdas. ¿ Cómo puedo hacer el mejor sonido para las cuerdas? ¿ Cómo puedo hacer el mejor sonido para el latón? Y cómo puedo hacer el mejor sonido para los vientos también mirará a la orquesta en su conjunto. Y luego otros conjuntos como bandas de latón, conjuntos de viento, banda de conciertos, por así decirlo, que es un conjunto particular que me parece bastante aterrador para escribir. Conjuntos de percusión. Soy el Quinteto del Viento. Un par de otros conjuntos estándar mirarán, porque mirar esos puede ser una muy buena manera de enfocarse en cómo escribir realmente bien para los vientos. Y entonces eso se aplica perfectamente cuando estamos mirando la sección de viento de una orquesta. Esa será la siguiente, la vertical. Sí, elemento vertical de escritura para conjunto. 51. Resumen: Hey a todos, quiero aprender más sobre lo que estoy haciendo. Puedes inscribirte aquí a mi lista de correo electrónico. Y si haces eso, te avisaré cuándo se publiquen nuevos cursos y cuando haga adiciones o cambios a los cursos en los que ya estás inscrito. Además, echa un vistazo a este sitio. Yo publico un montón de cosas allí y me chequeo en ella todos los días. Así que por favor ven a pasar el rato conmigo. Y uno de esos dos lugares son o ambos? Y nos vemos ahí.